Olejomalby japonských umělců. Umělci Japonska - od starověku až po současnost

japonský klasická malba má dlouhou a zajímavý příběh. Výtvarné umění Japonska je zastoupeno v různé styly a žánry, z nichž každý je svým způsobem jedinečný. Starověké malované figurky a geometrické motivy nalezené na dotaku bronzových zvonech a střepůch keramiky pocházejí z roku 300 našeho letopočtu.

Buddhistická orientace umění

V Japonsku bylo umění nástěnné malby docela dobře rozvinuté, v 6. století byly obzvláště populární obrazy na téma filozofie buddhismu. V té době se v zemi stavěly velké chrámy a jejich stěny byly všude zdobeny freskami namalovanými podle zápletek buddhistických mýtů a legend. V chrámu Horyuji nedaleko japonského města Nara se dosud dochovaly starověké vzorky nástěnných maleb. Horyujiho fresky zobrazují výjevy ze života Buddhy a dalších bohů. Umělecký styl těchto fresek je velmi blízký obrazovému pojetí populárnímu v Číně za dynastie Song.

Malebný styl dynastie Tang získal zvláštní popularitu uprostřed období Nara. Fresky nalezené v hrobce Takamatsuzuky patří do tohoto období a jsou datovány přibližně do 7. století našeho letopočtu. Umělecká technika, vzniklý pod vlivem dynastie Tang, následně vytvořil základ malířského žánru kara-e. Tento žánr si udržel svou popularitu až do objevení prvních děl ve stylu yamato-e. Většina fresek a obrazových děl pochází od neznámých umělců, dnes je mnoho děl z té doby uloženo v pokladnici Sesoin.

Rostoucí vliv nových buddhistických škol, jako je Tendai, ovlivnil širokou náboženskou orientaci. výtvarné umění Japonsko v 8. a 9. století. V 10. století, během kterého se rozvíjel zejména japonský buddhismus, se objevuje žánr raigozu, „uvítacích maleb“, zobrazujících příchod Buddhy do Západního ráje. První příklady raigōzu pocházející z roku 1053 lze vidět v chrámu Bedo-in, který je zachován ve městě Uji v prefektuře Kjóto.

Změna stylů

V polovině období Heian byl čínský styl kara-e nahrazen žánrem yamato-e, který se na dlouhou dobu stal jedním z nejoblíbenějších a nejžádanějších žánrů japonské malby. Nový obrazový styl se uplatnil především u skládacích zástěn a posuvných dveří. Postupem času se yamato-e přesunulo k horizontálním svitkům emakimono. Umělci, kteří pracovali v žánru emaki, se snažili ve svých dílech zprostředkovat veškerou emocionalitu zvoleného děje. Svitek Genji monogatari se skládal z několika epizod spojených dohromady, které umělci té doby používali rychlé tahy a jasné, výrazné barvy.

E-maki je jedním z nejstarších a nejprominentnějších příkladů otoko-e, malířského žánru. mužské portréty. Ženské portréty vyčleněný jako samostatný žánr onna-e. Mezi těmito žánry ve skutečnosti, stejně jako mezi muži a ženami, jsou poměrně značné rozdíly. Styl onna-e je barevně zastoupen v designu Tale of Genji, kde jsou hlavními motivy kreseb romantické zápletky, výjevy ze života u soudu. Mužský styl otoko-e je převážně umělecký obraz historické bitvy a další důležité události v životě říše.

Klasická japonská umělecká škola se stala úrodnou půdou pro rozvoj a propagaci myšlenek. soudobé umění Japonsko, kde je jasně vidět vliv pop kultury a anime. Jedním z nejznámějších japonských umělců současnosti je Takashi Murakami, jehož tvorba se věnuje zobrazování výjevů z japonského života v poválečném období a konceptu maximálního spojení výtvarného umění a mainstreamu.

Od slavných japonských umělců klasická škola lze jmenovat následující.

Napjatý Shubun

Shubun pracoval na počátku 15. století a věnoval mnoho času studiu děl čínských mistrů éry dynastie Song, tento muž stál u počátků japonské fajn žánr. Shubun je považován za zakladatele sumi-e, monochromatické tušové malby. Vynaložil mnoho úsilí na popularizaci nového žánru a proměnil jej v jeden z předních trendů japonské malby. Shubunovými studenty bylo mnoho umělců, kteří se později proslavili, včetně Sesshu a zakladatele slavného umělecká škola Kano Masanobu. Shubunovi bylo připisováno mnoho krajin, ale za jeho nejslavnější dílo je tradičně považováno Čtení v bambusovém háji.

Ogata Korin (1658-1716)

Ogata Korin je jedním z nich významných umělců v dějinách japonské malby zakladatel a jeden z nejjasnějších představitelů umělecký styl rimpa. Korin se ve svých dílech odvážně odklonil od tradičních stereotypů a vytvořil si vlastní vlastní styl, jehož hlavní charakteristikou byly malé formy a živý impresionismus děje. Korin je známý svou zvláštní dovedností v zobrazování přírody a práci s abstraktními barevnými kompozicemi. "Švestkový květ červený a bílý" je jedním z nejvíce slavných děl Známé jsou také Ogata Korina, jeho obrazy „Chryzantémy“, „Vlny Matsušimy“ a řada dalších.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Tohaku je zakladatelem japonské umělecké školy Hasegawa. Pro rané období Tohakuovo dílo se vyznačuje vlivem slavné školy japonského malířství Kano, ale postupem času si umělec vytvořil svůj vlastní jedinečný styl. V mnoha ohledech byla Tohakuova tvorba ovlivněna dílem uznávaného mistra Sesshu, Hosegawa se dokonce považoval za pátého pokračovatele tohoto velkého mistra. Obraz Hasegawy Tohaku "Pines" obdržel světová sláva, známá jsou i jeho díla „Javor“, „Borovice a kvetoucí rostliny“ a další.

Kano Eitoku (1543–1590)

Školní styl Kanō dominoval výtvarnému umění Japonska asi čtyři staletí a Kanō Eitoku je možná jedním z nejslavnějších a prominentní představitelé tato umělecká škola. Eitoku byl úřady nakloněn, patronát aristokratů a bohatých mecenášů nemohl nepřispívat k posílení jeho školy a popularitě tohoto díla bezpochyby velmi talentovaný umělec. Osmipanelová posuvná zástěna "Cypress", namalovaná Eitoku Kano, je skutečným mistrovským dílem a ukázkovým příkladem rozsah a síla stylu Monoyama. Neméně zajímavě vypadají i další díla mistra, jako jsou „Ptáci a stromy čtyř ročních období“, „Čínští lvi“, „Poustevníci a víla“ a mnoho dalších.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hokusai - největší mistr ukiyo-e (japonský dřevoryt). Hokusaiovo dílo získalo celosvětové uznání, jeho sláva v jiných zemích není srovnatelná s popularitou většiny asijských umělců, jeho dílo " Velká vlna v Kanagawě“ se stalo něco jako vizitka Japonské výtvarné umění na světové umělecké scéně. Sám kreativním způsobem Hokusai používal více než třicet pseudonymů, po šedesátce se umělec věnoval výhradně umění a právě tato doba je považována za nejplodnější období jeho tvorby. Hokusaiovo dílo ovlivnilo tvorbu západních impresionistických a postimpresionistických mistrů, včetně díla Renoira, Moneta a van Gogha.

Umění a design

2702

01.02.18 09:02

Dnešní umělecká scéna v Japonsku je velmi rozmanitá a provokativní: při pohledu na díla mistrů ze Země vycházejícího slunce si budete myslet, že jste přistáli na jiné planetě! Je domovem inovátorů, kteří změnili prostředí průmyslu globální měřítko. Zde je seznam 10 současných japonských umělců a jejich výtvorů, od neuvěřitelných stvoření Takashi Murakamiho (který dnes slaví narozeniny) až po barevný vesmír Kusama.

Od futuristických světů po tečkovaná souhvězdí: současní japonští umělci

Takashi Murakami: tradicionalista a klasik

Začněme hrdinou této příležitosti! Takashi Murakami je jedním z nejikoničtějších japonských současných umělců, pracuje na malbách, velkých sochách a módě. Murakamiho styl je ovlivněn mangou a anime. Je zakladatelem hnutí Superflat, které podporuje japonské umělecké tradice a poválečnou kulturu země. Murakami povýšil mnoho svých kolegů současníků, s některými se dnes také seznámíme. „Subkulturní“ díla Takashi Murakamiho jsou prezentována na trzích s módou a uměním. Jeho provokativní My Lonesome Cowboy (1998) se v roce 2008 prodal v New Yorku v Sotheby's za rekordních 15,2 milionu dolarů. Murakami spolupracoval se světoznámými značkami Marc Jacobs, Louis Vuitton a Issey Miyake.

Tycho Asima a její surrealistický vesmír

Chiho Ashima, členka umělecké produkční společnosti Kaikai Kiki a hnutí Superflat (oba založil Takashi Murakami), je známá svými fantazijními městy a podivnými popovými stvořeními. Umělec vytváří surrealistické sny obývané démony, duchy, mladými kráskami zobrazenými na pozadí cizí přírody. Její díla jsou většinou velkoplošná a tištěná na papír, kůži, plast. V roce 2006 tento moderní Japonský umělec se zúčastnil Art on the Underground v Londýně. Pro plošinu vytvořila 17 po sobě jdoucích oblouků – magická krajina se postupně proměnila ze dne v noc, z města do venkova. Tento zázrak vykvetl na stanici metra Gloucester Road.

Chiharu Shima a Infinite Threads

Další umělec, Chiharu Shiota, pracuje na rozsáhlých vizuálních instalacích pro konkrétní památky. Narodila se v Ósace, ale nyní žije v Německu – v Berlíně. Ústřední témata její dílo je zapomnění a paměť, sny a realita, minulost a přítomnost a také konfrontace úzkosti. Většina slavných děl Chiharu Shiota - neprostupné sítě z černé nitě, pokrývající různé předměty pro domácnost a osobní věci - jako jsou staré židle, Svatební šaty, spálený klavír. V létě 2014 Shiota spojila více než 300 jí darovaných bot a bot s nitěmi z červené příze a zavěsila je na háčky. První výstava Tiharu v hlavním městě Německa se konala během Berlína výtvarný týden v roce 2016 a vyvolalo senzaci.

Hej Arakawa: všude, ne nikde

Ei Arakawa je inspirován stavy změn, obdobími nestability, prvky rizika a jeho instalace často symbolizují témata přátelství a kolektivní práce. Krédo současného japonského umělce je definováno performativním neurčitým „všude, ale nikde“. Jeho výtvory se objevují na nečekaných místech. V roce 2013 bylo Arakawovo dílo vystaveno na Bienále v Benátkách a na výstavě současného japonského umění v Mori Art Museum (Tokio). Instalace Hawaiian Presence (2014) vznikla ve spolupráci s umělkyní Carissou Rodriguez z New Yorku a vystupovala na Whitney Biennale. Také v roce 2014 Arakawa a jeho bratr Tomu, vystupující jako duet s názvem United Brothers, nabídli návštěvníkům Frieze London své „dílo“ „The This Soup Taste Ambivalent“ s „radioaktivními“ kořeny fukušimského daikonu.

Koki Tanaka: Vztah a opakování

V roce 2015 byl Koki Tanaka jmenován umělcem roku. Tanaka zkoumá sdílené zkušenosti kreativity a představivosti, podporuje výměnu mezi účastníky projektu a obhajuje nová pravidla pro spolupráci. Jeho instalace v japonském pavilonu na Benátském bienále v roce 2013 sestávala z videí objektů proměňujících prostor v platformu pro výměnu umění. Instalace Kokiho Tanaky (nezaměňovat s jeho plnohodnotným hercem) ilustrují vztah mezi předměty a akcemi, jako je videozáznam jednoduchých gest prováděných s obyčejnými předměty (krájení zeleniny nožem, nalévání piva do sklenice, otevírání deštníku) . Neděje se nic podstatného, ​​ale obsedantní opakování a pozornost nejmenší detaily aby divák ocenil všednost.

Mariko Mori a aerodynamické tvary

Další současná japonská umělkyně Mariko Mori „kouzlí“ multimediální objekty, kombinuje videa, fotky, objekty. Má minimalistickou futuristickou vizi a elegantní, surrealistické formy. Opakujícím se tématem v Mauryho díle je juxtapozice západní legendy se západní kulturou. V roce 2010 Mariko založila nadaci Fau Foundation, vzdělávací kulturu nezisková organizace, pro kterou vytvořila sérii svých uměleckých instalací na počest šesti obydlených kontinentů. Nedávno byla stálá instalace nadace The Ring: One with Nature vyzdvižena nad malebným vodopádem v Resende poblíž Rio de Janeira.

Ryoji Ikeda: Syntéza zvuku a videa

Ryoji Ikeda je umělcem a skladatelem nových médií, jehož práce souvisí především se zvukem v různých „surových“ stavech, od sinusových zvuků až po zvuky využívající frekvence na hranici lidského sluchu. Jeho dechberoucí instalace zahrnují počítačem generované zvuky, které jsou vizuálně transformovány do videoprojekcí nebo digitálních šablon. Audiovizuální umělecké objekty Ikedy využívají měřítko, světlo, stín, hlasitost, elektronické zvuky a rytmus. Umělcův slavný testovací objekt se skládá z pěti projektorů, které osvětlují plochu 28 metrů dlouhou a 8 metrů širokou. Jednotka převádí data (text, zvuky, fotografie a filmy) na čárový kód a binární vzory nul a jedniček.

Tatsuo Miyajima a LED počítadla

Současný japonský sochař a umělec instalací Tatsuo Miyajima používá ve svém umění elektrické obvody, video, počítače a další gadgety. Základní koncepty Miyajimy jsou inspirovány humanistické myšlenky a buddhistické učení. LED počítadla v jeho nastavení nepřetržitě blikají v opakování 1 až 9, což symbolizuje cestu od života ke smrti, ale vyhýbají se definitivnosti, kterou představuje 0 (nula se v Tatsuově díle nikdy neobjevuje). Všudypřítomná čísla v mřížkách, věžích a diagramech vyjadřují Miyajimův zájem o myšlenky kontinuity, věčnosti, spojení a toku času a prostoru. Není to tak dávno, co byl objekt Miyajima Arrow of Time vystaven na zahajovací výstavě „Incomplete Thoughts Visible in New York“.

Nara Yoshimoto a zlé děti

Nara Yoshimoto vytváří obrazy, sochy a kresby dětí a psů, náměty, které odrážejí dětský pocit nudy a frustrace a divokou nezávislost, která je pro batolata přirozená. Estetika Yoshimotova díla připomíná tradiční knižní ilustrace, je směsí neklidného napětí a umělcovy lásky k punk rocku. V roce 2011 hostilo Muzeum asijské společnosti v New Yorku první osobní výstava Yoshimoto s názvem "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool" zachycující 20letou kariéru současného japonského umělce. Exponáty byly úzce spjaty se světovými subkulturami mládeže, jejich odcizením a protestem.

Yayoi Kusama a prostor, který roste s exotickými formami

Překvapující tvůrčí biografie Yayoi Kusama trvá sedm desetiletí. Během této doby stihla úžasná Japonka vystudovat obory malba, grafika, koláž, sochařství, kino, rytina, environmentální umění, instalace, ale i literatura, móda a módní návrhářství. Kusama vyvinula vysoce osobitý styl dot art, který se stal její obchodní značkou. Iluzorní vize prezentované v dílech 88leté Kusamy - kdy se svět zdá být pokrytý množícími se podivnými formami - jsou výsledkem halucinací, které prožívala od dětství. Místnosti s barevnými tečkami a "nekonečnými" zrcadly odrážejícími jejich nahromadění jsou rozpoznatelné, nelze je zaměnit s ničím jiným.

Což zahrnuje mnoho technik a stylů. V průběhu své historie prošel velký počet Změny. Přibyly nové tradice a žánry a zůstaly původní japonské principy. Spolu s úžasnou historií Japonska je obraz také připraven představit mnoho jedinečných a zajímavých faktů.

starověké Japonsko

První styly se objevují v nejstarším historickém období země, ještě před Kristem. E. Tehdy bylo umění docela primitivní. Nejprve v roce 300 př. e. byly různé geometrické obrazce které se vyráběly na keramice hůlkami. Takový nález archeologů jako ozdoba na bronzových zvonech patří do pozdější doby.

O něco později, již v roce 300 n.l. e. se objeví jeskynní kresby které jsou mnohem rozmanitější. geometrický ornament. Jedná se již o plnohodnotné snímky s obrázky. Byly nalezeny uvnitř krypt a pravděpodobně na těchto pohřebištích byli pohřbeni lidé, kteří jsou na nich namalováni.

V 7. století našeho letopočtu. E. Japonsko přejímá písmo, které pochází z Číny. Zhruba ve stejné době odtud pocházejí první obrazy. Poté se malba jeví jako samostatná sféra umění.

edo

Edo není zdaleka první a ne poslední obraz, ale byla to právě ona, kdo přinesl do kultury spoustu nového. Za prvé je to jas a lesk, které byly přidány k obvyklé technice, provedené v černých a šedých tónech. Sotasu je považován za nejvýznamnějšího umělce tohoto stylu. Vytvořil klasické obrazy ale jeho postavy byly velmi barevné. Později přešel k přírodě a většina krajin byla provedena na pozadí zlacení.

Za druhé, v období Edo se objevila exotika, žánr namban. Používala moderní evropské a Čínští technici které se prolínají s tradičními japonskými styly.

A do třetice se objevuje škola Nang. Umělci v něm nejprve zcela napodobují nebo dokonce kopírují díla čínských mistrů. Poté se objeví nová větev, která se nazývá bunjing.

Období modernizace

Období Edo nahrazuje Meiji a nyní je do něj nucena vstoupit japonská malba nová etapa rozvoj. V této době se po celém světě prosazovaly žánry jako western a podobně, takže modernizace umění se stala běžnou záležitostí. Nicméně v Japonsku, zemi, kde všichni lidé ctí tradice, v daný čas věci byly velmi odlišné od toho, co se stalo v jiných zemích. Zde prudce vzplane konkurence mezi evropskými a místními techniky.

Vláda v této fázi dává přednost mladým umělcům, kteří slouží Velká očekávání zlepšit dovednosti v západních stylech. Posílají je proto do škol v Evropě a Americe.

Ale to bylo jen na začátku období. Faktem je, že význační kritici do značné míry kritizoval západní umění. Abyste se vyhnuli velkému humbuku kolem tohoto problému, evropské styly a techniky začaly být na výstavách zakázány, jejich vystavování ustalo, stejně jako jejich obliba.

Vznik evropských stylů

Pak přichází období Taisho. V této době se do vlasti vracejí mladí umělci, kteří odešli studovat na zahraniční školy. Přirozeně s sebou přinášejí nové styly japonské malby, které jsou velmi podobné té evropské. Objevuje se impresionismus a postimpresionismus.

V této fázi vzniká mnoho škol, ve kterých se oživují staré japonské styly. Ale úplně se zbavit západních tendencí není možné. Proto je nutné kombinovat několik technik, abychom potěšili jak milovníky klasiky, tak fanoušky moderní evropské malby.

Některé školy jsou financovány státem, díky čemuž jsou zachovány mnohé z národních tradic. Soukromí obchodníci jsou naopak nuceni následovat spotřebitele, kteří chtějí něco nového, klasika je už nebaví.

WWII malba

Po vypuknutí války zůstala japonská malba nějakou dobu stranou událostí. Vyvíjel se samostatně a nezávisle. Ale takhle to nemohlo jít věčně.

Postupem času, kdy se politická situace v zemi zhoršuje, přitahují vysoké a respektované osobnosti mnoho umělců. Někteří z nich i na začátku války začínají tvořit ve vlasteneckých stylech. Zbytek zahajuje tento proces pouze na příkaz úřadů.

V souladu s tím se japonské výtvarné umění během druhé světové války nemohlo zvlášť rozvíjet. Proto pro malování lze nazvat stagnující.

Věčná Suibokuga

Japonská malba sumi-e neboli suibokuga znamená „kresba tuší“. To určuje styl a techniku toto umění. Pocházel z Číny, ale Japonci se rozhodli dát mu vlastní jméno. A zpočátku tato technika neměla žádnou estetickou stránku. Používali ho mniši k sebezdokonalování při studiu zenu. Navíc nejprve kreslili obrázky a později si trénovali koncentraci při jejich prohlížení. Mniši věřili, že přísné linie, neurčité tóny a stíny napomáhají ke zlepšení - to vše se nazývá monochromatické.

Japonská malba tuší není i přes širokou paletu maleb a technik tak složitá, jak by se na první pohled mohlo zdát. Je založen pouze na 4 parcelách:

1. Chryzantéma.
2. Orchidej.
3. Švestková větev.
4. Bambus.

Malý počet pozemků neurychluje rozvoj technologií. Někteří mistři věří, že učení trvá celý život.

Navzdory skutečnosti, že se sumi-e objevilo již dávno, je vždy žádané. Navíc dnes můžete mistry této školy potkat nejen v Japonsku, je rozšířena i daleko za jeho hranicemi.

Moderní období

Na konci druhé světové války umění v Japonsku vzkvétalo jen ve velkých městech, vesničané a vesničané měli dost starostí. Umělci se většinou snažili otočit zády k válečným ztrátám a zobrazit moderní městský život se všemi jeho ozdobami a rysy na plátně. Evropské a americké myšlenky byly úspěšně přijaty, ale tento stav netrval dlouho. Mnoho mistrů se od nich začalo postupně vzdalovat směrem k japonským školám.

Tradiční styl byl vždy módní. Proto se moderní japonská malba může lišit pouze v technice provedení nebo v použitých materiálech. Většina umělců ale různé novinky nevnímá dobře.

O módních nemluvě moderní subkultury jako jsou anime a podobné styly. Mnoho umělců se snaží smazat hranici mezi klasikou a tím, co je dnes žádané. Z velké části je tento stav způsoben komercí. Klasika a tradičních žánrů ve skutečnosti nekupují, proto je nerentabilní pracovat jako umělec ve svém oblíbeném žánru, musíte se přizpůsobit módě.

Závěr

Japonská malba je bezesporu pokladnicí výtvarného umění. Možná, že dotyčná země zůstala jedinou, která se neřídila západními trendy, nepřizpůsobila se módě. Navzdory mnoha úderům v době příchodu nových technik se umělci Japonska stále dokázali bránit národní tradice v mnoha žánrech. Zřejmě proto jsou v moderní době na výstavách vysoce ceněny obrazy provedené v klasických stylech.

Máte rádi japonskou malbu? Kolik toho víte o slavných japonských umělcích? Pojďme se podívat na to nejvíce slavných umělců Japonsko, kteří vytvořili svá díla ve stylu ukiyo-e (浮世絵). Tento styl malby se vyvíjel od období Edo. Hieroglyfy, které píší tento styl 浮世絵 doslova znamenají „obrazy (obrazy) měnícího se světa“, můžete si přečíst více o tomto směru malby

Hisikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Považován za zakladatele žánru ukiyo-e, i když ve skutečnosti je pouze prvním mistrem, jehož život se zachoval. biografické informace. Moronobu se narodil v rodině mistra barvení látek a vyšívání zlatými a stříbrnými nitěmi a rodinnému řemeslu se věnuje již dlouhou dobu, takže charakteristickým znakem jeho práce jsou nádherně zdobené oděvy krásek, které působí nádherným uměleckým dojmem. .

Po přestěhování do Eda nejprve samostatně studoval malířské techniky a poté ve studiu pokračoval výtvarník Kambun.

Převážně se k nám dostala Moronobuova alba, na kterých zobrazuje historické a literární náměty a knihy se vzory pro kimona. Mistr pracoval i v žánru šunga a mezi jednotlivými díly se dochovalo několik zobrazující krásné ženy.

(鳥居清長, 1752-1815). Mistr Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei), uznaný na konci 18. století, nesl pseudonym Torii Kiyonaga, který převzal poté, co zdědil školu ukiyo-e Torii od Torii Kiyomitsu po jeho smrti.

Kiyonaga se narodil v rodině knihkupce Shirakoya Ishibei. Největší slávu mu přinesl žánr bijinga, i když začínal s yakusha-e. Pozemky pro rytiny v žánru bijinga byly převzaty z každodenního života: procházky, slavnostní průvody, vycházení do přírody. Mezi mnoha umělcovými díly patří série „Soutěž módních krásek ze zábavných čtvrtí“ zobrazující Minami, jednu ze „zábavných čtvrtí“ na jihu Eda, „12 portrétů jižních krásek“, „10 typů čajoven“ vyčnívat. punc mistrem byla podrobná studie pohledu na pozadí a použití technik, které přišly ze Západu k zobrazení světla a prostoru.

Kiyonaga získal svou počáteční slávu obnovením série „Models of Fashion: Models New as Spring Foliage“ v roce 1782, kterou začal Koryusai v 70. letech 18. století pro vydavatele Nishimurai Yohachi.

(喜多川歌麿, 1753-1806). Tento významný mistr ukiyo-e byl významně ovlivněn Torii Kiyonaga a vydavatelem Tsutai Juzaburo. V důsledku dlouhé spolupráce s posledně jmenovaným vyšlo mnoho alb, knih s ilustracemi a série rytin.

Navzdory skutečnosti, že Utamaro přebíral příběhy ze života prostých řemeslníků a snažil se zobrazovat přírodu („Kniha hmyzu“), proslul jako umělec děl věnovaných gejšám ze čtvrti Yoshiwara („Ročenka Yoshiwara Green Houses“ ).

Utamaro dosáhl vysoká úroveň ve vyjádření duševních stavů na papíře. Poprvé se v japonských dřevorytech začaly používat kompozice hrudníku.

Bylo to dílo Utamaro, které ovlivnilo francouzských impresionistů a přispěl k zájmu Evropanů o japonské rytiny.

(葛飾北斎, 1760-1849). Hokusaiovo skutečné jméno je Tokitaro. Pravděpodobně nejznámější mistr ukiyo-e po celém světě. Během své práce používal přes třicet pseudonymů. Historici poměrně často používají k periodizaci jeho díla pseudonymy.

Hokusai nejprve pracoval jako řezbář, jehož tvorba byla limitována záměrem umělce. Tato skutečnost Hokusaie zatížila a začal se hledat jako nezávislý umělec.

V roce 1778 se stal učedníkem v ateliéru Katsukawa Shunsho, který se specializoval na tisky yakusha-e. Hokusai byl talentovaný a velmi pilný student, který vždy projevoval úctu učiteli, a proto se těšil zvláštní přízni Shunsho. Tedy první samostatná práce Hokusai byli v žánru yakusha-e ve formě diptychů a triptychů a popularita studenta byla stejná jako u učitele. V této době již mladý mistr rozvinul svůj talent natolik, že se to v rámci jedné školy naplnilo a po smrti učitele Hokusai opustil ateliér a studoval směry dalších škol: Kano, Sotatsu (jinak Koetsu), Rinpa, Tosa.

Během tohoto období umělec zažívá značné finanční potíže. Zároveň ale probíhá jeho formování jako mistra, který odmítá obvyklou image, kterou společnost požadovala, a hledá svůj vlastní styl.

V roce 1795 vyšly ilustrace k poetické antologii Keka Edo Murasaki. Poté Hokusai maloval obrazy surimono, které okamžitě začaly být populární a mnoho umělců je začalo napodobovat.

Od tohoto období začal Tokitaro svá díla podepisovat jménem Hokusai, i když některé jeho práce vycházely pod pseudonymy Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.

V roce 1800 si mistr začal říkat Gakejin Hokusai, což znamená „Malování šíleného Hokusaie“.

Slavná série ilustrací zahrnuje „36 pohledů na horu Fuji“, z nichž „Vítězný vítr. Clear Day“ nebo „Red Fuji“ a „The Great Wave off Kanagawa“, „100 Views of Mount Fuji“, vydané ve třech albech „Hokusai Manga“ (北斎漫画), které se nazývá „encyklopedie Japonci". Umělec investoval do "Manga" všechny své názory na kreativitu, filozofii. "Manga" je nejdůležitějším zdrojem pro studium života Japonska v té době, protože zahrnuje mnoho kulturních aspektů. Během života umělce vyšlo celkem dvanáct čísel a po jeho smrti - další tři:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (po smrti umělce)

Hokusaiovo umění ovlivnilo taková evropská hnutí, jako je secese a francouzský impresionismus.

(河鍋暁斎, 1831-1889). Používal pseudonymy Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin, studoval na škole Kano.

Na rozdíl od Hokusaie byl Kyosai poněkud drzý, což způsobilo, že se rozcházel s umělcem Tsuboyamou Tozanem. Po škole se stal samostatným mistrem, i když ji občas ještě pět let navštěvoval. V té době maloval kyogu, takzvané „bláznivé obrázky“.

Mezi vynikajícími rytinami se rozlišuje „Sto obrazů Kyosai“. Jako ilustrátor Kyosai spolupracuje s dalšími umělci na tvorbě ilustrací pro povídky a romány.

Na konci 19. století Evropané Japonsko často navštěvovali. Umělec některé z nich znal a několik jeho děl je nyní v Britském muzeu.

(歌川広重, 1797-1858). Působil pod pseudonymem Ando Hiroshige (安藤広重) a je známý svým jemným ztvárněním přírodních motivů a přírodních jevů. První obraz „Mount Fuji in the snow“, který je nyní uložen v tokijském muzeu Suntory, napsal ve věku deseti let. Pozemky rané práce na základě skutečné události odehrávající se v ulicích. Jeho slavné cykly: „100 pohledů na Edo“, „36 pohledů na horu Fuji“, „53 stanic Tokaido“, „69 stanic Kimokaido“, „100 slavných pohledů na Edo“. Monet a ruský umělec Bilibin byli velmi ovlivněni 53 stanicemi Tokaidské silnice, namalovanými po cestě po East Seaside Road, a také 100 pohledy na Edo. Ze série kacho-ga 25 rytin je nejznámější list „Vrabci nad zasněženou kamélií“.

(歌川 国貞, také známý jako Utagawa Toyokuni III (jap. 三代歌川豊国)). Jeden z nejvíce vynikající umělci ukiyo-e.

Zvláštní pozornost věnoval hercům kabuki a samotnému divadlu - to je asi 60% všech děl. Známá jsou také díla v žánru bijinga a portréty zápasníků sumo. Je známo, že vytvořil 20 až 25 tisíc příběhů, které zahrnovaly 35-40 tisíc listů. Málokdy se věnoval krajinám a válečníkům. Utagawa Kuniyoshi (歌川国芳, 1798-1861) Narodil se v rodině barvíře hedvábí. Kuniyoshi se začal učit kreslit v deseti letech, když žil v rodině umělce Kuninao. Poté pokračoval ve studiu u Katsukawa Shun'ei a ve 13 letech vstoupil do dílny Tokuyoni. V prvních letech mladého umělce se věci nevyvíjejí dobře. Ale po obdržení objednávky od vydavatele Kagaya Kitibei na pět výtisků série 108 Suikoden Heroes se věci daly do pohybu. Vytvoří zbytek postav v této sérii a poté pokračuje v dalších různých zaměstnáních a po patnácti letech je na stejné úrovni jako Utagawa Hiroshige a Utagawa Kunisada.

Po zákazu obrázků v roce 1842 divadelní scény, herci, gejši a kurtizány, Kuniyoshi píše svůj „kočičí“ seriál, vyrábí rytiny z naučného seriálu pro ženy v domácnosti a děti, zobrazuje národní hrdinové v cyklu "Tradice, morálka a děkanství" a koncem 40. let 19. století - začátkem 50. let 19. století, po uvolnění zákazů, se umělec vrací k tématu kabuki.

(渓斎英泉, 1790-1848). Známý svými pracemi v žánru licitace. Mezi jeho nejlepší práce patří portréty typu okubi-e („velké hlavy“), které jsou považovány za ukázky řemeslného umění éry Bunsei (1818-1830), kdy byl žánr ukiyo-e na ústupu. Umělec napsal mnoho lyrických a erotických surimon, stejně jako cyklus krajin „Šedesát devět stanic Kisokaido“, který nemohl dokončit a Hiroshige ho dokončil.

Novinkou v zobrazení bijingy byla smyslnost, kterou jiní umělci dříve neměli. Z jeho děl pochopíme tehdejší módu. Vydal také biografie čtyřiceti sedmi Roninů a napsal několik dalších knih, včetně Historie tisků Ukiyo-e (Ukiyo-e ruiko), která obsahuje biografie umělců. A v Zápiscích bezejmenného staršího se popsal jako zhýralého opilce a bývalého majitele nevěstince Nezu, který ve 30. letech 19. století vyhořel do základů.

Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770) Skutečné jméno umělce je Hozumi Jirobei. Je průkopníkem polychromovaného tisku ukiyo-e. Studoval na škole Kano a studoval malbu. Poté, pod vlivem Shigenaga Nishimura a Toriya Kiyomitsu, se dřevořezba stala jeho vášní. Od počátku 18. století se vyráběly dvou až tříbarevné tisky a Harunobu začal malovat obrazy v deseti barvách, a to pomocí tří desek a kombinování tří barev – žluté, modré a červené.

Vynikal v zobrazování pouličních scén a maleb v žánru šunga. A od 60. let 18. století byl jedním z prvních, kdo začal ztvárňovat herce divadla kabuki. Jeho tvorba ovlivnila E. Maneta a E. Degase.

(小原古邨, 1877 - 1945). Jeho skutečné jméno je Matao Ohara. Zobrazované scény z rusko-japonské a čínsko-japonské války. Když se však objevila fotografie, jeho práce se začala špatně prodávat a začal se živit výukou ve škole. výtvarné umění v Tokiu. V roce 1926 Ernest Felloza, kurátor odd japonské umění v Bostonském muzeu přesvědčil Ohara, aby se vrátil k malbě, a umělec začal zobrazovat ptáky a květiny a jeho práce se dobře prodávaly v zahraničí.

(伊藤若冲, 1716 - 1800). Mezi ostatními umělci vynikal svou výstředností a životním stylem, který spočíval v přátelství s mnoha kulturními a náboženští vůdci ten čas. Zobrazoval zvířata, květiny a ptáky velmi exotickým způsobem. Byl velmi slavný a přijímal objednávky na malování obrazovek a chrámových obrazů.

(鳥居清信, 1664-1729). Jeden z nejvýznamnějších představitelů raného období ukiyo-e. Přes velký vliv svého učitele Hisikawy Monorobu se stal zakladatelem žánru yakusha-e v zobrazování plakátů a plakátů a vynalezl svůj vlastní styl. Herci byli v roli ztvárněni ve speciálních pózách stateční hrdinové a byly vymalovány
ušlechtilý oranžová barva a darebáci byli vtaženi dovnitř modré květy. Pro zobrazení vášně umělec vynalezl zvláštní typ vzoru mimizugaki - to jsou vinuté linie se střídajícími se tenkými a tlustými tahy a kombinované s groteskním obrazem svalů končetin.

Torii Kiyonobu je zakladatelem dynastie umělců Torii. Jeho studenti byli Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I, Torii Kiyomitsu.

Kdo je tvůj oblíbený ukiyo-e umělec?

Japonský jazyk se od jakéhokoli evropského jazyka liší svou strukturou, což může způsobit určité potíže při učení. Nicméně, nebojte se! Speciálně pro vás jste vyvinuli kurz "", do kterého se můžete přihlásit právě teď!