Enciclopedia escolar. Principios artísticos del impresionismo ¿Qué es el impresionismo en la pintura brevemente?

La palabra "impresionismo" se deriva de la "impresión" francesa - impresión. Este es un movimiento pictórico que se originó en Francia en la década de 1860. y determinó en gran medida el desarrollo del arte en el siglo XIX. Las figuras centrales de este movimiento fueron Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir y Sisley, y la contribución de cada uno de ellos a su desarrollo es única. Los impresionistas se opusieron a las convenciones del clasicismo, el romanticismo y el academicismo, afirmaron la belleza de la realidad cotidiana, los motivos simples y democráticos, lograron la autenticidad viva de la imagen, intentaron capturar la "impresión" de lo que el ojo ve en un momento determinado, sin enfocarse. en dibujar detalles específicos.

En la primavera de 1874, un grupo de jóvenes pintores, entre ellos Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Degas, Cezanne y Berthe Morisot, descuidaron el Salón oficial y organizaron su propia exposición. Semejante acto en sí fue revolucionario y rompió con cimientos centenarios, pero las pinturas de estos artistas a primera vista parecían aún más hostiles a la tradición. La reacción de visitantes y críticos ante esta innovación estuvo lejos de ser amistosa. Acusaron a los artistas de pintar simplemente para atraer la atención del público y no como maestros reconocidos. Los más indulgentes veían su trabajo como una burla, como un intento de burlarse de la gente honesta. Fueron necesarios años de feroz lucha antes de que estos clásicos de la pintura reconocidos posteriormente pudieran convencer al público no sólo de su sinceridad, sino también de su talento.

Tratando de expresar con la mayor precisión posible sus impresiones directas de las cosas, los impresionistas crearon un nuevo método de pintura. Su esencia era transmitir la impresión externa de luces, sombras y reflejos en la superficie de los objetos con pinceladas separadas de pintura pura, que disolvían visualmente la forma en el entorno luminoso circundante. En sus géneros favoritos (paisaje, retrato, composición de múltiples figuras), buscaron transmitir sus fugaces impresiones del mundo que los rodeaba (escenas en la calle, en un café, bocetos de paseos dominicales, etc.). Los impresionistas describieron una vida llena de poesía natural, donde el hombre está en unidad con ambiente, siempre cambiante, sorprendente con la riqueza y el brillo de lo puro, colores brillantes.

Después de la primera exposición en París, estos artistas comenzaron a ser llamados impresionistas, desde Palabra francesa"impresión" - "impresión". Esta palabra era adecuada para sus obras, porque en ellas los artistas transmitían su impresión directa de lo que veían. Los artistas adoptaron un nuevo enfoque para representar el mundo. El tema principal para ellos era la luz temblorosa, el aire en el que parecían estar sumergidos personas y objetos. En sus cuadros se podía sentir el viento, la tierra mojada calentada por el sol. Buscaban mostrar la asombrosa riqueza de color de la naturaleza. El impresionismo fue el último movimiento artístico importante en Francia XIX siglo.

No se puede decir que el camino de los artistas impresionistas fuera fácil. Al principio no fueron reconocidos, su pintura era demasiado atrevida e inusual, se reían de ellos. Nadie quería comprar sus cuadros. Pero obstinadamente siguieron su propio camino. Ni la pobreza ni el hambre pudieron obligarlos a abandonar sus creencias. Pasaron muchos años, muchos de los artistas impresionistas ya no estaban vivos cuando finalmente su arte fue reconocido.

Todos estos artistas tan diferentes estaban unidos por una lucha común contra el conservadurismo y el academicismo en el arte. Los impresionistas realizaron ocho exposiciones, la última en 1886. De hecho, esto pone fin a la historia del impresionismo como movimiento en la pintura, después del cual cada uno de los artistas siguió su propio camino.

Uno de los cuadros presentados en la primera exposición de “independientes”, como prefirieron llamarse los propios artistas, pertenecía a Claude Monet y se llamaba “Impresión”. Amanecer". En el que apareció al día siguiente. reseña periodística En la exposición, el crítico L. Leroy se burló de todas las formas posibles de la falta de "formalidad" en las pinturas, inclinando irónicamente en todos los sentidos la palabra "impresión" (impresión), como si reemplazara el arte genuino en las obras de los jóvenes. artistas. Contrariamente a lo esperado, la nueva palabra, pronunciada en burla, tuvo éxito y sirvió como nombre de todo el movimiento, ya que expresaba perfectamente lo común que unía a todos los participantes en la exposición: la experiencia subjetiva del color, la luz y el espacio. Tratando de expresar con la mayor precisión posible sus impresiones directas de las cosas, los artistas se liberaron de las reglas tradicionales y crearon un nuevo método de pintura.

Los impresionistas propusieron sus propios principios de percepción y visualización del mundo circundante. Borraron la línea entre los objetos principales dignos de gran arte y los objetos secundarios, establecieron una línea recta entre ellos y comentario. El método impresionista se convirtió así en la máxima expresión del principio mismo del pintoresquismo. El acercamiento pictórico a la imagen pasa precisamente por identificar las conexiones del objeto con el mundo que lo rodea. El nuevo método obligaba al espectador a descifrar no tanto los giros y vueltas de la trama, sino más bien los secretos de la pintura misma.

La esencia de la visión impresionista de la naturaleza y su representación radica en el debilitamiento de la percepción activa y analítica del espacio tridimensional y su reducción a la bidimensionalidad original del lienzo, determinada por una actitud visual plana, en palabras de A. Hildebrand, “mirada lejana a la naturaleza”, que lleva a distraer el objeto representado de sus cualidades materiales, fusionándolo con el entorno, transformándolo casi por completo en “apariencia”, una apariencia que se disuelve en la luz y el aire. No es casualidad que P. Cezanne llamara más tarde al líder de los impresionistas franceses, Claude Monet, "sólo con los ojos". Este "desapego" de la percepción visual también llevó a la supresión del "color de la memoria", es decir, la conexión del color con conceptos y asociaciones habituales de objetos, según los cuales el cielo es siempre azul y la hierba verde. Los impresionistas podían, según su visión, pintar el cielo de verde y la hierba de azul. La “plausibilidad objetiva” fue sacrificada a las leyes de la percepción visual. Por ejemplo, J. Seurat contó con entusiasmo a todos cómo descubrió que la arena costera anaranjada a la sombra es de un azul brillante. Así, el método de pintura se basó en el principio de percepción contrastante de colores complementarios.

Para un artista impresionista, en su mayor parte, lo importante no es lo que representa, sino “cómo”. El objeto se convierte sólo en un pretexto para resolver problemas puramente pictóricos, “visuales”. Por lo tanto, el impresionismo inicialmente tuvo otro nombre, luego olvidado: "cromanticismo" (del griego croma - color). Los impresionistas actualizaron su combinación de colores; abandonaron los colores oscuros y terrosos y aplicaron colores puros y espectrales al lienzo, casi sin mezclarlos primero en la paleta. El naturalismo del impresionismo consistió en el hecho de que lo más aburrido, ordinario y prosaico se convertía en bello tan pronto como el artista veía los sutiles matices del gris y el azul.

Caracterizado por la brevedad y el estudio. método creativo impresionismo. Después de todo, sólo un breve boceto permitió registrar con precisión los estados individuales de la naturaleza. Los impresionistas fueron los primeros en romper con los principios tradicionales de construcción espacial de una pintura, que se remontan al Renacimiento y al Barroco. Utilizaron composiciones asimétricas para resaltar mejor los personajes y objetos que les interesaban. Pero la paradoja fue que, habiendo abandonado el naturalismo del arte académico, destruyó sus cánones y declaró valor estético Al registrar todo lo fugaz, aleatorio, los impresionistas quedaron cautivos del pensamiento naturalista e incluso, además, en muchos sentidos esto fue un paso atrás. Cabe recordar las palabras de O. Spengler de que “el paisaje de Rembrandt se encuentra en algún lugar de los infinitos espacios del mundo, mientras que el paisaje de Claude Monet se encuentra cerca de la estación de tren”.

Todo tiene su origen en algún lugar del pasado, incluidas las pinturas que han cambiado con los tiempos, y las tendencias actuales no son claras para todos. Pero todo lo nuevo es viejo olvidado, y para comprender la pintura moderna no es necesario conocer la historia del arte desde la antigüedad, solo hay que recordarla. pintura XIX y siglos XX.

La mitad del siglo XIX fue una época de cambios no sólo en la historia, sino también en el arte. Todo lo que vino antes: el clasicismo, el romanticismo y especialmente el academicismo, movimientos limitados a ciertos límites. En Francia, en los años 50 y 60, las tendencias en pintura las marcaba el Salón oficial, pero el arte típico del “Salón” no convenía a todos, lo que explicaba las nuevas tendencias que surgían. Hubo una explosión revolucionaria en la pintura de esa época, que rompió con tradiciones centenarias y fundaciones. Y uno de los epicentros fue París, donde en la primavera de 1874 jóvenes pintores, entre los que se encontraban Monet, Pissarro, Sisley, Degas, Renoir y Cézanne, organizaron su propia exposición. Las obras presentadas allí eran completamente diferentes a las del salón. Los artistas utilizaron un método diferente: los reflejos, las sombras y la luz se transmitieron con colores puros, trazos individuales, la forma de cada objeto parecía disolverse en un ambiente de aire y luz. Ninguna otra dirección de la pintura conocía tales métodos. Estos efectos me ayudaron a expresar mis impresiones sobre las cosas, la naturaleza y las personas en constante cambio tanto como fuera posible. Un periodista llamó al grupo "impresionistas", queriendo mostrar así su desprecio por los artistas jóvenes. Pero aceptaron este término y finalmente echó raíces y entró en uso activo, perdiendo su significado negativo. Así surgió el impresionismo, a diferencia de todos los demás movimientos pictóricos del siglo XIX.

Al principio, la reacción a la innovación fue más que hostil. Demasiado atrevido y nueva pintura nadie quería comprar y tenían miedo, porque todos los críticos no tomaban en serio a los impresionistas, se reían de ellos. Muchos decían que los artistas impresionistas querían alcanzar una fama rápida, no estaban satisfechos con la marcada ruptura con el conservadurismo y el academicismo, así como con el aspecto inacabado y "descuidado" de la obra. Pero ni siquiera el hambre y la pobreza pudieron obligar a los artistas a abandonar sus creencias, y persistieron hasta que sus pinturas finalmente fueron reconocidas. Pero hubo que esperar demasiado para obtener el reconocimiento; algunos artistas impresionistas ya no estaban vivos.

Como resultado, el movimiento que se originó en París en los años 60 fue de gran importancia para el desarrollo del mundo. arte del siglo XIX y siglos XX. Después de todo, las direcciones futuras de la pintura se basaron precisamente en el impresionismo. Cada estilo posterior apareció en busca de uno nuevo. El postimpresionismo fue creado por los mismos impresionistas que decidieron que su método era limitado: el simbolismo profundo y polisemántico era una respuesta a la pintura que había “perdido su significado”, y el modernismo, incluso por su nombre, exige algo nuevo. Por supuesto, han ocurrido muchos cambios en el arte desde 1874, pero todos tendencias modernas en la pintura, de una forma u otra, parten de una fugaz impresión parisina.

Hoy en día es difícil encontrar una persona culta que no conozca las gráciles bailarinas de Degas, las exuberantes bellezas de Renoir o los paisajes con nenúfares de Claude Monet. El impresionismo surgió en Francia a finales del siglo XIX y principios del XX y posteriormente se extendió por todo el mundo. Ahora los impresionistas están a la par de los clásicos, contra quienes alguna vez se rebelaron, pero en un momento fue un movimiento progresista y revolucionario en la pintura.

La crisis del arte en el siglo XIX

EN mediados del 19 Durante siglos, tres estilos lucharon en la pintura: clasicismo, romanticismo y realismo. Todos ellos exigían que el artista tuviera una gran habilidad para dibujar y copiar fielmente el objeto representado. Mientras tanto, el clasicismo y el romanticismo mostraban el mundo de una manera demasiado idealizada y el realismo, por el contrario, demasiado mundano.

Para que un aspirante a artista en Francia alcanzara el éxito, ciertamente tenía que seguir una formación en la Escuela Bellas Artes o en artistas famosos y exposición en el Salón, una exposición patrocinada por el estado en la persona de académicos reconocidos. Si un pintor quería vender y tener éxito entre el público, necesitaba recibir un premio de Salón, es decir, complacer los gustos de un encargo exigente. Si el jurado rechaza la obra, el artista podría ser denunciado como mediocridad reconocida.

En 1863, después de que el jurado del Salón rechazara alrededor de 3.000 pinturas, la indignación de los artistas alcanzó su punto máximo. Las quejas llegaron al emperador Napoleón III, quien ordenó la organización de una exposición de obras rechazadas, que se llamó “Salón de los Rechazados”. A la exposición asistieron autores como Edouard Manet, Camille Pissarro, Paul Cezanne. La exposición alternativa fue un éxito rotundo. Es cierto que la mayor parte del público acudió allí para burlarse de los artistas "sin formato".

Edouard Manet fue considerado durante mucho tiempo un renegado. Sus pinturas "Almuerzo en la hierba" y "Olimpia" sorprendieron al público respetable. El autor fue golpeado por una avalancha de críticas e indignación por parte de los defensores de la moral.

¿Qué tienen estas obras? Desde un punto de vista moderno, las pinturas son bastante tradicionales; ya se han pintado mujeres desnudas. Para el espectador de la época de Manet, existe un desafío. En "Desayuno sobre la hierba" les confundió la imagen de una mujer completamente desnuda en compañía de hombres vestidos. Giorgione tiene una trama similar en la película "Concierto rural", y "Olympia" es una copia repensada de "La Venus de Urbino" de Tiziano. Las damas desnudas de Giorgione y Tiziano están idealizadas, están en algún lugar lejano, en otros mundos. Y las pinturas de Manet representaban cortesanas, modernas y felices con la vida. Esto escandalizó al público burgués, acostumbrado a pintar diosas y reinas.

Todo esto atestigua una crisis inminente en el arte de Francia en el segundo. mitad del siglo XIX siglo. El impresionismo fue un intento de encontrar nueva manera, aunque para muchos resultó ser similar a una terapia de shock.

Antecedentes del impresionismo

No se puede decir que el impresionismo surgiera por sí solo. En el momento de su primera exposición, muchos de los participantes ya eran adultos y habían largos años enseñanza de pintura.

Los requisitos previos para este nuevo movimiento, si se desea, se pueden encontrar en los maestros del Renacimiento Velázquez, El Greco, Goya, Rubens, Tiziano y Rembrandt. Pero los impresionistas fueron influenciados directamente por artistas contemporáneos como Delacroix, Courbet, Daubigny y Corot.

El estilo de los impresionistas también estuvo influenciado por pintura japonesa, cuyas exposiciones se realizaban constantemente en París. Las refinadas obras de Utamaro, Hokusai e Hiroshige poetizaron cada momento de la vida, tan característico de la mentalidad oriental. La forma simplificada, la composición modificada y la pureza del color de los grabados japoneses cautivaron a los artistas jóvenes y les abrieron nuevos horizontes.

Además, la creatividad de los impresionistas estuvo influenciada por el surgimiento de la fotografía. Con su ayuda fue posible tomar ángulos inesperados, primeros planos, imagen en movimiento. La fotografía se ha convertido en el arte de capturar el momento; esto es algo que estuvo cerca de los artistas innovadores. Con la llegada de la fotografía, ya no era posible seguir la precisión de la imagen, sino dar preferencia al estado interior y al colorido emocional. La espontaneidad se convirtió en una de las reglas de la nueva pintura.

Características del impresionismo.

Las quejas de los críticos no se referían sólo a los temas de las pinturas, sino también al estilo pictórico de los impresionistas. Era radicalmente diferente de lo que se enseñaba en la Escuela de Bellas Artes de París.

Los impresionistas no se adhirieron a un contorno claro; aplicaron trazos descuidadamente, sin preocuparse por dibujar cuidadosamente cada objeto. Las pinturas se mezclaron directamente sobre el lienzo, logrando una pureza de tono. La perspectiva no se construyó según leyes geométricas, sino debido a la profundidad del tono de la pintura, a la disminución de la intensidad del color a medida que el objeto se aleja.

Ellos rechazaron imagen de contraste claroscuro. Negro, blanco, gris desaparecieron de su paleta, colores marrones V forma pura. Las sombras podían ser verdes, azules o moradas, dependiendo de cómo las viera el artista.

Los impresionistas utilizaron ampliamente la técnica de la mezcla óptica: se colocan trazos de dos colores uno al lado del otro en el lienzo que, cuando son vistos por el espectador, dan el efecto de un tercero. Por ejemplo, el verde y el amarillo se vuelven azules, el azul y el rojo se vuelven morados, etc.

Los temas de las pinturas no eran la mitología o eventos históricos y paisajes, retratos, naturalezas muertas: todo esto se consideraba un género "bajo". Los artistas intentaron representar la naturaleza o un objeto en un momento determinado, transmitiendo una fuerte emoción. Así aparecieron una serie de obras en las que se representaba el mismo motivo, pero en diferente tiempo año o día bajo diferentes condiciones de iluminación. Por ejemplo, las obras de Claude Monet: "Pajares", "Álamos", "Catedral de Rouen", etc.

Para lograr esto, los impresionistas solían pintar del natural, al aire libre, para capturar con precisión lo que veían. Los académicos pasaron la mayor parte del tiempo en el estudio perfeccionando sus técnicas de dibujo.

Este enfoque hizo que las pinturas fueran más emocionales, poéticas, permitió ver la belleza en las cosas más comunes y valoró la sencillez del momento, cada momento de la vida. La representación de cosas ordinarias a través del prisma de la percepción del artista hizo que cada cuadro fuera único.

Historia del flujo

El 15 de abril de 1874, una compañía de jóvenes artistas innovadores organizó su exposición en el salón del fotógrafo Felix Nodard en el Boulevard des Capucines de París.

La idea misma de una exposición independiente, sin pasar por el Salón oficial, ya era rebelde, pero las pinturas mostradas al público provocaron aún más indignación. Después de todo, iban en contra de todos los cánones académicos y no se parecían a las obras idealizadas de representantes del clasicismo o el romanticismo que entonces eran populares en Francia.

La exposición contó con 30 artistas y 165 obras. Entre ellos se encontraban Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Manet, Degas, Cezanne y Berthe Morisot. Después de un tiempo, se dieron fortunas por sus pinturas, pero luego una tormenta de críticas cayó sobre los valientes. Se les acusó de ser escandalosos para llamar la atención del público, se les reprochó “descuido”, “trabajo inacabado” e incluso inmoralidad.

El famoso crítico y periodista Louis Leroy, describiendo en un artículo satírico el cuadro “Impresión” de Claude Monet. Sol naciente” llamará a los artistas impresionistas (de la impresión francesa - impresión). Sin saberlo, dará nombre a todo un movimiento de la pintura mundial.

La segunda exposición tuvo lugar dos años después de la legendaria primera, en abril de 1876. Provocó un rechazo aún mayor por parte de la crítica y el público. Se comparó a los artistas con personas con enfermedades mentales. Uno sólo puede maravillarse ante el coraje y la confianza en sí mismos de estos temerarios, que continuaron creando, a pesar de la falta de dinero, en una atmósfera de constante burla e intimidación.

En marzo de 1875 tuvo lugar una subasta de obras de Sisley, Monet, Renoir y Berthe Morisot. Fue un escándalo, el público abucheó los cuadros presentados a la venta. Muchos cuadros se vendieron por casi nada. Los artistas y sus amigos tuvieron que comprar ellos mismos algunas de las obras en lugar de regalarlas por completo.

Sin embargo, los impresionistas también tenían fieles seguidores. Entre ellos se encontraba el galerista y coleccionista Paul Durand-Ruel, quien invariablemente ayudaba a los artistas a organizar exposiciones y vender pinturas. Y también el coleccionista Victor Choquet, que se enamoró a primera vista de las obras de los impresionistas.

De 1877 a 1886 se celebraron en Francia otras 6 exposiciones impresionistas. Todos ellos, excepto el último, fueron objeto de un aluvión de críticas y burlas.

Mientras tanto, surgieron desacuerdos entre los propios artistas. Así, Manet y Renoir participaron en las exposiciones del Salón de 1879 y 1880. Sus pinturas fueron seleccionadas por un jurado exigente. Claude Monet también presentó sus obras en el Salón, pero sus cuadros no fueron aceptados. Esto encontró el desprecio de Degas y la condena de otros artistas.

En el otoño de 1885, Durand-Ruel recibió una oferta para organizar una exposición de los impresionistas en Nueva York. Al principio, los artistas se mostraron escépticos ante esta idea. Pero en marzo de 1886, Durand-Ruel partió de Francia hacia América con una colección de pinturas de sus protegidos. En Estados Unidos, las obras de los impresionistas fueron tratadas con interés y la exposición gozó de gran popularidad. La prensa era como críticas positivas y negativo. Se vendieron varias pinturas a coleccionistas locales.

Mientras tanto, crecieron los desacuerdos entre los impresionistas. Monet comenzó a pelear con Durand-Ruel y a vender sus pinturas a través de otros marchantes de arte. A Monet se unieron Pissarro y Renoir. Los artistas también chocaron entre sí.

El grupo de impresionistas, una vez unidos en la lucha contra el academicismo, perdió su idea común y dejó de existir.

La última exposición, en 1886, contó con artistas que serían llamados postimpresionistas. Se trata de Georges Seurat y Paul Signac. Entre los postimpresionistas también se encuentran maestros como Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Henri Matisse y otros.

La idea del impresionismo ha dejado de ser útil, pero abrió el camino a otro arte aún más innovador. finales del XIX- principios del siglo XX.

Artistas impresionistas

Es imposible considerar el impresionismo aislado del destino de los propios maestros. Consideremos biografías cortas varios artistas.

Édouard Manet

Manet nació en 1832 en una respetable familia de abogados e hija de un diplomático. El niño no era bueno en los estudios, pero mostró interés por el dibujo. Sin embargo, sus padres no apoyaron su afición. Su padre quería que Edward siguiera sus pasos. Su tío ayudó al joven; le pagó los cursos de arte.

En 1847, el joven decide ingresar en una escuela náutica, pero no aprueba el examen. Como grumete, se embarca en un barco para Sudamerica. Mientras viaja, hace muchos dibujos y bocetos.

Después de regresar a Francia, Edward decide dedicarse a la pintura. Lleva 6 años estudiando en el taller de Tom Couture. Al mismo tiempo, viaja por Europa conociendo los monumentos artísticos. Entre los impresionistas, Manet será considerado el artista más “académico”. Reinterpretará más de una vez en sus obras la obra de los maestros del Renacimiento. Sus pintores favoritos fueron Velázquez, Tiziano y Goya.

Manet ofrece muchas veces sus obras al jurado del Salón y es invariablemente rechazado. Como resultado, participa en la exposición “Salón de los Rechazados”. Allí, su cuadro “Desayuno sobre la hierba” provocó un gran escándalo. En el mismo año 1863, el artista pintó otro de sus impactantes cuadros: "Olimpia". Manet se encontró invariablemente bajo un aluvión de críticas. Su amigo Emile Zola salió en defensa del artista. Otro amigo cercano suyo fue Charles Baudelaire.

En 1866, Manet se hizo amigo de los impresionistas, que también fueron rechazados por los académicos. Él mismo nunca se consideró uno de ellos. Usó el negro en su paleta y no reconoció el estilo de pintura divisionista. Pero fue Edouard Manet quien es considerado el fundador del impresionismo.

Manet, que no aceptó el academicismo, envió invariablemente sus obras al Salón. Le costó mucho las negativas y la indiferencia del público hacia sus obras. El artista pinta muchos retratos y escenas de género; su paleta no es tan alegre como la de otros impresionistas. También trabaja al aire libre y pinta naturalezas muertas.

A finales de los años 70, la obra de Edouard Manet fue ganando reconocimiento paulatinamente. Sus obras se exponen en salones, en uno de ellos incluso recibe una medalla. En 1881, Manet recibió la Legión de Honor. En ese momento, el artista ya padecía ataxia (falta de coordinación de movimientos). Ya no podía pintar grandes lienzos.

En 1883, a Manet le amputaron la pierna debido a una gangrena, pero la operación no ayudó. Unos meses más tarde el artista murió.

Claude Monet

Claude Monet nació en 1840 en la familia de un comerciante de comestibles. El niño se hizo famoso en su natal Le Havre, gracias al dibujo de caricaturas y caricaturas. A los 17 años, el destino lo unió al artista Eugène Boudin. Boudin llevó al joven Monet al aire libre y le inculcó el amor por la pintura.

En 1859, Claude viaja a París. Comienza sus estudios en la Academia Suiza y luego recibe lecciones de Charles Gleyre. En 1865 Monet expuso en el Salón. Su trabajo fue recibido bastante favorablemente. Luego se encuentra con su futura esposa Camila.

Monet salía a menudo al aire libre con Renoir y otros impresionistas y pintar paisajes lo cautivaba cada vez más.

En 1870 Monet partió hacia Londres. En Inglaterra conoce a Paul Durand-Ruel. Después de 2 años, de regreso a Francia, Monet se instaló en Argenteuil. Durante los 4 años que vivió en este acogedor lugar, Monet escribió numerosas obras.

En 1874, Claude Monet participó en la primera exposición impresionista. Sus pinturas fueron criticadas, al igual que las obras de otros participantes.

En 1878, la familia Monet se instaló en la localidad de Vitey. Allí crea muchas pinturas. Pero un año después muere su esposa Camilla. Durante un tiempo, afligido por el dolor, Monet abandonó los paisajes y pintó naturalezas muertas en el estudio.

En 1883, Monet finalmente encontró un lugar donde viviría durante más de 40 años. Este lugar resulta ser una casa en Giverny. Nuevo dueño dispondrá allí un maravilloso jardín y hará un famoso estanque, en el que escribirá incansablemente al atardecer.

En 1892, Claude Monet se casó con la viuda de su amigo, Alice Hoschedet.

Monet pinta una serie de obras que representan la misma vista en diferentes épocas del año y del día, bajo diferente iluminación. Tiene bastantes series de este tipo: "Pajar", "Álamos", "Estanque con nenúfares", "Catedral de Rouen", etc. Claude Monet es un maestro en la transmisión de diferentes tonos de color, representa un momento esquivo a través del prisma de su percepción. Sus pinturas son un éxito y los coleccionistas, incluso fuera de Francia, las compran con entusiasmo.

A lo largo de su vida, Monet pintó la naturaleza. Hacia el final de su vida se concentró en su jardín de Giverny, que convirtió en una obra de arte más. El maestro pinta incansablemente sus vistas: flores, callejones sombreados y el famoso estanque. En 1919, Monet donó al Estado 12 grandes cuadros de la serie “Nymphaeas”. Se les asignaron dos pabellones en el Museo de la Orangerie.

Mientras tanto, el artista empezó a quedarse ciego. Después de someterse a una cirugía ocular en 1925, pudo volver a trabajar. Claude Monet murió en 1926, convirtiéndose en un artista clásico durante su vida. No sólo fue el fundador del impresionismo, sino también el predecesor. arte abstracto, adelantado a su tiempo y abriendo toda una era con su creatividad.

Augusto Renoir

Auguste nació en 1841 en el seno de una familia numerosa y pobre. Cuando era adolescente, pintaba platos. En 1862 ingresó en la Escuela de Bellas Artes y también asistió a clases con Charles Gleyre. En 1864, se aprobó la participación de sus cuadros en el Salón. Junto con sus amigos impresionistas, Renoir practica plein airs. El artista desarrolla su propio estilo único: trazos amplios y atrevidos, un alegre juego de luces y colores.

Después de la primera exposición de los impresionistas, Renoir fue objeto de críticas despiadadas. Posteriormente participó en 3 exposiciones más. En 1879 expuso en el Salón, a pesar de los reproches de sus amigos. Su cuadro "Madame Charpentier con niños" recibió reconocimiento y el negocio del artista fue cuesta arriba. Los habitantes adinerados empezaron a encargarle retratos. Renoir tuvo especial éxito Imágenes de mujer También pintó numerosos retratos infantiles. Sienten una calidez y tranquilidad especiales.

Los años 1870-80 son el apogeo de la obra del artista. Pinta lienzos grandes y complejos con muchos personajes. De esta época se remontan sus famosos cuadros “Baile en el Moulin de la Galette” y “El desayuno de los remeros”. Renoir creía que la pintura debería decorar la vida de las personas. Su arte era brillante, sincero, alegre, como la propia Francia.

En 1890 se casó con su modelo Alina Sharigo y tuvieron tres hijos. En 1881, Renoir viaja a Italia. Cuando regresó, cambió su estilo pictórico por uno más “académico”. A esta época pertenecen los cuadros “Paraguas” y “Grandes bañistas”. Renoir prestó mucha atención al desnudo. Volviendo a los principios del impresionismo, pintó una serie de cuadros con bañistas, una oda a la belleza y la gracia femeninas.

Renoir, a diferencia de muchos impresionistas, recibió reconocimiento durante su vida. Fue elogiado por la crítica, tenía muchos clientes y sus cuadros se vendieron bien. En su vejez, Renoir sufrió artritis. Escribía atando los pinceles a sus manos, desfiguradas por el reumatismo. “El dolor pasa, pero la belleza permanece”, afirmó el artista. Auguste Renoir murió en 1919 a causa de una enfermedad pulmonar.

Camille Pissarro

Nacido en la isla de Santo Tomás en el Caribe en 1831. A los 25 años se trasladó a Francia, a París, y estudió con Suisse y Corot. Participó en el “Salón de los Rechazados”. Al mismo tiempo conoció a Manet, Cézanne, Monet y Sisley. Pissarro pintó paisajes prestando mucha atención a la iluminación de los objetos. En 1868 expuso en el Salón. Al año siguiente, debido al estallido de la guerra, se vio obligado a partir hacia Londres. Allí Pissarro conoció a su amigo Claude Monet. Juntos salieron al aire libre, explorando la naturaleza de Inglaterra.

Al regresar a Francia, Camille Pissarro se instaló en Pontoise. En 1872, Cézanne y su familia acudieron a él. Los artistas se convierten amigos inseparables. Y en 1881 se les unió Paul Gauguin. Pissarro ayudó de buen grado a los artistas jóvenes y compartió su experiencia con ellos. Instó a no prestar mucha atención al dibujo de los contornos de los objetos, lo principal es transmitir la esencia. Debes escribir lo que ves y sientes, sin centrarte en la precisión de la técnica. Sólo la naturaleza puede ser una maestra, con quien siempre hay que consultar.

Durante su vida en Pontoise, Pissarro pudo desarrollar su propio estilo especial de pintura. El artista vivió allí durante 10 años. A menudo recurría a historias de Vida rural. Sus obras están llenas de luz y lirismo.

Sin embargo, las pinturas de Pissarro se vendieron mal y le resultó difícil mantener a su numerosa familia. En 1884, el artista se instaló en el pueblo de Eragny y visitó ocasionalmente París con la esperanza de vender sus cuadros o encontrar un mecenas. Una de esas personas fue Paul Durand-Ruel, que recibió un derecho de monopolio para comprar las obras del maestro.

En 1885, Camille Pissarro decidió unirse a los postimpresionistas Georges Seurat y Paul Signac y probó una nueva dirección: el puntillismo. A causa de la participación de Seurat y Signac en la octava exposición de los impresionistas, Pissarro se pelea con Monet, Renoir y Sisley. Como resultado, Pissarro y sus nuevos amigos expusieron en una sala separada. Sin embargo, el público no apreció la nueva dirección.

En 1889, Pissarro abandonó el puntillismo y volvió a su antiguo estilo. Pintar con puntos no pudo satisfacer su deseo de transmitir la espontaneidad y la frescura de la sensación interior. La gente está empezando a comprar sus cuadros nuevamente. Durand-Ruel organiza varias exposiciones del artista.

EN últimos años Durante su vida, Pissarro se interesó seriamente por la gráfica, la litografía y el aguafuerte. El artista murió en París a la edad de 73 años. Durante su vida no recibió ningún premio del estado. Pissarro siempre ayudó a los artistas jóvenes y trató de reconciliar a los impresionistas en guerra. Fue el único que participó en todas sus exposiciones.

Edgar Degas

Degas nació en 1834. Su padre, un banquero, tuvo dificultades para darle permiso a Edgar para estudiar pintura. A los 21 años. el joven ingresó a la Escuela de Bellas Artes. En 1865, se aprobó la exposición en el Salón del cuadro de Degas "Escena de la vida de la Edad Media". El conocimiento de los impresionistas cambia la cosmovisión del artista. Se está alejando del academicismo. Degas prefiere la pintura de género, que representa a la gente corriente que le rodea.

A partir de la década de 1870, Degas intentó pintar al pastel. Al artista le gustó este material porque combinaba pintura con gráfica. El estilo de Degas se diferenciaba del de otros impresionistas, que anteponían la luz. Además, Degas no iba al plein airs y prefería hacer bocetos en cafés, carreras de caballos y tiendas. Intentó expresar expresión a través de la línea y el dibujo, lo que no siempre fue comprendido por otros impresionistas.

Degas siempre participó activamente en la organización de exposiciones impresionistas en Francia. Sólo se perdió uno de ellos por razones ideológicas. Sin embargo, él mismo no se consideraba un impresionista.

Las obras de Degas no son tan alegres como las pinturas de sus camaradas. A menudo representaba la vida sin adornos, como en la película "Los bebedores de ajenjo".

Un círculo de jóvenes artistas se reunió en torno a Degas: Vidal, Casset, Raffaelli, Tillo, Foren y otros. Esto creó una división en la sociedad impresionista y condujo a un conflicto inevitable y, en última instancia, a la desintegración de la asociación.

En la década de 1880, Degas creó una serie de obras: "En una sombrerería", "Mujeres desnudas en el baño". ultima serie Los pasteles causaron indignación pública porque las mujeres eran representadas de manera realista e íntima durante las actividades cotidianas.

Las series “Caballos” y “Bailarines” permitieron al artista transmitir el dibujo en movimiento. El tema del ballet estaba cerca de Degas. Nadie podía transmitir la esencia de la danza como él. Edgar pintó frágiles bailarines en el escenario y detrás de escena. A menudo hacía dibujos de memoria en el estudio, lo que también era inusual para los impresionistas.

Degas nunca creó una familia. Era famoso por su carácter difícil y pendenciero. Su única pasión era el arte, al que dedicó todo su tiempo.

Después de 1890, Degas sufrió una enfermedad ocular y perdió parcialmente la vista. El maestro recurre a la escultura. Esculpió bailarines y caballos en arcilla y cera, pero muchas de sus figuras perecieron posteriormente debido a la fragilidad del material. Sin embargo, 150 obras que quedaron tras la muerte del artista fueron convertidas en bronce.

Degas pasó sus últimos años ciego. fue para el gran tragedia. Edgar Degas murió en 1917 en París, dejando un gran legado en forma de dibujos, pinturas y esculturas.

A partir de las historias de vida de los artistas, queda claro que el impresionismo tiene muchas facetas. Hubo un tiempo en que se convirtió en una revolución en el arte de Francia y del mundo entero, abriendo la posibilidad para el surgimiento de muchas direcciones nuevas. Pero una cosa unió a todos los impresionistas. Este es el deseo de representar la belleza frágil y esquiva de los momentos a partir de los cuales se construye la vida.

Detalles Categoría: Variedad de estilos y movimientos en el arte y sus características Publicado el 04/01/2015 14:11 Vistas: 11081

El impresionismo es un movimiento artístico que surgió en la segunda mitad del siglo XIX. Su objetivo principal hubo una transmisión de impresiones fugaces y cambiantes.

El surgimiento del impresionismo está asociado con la ciencia: con los últimos descubrimientos en óptica y teoría del color.

Esta tendencia afectó a casi todos los tipos de arte, pero se manifestó más claramente en la pintura, donde la transmisión de color y luz fue la base del trabajo de los artistas impresionistas.

Significado del término

Impresionismo(Impresionismo francés) de impresión - impresión). Este estilo de pintura apareció en Francia a finales de la década de 1860. Estuvo representado por Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frederic Bazille. Pero el término en sí apareció en 1874, cuando el cuadro de Monet “Impresión. El sol naciente" (1872). En el título del cuadro, Monet quiso decir que sólo transmitía su fugaz impresión del paisaje.

K. Monet “Impresión. Amanecer" (1872). Museo Marmottan-Monet, París
Posteriormente, el término “impresionismo” en pintura comenzó a entenderse de manera más amplia: un estudio cuidadoso de la naturaleza en términos de color e iluminación. El objetivo de los impresionistas era representar situaciones y movimientos instantáneos, aparentemente "aleatorios". Para ello utilizaron diversas técnicas: ángulos complejos, asimetría, composiciones fragmentarias. La pintura de los artistas impresionistas se convierte, por así decirlo, momento congelado mundo en constante cambio.

Método artístico impresionista.

lo mas géneros populares Impresionistas: paisajes y escenas de la vida de la ciudad. Siempre fueron pintados “al aire libre”, es decir. directamente del natural, en la naturaleza, sin bocetos ni bocetos previos. Los impresionistas se dieron cuenta y pudieron transmitir colores y matices en el lienzo que normalmente eran invisibles. a simple vista y un espectador distraído. Por ejemplo, renderizar el azul en las sombras o el rosa al atardecer. Descompusieron tonos complejos en sus colores puros constituyentes del espectro. Esto hizo que sus pinturas parecieran brillantes y vibrantes. Los artistas impresionistas aplicaron pinturas en trazos separados, de manera libre e incluso descuidada, por lo que sus pinturas se ven mejor desde la distancia; es con esta vista que se crea el efecto de un vivo parpadeo de colores.
Los impresionistas abandonaron el contorno, reemplazándolo por trazos pequeños, separados y contrastantes.
C. Pissarro, A. Sisley y C. Monet prefirieron los paisajes y las escenas urbanas. A O. Renoir le encantaba representar a personas en el regazo de la naturaleza o en el interior. El impresionismo francés no planteó ideas filosóficas y problemas sociales. No recurrieron a temas bíblicos, literarios, mitológicos, temas historicos que eran inherentes al academicismo oficial. En vez de pinturas apareció una imagen de la vida cotidiana y la modernidad; una imagen de personas en movimiento, mientras se relajan o se divierten. Sus temas principales son el coqueteo, el baile, la gente en cafés y teatros, los paseos en barco, las playas y los jardines.
Los impresionistas intentaron capturar una impresión fugaz, los cambios más pequeños en cada objeto dependiendo de la iluminación y la hora del día. En este sentido, los ciclos de pinturas de Monet "Pajares", "Catedral de Rouen" y "Parlamento de Londres" pueden considerarse el mayor logro.

C. Monet “La Catedral de Rouen al sol” (1894). Museo de Orsay, París, Francia
“Catedral de Rouen” es un ciclo de 30 pinturas de Claude Monet, que representan vistas de la catedral según la hora del día, el año y la iluminación. Este ciclo fue pintado por el artista en la década de 1890. La catedral le permitió mostrar la relación entre la estructura sólida y constante del edificio y la luz cambiante, que juega fácilmente y cambia nuestra percepción. Monet se concentra en fragmentos individuales de la catedral gótica y selecciona el portal, la torre de San Martín y la torre de Albano. A él sólo le interesa el juego de luces sobre la piedra.

K. Monet “Catedral de Rouen, portal occidental, niebla” (1892). Museo de Orsay, París

K. Monet “Catedral de Rouen, portal y torre, efecto matutino; armonía blanca" (1892-1893). Museo de Orsay, París

K. Monet “Catedral de Rouen, portal y torre al sol, armonía de azul y oro” (1892-1893). Museo de Orsay, París
Después de Francia, los artistas impresionistas aparecieron en Inglaterra y Estados Unidos (James Whistler), en Alemania (Max Liebermann, Lovis Corinth), en España (Joaquín Sorolla), en Rusia (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar).

Sobre la obra de algunos artistas impresionistas

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet, fotografía 1899
Pintor francés, uno de los fundadores del impresionismo. Nacido en París. Le gustaba dibujar desde pequeño y a los 15 años demostró ser un caricaturista talentoso. A pintura de paisaje Fue presentado por Eugène Boudin. artista francés, predecesor del impresionismo. Más tarde, Monet ingresó a la universidad en la Facultad de Artes, pero se desilusionó y la abandonó, inscribiéndose en el estudio de pintura de Charles Gleyre. En el estudio conoció a los artistas Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frédéric Bazille. Eran prácticamente iguales, tenían puntos de vista similares sobre el arte y pronto formaron la columna vertebral del grupo impresionista.
Monet se hizo famoso por su retrato de Camille Doncieux, pintado en 1866 (“Camille, o retrato de una dama con un vestido verde”). Camilla se convirtió en la esposa del artista en 1870.

C. Monet “Camille” (“La dama de verde”) (1866). Galería de arte de Bremen

C. Monet “Paseo: Camille Monet con su hijo Jean (Mujer con paraguas)” (1875). Galería Nacional de Arte, Washington
En 1912, los médicos diagnosticaron a C. Monet una doble catarata y tuvo que someterse a dos operaciones. Habiendo perdido la lente de su ojo izquierdo, Monet recuperó la vista, pero comenzó a ver el ultravioleta como azul o color lila, haciendo que sus pinturas adquieran nuevos colores. Por ejemplo, cuando pintaba los famosos “Nenúfares”, Monet veía los lirios azulados en el rango ultravioleta; para otras personas eran simplemente blancos.

C. Monet “Nenúfares”
El artista murió el 5 de diciembre de 1926 en Giverny y fue enterrado en el cementerio de la iglesia local.

Camille Pissarro (1830-1903)

C. Pissarro “Autorretrato” (1873)

Pintor francés, uno de los primeros y más consistentes representantes del impresionismo.
Nacido en la isla de Santo Tomás (Indias Occidentales), en el seno de una familia burguesa de judío sefardí y natural de República Dominicana. Vivió en las Indias Occidentales hasta los 12 años, y a los 25 se mudó con toda su familia a París. Aquí estudió en la Escuela de Bellas Artes y la Academia de Suiza. Sus profesores fueron Camille Corot, Gustave Courbet y Charles-François Daubigny. Empezó con Paisajes Rurales y vistas de París. Pissarro tuvo una fuerte influencia en los impresionistas, desarrollando de forma independiente muchos de los principios que formaron la base de su estilo pictórico. Era amigo de los artistas Degas, Cezanne y Gauguin. Pizarro fue el único participante las 8 exposiciones impresionistas.
Murió en 1903 en París. Fue enterrado en el cementerio del Père Lachaise.
Ya estoy en eso obras tempranas El artista prestó especial atención a la representación de objetos iluminados en el aire. Desde entonces, la luz y el aire se han convertido en el tema principal de la obra de Pissarro.

C. Pissarro “Boulevard Montmartre. Tarde soleada" (1897)
En 1890, Pizarro se interesó por la técnica del puntillismo (aplicación separada de trazos). Pero al cabo de un rato volvió a su comportamiento habitual.
En los últimos años de su vida, la vista de Camille Pissarro se deterioró notablemente. Pero continuó trabajando y creó una serie de vistas de París, llenas de emociones artísticas.

C. Pissarro “Calle de Rouen”
El ángulo inusual de algunos de sus cuadros se explica por el hecho de que el artista los pintó desde habitaciones de hotel. Esta serie se convirtió en uno de los mayores logros del impresionismo en la transmisión de efectos luminosos y atmosféricos.
Pissarro también pintó acuarelas y creó una serie de grabados y litografías.
Aquí hay algunos de él. declaraciones interesantes sobre el arte del impresionismo: “Impresionistas en en el camino correcto, su arte es saludable, se basa en los sentimientos y es honesto".
“¡Feliz aquel que puede ver la belleza en las cosas ordinarias, donde otros no ven nada!”

C. Pissarro “La primera helada” (1873)

Impresionismo ruso

El impresionismo ruso se desarrolló desde finales del siglo XIX hasta principios del XX. Fue influenciado por el trabajo de los impresionistas franceses. Pero el impresionismo ruso tiene una pronunciada detalles nacionales y en muchos sentidos no coincide con las ideas de los libros de texto sobre el impresionismo clásico francés. En la pintura de los impresionistas rusos prevalecen la objetividad y la materialidad. Está más cargado de significado y menos dinámico. El impresionismo ruso está más cerca del realismo que el francés. impresionistas franceses se centraron en la impresión de lo que vieron, y los rusos también agregaron una pantalla estado interno artista. El trabajo debía realizarse en una sola sesión.
Una cierta incompletitud del impresionismo ruso crea la "emoción de la vida" que les era característica.
El impresionismo incluye obras de artistas rusos: A. Arkhipov, I. Grabar, K. Korovin, F. Malyavin, N. Meshcherin, A. Murashko, V. Serov, A. Rylov y otros.

V. Serov "La muchacha de los melocotones" (1887)

Esta pintura se considera el estándar del impresionismo ruso en el retrato.

Valentin Serov “La muchacha de los melocotones” (1887). Lienzo, óleo. 91×85 cm. Galería Estatal Tretiakov.
El cuadro fue pintado en la finca de Savva Ivanovich Mamontov en Abramtsevo, que adquirió de la hija del escritor Sergei Aksakov en 1870. El retrato representa a Vera Mamontova, de 12 años. La niña está dibujada sentada en una mesa; lleva una blusa rosa con un lazo azul oscuro; hay un cuchillo, melocotones y hojas sobre la mesa.
“Lo único que buscaba era la frescura, esa frescura especial que siempre se siente en la naturaleza y no se ve en las pinturas. Pinté durante más de un mes y, pobrecita, la cansé hasta la muerte; tenía muchas ganas de conservar la frescura del cuadro y al mismo tiempo estar completamente completo, como los viejos maestros” (V. Serov).

Impresionismo en otras formas de arte.

En literatura

En la literatura, el impresionismo como movimiento separado no se desarrolló, pero sus características se reflejaron en naturalismo Y simbolismo .

Edmond y Jules Goncourt. Foto
Principios naturalismo Se puede rastrear en las novelas de los hermanos Goncourt y George Eliot. Pero fue el primero en utilizar el término “naturalismo” para designar propia creatividad Emilio Zola. Los escritores Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans y Paul Alexis se agruparon en torno a Zola. Después del lanzamiento de la colección "Medan Evenings" (1880) historias francas sobre desastres Guerra franco-prusiana(incluida la historia de Maupassant “Pyshka”) se les asignó el nombre de “grupo Medan”.

Emile Zola
El principio naturalista en la literatura ha sido criticado a menudo por su falta de arte. Por ejemplo, I. S. Turgenev escribió sobre una de las novelas de Zola que "se excava mucho en los orinales". Gustave Flaubert también fue crítico con el naturalismo.
Zola apoyó relaciones amistosas con muchos artistas impresionistas.
Simbolistas símbolos usados, eufemismos, insinuaciones, misterio, enigma. El principal estado de ánimo captado por los simbolistas fue el pesimismo, llegando a la desesperación. Todo lo "natural" se representaba sólo como una "apariencia" que no tenía ningún significado artístico independiente.
Así, el impresionismo en la literatura se expresaba mediante la impresión privada del autor, el rechazo de una imagen objetiva de la realidad y la descripción de cada momento. De hecho, esto llevó a la ausencia de trama e historia, a la sustitución del pensamiento por la percepción y de la razón por el instinto.

G. Courbet “Retrato de P. Verlaine” (hacia 1866)
Un ejemplo sorprendente de impresionismo poético es la colección de Paul Verlaine "Romances sin palabras" (1874). En Rusia, Konstantin Balmont e Innokenty Annensky experimentaron la influencia del impresionismo.

V. Serov “Retrato de K. Balmont” (1905)

El inocente Annensky. Foto
Estos sentimientos también afectaron a la dramaturgia. Las obras contienen una percepción pasiva del mundo, análisis de estados de ánimo y estados mentales. Los diálogos concentran impresiones fugaces y dispersas. Estos rasgos son característicos de la obra de Arthur Schnitzler.

En musica

El impresionismo musical se desarrolló en Francia en el último cuarto del siglo XIX. - principios del siglo 20 Se expresó más claramente en las obras de Erik Satie, Claude Debussy y Maurice Ravel.

Erik Satie
El impresionismo musical está cerca del impresionismo en pintura francesa. No sólo tienen raíces comunes, sino también relaciones de causa y efecto. Los compositores impresionistas buscaron y encontraron no sólo analogías, sino también medios expresivos en las obras de Claude Monet, Paul Cezanne, Puvis de Chavannes y Henri de Toulouse-Lautrec. Por supuesto, los medios de la pintura y los medios del arte musical sólo pueden conectarse entre sí con la ayuda de paralelos asociativos especiales y sutiles que existen sólo en la mente. Mirando la imagen borrosa de París "en lluvia de otoño" y los mismos sonidos, "amortiguados por el ruido de las gotas que caen", entonces aquí solo podemos hablar de la propiedad imagen artística, pero no la imagen real.

Claude Debussy
Debussy escribe "Nubes", "Grabados" (el más figurativo de los cuales es un boceto sonoro en acuarela: "Jardines bajo la lluvia"), "Imágenes", "Reflejos sobre el agua", que evocan asociaciones directas con pintura famosa Claude Monet "Impresión: Amanecer". Según Mallarmé, los compositores impresionistas aprendieron a “escuchar la luz”, a transmitir en sonidos el movimiento del agua, la vibración de las hojas, el soplo del viento y la refracción de la luz del sol en el aire del atardecer.

Mauricio Ravel
Existen conexiones directas entre pintura y música en M. Ravel en su sonido-visual "Juego de agua", el ciclo de obras de teatro "Reflejos" y la colección de piano "Susurros de la noche".
Los impresionistas crearon obras de arte refinadas y al mismo tiempo claras en medios expresivos, emocionalmente comedido, libre de conflictos y de estilo estricto.

en escultura

O. Rodin “El beso”

El impresionismo en la escultura se expresó en la libre plasticidad de las formas suaves, que crea juego desafiante luz en la superficie del material y una sensación de incompletitud. Las poses de los personajes escultóricos capturan el momento de movimiento y desarrollo.

O. Rodin. Foto de 1891
Esta dirección incluye obras escultóricas de O. Rodin (Francia), Medardo Rosso (Italia), P.P. Trubetskoi (Rusia).

V. Serov “Retrato de Paolo Trubetskoy”

Pavel (Paolo) Trubetskoi(1866-1938) – escultor y artista, trabajó en Italia, Estados Unidos, Inglaterra, Rusia y Francia. Nacido en Italia. Hijo ilegítimo El emigrante ruso, el príncipe Piotr Petrovich Trubetskoy.
Desde pequeño me dediqué de forma independiente a la escultura y la pintura. No tenía educación. En el período inicial de su creatividad, creó bustos de retratos, obras de pequeña escultura y participó en concursos para la creación de grandes esculturas.

P. Trubetskoy “Monumento a Alejandro III”, San Petersburgo
La primera exposición de obras de Paolo Trubetskoy tuvo lugar en Estados Unidos en 1886. En 1899, el escultor llegó a Rusia. Participa en un concurso para crear un monumento a Alejandro III y, inesperadamente para todos, recibe el primer premio. Este monumento ha provocado y sigue provocando valoraciones contradictorias. Es difícil imaginar un monumento más estático y pesado. Y sólo una valoración positiva de la familia imperial permitió que el monumento ocupara el lugar que le correspondía: en la imagen escultórica encontraron similitudes con el original.
Los críticos creían que Trubetskoy trabajaba con el espíritu de un "impresionismo anticuado".

La imagen de Trubetskoy del brillante escritor ruso resultó ser más "impresionista": aquí hay claramente movimiento: en los pliegues de la camisa, la barba suelta, el giro de la cabeza, incluso hay una sensación de que el escultor logró capturar. la tensión del pensamiento de L. Tolstoi.

P. Trubetskoy “Busto de León Tolstoi” (bronce). Galería estatal Tretiakov

Hace apenas un año, la frase “impresionismo ruso” resonó en los oídos del ciudadano medio de nuestro vasto país. Cada persona educada sabe de luz, brillante y veloz impresionismo francés, puede distinguir a Monet de Manet y reconocer los girasoles de Van Gogh en todas las naturalezas muertas. Alguien escuchó algo sobre la rama estadounidense del desarrollo de esta dirección de pintura: más paisajes urbanos de Hassam y Imágenes de retratos Perseguir. Pero los investigadores todavía discuten sobre la existencia del impresionismo ruso.

Konstantin Korovin

La historia del impresionismo ruso comenzó con el cuadro "Retrato de una corista" de Konstantin Korovin, así como con la incomprensión y la condena del público. Al ver esta obra por primera vez, I. E. Repin no creyó de inmediato que la obra fuera realizada por un pintor ruso: “¡Español! Veo. Escribe con audacia y jugosidad. Maravilloso. Pero esto es pintar por pintar. Un español, sin embargo, con temperamento…” El propio Konstantin Alekseevich comenzó a pintar sus lienzos de manera impresionista en años de estudiante, desconociendo las pinturas de Cézanne, Monet y Renoir, mucho antes de su viaje a Francia. Sólo gracias al ojo experimentado de Polenov, Korovin supo que estaba utilizando la técnica francesa de esa época, a la que llegó de forma intuitiva. Al mismo tiempo, el artista ruso se deja llevar por los temas que utiliza en sus pinturas: la reconocida obra maestra "Idilio del Norte", pintada en 1892 y guardada en Galería Tretiakov, nos demuestra el amor de Korovin por las tradiciones y el folclore rusos. Este amor le fue inculcado al artista por el “Círculo Mammoth”, la comunidad intelectualidad creativa, que incluía a Repin, Polenov, Vasnetsov, Vrubel y muchos otros amigos filántropo famoso Savva Mamontov. En Abramtsevo, donde se encontraba la propiedad de Mamontov y donde se reunían los miembros del círculo artístico, Korovin tuvo la suerte de conocer y trabajar con Valentin Serov. Gracias a este conocido, la obra del artista ya consagrado Serov adquirió los rasgos del impresionismo ligero, brillante y veloz, que vemos en una de sus primeras obras: “Ventana abierta. Lila".

Retrato de una corista, 1883

Idilio del norte, 1886

Cereza de pájaro, 1912

Gurzuf 2, 1915

Muelle en Gurzuf, 1914

París, 1933

Valentin Serov

La pintura de Serov está impregnada de una característica inherente únicamente al impresionismo ruso: sus pinturas reflejan no solo la impresión de lo que vio el artista, sino también el estado de su alma en este momento. Por ejemplo, en el cuadro “La Plaza de San Marcos en Venecia”, pintado en Italia, donde Serov visitó en 1887 debido a una grave enfermedad, predominan los tonos grises fríos, lo que nos da una idea del estado del artista. Pero, a pesar de la paleta bastante sombría, la pintura es una obra impresionista estándar, ya que Serov logró capturar mundo real en su movilidad y variabilidad, para transmitir sus impresiones fugaces. En una carta a su novia desde Venecia, Serov escribió: “En Este siglo Escriben todo lo que es difícil, nada alegre. Quiero, quiero cosas gratificantes y sólo escribiré cosas gratificantes”.

Ventana abierta. Lila, 1886

Plaza de San Marcos en Venecia, 1887

Niña con melocotones (Retrato de V. S. Mamontova)

Coronación. Confirmación de Nicolás II en la Catedral de la Asunción, 1896

Niña iluminada por el sol, 1888

Bañar un caballo, 1905

Alejandro Gerasimov

Uno de los estudiantes de Korovin y Serov, que adoptó su expresiva pincelada, su paleta brillante y su estilo de pintura de boceto, fue Alexander Mikhailovich Gerasimov. La creatividad del artista floreció durante la revolución, lo que no pudo evitar reflejarse en los temas de sus pinturas. A pesar de que Gerasimov puso su pincel al servicio del partido y se hizo famoso gracias a sus destacados retratos de Lenin y Stalin, continuó trabajando en paisajes impresionistas que estaban cerca de su alma. La obra de Alexander Mikhailovich "Después de la lluvia" nos revela al artista como un maestro en transmitir aire y luz en una pintura, lo que Gerasimov debe a la influencia de sus eminentes mentores.

Artistas en la dacha de Stalin, 1951

Stalin y Voroshilov en el Kremlin, años 50

Despues de la lluvia. Terraza mojada, 1935

Naturaleza muerta. ramo de campo, 1952

Ígor Grabar

En una conversación sobre el impresionismo ruso tardío, no se puede dejar de recurrir a la obra del gran artista Igor Emmanuilovich Grabar, que adoptó muchas técnicas. pintores franceses la segunda mitad del siglo XIX gracias a sus numerosos viajes a Europa. Utilizando las técnicas de los impresionistas clásicos, en sus pinturas Grabar representa absolutamente ruso. motivos paisajísticos e historias cotidianas. Mientras Monet pinta jardines florecientes Giverny y Degas, hermosas bailarinas, Grabar representa el duro invierno ruso con los mismos colores pastel y la vida del pueblo. Sobre todo, a Grabar le encantaba representar la escarcha en sus lienzos y le dedicó una colección completa de obras, que consta de más de cien pequeños bocetos multicolores creados en diferentes momentos del día y en diferentes climas. La dificultad de trabajar en estos dibujos fue que la pintura se congelaba con el frío, por lo que tuvimos que trabajar rápido. Pero esto es precisamente lo que permitió al artista recrear “ese mismo momento” y transmitir su impresión, que es la idea principal del impresionismo clásico. El estilo pictórico de Igor Emmanuilovich a menudo se denomina impresionismo científico, porque dio gran importancia luz y aire sobre lienzos y generó muchas investigaciones sobre la transmisión del color. Además, a él le debemos la disposición cronológica de las pinturas de la Galería Tretiakov, de la que fue director en 1920-1925.

Callejón de abedules, 1940

Paisaje invernal, 1954

Escarcha, 1905

Peras sobre un mantel azul, 1915

Rincón de la finca (Rayo de sol), 1901

Yuri Pimenov

El impresionismo, completamente no clásico, pero aún así, se desarrolló en la época soviética, cuyo destacado representante es Yuri Ivanovich Pimenov, quien llegó a representar "una impresión fugaz en los colores de la cama" después de trabajar en el estilo del expresionismo. Uno de los más trabajos famosos Pimenov se convierte en el cuadro “Nuevo Moscú” de los años 30: ligero, cálido, como pintado con los trazos aireados de Renoir. Pero al mismo tiempo, la trama de esta obra es completamente incompatible con una de las ideas principales del impresionismo: la negativa a utilizar temas sociales y políticos. El “Nuevo Moscú” de Pimenov refleja perfectamente cambio social en la vida de la ciudad, que siempre han inspirado al artista. “Pimenov ama a Moscú, su novedad, su gente. El pintor transmite generosamente esta sensación al espectador”, escribe el artista e investigador Ígor Dolgopolov en 1973. Y, de hecho, al mirar las pinturas de Yuri Ivanovich, nos sentimos imbuidos de amor por vida soviética, nuevos barrios, inauguraciones líricas y urbanismo, plasmados en la técnica del impresionismo.

La creatividad de Pimenov demuestra una vez más que todo lo que los "rusos" traen de otros países tiene su propio y especial camino de desarrollo. También lo es el impresionismo francés en Imperio ruso y la Unión Soviética absorbió las características de la cosmovisión rusa, caracter nacional y la vida cotidiana. El impresionismo como forma de transmitir sólo la percepción de la realidad en su forma pura permaneció ajeno al arte ruso, porque cada pintura de los artistas rusos está llena de significado, conciencia, el estado del cambiante alma rusa y no solo una impresión fugaz. Por eso, el próximo fin de semana, cuando el Museo del Impresionismo Ruso presente la exposición principal a los moscovitas e invitados de la capital, todos encontrarán algo para ellos entre los sensuales retratos de Serov, el urbanismo de Pimenov y los paisajes atípicos de Kustodiev.

Nuevo Moscú

Inauguración de una casa lírica, 1965

Camerino del Teatro Bolshoi, 1972

Temprano en la mañana en Moscú, 1961

París. Calle Saint-Dominique. 1958

Azafata, 1964

Quizás para la mayoría de la gente los nombres Korovin, Serov, Gerasimov y Pimenov todavía no estén asociados con un estilo de arte específico, pero el Museo del Impresionismo Ruso, inaugurado en mayo de 2016 en Moscú, reunió las obras de estos artistas bajo un mismo techo.