teatros famosos. Los teatros de ópera más famosos del mundo: lista

El número de teatros rusos es muy grande: hay unos seiscientos teatros estatales solamente, y su mayor concentración está, por supuesto, en Moscú y San Petersburgo. Qué teatros en Rusia se encuentran entre los más famosos del país: descubra más.

El primer teatro en Rusia.

Algunos creen que los primeros teatros son representaciones de bufones. De hecho, su canto y baile semipaganos pueden considerarse el nacimiento de las representaciones teatrales en Rusia, pero el fundador del primer teatro del país en el sentido moderno es Fedor Grigoryevich Volkov, el primer actor de teatro profesional.

Fue él quien creó el teatro, que puede considerarse público y profesional. Volkov arreglado representaciones teatrales en casa en Yaroslavl con sus amigos y hermanos. Este teatro puede considerarse el primero, ya que cumplía con todos los requisitos de este concepto: era público, pagado, permanente, con su propia etiqueta teatral. Pronto, el rumor sobre esto llegó a la zarina Elizaveta Petrovna, quien los convocó a San Petersburgo y les dio instrucciones para crear un teatro público.

Pero desde entonces, se habla de Yaroslavl como el lugar donde todos teatros en rusia- su patria. El edificio más antiguo es el Teatro Académico de Yaroslavl, ahora el Teatro Académico Estatal Ruso que lleva el nombre de F. G. Volkov.

Los teatros más famosos de Rusia.

Considere teatros en Rusia como el Bolshoi, Mikhailovsky, Mariinsky y Zimny ​​​​, los teatros más famosos del país.

gran teatro

El Teatro Bolshoi se llama Teatro Académico Estatal Bolshoi de Rusia, ubicado en Moscú. Se incluye no solo en los teatros, que se encuentran entre los más famosos de Rusia, sino también en los teatros más famosos del mundo.

La historia de esta institución cultural comenzó en 1776, cuando Catalina II firmó un permiso para que el Príncipe Peter Urusov realizara representaciones teatrales, mascaradas y conciertos. Sin embargo, el edificio no sobrevivió hasta la apertura y se incendió. Urusov decidió entregárselo al inglés Michael Maddox, su socio, quien está construyendo un nuevo edificio en poco menos de seis meses. Y en 1780 abre sus puertas a los primeros espectadores.

Sin embargo, la serie de incendios no termina ahí, y el edificio del Teatro Bolshoi en diferentes momentos se somete a fuego tres veces más. El edificio del Teatro Bolshoi restaurado por cuarta vez por el arquitecto Albert Cavos recibió la famosa cuadriga de bronce del famoso escultor ruso Pyotr Klodt sobre la entrada, que es una característica del teatro. El edificio moderno tiene capacidad para poco más de dos mil personas; los teatros raros en Rusia tienen tal capacidad.

El Teatro Bolshoi, sin duda, puede llamarse la principal plataforma cultural de la Federación Rusa. Se compone de un ballet y una compañía de ópera, así como de un escenario y una banda de música y la orquesta del Teatro Bolshoi. Aquí, cualquiera que ame el teatro, en particular, las representaciones de ópera y ballet, siempre puede elegir una función de su agrado. Durante mucho tiempo de existencia, más de ochocientas obras diferentes se han puesto en escena en el escenario del teatro. Sergey Rachmaninov, Pyotr Tchaikovsky, Maya Plisetskaya y otros nombres famosos del arte ruso y mundial están relacionados con este teatro.

Teatro Mijailovski

Por supuesto, hablando de teatros en rusia, es imposible no mencionar el Teatro Mikhailovsky. Lleva el nombre del príncipe Mikhail, hijo del emperador de toda Rusia Pablo I, y fue inaugurado en 1833. Se encuentra en la actual Plaza de las Artes de la ciudad de San Petersburgo. Mikhailovsky es uno de los teatros más antiguos de las ciudades rusas.

Este templo de Melpomene era un lugar predilecto para las salidas seculares no solo de toda la nobleza de Petersburgo, sino también de la propia familia imperial con sus cortesanos. Compañías de Francia y Alemania venían aquí de gira, y la orquesta a menudo estaba dirigida por el propio Johann Strauss. Sin embargo, después de la Revolución de febrero de 1917, los artistas extranjeros dejaron de venir a San Petersburgo, por lo que el Teatro Mikhailovsky comenzó a pensar en cómo reunir su propia compañía de actores.

Antes de la guerra, aquí tuvo lugar la formación de la "ópera soviética", organizaron The Quiet Don, Lady Macbeth del distrito de Mtsensk, y en el período de posguerra, los clásicos rusos comenzaron a revivir en el escenario de Mikhailovsky: comenzaron a escenario Eugene Onegin, Boris Godunov, etc.

teatro de invierno

Es una de las principales atracciones de la ciudad de Sochi. Fue erigido en 1937 en la zona central de la ciudad.

Rodeado por 88 columnas corintias, este edificio conservador atrae de inmediato la atención de los huéspedes de la capital turística de Rusia y es uno de los mejores monumentos arquitectónicos de importancia nacional. La sala de teatro está diseñada en oro, azul y blanco. Tiene capacidad para poco más de novecientos espectadores.

La Sociedad Filarmónica del Estado de Sochi se encuentra en el mismo edificio; aunque el Teatro de Invierno no tiene su propia compañía de teatro, sí tiene su propia orquesta maravillosa. Sin embargo, Zimny ​​​​es un excelente lugar para giras teatrales. La primera obra con la que se inauguró en 1938 es La novia del zar, ópera de Nikolai Rimsky-Korsakov. Posteriormente, las mejores compañías de toda la Unión Soviética tocaron aquí, y todavía actúan equipos de muchas ciudades de Rusia, Ucrania, Georgia y otros países.

Ópera Mariinskii

La historia del Teatro Mariinsky se remonta a 1783 en San Petersburgo. De todos los teatros de Rusia, son los teatros Bolshoi y Mariinsky los que son conocidos en todo el mundo. Además, el Mariinsky es uno de los teatros más antiguos del país. Luego se inauguró con el nombre de Teatro Bolshoi Stone y está ubicado en la plaza Carouselnaya. Frente a él se construyó el actual edificio del teatro; la plaza ahora se llama Teatro por una razón, y él mismo se llama Mariinsky, en honor a Maria Alexandrovna, la esposa de Alejandro II.

Incluso en aquellos días, la belleza y la grandeza de este edificio ya sorprendían a los observadores. Es famoso por sus magníficos interiores. Los muebles y las cortinas de la sala no siempre fueron de los tonos azules y azules que conocemos ahora; hasta 1952, tradicionalmente era rojo oscuro. Todavía no existe un teatro de ópera y ballet más grande que el Mariinsky en Rusia.

Aquí se presentaron por primera vez "Boris Godunov", "Ruslan and Lyudmila", "The Night Before Christmas" y muchas otras producciones, y no solo rusas, sino también extranjeras, por ejemplo, "Tristán e Isolda", "Carmen", "Romeo". y Julieta". Artistas como Fyodor Chaliapin y Fyodor Stravinsky dejaron su huella en la historia de Mariinsky.

Si te encantan los teatros, su arquitectura y decoración de interiores, te sugerimos que hagas un pequeño viaje a la Plaza del Teatro en San Petersburgo y mires la magnificencia del Teatro Mariinsky:

Entre los amantes de la música hay fanáticos de una manifestación antigua pero muy interesante: la ópera. Pero incluso si eres indiferente a la música de ópera, lo más probable es que admires la belleza de su morada: el teatro de la ópera. Estos 10 teatros de ópera más hermosos del mundo le informarán sobre los asombrosos edificios y lo "llevarán" a través de los lujosos pasillos.

10 Teatro Real, Covent Garden

9 Ópera de Sídney

8 Ópera Real de Versalles

7 Gran Teatro del Liceo

6 Teatro de San Carlo

Teatro 5 Estados

4 Markgrafliches Opernhaus

3 Ópera de Harbin

2 Teatro Académico Estatal Bolshoi de Rusia

1 Ópera Garnier

¿Amas el teatro como lo amaba Belinsky? ¿Qué es exactamente lo que te gusta del teatro?

colgador con el que comienza, techos altos y pinturas en las paredes, cansado y

las caras felices de los actores que salen a hacer un bis, o tal vez un pastel en el buffet?

Especialmente para aquellos que no han decidido por qué aman el teatro, hemos hecho una selección

teatros, famosos en todo el mundo por su singularidad.

Ópera La Scala, Milán

El nombre del teatro le vino "heredado" de la iglesia de Santa Maria della Scala, en

donde fue construido. El templo, a su vez, recibió el nombre de Skala en honor a su patrona del tipo de gobernantes de Verona. El teatro fue inaugurado el 3 de agosto de 1778 con la ópera Europa reconocida de Antonio Salieri, escrita por

especialmente para este evento.

Stendhal escribió en su diario: “Considero a Skala el primer teatro del mundo, porque

la música es lo más agradable. No hay una sola lámpara en el pasillo: está encendida

sólo por la luz reflejada del paisaje. Es imposible imaginar algo más.

majestuoso, más lujoso, más impresionante que todas sus formas arquitectónicas.

El edificio del teatro fue destruido durante la Segunda Guerra Mundial, pero en 1946 -

completamente restaurado. La última restauración se completó en 2004, el 7 de diciembre se representó nuevamente "Europa reconocida" de Salieri en el escenario renovado.

Viena ópera estatal, Viena

La ópera de la corte apareció en Viena a mediados del siglo XVII y en 1869 se completó.

El Don Giovanni de Mozart.

En la fachada de la Ópera de Viena se representan extractos de La flauta mágica de Mozart.

El edificio sufrió graves daños durante la Segunda Guerra Mundial y no fue restaurado hasta 1955, al mismo tiempo que se reanudó la tradición del baile de ópera anual. Hasta el dia de hoy pasa aqui el balón más importante de austria equivalente a la admisión estatal. Por tradición, el baile comienza con una polonesa interpretada por los debutantes, y luego ingresan el resto de los invitados, entre los que también está presente el presidente.

A lo largo de los años de su existencia, la Ópera de Viena ha visto muchos triunfos. mejores compositores, y muchos estrenos que tuvieron lugar aquí se volvieron verdaderamente inmortales.

Ópera Metropolitana, Nueva York

Uno de los escenarios de ópera más famosos del mundo se creó a expensas de la Metropolitan Opera House Company y, habiendo inaugurado el 22 de octubre de 1883 en el edificio de la Ópera de Broadway, a principios del siglo XX comenzó a ser considerado uno de los principales escenarios de ópera, junto con los teatros de La Scala y la Ópera de Viena. A edificio en Broadway el teatro sobrevivió al incendio, solo 9 años después de la apertura, sin embargo, luego de trabajos de reparación, reabrió y estuvo ubicado allí hasta 1966. En 1966, el edificio fue demolido y el teatro se trasladó a un nuevo edificio en el Lincoln Center for the Performing Arts de Manhattan, donde todavía existe. Ópera Metropolitana de Nueva York. Foto: redes sociales Un detalle importante del interior y un atractivo aparte del nuevo edificio son frescos monumentales de Marc Chagall, que decoran las paredes del vestíbulo.

Teatro Royal Covent Garden, Londres

Escenario local de la Royal Opera House de Londres y el Royal Ballet de Londres

Obtuvo su nombre de su ubicación en Covent Garden. el primer teatro

construido en el solar de un parque que aquí estuvo ubicado, fue inaugurado el 7 de diciembre de 1732 con la representación “Así hacen en el mundo”, y en 1734 se empezó a representar ópera y ballet en el teatro.

En 1808, el primer teatro de Covent Garden fue destruido por un incendio, y después de 9 meses se erigió un nuevo edificio en su lugar, que tampoco se mantuvo en pie por mucho tiempo: el 5 de marzo de 1856, el teatro se incendió nuevamente.

El moderno edificio del teatro se abrió a los invitados el 15 de mayo de 1858 con la ópera Los hugonotes de Meyerbeer, tuvo que "participar" en dos guerras. Durante la Primera Guerra Mundial, el edificio del teatro se utilizó como almacén, y durante la Segunda Guerra Mundial, se instaló un salón de baile en el teatro. En 1946, todo encajó: el 20 de febrero, Covent Garden reabrió ballet La bella durmiente de Tchaikovsky.

Ópera Garnier (Gran Ópera), París

Uno de los teatros de ópera y ballet más importantes del mundo se encuentra en el Palais Garnier,

Reconocido el referente de la arquitectura ecléctica.Gran Ópera de París. Foto: Anna GORBUNOVA El concurso para el mejor proyecto para un nuevo edificio para la Ópera de París fue anunciado por orden Napoleón Bonaparte que se negó a asistir a la vieja ópera después

el atentado contra su vida que tuvo lugar allí. El proyecto de un arquitecto desconocido ganó Charles Garnier, y el arquitecto de 30 años se puso manos a la obra.

Debido a la difícil situación política del país, la construcción de una nueva ópera

se extendieron durante 15 años y se completaron solo el 30 de octubre de 1874, que costaron 36 millones de francos en oro.

La Ópera Garnier inspiró a Gaston Leroux para crear la famosa novela El Fantasma de la Ópera. Cabe destacar que el lago subterráneo mencionado en la novela realmente existe: en el sótano del edificio hay un depósito con agua, que contribuye a la estabilidad de los cimientos. Además, el agua del tanque se puede utilizar en caso de incendio.

Teatro Bolshói, Moscú El Teatro Académico Estatal Bolshoi es uno de los más importantes del mundo.

teatros de ópera y ballet, incluye compañías de ballet y ópera, la Orquesta del Bolshoi

teatro y escenario y banda de música.

En marzo de 1776, el príncipe Pyotr Vasilievich Urusov, con el más alto permiso

Emperatriz Catalina II comenzó la construcción del teatro, que, sin embargo, se incendió

antes de la finalización de la construcción. El príncipe entregó el negocio a Michael Madox, su inglés

compañero, bajo cuyo liderazgo se construyó el primer Bolshoy Petrovsky

el teatro, llamado así por su ubicación, en la plaza Petrovsky y quemado

después de 25 años. Se erigió un nuevo edificio en la plaza Arbat, pero también se incendió en

1812, sin sobrevivir a la invasión de Napoleón.

En enero de 1825, reconstruida por el arquitecto O.I. Teatro Beauvais abrió en Petrovskaya

plaza, posteriormente rebautizada como Plaza del Teatro, con la representación "El Triunfo

Muses" y se quemó de nuevo en marzo de 1853. A mediados de 1856 el teatro había sido restaurado y

ya no se quemó, pero luego se reconstruyó más de una vez.

Ópera de Sídney, Sídney

Sydney Opera House - teatro musical y Tarjeta de visita de Sídney, uno de

principales atracciones en australia. Edificio de la Ópera de Sídney

único ejemplo de expresionismo, con un diseño radical e innovador. El edificio fue diseñado por el danés Jorn Utzon, que recibió por él el Premio Pritzker, e inaugurado por la Reina

estructuras, tuvo que ocultarlo detrás de techos separados que reflejan el sonido.

Elena Vasilievna Obraztsova - Cantante de ópera soviética y rusa, mezzosoprano. Artista del Pueblo de la URSS, Premio Lenin, Héroe del Trabajo Socialista. Uno de los cantantes famosos de nuestro tiempo. Elena Vasilievna Obraztsova nació el 7 de julio de 1939 en Leningrado. Durante la Gran Guerra Patriótica, junto con su familia, fue evacuada de Leningrado a Ustyuzhna. La música fue una parte integral de la infancia de Elena, su padre, ingeniero de profesión, tenía un hermoso barítono y, además, tocaba bien el violín; ella siempre recordaba las noches de hogar musicales. En 1948-1954 cantó en el coro de niños del Palacio de los Pioneros de Leningrado. AUTOMÓVIL CLUB BRITÁNICO. Zhdanova (director del coro - M.F. Zarinskaya). En 1954-1957, en relación con la transferencia oficial de su padre, la familia vivió en Taganrog, donde Elena estudió en el P.I. Tchaikovsky con la maestra Anna Timofeevna Kulikova. En el concierto de reportajes en escuela de Musica Obraztsova fue escuchada por el director del Rostov Musical College M.A. Mankovskaya, y por recomendación de ella en 1957, Elena fue admitida en la escuela inmediatamente para el segundo año. Un año después, en agosto de 1958, después de pasar una audición exitosa, ingresó al departamento de preparación de LGK. SOBRE EL. Rimsky-Korsakov. En 1962, ganó el primer premio en el Concurso de Vocalistas de toda la Unión. MI. Glinka y una medalla de oro en el Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes de Helsinki. El 17 de diciembre de 1963, siendo estudiante en el conservatorio, E. Obraztsova hizo su debut en el escenario del Teatro Bolshoi como Marina Mniszek en la ópera Boris Godunov de M. P. Mussorgsky. En 1964 se graduó en el Conservatorio Estatal de Leningrado que lleva el nombre de I. SOBRE EL. Rimsky-Korsakov en la clase del profesor A.A. Grigoryeva (clase de ópera de A.N. Kireev). La presidenta del comité de graduación, Sofya Petrovna Preobrazhenskaya, le otorgó a Elena Obraztsova 5 plus, una calificación que no se había otorgado en el Conservatorio de Leningrado durante aproximadamente 40 años. En el mismo año se convirtió en solista permanente del Teatro Bolshoi. La naturaleza dotó generosamente a Elena Obraztsova. Tiene una voz de rara belleza en el timbre, aterciopelada, rica en sonido de órgano, una apariencia brillante en el escenario que le da a sus heroínas de ópera un raro alivio artístico y expresividad, el talento de una verdadera actriz dramática. En 1964, Elena Obraztsova, como parte de la compañía de teatro Bolshoi, actuó en el escenario de La Scala como Martha en la ópera Khovanshchina y como Marie en la ópera Guerra y paz. Las representaciones de Obraztsova en Italia fueron un gran éxito, y en 1977 fue invitada a abrir la temporada del 200 aniversario en La Scala como la Princesa Éboli en la ópera Don Carlos de G. Verdi. En 1975, Elena Obraztsova, junto con el Teatro Bolshoi, se fue de gira a los Estados Unidos. Durante la obra "Boris Godunov", Obraztsova, que interpretó el papel de Marina Mnishek, fue llamada al escenario cinco veces por espectadores entusiastas, la actuación tuvo que detenerse. El triunfo de Elena Obraztsova en los EE. UU. finalmente la confirmó en el estatus de estrella mundial de la ópera. Unos meses después, Elena Obraztsova actuó en Il trovatore, espectáculo que abrió la temporada de la Ópera de San Francisco, sus compañeros fueron Luciano Pavarotti y Joan Sutherland. En 1976, Obraztsova, ya solista invitada de la Metropolitan Opera, causó sensación con su interpretación de Amneris en Aida de Verdi. En 1977, Obraztsova actuó como Delilah en el Metropolitan. Thor Eckert, crítico del New York Times, escribió: "Dudo que hayamos escuchado a Delilah, que tan fácilmente lograría dominar dos octavas y media: Obraztsova interpreta esta parte tan difícil sin una sombra de tensión". Fue invitada por Franco Zeffirelli para interpretar el papel de Santuzzi en Rural Honor (1982). “En mi vida”, escribió Zeffirelli, “hubo tres sobresaltos: Anna Magnani, Maria Callas y Elena Obraztsova, quienes obraron un milagro durante el rodaje de la película Rural Honor”. En total, el repertorio de Elena Obraztsova incluye 86 papeles en óperas del repertorio clásico ruso y extranjero, así como en óperas de compositores del siglo XX, muchos de sus papeles se han convertido en clásicos vivos del escenario de la ópera moderna: Marina Mnishek ("Boris Godunov ", 1963), Institutriz, Polina, Milovzor (1964), Condesa (1965, "La dama de picas"), Lyubasha ("La novia del zar", 1967), Konchakovna ("Príncipe Igor", 1968), Martha (" Khovanshchina", 1968). Lyubava ("Sadko", 1979), Amneris ("Aida", 1965), Azuchena ("Trobador", 1972), Eboli ("Don Carlos", 1973), Santuzza ("País Honor", 1977), Ulrika (" Baile de máscaras, 1977), Princesa de Bouillon (Adrienne Lecouvrere, 1977), Adalgisa (Norma, 1979), Giovanna Seymour (Anna Boleyn, 1982), Orfeo (Orfeo y Eurídice, 1984), Neris ("Medea", 1989), Leonora ("Favorita", 1992), Duquesa ("Sister Angelica", 1992), Carmen ("Carmen", 1972), Charlotte ("Werther", 1974), Dalila ("Sansón y Dalila", 1974), Herodías ( "Herodías", 1990), Oberón ("Sueño en noche de verano"B. Britten, 1965), Zhenya Komelkov ("Aquí los amaneceres son tranquilos" de K. Molchanov, 1975), Judith ("El castillo del duque Barba Azul" B. Bartok, 1978), Jocasta ("Edipo rey" de I Stravinsky, 1980), Eudosia ("Llama" de O. Respighi, 1990), S. Prokofiev: Frosya ("Semyon Kotko", 1970), Princesa María (1964), Helen Bezukhova (1971), Akhrosimova (2000, " Guerra y paz"), Granny ("Jugador", 1996), Conde Orlovsky (" Murciélago", 2003) y otros. Además de los papeles de ópera, Elena Obraztsova participa activamente en actividades de conciertos en Rusia y en todo el mundo. Su repertorio de conciertos en solitario incluye música de más de 100 compositores rusos y extranjeros: M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky , N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Musorgsky, PI Tchaikovsky, S.V. Rakhmaninov, S.S. Prokofiev, GF Handel, W.A. Mozart, L. Beethoven, R.Schumann, R. Strauss, R. Wagner, J. Brahms, K. Weil, G. Mahler, G. Donizetti, G. Verdi, G. Puccini, P. Mascagni, J. Bizet, J. Massenet, C. Sen "Sansa y otros, así como canciones rusas y romances antiguos. Participó en la interpretación de oratorios, cantatas. , misas, obras de música sacra rusa. Las composiciones de jazz agregaron nuevos toques brillantes a su talento. En 1986, hizo su debut como directora, poniendo en el escenario de ópera del Teatro Bolshoi de J. Massenet "Werther". La cantante protagonizó películas musicales de televisión "La Viuda Alegre", "Mi Carmen", "Country Honor" y "Tosca", etc. De 1973 a 1994 Elena Ob Raztsova enseñó en el Conservatorio Estatal Tchaikovsky de Moscú. Desde 1984 - profesor. Desde 1992 enseña en la Academia de Música Musashino de Tokio; imparte clases magistrales en Europa y Japón, en la Academia de Jóvenes Cantantes de Ópera en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. Fue y es miembro del jurado de muchos concursos internacionales, incluido el Concurso Internacional que lleva el nombre de P.I. Tchaikovsky en Moscú, el Concurso Vocal Internacional en Marsella, el Concurso Internacional que lleva el nombre de N.A. Rimsky-Korsakov en San Petersburgo, el Concurso Internacional Ferruccio Tagliavini en Deutschlandsberg, el Concurso Internacional Montserrat Caballe para Cantantes de Ópera. En septiembre de 1999, se celebró en San Petersburgo el 1er Concurso Internacional para Jóvenes Cantantes de Ópera Elena Obraztsova, en 2011, el 8º Concurso. Elena Ejemplar ha grabado más de 50 discos, entre óperas, oratorios, cantatas, discos solistas con obras de música de cámara y ópera. En los últimos años, se han lanzado "grabaciones en vivo" de particular valor. Desde junio de 2007 hasta octubre de 2008, se desempeñó como directora artística del Teatro de Ópera Mikhailovsky (anteriormente Teatro de Ópera y Ballet Mussorgsky en San Petersburgo). Ahora en San Petersburgo dirige un centro cultural que lleva su nombre, donde trabaja con jóvenes artistas. El 24 de octubre de 1981 se descubrió un planeta menor No. 4623, que recibió el nombre de "Obraztsova".

Kiri Janet Te Kanawa es una cantante de ópera y soprano lírica de Nueva Zelanda. Uno de los principales cantantes de ópera de nuestro tiempo con una cálida bella voz y un amplísimo repertorio de papeles operísticos en varios idiomas. Kiri Te Kanawa (nacida como Claire Mary Teresa Rostron) el 6 de marzo de 1944 en Gisborne, Nueva Zelanda, de madre irlandesa y padre maorí, pero se sabe poco sobre sus padres como Fue adoptada de niña por la familia Te Kanawa, sus padres adoptivos también eran maoríes e irlandeses. Recibió su educación general y musical en Auckland y ya era una cantante popular en clubes de Nueva Zelanda durante su adolescencia y juventud. Al mismo tiempo, recogió todos los premios musicales importantes en Australia y Nueva Zelanda en 1963, quedó en segundo lugar en el concurso "Mobil (Lexus) Song Quest", el primer lugar en ese momento lo ocupó otro famoso cantante de ópera de Nueva Zelanda, Malvina Mayor. La propia Kiri Te Kanawa ganó el mismo concurso en 1965 con el aria "Vissi d'arte" de "Tosca" de Puccini. El mismo año, sin audición, ingresó al Centre for Opera Singing de Londres, los maestros notaron tanto su talento como la carencia inicial de técnica vocal El debut en el escenario de la ópera tuvo lugar en 1968 como la segunda dama en La flauta mágica de Mozart en el Teatro de Londres "Sadler Wells", fue seguido inmediatamente por papeles en Dido y Eneas de Purcell y el papel principal en Donizetti. Anna Boleyn. para mis oídos, hice mil audiciones y era una voz fantásticamente hermosa". The Royal Opera House, Covent Garden firmó un contrato con Kiri Te Kanawa por tres años y sus primeras actuaciones en el escenario de este teatro tuvieron lugar. en el papel de Xenia en "Boris Godun ove" y la niña de las flores en "Parsifal" en 1970. Te Kanawa siguió preparándose cuidadosamente para el papel de la Condesa, cuyo estreno estaba previsto en Covet Garden en diciembre de 1971, pero antes hubo una actuación en el Festival de Ópera de Santa Fe (Nuevo México, EE. UU.), donde probó este papel. , junto a ella en el mismo festival, actuó la cantante estadounidense Frederica von Stade, posteriormente la prensa se refirió a su actuación: "... hubo dos recién llegados que encandilaron al público... todos inmediatamente se dieron cuenta de que se trataba de dos hallazgos y la historia confirmó su actuación." Estos dos cantantes se hicieron amigos durante muchos años. El 1 de diciembre de 1971, en Covent Garden, Kiri Te Kanawa repitió su actuación en Santa Fe y creó una sensación internacional. En este día, recibió el estatus de estrella indiscutible de la ópera y se convirtió en una de las sopranos más famosas del mundo, actuando en los teatros de ópera más importantes del mundo: Covent Garden, Metropolitan Opera (debut en 1974), Paris Opera (1975) , Sydney Opera House (1978), Vienna State Opera (1980), La Scala (1978), Chicago Lyric Opera, San Francisco, Bavarian y muchos otros. Sus heroínas incluyen un enorme repertorio para soprano, entre ellas, los tres papeles principales de Richard Strauss: Arabella de "Arabella", Marchalsha, la princesa Maria Therese von Werdenberg de "The Rosenkavalier" y la condesa de "Capriccio"; Fiordiligi de Mozart de Todas las mujeres lo hacen, Donna Elvira de Don Giovanni, Pamina de La flauta mágica y, por supuesto, la condesa Almaviva de Las bodas de Fígaro; Violetta de Verdi de "Triaviatta", Amelia Boccanegra de "Simon Boccanegra", Desdémona de "Ottello"; de Puccini - Tosca, Mimi y Manon Lescaut; Carmen Bizet, Tatiana Tchaikovsky, Rosalind Johann Strauss y muchos otros. En el escenario del concierto, su belleza y claridad vocal se combinaron con las principales orquestas sinfónicas del mundo de Londres, Chicago y Los Ángeles bajo la batuta de directores como Claudio Abbado, Colin Davis, Charles Duthoit, Georg Solti y otros. Se convirtió en una participante habitual en festivales internacionales de ópera, en Glideborn, Salzburgo, Verona. Durante su larga carrera creativa, Kiri Te Kanawa ha lanzado alrededor de ochenta discos de música operística y de concierto: arias de concierto de Mozart, Four Last Songs de Strauss, German Requiem de Brahms, Handel's Messiah y otros, así como álbumes con música y canciones populares. del pueblo maorí como tributo a su pueblo. Algunos de sus discos han sido galardonados con premios Grammy. El último álbum "Kiri Sings Karl" fue lanzado en 2006. Dos eventos significativos fueron en su carrera, que son casi imposibles de repetir para cualquier cantante de ópera. En 1981, actuó como solista en la boda del Príncipe Carlos y la Princesa Diana en la Catedral de San Pablo en Londres. La transmisión televisiva en vivo de este evento atrajo a más de 600 millones de espectadores. El segundo récord: en 1990, dio un concierto abierto en Auckland, 140 mil espectadores asistieron a su actuación en solitario. Ahora su actividad fuera de los escenarios está conectada con el fondo que creó para el apoyo y ayuda económica a jóvenes cantantes y músicos. Kiri Te Kanawa ha sido galardonada con numerosos galardones y premios por sus servicios al desarrollo del arte, los más importantes son Dame Commander of the Order of the British Empire (1982), Companion of the Order of Australia (1990), Order of New Zelanda (1995). También ha recibido títulos honoríficos de Cambridge, Oxford, Chicago, Nottingham y otras universidades. En los últimos años, las actuaciones de Kiri Te Kanawa en el escenario de la ópera y las salas de conciertos se han vuelto raras, pero aún no ha anunciado su retiro de los escenarios, aunque se creía que su última actuación sería en abril de 2010. pero ella sigue actuando.

Lyubov Yurievna Kazarnovskaya - Cantante de ópera, soprano soviética y rusa. Doctor en Ciencias Musicales, Catedrático. Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya nació el 18 de mayo de 1956 en Moscú, madre, Kazarnovskaya Lidia Aleksandrovna - filóloga, profesora de lengua y literatura rusa, padre, Kazarnovsky Yuri Ignatievich - reserva general, hermana mayor - Bokadorova Natalya Yuryevna - filóloga, profesora de lengua francesa y literatura Lyuba siempre cantó, después de la escuela se aventuró a postularse en el Instituto Gnessin, en la facultad de actores de teatro musical, aunque se estaba preparando para convertirse en estudiante de la facultad. idiomas extranjeros. Los años de estudiante le dieron mucho a Lyuba como actriz, pero la reunión con Nadezhda Matveevna Malysheva-Vinogradova, una maravillosa maestra, vocalista, acompañante de Chaliapin, alumna del propio Stanislavsky, fue decisiva. Además de invaluables lecciones de canto, Nadezhda Matveevna, la viuda del crítico literario de Pushkin, el académico VV Vinogradov, le reveló a Lyuba todo el poder y la belleza de los clásicos rusos, le enseñó a comprender la unidad de la música y las palabras escondidas en ellos. La reunión con Nadezhda Matveevna finalmente determinó el destino de la joven cantante. En 1981, a la edad de 21 años, cuando aún era estudiante en el Conservatorio de Moscú, Lyubov Kazarnovskaya hizo su debut como Tatyana (Eugene Onegin de Tchaikovsky) en el escenario del Teatro Musical Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko. Laureado del Concurso de toda la Unión que lleva el nombre de Glinka (II premio). Desde entonces, Lyubov Kazarnovskaya ha estado en el centro. vida musical Rusia. En 1982 se graduó en el Conservatorio Estatal de Moscú, en 1985, estudios de posgrado en la clase de Profesora Asociada Shumilova Elena Ivanovna. 1981-1986 - solista del teatro académico musical que lleva el nombre de Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko, en el repertorio de "Eugene Onegin" de Tchaikovsky, "Iolanta", "May Night" de Rimsky-Korsakov, "Pagliacci" de Leoncavallo, "La Boheme" de Puccini. 1984 - por invitación de Svetlanov, interpreta el papel de Fevronia en nueva producción"Cuentos de la ciudad invisible de Kitezh" de Rimsky-Korsakov, y luego, en 1985, la parte de Tatiana ("Eugene Onegin" de Tchaikovsky) y Nedda ("The Pagliacci" de Leoncavallo) en el Teatro Académico Estatal de Rusia. 1984 - Gran Premio del Concurso de Jóvenes Intérpretes de la UNESCO (Bratislava). Laureada del Concurso Mirjam Hellin (Helsinki) - III premio y diploma de honor por la interpretación de un aria italiana - personalmente del presidente del concurso y la legendaria cantante de ópera sueca Birgit Nilsson. 1986 - Laureado del Premio Lenin Komsomol. 1986 -1989 - Solista principal del Teatro Académico Estatal de Kirov: Leonora ("Fuerza del destino" de Verdi), Margarita ("Fausto" de Gounod), Donna Anna y Donna Elvira ("Don Giovanni" de Mozart), Leonora ("Trobador" de Verdi), Violetta ("La Traviatte" de Verdi), Tatiana ("Eugene Onegin" de Tchaikovsky), Lisa ("La dama de picas" de Tchaikovsky), Soprano ("Réquiem de Verdi"). Estrecha cooperación con directores como Janssons, Temirkanov, Kolobov, Gergiev. El primer triunfo extranjero: en el Covent Garden Theatre (Londres), en el papel de Tatiana en la ópera "Eugene Onegin" de Tchaikovsky (1988) 1989. - El "Maestro del Mundo" Herbert von Karajan invita a un joven cantante a "su" festival, un festival de verano en Salzburgo. En agosto de 1989, un debut triunfal en Salzburgo (Réquiem de Verdi, director Ricardo Muti). Todo el mundo musical notó y agradeció la actuación de la joven soprano de Rusia. Esta sensacional actuación marcó el inicio de una carrera vertiginosa, que la llevó luego a tales teatros de ópera como Covent Garden, Metropolitan Opera, Lyric Chicago, San Francisco Opera, Wiener Staatsoper, Teatro Colón, Houston Grand Opera. Sus socios son Pavarotti, Domingo, Carreras, Araiza, Nucci, Cappuccili, Cossotto, von Stade, Baltza. Septiembre de 1989: participación en el concierto de gala mundial en el escenario del Teatro Bolshoi de Rusia en apoyo de las víctimas del terremoto en Armenia, junto con Kraus, Bergonzi, Prey, Arkhipova. Octubre de 1989: participación en la gira de la Ópera de Milán "La Scala" en Moscú (Requiem de G. Verdi). 1991 - Salzburgo. 1992-1998 - Estrecha colaboración con la Ópera Metropolitana. 1994-1997: estrecha colaboración con el Teatro Mariinsky y Valery Gergiev. En 1996, Lyubov Kazarnovskaya hizo su exitoso debut en el escenario del Teatro La Scala en la ópera El jugador de Prokofiev, y en febrero de 1997 cantó triunfalmente el papel de Salomé en el Teatro de Roma de Santa Cecilia. Los principales maestros del arte operístico de nuestro tiempo trabajan con ella: directores como Muti, Levine, Thielemann, Barenboim, Haitink, Temirkanov, Kolobov, Gergiev, directores: Zefirelli, Egoyan, Wikk, Taymor, Dew ... "La Kazarnovskaya" , como lo denomina la prensa italiana, cuenta con más de medio centenar de fiestas en su repertorio. Se la llama la mejor Salomé de nuestros días, la mejor intérprete de óperas de Verdi y veristas, por no hablar del papel de Tatyana de Eugene Onegin, su tarjeta de presentación. Un éxito particular trajo su interpretación de los papeles principales en las óperas "Salome" de Richard Strauss, "Eugene Onegin" de Tchaikovsky, "Manon Lescaut" y "Tosca" de Puccini, "Force of Destiny" y "La Traviata" de Verdi. 1997 - Lyubov Kazarnovskaya crea su propia organización en Rusia - la Fundación Lyubov Kazarnovskaya, para apoyar el arte de la ópera en Rusia: invita a los principales maestros del arte vocal a Rusia para conciertos y clases magistrales, como Renata Scotto, Franco Bonisolli, Simon Estes , Jose Cura y otros, establece becas para ayudar a jóvenes cantantes rusos. * 1998-2000 - estrecha colaboración con el Teatro Bolshoi de Rusia. 2000: la cantante patrocina el único Teatro de Ópera Infantil del mundo que lleva el nombre de Lyubov Kazarnovskaya (Dubna). Con este teatro, Lyubov Kazarnovskaya planea proyectos interesantes en Rusia y en el extranjero. 2000: encabeza el Consejo coordinador creativo del Centro Cultural "Unión de Ciudades", realizando un gran trabajo cultural y educativo en las ciudades y regiones de Rusia. 25/12/2000 - Otro estreno tuvo lugar en la sala de conciertos "Rusia": un brillante espectáculo de ópera "Rostros de amor", transmitido en vivo para todo el mundo. La acción musical de tres horas, presentada por primera vez en el mundo por un destacado cantante de ópera, se convirtió en un evento del último año del siglo pasado y provocó respuestas entusiastas en Rusia y en el extranjero. 2002 - Lyubov Kazarnovskaya está en el centro de la actividad social activa, fue elegido Presidente de la Comisión de Cooperación Cultural y Humanitaria de los Municipios de la Federación Rusa, es Presidente de la Junta de la Sociedad Rusa de Educación Musical. Lyubov Kazarnovskaya recibió un diploma de un prestigioso centro en Cambridge (Inglaterra) como uno de los 2000 músicos más destacados del siglo XX. vida creativa Lyubov Kazarnovskaya: una serie de victorias, descubrimientos y logros rápidos e imparables, en relación con los cuales el epíteto "primero" es apropiado en muchos aspectos: *Gran Premio en la competencia vocal de la UNESCO. *Kazarnovskaya es la primera soprano rusa invitada a Salzburgo por Herbert von Karajan. *El único cantante ruso que interpretó partes de Mozart en la tierra natal del compositor en Salzburgo en su 200 cumpleaños. *La primera y única cantante rusa que interpreta la parte más difícil de Salomé (Salomé de Richard Strauss) en los escenarios de ópera más grandes del mundo con gran éxito. L. Kazarnovskaya es considerada la mejor Salomé de nuestro tiempo. *El primer cantante en grabar (en CD) los 103 romances de Tchaikovsky. *Con estos discos y sus numerosos conciertos en todos los centros musicales del mundo, Lyubov Kazarnovskaya abre al público occidental la creatividad musical de los compositores rusos. *La primera cantante de ópera a escala internacional, que realizó un espectáculo sin precedentes en cuanto a su rango - ópera, opereta, romance, chanson... *La primera y única cantante que interpretó dos papeles en una noche (en las óperas “Manon Lescaut” de Puccini) en la obra “Retrato de Manon en el escenario del Teatro Bolshoi de Rusia. Recientemente, Lyubov Kazarnovskaya, además de sus actividades internacionales, ha dedicado mucho tiempo y energía al desarrollo de la vida musical en las regiones rusas. Sin duda, ella es el fenómeno más llamativo en la vida vocal y musical de Rusia, y la prensa dedicada a ella no tiene precedentes en género y volumen. Su repertorio incluye más de 50 piezas de ópera y un enorme repertorio música de cámara. Sus papeles favoritos son Tatiana, Violetta, Salomé, Tosca, Manon Lescaut, Leonora ("La fuerza del destino"), Amelia ("Baile de máscaras"). Al elegir un programa para veladas en solitario, Kazarnovskaya evita una selección dispar de cosas atractivas, incluso ganadoras, y prefiere ciclos originales que representan el trabajo de diferentes autores. La singularidad de la cantante, el brillo de la interpretación, el sutil sentido del estilo, el enfoque individual de la encarnación de las imágenes más complejas en las obras de diferentes épocas hacen que sus actuaciones sean eventos reales. vida cultural. Numerosas grabaciones de audio y video enfatizan las enormes posibilidades vocales, el alto estilo y la mayor Talento musical este brillante cantante, que demuestra activamente al mundo entero el nivel real de la cultura rusa. La compañía estadounidense VAI (Video Artists International) lanzó una serie de videocasetes con la participación de la diva rusa, entre ellos "Great Singers of Russia 1901-1999" (dos casetes), "Gypsy Love" (grabación en video del concierto de Lyubov Kazarnovskaya en el Gran Salón del Conservatorio de Moscú). La discografía de Lyubov Kazarnovskaya incluye grabaciones de DGG, Philips, Delos, Naxos, Melodia. Actualmente, Lyubov Kazarnovskaya está preparando nuevos programas para conciertos en solitario, nuevas partes de ópera (Carmen, Isolda, Lady Macbeth), está planeando numerosas giras en el extranjero y en Rusia, y actúa en películas. Casada con Robert Roscik desde 1989, en 1993 nació su hijo Andrey. Estas pocas citas son solo una pequeña parte de las respuestas entusiastas que acompañan los discursos de Lyubov Kazarnovskaya: "Su voz es profunda y seductoramente insinuante... Escenas conmovedoras y bellamente ejecutadas de la carta de Tatyana y su Última reunión con Onegin no dejan dudas sobre la habilidad más alta de la cantante ("Metropolitan Opera", "New York Times") "Soprano poderosa, profunda, soberbiamente controlada, expresiva en todo el rango... El rango y el brillo de las características vocales son especialmente impresionante" (Lincoln Center, concierto en solitario, "New York Times") "La voz de Kazarnovskaya es enfocada, delicadamente profunda en el registro medio y brillante en el superior... Ella es la radiante Desdémona" (Francia, "Le Monde de la Musique ") "... Lyuba Kazarnovskaya cautivó a la audiencia con su soprano sensual y mágica que suena en todos los registros" ("Muenchner Merkur") "La diva rusa está tan radiante en el papel de Salomé, - el hielo comenzó a derretirse en las calles cuando Lyuba Kazarnovskaya cantó la escena final de "Salome"..." ("Cincinnati Enquirer") Información y fotos del sitio oficial: http://www.kazarnovskaya.com Un nuevo sitio sobre flores hermosas. mundo iris. Cría, cuidado, trasplante de iris.

Elina Garanca es una cantante letona (mezzosoprano), una de las principales cantantes de ópera de nuestro tiempo. Elina Garancha nació el 16 de septiembre de 1976 en Riga en una familia de músicos, su padre es director coral y su madre, Anita Garancha, es profesora en la Academia de Música de Letonia, profesora asociada en la Academia de Cultura de Letonia. y profesora de canto en la Ópera Nacional de Letonia. En 1996, Elina Garancha ingresó a la Academia de Música de Letonia en Riga, donde estudió canto con Sergey Martynov, y desde 1998 continuó sus estudios con Irina Gavrilovich en Viena, y luego con Virginia Zeani en los Estados Unidos. Uno de los hechos más profundos que influyeron en Elina durante sus estudios fue la interpretación en 1998 del papel de Jane Seymour de la ópera Anna Boleyn de Gaetano Donizetti - Garancia aprendió el papel en diez días y encontró una profunda simpatía por el repertorio del bel canto. Después de graduarse, Garancha hizo su debut en el escenario de ópera profesional en el Teatro Estatal del Sur de Turingia en Meiningen, Alemania, con el papel de Octavian en The Rosenkavalier. En 1999 ganó el Concurso Vocal Miriam Helin en Helsinki, Finlandia. En 2000, Elina Garanca ganó el premio principal en el Concurso Nacional de Interpretación de Letonia, y luego fue aceptada en la compañía y trabajó en la Ópera de Frankfurt, donde interpretó los papeles de la Segunda Dama en La flauta mágica, Hansel en Hansel y Gretel de Humperdinck. y Rosina en Sevilla. barbero. En 2001, se convirtió en finalista en el prestigioso Concurso Internacional de Canto de Cardiff y lanzó su debut álbum en solitario con un programa de arias de ópera. El avance internacional de la joven cantante se produjo en 2003 en el Festival de Salzburgo, cuando interpretó el papel de Annio en la producción de Mozart de Titus' Mercy dirigida por Nikolaus Harnoncourt. Esta actuación fue seguida por el éxito y numerosos compromisos. El principal lugar de trabajo fue la Ópera Estatal de Viena, en la que Garancha interpretó los papeles de Charlotte en "Werther" y Dorabella en "Everybody Does It So" en 2003-2004. En Francia, apareció por primera vez en el Théâtre des Champs Elysées (Angelina en la Cenicienta de Rossini) y luego en la Ópera de París (Opera Garnier) como Octavio. En 2007, Elina Garanca actuó por primera vez en el escenario principal de la ópera de su ciudad natal de Riga en la Ópera Nacional de Letonia como Carmen. En el mismo año, hizo su debut en la Ópera Estatal de Berlín (Sext) y en el Teatro Real "Covent Garden" de Londres (Dorabella), y en 2008, en la Ópera Metropolitana de Nueva York con el papel de Rosina en " Barbero de Sevilla" y en la Ópera de Baviera en Munich (Adalgisa). Actualmente, Elina Garancha se presenta en los escenarios de los principales teatros de ópera y salas de conciertos del mundo como una de las estrellas musicales más brillantes gracias a su hermosa voz, musicalidad y talento dramático convincente. Los críticos notaron la facilidad, la velocidad y la absoluta comodidad con la que Garancha manejaba su voz, y el éxito con el que aplicó la técnica vocal moderna al complejo repertorio de Rossini de principios del siglo XIX. Elina Garancha tiene una sólida colección de grabaciones de audio y video, incluida la premiada premio de Música Grabación "Grammy" de la ópera "Bayazet" de Antonio Vivaldi dirigida por Fabio Biondi, donde Elina interpretó el papel de Andrónico. Elina Garancha está casada con el director de orquesta inglés Karel Mark Chichon y la pareja espera su primer hijo para finales de octubre de 2011.

Salomeya Amvrosievna Krushelnitskaya es una famosa cantante de ópera ucraniana (soprano), maestra. Incluso durante su vida, Salomea Krushelnitskaya fue reconocida como una cantante destacada en el mundo. Tenía una voz sobresaliente en términos de fuerza y ​​belleza de un amplio rango (alrededor de tres octavas con un registro medio libre), memoria musical (podía aprender partes de ópera en dos o tres días) y un talento dramático brillante. El repertorio del cantante incluía más de 60 partes diferentes. Entre sus múltiples premios y distinciones, en particular, el título de "Wagner prima donna del siglo XX". El compositor italiano Giacomo Puccini obsequió al cantante con su retrato con la inscripción "Mariposa hermosa y encantadora". Salomeya Krushelnytska nació el 23 de septiembre de 1872 en el pueblo de Belyaventsy, ahora el distrito de Buchatsky de la región de Ternopil, en la familia de un sacerdote. Proviene de una noble y antigua familia ucraniana. Desde 1873, la familia se mudó varias veces, en 1878 se mudaron al pueblo de Belaya cerca de Ternopil, de donde nunca se fueron. Comenzó a cantar desde muy joven. De niña, Salomé conocía muchas canciones populares, que aprendió directamente de los campesinos. Recibió los fundamentos de la formación musical en el gimnasio de Ternopil, donde se examinó como alumna externa. Aquí se acercó al círculo musical de estudiantes de secundaria, del cual también era miembro Denis Sichinsky, más tarde un conocido compositor, el primer músico profesional en el oeste de Ucrania. En 1883, en el concierto de Shevchenko en Ternopil, tuvo lugar la primera actuación pública de Salomé, cantó en el coro de la sociedad de conversación rusa. En Ternopil, Salomea Krushelnytska se familiarizó con el teatro por primera vez. Aquí, de vez en cuando, se presentaba el teatro Lvov de la sociedad de conversación rusa. En 1891, Salomé ingresó al Conservatorio de Lviv. En el conservatorio, su maestro fue el entonces famoso profesor en Lviv, Valery Vysotsky, quien crió a toda una galaxia de famosos cantantes ucranianos y polacos. Mientras estudiaba en el conservatorio, tuvo lugar su primera actuación en solitario; el 13 de abril de 1892, la cantante interpretó fiesta principal en el oratorio "Messiah" de G.F. Handel. El primer debut operístico de Salome Krushelnitskaya tuvo lugar el 15 de abril de 1893, interpretó el papel de Leonora en la interpretación del "Favorito" del compositor italiano G. Donizetti en el escenario del Teatro de la Ciudad de Lviv. En 1893, Krushelnytska se graduó en el Conservatorio de Lvov. En el diploma de graduación de Salomé, estaba escrito: "Este diploma lo recibe Panna Salomea Krushelnitskaya como prueba de una educación artística recibida con diligencia ejemplar y éxito extraordinario, especialmente en un concurso público el 24 de junio de 1893, por el cual recibió una medalla de plata". medalla." Mientras aún estudiaba en el conservatorio, Salomea Krushelnytska recibió una oferta de la Ópera de Lviv, pero decidió continuar su educación. Su decisión estuvo influenciada por la famosa cantante italiana Gemma Bellinchoni, que en ese momento estaba de gira en Lviv. En el otoño de 1893, Salomé parte para estudiar en Italia, donde la profesora Fausta Crespi se convierte en su maestra. En el proceso de estudio, las actuaciones en conciertos en los que cantaba arias de ópera fueron una buena escuela para Salomé. En la segunda mitad de la década de 1890, comenzaron sus actuaciones triunfales en los escenarios de teatros de todo el mundo: en Italia, España, Francia, Portugal, Rusia, Polonia, Austria, Egipto, Argentina, Chile en las óperas Aida, Il trovatore de D Verdi, Faust » S. Gounod, "El patio terrible" de S. Moniuszko, "Africano" de D. Meyerbeer, "Manon Lescaut" y "Cio-Cio-San" de G. Puccini, "Carmen" de J. Bizet, "Electra" de R. Strauss, "Eugene Onegin" y "La dama de picas" de P.I. Nunca antes el compositor había estado tan seguro del éxito... pero el público abucheó indignado la ópera. El célebre maestro se sintió aplastado. Los amigos persuadieron a Puccini para que reelaborara su trabajo e invitara a Salome Krushelnitskaya a la parte principal. El 29 de mayo, en el escenario del Grande Theatre de Brescia, tuvo lugar el estreno de la actualizada Madama Butterfly, esta vez triunfante. El público llamó siete veces al escenario a los actores y al compositor. Después de la actuación, conmovido y agradecido, Puccini envió a Krushelnitskaya su retrato con la inscripción: "A la mariposa más hermosa y encantadora". En 1910, S. Krushelnitskaya se casó con el alcalde de la ciudad de Viareggio (Italia) y el abogado Cesare Riccioni, quien era un gran conocedor de la música y un aristócrata erudito. Se casaron en uno de los templos de Buenos Aires. Después del matrimonio, Cesare y Salome se establecieron en Viareggio, donde Salome compró una villa, a la que llamó "Salome" y continuó de gira. En 1920, Krushelnitskaya abandonó el escenario de la ópera en el cenit de su fama, actuando por última vez en el Teatro de Nápoles en sus óperas favoritas Lorelei y Lohengrin. Dedicó su vida posterior a la actividad de conciertos de cámara, interpretando canciones en 8 idiomas. Ha realizado giras por Europa y América. Todos estos años hasta 1923, vino constantemente a su tierra natal y actuó en Lvov, Ternopil y otras ciudades de Galicia. Tenía fuertes lazos de amistad con muchas figuras en el oeste de Ucrania. Los conciertos dedicados a la memoria de T.Shevchenko e I.Ya.Frank ocuparon un lugar especial en la actividad creativa del cantante. En 1929, tuvo lugar en Roma la última gira de conciertos de S. Krushelnitskaya. En 1938, murió el esposo de Krushelnitskaya, Cesare Riccioni. En agosto de 1939, el cantor visitó Galicia y, debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, no pudo regresar a Italia. Durante la ocupación alemana de Lviv, S. Krushelnytska era muy pobre, por lo que daba clases particulares de canto. En el período de posguerra, S. Krushelnytska comenzó a trabajar en el Conservatorio Estatal de Lviv que lleva el nombre de N.V. Lysenko. Sin embargo, su carrera docente apenas comenzó, casi terminó. Durante la "limpieza de personal de elementos nacionalistas" fue acusada de no tener un diploma de conservatorio. Posteriormente, el diploma fue encontrado en los fondos del museo histórico de la ciudad. Viviendo y enseñando en la Unión Soviética, Salomeya Amvrosievna, a pesar de numerosas apelaciones, durante mucho tiempo no pudo obtener la ciudadanía soviética, permaneciendo como súbdita de Italia. Finalmente, después de haber escrito una declaración sobre la transferencia de su villa italiana y todas sus propiedades al estado soviético, Krushelnitskaya se convirtió en ciudadana de la URSS. La villa se vendió de inmediato, compensando al propietario una exigua parte de su valor. En 1951, Salome Krushelnitskaya recibió el título de Trabajadora de Arte de Honor de la RSS de Ucrania, y en octubre de 1952, un mes antes de su muerte, Krushelnitskaya recibió el título de profesora. El 16 de noviembre de 1952, el corazón del gran cantante dejó de latir. Fue enterrada en Lviv en el cementerio de Lychakiv junto a la tumba de su amigo y mentor, Ivan Franko. En 1993, una calle recibió el nombre de S. Krushelnytska en Lviv, donde vivió los últimos años de su vida. El museo conmemorativo de Salomea Krushelnytska se inauguró en el apartamento de la cantante. Hoy, la Casa de la Ópera de Lviv, la Escuela Secundaria Musical de Lviv, el Colegio Musical de Ternopil (donde se publica el periódico Salomeya), la escuela de 8 años en el pueblo de Belaya, las calles de Kyiv, Lvov, Ternopil, Buchach son lleva el nombre de S. Krushelnytska (ver Calle Salomeya Krushelnytska). En la Sala de los Espejos del Teatro de Ópera y Ballet de Lviv hay un monumento de bronce a Salome Krushelnytska. Muchas obras artísticas, musicales y cinematográficas están dedicadas a la vida y obra de Salomea Krushelnytska. En 1982, en el estudio de cine A. Dovzhenko, dirigido por O. Fialko, se filmó la película histórica y biográfica "El regreso de la mariposa" (basada en novela del mismo nombre V. Vrublevskaya), dedicado a la vida y obra de Salome Krushelnitskaya. La imagen se basa en hechos reales de la vida de la cantante y se construye como sus recuerdos. Las partes de Salomé son interpretadas por Gisela Zipola. El papel de Salomé en la película fue interpretado por Elena Safonova. Además, se crearon documentales, en particular, "Salome Krushelnitskaya" (dirigida por I. Mudrak, Lvov, "Most", 1994) "Two Lives of Salome" (dirigida por A. Frolov, Kyiv, "Contacto", 1997) , una transmisión del ciclo "Nombres" (2004), película documental "Solo-mea" del ciclo "Juego del destino" (director V. Obraz, estudio VIATEL, 2008). 18 de marzo de 2006 en el escenario del Teatro Académico Nacional de Ópera y Ballet de Lviv que lleva el nombre de S. Krushelnitskaya acogió el estreno del ballet de Miroslav Skorik "El regreso de la mariposa", basado en hechos de la vida de Salomea Krushelnitskaya. El ballet utiliza la música de Giacomo Puccini. En 1995, el estreno de la obra "Salome Krushelnytska" (autor B. Melnichuk, I. Lyakhovsky) tuvo lugar en el Teatro Dramático Regional de Ternopil (ahora el teatro académico). Desde 1987, el Concurso Salomea Krushelnytska se lleva a cabo en Ternopil. Cada año, Lviv alberga la competencia internacional que lleva el nombre de Krushelnytska; los festivales de arte de la ópera se han vuelto tradicionales.

Cecilia Bartoli es una cantante de ópera italiana, mezzosoprano coloratura. Uno de los cantantes de ópera más destacados y comercialmente exitosos de nuestro tiempo. Cecilia Bartoli nació el 4 de junio de 1966 en Roma. Los padres de Bartoli son Silvana Bazzoni y Pietro Angelo Bartoli, cantantes profesionales, empleados de la Ópera de Roma. La primera y principal maestra de Cecilia en el canto fue su madre. A la edad de nueve años, Cecilia apareció por primera vez en el "gran escenario": apareció en una de las escenas masivas en la Ópera de Roma en forma de pastor en la producción de "Tosca". Cuando era niña, la futura cantante era aficionada al baile y se dedicaba al flamenco, pero sus padres no vieron su carrera en el baile y no estaban contentos con el pasatiempo de su hija, insistieron en que continuara su educación musical. El flamenco le dio a Bartoli la facilidad y la pasión con la que se presenta en el escenario, y su amor por este baile sigue vigente en la actualidad. A la edad de 17 años, Bartoli ingresó al Conservatorio Santa Cecilia. En 1985 actuó en el programa de televisión Nuevos Talentos: cantó "Barcarolle" de "Los cuentos de Hoffmann" de Offenbach, el aria de Rosina de "El barbero de Sevilla" e incluso a dúo con el barítono Leo Nucci. Y aunque quedó en segundo lugar, su actuación causó sensación entre los amantes de la ópera. Bartoli pronto actuó en un concierto organizado por la Ópera de París en memoria de Maria Callas. Después de este concierto, tres "pesos pesados" en el mundo de la música clásica llamaron la atención sobre ella: Herbert von Karajan, Daniel Barenboim y Nikolaus Arnoncourt. Su debut operístico profesional tuvo lugar en 1987 en el Arena di Verona. Al año siguiente, interpretó el papel de Rosina en El barbero de Sevilla de Rossini en la Ópera de Colonia y el papel de Cherubino junto a Nikolaus Harnoncourt en Las bodas de Fígaro de Mozart en Zúrich, Suiza. Herbert von Karajan la invitó a participar en el Festival de Salzburgo e interpretar con él la Misa en si menor de J.S. Bach, pero la muerte del maestro impidió que sus planes se cumplieran. En 1990, Bartoli hizo su debut en la Ópera de la Bastilla con el papel de Cherubino, en la Ópera Estatal de Hamburgo como Idamante en Idomeneo de Mozart, y también en los EE. UU. en el festival Mostly Mozart de Nueva York y firmó un contrato exclusivo con DECCA. En 1991 hizo su debut en La Scala como el paje Isolier en La Comte Ori de Rossini, y desde entonces, a la edad de 25 años, ha establecido su reputación como una de las principales intérpretes mundiales de Mozart y Rossini. Desde entonces, su carrera se ha desarrollado rápidamente: enumerar los mejores teatros del mundo, estrenos, conciertos en solitario, directores, grabaciones, festivales y los premios Chechili Bartoli podrían convertirse en un libro. Desde 2005, Cecilia Bartoli se ha centrado en la música barroca y clasicista temprana de compositores como Gluck, Vivaldi, Haydn y Salieri, y más recientemente en la música de la época romántica y el bel canto italiano. Actualmente vive con su familia en Montecarlo y trabaja en la Ópera de Zúrich. Cecilia Bartoli es una invitada frecuente en Rusia, desde 2001 ha visitado muchas veces nuestro país, la última de las giras se realizó en septiembre de 2011. Algunos críticos notan que Cecilia Bartoli es considerada una de las mejores mezzosopranos de nuestro tiempo solo porque con este tipo de voz (a diferencia de la soprano) tiene muy pocos competidores, sin embargo, sus actuaciones reúnen salas llenas de fanáticos y los discos se venden por millones. de copias. . Por sus servicios en el campo de la música, Cecilia Bartoli ha recibido muchos premios estatales y públicos, incluidas las Órdenes del Mérito y las Artes y las Letras de Francia y el título de caballero italiano, y también es miembro honorario de la Real Academia de Música de Londres. etc. Es dueña de cinco premios Grammy, el último de los cuales ganó en 2011 en la nominación "Mejor Interpretación Vocal Clásica" con el disco "Sacrificio" (Sacrificium).

Maria Callas (ing. Maria Callas; nombre en el certificado de nacimiento - Sophia Cecelia Kalos, ing. Sophia Cecelia Kalos, bautizada como Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos - griego Μαρ?α Καλογεροπο?λου; 2 (4) de diciembre de 1923, Nueva York - 16 de septiembre de 1977, París) - Cantante de ópera estadounidense (soprano). Maria Callas se encuentra entre reformadores de la ópera como Richard Wagner y Arturo Toscanini. La cultura de la segunda mitad del siglo XX está indisolublemente ligada a su nombre. A principios de la década de 1950, en vísperas del fenómeno de la posmodernidad, cuando la ópera del siglo XIX se convirtió en un anacronismo estético, Maria Callas devolvió el arte de la ópera a lo más alto del Olimpo escénico. Habiendo revivido la era del bel canto, Maria Callas no se limitó a la virtuosa coloratura en las óperas de Bellini, Rossini y Donizetti, sino que convirtió su voz en la principal Medios de expresión . Se ha convertido en una cantante polivalente con un repertorio que va desde series clásicas de ópera como Vestals de Spontini hasta las últimas óperas de Verdi, las óperas veristas de Puccini y los dramas musicales de Wagner. El ascenso de la carrera de Callas a mediados del siglo XX estuvo acompañado por la aparición de un LP en grabación sonora y la amistad con una figura destacada de la discográfica EMI, Walter Legge. El advenimiento de una nueva generación de directores como Herbert von Karajan y Leonard Bernstein y directores de cine como Luchino Visconti y Franco Zeffirelli en el escenario de los teatros de ópera hizo que cada actuación con la participación de Maria Callas fuera un acontecimiento. Convirtió la ópera en un verdadero teatro dramático, haciendo que incluso "trinos y escalas expresen alegría, ansiedad o añoranza". Maria Callas nació en Nueva York de padres inmigrantes griegos. En 1936, la madre de Mary, Evangelia, regresó a Atenas para continuar la educación musical de su hija. La madre quería encarnar sus talentos fallidos en su hija y comenzó a llevarla a la Biblioteca de Nueva York en la Quinta Avenida. María comenzó a escuchar música clásica a la edad de tres años, tomó lecciones de piano a los cinco y lecciones de canto a la edad de ocho. A la edad de 14 años, María comenzó a estudiar en el Conservatorio de Atenas bajo la guía de la ex cantante española Elvira de Hidalgo. En julio de 1941, en la Atenas ocupada por los alemanes, Maria Callas hizo su debut en la Ópera de Atenas como Tosca. En 1945, María Callas regresó a Nueva York. Se produjeron una serie de contratiempos: no le presentaron a Toscanini, se negó a cantar Cio-Cio-San en el Metropolitan Opera debido a su gran peso y espera el renacimiento de la Lyric Opera en Chicago, donde esperaba cantar. colapsado En 1947, Callas hizo su debut en el escenario del anfiteatro Arena di Verona en la ópera La Gioconda de Ponchielli dirigida por Tullio Serafina. El encuentro con Serafín fue, en palabras de la propia Kallas: “El verdadero comienzo de una carrera y el mayor éxito de mi vida”. Tullio Serafin introduce a Callas en el mundo de la gran ópera. Canta las primeras partes de Aida de Verdi y Norma de Bellini a finales de 1948. A principios de 1949, en una semana, las partes vocalmente incompatibles de Brünnhilde en Valkyrie de Wagner y Elvira en The Puritans de Bellini crearon un fenómeno creativo para la cantante Maria Callas. Cantó partes líricas, dramáticas y de coloratura, lo que fue un milagro del canto: "cuatro voces en una garganta". En 1949, Callas se fue de gira por Sudamérica. En 1950 cantó por primera vez en La Scala y se convirtió en la "reina de las prima donnas italianas". En 1953, EMI lanzó las primeras grabaciones completas de óperas con Maria Callas. En el mismo año, pierde 30 kilogramos. La Callas transformada conquista al público en los escenarios de ópera de Europa y América en las óperas: Lucia di Lammermoor de Donizetti, Norma de Bellini, Medea de Cherubini, Il trovatore y Macbeth de Verdi, Tosca de Puccini. En septiembre de 1957, en Venecia, en un baile en honor al cumpleaños de la periodista Elsa Maxwell, Maria Callas conoció por primera vez a Aristóteles Onassis. En la primavera de 1959 se volvieron a encontrar en Venecia en un baile. Después de eso, Onassis fue a Londres para el concierto de Callas. Después de este concierto, la invitó a ella y a su esposo a su yate. A fines de noviembre de 1959, la esposa de Onassis, Tina, solicitó el divorcio, y Callas y Onassis en ese momento aparecieron juntos abiertamente en la sociedad. La pareja discutía casi constantemente, y en 1968 Maria Callas supo por los periódicos que Aristóteles Onassis se había casado con la viuda del presidente estadounidense Jacqueline Kennedy. En 1959, hay un punto de inflexión en una carrera exitosa. Esto se vio facilitado por la pérdida de la voz, una serie de escándalos, un divorcio, una ruptura con la Ópera Metropolitana, una salida forzada de La Scala, un amor infeliz por Aristóteles Onassis y la pérdida de un hijo. Un intento de volver a los escenarios en 1964 acaba con otro fracaso. En Verona, Maria Callas conoció al industrial local Giovanni Batista Meneghini. Él le doblaba la edad y amaba apasionadamente la ópera. Pronto Giovanni le confesó su amor a María, vendió por completo su negocio y se dedicó a Callas. En 1949, Maria Callas y Giovanni Meneghini se casaron. Se convirtió en todo para María: un esposo fiel, un padre amoroso, un gerente devoto y un productor generoso. En 1969, el director italiano Pier Paolo Pasolini invitó a Maria Callas a interpretar el papel de Medea en la película del mismo nombre. Aunque la película no tuvo éxito comercial, es de gran interés cinematográfico, como el resto de la obra de Pasolini. El papel de Medea fue para Maria Callas el único papel fuera de la ópera. Los últimos años de su vida, Maria Callas vivió en París, prácticamente sin salir de su apartamento, donde murió en 1977. Fue incinerada y enterrada en el cementerio de Père Lachaise. Más tarde, sus cenizas fueron esparcidas por el mar Egeo. Los foniatras italianos (especialistas en enfermedades de las cuerdas vocales) Franco Fussi y Nico Paolillo han establecido la causa más probable de muerte de la diva de la ópera Maria Callas, escribe el italiano La Stampa (traducción del artículo al inglés publicado por Parterre Box). Según los resultados de su estudio, Callas murió de dermatomiositis, una rara enfermedad del tejido conectivo y del músculo liso. Fussi y Paolillo llegaron a esta conclusión tras estudiar las grabaciones de Callas realizadas en diferentes años y analizar el paulatino deterioro de su voz. El análisis espectrográfico de grabaciones de estudio y conciertos mostró que a fines de la década de 1960, cuando se hizo evidente el deterioro de sus habilidades vocales, el rango de voz de Callas en realidad cambió de soprano a mezzosoprano, lo que explica el cambio en el sonido de las notas altas. en su actuación Las grabaciones de video de sus últimos conciertos revelaron que los músculos de la cantante se debilitaron significativamente: su pecho prácticamente no se elevaba al respirar, y al inhalar, la cantante levantó los hombros y tensó los músculos deltoides, es decir, de hecho, ella cometió el error más común con el apoyo del músculo vocal. No se sabe con certeza la causa de la muerte de Maria Callas, pero se cree que la cantante murió de un paro cardíaco. Según Fussy y Paolillo, los resultados de su trabajo indican directamente que el infarto de miocardio que provocó esto fue una complicación de la dermatomiositis. Es de destacar que este diagnóstico (dermatomiositis) fue realizado por Callas poco antes de su muerte por su médico Mario Giacovaczo (esto se conoció solo en 2002). Papeles de ópera de Maria Callas Santuzza - Honor rural de Mascagni (1938, Atenas) Tosca - Tosca de Puccini (1941, Ópera de Atenas) Gioconda - La Gioconda de Ponchielli (1947, Arena di Verona) Turandot - Turandot de Puccini (1948, Carlo Felice (Génova) Aida - Aida de Verdi (1948, Metropolitan Opera, Nueva York) Norma - Norma de Bellini (1948, 1956, Metropolitan Opera; 1952, Covent Garden), Londres; 1954, Lyric Opera, Chicago) Brunnhilde - Wagner's Valkyrie (1949-1950, Metropolitan Opera ) Elvira - Puritani de Bellini (1949-1950, Metropolitan Opera) Elena - Vísperas sicilianas » Verdi (1951, La Scala, Milán) Kundry - Parsifal de Wagner (La Scala) Violetta - La Traviata de Verdi (La Scala) Medea - Medea de Cherubini (1953) , La Scala) Julia - La Virgen Vestal de Spontini (1954, La Scala) Gilda - Rigoletto de Verdi (1955, La Scala) Madama Butterfly (Cio-Cio-san) - Madama Butterfly de Puccini (La Scala) Lady Macbeth - "Macbeth" de Verdi Fyodor - "Fedora" de Giordano Anna Boleyn - "Anna Bolena" Donizetti Lucia - "Lucia di Lammermoor" Donizetti Amina - "Sonámbulo" Bellini Carmen - "Carmen" Bizet

Renee Fleming es una cantante de ópera y soprano de letras completas estadounidense. Uno de los cantantes de ópera más importantes del mundo de nuestro tiempo: "una de las pocas verdaderas superestrellas de nuestro tiempo". Renee Fleming nació el 14 de febrero de 1959 en Indiana, Pensilvania, EE. UU. y creció en Rochester, Nueva York. Sus padres eran profesores de música y canto, por lo que la educación musical fue algo natural para ella: "Mis padres hablaban de cantar todas las noches en la mesa, recibí una gran educación musical". Asistió a la Universidad Estatal de Nueva York en Potsdam y se graduó en 1981 con un título en educación musical. Sin embargo, ella no consideró que su futura carrera asociado con la ópera. Incluso mientras estudiaba en la universidad, actuó en un grupo de jazz en un bar local. Su voz y habilidades atrajeron al famoso saxofonista de jazz de Illinois, Jacquet, quien la invitó a una gira con su gran banda. En cambio, Rene fue a la escuela de posgrado en la Eastman School (conservatorio) de música, y luego de 1983 a 1987 estudió en la Juilliard School (la institución estadounidense de educación superior más grande en el campo del arte) en el Lincoln Center de Nueva York. En 1984, recibió una Beca de Educación Fulbright y se fue a Alemania a estudiar canto operístico, siendo una de sus maestras la legendaria Elisabeth Schwarzkopf. Fleming regresó a Nueva York en 1985 y completó sus estudios en la Juilliard School. Siendo aún estudiante en la Juilliard School, Renee Fleming comenzó su carrera profesional, pero hasta el momento en pequeñas compañías de ópera y en papeles menores. En 1986, en el Teatro Estatal Federal de Salzburgo, Austria, interpretó su primer papel operístico importante, Constanza de Abduction from the Seraglio de Mozart. El papel de Constanza es uno de los más difíciles del repertorio de soprano y Fleming admitió que aún necesitaba trabajar tanto en la técnica vocal como en la confianza en el escenario, trabajó en esto muy activamente y dos años después, en 1988, ganó varios concursos vocales a la vez: jóvenes intérpretes de las Audiciones del Consejo Nacional de la Ópera Metropolitana, el Premio George London y el Concurso Eleanor McCollum en Houston. En el mismo año hizo su debut como la Condesa en Le nozze di Figaro de Mozart en Houston, y al año siguiente en la Ópera de Nueva York y Covent Garden como Mimi en La bohème. La primera actuación en el Metropolitan Opera estaba prevista para 1992, pero cayó inesperadamente en marzo de 1991, cuando Felicity Lott enfermó y Fleming la reemplazó en el papel de la condesa en Le nozze di Figaro. Y aunque fue reconocida como una soprano fuerte, no había estrellato en ella; esto vino más tarde, cuando se convirtió en el "estándar de oro de la soprano". Y antes hubo mucho trabajo, ensayos, roles diversos de todo el espectro operístico, giras por el mundo, grabaciones, altibajos. No tenía miedo al riesgo y aceptó los desafíos, uno de los cuales fue en 1997 el papel de Manon Lescaut Jules Massenet en francés en París en la Ópera de la Bastilla, los franceses son reverentes con su herencia, pero la impecable actuación de Fleming la llevó al triunfo. Lo que pasó con los franceses no pasó con los italianos, y Fleming fue abucheada abiertamente en el estreno de Lucrezia Borgia de Donizetti en La Scala en 1998, aunque en la primera función en La Scala en 1993 fue muy bien recibida como Donna Elvira en " Don Juan de Mozart. Una actuación de 1998 en Milán, Fleming llama su "peor noche de la vida operística". Hoy René Fleming es una de las sopranos más populares de nuestro tiempo. La combinación de belleza vocal, versatilidad estilística y carisma dramático inusual hace de cualquiera de sus actuaciones una obra maestra operística, y no solo. Interpreta fácilmente y con la misma belleza los opuestos completos: Desdémona de Verdi o Alcina de Handel. Gracias a su sentido del humor, franqueza y facilidad de comunicación, Fleming es constantemente invitada a participar en diversos programas de televisión y radio. En 2003, grabó varias canciones para la banda sonora de El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey, para lo cual tuvo que aprender el idioma élfico. La discografía y el DVD de la cantante incluyen alrededor de 50 álbumes, incluidos los de su pasión: el jazz. Tres de sus álbumes han sido galardonados con premios Grammy, el último en 2010 - el álbum "Verismo" - una colección de arias de Puccini, Mascagni, Cilea, Giordano, Leoncavallo. El horario de trabajo de Renee Fleming está programado para varios años, pero según ella misma admite, actualmente gravita más hacia la actividad de conciertos en solitario que hacia la ópera, lo que se explica por el hecho de que, habiendo aprendido más de 50 óperas, es poco probable que descubra muchas cosas nuevas para sí misma. .

Renata Tebaldi es una cantante de ópera y soprano lírica italiana. Uno de los más amados y cantantes populares período de posguerra. Interpretó todos sus papeles exclusivamente en italiano. A menudo, los amantes de la ópera se comparan con su rival y opuesto: Maria Callas. Renata Ersila Clotilde Tebaldi nació el 1 de febrero de 1922 en la ciudad de Pesaro, Italia, en la familia del violonchelista Teobaldo Tebaldi y Giusepina Barbieri. Poco después del nacimiento de su hija, sus padres se divorciaron y Renata y su madre se mudaron a su ciudad natal de Langirano en la provincia de Parma. Giusepina Barbieri, la madre de Renata, era una talentosa cantante con una hermosa voz y soñaba con una carrera como cantante, sin embargo, sus sueños no se hicieron realidad y finalmente se convirtió en enfermera. A la edad de tres años, Renata enfermó gravemente de polio y tardó cinco años en sanar, considerando el nivel de capacidades médicas, fue casi un milagro. A los ocho años, su madre animó a Renata a estudiar música, luego cantó en el coro de la iglesia y a los trece años ingresó al Conservatorio de Parma en piano. Renata trabajaba con una diligencia sin límites, tocando música durante cinco horas al día y, como toda su familia, soñaba con ser pianista. Sin embargo, con el tiempo, se dio cuenta de que se inclinaba más por la voz. Cantaba todo lo que escuchaba, la principal fuente de inspiración era la radio. Comenzó a tomar clases de canto, durante tres años Renata Tebaldi estudió con el maestro Ettore Campogalliani. Una vez, durante las vacaciones de Navidad, estaba de visita en Pesaro con su tío Valentino, el hermano de su padre. Era el dueño de un pequeño café donde compraba pasteles la famosa diva de la ópera Carmen Melis, quien en ese momento dejaba los escenarios y era profesora en el Conservatorio Gioachino Rossini de Pesaro. Valentino le contó a Melis sobre su sobrina y la diva accedió a audicionar para la joven cantante. Al día siguiente y durante el resto de las vacaciones, Tebaldi estudió con Melis, y cuando ella regresó a Parma, la mejoría fue tan dramática que nadie creía que fuera la misma voz. Después de eso, Renata Tebaldi decidió mudarse a Pesaro, donde comenzó a vivir con la familia de su padre e ingresó al conservatorio. Carmen Melis se convirtió en la maestra principal de Tebaldi, le enseñó tanto en el conservatorio como en forma privada. Melis organizó una beca para ella y organizó su primer concierto público. En el escenario de la ópera, Renata Tebaldi hizo su debut en 1944, en el papel de Elena en la ópera "Mefistófeles" de Arrigo Boito, en la ciudad de Rovigo, seguida de varias representaciones en Parma y Trieste. En Parma, Tebaldi interpretó el papel de Mimi en La bohème de Giacomo Puccini, luego lo interpretó decenas de veces durante varias décadas. La Segunda Guerra Mundial estaba en marcha y la vida de la ópera estaba en declive, muchos teatros estaban cerrados y había pocas representaciones. El principal avance se produjo en 1946 cuando hizo una audición para Arturo Toscanini, quien estaba reclutando artistas para su concierto. Tebaldi causó una buena impresión en la maestra y la llamó "voz angelical". En el mismo año, hizo su debut en La Scala en un concierto que marcó la apertura del teatro después de la guerra. Toscanini aseguró a Tebaldi un puesto permanente en uno de los mejores teatros de ópera del mundo. En La Scala le dieron los papeles operísticos de Marguerite y Helena en Mephistopheles y Elsa en Lohengrin en 1946. Al año siguiente apareció en La bohème y como Eva en Die Meistersinger Nuremberg de Wagner. Pronto Toscanini la invitó al papel de Aida y Tebaldi debutó en este papel en La Scala en 1950, emparejada con Mario Del Monaco, la unión creativa de Renata Tebaldi y Mario del Monaco en el escenario y en estudios de grabacion será larga y fructífera. En el mismo año, comenzó la carrera internacional de Tebaldi, con la compañía La Scala actuó en el Festival de Edimburgo, luego en Londres, en Covent Garden en la ópera Otello y Verdi's Requiem, en los Estados Unidos en la Ópera de San Francisco como Aida. Los siguientes fueron todos grandes teatros paz. Tebaldi no tuvo tiempo de convertirse en la cantante principal de La Scala, cuando apareció una nueva estrella en el escenario del teatro: Maria Callas, quien tomó su lugar. Cuando La Scala prefirió Callas, Tebaldi fue invitada a muchos otros teatros, especialmente al Teatro San Carlo de Nápoles, donde fue muy querida y apreciada más que Callas. A mediados de la década de 1950, Tebaldi dejó La Scala para convertirse en una diva en el Metropolitan Opera, debutando en 1955 como Desdémona. Cuando regresó a La Scala de gira en 1958, el público la ovacionó de pie durante cuarenta minutos. La rivalidad entre Tebaldi y Callas estuvo más alimentada por el público y la prensa que por los propios cantantes, aunque entendieron perfectamente la fecundidad de ese hype para su carrera. El 16 de septiembre de 1968, la larga rivalidad entre Tebaldi y Callas llegó a su fin cuando, tras bambalinas, María felicitó a Renata por su buena actuación en Adriana Lecouvreur de Francesco Cilea, las dos sopranos se abrazaron y nunca más se volvieron a ver, pero se dirigieron palabras amables. El 4 de marzo de 1960, Tebaldi apareció en una interpretación inolvidable de La fuerza del destino de Verdi. Esta representación ha quedado en la historia de la ópera porque, en pleno segundo acto, su pareja, el famoso barítono Leonard Warren, cayó al suelo y murió en el escenario de un derrame cerebral frente al público. A principios de la década de 1960, la voz de Tebaldi comenzó a mostrar signos de fatiga y perdió plasticidad; no apareció en el escenario durante más de un año, habiendo descansado, regresó en 1964. A partir de ese momento comenzó una especie de segunda carrera de Renata Tebaldi, enfocada más al repertorio dramático. Durante casi veinte años, Tebaldi actuó regularmente en la Metropolitan Opera, participando en más de 270 producciones, en óperas como La bohème, Madama Butterfly, Tosca, Manon Lescaut, Othello, Simon Boccanegra, "Falstaff" y muchas otras, y completó obras en ella el 8 de enero de 1973 en el mismo papel con el que debutó. En 1976 dio su concierto de despedida en La Scala. Cuando dejó el escenario, el patrimonio creativo de Tebaldi era de 1262 representaciones: 1048 óperas completas en 48 roles y 214 conciertos, así como 134 grabaciones de audio y video con su participación. Renata Tebaldi murió el 1 de febrero de 2004 en su casa de San Marino.

Galina Pavlovna Vishnevskaya (25 de octubre de 1926 - 11 de diciembre de 2012) - gran cantante de ópera soviética rusa (soprano lírica-dramática). Artista del Pueblo de la URSS. Comendador de la Orden de la Legión de Honor de Francia, doctor honorario de varias universidades. Galina Pavlovna Vishnevskaya nació el 25 de octubre de 1926 en Leningrado (ahora San Petersburgo), pero pasó la mayor parte de su infancia en Kronstadt. Sufrió el bloqueo de Leningrado, a los dieciséis años sirvió en unidades de defensa aérea. Su actividad creativa comenzó en 1944 como solista en el Teatro de Opereta de Leningrado y comenzó su carrera en gran escenario pertenece a los años cincuenta. En su primer matrimonio, estuvo casada con un marino, Georgy Vishnevsky, de quien se divorció dos meses después, pero conservó su apellido; en el segundo matrimonio - con el director del teatro de opereta Mark Ilyich Rubin. En 1955, cuatro días después de conocerse, se casó por tercera vez con el luego famoso violonchelista M.L. Rostropovich, en el conjunto con el que (M.L. Rostropovich, primero como pianista y luego como director) actuó en los más prestigiosos salas de conciertos paz. De 1951 a 1952, después de haber dejado el teatro de opereta, Vishnevskaya tomó lecciones de canto de V.N. Garina, combinando clases de canto clásico con actuaciones como cantante pop. En 1952, participó en el concurso para el grupo de aprendices del Teatro Bolshoi, fue aceptada, a pesar de la falta de educación en el conservatorio, y pronto (según la expresión figurativa de B.A. Pokrovsky) se convirtió en "una carta de triunfo en el Teatro Bolshoi deck", el principal solista del principal teatro de ópera del país. Durante sus 22 años de carrera artística en el Teatro Bolshoi (de 1952 a 1974), Galina Vishnevskaya creó muchas (¡más de treinta!) imágenes femeninas inolvidables en obras maestras de la ópera rusa y europea occidental. Habiendo debutado brillantemente en el papel de Tatiana en la ópera Eugene Onegin, interpretó los papeles de Aida y Violetta (Aida y La Traviata de Verdi), Cio-Cio-san (Cio-Cio-san de Puccini), Natasha Rostova (“Guerra y paz” de Prokofiev), Katharina (“La fierecilla domada” de Shebalin, primer intérprete, 1957), Lisa (“La dama de picas” de Tchaikovsky), Kupava (“La doncella de nieve” de Rimsky- Korsakov), Martha ("La novia del zar" de Rimsky-Korsakov) Korsakov) y muchos otros. Vishnevskaya participó en las primeras producciones en el escenario ruso de la ópera El jugador de Prokofiev (1974, como Polina), la monoópera de Poulenc La voz humana (1965). En 1966, protagonizó el papel principal en la película-ópera "Katerina Izmailova" de D.D. Shostakovich (dirigida por Mikhail Shapiro). Fue la primera intérprete de una serie de composiciones que D.D. Shostakovich, B. Britten y otros destacados compositores contemporáneos. Bajo la impresión de escuchar su grabación, se escribió el poema "Voz de mujer" de Anna Akhmatova. Durante la era soviética, Galina Vishnevskaya, junto con su esposo, el gran violonchelista y director de orquesta Mstislav Rostropovich, brindaron un apoyo invaluable al destacado escritor ruso y activista de derechos humanos Alexander Solzhenitsyn, y esto se convirtió en una de las razones de la constante atención y presión de los servicios secretos de la URSS. En 1974, Galina Vishnevskaya y Mstislav Rostropovich abandonaron la Unión Soviética y en 1978 fueron privados de la ciudadanía, títulos honoríficos y premios gubernamentales. Pero en 1990, se canceló el decreto del Presidium del Consejo Supremo, Galina Pavlovna regresó a Rusia, se le devolvió el título honorífico de Artista del Pueblo de la Unión Soviética y la Orden de Lenin, se convirtió en profesora honoraria en el Conservatorio de Moscú. . En el extranjero, Rostropovich y Vishnevskaya vivieron en los Estados Unidos, luego en Francia y Gran Bretaña. Galina Vishnevskaya cantó en los principales escenarios del mundo (Covent Garden, Metropolitan Opera, Grand Opera, La Scala, Munich Opera, etc.). ), actuando con los más destacados maestros de la cultura musical y teatral mundial. Interpretó el papel de Marina en una grabación única de la ópera Boris Godunov (director Herbert von Karajan, solistas Gyaurov, Talvela, Spiess, Maslennikov), en 1989 cantó el mismo papel en la película del mismo nombre (director A. Zhulavsky , director M. Rostropovich). Entre las grabaciones realizadas durante el período de emigración forzada se encuentran la versión completa de la ópera "Guerra y paz" de S. Prokofiev, cinco discos con romances de los compositores rusos M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin y P. Chaikovski. Toda la vida y obra de Galina Vishnevskaya estuvo dirigida a la continuación y glorificación de las más grandes tradiciones operísticas rusas. Después del comienzo de la perestroika, en 1990, Galina Vishnevskaya y Mstislav Rostropovich recuperaron la ciudadanía. A principios de la década de 1990, G. Vishnevskaya regresó a Rusia y se convirtió en profesora honoraria en el Conservatorio de Moscú. Describió su vida en el libro "Galina" (publicado el idioma en Inglés en 1984, en ruso - 1991). Galina Vishnevskaya es doctora honoraria de varias universidades, durante muchos años ha trabajado con jóvenes creativos, impartiendo clases magistrales en todo el mundo y actuando como miembro del jurado de importantes concursos internacionales. En 2002, se inauguró en Moscú el Centro de Canto de Ópera Galina Vishnevskaya, cuya creación soñó durante mucho tiempo la gran cantante. En el centro, transmitió su experiencia acumulada y su conocimiento único a jóvenes cantantes talentosos para que pudieran representar adecuadamente a la escuela de ópera rusa en el escenario internacional. El aspecto misionero del trabajo de Galina Vishnevskaya es enfatizado por los principales medios de comunicación federales y regionales, directores de teatros y organizaciones de conciertos, y el público en general. Galina Vishnevskaya fue galardonada con los más prestigiosos premios mundiales por su inestimable contribución al mundo de la música, numerosos reconocimientos de los gobiernos de diferentes países: la medalla "Por la Defensa de Leningrado" (1943), la Orden de Lenin (1971), la Medalla de Diamante de la Ciudad de París (1977), Orden al Mérito de la Patria" III grado (1996), II grado (2006). Galina Vishnevskaya - Gran Oficial de la Orden de la Literatura y el Arte (Francia, 1982), Caballero de la Orden de la Legión de Honor (Francia. 1983), Ciudadana de Honor de la ciudad de Kronstadt (1996).

Joyce DiDonato es una mezzosoprano y mezzosoprano estadounidense. Considerada una de las principales mezzosopranos de nuestro tiempo y la mejor intérprete de la obra de Gioacchino Rossini. Joyce DiDonato (née Joyce Flaherty) nació el 13 de febrero de 1969 en la ciudad de Prair Village, Kansas, EE. UU. en una familia con raíces irlandesas, fue la sexta de siete hijos. Su padre era un líder local. coro de iglesia, Joyce cantó en él y soñaba con convertirse en una estrella de Broadway. En 1988 ingresó a la Universidad Estatal de Wichita, donde estudió canto. Después de la Universidad Joyce, DiDonato decidió continuar su educación musical y en 1992 ingresó a la Academia de Artes Vocales en Filadelfia. Después de la academia, participó durante varios años en programas de formación "Joven Artista" en varias compañías de ópera: en 1995 - en la "Ópera de Santa Fe", donde recibió práctica musical y debutó en la ópera en el gran escenario, pero hasta ahora en papeles menores en las óperas "Las bodas de Fígaro" de W. A. ​​​​Mozart, "Salomé" de R. Strauss, "Condesa Maritza" de I. Kalman; de 1996 a 1998, en la Gran Ópera de Houston y fue reconocido como el mejor "artista principiante"; en el verano de 1997, en la Ópera de San Francisco en el programa de capacitación "Merola Opera". Durante sus estudios y práctica inicial, Joyce DiDonato participó en varios concursos vocales muy conocidos. En 1996, ocupó el segundo lugar en la competencia Eleanor McCollum en Houston y ganó la audición del distrito de la competencia Metropolitan Opera. En 1997, ganó el premio William Sullivan. En 1998 obtuvo el segundo lugar en el concurso Plácido Domingo Operalia de Hamburgo y el primer lugar en el concurso George London. En los años siguientes, recibió muchos más premios y reconocimientos. Joyce DiDonato comenzó su carrera profesional en 1998 con varias compañías regionales de ópera en los Estados Unidos, entre las que destaca la Houston Grand Opera. Y se dio a conocer a una amplia audiencia gracias a la aparición en el estreno mundial televisivo de la ópera "La mujercita" de Marc Adamo. En la temporada 2000-2001. DiDonato hizo su debut europeo, comenzando inmediatamente en La Scala como Angelina en La Cenicienta de Rossini. La temporada siguiente, amplió su exposición al público europeo, apareciendo en la Ópera de los Países Bajos como Sesta "Julius Caesar" de Handel, en la Ópera de París como Rosina en El barbero de Sevilla de Rossini y en la Ópera Estatal de Baviera como Cherubino en El matrimonio de Mazart. Figaro y en los programas de conciertos "Gloria" de Vivaldi con Riccardo Muti y la Orquesta de La Scala y "Sueño de una noche de verano" de F. Mendelssohn en París. En la misma temporada, hizo su debut en Estados Unidos en la Ópera del Estado de Washington como Dorabella en All Women Do It de Mozart. En este momento, Joyce DiDonato ya se ha convertido en una verdadera estrella de la ópera con fama mundial, amada por el público y elogiada por la prensa. Carrera posterior solo amplió su geografía itinerante y abrió las puertas de nuevos teatros de ópera y festivales: Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Bastille Opera (2002), Teatro Real de Madrid, Nuevo Teatro Nacional de Tokio, Ópera Estatal de Viena, etc. Joyce DiDonato ha recopilado una rica colección de todo tipo de premios y premios musicales. Como dicen los críticos, esta es quizás una de las carreras más exitosas y fluidas en el mundo de la ópera moderna. Y ni siquiera el accidente que se produjo en el escenario de Covent Garden el 7 de julio de 2009 durante la representación de "El barbero de Sevilla", cuando Joyce DiDonato resbaló en el escenario y se rompió una pierna, interrumpió esta actuación, que terminó con muletas. , ni actuaciones programadas posteriores, que ella navegó desde una silla de ruedas, para deleite de la audiencia. Este evento "legendario" está capturado en DVD. Joyce DiDonato comenzó su temporada 2010-2011 con un debut en el Festival de Salzburgo como Adalgiz en Norma de Belinni con Edita Gruberova como Norma, luego con un programa de conciertos en el Festival de Edimburgo. En otoño apareció en Berlín como Rosina en El barbero de Sevilla y en Madrid como Octavio en El caballero de la rosa. El año terminó con otro premio, el primero de la Academia Alemana de la Grabación "Echo Classic (ECHO Klassik)", que nombró a Joyce DiDonato "Mejor Cantante Femenina de 2010". Los dos premios siguientes fueron de la revista inglesa de música clásica "Gramophone", que la nombró "Mejor Artista del Año" y eligió su CD con las arias de Rossini como el mejor "Recital del Año". Continuando la temporada en los EE. UU., actuó en Houston y luego con un concierto en solitario en el Carnegie Hall. El Metropolitan Opera le dio la bienvenida en dos papeles: el paje Isolier en "Count Ori" de Rossini y el compositor en "Ariadne auf Naxos" de R. Strauss. Completó la temporada en Europa con giras en Baden-Baden, París, Londres y Valencia. El sitio web de la cantante presenta un rico calendario de sus futuras actuaciones, en esta lista sólo para el primer semestre de 2012 hay unas cuarenta actuaciones en Europa y América. Joyce DiDonato ahora está casada con el director de orquesta italiano Leonardo Vordoni con quien viven en Kansas City, Missouri, EE. UU. Joyce sigue usando el apellido de su primer marido, con quien se casó nada más terminar la universidad.

Natalie Dessay (nacida Nathalie Dessaix) es una cantante de ópera francesa, soprano coloratura. Una de las cantantes más importantes de nuestro tiempo, al principio de su carrera se destacó por su voz muy alta y transparente, ahora canta en un registro más bajo. Amado por la audiencia por sus excelentes datos dramáticos y su vivo sentido del humor. Nathalie Dessay nació el 19 de abril de 1965 en Lyon y creció en Burdeos. Mientras aún estaba en la escuela, omitió la letra "h" de su nombre, en honor a la actriz Natalie Wood, y luego simplificó la ortografía de su apellido. En su juventud, Dessay soñaba con ser bailarina o actriz y tomaba lecciones de actuación, pero un día, jugando con sus compañeros en una obra poco conocida del siglo XVIII, tuvo que cantar, interpretó el aria de Pamina de La flauta mágica. , todos quedaron asombrados, se le recomendó cambiar la atención a la música. Natalie ingresó al Conservatorio Estatal de Burdeos, completó un estudio de cinco años en solo un año y se graduó con honores en 1985. Después del conservatorio, trabajó con la Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse. En 1989 obtuvo el segundo lugar en el concurso Nuevas Voces organizado por France Telecom, lo que le permitió estudiar durante un año en la Escuela de Artes Líricas de la Ópera de París y actuar allí como Eliza en El pastor rey de Mozart. En la primavera de 1992, cantó la parte corta de Olympia de los "Cuentos de Hoffmann" de Offenbach en la Ópera de la Bastilla, su pareja fue José van Dam, la producción decepcionó a crítica y público, pero la joven cantante recibió una ovación de pie y se hizo notar. . Este papel se convertirá en un hito para ella, hasta 2001 interpretará a Olympia en ocho producciones diferentes, incluso durante su debut en La Scala. En 1993, Natalie Dessay ganó el Concurso Internacional Mozart organizado por la Ópera de Viena y se quedó para estudiar y actuar en la Ópera de Viena. Aquí interpretó el papel de Rubia del Rapto en el serrallo de Mozart, que se convirtió en otro de sus papeles más famosos y más interpretados. En diciembre de 1993, se le ofreció a Natalie reemplazar a Cheryl Studer en un ya papel famoso Olimpia en la Ópera de Viena. Su actuación fue reconocida por el público de Viena y elogiada por Plácido Domingo, el mismo año en que actuó con este papel en la Ópera de Lyon. La carrera internacional de Natalie Dessay comenzó con actuaciones en la Ópera de Viena. En la década de 1990, su reconocimiento crecía constantemente y el repertorio de roles se expandía constantemente, recibió muchas ofertas, actuó en todos los principales teatros de ópera del mundo: Metropolitan Opera, La Scala, Bavarian Opera, Covent Garden, the Ópera de Viena y otros. Rasgo distintivo la actriz Dessay que cree que una cantante de ópera debe consistir en un 70% de teatro y un 30% de música y esforzarse no solo por cantar sus papeles, sino también por interpretarlos dramáticamente, por lo que cada uno de sus personajes es un nuevo descubrimiento, nunca parecido a otros. En la temporada 2001/2002, Dessay comenzó a experimentar dificultades vocales y tuvo que cancelar sus actuaciones y recitales. Dejó los escenarios y en julio de 2002 se operó para extirpar pólipos en sus cuerdas vocales, ya en febrero de 2003 regresó con un concierto en solitario en París y continuó activamente su carrera. En la temporada 2004/2005, Natalie Dessay tuvo que someterse a una segunda operación. Una nueva aparición pública tuvo lugar en mayo de 2005 en Montreal. El regreso de Natalie Dessay estuvo acompañado de una reorientación en su repertorio lírico. Evita papeles "ligeros" sin profundidad (como Gilda en "Rigoletto") o papeles que ya no quiere interpretar (Reina de la Noche u Olimpia) en favor de personajes más "trágicos". Esta posición trajo en un principio serias discrepancias con algunos directores y compañeros. Hoy, Natalie Dessay está en la cúspide de su carrera y es la soprano más importante del momento. Vive y actúa principalmente en los EE. UU., pero constantemente realiza giras por Europa. Los aficionados rusos pudieron verla en San Petersburgo en 2010 y en Moscú en 2011. A principios de 2011 cantó (por primera vez) el papel de Cleopatra en Julio César de Haendel en la Ópera Garnier, volvió a la Ópera Metropolitana con su tradicional "Lucia di Lammermoor", luego regresó a Europa nuevamente con una versión de concierto de "Pelléas et Mélisande" en París y Londres y un concierto en Moscú. Los planes inmediatos de la cantante incluyen muchos proyectos: La Traviata en Viena en 2011 y en el Metropolitan Opera en 2012, Cleopatra en Julio César en el Metropolitan Opera en 2013, Manon en la Ópera de París y La Scala en 2012, Marie ("Hija del Regiment") en París en 2013, y Elvira en el Met en 2014. Natalie Dessay está casada con el bajo-barítono Laurent Naoury y tienen dos hijos. En el escenario de la ópera, se les puede ver juntos muy raramente, a diferencia de la pareja de estrellas Alanya-Georgiou, el hecho es que para un barítono-soprano hay mucho menos repertorio que para un tenor-soprano. Por el bien de su esposo, Dessey adoptó su religión: el judaísmo.

El Teatro Musical de Cámara Estatal "Ópera de San Petersburgo" es un teatro de ópera en San Petersburgo, Rusia. El teatro está ubicado en una mansión pequeña pero muy acogedora del barón von Derviz. El Teatro Musical de Cámara fue fundado en 1987 en Leningrado por el principal director musical de Rusia, quien ganó fama como innovador del arte de la ópera, Artista de Honor de Rusia, ganador del Premio Nacional de Teatro "Máscara Dorada", "Sofito Dorado", People's Pintor de Rusia YURI ALEKSANDROV. El laboratorio creativo de la Ópera de San Petersburgo, tal como lo concibió originalmente el director, con el tiempo se reorganizó en un Teatro Estatal profesional, muy conocido no solo en nuestro país, sino también mucho más allá del espacio de la ópera rusa. A pesar de su juventud, el teatro ya cuenta con una rica biografía creativa. Durante veintitrés temporadas, el Teatro de Cámara se ha constituido como un único organismo creativo con una programación única y original. La compañía de teatro incluye solistas y músicos talentosos, muchos de los cuales son Artistas de Honor de Rusia, laureados y estudiantes de concursos internacionales y de toda Rusia. El repertorio de la Ópera de San Petersburgo presenta toda la paleta de géneros del arte de la ópera, desde ópera cómica, desde óperas para aficionados hasta dramas musicales, incluidas óperas de autores contemporáneos: "The Game of Robin and Marion" de Adam de la Alle, "Falcon" de Bortnyansky, "White Rose" de Zimmermann, "I Believe" de Piguzov, "Piebald Dog Corriendo por la orilla del mar", "El quinto viaje de Cristóbal Colón" de Smelkov, "La campana", "Rita" de Donizetti, "Eugene Onegin" de Tchaikovsky, "Boris Godunov" de Mussorgsky (nominado al Teatro Nacional Premio "Máscara de oro" en 1996), "Jugadores - 1942" de Shostakovich (en 1997 recibió el Golden Sofit, el premio de teatro más alto de St. premio de teatro "Máscara de oro"), "La canción de amor y muerte de Cornet Christoph Rilke" de Mattus (en 1999 fue galardonado con el Premio Nacional de Teatro "Máscara Dorada" en la nominación "Mejor Interpretación de Ópera"), "La Reina de Picas" de Tchaikovsky (en 2000 fue nominado en Nazio Premio nacional de teatro "Máscara dorada"), "La bella Elena" Offenbach, "Paraíso antiformalista" Shostakovich, "Adrienne Lecouvreur" Cilea, "Don Pasquale", "Pedro el Grande: el zar de toda Rusia o el carpintero de Livonia Donizetti, "Gianni Schicchi" Puccini y otros. El Teatro de la Ópera de San Petersburgo organizó producciones de óperas que se representan en San Petersburgo solo en el escenario del Teatro de Cámara: Rita, The Bell, Donizetti, The Falcon de Bortnyansky, The Secret Marriage de Cimarosa, The Gamblers - 1942, The Anti- Paraíso formalista "Shostakovich", "Adrienne Lecouvreur" Cilea, "Pedro el Grande: el zar de toda Rusia o el carpintero de Livonia" de Donizetti. En 1997, el teatro organizó y celebró el Festival de Música Gaetano Donizetti, en el que el compositor italiano Réquiem se representó por primera vez en Rusia en el centro del viejo San Petersburgo en la calle Galernaya, 33. La inauguración del edificio restaurado tuvo lugar el día del aniversario de San Petersburgo. ala sensación musical europea: el melodrama lúdico de Gaetano Donizetti "Pedro el Grande: el zar de toda Rusia o el carpintero de Livonia". Una pequeña y acogedora mansión en la calle Galernaya, que perteneció a vuelta del XIX - Siglos XX al Barón S.P. von Derviz, tiene una rica historia musical y teatral. A fines del siglo XIX, aquí se representaban las representaciones de la "Casa de los Interludios", que fueron puestas en escena por Vsevolod Meyerhold, quien trabajaba en ese momento bajo el seudónimo de "Doctor Dapertutto". A ellos asistieron el poeta y músico M. Kuzmin, los artistas N. Sapunov y S. Sudeikin, los artistas N. Petrov, B. Kazarova-Volkova. K. Stanislavsky, Vl.I. Nemirovich-Danchenko, E. Vakhtangov, A. Chekhov y muchos otros artistas. Desde 1915, la casa comenzó a llamarse "Sala de conciertos y teatro", en la que se realizaron conciertos con la participación de F. Chaliapin, L. Sobinov, A. Duncan. Los conciertos y actuaciones se llevaron a cabo en el gran Salón Blanco con un escenario especialmente equipado. Aquí, milagrosamente (después de los eventos del club organizados en la época soviética), se ha conservado el interior: paredes de estuco barroco con esculturas que simbolizan las artes, un Genio altísimo con una lira en sus manos sobre el portal del escenario ricamente decorado, el escudo de armas de von Derviz en las ventanas de las puertas delanteras. También se han conservado otros interiores de la mansión: un lujoso salón morisco, cubierto con adornos dorados, decorado con un pintoresco salón de arce con paneles, realizado en forma de una extraña gruta Winter Garden. El primer propietario de la mansión fue el famoso estadista de la primera mitad del siglo XVIII, ministro del gabinete de Anna Ioannovna A.P. Volynsky, quien fue ejecutado en 1740 por participar en una conspiración contra el duque Biron. Luego su hija, que se casó con el Conde I.I., fue propietaria de la casa. Vorontsov. En un momento, la casa perteneció a los comerciantes Schneider, Balabin y luego al Príncipe Repin. En 1870, el arquitecto F.L. Miller remodela la fachada y construye sobre otro edificio. En 1883 la casa fue comprada por Baron S.P. Von Derviz. Arquitecto P.P. Schreiber reconstruye las casas del lado del Terraplén Inglés y la calle Galernaya, uniéndolas con una fachada común. Sergei Pavlovich von Derviz (1863 - 1918) - descendiente de la antigua familia Wiese, originaria de Alemania. A mediados del siglo XVIII, John-Adolf Wiese, que sirvió en Suecia, ingresó al servicio ruso como asesor legal y fue elevado a la nobleza por el Sacro Imperio Romano Germánico, con la adición de "von der". Son Sergei tenía el rango de consejero privado real y el título de chambelán del tribunal supremo. Poseía minas y haciendas en las provincias de Kyiv, Ryazan y Orienburg. Él, como su madre, se hizo famoso por su labor caritativa. Se prestó la atención principal a los interiores de la casa, que, según la moda de la época, se hicieron en diferentes estilos. En 1902, la casa del lado del terraplén se construyó en dos plantas, perdiendo la apariencia de una mansión. En 1909 S. P. von Derviz vendió la casa, dividiéndola en tres partes. El primero lo compró la esposa del Teniente General A.A. Ignatieva, izquierda (incluida la mansión de Galernaya) - N.N. Shebeko. La mansión fue reconstruida según el proyecto del arquitecto A.P. Maksimov y de esta forma ha llegado a nuestros días. En 1911 - 1913, se ubicó aquí la "Casa de los Interludios" de V. Meyerhold, un teatro-restaurante innovador y bohemio con un repertorio único. Desde 1913 - la sala de teatro de N. Shebeko. Después de la revolución, el comité de distrito del RCPb, el Sindicato de Trabajadores Metalúrgicos, la Casa de Educación de Estonia. De 1946 a 1991 - el club "Mayak". El 27 de mayo de 2003, el día del 300 aniversario de San Petersburgo, después de una larga restauración, la mansión se convirtió nuevamente en una sala de teatro. Aquí suena ópera y música sinfónica, nacen nuevas producciones del teatro de la Ópera de San Petersburgo, que fue fundado y dirigido por Yuri Alexandrov. Información del sitio web oficial del teatro: http://www.spbopera.ru

La Scala (en italiano: Teatro alla Scala o La Scala) es un teatro de ópera de fama mundial en Milán (Italia). Todas las principales estrellas de la ópera de los últimos dos siglos y medio consideraron un honor actuar en La Scala. El Teatro La Scala es el hogar de la compañía de ópera, el coro, el ballet y la orquesta sinfónica del mismo nombre. También está afiliado a la Academia de Teatro La Scala, que ofrece formación profesional en música, danza y dirección escénica. Hay un museo en el vestíbulo del teatro, que exhibe pinturas, esculturas, trajes y otros documentos relacionados con la historia de la ópera y el teatro. El edificio del teatro fue construido por decreto de la emperatriz de Austria María Teresa según el proyecto del arquitecto Giuseppe Piermarini en 1776-1778. en el sitio de la iglesia de Santa Maria della Scala, de donde proviene el nombre del teatro. La iglesia, a su vez, recibió su nombre en 1381 de la patrona, una representante de la familia de los gobernantes de Verona con el nombre de Scala (Scaliger), Beatrice della Scala (Regina della Scala). El teatro fue inaugurado el 3 de agosto de 1778 con la representación de la ópera Reconocida Europa de Antonio Salieri. A finales del XVIII - principios del XIX Durante siglos, las óperas de los compositores italianos P. Anfossi, P. Guglielmi, D. Cimarosa, L. Cherubini, G. Paisiello, S. Mayra aparecieron en el repertorio del teatro. Las óperas de G. Rossini La piedra de toque (1812), El Aureliano en Palmira (1813), El turco en Italia (1814), La urraca ladrona (1817) y otras (en una de ellas debutó Caroline Unger en Italia), así como las óperas de J. Meyerbeer Margarita de Anjou (1820), El exilio de Granada (1822) y varias obras de Saverio Mercadante. A partir de la década de 1830, obras de G. Donizetti, V. Bellini, G. Verdi, G. Puccini aparecieron en el repertorio del teatro, "Pirate" (1827) y "Norma" (1831) de Bellini se representaron aquí por primera vez. tiempo, "Lucrezia Borgia" (1833) Donizetti, "Oberto" (1839), "Nabucco" (1842), "Otello" (1887) y "Falstaff" (1893) de Verdi, "Madama Butterfly" (1904) y " Turandot" de Puccini. Durante la Segunda Guerra Mundial el teatro fue destruido. Después de la restauración de su aspecto original por el ingeniero L. Secchi, el teatro fue reabierto en 1946. El edificio del teatro ha sido restaurado muchas veces. La última restauración duró tres años y costó más de 61 millones de euros. La primera pieza musical interpretada en el escenario renovado el 7 de diciembre de 2004 fue la ópera Recognized Europe de Antonio Salieri. El número de asientos es 2030, que es mucho menor que antes de la última restauración, el número de asientos se ha reducido con el fin de seguridad contra incendios y mayor comodidad. Tradicionalmente, la nueva temporada en La Scala comienza en invierno, el 7 de diciembre (lo que es inusual en comparación con otros teatros del mundo) el día de San Ambrosio, el santo patrón de Milán, y finaliza en noviembre. Y cada función debe terminar antes de la medianoche, si la ópera es muy larga, entonces comienza temprano.

La Royal Opera House "Covent Garden" (Royal Opera House "Covent Garden") es un teatro en Londres, Reino Unido, que sirve como lugar de celebración de representaciones de ópera y ballet, el escenario de la London Royal Opera y el London Royal Ballet. Está ubicado en el área de Covent Garden, por lo que recibió su nombre. Inicialmente, había varias compañías independientes en el Covent Garden, junto con actuaciones dramáticas, musicales y de ballet, se organizaron actuaciones de circo. A mediados del siglo XVIII, el lugar principal en el escenario del teatro estaba ocupado por actuaciones musicales, y desde 1847 solo se representaron óperas y ballets. El edificio moderno del teatro es el tercero consecutivo, ubicado en este sitio. Fue construido en 1858 y sufrió una renovación radical en la década de 1990. El Royal Opera Hall tiene capacidad para 2268 espectadores y consta de cuatro niveles. El ancho del proscenio es de 12,2 m, la altura es de 14,8 m. por iniciativa del director y empresario John Rich y se inauguró el 7 de diciembre de 1732 con una función basada en la obra de William Congreve "Así hace el mundo" (Ing. The Way of el mundo). Antes de la función, los actores entraron al teatro en una procesión solemne, llevando a Rich en sus brazos. Durante casi un siglo, el Covent Garden Theatre fue uno de los dos teatros dramáticos de Londres, ya que en 1660 el rey Carlos II autorizó la producción de representaciones dramáticas sólo en dos teatros (el otro era el no menos famoso Drury Lane Theatre). En 1734, el primer ballet, Pygmalion, se representó en Covent Garden, con Marie Salle en el papel principal, bailando, contrariamente a la tradición, sin corsé. A fines de 1734, la ópera comenzó a representarse en Covent Garden, principalmente las obras de George Frideric Handel, el ex director musical del teatro: su ópera temprana, aunque muy revisada, The Faithful Shepherd (en italiano: Il pastor fido) fue primero, luego, en enero de 1735, una nueva ópera, Ariodant, y otras siguieron. En 1743, se representó aquí el oratorio "Mesías" de Haendel, y más tarde la representación de oratorios sobre temas religiosos durante la Gran Cuaresma se convirtió en una tradición en el teatro. Aquí se representaron por primera vez óperas del compositor Thomas Arn, así como óperas de su hijo. En 1808, el primer teatro de Covent Garden fue destruido por un incendio. El nuevo edificio del teatro se erigió en los primeros nueve meses de 1809 según el diseño de Robert Smork y se inauguró el 18 de septiembre con una producción de Macbeth. La dirección del teatro subió los precios de las entradas para recuperar el coste del nuevo edificio, pero durante dos meses el público interrumpió las funciones con gritos, aplausos y silbidos constantes, por lo que la dirección del teatro se vio obligada a devolver los precios al nivel anterior. En la primera mitad del siglo XIX, las óperas, los ballets, las producciones dramáticas con la participación de los destacados trágicos Edmund Keane y Sarah Siddons, la pantomima e incluso el clown (representado aquí payaso famoso José Grimaldi). La situación cambió después de que, en 1846, a raíz de un conflicto en el Her Majesty's Theatre, la London Opera House, una parte significativa de su compañía, dirigida por el director Michael Costa, se trasladara a Covent Garden; la sala fue reconstruida y el 6 de abril de 1847, el teatro reabrió bajo el nombre de Royal Italian Opera con una producción de la ópera Semiramide de Rossini. Sin embargo, menos de nueve años después, el 5 de marzo de 1856, el teatro se quemó por segunda vez. El tercer teatro de Covent Garden se construyó en 1857-1858. diseñado por Edward Middleton Barry e inaugurado el 15 de mayo de 1858 con una producción de Les Huguenots de Meyerbeer. Durante la Primera Guerra Mundial, el teatro fue requisado y utilizado como almacén. Durante la Segunda Guerra Mundial, el edificio del teatro tenía un salón de baile. En 1946, la ópera volvió a las paredes de Covent Garden: el 20 de febrero se inauguró el teatro con La bella durmiente de Tchaikovsky en una extravagante producción de Oliver Messel. Al mismo tiempo, se iniciaba la creación de una compañía de ópera, para la cual el Covent Garden Theatre se convertiría en un escenario hogareño, el 14 de enero de 1947, la Covent Garden Opera Company (la futura Royal Opera House de Londres) presentaba aquí la ópera Carmen de Bizet. .

Teatro Académico Nacional de Ópera y Ballet de Donetsk. AB Solovyanenko es un teatro de ópera en Donetsk, Ucrania. Fue creado en 1932 en la ciudad de Lugansk sobre la base de la Ópera Móvil de la Orilla Derecha de Ucrania. En los documentos del Comisariado Popular de Educación de Ucrania, del 15 de marzo de 1932, se propone transferir la Ópera Móvil a disposición del Donetsk Theatre Trust para el servicio permanente a la población de Donbass. El 1 de septiembre de 1932, la ópera "Príncipe Igor" de A. Borodin abrió la primera temporada teatral. El director artístico y director del teatro fue el Artista de Honor de la República Nikolai Nikolayevich Bogolyubov, el director musical y director titular del teatro. fue el Artista de Honor de la República Alexander Gavrilovich Erofeev. El teatro trabajó: director Max Cooper, director Alexander Zdikhovsky, coreógrafo Mark Zeitlin, artistas - Oles Vlasyuk, Eduard Lyakhovich. En el repertorio del teatro en 1935: "La dama de espadas" , "Eugene Onegin" de P. Tchaikovsky, "Carmen" de J. Bizet, "Faust" Sh Gounod, "Rigoletto", "La Traviata", "Aida" de G. Verdi, "Madama Butterfly" de G. Puccini, "Pagliacci" de R. Leoncavallo, "El barbero de Sevilla" de G. Rossini, "El cosaco más allá del Danubio" de S. Gulak-Artemovsky, "Cuentos de Hoffmann" de J. Offenbach, ballets: "Raymonda", " Red Poppy" de R. Glier, "Ferenji" de B. Yanovsky. El teatro incluía 40 artistas de coro, 45 bailarines de ballet, 45 artistas de orquesta, 3 solistas. En total, el teatro empleó a 225 personas. Para 1940, se determinó un grupo de talentosos maestros del escenario de la ópera: los directores E.M. Shekhtman, A. F. Kowalski; directora A. A. Zdikhovsky, artista E.I. Lyakhovich, P. I. Zlochevsky. Los primeros artistas que dieron fama al teatro fueron Yuri Sabinin, Nadezhda Lototskaya, Alexander Martynenko, Pavel Nikitenko, Tamara Sobetskaya, Tamara Podolskaya y otros En 1936, comenzó la construcción del teatro en Donetsk. Ludwig Ivanovich Kotovsky fue nombrado arquitecto jefe de la construcción, Solomon Davidovich Krol fue nombrado ingeniero jefe. 12 de abril de 1941 El Teatro Musical de Donetsk abre su temporada en un nuevo edificio del teatro, construido según el proyecto del arquitecto Ludwig Ivanovich Kotovsky, el estreno de la ópera de M.I. Glinka "Ivan Susanin" (directores de escena: directores I.M. Lapitsky, Y.S. Presman, director de orquesta A.F. Kovalsky, artista E.I. Lyakhovich). Hoy el edificio del teatro es un monumento arquitectónico. El primer director y director artistico El teatro fue un destacado director de ópera, seguidor del sistema Stanislavsky en el teatro musical, Artista de Honor de la RSFSR Yosif Lapitsky. Los primeros artistas llegaron al Teatro de Donetsk desde Moscú, Leningrado, Kyiv, Lugansk y Vinnitsa. La orquesta incluyó mejores musicos Teatros de Ópera y Ballet de Lugansk y Vinnitsa, la Filarmónica Regional de Stalin. Desde los primeros días de la organización del equipo se trabajó con el público: visitas de espectáculos, conversatorios, conciertos. Se llevaron a cabo nuevas producciones de espectáculos de ópera y ballet. El repertorio de 1941 incluyó: la ópera de C. Gounod "Fausto", el estreno tuvo lugar el 4 de mayo de 1941, la ópera de R. Leoncavallo "Los Pagliacci", el estreno - el 22 de mayo, la ópera de G. Rossini "El barbero de Sevilla", el estreno - en junio. El 7 de agosto de 1941 tuvo lugar el estreno del primer ballet "Laurencia" de A. Crane. Nina Goncharova, más tarde Artista de Honor de Ucrania, bailó el papel de Laurencia. Durante la Gran Guerra Patria, el personal del teatro fue evacuado a la República Kirguisa (pueblo de Sazanovka), y en junio de 1942 se mudó a la ciudad de Przhevalsk, donde continuó trabajando en la creación de nuevas representaciones y realizó actividades de conciertos en unidades militares y hospitales. En abril de 1944, el teatro regresó de la evacuación. Y ya en septiembre de 1944, el teatro estrenó la ópera "Príncipe Igor" de A. Borodin ". danzas polovtsianas"El coreógrafo del Teatro Bolshoi, Artista de Honor de la República Kasyan Goleizovsky puso en escena la ópera. El teatro se convierte en el centro de la cultura musical de la región de Donetsk, el escenario para el arte ucraniano y extranjero, clásico y moderno, de ópera y ballet, clásico opereta, representaciones musicales para niños En 1946, en el teatro En 1947, se organizó un estudio coreográfico, dirigido por Claudia Vasina (solista de la Ópera Nacional de Ucrania).Gracias a este estudio, la compañía de Donetsk se repuso con artistas jóvenes, que contribuyó a la puesta en escena de las representaciones de ballet. La compañía de ballet del teatro logró un éxito significativo bajo la dirección del coreógrafo jefe del teatro A.P. Girman. el repertorio del teatro durante 38 años, y "Lileya" de K. Dankevich. En 1948, tuvo lugar el estreno del ballet "El lago de los cisnes" de P. Tchaikovsky. En septiembre de 1947, el Teatro Musical Ruso de Donetsk pasó a llamarse Teatro Estatal de Ópera y Ballet Ruso de Stalin. En 1961 pasó a llamarse Teatro de Ópera y Ballet Ruso del Estado de Donetsk. En los círculos creativos de la antigua URSS, el teatro de Donetsk se llamaba "laboratorio ópera contemporánea ". Un gran mérito en esto es el director principal del teatro, Artista del Pueblo de Ucrania Oleksandr Afanasyevich Zdikhovsky, quien ha presentado más de 70 representaciones de ópera y musicales durante los años de su trabajo en el teatro. Por primera vez en Ucrania, fue en el escenario del Teatro de Ópera y Ballet de Donetsk donde se representaron las óperas: "Desposorios en un monasterio", "Semyon Kotko" de S. Prokofiev, "Don Giovanni" de W. A. ​​​​Mozart, "Andre Chenier" de W. Giordano, "Yaroslav el Sabio ” Y. Meitus y otros. El Teatro de Ópera y Ballet de Donetsk fue uno de los primeros en Ucrania en recurrir a las obras de los compositores ucranianos modernos, habiendo presentado las representaciones “Feria Sorochinsky ”, “Oksana” basado en el poema de T. Shevchenko, “Slip”, “Handy” Homolyaks, "Marusya Boguslavka" de A. Sveshnikov, "The Fox Song" de N. Skorulskaya, "Nezradzhena Love" de L. Kolodub , "Katerina" de N. Arkas, "Lileya" de K. Dankevich, "Zaporozhets allende el Danubio" de S. Gulak-Artemovsky, "Natalka Poltavka" de N. Lysenko. Las actuaciones de compositores de las repúblicas nacionales se escenificaron en el escenario del Teatro de Donetsk: "Shuralle" de F. Yarullin, "Keto and Kote" de V. Dumbadze, "Spartak" de A. Khachaturian, "A Thousand and One Nights" F. Amirova y otros. La gloria y el orgullo de el teatro en diferentes años fueron artistas famosos: Y. Sabinin, E. Gorchakova, T. Podolskaya, A. Kolobov, A. Galenkin, Yu. Gulyaev, A. Korobeichenko, N Momot, V. Zemlyansky, G. Kalikin, R. Kolesnik, M. Vedeneva, A. Boytsov, director - A. Zdikhovsky, artistas - V Moskovchenko, B. Kupenko, V. Spevyakin; director - T. Mikitka, y en el escenario del Teatro de Donetsk en diferentes años bailaron y cantaron luminarias y maestros de escena como Artistas del Pueblo de la Unión Soviética Ivan Kozlovsky, Sergey Lemeshev, Maria Bieshu, Olga Lepeshinskaya, Marina Semenova, K. Shulzhenko , A. Solovyanenko y muchos otros. otro. 02 de noviembre 1977 el teatro recibió el título de "académico". En 1992, se estableció en el teatro la escuela de habilidades coreográficas de Vadim Pisarev. Por Decreto del Gabinete de Ministros de Ucrania del 9 de diciembre de 1999, el teatro recibió el nombre de A. B. Solovyanenko. Desde 1993, el teatro acoge el festival internacional "Estrellas del Ballet Mundial", cuyo fundador y director artístico es Vadim Pisarev, Artista del Pueblo de Ucrania, laureado de concursos internacionales de ballet en Moscú, Helsinki, París, Jackson. Ahora Vadim Pisarev es el director artístico del teatro y se centra en las tradiciones y producciones del ballet clásico. A lo largo de los años, alrededor de 300 de los bailarines más fuertes de 25 países del mundo han participado en el festival. En noviembre de 2009 se llevó a cabo el XVI Festival Internacional “Estrellas del Ballet Mundial”. En 2009, el teatro acogió el VI Festival Internacional de Ballet Infantil "Grand Pa", el más joven y el único en Ucrania. Creado por el esfuerzo de la dirección del teatro, "Grand Pa" ya tiene su propia historia y sus fans. Alumnos de diferentes escuelas coreográficas de Ucrania, países extranjeros cercanos y lejanos. Hoy, la compañía de ballet del teatro emplea a maestros ya reconocidos y jóvenes talentosos que han ganado reconocimiento en competencias internacionales de ballet. Profesores-tutores talentosos y experimentados trabajan con un equipo de artistas: el coreógrafo jefe del teatro. artista del pueblo Ucrania E. Khasyanova, Artista del Pueblo de Ucrania G. Kirillina, Artista de Honor de Ucrania E. Ogurtsova. Los espectadores de muchas ciudades y repúblicas de la antigua Unión Soviética, así como del extranjero: Alemania, Polonia, Checoslovaquia, Bulgaria, Yugoslavia, Suecia, Austria, Noruega están familiarizados con el arte de la ópera y el ballet del Teatro de Ópera y Ballet de Donetsk. La compañía de ballet del teatro está invitada a realizar una gira por Estados Unidos, Inglaterra, Japón, China, Corea; compañía de ópera, orquesta sinfónica y coro - a Italia, España, Suiza. El coro de teatro, bajo la dirección de la directora principal del teatro, la Artista del Pueblo de Ucrania Lyudmila Streltsova, además de participar en giras teatrales, ha realizado giras en repetidas ocasiones con un gran programa de conciertos, incluidas obras de clásicos corales mundiales, en España, Suiza, Bélgica. , Francia, etc. Hoy en día, el coro de teatro es reconocido como uno de los mejores de Ucrania. El repertorio del teatro incluye representaciones que no están disponibles en ningún otro teatro de ópera en Ucrania: "Bogdan Khmelnitsky" de K. Dankevich, "Falstaff", "Love Potion" de G. Donizetti. En 2009, el teatro recibió el estatus de "nacional". Edificio de teatro. Teatro construido según el proyecto del arquitecto L. Kotovsky, que buscó lograr una monumentalidad solemne de las formas, una expresividad convincente y nuevas soluciones de planificación. proporciones de volúmenes, el edificio del teatro está coronado con bajorrelieves y esculturas tridimensionales, que enfatizan y completan la arquitectura principal. El edificio del teatro fue originalmente diseñado para representaciones dramáticas. estilo clásico. La fachada principal con una logia da a la plaza del teatro. La altura de la fachada desde el lado de la plaza es de unos 30 metros. El edificio está ubicado a lo largo del eje de Teatralny Avenue, entre Artem Street y Pushkin Boulevard. La plaza y la escalera proporcionan un acceso conveniente al teatro desde tres lados. El auditorio, el vestíbulo, los techos y las paredes del teatro están lujosamente decorados con estuco y los correspondientes dorados claros. Bustos escultóricos de compositores, escritores y jarrones decorativos están instalados en nichos separados en el vestíbulo. El auditorio está diseñado como un parterre para 650 asientos y un entrepiso para 320 asientos, con pequeños balcones. Sobre el entrepiso y los balcones del auditorio, hay bustos de destacados compositores y poetas en nichos. La forma de disposición de las filas de asientos en la platea y en el entrepiso es tal que proporciona una buena visibilidad. En el centro del techo de la sala hay una gran araña de cristal. El teatro tiene un escenario mecanizado, el área del escenario principal es de 560 metros cuadrados. M. En 1989-1994. el teatro estaba en reconstrucción y revisión selectiva. Fuente: sitio web oficial del teatro

Teatro San Carlo (Real Teatro di San Carlo) es un teatro de ópera en Nápoles, Italia. Uno de los teatros de ópera en funcionamiento más antiguos del mundo. Uno de los teatros de ópera más grandes del mundo. Es Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. El Teatro San Carlo fue construido por orden del rey napolitano Carlos VII (en España Carlos III) de la rama española de la dinastía Borbón, que quería dotar a Nápoles de un teatro nuevo y más grande, en lugar del anticuado teatro San Bartolomeo construido en 1621. San Carlo fue construido por los arquitectos Giovanni Antonio Medrano y Angelo Carasale y fue inaugurado el 4 de noviembre de 1737 (41 años más que La Scala de Milán y 51 años más que La Fenice de Venecia). El interior del nuevo teatro era de colores azul y dorado (los colores oficiales de los Borbones) y admirado por su arquitectura, el auditorio tenía cinco gradas y un gran palco real. La primera ópera representada en San Carlo fue Achilles auf Skyros de Domenico Sarro, basada en la obra poeta famoso y el dramaturgo Pietro Metastasio. El 12 de febrero de 1816, el teatro San Carlo fue destruido por un incendio, sin embargo, fue rápidamente, en nueve meses, reconstruido según el proyecto del arquitecto Antonio Nicolini, y menos de un año después, el 12 de enero de 1817, el La inauguración del nuevo San Carlo tuvo lugar con el estreno de la ópera de Johann Simon Mayr "El sueño de Partenope". A la inauguración asistió el célebre escritor francés Stendhal, quien expresó su impresión del teatro: “No hay nada en Europa comparable a este teatro, nada puede dar la más mínima idea de lo que es…, deslumbra los ojos, deleita el alma..." En su historia, el Teatro San Carlo se perdió solo una temporada completa de 1874/75, todo el resto de las numerosas reparaciones y reconstrucciones que se hicieron planificadas o no planificadas, como en 1816 debido a un incendio, o en 1943 durante la Segunda Guerra Mundial, cuando el teatro sufrió los bombardeos, o en 1969, cuando se derrumbó parte de la fachada a causa de un rayo, se celebraron rápidamente y el teatro no perdió temporadas. Etapas importantes en la reconstrucción del teatro fueron en 1844, cuando se cambió el interior y el rojo y el oro se convirtieron en los colores principales, en 1890, cuando se puso en funcionamiento el foso de la orquesta, y las siguientes, cuando se electrificó el teatro y se construyó un nuevo El ala estaba adosada al edificio. A historia reciente el teatro se renueva constantemente, los últimos trabajos se realizaron en 2007 y 2008, durante las últimas restauraciones se reemplazaron por completo todos los asientos, se instaló un sistema de aire acondicionado, se doraron todos los relieves decorativos. El número de asientos es de 3285. En los siglos XVII y XVIII, la escuela operística de compositores napolitanos disfrutó de un gran éxito en toda Europa, tanto en el campo de la ópera bufa como en la ópera de serie. Los representantes de esta escuela fueron los compositores Francesco Feo (1691-1761), Nicola Porpora (1686-1768), Tommaso Traetta (1727-1779), Niccolò Piccinni (1728-1800), Leonardo da Vinci (otro) (1690-1730) ), Pasquale Anfossi (1727-1797), Francesco Durante (1684-1755), Niccolo Iomelli (1714-1774), Domenico Cimarosa (1749-1801), Giovanni Paisiello (1741-1816), Nicolo Zingarelli (1752-1837), Giuseppe Gazzaniga (1743-1818) y muchos otros. Nápoles fue una de las capitales de la música europea y algunos compositores extranjeros vinieron especialmente para estrenar sus obras en San Carlo, entre ellos Johann Adolf Hasse (que luego se quedó en Nápoles), Joseph Haydn, Johann Christian Bach, Christoph Willibald Gluck. De 1815 a 1822, Gioacchino Rossini fue el director musical y artístico de los teatros de ópera reales, incluido el San Carlo. Aquí tuvo lugar el estreno de diez de sus óperas: "Isabel, reina de Inglaterra" (1815), "El periódico", "Otelo" (1816), "Armida", (1817) "Moisés en Egipto", "Ricciardo y Zoraida" (1818), "Hermione", "Bianca y Faliero", "Eduard y Cristina", "La dama del lago" (1819), "Mohammed II" (1820) y "Zelmira" (1822). En Nápoles, Rossini conoció a su futura esposa, Isabella Colbran, cantante del Teatro San Carlo. Toda una galaxia de cantantes famosos trabajó (o actuó regularmente) en el teatro, entre ellos Manuel García, él mismo un famoso cantante y maestro, es el padre de dos sopranos legendarias de su tiempo: María Malibran y Pauline Viardot. Otros cantantes famosos fueron Clorinda Corradi, Maria Malibran, Giuditta Pasta, Giovanni Battista Rubini y dos grandes franceses: Adolphe Nourri y Gilbert Dupre. Después de Rossini, Gaetano Donizetti, otra estrella de la ópera italiana, se convirtió en el director artístico de los teatros de ópera reales. Donizetti permaneció en este cargo desde 1822 hasta 1838 y escribió dieciséis óperas, entre ellas Mary Stuart (1834), Roberto Devereux (1837), Polyeuct (1838) y la famosa Lucia di Lammermoor (1835). Vincenzo Belini realizó el estreno de "Bianca y Fernando" en San Carlo, Giuseppe Verdi presentó aquí "Alzira" (1845) y "Louise Miller" (1849), el estreno de su tercera ópera "Gustav III" fue prohibido por la censura (y nunca salió en su forma original, más tarde se presentó una versión revisada en Roma con el nombre de "Baile de máscaras"). En el siglo XX, compositores y directores como Giacomo Puccini, Pietro Mascagni, Ruggiero Leoncavallo, Umberto Giordano, Francesco Cilea trabajaron y representaron sus óperas en el teatro.

Teatro de la Ópera Novaya de Moscú. EV El Teatro Kolobov fue creado en 1991 por iniciativa del director artístico del teatro Yevgeny Kolobov (1946-2003) y el alcalde de Moscú Yuri Luzhkov, y pronto ganó fama como una de las mejores compañías de ópera de Rusia. En 1991, el director titular del MAMT Stanislavsky y Nemirovich Danchenko, Yevgeny Kolobov, por diferencias creativas, abandonó el teatro, llevándose consigo parte de la compañía y toda la orquesta. Kolobov encuentra el apoyo del alcalde de Moscú, Yuri Luzhkov, y establece el Teatro de la Ópera de Novaya, del cual se convierte en director titular y director artístico. La esposa de Kolobov, Natalya Popovich, es nombrada directora principal del coro. Al principio, el teatro no tenía un local propio, había conciertos de ópera, divertimento disfrazado (Rossini). En 1997, apareció un edificio en el Hermitage Garden, cerca de la Novaya Opera. El nuevo edificio del teatro es una sala para 660 butacas, equipada con modernos equipos de iluminación y mecánica escénica, que permiten realizar representaciones con complejos efectos escénicos. El teatro tiene su propio estudio de audio y video. Basándose en partituras de ópera desconocidas en Rusia, Kolobov presenta a la audiencia de Moscú las óperas Two Foscari (Verdi), Maria Stuart (Donizetti), Valli (Catalani), sus propias versiones de Eugene Onegin de Tchaikovsky, La Traviata de Verdi. En 2000, en el estreno de la ópera Rigoletto, Dmitry Hvorostovsky interpretó la parte principal. En 2003, debido a la muerte del fundador, el teatro entró en crisis. La obra "Buscadores de perlas" de Bizet se percibe de forma crítica, y "La novia del zar" es completamente negativa. En 2005, la dirección artística del teatro invita a los directores alemanes Yossi Willer y Sergio Morabito (director musical y director de la producción Felix Korobov) a poner en escena la ópera Norma de Bellini. La ópera despertó admiración entre los moscovitas. Y por la difícil parte de soprano, Tatyana Pechnikova recibió el premio Golden Mask. En marzo de 2006, el Artista del Pueblo de la URSS Eri Klas se convirtió en el director titular del teatro, quien introdujo representaciones con matices cómicos en el repertorio (La flauta mágica de Mozart, Poción de amor de Donizetti, El barbero de Sevilla de Rossini, Gianni Schicchi de Puccini, Die Fledermouse »Strauss). En 2008, la ópera Lohengrin de Wagner fue puesta en escena en el teatro por el director Kasper Holten, y el brillante maestro Jan Latham-Koenig (Gran Bretaña), quien se convirtió en director invitado permanente del teatro, está en el podio del director. En la primavera de 2009, el estreno de la opereta El Murciélago causó descontento entre el público debido a la traducción gratuita de los diálogos, pero las críticas sobre la música fueron positivas. Recientemente, el teatro ha comenzado a ofrecer conciertos de óperas interpretadas con frecuencia, pero ahora no reclamadas en Rusia: Il trovatore, Prince Igor, The Maid of Orleans, etc. Desde 2005, el teatro ha acogido anualmente el Festival Internacional de la Semana de la Epifanía en el Novaya Ópera" dedicada al fundador del teatro Yevgeny Kolobov, quien nació el 19 de enero en Epifanía. Desde 2006, el teatro lleva el nombre de su fundador. El nombre completo del teatro: Teatro de la Ópera Novaya de Moscú. EV Kólobov. El repertorio del teatro incluye obras maestras de los clásicos de la ópera; obras de ópera previamente desconocidas en Rusia ("Hamlet" de A.Thoma, "Mary Stuart" de Gaetano Donizetti, "Valley" de A.Catalani); actuaciones basadas en ediciones musicales originales de E.V. Kolobov ("¡Oh, Mozart!" Mozart, "Ruslan y Lyudmila" de M. I. Glinka, "La Traviata" de G. Verdi, "Eugene Onegin" de P. I. Tchaikovsky). El teatro posee las primeras producciones en Rusia de las óperas Mary Stuart de G. Donizetti, The Valley de A. Catalani, The Two Foscari de G. Verdi, Boris Godunov de Mussorgsky (en la primera versión del autor), Hamlet de A. Thomas . También se ha creado un nuevo género teatral: una especie de retrato creativo de compositores y músicos famosos ("Maria Callas", "¡Viva Verdi!", "¡Viva Puccini!", "Vincenzo Bellini", "Richard Wagner", "Rossini" , "¡Bravísimo!") . En total, el repertorio del Teatro de Ópera de Novaya incluye más de 70 obras de géneros de ópera y concierto. Cada año, en enero, el teatro celebra el festival internacional Semana de la Epifanía en Novaya Opera, en el que participan destacados maestros de la cultura musical. Los solistas de Novaya Opera — Artistas del Pueblo de Rusia Yulia Abakumovskaya, Emma Sargsyan, Artistas de Honor de Rusia Marat Gareev, Marina Zhukova, Elena Svechnikova, Margarita Nekrasova — recibieron títulos honoríficos por años de trabajo en el teatro. Los jóvenes solistas de ópera, que tienen un compromiso permanente en el teatro, son laureados de concursos vocales internacionales y poseedores de prestigiosos premios teatrales, como Golden Mask, Casta Diva, Triumph. Muchos solistas de teatro pueden clasificarse legítimamente entre las mejores voces de Rusia: Tatiana Pechnikova, Elena Popovskaya, Tatiana Smirnova, Elvira Khokhlova, Margarita Nekrasova, Irina Romishevskaya, Alexander Bogdanov, Roman Shulakov, Andrzej Beletsky, Vitaly Bily, Andrey Breus, Vasily Ladyuk, Oleg Didenko, Vladimir Kudashev y otros; muchos de ellos también están involucrados en el Teatro Bolshoi de Rusia, la Ópera Metropolitana, la Arena di Verona, etc. El papel especial asignado a la orquesta está asociado con la diversidad de intereses creativos de los directores que trabajan en el teatro: el director principal del teatro, Artista del Pueblo de la URSS Eri Klas, Artista del Pueblo Rusia Anatoly Gus, Artistas de Honor de Rusia Evgeny Samoilov y Sergey Lysenko, Dmitry Volosnikov, Felix Korobov, Valery Kritskov, Nikolai Sokolov. Además de participar en representaciones de ópera, la orquesta se presenta en las mejores salas de conciertos de Rusia con programas sinfónicos: en el Gran Salón del Conservatorio de Moscú, la Sala de Conciertos. P. I. Tchaikovsky, en la sala de la Filarmónica de San Petersburgo. El repertorio de conciertos de la orquesta es diverso: sinfonías de P. I. Tchaikovsky, D. D. Shostakovich, S. V. F. Chopin, E. Lalo, programas de conciertos con la participación de solistas de teatro, coro y músicos invitados. Con giras independientes, la orquesta visitó España (las ciudades de Zaragoza, Barcelona, ​​Coruña, San Sebastián, 1992), Portugal (Oporto, 1992), Alemania (Karlsruhe, 2006). Junto con el Ballet Imperial Ruso, la orquesta visitó Turquía (Estambul, 2000), Finlandia (Festival Anual de Ballet en Mikkele, 2000-2006), Tailandia (Bangkok, 2005). En 2001, la orquesta participó en las representaciones de Don Giovanni de W. A. ​​Mozart y Salomé de R. Strauss de la Compañía de Ópera de Los Ángeles en el Festival de Ópera de Savonlinna en Finlandia. El coro de teatro es un participante constante en todas las actuaciones, un equipo de profesionales afines. De acuerdo con la estética del teatro, el coro participa en todos los niveles de la producción. Gran importancia en la educación profesional del coro, se da a la interpretación de programas de concierto de obras de clásicos corales rusos y extranjeros, obras espirituales, grandes formas de cantata-oratorio, como "Juan de Damasco" de S. I. Taneyev, "Requiem" de G. Verdi, “Primavera” y “Tres canciones rusas” de S. V. Rachmaninov, “Réquiem” de V. A. Mozart, “Danzas polovtsianas” de A. P. Borodin, “Alexander Nevsky” de S. S. Prokofiev, “Moscú” de P. I. Tchaikovsky, “Carmina Burana "C. Orff. Novaya Opera se caracteriza por un enfoque moderno de la escenografía y la dirección. El teatro coopera con maestros de renombre en el campo del arte teatral para crear representaciones de diferentes direcciones y estilos: estos son directores: Stanislav Mitin, Sergey Artsibashev, V. Vasiliev [¿quién?], Valery Belyakovich, Mikhail Efremov, Alla Sigalova, Roman Viktyuk, Yuri Grymov, Andreys Žagars, Yuri Alexandrov, Achim Freier, Yossi Wheeler y Sergio Morabito, Ralph Lyangbaka, K. Heiskanen, Kasper Holten, Elijah Moshinsky, Gennady Shaposhnikov; artistas — Sergey Barkhin, Alla Kozhenkova, Eduard Kochergin, Ernst Heidebrecht, Victor Gerasimenko, Maria Danilova, Eleonora Maklakova, Marina Azizyan, V. Okunev, S. Pastukh, A. Frayer, A. Fibrok, A. Freibergs, S. Aarfing, E. Tilby. Destacados maestros de la cultura musical trabajan con el equipo de Novaya Opera: directores Yuri Temirkanov, Eri Klas, Gintaras Rinkevicius, Daniel Lipton; los instrumentistas Eliso Virsaladze y Nikolai Petrov, Tatyana Sergeeva (piano), Natalia Gutman (violonchelo), el jazzman finlandés Antti Sarpila (clarinete, saxofón); los cantantes de ópera José Cura, Placido Domingo, Mario Frangulis, Dmitry Hvorostovsky (alrededor de 10 actuaciones conjuntas), Franz Grundheber, Paata Burchuladze, Ferruccio Furlanetto, Deborah Myers, Lyubov Kazarnovskaya y Anastasia Volochkova; el compositor griego Mikis Theodorakis, así como solistas de la New York African-American Opera Company Ebony Opera. Mapa del recorrido de la Ópera de Novaya: Grecia (clausura del festival anual de música en el Odeón de Herodes Atticus en Atenas) conciertos de aniversario Mikis Theodorakis en 2005), Chipre (desde hace varios años el teatro participa en festivales de ópera junto a Mario Frangoulis y Deborah Myers, y también participó en un concierto triunfal dedicado a la llegada del destacado compositor griego Mikis Theodorakis a Chipre en 2005) , Italia (Perugia Musicale Umbra Festival), Francia (Champs-Élysées Theatre, París), Alemania (Reithalle Hall, Munich), Israel (Rishon Lezion), Finlandia (Savonlinna Opera Festival, Kuopio Concert Hall, Festival anual Ballet en Mikkeli), EE. UU. (14 funciones de Eugene Onegin en el Teatro Martin Beck en Broadway, Nueva York), Estonia (Festival Birgitta en Tallin), España, Portugal, Yugoslavia, Turquía, Tailandia, Bielorrusia, Ucrania y también ciudades rusas . Las altas habilidades interpretativas de la compañía, la originalidad de las soluciones escénicas le dieron al teatro una merecida fama. El equipo de teatro es propietario del Premio Nacional de Teatro Máscara Dorada, el Premio de Ópera Rusa Casta Diva, el Premio Independiente Triumph, el Premio Sony BMG Grecia (Grecia) y el diploma de Estrella de la Semana del periódico alemán Abendzeitung. En 1999 el teatro fue admitido en la Sociedad Europea de Ópera Opera Europa. En 2003, por decreto del Presidente de la Federación Rusa, el fundador del teatro, Evgeny Kolobov (a título póstumo), el director del teatro, Sergei Lysenko, y la directora principal del coro, Natalia Popovich, recibieron el Premio Estatal de la Federación Rusa. Federación para la creación del Teatro de Ópera de Novaya. En 2006, el teatro recibió el nombre de su fundador, Yevgeny Kolobov.

City Opera House (Lyric Opera House) (Civic Opera House/Lyric Opera) es un teatro de ópera en Chicago, Illinois, Estados Unidos. El auditorio del teatro está diseñado para 3563 asientos, lo que lo convierte en el segundo teatro más grande del mundo, después del Metropolitan Opera. El teatro es parte de un edificio de oficinas de 45 pisos con dos alas de 22 pisos. El edificio ahora es propiedad de la Ópera Lírica de Chicago. El City Opera House fue construido en 1929 por Graham, Anderson, Probst & White, que construyó una serie de edificios en el centro de Chicago, el arquitecto principal fue Alfred Shaw, el ingeniero civil principal Magnus Gunderson (Magnus Gunderson). El edificio está ubicado en la calle principal de Chicago - Walker Drive y tiene dos estilos y dos caras - desde el lado del río Chicago tiene una vista en el estilo art deco ejemplar, muy común en este momento, una vista desde la calle con una larga hilera de columnas, así como los tetras interiores se inspiraron en el neoclasicismo francés, presumiblemente en imitación de la Ópera Garnier de París. El espacio interior y la sala también están ricamente decorados, destaca en particular el telón "fuego", pintado con escenas y personajes de varias óperas, la grandiosa marcha de "Aida" ocupa el lugar central. El principal cliente y financista, que invirtió la mitad del costo de la construcción, fue un hombre de negocios, filántropo y mecenas de las artes de Chicago, Samuel Insull, quien originalmente era empleado de la compañía General Electric de Thomas Edison y llegó a Chicago para expandir el negocio. En unos pocos años, la nueva Chicago Edison Company (más tarde renombrada y reorganizada) se convirtió en la compañía eléctrica y de energía más grande de la ciudad, y también era propietaria de algunas de las otras compañías importantes de la ciudad. Insull estaba casado con una actriz muchos años menor que él, ambos amaban el arte, y construyó un teatro como regalo para su esposa, a quien se le negó una actuación en el Metropolitan Opera (aunque esto es solo un rumor, porque su esposa no estaba cantante y no aspiraba a actuar en la ópera). La idea de combinar el teatro de la ópera y las compras y espacio de oficina iba a recibir ingresos adicionales durante los descansos entre las temporadas de ópera. El edificio de gran altura con dos alas se asemeja a un sillón gigante, por lo que a veces se le llama el "trono de Insull" del propio Samuel Insull. Sin embargo, la Gran Depresión que comenzó seis días antes tuvo un impacto negativo en el teatro, el teatro estaba vacío y al borde de la supervivencia, el primer grupo de ópera se disolvió. El mismo Insull perdió la mayor parte de su negocio, fue procesado, se escondió en Europa, luego fue absuelto y murió en París en relativa pobreza. Varias compañías de ópera se basaron en el teatro en las décadas de 1930 y 1940, ninguna de las cuales duró mucho. En 1954, el teatro fue alquilado por la Lyric Opera of Chicago, que compró el edificio por completo en 1993. Ópera lírica lanzada a gran escala trabajo de reparación. Todo lo que necesitaba actualización se actualizó, la reconstrucción global se completó en 1996.

La Ópera de Sydney es uno de los edificios más famosos y fácilmente reconocibles del mundo, que es un símbolo de la ciudad más grande de Australia, Sydney, y una de las principales atracciones de Australia - Las conchas en forma de vela que forman el techo hacen de este edificio diferente a cualquier otro en el mundo. La Opera House es reconocida como uno de los edificios destacados de la arquitectura moderna y desde 1973, junto con el Harbour Bridge, ha sido el sello distintivo de Sydney. La Ópera de Sydney fue inaugurada el 20 de octubre de 1973 por la reina Isabel II de Inglaterra. La Ópera de Sídney se encuentra en el puerto de Sídney, en Bennelong Point. Este lugar recibió su nombre de un aborigen australiano, amigo del primer gobernador de la colonia. Es difícil imaginar Sydney sin la Ópera, pero hasta 1958 hubo una estación de tranvía normal en su lugar (antes del edificio de la ópera había un fuerte y luego una estación de tranvía). El arquitecto de la Ópera es el danés Jorn Utzon. A pesar del éxito del concepto de conchas esféricas, que resolvió todos los problemas de construcción, siendo muy adecuado para la producción en masa, la fabricación precisa y la facilidad de instalación, la construcción se retrasó, principalmente debido a la decoración interior. Se planeó que la construcción de la Ópera tomaría 4 años y costaría 7 millones de dólares australianos. ¡En cambio, la ópera tardó 14 años en construirse y costó $ 102 millones! La Ópera de Sydney es un edificio expresionista con un diseño radical e innovador. El edificio tiene una superficie de 2,2 hectáreas. Su altura es de 185 metros y el ancho máximo es de 120 metros. El edificio pesa 161.000 toneladas y descansa sobre 580 pilotes hundidos en el agua a una profundidad de casi 25 metros sobre el nivel del mar. Su suministro de energía es equivalente al consumo de electricidad de una ciudad con una población de 25.000 personas. La electricidad se distribuye a través de 645 kilómetros de cable. El techo del teatro de la ópera consta de 2.194 secciones prefabricadas, su altura es de 67 metros y el peso es de más de 27 toneladas, toda la estructura está sostenida por cables de acero de 350 kilómetros de largo. El techo del teatro está formado por una serie de "conchas" de una inexistente esfera de hormigón de 492 pies de diámetro, comúnmente denominadas "conchas" o "velas", aunque esto es incorrecto en cuanto a la definición arquitectónica de tal una estructura. Estos armazones están construidos con paneles triangulares prefabricados de hormigón sostenidos por 32 nervaduras prefabricadas del mismo material. Todas las nervaduras forman parte de un gran círculo, lo que permitió que los contornos de los techos tuvieran la misma forma y que todo el edificio tuviera un aspecto completo y armonioso. Todo el techo está cubierto con 1.056.006 tejas de azulejo en blanco y crema mate. Aunque desde lejos la estructura parece estar hecha completamente de azulejos blancos, bajo diferentes condiciones de iluminación, los azulejos crean diferentes esquemas de color. Gracias a la forma mecánica de colocar las tejas, toda la superficie del techo resultó ser perfectamente lisa, lo que era imposible con el revestimiento manual. Todas las tejas fueron producidas por la fábrica sueca Höganäs AB con tecnología de autolimpieza, pero a pesar de ello, se realizan trabajos de limpieza y reposición periódicas de algunas de las tejas. Los dos arcos de conchas más grandes forman el techo de la Sala de Conciertos y el Teatro de la Ópera. En otras habitaciones, los techos forman grupos de bóvedas más pequeñas. La estructura escalonada de la cubierta era muy bonita, pero creaba problemas de altura en el interior del edificio, porque la altura resultante no proporcionaba una acústica adecuada en los pasillos. Para resolver este problema, se hicieron techos separados para reflejar el sonido. En el caparazón más pequeño, lejos de la entrada principal y la escalera principal, se encuentra el restaurante Bennelong. El interior del edificio está acabado con granito rosa traído de la región de Tarana (Nueva Gales del Sur), madera y madera contrachapada. Por este proyecto, Utzon recibió el Premio Pritzker, el máximo galardón en arquitectura, en 2003. El premio estuvo acompañado por las palabras: "No hay duda de que la Ópera de Sídney es su obra maestra. Es uno de los grandes edificios icónicos del siglo XX, una imagen de extraordinaria belleza que se ha dado a conocer en todo el mundo, un símbolo no solo de la ciudad, sino de todo el país y continente”. La Ópera de Sídney alberga cuatro compañías de arte clave en Australia: la Ópera Australiana, el Ballet Australiano, la Compañía de Teatro de Sídney y la Orquesta Sinfónica de Sídney, así como muchas otras compañías y teatros con sede en la Ópera de Sídney. Este teatro es uno de los centros de artes escénicas más concurridos, albergando alrededor de 1.500 representaciones cada año con una asistencia total de más de 1,2 millones de personas. También es una de las atracciones más populares de Australia, con más de siete millones de turistas que la visitan cada año. Hay tres salas de espectáculos principales en el edificio de la Casa de la Ópera: - La Sala de Conciertos, con 2679 asientos, es el hogar de la Orquesta Sinfónica de Sydney. Contiene el órgano mecánico en funcionamiento más grande del mundo, con más de 10,000 tubos. - La Casa de la Ópera, 1507 asientos, es el hogar de la Casa de la Ópera de Sydney y el Ballet Australiano. - Drama Theatre, 544 asientos, utilizado por Sydney Theatre Company y otros grupos de danza y teatro. Además de estas tres salas, la Ópera de Sídney contiene varias salas y estudios más pequeños.

El Gran Teatro La Fenice ("Phoenix") (Gran Teatro La Fenice) es un teatro de ópera en Venecia, destruido repetidamente por incendios y reconstruido. El teatro es la sede del Festival Internacional de Música Contemporánea. El Teatro La Fenice fue construido entre 1790 y 1792. El nombre "Phoenix" refleja el hecho de que el teatro "renació de las cenizas" dos veces. En 1774, el principal teatro de ópera veneciano de la época, San Benedetto, se quemó hasta los cimientos. La empresa gestora lo restauró, pero perdió la disputa con su propietario en los tribunales y volvió a perder el teatro. Como resultado, la empresa decidió construir su propio casa nuevaóperas La construcción comenzó en junio de 1790 y se completó en mayo de 1792. El teatro se llamó "La Fenice", como testimonio del renacimiento. Fue inaugurado el 16 de mayo de 1792 con la ópera de Paisiello Los Juegos de Agrigentum. El 13 de diciembre de 1836, el teatro fue destruido por un incendio, pero rápidamente restaurado a su modelo original, bajo la dirección de los arquitectos Tommaso y Giambattista Medun. Un año después, en 1837, el teatro reabrió sus puertas. En el siglo XIX, La Fenice se convirtió en el escenario de los estrenos de muchas óperas de destacados autores italianos, en particular Gioacchino Rossini (Tancred, 1813, Semiramide, 1823), Vincenzo Bellini (Capulets and Montecchis, 1830, Beatrice di Tandi, 1833) . ) y Giuseppe Verdi (Ernani, 1843, Attila, 1846, Rigoletto, 1851, La Traviata, 1853, Simon Boccanegra, 1857). El estreno de La Traviata fue inicialmente abucheado por la audiencia en Phoenix. En 1930, la Bienal de Venecia inició el primer festival internacional de música contemporánea. En 1937 el teatro fue reconstruido según el proyecto de Eugenio Miozzo. Los estrenos destacados del siglo XX fueron las producciones de la ópera The Rake's Progress de I. Stravinsky (1951) y The Turn of the Screw de B. Britten. El 29 de enero de 1996, el edificio del teatro fue nuevamente destruido por un incendio, incendiado por el electricista Enrico Carella, que intentaba evitar sanciones contractuales por retrasos en los trabajos. Con apoyo estatal, el teatro fue restaurado e inaugurado solemnemente el 14 de diciembre de 2003. El coro y la orquesta de La Scala, dirigidos por Muti, actuaron en la inauguración. El programa de celebraciones con motivo del renacimiento de Fenice incluyó a las mejores orquestas del mundo, incluida la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo dirigida por Yuri Temirkanov, quien interpretó obras de Tchaikovsky y Stravinsky.

El Teatro Académico de Ópera y Ballet de Samara es un teatro musical en Samara, Rusia. El Teatro Académico de Ópera y Ballet de Samara es uno de los más grandes de Rusia teatros musicales. La inauguración del teatro tuvo lugar el 1 de junio de 1931 con la ópera Boris Godunov de Mussorgsky. En sus orígenes fueron sobresalientes músicos rusos- alumno de Taneyev y Rimsky-Korsakov, director y compositor Anton Eikhenvald, director del Teatro Bolshoi Ary Pazovsky, famoso director de orquesta ruso Isidor Zak, director del Teatro Bolshoi Iosif Lapitsky. Maestros como los directores Savely Bergolts, Lev Ossovsky, el director Boris Ryabikin, los cantantes Alexander Dolsky, el Artista del Pueblo de la RSS de Ucrania Nikolai Poludyonny, el Artista del Pueblo de Rusia Viktor Chernomortsev, el Artista del Pueblo de la RSFSR, el futuro solista del Teatro Bolshoi Natalya Shpiller, Larisa Boreiko y muchos otros. El grupo de ballet estaba encabezado por Evgenia Lopukhova, solista del Teatro Mariinsky, participante en las legendarias temporadas de Diaghilev en París. Abrió una serie de brillantes coreógrafos de San Petersburgo que en diferentes años dirigieron el ballet de Samara. Los maestros de ballet del Teatro Samara fueron la talentosa coreógrafa, alumna de Agrippina Vaganova Natalya Danilova, la legendaria bailarina de San Petersburgo Alla Shelest, solista del Teatro Mariinsky Igor Chernyshev, Artista del Pueblo de la URSS Nikita Dolgushin. El teatro está ganando rápidamente repertorio. Las producciones de la década de 1930 incluyeron clásicos de ópera y ballet: óperas de Tchaikovsky, Glinka, Rimsky-Korsakov, Borodin, Dargomyzhsky, Rossini, Verdi, Puccini, ballets de Tchaikovsky, Minkus, Adana. El teatro también presta gran atención al repertorio moderno, de acuerdo con las exigencias de la época. En el período anterior a la guerra, las óperas La estepa de A. Eikhenwald, Tanya de Kreitner, La fierecilla domada de Shebalin y otras se representaron por primera vez en el país. En sus carteles hay decenas de títulos, de los clásicos del siglo XVIII. (“Medea” de Cherubini, “El matrimonio secreto” de Cimarosa) y obras poco interpretadas de compositores rusos del siglo XIX. ("Servilia" de Rimsky-Korsakov, "La hechicera" de Tchaikovsky, "La Elka" de Rebikov) a la vanguardia europea del siglo XX. (“El Enano” de von Zemlinsky, “La Boda” de Stravinsky, “Arlekino” de Busoni). Una página especial en la vida del teatro es la co-creación con autores domésticos modernos. Destacados artistas han confiado sus obras a nuestro escenario compositores rusos Sergey Slonimsky y Andrey Eshpay, Tikhon Khrennikov y Andrey Petrov. El estreno mundial de la ópera Visiones de Iván el Terrible de Slonimsky, interpretada por el gran músico del siglo XX Mstislav Rostropovich en colaboración con el destacado director de teatro Robert Sturua y el artista Georgy Aleksi-Meskhishvili, fue un evento significativo más allá de la vida cultural de Samara. Al comienzo de la Gran Guerra Patriótica, la situación cultural de la ciudad estaba cambiando drásticamente. En octubre de 1941, el Teatro Estatal Bolshoi de la URSS fue evacuado a Kuibyshev/Samara ("capital de reserva"). La iniciativa artística pasa a los más grandes maestros de la escena de la ópera y el ballet soviéticos. Para 1941 - 1943 El Teatro Bolshoi mostró 14 óperas y ballets en Samara. Los cantantes de fama mundial Ivan Kozlovsky, Maxim Mikhailov, Mark Reizen, Valeria Barsova, Natalya Shpiller, la bailarina Olga Lepeshinskaya actuaron en el escenario de Samara, Samosud, Fire, Melik-Pashaev dirigieron. Hasta el verano de 1943, el colectivo del Teatro Bolshoi vivió y trabajó en Kuibyshev. En agradecimiento por la ayuda de los residentes locales en este momento difícil, sus artistas llegaron al Volga más de una vez después de la guerra con sus nuevas obras, así como con el repertorio histórico de la guerra. En 2005, en conmemoración del 60 aniversario de la Victoria en la Gran Guerra Patriótica, el personal del Teatro Bolshoi de Rusia le dio a la audiencia de Samara nueva reunión con tu arte Las giras y conciertos (el ballet de Shostakovich "The Bright Stream", la ópera de Mussorgsky "Boris Godunov", la gran Victory Symphony - Shostakovich's Seventh Symphony, un concierto de una banda de música y solistas de ópera) fueron un éxito triunfal. Como señaló el director general del Teatro Bolshoi de Rusia, A. Iksanov: “Para todo el personal del Teatro Bolshoi, estas giras son otra oportunidad para expresar su profunda gratitud a la gente de Samara por el hecho de que el Teatro Bolshoi encontró un segundo hogar. aquí en los tiempos de guerra más difíciles”. El pináculo de la vida musical de Samara en el siglo XX, un evento verdaderamente histórico, fue la interpretación de la Séptima Sinfonía ("Leningrado") de Dmitri Shostakovich en el escenario de la Ópera de Samara. La gran obra, que refleja los trágicos acontecimientos de la guerra y transmite toda la grandeza de la hazaña de los soldados soviéticos, fue completada por el compositor en diciembre de 1941 mientras era evacuado a Samara e interpretada por la Orquesta del Teatro Bolshoi bajo la dirección de Samuil Samosud el 5 de marzo. , 1942. El teatro vive una vida intensa. La reconstrucción se está completando, aparecen nuevos nombres en el cartel, los cantantes y bailarines ganan prestigiosos concursos internacionales y de toda Rusia, nuevas fuerzas creativas están llegando a la compañía. El equipo de teatro puede estar orgulloso de la concentración de personas creativas brillantes y talentosas. Artistas de Honor de Rusia Mikhail Gubsky y Vasily Svyatkin son solistas no solo en el Teatro Samara, sino también en el Teatro Bolshoi de Rusia y el Teatro de la Ópera Novaya de Moscú. Anatoly Nevdakh participa en las representaciones del Teatro Bolshoi, Andrey Antonov se presenta con éxito en los escenarios de teatros rusos y extranjeros. El nivel de la compañía de ópera también lo demuestra la presencia de un gran número de cantantes "titulados" en ella: 5 artistas populares, 8 artistas honrados, 10 laureados de concursos internacionales y de toda Rusia. Hay muchos jóvenes talentosos en la compañía, con quienes comparten voluntariamente los secretos de la maestría. vieja generación artistas Desde 2008, la compañía de ballet del teatro ha subido significativamente el listón. El equipo de teatro estuvo encabezado por el Artista de Honor de Rusia Kirill Shmorgoner, quien había honrado la compañía de ballet del Teatro de Perm durante mucho tiempo. K. Shmorgoner invitó al teatro a un gran grupo de sus estudiantes, graduados de una de las mejores instituciones educativas del país: la Escuela Coreográfica de Perm. Los jóvenes bailarines de ballet Ekaterina Pervushina y Viktor Malygin se convirtieron en laureados del prestigioso concurso internacional "Arabesque", un grupo completo de bailarines de Samara se presentó con éxito en el festival de toda Rusia "Delphic Games". En los últimos años, el teatro ha acogido varios estrenos que han recibido una gran respuesta del público: las óperas "Mozart y Salieri" de Rimsky-Korsakov, "Mavra" de Stravinsky, "The Maid" de Pergolesi, "Eugene Onegin" de Tchaikovsky, "Rigoletto" de Verdi, "Madama Butterfly" de Puccini, cantata coreográfica "La boda" de Stravinsky, ballet de Hertel" Una precaución inútil". El teatro coopera activamente en estas producciones con los maestros de Moscú del Teatro Bolshoi, nueva ópera, con otros teatros en Rusia. Se presta mucha atención a la puesta en escena de cuentos de hadas musicales para niños. Los artistas de ópera y ballet también actúan en el escenario del concierto. Entre las rutas turísticas del teatro se encuentran Bulgaria, Alemania, Italia, España, China, ciudades rusas. La práctica itinerante intensiva del teatro permitió conocer las últimas obras y los residentes de la región de Samara. Una página brillante en la vida del teatro son los festivales. Entre ellos se encuentran el Festival de Ballet Clásico Alla Shelest, el festival internacional Basses of the 21st Century, Five Evenings in Togliatti y el Samara Spring Opera Festival. Gracias a las iniciativas del festival de teatro, el público de Samara pudo conocer el arte de decenas de grandes maestros Arte de ópera y ballet nacional y extranjero. Los planes creativos del teatro incluyen producciones de la ópera "Príncipe Igor", los ballets "Don Quijote", "La Bella Durmiente". Para el 80 aniversario, el teatro tiene previsto mostrar la ópera Boris Godunov de Mussorgsky, volviendo así a las raíces en una nueva etapa de su desarrollo histórico. Un enorme edificio gris se eleva en la plaza central de la ciudad, según los críticos de arte, "un grandioso monumento del estilo" pilonada tardío "al que se agregan los clásicos brutales", "un ejemplo vívido de la arquitectura de los años 30". Los autores del proyecto son los arquitectos de Leningrado N.A. Trotsky y N.D. Katseleneggbogen, quien ganó el concurso para la creación del Palacio de la Cultura en 1935. El teatro estaba ubicado en la parte central del edificio. En el ala izquierda durante algún tiempo hubo una biblioteca regional, en el ala derecha - escuela de deportes y un museo de arte. En 2006 se inició la reconstrucción del edificio, que requirió el desalojo de la escuela deportiva y el museo. Para 2010, la temporada de aniversario del teatro, se completó la reconstrucción.