Compositores alemanes: James Last, Johann Sebastian Bach y otros. Alemania: cuna de grandes compositores El apogeo de la vida musical a finales del siglo XIX

Los mejores compositores del mundo de todos los tiempos: listas cronológicas y alfabéticas, referencias y obras

100 grandes compositores del mundo

Lista de compositores en orden cronológico

1. Josquín Despres (1450-1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594)
3. Claudio Monteverdi (1567 -1643)
4. Enrique Schütz (1585-1672)
5. Juan Bautista Lulio (1632-1687)
6. Enrique Purcell (1658-1695)
7. Arcángel Corelli (1653-1713)
8. Antonio Vivaldi (1678-1741)
9. Juan Philippe Rameau (1683-1764)
10. Jorge Händel (1685-1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 -1757)
12. Juan Sebastián Bach (1685-1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713-1787)
14. José Haydn (1732 -1809)
15. Antonio Salieri (1750-1825)
16. Dmitri Stepanovich Bortnyansky (1751-1825)
17. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 -1826)
19. Juan Nepomuceno Hummel (1778 -1837)
20. Nicollo Paganini (1782-1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 -1864)
22. Carl María von Weber (1786 -1826)
23. Gioacchino Rossini (1792 -1868)
24. Franz Schubert (1797 -1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 -1848)
26. Vicente Bellini (1801-1835)
27. Héctor Berlioz (1803 -1869)
28. Mijaíl Ivánovich Glinka (1804 -1857)
29. Félix Mendelssohn-Bartholdy (1809 -1847)
30. Frederik Chopin (1810 -1849)
31. Robert Schumann (1810 -1856)
32. Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813 -1869)
33. Franz Liszt (1811 -1886)
34. Ricardo Wagner (1813 -1883)
35. Giuseppe Verdi (1813 -1901)
36. Charles Gounod (1818 -1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819 -1872)
38. Jacques Offenbach (1819 -1880)
39. Alejandro Nikoláyevich Serov (1820 -1871)
40. César Franck (1822 -1890)
41. Bedrich Smetana (1824 -1884)
42. Antón Bruckner (1824 -1896)
43. Johan Strauss (1825 -1899)
44. Antón Grigorievich Rubinstein (1829 -1894)
45. Johanes Brahms (1833 -1897)
46. ​​Alexander Porfiryevich Borodin (1833 -1887)
47. Camille Saint-Saens (1835 -1921)
48. León Delibes (1836 -1891)
49. Mily Alekseevich Balakirev (1837 -1910)
50. Georges Bizet (1838 -1875)
51. Modesto Petrovich Mussorgsky (1839 -1881)
52. Piotr Ilich Chaikovski (1840 -1893)
53. Antonin Dvorak (1841 -1904)
54. Julio Massenet (1842 -1912)
55. Edvard Grieg (1843 -1907)
56. Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844 -1908)
57. Gabriel Faure (1845 -1924)
58. Leos Janácek (1854 -1928)
59. Anatoly Konstantinovich Lyadov (1855 -1914)
60. Sergei Ivanovich Taneev (1856 -1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 -1919)
62. Giacomo Puccini (1858 -1924)
63. Hugo Lobo (1860 -1903)
64. Gustav Mahler (1860 -1911)
65. Claude Debussy (1862 -1918)
66. Richard Strauss (1864 -1949)
67. Alexander Tikhonovich Grechaninov (1864 -1956)
68. Alexander Konstantinovich Glazunov (1865 -1936)
69. Juan Sibelius (1865 -1957)
70. Franz Lehár (1870-1945)
71. Alexander Nikolaevich Skryabin (1872 -1915)
72. Sergei Vasilyevich Rachmaninov (1873 -1943)
73. Arnold Schönberg (1874 -1951)
74. Mauricio Ravel (1875 -1937)
75. Nikolái Karlovich Medtner (1880 -1951)
76. Bela Bartók (1881 -1945)
77. Nikolai Yakovlevich Myaskovsky (1881 -1950)
78. Ígor Fiódorovich Stravinski (1882 -1971)
79. Antón Webern (1883 -1945)
80. Imre Kalman (1882 -1953)
81. Alban Berg (1885 -1935)
82. Sergei Sergeevich Prokofiev (1891 -1953)
83. Arthur Honegger (1892 -1955)
84. Darío Millau (1892 -1974)
85. Carl Orff (1895 -1982)
86. Paul Hindemith (1895 -1963)
87. George Gershwin (1898-1937)
88. Isaak Osipovich Dunayevsky (1900 -1955)
89. Aram Ilich Khachaturian (1903 -1978)
90. Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906 -1975)
91. Tikhon Nikolaevich Khrennikov (nacido en 1913)
92. Benjamín Britten (1913 -1976)
93. Gueorgui Vasilievich Sviridov (1915 -1998)
94. Leonard Bernstein (1918 -1990)
95. Rodion Konstantinovich Shchedrin (nacido en 1932)
96. Krzysztof Penderecki (n. 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 -1998)
98. Bob Dylan (n. 1941)
99. John Lennon (1940-1980) y Paul McCartney (n. 1942)
100. Sting (n. 1951)

OBRAS MAESTRAS DE LA MÚSICA CLÁSICA

Los compositores más famosos del mundo.

Lista de compositores en orden alfabético

¿Cómo sería nuestra vida sin música? Durante años, la gente se ha hecho esta pregunta y ha llegado a la conclusión de que sin los hermosos sonidos de la música, el mundo sería un lugar muy diferente. La música nos ayuda a experimentar la alegría más plenamente, a encontrar nuestro yo interior y a hacer frente a las dificultades. Los compositores, trabajando en sus obras, se inspiraron en una variedad de cosas: amor, naturaleza, guerra, felicidad, tristeza y muchos otros. Algunas de las composiciones musicales que crearon permanecerán para siempre en el corazón y la memoria de las personas. Aquí hay una lista de los diez mejores y más talentosos compositores de todos los tiempos. Debajo de cada uno de los compositores encontrará un enlace a una de sus obras más famosas.

10 FOTOS (VÍDEO)

Franz Peter Schubert es un compositor austriaco que vivió solo 32 años, pero su música vivirá por mucho tiempo. Schubert escribió nueve sinfonías, unas 600 composiciones vocales, así como una gran cantidad de música de cámara y para piano solo.

"Serenata de la tarde"

Compositor y pianista alemán, autor de dos serenatas, cuatro sinfonías y conciertos para violín, piano y violonchelo. Actuó en conciertos desde los diez años, por primera vez realizó un concierto en solitario a los 14 años. Durante su vida, ganó popularidad principalmente gracias a los valses y danzas húngaras que escribió.

"Danza Húngara No. 5".

Georg Friedrich Handel es un compositor alemán e inglés de la época barroca, escribió alrededor de 40 óperas, muchos conciertos para órgano y música de cámara. La música de Handel se ha tocado en la coronación de los reyes ingleses desde 973, también se escucha en las ceremonias de bodas reales e incluso se usa como himno de la UEFA Champions League (con un pequeño arreglo).

"Música en el agua"

Joseph Haydn es un famoso y prolífico compositor austriaco de la era clásica, se le llama el padre de la sinfonía, ya que hizo una contribución significativa al desarrollo de este género musical. Joseph Haydn es autor de 104 sinfonías, 50 sonatas para piano, 24 óperas y 36 conciertos.

"Sinfonía No. 45".

Pyotr Ilyich Tchaikovsky es el compositor ruso más famoso, autor de más de 80 obras, incluidas 10 óperas, 3 ballets y 7 sinfonías. Fue muy popular y conocido como compositor durante su vida, actuó en Rusia y en el extranjero como director.

"Vals de las Flores" del ballet "El Cascanueces".

Frederic Francois Chopin es un compositor polaco que también es considerado uno de los mejores pianistas de todos los tiempos. Escribió muchas piezas para piano, incluidas 3 sonatas y 17 valses.

"Vals de la lluvia".

El compositor y virtuoso violinista veneciano Antonio Lucio Vivaldi es autor de más de 500 conciertos y 90 óperas. Tuvo una gran influencia en el desarrollo del arte del violín italiano y mundial.

"Canción élfica"

Wolfgang Amadeus Mozart es un compositor austriaco que asombró al mundo con su talento desde la primera infancia. Ya a la edad de cinco años, Mozart componía pequeñas piezas. En total, escribió 626 obras, incluidas 50 sinfonías y 55 conciertos. 9. Beethoven 10. Bach

Johann Sebastian Bach: compositor y organista alemán de la época barroca, conocido como maestro de la polifonía. Es autor de más de 1000 obras, que incluyen casi todos los géneros significativos de la época.

"Broma musical"

Ningún país del mundo ha dado a la humanidad tantos grandes compositores como Alemania. Las ideas tradicionales sobre los alemanes como las personas más racionales y pedantes se están derrumbando ante tal riqueza de talentos musicales (sin embargo, también poéticos). Compositores alemanes Bach, Handel, Beethoven, Brahms, Mendelssohn, Schumann, Arf, Wagner: esta no es una lista completa de músicos talentosos que crearon una cantidad increíble de obras maestras musicales de varios géneros y direcciones.

Los compositores alemanes Johann Sebastian Bach y Johann Georg Handel, ambos nacidos en 1685, sentaron las bases de la música clásica y llevaron a Alemania a la vanguardia del mundo musical, donde los italianos habían dominado anteriormente. Lo ingenioso, no del todo comprendido y reconocido por los contemporáneos, sentó las bases poderosas sobre las que creció más tarde toda la música del clasicismo.

El gran J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart y L. Beethoven son los representantes más brillantes de la escuela clásica vienesa, una dirección en la música que se desarrolló a fines del siglo XVIII y principios del XIX. El propio nombre de los "clásicos vieneses" implica la participación de compositores austriacos, como Haydn y Mozart. Un poco más tarde, se unió a ellos Ludwig van Beethoven, un compositor alemán (la historia de estos estados vecinos está inextricablemente unida entre sí).

El gran alemán, que murió en la pobreza y la soledad, ganó una gloria secular para sí mismo y su país. Los compositores románticos alemanes (Schumann, Schubert, Brahms y otros), así como los compositores alemanes modernos como Paul Hindemith, habiendo ido lejos del clasicismo en su obra, reconocen sin embargo la enorme influencia de Beethoven en la obra de cualquiera de ellos.

Ludwig van Beethoven

Beethoven nació en Bonn en 1770 de un músico pobre y bebedor. A pesar de la adicción, el padre pudo discernir el talento de su hijo mayor y comenzó a enseñarle música él mismo. Soñaba con hacer un segundo Mozart a partir de Ludwig (el padre de Mozart demostró con éxito al público su "niño milagroso" a la edad de 6 años). A pesar del trato cruel de su padre, que obligaba a su hijo a estudiar todo el día, Beethoven se enamoró apasionadamente de la música, a la edad de nueve años incluso lo "superó" en la interpretación, y a los once se convirtió en asistente del organista de la corte. .

A la edad de 22 años, Beethoven dejó Bonn y se fue a Viena, donde recibió lecciones del propio maestro Haydn. En la capital austriaca, que en ese momento era el centro reconocido de la vida musical mundial, Beethoven ganó rápidamente fama como pianista virtuoso. Pero las obras del compositor, llenas de tormentosas emociones y drama, no siempre fueron apreciadas por el público vienés. Beethoven, como persona, no era demasiado "cómodo" para los demás: podía ser agudo y grosero, o alegre desenfrenado, o sombrío y sombrío. Estas cualidades no contribuyeron al éxito de Beethoven en la sociedad; fue considerado un excéntrico talentoso.

La tragedia de la vida de Beethoven es la sordera. La enfermedad hizo que su vida fuera aún más retraída y solitaria. Fue doloroso para el compositor crear sus brillantes creaciones y nunca escucharlas interpretadas. La sordera no quebró el fuerte espíritu del maestro, siguió creando. Ya completamente sordo, el propio Beethoven dirigió su brillante novena sinfonía con la famosa "Oda a la Alegría" con las palabras de Schiller. El poder y el optimismo de esta música, especialmente dadas las trágicas circunstancias de la vida del compositor, aún sorprenden a la imaginación.

Desde 1985, la "Oda a la Alegría" de Beethoven arreglada por Herbert von Karajan ha sido reconocida como el himno oficial de la Unión Europea. escribió sobre esta música de esta manera: “La humanidad entera extiende sus brazos hacia el cielo... se precipita hacia la alegría y la aprieta contra su pecho”.

Schumann Robert Alexander, compositor alemán.
Nacido el 8 de junio de 1810 en la ciudad de Zwickau en la familia de un editor de libros. Las lecciones de música comenzaron a la edad de siete años.

En su obra, el compositor prestó gran atención a la música para piano. La mayoría de las obras para piano de Schumann son ciclos de pequeñas piezas de géneros lírico-dramáticos, visuales y de "retrato", interconectados por una línea argumental-psicológica interna. Junto con obras de variación y tipos de sonata, Schumann tiene ciclos de piano construidos sobre el principio de una suite o un álbum de piezas: "Fragmentos fantásticos", "Escenas infantiles", "Álbum para jóvenes".
"Album for Youth" op.68 fue creado por Robert Schumann en 1848. La historia de su creación está íntimamente ligada a la experiencia musical personal, paterna. En octubre, Schumann escribió a su amigo Carl Reinecke: ''Escribí las primeras obras para el cumpleaños de mi hija mayor, y luego el resto''. El título original de la colección era "Álbum de Navidad". Además del material musical, el borrador del manuscrito incluía instrucciones para los jóvenes músicos, en forma de breves aforismos, que revelaban el credo artístico de Schumann. Planeaba arreglarlos entre las obras. Esta idea no fue implementada. Por primera vez, los aforismos, cuyo número aumentó de 31 a 68, se publicaron en el New Musical Newspaper en un suplemento especial bajo el título House and Life Rules for Musicians, y luego se reimprimieron en un apéndice de la segunda edición. El éxito de la primera edición del "Álbum para la juventud" fue facilitado en gran medida por su portada, diseñada por el famoso artista alemán, profesor de la Academia de Artes de Dresden Ludwig Richter. El hijo del pintor, Heinrich Richter, fue alumno de Schumann en composición en 1848-49. Schumann indicó las diez obras teatrales más importantes, a su juicio, para las cuales, según sus explicaciones, el artista creó viñetas en la portada de la publicación. Estas son las obras: El tiempo de la cosecha de uvas, La primera pérdida, El campesino alegre, Baile redondo, Canción de primavera, La canción de los segadores, Minion, Knecht Ruprecht, The Bold Rider y Wintertime. Había una opinión entre los maestros, contemporáneos del autor, de que el "Álbum" estaba construido de manera ilógica y que las obras eran demasiado difíciles de interpretar para los niños. Efectivamente, las obras no están ordenadas en orden ascendente de dificultad y la amplitud de su complejidad es altísima, pero recordemos que en la época de Schumann, a mediados del siglo XIX, aún no existía una sistematización de los materiales didácticos. Además, el autor no buscó en absoluto seguir los cánones del repertorio pedagógico moderno. Durante este período de tiempo, era natural que las diversas escuelas publicaran material para seis o siete años de estudio. La importancia del "Álbum" para la pedagogía del piano radica en el hecho de que R. Schumann fue el creador de un estilo de piano completamente nuevo y profundamente innovador, por lo que probablemente las piezas resultaron ser mucho más difíciles que el repertorio que utilizaban los profesores. En ese tiempo. Surge una analogía con J.S. Bach, quien también se adelantó a su tiempo, creando obras para estudiantes mucho más difíciles que el nivel educativo común. Para apreciar la novedad de esta música, basta fijarse en el repertorio didáctico que utilizaban los maestros de aquella época. No solo se trataba de escuelas populares de piano de los mejores maestros de la época, sino también de obras de numerosas personas semicultas.

la cual desde 1847 se radica en Alemania; La polifacética actividad de Liszt está marcada por un gran alcance y una determinación ideológica.

Hay un renacimiento en la vida teatral y concertística. En los escenarios de ópera, en la lucha contra el dominio extranjero, se afirman las obras de autores alemanes; desarrolló aún más los principios de la ópera romántica propuestos por Weber. La práctica del concierto se está volviendo cada vez más democrática; varias ciudades son famosas por conjuntos orquestales o corales dirigidos por destacados compositores y directores contemporáneos. La actividad musical amateur se manifiesta intensamente: las asociaciones de canto abarcan decenas de miles de coristas. El auge general de la cultura artística se refleja en el renacimiento del pensamiento teórico-musical y crítico. En la prensa, especialmente en el New Musical Journal (El nombre común en ruso "New Musical Newspaper" da una traducción incorrecta del título de esta revista)., organizada en 1834 por Schumann, se plantean los problemas de actualidad de la encarnación del principio folklórico-nacional y los temas heroico-épicos, el reflejo de la realidad en la música.

Después de un largo período de reacción, se están reviviendo las mejores tradiciones de las ideas de la ilustración y el humanismo. Al igual que Heine, Schumann (durante el apogeo de sus poderes creativos), y después de él Wagner y Liszt, considerarán la preparación de un nuevo poro en el arte, libre de las cadenas de la opresión social y los prejuicios morales, como lo principal en su actividad. . Esta es la dirección principal de su búsqueda artística. Y a pesar de la vaguedad de la plataforma sociopolítica y la romántica vaguedad de las posiciones teóricas, su aspiración progresista es innegable.

Tal auge en la cultura musical de Alemania en la década de 1940 se debió a los procesos históricos de desarrollo de este país sociopolíticamente atrasado, que aún conservaba rastros de fragmentación feudal a mediados del siglo XIX. Su tarea más urgente era descubrir formas de unificación nacional. Para la década de 1940, como señaló K. Marx, la necesidad de llevar a cabo esta tarea provocó un crecimiento activo de las fuerzas democráticas progresistas, y los burgueses alemanes "han alcanzado ahora aproximadamente el nivel en el que se encontraba la burguesía francesa en 1789". El centro del movimiento revolucionario en Europa se trasladó a Alemania. Se convirtió en la cuna del socialismo científico.

Sin embargo, la traición de la burguesía, que renunció a la unificación democrática de Alemania, volvió a retrasar durante mucho tiempo el desarrollo de las fuerzas progresistas. La derrota de la revolución de 1848-1849 provocó el dominio de las corrientes reaccionarias en la vida ideológica del país. En las próximas décadas, su influencia se hizo cada vez más fuerte.

“...1848-1871. en Alemania", escribió V. I. Lenin, "fueron una época de lucha revolucionaria y contrarrevolucionaria de dos nacional problemas del desarrollo burgués de Alemania), formas mediante Gran República Alemana y caminos mediante monarquía prusiana. El campo progresista luchó por la unificación del país de forma revolucionaria, por el derrocamiento de la monarquía y la creación en Alemania de una única república democrática. Pero la capitulación de la burguesía alemana ante la reacción feudal contribuyó a la unificación de Alemania "desde arriba", a su transformación en un estado imperialista burgués y junker. Las guerras con Dinamarca (1864), Austria (1866) y Francia (1870-1871) fueron hitos significativos en el camino hacia el establecimiento del "capitalismo prusiano".

K. Marx y F. Engels en sus escritos criticaron incansablemente la debilidad ideológica, la inestabilidad moral, la estrechez de miras y la cobardía de la burguesía alemana. Señalaron que los pequeños intereses de los burgueses nunca pudieron convertirse en una comprensión de los intereses nacionales comunes de la clase, que a lo largo del siglo XIX la burguesía alemana traicionó al pueblo y se comprometió con el noble absolutismo. La revolución fallida, interrumpida y retrasada por la reacción, el desarrollo del país dio lugar a un tipo pronunciado de filisteísmo alemán que, como escribió F. Engels, "no es en absoluto una etapa del desarrollo histórico normal, sino una caricatura tomada hasta el extremo, una especie de ejemplo de degeneración...". El espíritu de filisteísmo penetró en todos los poros de la cultura alemana, dejó una huella específica en ella y frenó las fuerzas creativas del pueblo.

Esto, en particular, afectó a la literatura, que en la segunda mitad del siglo XIX, después de Heinrich Heine, no produjo un solo escritor de importancia mundial. En la obra de los autores alemanes comienza a prevalecer la imagen de la vida campesina o pequeñoburguesa, filistea, basada en fundamentos conservadores. Esta literatura (sus representantes, Berthold Auerbach, en parte Friedrich Spielhagen y otros) se denominó "regional", ya que está dedicada a temas provinciales, no va más allá de la vida local, no proporciona una imagen de la realidad desde el punto de vista nacional. intereses (Solo el trabajo de Gottfried Keller(1819-1890), un suizo que escribió en alemán, continuó las tradiciones del realismo crítico, superó las limitaciones nacionales y ganó un amplio reconocimiento)..

A pesar de todas sus limitaciones ideológicas y eclecticismo, los representantes de las tendencias "regionales" aún recurrían a temas y tramas democráticas, y algunos de ellos, como Teodor Tormenta(1817-1888), se destacaron como grandes escritores de cuentos, maestros de los bocetos realistas de la vida moderna. Al mismo tiempo, tomaron forma tendencias asociadas al epicureísmo de salón, el esteticismo y el culto a la forma pura. La esencia reaccionario-romántica de esta tendencia se revela más claramente en las obras literarias, filosóficas y estéticas de Friedrich Nietzsche, el fundador de la literatura decadente burguesa, un apologista del amoralismo militante, que trató al pueblo y la democracia con desprecio aristocrático.

A pesar de las condiciones históricas comunes, la música alemana del mismo período, a diferencia de la literatura, escribió páginas importantes en la historia de la cultura artística mundial, presentó compositores e intérpretes destacados, cuya actividad creativa adquirió importancia internacional.

Contradicciones en el desarrollo de la música alemana. Sus manifestaciones en la enemistad entre las escuelas de Weimar y Leipzig

A mediados de siglo se habían producido cambios significativos en la alineación de las fuerzas creativas. Mendelssohn murió en 1847. La enfermedad mental socavó inexorablemente a Schumann: después de 1849 se retiró de la vida musical y social (murió en 1856). Wagner vivió en la pobreza en el exilio y regresó a Alemania solo en los años 60, aunque la influencia de sus ideas estéticas y su creatividad crecía constantemente. Una década después de la derrota de la revolución de 1848-1849, cae el tiempo heroico de la actividad de Liszt en Weimar: termina con la organización en 1859, en relación con el vigésimo quinto aniversario del "Nuevo Diario Musical" de Schumann, una asociación de Músicos alemanes ("Unión musical de toda Alemania"). Finalmente, desde principios de la década de 1950, surgió una estrella de primera magnitud: Johannes Brahms, cuya autoridad ideológica y artística se fortaleció en las décadas de 1960 y 1970.

Sin embargo, no debemos olvidar que la atmósfera mohosa del filisteísmo no permitió que los planes reformistas de List se revelaran por completo: se vio obligado a huir de Alemania, después de haber sido derrotado en la lucha contra la burguesía alemana. Wagner, quien, a pesar de la oposición activa, mostró una voluntad asombrosa en la promoción de sus obras, tuvo que experimentar muchas dificultades en esta lucha, y Brahms, quien no tenía tal energía y, por lo tanto, abandonó su tierra natal. años 60 para Viena, donde vivió durante más de treinta años. Al mismo tiempo, los representantes del romanticismo moderado y "suavizado", cuyas aspiraciones ideológicas y artísticas coincidían hasta cierto punto con las tendencias literarias "regionales", ganaron gran influencia en Alemania.

La complejidad de la situación sociopolítica dio lugar a la tensión de la lucha de tendencias creativas en la música alemana, la confusión ideológica entre sus líderes. En la década de 1950, esta lucha se centró en torno a dos escuelas musicales. El primero estuvo encabezado por Liszt, al que se unió Wagner; en el lugar de residencia de Liszt, se llamaba "Weimar" (o "nuevo alemán"). A la cabeza de la segunda escuela, se llamaba "Leipzig", estaban las figuras del famoso conservatorio, creado por Mendelssohn con la participación de Schumann, de hecho, representantes del romanticismo "moderado".

Liszt, exponiendo la "suavidad" y la "moderación" filistea en el arte, presentó los principios de la profundidad programática e ideológica, filosófica y la riqueza de la creatividad musical. Pero estas preguntas a menudo fueron interpretadas por los seguidores de su escuela (críticos como Franz Brendel, Richard Pohl y otros) al margen de los requisitos estéticos de la democracia y la forma nacional, lo que condujo a una subestimación del papel del arte popular y la herencia clásica. a una innovación mal entendida. Por otro lado, los criterios artísticos de accesibilidad general y certeza nacional planteados por los representantes de la escuela de Leipzig fueron interpretados por los epígonos de Mendelssohn (entre ellos los compositores Karl Reinecke, Robert Volkman, Franz Abt, Cornelius Gurlit y otros) empobrecidos , dogmáticamente, porque se ignoraron las exigencias del arte ideológico y significativo.

Sin embargo, no se debe exagerar la importancia de estas dos escuelas en la historia de la música alemana. Este es uno de los episodios particulares de la lucha de grupos y tendencias inherentes a ella. Pronto la lucha tomó otras formas: se formaron campos de guerra en torno a las figuras creativas de los dos músicos más importantes de Alemania: Wagner y Brahms.

Ya en los años de existencia de la escuela de Weimar (que se derrumbó a principios de los años 60 en relación con la salida de Liszt), sus representantes consideraron su principal tarea promover la obra de Wagner. (“Apoyar a Wagner es nuestro objetivo principal”, escribió el New Music Journal, que había pasado a manos de los Weimarianos, en 1852. Al mismo tiempo, esta revista no escribió casi nada sobre Liszt como compositor)..

En la década de 1970, se organizó la Sociedad Wagner. Partidarios de la "música del futuro" ("música del futuro" Wagner llamó a sus creaciones) atacó duramente a todos aquellos compositores que no se identificaban con la corriente Liszt-Wagner. Al principio, los epígonos de Mendelssohn, asociados con la escuela de Leipzig, sirvieron como objeto de ataques; por cierto, Liszt los ridiculizó con mucha malicia. Pero luego, sin la participación de Liszt, el fuego de la controversia se dirigió contra Brahms: Wagner lideró esta controversia con fiereza e intransigencia. Todos los que creían en su genialidad compartían con él la enemistad hacia Brahms.

Contra su voluntad, Brahms, que no participó personalmente en la polémica suscitada, se convirtió en un estandarte para quienes discutían con Wagner en el campo del drama musical y con Liszt en el campo del sinfonismo programático. Se plantearon cuestiones en general: sobre las tradiciones de la música folclórica, los clásicos nacionales y los logros del romanticismo musical, sobre los medios expresivos de la música, sobre las posibilidades de preservar y desarrollar formas musicales establecidas, etc. Sobre todos estos temas, Wagner y Brahms habían diferencias fundamentales. Pero los "wagnerianos", por un lado, y los "brahmsianos" (fueron apodados irónicamente con el apodo de "brahmanes"), por el otro, exageraron inmoderadamente estas diferencias y, adorando una de las antípodas, derrocaron todo lo que estaba conectado con el otro.

El entorno de Wagner y Brahms no sólo introdujo en las disputas tonos subjetivos excesivamente agudos, sino que distorsionó la esencia de las búsquedas ideológicas y creativas de estos dos grandes artistas alemanes. Los representantes de la "Sociedad Wagner" intentaron transferir las características reaccionarias de la cosmovisión de Wagner a su trabajo: los wagnerianos en sus actividades prácticas se fusionaron con los círculos terry nacional-chovinistas de los Junkers prusianos, se convirtieron en conductores de las ideas pangermanas del imperialismo alemán. . Al mismo tiempo, los brahmsianos, especialmente entre los críticos vieneses (principalmente Eduard Hanslik), que atacaban a Liszt y Wagner (y al mismo tiempo a Anton Bruckner, Hugo Wolff, que se inclinaba ante Wagner), presentaban a Brahms como un supuesto "puro". músico, alejado de la realidad moderna, que creó una especie de música "abstracta" (En la medida en que Wagner participó activamente en sus ataques polémicos, Brahms se mantuvo cerrado y silencioso. No apoyó activamente a sus apologistas, críticos vieneses, pero no se disoció públicamente de ellos. Sin embargo, no simpatizaba con los "Hanslickianos", ya que, luchando por el contenido realista del arte, negaba la posibilidad de la existencia de la música "abstracta".).

Por lo tanto, ambos ambientes causaron un daño indiscutible a la causa del desarrollo de la música alemana: el fervor militante de los campos en guerra exacerbó la confusión ideológica en las filas de los músicos, no permitió reconocer un enemigo común. Para Wagner y Brahms, este enemigo era el filisteísmo alemán, el provincianismo mohoso; cada uno a su manera, defendieron los principios de la alta ideología y el humanismo. Reflejado en su obra varios lado de la realidad alemana, desarrollaron varios métodos de su exhibición, escribió en diferente géneros del arte musical. Pero un compositor no excluyó al otro, sino que, por el contrario, complementó, enriqueció la cultura nacional con su individualidad. Esto quedó claro a finales de siglo, tras la muerte de Wagner, cuando se enfrió el fervor polémico y las obras de ambos maestros recibieron reconocimiento universal.

El apogeo de la vida musical a finales del siglo XIX

En ese momento, las actividades educativas de Mendelssohn y Schumann, Liszt, Wagner y Brahms habían dado sus frutos: varios nombres de nuevos compositores habían saltado a la palestra. (Entre ellos, el más destacado - ricardo strauss(1864-1949), quien actuó con sus brillantes obras sinfónicas orquestales de colores brillantes en los años 90 (las mejores son "Till Ulenspiegel", "Don Giovanni"). Pero, en general, la obra de R. Strauss, que luego reflejó parcialmente influencias estéticas, pertenece a la nueva época, así como la obra de otro gran compositor alemán de finales del siglo XIX y principios del XX. max reger (1873-1916).) ; la vida teatral y de conciertos en Alemania ha alcanzado un alto nivel; la práctica de las asociaciones corales de aficionados se ha vuelto aún más amplia y, desde la década de 1990, el Sindicato de Cantantes de Trabajadores ha adquirido gran importancia. V. I. Lenin, en su artículo "El desarrollo de los coros obreros en Alemania", escrito en 1913, apreciaba mucho el papel sociopolítico de estos coros en el movimiento proletario revolucionario alemán.

Varias ciudades alemanas compiten en la promoción del arte musical. Junto con Berlín, Leipzig, Dresde, Colonia, Weimar (en la época en que Liszt trabajaba allí), Múnich, donde se representan las óperas de Wagner, y otros, se convierten en importantes centros musicales. La orquesta "Gewandhaus" (existe desde 1781) en Leipzig y en el mismo lugar - "Tomanerhor", es decir, el coro del cantor en la iglesia de St. Thomas, que alguna vez estuvo dirigida por J.S. Bach; en Berlín - la Academia de Canto (desde 1790), la Orquesta Filarmónica (desde 1881).

Una gloriosa galaxia de estudiantes de Liszt se está manifestando activamente, y el primero de ellos es un destacado director de orquesta y pianista, propagandista de Wagner y Brahms, admirador de la música rusa y, sobre todo, de la ópera de Glinka. Hans Bulow(1830-1894). En general, la escuela de dirección alemana, dirigida por Richard Wagner, se está convirtiendo en un fenómeno internacional. Entre sus mejores representantes artur nikisch(Húngaro de origen, 1855-1922), Félix Weingartner(1863-1942), Richard Strauss (1864-1949).

Están nominados varios vocalistas importantes, en particular intérpretes del repertorio de Wagner. Josef Alois Tychacek(Checo de origen, 1807-1886), alberto nieman(1831-1917). Entre los cantantes Wilhelmina Schroeder-Devrient(1804-1860; se hizo famoso como intérprete de Leonora en la ópera Fidelio de Beethoven), Enriqueta Sontag (1806-1854), lirio lehman(1848-1929). También hay grandes violinistas en Alemania. fernando david (1810-1873), José Joaquín(originario de Hungría, 1831-1907), pianistas (en su mayoría estudiantes de Liszt) eugenio de albert (1864- 1932), Sofía Menter (1846-1918), Frederic Lamond(1868-1948) y otros.

Todos estos son indicadores del gran y versátil florecimiento de la cultura musical alemana, que logró gracias al esfuerzo de varias generaciones de sus mejores figuras progresistas del siglo XIX.