ความงามอันน่าพิศวง: ผู้หญิงในการวาดภาพจากทิศทางที่แตกต่างกัน ผลงานชิ้นเอกที่น่าตกตะลึงของภาพวาดเปลือยคลาสสิกโดยศิลปินร่วมสมัย

หากคุณคิดว่าศิลปินที่ยิ่งใหญ่ล้วนแต่อยู่ในอดีต คุณก็ไม่รู้ว่าคุณคิดผิดแค่ไหน ในบทความนี้คุณจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับสิ่งที่มีชื่อเสียงที่สุดและ ศิลปินที่มีพรสวรรค์ความทันสมัย และเชื่อฉันเถอะว่าผลงานของพวกเขาจะยังคงอยู่ในความทรงจำของคุณไม่น้อยไปกว่าผลงานของเกจิจากยุคก่อน ๆ

วอจเซียค บับสกี้

วอจเซียค บับสกี้ – ทันสมัย ศิลปินชาวโปแลนด์- เขาสำเร็จการศึกษาที่ Silesian Polytechnic Institute แต่ก็เกี่ยวข้องกับตัวเองด้วย ใน เมื่อเร็วๆ นี้ดึงดูดผู้หญิงเป็นหลัก มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกของอารมณ์ มุ่งมั่นที่จะได้รับผลสูงสุดที่เป็นไปได้โดยใช้วิธีการง่ายๆ

ชอบสีแต่มักจะใช้เฉดสีดำและสีเทาเพื่อให้ได้ ประสบการณ์ที่ดีที่สุด- ไม่กลัวที่จะทดลองเทคนิคใหม่ๆ ที่แตกต่าง ล่าสุดเขาได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นในต่างประเทศ โดยเฉพาะในสหราชอาณาจักร ซึ่งเขาประสบความสำเร็จในการขายผลงานของเขา ซึ่งสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวมากมาย นอกจากศิลปะแล้ว เขายังสนใจจักรวาลวิทยาและปรัชญาอีกด้วย ฟังเพลงแจ๊ส ปัจจุบันอาศัยและทำงานในคาโตวีตเซ

วอร์เรน ช้าง

Warren Chang เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เกิดในปี 1957 และเติบโตในเมืองมอนเทอเรย์ รัฐแคลิฟอร์เนีย เขาสำเร็จการศึกษาเกียรตินิยมจาก Art Center College of Design ในพาซาดีนาในปี 1981 ซึ่งเขาได้รับ BFA ในอีกสองทศวรรษต่อมาเขาทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบให้กับ บริษัทต่างๆในแคลิฟอร์เนียและนิวยอร์ก ก่อนที่จะเริ่มต้นอาชีพศิลปินมืออาชีพในปี 2552

ภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาแบ่งได้เป็น 2 ประเภทหลัก ได้แก่ ภาพวาดชีวประวัติภายใน และภาพวาดบุคคลในที่ทำงาน ความสนใจของเขาในการวาดภาพรูปแบบนี้ย้อนกลับไปถึงผลงานของศิลปินโยฮันเนส เวอร์เมียร์ ในศตวรรษที่ 16 และครอบคลุมถึงวิชาต่างๆ การถ่ายภาพบุคคล ภาพเหมือนของสมาชิกในครอบครัว เพื่อน นักเรียน การตกแต่งภายในในสตูดิโอ ห้องเรียน และบ้าน เป้าหมายของเขาคือการสร้างอารมณ์และอารมณ์ในภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาผ่านการปรุงแต่งของแสงและการใช้สีที่ไม่ออกเสียง

ช้างเริ่มมีชื่อเสียงหลังจากเปลี่ยนมาใช้วิจิตรศิลป์แบบดั้งเดิม ตลอด 12 ปีที่ผ่านมา เขาได้รับรางวัลและเกียรติยศมากมาย โดยรางวัลอันทรงเกียรติที่สุดคือ Master Signature จาก Oil Painters of America ซึ่งเป็นชุมชนภาพวาดสีน้ำมันที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา มีเพียง 1 คนจาก 50 คนเท่านั้นที่มีโอกาสได้รับรางวัลนี้ ปัจจุบัน Warren อาศัยอยู่ที่มอนเทอเรย์และทำงานในสตูดิโอของเขา และเขายังสอน (รู้จักกันในชื่อครูที่มีพรสวรรค์) ที่ San Francisco Academy of Art

ออเรลิโอ บรูนี่

ออเรลิโอ บรูนีเป็นศิลปินชาวอิตาลี เกิดที่เมืองแบลร์ วันที่ 15 ตุลาคม พ.ศ. 2498 เขาได้รับประกาศนียบัตรด้านฉากจากสถาบันศิลปะในสโปเลโต ในฐานะศิลปิน เขาเรียนรู้ด้วยตนเอง ในขณะที่เขา "สร้างบ้านแห่งความรู้" อย่างอิสระบนรากฐานที่วางไว้ในโรงเรียน เขาเริ่มวาดภาพด้วยสีน้ำมันเมื่ออายุ 19 ปี ปัจจุบันอาศัยและทำงานในแคว้นอุมเบรีย

ภาพวาดยุคแรกๆ ของบรูนีมีรากฐานมาจากลัทธิเหนือจริง แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาเริ่มมุ่งเน้นไปที่ความใกล้ชิดของแนวโรแมนติกและสัญลักษณ์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ เสริมการผสมผสานนี้เข้ากับความซับซ้อนและความบริสุทธิ์ของตัวละครของเขา วัตถุที่เคลื่อนไหวและไม่มีชีวิตได้รับศักดิ์ศรีที่เท่าเทียมกันและดูเกือบจะสมจริงเกินไป แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ได้ซ่อนอยู่หลังม่าน แต่ช่วยให้คุณมองเห็นแก่นแท้ของจิตวิญญาณของคุณ ความเก่งกาจและความซับซ้อน ความเย้ายวนและความเหงา ความรอบคอบและประสิทธิผลเป็นจิตวิญญาณของ Aurelio Bruni ซึ่งหล่อเลี้ยงด้วยความงดงามของศิลปะและความกลมกลืนของดนตรี

อเล็กซานเดอร์ บาลอส

Alkasander Balos เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ที่เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพสีน้ำมัน เกิดในปี 1970 ในเมืองกลิวิซ ประเทศโปแลนด์ แต่ตั้งแต่ปี 1989 เขาอาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกา ในเมืองชาสตา รัฐแคลิฟอร์เนีย

เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาศึกษาศิลปะภายใต้การแนะนำของแจน พ่อของเขา ซึ่งเป็นศิลปินและประติมากรที่เรียนรู้ด้วยตนเอง ดังนั้นตั้งแต่อายุยังน้อย กิจกรรมทางศิลปะได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่จากผู้ปกครองทั้งสอง ในปี 1989 เมื่ออายุได้ 18 ปี Balos ออกจากโปแลนด์ไปยังสหรัฐอเมริกา โดยที่ครูในโรงเรียนและศิลปินพาร์ทไทม์ Cathy Gaggliardi สนับสนุนให้ Alkasander ลงทะเบียนเรียนในโรงเรียนศิลปะ จากนั้น Balos ก็ได้รับทุนการศึกษาเต็มจำนวนจากมหาวิทยาลัยมิลวอกี รัฐวิสคอนซิน ซึ่งเขาศึกษาการวาดภาพกับศาสตราจารย์ปรัชญา Harry Rozin

หลังจากสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีในปี 1995 บาลอสก็ย้ายไปชิคาโกเพื่อศึกษาที่ School of Fine Arts ซึ่งมีพื้นฐานมาจากผลงานของ Jacques-Louis David ความสมจริงเชิงเปรียบเทียบและ การวาดภาพบุคคลคือ ที่สุดผลงานของ Balos ในยุค 90 และต้นปี 2000 ปัจจุบัน บาลอสใช้ร่างมนุษย์เพื่อเน้นย้ำถึงคุณลักษณะและข้อบกพร่องของการดำรงอยู่ของมนุษย์ โดยไม่ต้องเสนอวิธีแก้ปัญหาใดๆ

การจัดองค์ประกอบภาพเขียนของเขามุ่งหมายให้ผู้ชมตีความอย่างอิสระ จากนั้นภาพเขียนจะได้รับความหมายทางโลกและอัตนัยที่แท้จริง ในปี 2005 ศิลปินย้ายไปอยู่ที่แคลิฟอร์เนียตอนเหนือ นับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา หัวข้องานของเขาก็ขยายออกไปอย่างมาก และตอนนี้มีวิธีการวาดภาพที่อิสระมากขึ้น รวมถึงนามธรรมและสไตล์มัลติมีเดียต่างๆ ที่ช่วยแสดงความคิดและอุดมคติของการดำรงอยู่ผ่านการวาดภาพ

อลิสสา มังค์

Alyssa Monks เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เกิดเมื่อปี 1977 ในเมืองริดจ์วูด รัฐนิวเจอร์ซีย์ ฉันเริ่มสนใจการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เธอศึกษาที่ The New School ในนิวยอร์กและมหาวิทยาลัย Montclair State และสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีจากวิทยาลัยบอสตันในปี 1999 ในเวลาเดียวกันเธอได้เรียนการวาดภาพที่สถาบัน ลอเรนโซ เมดิชี่ในฟลอเรนซ์

จากนั้นเธอก็ศึกษาต่อในหลักสูตรปริญญาโทที่ New York Academy of Art ในภาควิชา Figurative Art ซึ่งสำเร็จการศึกษาในปี 2544 เธอสำเร็จการศึกษาจาก Fullerton College ในปี 2549 บางครั้งเธอก็บรรยายที่มหาวิทยาลัยและ สถาบันการศึกษาเธอสอนการวาดภาพที่ New York Academy of Art เช่นเดียวกับ Montclair State University และ Lyme Academy of Art College ทั่วประเทศ

“การใช้ฟิลเตอร์ เช่น แก้ว ไวนิล น้ำ และไอน้ำ ฉันสามารถบิดเบือนร่างกายมนุษย์ได้ ฟิลเตอร์เหล่านี้ช่วยให้คุณสร้างพื้นที่ขนาดใหญ่ของการออกแบบเชิงนามธรรม โดยมีเกาะหลากสีที่มองผ่าน - ส่วนต่างๆ ของร่างกายมนุษย์

ภาพวาดของฉันเปลี่ยนมุมมองสมัยใหม่ของท่าทางและท่าทางดั้งเดิมของผู้หญิงอาบน้ำที่จัดตั้งขึ้นแล้ว พวกเขาสามารถบอกผู้ชมที่เอาใจใส่ได้มากมายเกี่ยวกับสิ่งที่ดูเหมือนเห็นได้ชัดเจนในตัวเอง เช่น ประโยชน์ของการว่ายน้ำ การเต้นรำ และอื่นๆ ตัวละครของฉันกดตัวเองแนบกับกระจกหน้าต่างห้องอาบน้ำ บิดเบือนร่างกายของตัวเอง โดยตระหนักว่าสิ่งเหล่านี้มีอิทธิพลต่อการจ้องมองของผู้ชายที่ฉาวโฉ่ต่อผู้หญิงที่เปลือยเปล่า ชั้นสีหนาผสมกันเพื่อเลียนแบบแก้ว ไอน้ำ น้ำ และเนื้อจากระยะไกล อย่างไรก็ตาม เมื่อมองอย่างใกล้ชิด คุณสมบัติทางกายภาพอันน่าทึ่งของสีน้ำมันก็ปรากฏชัดเจน จากการทดลองโดยใช้สีและสีหลายชั้น ฉันพบจุดที่ฝีแปรงแบบนามธรรมกลายเป็นอย่างอื่น

เมื่อฉันเริ่มวาดภาพร่างกายมนุษย์ครั้งแรก ฉันรู้สึกทึ่งและหมกมุ่นอยู่กับมันทันที และเชื่อว่าฉันต้องทำให้ภาพวาดของฉันสมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ฉัน “ยอมรับ” ความสมจริงจนกระทั่งมันเริ่มคลี่คลายและเผยให้เห็นความขัดแย้งในตัวเอง ตอนนี้ฉันกำลังสำรวจความเป็นไปได้และศักยภาพของรูปแบบการวาดภาพที่ซึ่งการวาดภาพเป็นตัวแทนและนามธรรมมาบรรจบกัน หากทั้งสองรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในเวลาเดียวกัน ฉันจะทำเช่นนั้น”

อันโตนิโอ ฟิเนลลี

ศิลปินชาวอิตาลี – “ ผู้สังเกตการณ์เวลา” – อันโตนิโอ ฟิเนลลี เกิดเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2528 ปัจจุบันอาศัยและทำงานในอิตาลีระหว่างโรมและกัมโปบาสโซ ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในแกลเลอรี่หลายแห่งในอิตาลีและต่างประเทศ: โรม, ฟลอเรนซ์, โนวารา, เจนัว, ปาแลร์โม, อิสตันบูล, อังการา, นิวยอร์ก และยังสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวและสาธารณะ

ภาพวาดดินสอ " ผู้สังเกตการณ์เวลา“อันโตนิโอ ฟิเนลลีพาเราเดินทางสู่โลกชั่วนิรันดร์ผ่านโลกภายในแห่งกาลเวลาของมนุษย์และการวิเคราะห์โลกนี้อย่างถี่ถ้วนที่เกี่ยวข้อง องค์ประกอบหลักคือการเดินผ่านกาลเวลาและร่องรอยที่ทิ้งไว้บนผิวหนัง

ฟิเนลลีวาดภาพคนทุกวัย เพศ และสัญชาติ ซึ่งการแสดงออกทางสีหน้าบ่งบอกถึงการผ่านกาลเวลา และศิลปินยังหวังที่จะพบหลักฐานของความไร้ความปรานีแห่งกาลเวลาบนร่างของตัวละครของเขา อันโตนิโอให้คำจำกัดความผลงานของเขาด้วยชื่อทั่วไปว่า "ภาพเหมือนตนเอง" เพราะในภาพวาดดินสอของเขาเขาไม่เพียงแต่พรรณนาถึงบุคคลเท่านั้น แต่ยังช่วยให้ผู้ชมได้ไตร่ตรอง ผลลัพธ์ที่แท้จริงกาลเวลาที่ผ่านไปในตัวบุคคล

ฟลามิเนีย คาร์โลนี

Flaminia Carloni เป็นศิลปินชาวอิตาลีวัย 37 ปี เป็นลูกสาวของนักการทูต เธอมีลูกสามคน เธออาศัยอยู่ในโรมเป็นเวลาสิบสองปี และสามปีในอังกฤษและฝรั่งเศส เธอได้รับปริญญาด้านประวัติศาสตร์ศิลปะจาก BD School of Art จากนั้นเธอก็ได้รับประกาศนียบัตรในฐานะนักบูรณะงานศิลปะ ก่อนที่จะค้นพบอาชีพและอุทิศตนให้กับการวาดภาพ เธอทำงานเป็นนักข่าว นักวาดภาพ นักออกแบบ และนักแสดง

ความหลงใหลในการวาดภาพของ Flaminia เกิดขึ้นในวัยเด็ก สื่อหลักของเธอคือน้ำมัน เพราะเธอชอบ "coiffer la pate" และชอบเล่นกับวัสดุด้วย เธอจำเทคนิคที่คล้ายกันในผลงานของศิลปิน Pascal Torua Flaminia ได้รับแรงบันดาลใจจากปรมาจารย์ด้านการวาดภาพผู้ยิ่งใหญ่ เช่น Balthus, Hopper และ François Legrand รวมถึงการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่หลากหลาย เช่น สตรีทอาร์ต ความสมจริงแบบจีน สถิตยศาสตร์ และความสมจริงแบบเรอเนซองส์ ที่เธอชื่นชอบ ศิลปินคาราวัจโจ- ความฝันของเธอคือการค้นพบพลังแห่งศิลปะในการบำบัด

เดนิส เชอร์นอฟ

Denis Chernov เป็นศิลปินชาวยูเครนผู้มีความสามารถ เกิดในปี 1978 ในเมือง Sambir ภูมิภาค Lviv ประเทศยูเครน หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Kharkov Art School ในปี 1998 เขายังคงอยู่ที่ Kharkov ซึ่งปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานอยู่ เขายังเรียนที่คาร์คอฟด้วย สถาบันการศึกษาของรัฐการออกแบบและศิลปะ สาขากราฟิก สำเร็จการศึกษาเมื่อปี พ.ศ. 2547

เขามีส่วนร่วมเป็นประจำ นิทรรศการศิลปะ, บน ช่วงเวลานี้มีเหตุการณ์มากกว่าหกสิบครั้งทั้งในยูเครนและต่างประเทศ ผลงานของเดนิส เชอร์นอฟส่วนใหญ่ถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัวในยูเครน รัสเซีย อิตาลี อังกฤษ สเปน กรีซ ฝรั่งเศส สหรัฐอเมริกา แคนาดา และญี่ปุ่น ผลงานบางส่วนถูกขายที่ Christie's

เดนิสทำงานในกราฟิกที่หลากหลายและ เทคนิคการวาดภาพ- การวาดภาพด้วยดินสอเป็นหนึ่งในวิธีการวาดภาพที่เขาชื่นชอบมากที่สุด ซึ่งเป็นรายการหัวข้อต่างๆ ของเขา ภาพวาดดินสอยังมีความหลากหลายมาก เขาวาดภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพเปลือย องค์ประกอบประเภท ภาพประกอบหนังสือวรรณกรรมและ การฟื้นฟูทางประวัติศาสตร์และจินตนาการ

มีธีมนิรันดร์ในงานศิลปะ หนึ่งในนั้นคือหัวข้อเรื่องสตรี หัวข้อเรื่องความเป็นแม่ แต่ละยุคสมัยมีอุดมคติของผู้หญิงเป็นของตัวเอง ประวัติศาสตร์ทั้งหมดของมนุษยชาติสะท้อนให้เห็นจากการที่ผู้คนมองผู้หญิงคนหนึ่ง มีตำนานอะไรล้อมรอบเธอและช่วยสร้างเธอขึ้นมา สิ่งหนึ่งที่แน่นอน - ในทุกศตวรรษและทุกสมัย ตัวละครที่เป็นผู้หญิงได้ดึงดูด กำลังดึงดูด และจะยังคงดึงดูดความสนใจเป็นพิเศษจากศิลปินต่อไป

รูปภาพของผู้หญิงที่สร้างขึ้นในงานศิลปะภาพเหมือนมีอุดมคติทางบทกวีในความสามัคคีที่กลมกลืน คุณสมบัติทางจิตวิญญาณและรูปลักษณ์ภายนอก จากภาพถ่ายบุคคล เราสามารถตัดสินได้ว่ารูปร่างหน้าตาและจิตใจของผู้หญิงได้รับอิทธิพลจากกิจกรรมทางสังคม แฟชั่น วรรณกรรม ศิลปะ และภาพวาดอย่างไร

เรานำเสนอภาพผู้หญิงในภาพวาดต่างๆ ทิศทางที่แตกต่างกัน

ความสมจริง

สาระสำคัญของทิศทางคือการจับภาพความเป็นจริงอย่างถูกต้องและเป็นกลางที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ การกำเนิดของความสมจริงในการวาดภาพมักเกี่ยวข้องกับผลงานของศิลปินชาวฝรั่งเศส Gustave Courbet ซึ่งเปิดธุรกิจของตัวเองในปารีสในปี พ.ศ. 2398 นิทรรศการส่วนตัว"ศาลาแห่งความสมจริง" ตรงกันข้ามกับแนวโรแมนติกและวิชาการ ในยุค 1870 ความสมจริงถูกแบ่งออกเป็นสองทิศทางหลัก - ลัทธิธรรมชาติและลัทธิอิมเพรสชั่นนิสต์ นักธรรมชาติวิทยาคือศิลปินที่พยายามจับภาพความเป็นจริงอย่างถูกต้องและเป็นภาพถ่ายที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้

อีวาน ครามสคอย “ไม่ทราบ”

Serov "หญิงสาวกับลูกพีช"

วิชาการ

วิชาการเติบโตขึ้นโดยการปฏิบัติตามรูปแบบภายนอกของศิลปะคลาสสิก วิชาการที่รวบรวมประเพณี ศิลปะโบราณซึ่งภาพลักษณ์ของธรรมชาติก็ถูกทำให้เป็นอุดมคติ นักวิชาการชาวรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 มีลักษณะเฉพาะด้วยรูปแบบที่ประเสริฐ รูปแบบเชิงเปรียบเทียบสูง ความคล่องตัว ความหลากหลาย และความเอิกเกริก ฉากในพระคัมภีร์ ภูมิทัศน์ร้านเสริมสวย และภาพบุคคลในพิธีการได้รับความนิยม แม้ว่าเนื้อหาในภาพวาดจะมีเนื้อหาจำกัด แต่ผลงานของนักวิชาการก็โดดเด่นด้วยทักษะทางเทคนิคขั้นสูง

บูเกโร "กลุ่มดาวลูกไก่"

บูเกโร "อารมณ์"

Cabanel "การกำเนิดของดาวศุกร์"

ความประทับใจ

ตัวแทนของสไตล์นี้พยายามที่จะจับภาพโลกแห่งความเป็นจริงในด้านความคล่องตัวและความแปรปรวนด้วยวิธีที่เป็นธรรมชาติและเป็นกลางที่สุด และเพื่อถ่ายทอดความประทับใจที่เกิดขึ้นเพียงชั่วครู่ อิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศสไม่ได้เพิ่มขึ้น ปัญหาเชิงปรัชญา- ในทางกลับกัน อิมเพรสชันนิสม์มุ่งเน้นไปที่ความผิวเผิน ความลื่นไหลของช่วงเวลา อารมณ์ แสงสว่าง หรือมุมของมุมมอง ภาพวาดของพวกเขานำเสนอแต่ด้านบวกของชีวิต ไม่รบกวนปัญหาสังคม และหลีกเลี่ยงปัญหาต่างๆ เช่น ความหิวโหย โรคภัยไข้เจ็บ และความตาย พระคัมภีร์, วรรณกรรม, ตำนาน, วิชาประวัติศาสตร์มีอยู่ในวิชาการอย่างเป็นทางการ มีการถ่ายเรื่องเจ้าชู้ เต้นรำ อยู่ในร้านกาแฟและโรงละคร พายเรือ บนชายหาด และในสวน ตัดสินโดยภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์ ชีวิตคือวันหยุดเล็ก ๆ งานปาร์ตี้ งานอดิเรกอันน่ารื่นรมย์นอกเมืองหรือในสภาพแวดล้อมที่เป็นมิตร

โบลดินี่ "มูแลงรูจ"

Renoir "ภาพเหมือนของ Jeanne Samary"

มาเนตร "อาหารเช้าบนพื้นหญ้า"

มาโย "โรซาบราวา"

Lautrec "ผู้หญิงถือร่ม"

สัญลักษณ์

Symbolists เปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงไม่เพียงเท่านั้น ประเภทต่างๆศิลปะ แต่ยังรวมถึงทัศนคติต่อมันด้วย ลักษณะการทดลอง ความปรารถนาในนวัตกรรม และความเป็นสากลนิยมของพวกเขา ได้กลายเป็นแบบอย่างสำหรับขบวนการศิลปะสมัยใหม่ส่วนใหญ่ พวกเขาใช้สัญลักษณ์ การกล่าวเกินจริง การพาดพิง ความลึกลับ ปริศนา อารมณ์หลักมักเป็นการมองโลกในแง่ร้ายจนถึงจุดสิ้นหวัง สัญลักษณ์นิยมต่างจากการเคลื่อนไหวอื่น ๆ ในงานศิลปะซึ่งเชื่อในการแสดงออกของ "ไม่สามารถบรรลุได้" ซึ่งบางครั้งก็เป็นความคิดลึกลับภาพแห่งนิรันดร์และความงาม

รีดอน "โอฟีเลีย"

ฟรานซ์ ฟอน ติดอยู่ "ซาโลเม"

วัตต์ "ความหวัง"

รอสเซติ "เพอร์เซโฟนี"

ทันสมัย

ลัทธิสมัยใหม่พยายามผสมผสานฟังก์ชันทางศิลปะและประโยชน์ใช้สอยของผลงานที่สร้างขึ้นเพื่อให้เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของมนุษย์ทั้งหมดในขอบเขตแห่งความงาม ส่งผลให้มีความสนใจในศิลปะประยุกต์ เช่น การออกแบบตกแต่งภายใน เซรามิก หนังสือกราฟิก ศิลปินอาร์ตนูโวได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปะของอียิปต์โบราณและอารยธรรมโบราณ ลักษณะที่เห็นได้ชัดเจนที่สุดของอาร์ตนูโวคือการละทิ้งมุมและเส้นตรงไปแทนเส้นโค้งที่นุ่มนวลกว่า ศิลปินอาร์ตนูโวมักนำเครื่องประดับจากโลกพืชมาเป็นพื้นฐานในการวาดภาพ

Klimt "ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer I"

คลิมท์ "ดาเน่"

Klimt "สามยุคของผู้หญิง"

บิน "ผลไม้"

การแสดงออก

การแสดงอารมณ์เป็นหนึ่งในขบวนการทางศิลปะที่มีอิทธิพลมากที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ลัทธิการแสดงออกเกิดขึ้นจากการตอบสนองต่อวิกฤตการณ์ที่รุนแรงที่สุดของไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 ครั้งแรก สงครามโลกและต่อมา การเคลื่อนไหวปฏิวัติความอัปลักษณ์ของอารยธรรมกระฎุมพีซึ่งส่งผลให้เกิดความปรารถนาที่จะไร้เหตุผล ใช้ลวดลายของความเจ็บปวดและเสียงกรีดร้อง หลักการแสดงออกเริ่มมีชัยเหนือภาพ

โมดิเกลียนี. เขาพยายามเจาะลึกจิตวิญญาณของตัวละครของเขาโดยใช้ร่างกายและใบหน้าของผู้หญิง “ฉันสนใจในความเป็นมนุษย์ ใบหน้าคือการสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดจากธรรมชาติ ฉันใช้มันอย่างไม่เหน็ดเหนื่อย” เขากล่าวซ้ำ

Modigliani "นอนเปลือย"

Schiele "ผู้หญิงในถุงน่องสีดำ"

คิวบิสม์

Cubism เป็นขบวนการสมัยใหม่ใน ศิลปกรรม(ส่วนใหญ่อยู่ในการวาดภาพ) ของไตรมาสที่ 1 ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งได้นำเสนองานอย่างเป็นทางการในการสร้างรูปแบบสามมิติบนเครื่องบิน โดยลดการมองเห็นและการรับรู้ของศิลปะให้เหลือน้อยที่สุด การเกิดขึ้นของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมมีมาตั้งแต่ปี 1906-1907 และมีความเกี่ยวข้องกับงานของ Pablo Picasso และ Georges Braque โดยทั่วไปแล้ว ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมเป็นการแหวกแนวจากประเพณีของศิลปะสมจริงที่พัฒนาขึ้นในช่วงยุคเรอเนซองส์ รวมถึงการสร้างสรรค์ด้วย ภาพลวงตาโลกบนเครื่องบิน ผลงานของ Cubists ถือเป็นความท้าทายต่อความงามมาตรฐานของศิลปะซาลอน การเปรียบเทียบที่คลุมเครือของสัญลักษณ์นิยม และความไม่มั่นคงของการวาดภาพอิมเพรสชั่นนิสต์ เมื่อเข้าสู่แวดวงการเคลื่อนไหวที่กบฏ อนาธิปไตย และปัจเจกนิยม ลัทธิเขียนภาพแบบคิวบิสม์มีความโดดเด่นในหมู่พวกเขาด้วยการดึงดูดการบำเพ็ญตบะของสี รูปแบบที่เรียบง่าย มีน้ำหนัก จับต้องได้ และลวดลายพื้นฐาน

ปิกัสโซ "หญิงร้องไห้"

ปิกัสโซ "เล่นแมนโดลิน"

ปิกัสโซ "เลส์ เดมัวแซล ดาวีญง"

สถิตยศาสตร์

แนวคิดพื้นฐานของสถิตยศาสตร์ ความเหนือจริง- การรวมกันของความฝันและความเป็นจริง เพื่อให้บรรลุเป้าหมายนี้ นักสถิตยศาสตร์ได้เสนอการผสมผสานภาพที่เป็นธรรมชาติและขัดแย้งกันอย่างไร้สาระผ่านการจับแพะชนแกะและย้ายวัตถุจากพื้นที่ที่ไม่ใช่งานศิลปะไปยังพื้นที่ทางศิลปะ เนื่องจากวัตถุถูกเปิดเผยจากด้านที่ไม่คาดคิด คุณสมบัติที่ไม่ได้สังเกตจากภายนอก บริบททางศิลปะปรากฏอยู่ในนั้น พวกสถิตยศาสตร์ได้รับแรงบันดาลใจจากอุดมการณ์ฝ่ายซ้ายสุดโต่ง แต่พวกเขาเสนอให้เริ่มการปฏิวัติด้วยจิตสำนึกของตนเอง พวกเขาคิดว่าศิลปะเป็นเครื่องมือหลักในการปลดปล่อย ทิศทางนี้พัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลอันยิ่งใหญ่ของทฤษฎีจิตวิเคราะห์ของฟรอยด์ สถิตยศาสตร์มีรากฐานมาจากสัญลักษณ์นิยม และในตอนแรกได้รับอิทธิพลจากศิลปินสัญลักษณ์นิยม เช่น Gustave Moreau และ Odilon Redon มากมาย ศิลปินยอดนิยมเป็นนักแนวเซอร์เรียลลิสต์ เช่น Rene Magritte, Max Ernst, Salvador Dali, Alberto Giacometti

Gil Elvgren (1914-1980) เป็นศิลปินพินอัพคนสำคัญของศตวรรษที่ 20 สำหรับฉันทั้งหมด กิจกรรมระดับมืออาชีพซึ่งเริ่มต้นในช่วงกลางทศวรรษ 1930 และกินเวลานานกว่าสี่สิบปี เขาได้สร้างชื่อเสียงให้กับตัวเองอย่างชัดเจนในหมู่นักสะสมและแฟนพันธุ์แท้ทั่วโลก และถึงแม้ว่า Gil Elvgren จะถือเป็นศิลปินพินอัพเป็นหลัก แต่เขาก็สมควรได้รับตำแหน่งคลาสสิก นักวาดภาพประกอบชาวอเมริกันซึ่งสามารถครอบคลุมได้ พื้นที่ต่างๆศิลปะเชิงพาณิชย์

การทำงานโฆษณา Coca-Cola เป็นเวลา 25 ปีช่วยให้เขาพิสูจน์ตัวเองว่าเป็นหนึ่งในนักวาดภาพประกอบที่เก่งกาจในสาขานี้ โฆษณาของ Coca-Cola นำเสนอภาพปักหมุดของ "Elvgren Girls" ซึ่งส่วนใหญ่พรรณนาถึงครอบครัว เด็ก และวัยรุ่นชาวอเมริกันทั่วไป—คนธรรมดาที่ทำธุรกิจประจำวันของพวกเขา ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองและสงครามเกาหลี Elvgren ได้วาดภาพประกอบแนวทหารสำหรับ Coca-Cola ซึ่งบางส่วนกลายเป็น "ไอคอน" ในอเมริกา

งานของ Elvgren ให้กับ Coca-Cola สะท้อนให้เห็นถึงความฝันแบบอเมริกันในเรื่องตู้เซฟ ชีวิตที่สะดวกสบายและภาพประกอบบางเรื่องจากนิตยสารบรรยายถึงความหวัง ความกลัว และความสุขของผู้อ่าน ภาพเหล่านี้ตีพิมพ์ในช่วงทศวรรษปี 1940 และ 1950 ในนิตยสารชื่อดังของอเมริกาหลายฉบับ เช่น McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping และ Woman's Home Companion นอกจาก Coca-Cola แล้ว Elvgren ยังทำงานร่วมกับ Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania และ Napa Auto Parts

Elvgren โดดเด่นไม่เพียงแต่จากภาพวาดและกราฟิกโฆษณาของเขาเท่านั้น แต่เขายังเป็นช่างภาพมืออาชีพที่ใช้กล้องอย่างคล่องแคล่วพอๆ กับการใช้แปรงอีกด้วย แต่พลังและพรสวรรค์ของเขาไม่ได้หยุดอยู่แค่นั้น นอกจากนี้เขายังเป็นครูซึ่งต่อมานักเรียนก็กลายเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียง

แม้แต่ในวัยเด็ก Elvgren ก็ได้รับแรงบันดาลใจจากรูปภาพ นักวาดภาพประกอบที่มีชื่อเสียง- ทุกสัปดาห์เขาจะฉีกหน้าและปกนิตยสารที่มีรูปภาพที่เขาชอบซึ่งเป็นผลมาจากการที่เขารวบรวมคอลเลกชันขนาดใหญ่ที่ทิ้งร่องรอยไว้ในผลงานของศิลปินหนุ่ม

ผลงานของ Elvgren ได้รับอิทธิพลจากศิลปินหลายคน เช่น Felix Octavius ​​​​Carr Darley (1822-1888) ศิลปินคนแรกที่ท้าทายความเหนือกว่าของโรงเรียนภาพประกอบในอังกฤษและยุโรปเหนือศิลปะเชิงพาณิชย์ของอเมริกา Norman Rockwell (1877-1978) ซึ่ง Elvgren พบในปี 1947 และการพบกันครั้งนี้ถือเป็นจุดเริ่มต้นของมิตรภาพอันยาวนาน Charles Dana Gibson (พ.ศ. 2410-2487) ซึ่งเป็นเด็กผู้หญิงในอุดมคติซึ่งรวมเอา "เพื่อนบ้าน" (หญิงสาวข้างบ้าน) และ "หญิงสาวในฝันของคุณ" โฮเวิร์ดแชนด์เลอร์คริสตี้จอห์นเฮนรี่ฮินเทอร์ไมสเตอร์ ( พ.ศ. 2413-2488) และอื่นๆ

Elvgren ศึกษาผลงานของศิลปินคลาสสิกเหล่านี้อย่างใกล้ชิด ซึ่งเป็นผลมาจากการที่เขาได้สร้างพื้นฐานสำหรับการพัฒนาศิลปะพินอัพเพิ่มเติม

Gil Elvgren เกิดเมื่อวันที่ 15 มีนาคม พ.ศ. 2457 และเติบโตที่ St. Paul Minneapolis พ่อแม่ของเขา Alex และ Goldie Elvgren เป็นเจ้าของร้านค้าในตัวเมืองที่ขายวอลเปเปอร์และสี

หลังจบการศึกษา มัธยมกิลอยากเป็นสถาปนิก พ่อแม่ของเขาเห็นด้วยกับความปรารถนานี้ เนื่องจากพวกเขาสังเกตเห็นพรสวรรค์ในการวาดภาพของเขา เมื่อตอนอายุแปดขวบ เด็กชายถูกไล่ออกจากโรงเรียนเพราะเขาวาดภาพบนขอบหนังสือเรียน ในที่สุด Elvgren ก็เข้าเรียนที่มหาวิทยาลัยมินนิโซตาเพื่อศึกษาสถาปัตยกรรมและการออกแบบในขณะที่เรียนหลักสูตรศิลปะที่ Minneapolis Institute of Art ที่นั่นเขาตระหนักว่าการวาดภาพสนใจเขามากกว่าการออกแบบอาคาร

ในฤดูใบไม้ร่วงปีเดียวกัน Elvgren แต่งงานกับ Janet Cummins และต่อไป ปีใหม่คู่บ่าวสาวย้ายไปชิคาโกซึ่งมีโอกาสมากมายสำหรับศิลปิน แน่นอนว่าพวกเขาสามารถเลือกนิวยอร์กได้ แต่ชิคาโกก็อยู่ใกล้กว่าและปลอดภัยกว่า

เมื่อมาถึงชิคาโก กิลพยายามทำทุกอย่างเพื่อพัฒนาอาชีพของเขา เขาเข้าเรียนที่ American Academy of Fine Arts อันทรงเกียรติในตัวเมือง ซึ่งเขาได้เป็นเพื่อนกับบิล มอสบี้ ศิลปินและอาจารย์ผู้ประสบความสำเร็จ ผู้ภูมิใจกับพัฒนาการของกิลภายใต้การแนะนำของเขามาโดยตลอด

แน่นอนว่าเมื่อ Gil Elvgren มาที่ Academy เขามีความสามารถ แต่เขาก็ไม่ได้โดดเด่นจากนักเรียนส่วนใหญ่ที่เรียนที่นั่น แต่มีเพียงสิ่งเดียวที่ทำให้เขาแตกต่างจากคนอื่นๆ คือเขารู้แน่ชัดว่าเขาต้องการอะไร ที่สำคัญที่สุดเขาใฝ่ฝันที่จะเป็นศิลปินที่ดี ในการศึกษาสองปี เขาได้เชี่ยวชาญหลักสูตรที่ออกแบบมาสำหรับสามปีครึ่ง: เขาเข้าเรียนในเวลากลางคืนในช่วงฤดูร้อน ใน เวลาว่างเขาวาดอยู่เสมอ

เขาเป็นนักเรียนที่ดีและทำงานหนักกว่าคนอื่นๆ กิลเข้าร่วมทุกหลักสูตรซึ่งเขาสามารถได้รับความรู้เกี่ยวกับการวาดภาพเป็นอย่างน้อย ในเวลาสองปีเขามีความก้าวหน้าอย่างน่าอัศจรรย์และกลายเป็นหนึ่งในผู้สำเร็จการศึกษาที่ดีที่สุดของ Academy

กิลเป็นศิลปินที่น่าทึ่งซึ่งมีน้อยคนจะเทียบได้ เขามีโครงสร้างที่แข็งแกร่ง เขาดูเหมือนนักฟุตบอลเลย มือใหญ่ของเขาไม่เหมือนมือของศิลปินเลย: ดินสอ "จม" ลงไปอย่างแท้จริง แต่ความแม่นยำและความอุตสาหะในการเคลื่อนไหวของเขาสามารถเปรียบเทียบได้กับทักษะของศัลยแพทย์เท่านั้น

ระหว่างเรียนมหาวิทยาลัย กิลไม่เคยหยุดทำงาน ภาพประกอบของเขาประดับโบรชัวร์และนิตยสารของสถาบันการศึกษาที่เขาศึกษาอยู่แล้ว

ที่นั่นกิลได้พบกับศิลปินหลายคนที่กลายมาเป็นเพื่อนตลอดชีวิตของเขา เช่น Harold Anderson, Joyce Ballantyne

ในปี 1936 กิลและภรรยาของเขากลับมาที่ บ้านเกิดซึ่งเขาเปิดสตูดิโอของเขา ไม่นานก่อนหน้านี้ เขาได้รับค่าคอมมิชชั่นที่จ่ายครั้งแรกสำเร็จ: ขึ้นปกนิตยสารแฟชั่นที่บรรยายภาพ ผู้ชายหล่อสวมเสื้อแจ็คเก็ตกระดุมสองแถวและกางเกงขายาวฤดูร้อนสีอ่อน ทันทีหลังจากที่ Elvgren ส่งงานของเขาให้กับลูกค้า ผู้อำนวยการบริษัทก็โทรหาเขาเพื่อแสดงความยินดีและสั่งปกเพิ่มอีกครึ่งโหล

จากนั้นก็มีผลงานที่น่าสนใจอีกชิ้นหนึ่งคือการวาดภาพ Dionne Quintuplets ซึ่งการเกิดกลายเป็นที่ฮือฮาของสื่อ ลูกค้าคือ Brown และ Biglow ซึ่งเป็นสำนักพิมพ์ปฏิทินที่ใหญ่ที่สุด งานนี้จัดพิมพ์ในปฏิทินปี 1937-1938 ซึ่งขายได้หลายล้านเล่ม ตั้งแต่นั้นมา Elvgren ก็เริ่มดึงดูดเด็กผู้หญิงที่โด่งดังที่สุดในอเมริกา ซึ่งทำให้เขาประสบความสำเร็จอย่างมาก Elvgren เริ่มได้รับเชิญให้ร่วมมือกับบริษัทอื่นๆ เช่น Louis F. Dow Calendar Company ซึ่งเป็นคู่แข่งของ Brown และ Biglow ผลงานของศิลปินเริ่มพิมพ์ลงบนหนังสือเล่มเล็ก ไพ่ และแม้กระทั่งกล่องไม้ขีด จากนั้นภาพวาดขนาดเท่าจริงของเขาหลายชิ้นที่สร้างขึ้นสำหรับ Royal Crown Soda ก็ปรากฏในร้านขายของชำ ปีนี้ยังมีความสำคัญเป็นพิเศษสำหรับ Elvgren เมื่อเขาและภรรยาให้การต้อนรับลูกคนแรกที่ชื่อคาเรน

เอลฟ์เกรนยังคงรับคำสั่งและตัดสินใจกลับไปชิคาโกกับครอบครัว ในไม่ช้าเขาก็ได้พบกับ Haddon H. Sundblom (พ.ศ. 2442-2519) ซึ่งเป็นไอดอลของเขา ซันบลอมจัดให้ ผลกระทบใหญ่หลวงเกี่ยวกับงานของ Elvgren

ต้องขอบคุณ Sundblom ที่ทำให้ Elvgren กลายเป็นศิลปินสำหรับโฆษณา Coca-Cola จนถึงทุกวันนี้ ผลงานเหล่านี้เป็นสัญลักษณ์ในประวัติศาสตร์ภาพประกอบของอเมริกา

ทันทีหลังจากการทิ้งระเบิดที่เพิร์ลฮาร์เบอร์ Elvgren ถูกขอให้วาดภาพสำหรับการรณรงค์ทางทหาร ภาพวาดชิ้นแรกของเขาสำหรับชุดนี้ตีพิมพ์ในปี 1942 ในนิตยสาร Good Housekeeping ภายใต้หัวข้อข่าว "She Knows What 'Freedom' Really Is" และวาดภาพเด็กผู้หญิงคนหนึ่งสวมชุดเครื่องแบบเจ้าหน้าที่กาชาด

ในปีพ.ศ. 2485 กิลจูเนียร์เกิด และในปี พ.ศ. 2486 ภรรยาของเขากำลังตั้งครรภ์ลูกคนที่สามแล้ว ครอบครัวของ Elvgren เติบโตขึ้น เช่นเดียวกับธุรกิจของเขา จิลทำงานในโครงการโฆษณาและยังขายผลงานเก่าของเธอด้วย เขาสนุกกับชีวิตเพราะตัวเขาเองเป็นศิลปินที่น่านับถือและเป็นคนในครอบครัวที่มีความสุขอยู่แล้ว เมื่อลูกคนที่สามในครอบครัวของเขาเกิด Elvgren ได้รับเงินประมาณ 1,000 ดอลลาร์ต่อภาพวาดหนึ่งภาพ นั่นคือ ประมาณ 24,000 ดอลลาร์ต่อปี ซึ่งเป็นจำนวนเงินที่มหาศาลในขณะนั้น นั่นหมายความว่ากิลอาจกลายเป็นนักวาดภาพประกอบที่ได้รับค่าตอบแทนสูงสุดในสหรัฐอเมริกา และแน่นอนว่ามีสถานที่พิเศษที่ Brown และ Bigelow

ก่อนที่จะทำงานให้กับ Brown และ Bigelow โดยเฉพาะ เขายอมรับค่าคอมมิชชันแรก (และครั้งเดียว) จากบริษัทในฟิลาเดลเฟียของโจเซฟ ฮูเวอร์ เพื่อหลีกเลี่ยงปัญหากับบราวน์และบิจโลว์ เขาจึงยอมรับข้อเสนอโดยมีเงื่อนไขว่าจะไม่มีการลงนามภาพวาดดังกล่าว สำหรับงานนี้ ชื่อ “สาวในฝัน” เขาได้รับเงิน 2,500 ดอลลาร์ เพราะ... มันเป็นภาพที่ใหญ่ที่สุดที่เขาเคยวาดมา (101.6 ซม. x 76.2 ซม.)

การร่วมมือกับ Brown และ Bigelow ทำให้ Elvgren สามารถวาดภาพให้กับ Coca-Cola ต่อไปได้ อย่างไรก็ตาม เขาสามารถทำงานให้กับบริษัทอื่นๆ ที่ไม่มีความขัดแย้งกับ Brown และ Bigelow ได้ ดังนั้นในปี 1945 Elvgren และ Brown และ Bigelow จึงเริ่มการทำงานร่วมกันซึ่งจะคงอยู่นานกว่าสามสิบปี

ชาร์ลส วอร์ด ผู้กำกับบราวน์และบิเกโลว์ทำให้เอลฟเกรนเป็นที่รู้จักในบ้าน เขาเชิญกิลมาทำพินอัพในสไตล์นู้ดซึ่งศิลปินเห็นด้วยด้วยความกระตือรือร้นอย่างยิ่ง ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นนางไม้ผมบลอนด์เปลือยเปล่าบนชายหาด ภายใต้แสงจันทร์สีน้ำเงินอมม่วงในสีของดอกไลแลค ภาพประกอบนี้เผยแพร่ในสำรับไพ่ พร้อมด้วยผลงานของศิลปินอีกคนหนึ่ง - ZoÎ Mozert ในปีต่อมา วอร์ดสั่งให้ปักหมุดเปลือยอีกอันจาก Elvgren สำหรับการ์ดใบถัดไป แต่คราวนี้ทำโดย Elvgren เพียงลำพัง โปรเจ็กต์นี้ทำลายสถิติยอดขายของ Brown และ Bigelow และถูกเรียกว่า "Mais Oui โดย Gil Elvgren"

โครงการปักหมุดสามโครงการแรกของ Brown และ Bigelow กลายเป็นสินค้าขายดีของบริษัทในเวลาเพียงไม่กี่สัปดาห์ ภาพเหล่านี้ถูกนำมาใช้ในการเล่นไพ่ในไม่ช้า

ในช่วงปลายทศวรรษ Elvgren กลายเป็นศิลปินที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของ Brown และ Bigelow ต้องขอบคุณสื่อที่ผลงานของเขาเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางต่อสาธารณชน นิตยสารต่างๆ ถึงกับตีพิมพ์บทความเกี่ยวกับเขาด้วยซ้ำ บริษัทที่เขาร่วมงานด้วย ได้แก่ Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tyre, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four วิสกี้ผสมกุหลาบ เครื่องใช้ไฟฟ้าทั่วไป และช็อกโกแลตแพงเบิร์น

เมื่อต้องเผชิญกับความต้องการงานของเขา Elvgren จึงคิดที่จะเปิดสตูดิโอของตัวเอง เนื่องจากมีศิลปินหลายคนที่ชื่นชมผลงานของเขาและสิ่งที่เรียกว่า "ภาพวาดมายองเนส" (หรือที่เรียกว่าสไตล์ของ Sundblom และ Elvgren เพราะสีบน ผลงานดู “ครีม” และเรียบเนียนเหมือนไหม) แต่หลังจากชั่งน้ำหนักข้อดีข้อเสียทั้งหมดแล้ว เขาก็ละทิ้งความคิดนี้

Gil Elvgren เดินทางบ่อยครั้งและได้พบกับผู้มีอิทธิพลมากมาย เงินเดือนของเขาที่ Brown และ Bigelow เปลี่ยนจากจ่าย 1,000 ดอลลาร์ต่อผืนเป็น 2,500 ดอลลาร์และผลิตภาพวาด 24 ชิ้นต่อปี บวกเปอร์เซ็นต์จากนิตยสารที่ตีพิมพ์ภาพประกอบของเขา เขาย้ายครอบครัวไปอยู่บ้านใหม่ในย่านชานเมือง Winnetka ซึ่งเขาเริ่มสร้างสตูดิโอของตัวเองในห้องใต้หลังคา ซึ่งทำให้เขามีประสิทธิผลมากยิ่งขึ้น

กิลมีรสนิยมที่ยอดเยี่ยม และเขาก็มีไหวพริบเช่นกัน ผลงานของเขามีความน่าสนใจอยู่เสมอในการจัดองค์ประกอบ โทนสีและท่าทางและท่าทางที่คิดอย่างรอบคอบทำให้พวกเขามีชีวิตชีวาและน่าตื่นเต้น ภาพวาดของเขามีความจริงใจ กิลรู้สึกถึงวิวัฒนาการของความงามของผู้หญิงซึ่งเป็นสิ่งสำคัญมาก ดังนั้น Elvgren จึงเป็นที่ต้องการของลูกค้ามาโดยตลอด

ในปี 1956 กิลย้ายไปอยู่กับครอบครัวที่ฟลอริดา เขาพอใจกับที่อยู่ใหม่ของเขาอย่างยิ่ง ที่นั่นเขาเปิดสตูดิโอที่ยอดเยี่ยมที่ Bobby Toombs ศึกษาซึ่งกลายเป็นศิลปินที่ได้รับการยอมรับอย่างถูกต้อง เขาบอกว่าเอลฟ์เกรนเป็นครูที่ยอดเยี่ยมที่สอนให้เขาใช้ทักษะทั้งหมดของเขาอย่างมีวิจารณญาณ

ในฟลอริดา Gil วาดภาพบุคคลจำนวนมาก ในบรรดานางแบบของเขา ได้แก่ Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak ในช่วงทศวรรษที่ 1950-1960 นางแบบหรือนักแสดงที่มีความมุ่งมั่นทุกคนอยากให้ Elvgren วาดภาพเด็กผู้หญิงที่มีรูปร่างเหมือนเธอ ซึ่งจะพิมพ์ลงในปฏิทินและโปสเตอร์

Elvgren มองหาไอเดียใหม่ๆ สำหรับภาพวาดของเขาอยู่เสมอ แม้ว่าเพื่อนศิลปินหลายคนจะช่วยเขาในเรื่องนี้ แต่เขาพึ่งพาครอบครัวมากที่สุด: เขาได้หารือเกี่ยวกับแนวคิดของเขากับภรรยาและลูก ๆ

Elvgren ทำงานในแวดวงศิลปินที่เขาสอนหรือในทางกลับกันจากคนที่เขาศึกษาอยู่ ซึ่งเป็นเพื่อนของเขาซึ่งเขามีอะไรเหมือนกันหลายอย่าง หนึ่งในนั้นคือแฮร์รี่ แอนเดอร์สัน, จอยซ์ บัลลันไทน์, อัล บูเอลล์, แมตต์ คลาร์ก, เอิร์ล กรอสส์, เอ็ด เฮนรี, ชาร์ลส์ คิงแฮม และคนอื่นๆ

Gil Elvgren อาศัยอยู่ ชีวิตอย่างเต็มที่- ในฐานะคนชอบกิจกรรมกลางแจ้ง เขาชอบตกปลาและล่าสัตว์ เขาสามารถใช้เวลาหลายชั่วโมงในสระน้ำ ชอบรถแข่ง และยังแบ่งปันความหลงใหลในการสะสมอาวุธโบราณของลูกๆ อีกด้วย

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Elvgren มีผู้ช่วยหลายคนในสตูดิโอ ซึ่งส่วนใหญ่กลายเป็นผู้ช่วยในเวลาต่อมา ศิลปินที่ประสบความสำเร็จ- เมื่อ Elvgren ถูกบังคับให้ปฏิเสธความร่วมมือจากบริษัทต่างๆ เนื่องจาก จำนวนมากผู้กำกับศิลป์ตกลงที่จะรอหนึ่งปีหรือมากกว่านั้น ถ้ากิลเท่านั้นที่จะทำงานให้พวกเขา

แต่ความสำเร็จทั้งหมดของ Gil ถูกบดบังในปี 1966 ด้วยโศกนาฏกรรมอันเลวร้ายที่เกิดขึ้นกับครอบครัวของเขา: Janet ภรรยาของ Gil เสียชีวิตด้วยโรคมะเร็ง หลังจากนั้นเขาก็กระโจนเข้าสู่งานมากขึ้น ความนิยมของเขายังคงไม่เปลี่ยนแปลงเขาไม่ต้องกังวลกับสิ่งใดนอกจากผลงานของเขา มันเป็น ช่วงเวลาที่ดีที่สุดอาชีพของ Elvgren หากไม่ใช่เพราะภรรยาของเขาเสียชีวิต

ความสามารถของ Elvgren ในการถ่ายทอดความงามของผู้หญิงนั้นไม่มีใครเทียบได้ ในขณะที่วาดภาพ เขามักจะนั่งบนเก้าอี้ที่มีล้อเพื่อให้เขาสามารถเดินไปรอบๆ และมองภาพวาดจากมุมต่างๆ ได้อย่างง่ายดาย และมีกระจกบานใหญ่ที่อยู่ด้านหลังเขาทำให้เขามองเห็นภาพรวมของภาพวาดทั้งหมดได้ สิ่งสำคัญในงานของเขาคือเด็กผู้หญิง: เขาชอบนางแบบอายุ 15-20 ปีที่เพิ่งเริ่มต้นอาชีพเพราะพวกเขามีความเป็นธรรมชาติที่หายไปพร้อมกับประสบการณ์ เมื่อถามถึงเทคนิคของเขา เขาบอกว่าเขาเพิ่มสัมผัสของตัวเองเข้าไป เช่น ยืดขา ขยายหน้าอก เอวแคบลง ทำให้ริมฝีปากดูอิ่มขึ้น ดวงตาดูแสดงออกมากขึ้น จมูกดูแคลน จึงทำให้นางแบบดูน่าดึงดูดยิ่งขึ้น Elvgren ทำงานอย่างระมัดระวังตลอดแนวคิดของเขาตั้งแต่ต้นจนจบ: เขาเลือกแบบจำลอง อุปกรณ์ประกอบฉาก แสง องค์ประกอบ แม้แต่ทรงผมก็มีความสำคัญมาก หลังจากทุกอย่าง เขาถ่ายภาพสถานที่นั้นและเริ่มวาดภาพ

ลักษณะเด่นของผลงานของกิลคือเมื่อดูภาพวาดแล้วดูเหมือนว่าเด็กผู้หญิงในนั้นกำลังจะมีชีวิตขึ้นมาทักทายหรือเสนอตัวจะดื่มกาแฟสักแก้ว พวกเขาดูน่ารักและเต็มไปด้วยความกระตือรือร้น มีเสน่ห์เสมอ ติดอาวุธด้วยรอยยิ้มที่เป็นมิตร แม้ในช่วงสงคราม พวกเขามอบความเข้มแข็งให้กับทหารและหวังว่าจะได้กลับบ้านไปหาสาวๆ

ศิลปินหลายคนใฝ่ฝันที่จะวาดภาพในแบบที่ Elvgren ทำ ทุกคนชื่นชมความสามารถและความสำเร็จของเขา

ทุกปีเขาจะวาดภาพได้อย่างง่ายดายและเป็นมืออาชีพมากขึ้น ภาพวาดยุคแรกดูเหมือน "ยาก" มากกว่าเมื่อเทียบกับครั้งหลัง ๆ เขามาถึงจุดสูงสุดของความเป็นเลิศในสาขาของเขาแล้ว

เมื่อวันที่ 29 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2523 Gil Elvgren ชายผู้อุทิศตนเพื่อสร้างความสุขให้กับผู้คนด้วยความคิดสร้างสรรค์ของเขา เสียชีวิตด้วยโรคมะเร็งในวัย 65 ปี Drake ลูกชายของเขาพบภาพวาดชิ้นสุดท้ายที่ยังสร้างไม่เสร็จ แต่ถึงกระนั้นก็งดงามสำหรับ Brown และ Bigelow ในสตูดิโอของพ่อเขา สามทศวรรษผ่านไปนับตั้งแต่การตายของ Elvgren แต่งานศิลปะของเขายังคงอยู่ ไม่ต้องสงสัยเลยว่า Elvgren จะลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะศิลปินที่มีคุณูปการมากมาย ศิลปะอเมริกันศตวรรษที่ยี่สิบ.

ประเภทของการวาดภาพปรากฏขึ้นได้รับความนิยมจางหายไปมีรูปแบบใหม่เกิดขึ้นและประเภทย่อยเริ่มมีความโดดเด่นภายในสิ่งที่มีอยู่ กระบวนการนี้จะไม่หยุดตราบใดที่ยังมีบุคคลหนึ่งอยู่ และพยายามจับภาพโลกรอบตัวเขา ไม่ว่าจะเป็นธรรมชาติ อาคาร หรือบุคคลอื่น

ก่อนหน้านี้ (จนถึงศตวรรษที่ 19) มีการแบ่งประเภทจิตรกรรมออกเป็นประเภทที่เรียกว่า "สูง" (ประเภทฝรั่งเศสแกรนด์) และประเภท "ต่ำ" (ประเภท Petit ฝรั่งเศส) การแบ่งแยกนี้เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 17 และขึ้นอยู่กับเรื่องและโครงเรื่องที่บรรยาย ในเรื่องนี้ ประเภทที่สูง ได้แก่ การต่อสู้ เชิงเปรียบเทียบ ศาสนา และตำนาน และประเภทต่ำ ได้แก่ ภาพบุคคล ภูมิทัศน์ หุ่นนิ่ง สัตว์นิยม

การแบ่งออกเป็นประเภทต่างๆ นั้นค่อนข้างจะเป็นไปตามอำเภอใจเพราะว่า องค์ประกอบของสองประเภทขึ้นไปอาจปรากฏในภาพวาดในเวลาเดียวกัน

สัตวศาสตร์หรือ ประเภทสัตว์

Animalism หรือประเภทสัตว์ (จากภาษาละตินสัตว์ - สัตว์) เป็นประเภทที่บรรทัดฐานหลักคือภาพของสัตว์ เราสามารถพูดได้ว่านี่เป็นประเภทที่เก่าแก่ที่สุดประเภทหนึ่งเพราะ... ภาพวาดและร่างของนกและสัตว์มีอยู่ในชีวิตของคนดึกดำบรรพ์ ยกตัวอย่างในวงกว้าง ภาพวาดที่มีชื่อเสียงฉัน. Shishkin "อรุณสวัสดิ์ ป่าสน“ศิลปินวาดภาพธรรมชาติ ส่วนหมีก็แสดงโดยศิลปินที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ซึ่งเชี่ยวชาญในการวาดภาพสัตว์

ฉัน. Shishkin “ ยามเช้าในป่าสน”

จะแยกแยะชนิดย่อยได้อย่างไร? ประเภทฮิปปิก(จากภาษากรีกฮิปโป - ม้า) - ประเภทที่กึ่งกลางของภาพคือรูปม้า

ไม่. Sverchkov "ม้าในคอกม้า"

ภาพเหมือน

ภาพบุคคล (จากคำว่า Portrait ในภาษาฝรั่งเศส) คือ ภาพที่มีภาพกลางเป็นภาพบุคคลหรือกลุ่มบุคคล ภาพบุคคลไม่เพียงแต่สื่อถึงความคล้ายคลึงภายนอกเท่านั้น แต่ยังสะท้อนโลกภายในและถ่ายทอดความรู้สึกของศิลปินที่มีต่อบุคคลที่เขาวาดภาพเหมือนอีกด้วย

เช่น. ภาพเหมือนของ Repin ของ Nicholas II

ประเภทภาพบุคคลแบ่งออกเป็น รายบุคคล(ภาพของบุคคลหนึ่ง) กลุ่ม(ภาพหลายๆ คน) โดยธรรมชาติของภาพ - ไปที่ประตูหน้าเมื่อมีบุคคลปรากฎอยู่ในนั้น ความสูงเต็มกับพื้นหลังทางสถาปัตยกรรมหรือภูมิทัศน์ที่โดดเด่นและ ห้องเมื่อแสดงภาพบุคคลถึงหน้าอกหรือเอวโดยมีพื้นหลังเป็นกลาง กลุ่มภาพบุคคลซึ่งมีลักษณะเฉพาะบางอย่างรวมกันเป็นชุดหรือแกลเลอรีภาพบุคคล ตัวอย่างจะเป็นภาพเหมือนของสมาชิกในราชวงศ์

โดดเด่นแยกจากกัน ภาพเหมือนซึ่งศิลปินพรรณนาถึงตัวเอง

K. Bryullov ภาพเหมือนตนเอง

ภาพบุคคลเป็นหนึ่งในประเภทที่เก่าแก่ที่สุด - ภาพบุคคลแรก (ประติมากรรม) มีอยู่แล้วในอียิปต์โบราณ ภาพเหมือนดังกล่าวเป็นส่วนหนึ่งของลัทธิ ชีวิตหลังความตายและเป็น "สองเท่า" ของบุคคล

ทิวทัศน์

ภูมิทัศน์ (จากการจ่ายเงินของฝรั่งเศส - ประเทศ, พื้นที่) เป็นประเภทที่ภาพกลางคือภาพของธรรมชาติ - แม่น้ำ, ป่าไม้, ทุ่งนา, ทะเล, ภูเขา ในภูมิประเทศ แน่นอนว่าประเด็นหลักคือโครงเรื่อง แต่การถ่ายทอดการเคลื่อนไหวและชีวิตของธรรมชาติโดยรอบก็มีความสำคัญไม่น้อยไปกว่ากัน ในด้านหนึ่ง ธรรมชาตินั้นสวยงามและน่าชื่นชม แต่ในทางกลับกัน มันค่อนข้างยากที่จะสะท้อนสิ่งนี้ออกมาเป็นภาพ

C. Monet “ทุ่งดอกป๊อปปี้ที่ Argenteuil”

มีชนิดย่อยของภูมิประเทศคือ ทิวทัศน์ทะเลหรือท่าจอดเรือ(จากนาวิกโยธินฝรั่งเศส, ท่าจอดเรือของอิตาลี, จากภาษาละติน marinus - ทะเล) - ภาพการต่อสู้ทางเรือ, ทะเลหรือเหตุการณ์อื่น ๆ ที่เกิดขึ้นในทะเล ตัวแทนที่โดดเด่นของจิตรกรทางทะเลคือ K.A. ไอวาซอฟสกี้. เป็นที่น่าสังเกตว่าศิลปินเขียนรายละเอียดมากมายของภาพวาดนี้จากความทรงจำ

ฉัน. Aivazovsky "คลื่นลูกที่เก้า"

อย่างไรก็ตาม ศิลปินมักพยายามวาดภาพทะเลจากชีวิต เช่น W. Turner สำหรับภาพวาด "Blizzard" เรือกลไฟที่ทางเข้าท่าเรือจะส่งสัญญาณขอความช่วยเหลือหลังจากลงไปในน้ำตื้น” ใช้เวลา 4 ชั่วโมงผูกติดอยู่กับสะพานเรือของกัปตันเรือที่กำลังแล่นท่ามกลางพายุ

ดับบลิว เทิร์นเนอร์ “พายุหิมะ เรือกลไฟที่ทางเข้าท่าเรือจะส่งสัญญาณขอความช่วยเหลือหลังจากลงสู่น้ำตื้น"

ธาตุน้ำยังปรากฏอยู่ในทิวทัศน์ของแม่น้ำอีกด้วย

จัดสรรแยกกัน ทิวทัศน์ของเมืองซึ่งวัตถุหลักของภาพคือถนนและอาคารในเมือง ประเภทของภูมิทัศน์เมืองก็คือ เวดูตา– ภาพทิวทัศน์เมืองในรูปแบบพาโนรามา โดยคงขนาดและสัดส่วนไว้อย่างแน่นอน

A. Canaletto “จัตุรัสซานมาร์โก”

มีภูมิทัศน์ประเภทอื่น - ชนบท อุตสาหกรรม และสถาปัตยกรรม- ในการวาดภาพสถาปัตยกรรม ธีมหลักคือภาพทิวทัศน์สถาปัตยกรรม เช่น อาคาร โครงสร้าง; รวมถึงภาพการตกแต่งภายใน (การตกแต่งภายในสถานที่) บางครั้ง ภายใน(จากภาษาฝรั่งเศส intérieur - ภายใน) มีความโดดเด่นเป็นประเภทที่แยกจากกัน อีกประเภทหนึ่งมีความโดดเด่นในการวาดภาพสถาปัตยกรรม — คาปริซิโอ(จากภาษาอิตาลี capriccio, ราชประสงค์, ราชประสงค์) - ภูมิทัศน์แฟนตาซีทางสถาปัตยกรรม

ยังมีชีวิตอยู่

ชีวิตหุ่นนิ่ง (จากธรรมชาติของฝรั่งเศส - ธรรมชาติที่ตายแล้ว) เป็นประเภทที่อุทิศให้กับการพรรณนาถึงวัตถุที่ไม่มีชีวิตที่วางอยู่ใน สภาพแวดล้อมทั่วไปและตั้งกลุ่ม สิ่งมีชีวิตปรากฏในศตวรรษที่ 15-16 แต่เป็นประเภทที่แยกจากกันมันเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 17

แม้ว่าคำว่า "ชีวิตหุ่นนิ่ง" จะแปลว่าธรรมชาติที่ตายแล้ว แต่ในภาพเขียนก็มีช่อดอกไม้ ผลไม้ ปลา เกม อาหาร - ทุกอย่างดูเหมือน "มีชีวิต" เช่น เหมือนของจริง ตั้งแต่วินาทีที่ปรากฏตัวมาจนถึงทุกวันนี้ ยังคงมีสิ่งมีชีวิตอยู่ ประเภทที่สำคัญในการวาดภาพ

คุณ โมเน่ต์ “แจกันดอกไม้”

เนื่องจากเป็นชนิดย่อยที่แยกจากกันเราสามารถแยกแยะได้ วานิทัส(จากภาษาละติน Vanitas - vanity, vanity) เป็นประเภทของการวาดภาพที่กะโหลกศีรษะมนุษย์ครอบครองพื้นที่ส่วนกลางของภาพ ซึ่งเป็นภาพที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อเตือนถึงความไร้สาระและความอ่อนแอของชีวิตมนุษย์

ภาพวาดโดย F. de Champagne นำเสนอสัญลักษณ์สามประการของความอ่อนแอของการดำรงอยู่ - ชีวิต ความตาย เวลา ผ่านภาพของทิวลิป กะโหลก และนาฬิกาทราย

ประเภทประวัติศาสตร์

ประเภทประวัติศาสตร์ - ประเภทที่ภาพวาดพรรณนา เหตุการณ์สำคัญและปรากฏการณ์สำคัญทางสังคมในอดีตหรือปัจจุบัน เป็นที่น่าสังเกตว่าภาพนี้สามารถอุทิศได้ไม่เพียง แต่กับเหตุการณ์จริงเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงเหตุการณ์จากเทพนิยายหรือตัวอย่างเช่นที่อธิบายไว้ในพระคัมภีร์ด้วย แนวนี้สำคัญมากสำหรับประวัติศาสตร์เช่นเดียวกับประวัติศาสตร์ แต่ละชนชาติทั้งรัฐและมนุษยชาติโดยรวม ในภาพวาด ประเภทประวัติศาสตร์ไม่สามารถแยกออกจากประเภทอื่นได้ - แนวตั้ง, แนวนอน, ประเภทการต่อสู้

เช่น. Repin “ พวกคอสแซคเขียนจดหมาย ถึงสุลต่านตุรกี» K. Bryullov “วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี”

ประเภทการต่อสู้

ประเภทการต่อสู้ (จากภาษาฝรั่งเศส bataille - การต่อสู้) เป็นประเภทที่ภาพวาดแสดงถึงจุดสุดยอดของการต่อสู้ การปฏิบัติการทางทหาร ช่วงเวลาแห่งชัยชนะ ฉากจากชีวิตทหาร ภาพวาดการต่อสู้มีลักษณะตามภาพในภาพ ปริมาณมากของผู้คน

เอเอ Deineka "การป้องกันเซวาสโทพอล"

ประเภทศาสนา

ประเภทศาสนาเป็นประเภทที่หลัก เส้นเรื่อง– พระคัมภีร์ (ฉากจากพระคัมภีร์และข่าวประเสริฐ) ธีมเกี่ยวข้องกับการวาดภาพทางศาสนาและไอคอน ความแตกต่างระหว่างภาพวาดเหล่านี้คือภาพวาดที่มีเนื้อหาทางศาสนาไม่ได้มีส่วนร่วมในการให้บริการทางศาสนา และสำหรับไอคอน นี่คือจุดประสงค์หลัก ยึดถือแปลจากภาษากรีก แปลว่า "ภาพสวดมนต์" ประเภทนี้ถูกจำกัดด้วยกรอบที่เข้มงวดและกฎหมายการวาดภาพเพราะว่า ไม่ได้มีจุดมุ่งหมายเพื่อสะท้อนความเป็นจริง แต่เพื่อถ่ายทอดแนวคิดเกี่ยวกับหลักการของพระเจ้าซึ่งศิลปินกำลังมองหาอุดมคติ ในรัสเซีย ภาพวาดไอคอนถึงจุดสูงสุดในศตวรรษที่ 12-16 ที่สุด ชื่อที่มีชื่อเสียงจิตรกรไอคอน - Theophanes ชาวกรีก (จิตรกรรมฝาผนัง), Andrei Rublev, Dionysius

A. Rublev “ทรินิตี้”

ความโดดเด่นของขั้นตอนการเปลี่ยนผ่านตั้งแต่การวาดภาพไอคอนไปจนถึงแนวตั้ง พาร์ซูนา(บิดเบี้ยวจากภาษาลาติน บุคคล - บุคคล, บุคคล)

พาร์ซุนแห่งอีวานผู้น่ากลัว ไม่ทราบผู้เขียน

ประเภทในชีวิตประจำวัน

ภาพวาดแสดงถึงฉากในชีวิตประจำวัน บ่อยครั้งที่ศิลปินเขียนเกี่ยวกับช่วงเวลาในชีวิตที่เขาเป็นคนร่วมสมัย ลักษณะเด่นของประเภทนี้คือความสมจริงของภาพวาดและความเรียบง่ายของโครงเรื่อง ภาพสามารถสะท้อนถึงขนบธรรมเนียมประเพณีระบบได้ ชีวิตประจำวันของคนๆ นี้หรือคนๆ นั้น

ภาพวาดในครัวเรือนรวมถึงภาพวาดที่มีชื่อเสียงเช่น "Barge Haulers on the Volga" โดย I. Repin, "Troika" โดย V. Perov, "การแต่งงานที่ไม่เท่าเทียมกัน" โดย V. Pukirev

I. Repin “เรือลากจูงบนแม่น้ำโวลก้า”

ประเภทมหากาพย์ตำนาน

ประเภทมหากาพย์ตำนาน คำว่าตำนานมาจากภาษากรีก “มิธอส” ซึ่งหมายถึงประเพณี ภาพวาดแสดงถึงเหตุการณ์ในตำนาน มหากาพย์ ประเพณี ตำนานกรีกโบราณ,ตำนานโบราณ,โครงเรื่องชาวบ้าน

P. Veronese "อพอลโลและมาร์เซียส"

ประเภทเชิงเปรียบเทียบ

ประเภทเชิงเปรียบเทียบ (จากภาษากรีก allegoria - ชาดก) รูปภาพถูกวาดในลักษณะที่พวกเขามี ความหมายที่ซ่อนอยู่- ความคิดและแนวคิดที่ไม่เป็นรูปธรรมซึ่งมองไม่เห็นด้วยตาเปล่า (อำนาจ ความดี ความชั่ว ความรัก) ถ่ายทอดผ่านภาพสัตว์ คน และสิ่งมีชีวิตอื่น ๆ ที่มีลักษณะเฉพาะตัวซึ่งมีสัญลักษณ์ที่ติดตรึงอยู่ในจิตใจของผู้คนแล้ว และช่วยให้เข้าใจ ความหมายทั่วไปทำงาน

แอล. จิออร์ดาโน “ความรักและความชั่วร้ายปลดอาวุธความยุติธรรม”

พระ (จากพระฝรั่งเศส - พระ, ชนบท)

ประเภทของจิตรกรรมที่เชิดชูและกวีนิพนธ์ถึงชีวิตชนบทที่เรียบง่ายและสงบสุข

F. Boucher “อภิบาลฤดูใบไม้ร่วง”

การ์ตูนล้อเลียน (จากการ์ตูนล้อเลียนของอิตาลี - ถึงเกินจริง)

ประเภทที่เมื่อสร้างภาพ เอฟเฟกต์การ์ตูนถูกใช้อย่างจงใจโดยการพูดเกินจริงและทำให้คุณสมบัติ พฤติกรรม เสื้อผ้า ฯลฯ คมชัดขึ้น จุดประสงค์ของภาพล้อเลียนคือการสร้างความขุ่นเคือง ในทางตรงกันข้าม เช่น กับภาพล้อเลียน (จากค่าธรรมเนียมฝรั่งเศส) โดยมีจุดประสงค์เพื่อสร้างความสนุกสนานเท่านั้น ที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับคำว่า "การ์ตูนล้อเลียน" คือแนวคิดเช่นภาพพิมพ์ยอดนิยมและพิสดาร

เปลือย (จากภาษาฝรั่งเศส nu - เปลือยเปล่าไม่ได้แต่งตัว)

ประเภทของภาพวาดที่แสดงถึงร่างกายมนุษย์ที่เปลือยเปล่ามักเป็นผู้หญิง

ทิเชียน เวเชลลิโอ "วีนัสแห่งเออร์บิโน"

การหลอกลวงหรือ trompe l'oeil (จากภาษาฝรั่งเศส. ทรอมป์-l'OEil -ภาพลวงตา)

ประเภท, ลักษณะตัวละครซึ่งเป็นเทคนิคพิเศษที่สร้างภาพลวงตาและช่วยให้คุณสามารถลบเส้นแบ่งระหว่างความเป็นจริงกับภาพได้ เช่น ความรู้สึกที่ทำให้เข้าใจผิดว่าวัตถุมีสามมิติเมื่อเป็นสองมิติ บางครั้ง Blende ก็ถูกจัดว่าเป็นประเภทย่อยของหุ่นนิ่ง แต่บางครั้งก็มีการแสดงภาพผู้คนในประเภทนี้ด้วย

Per Borrell del Caso "หนีจากการวิจารณ์"

เพื่อให้การรับรู้ของล่อสมบูรณ์แนะนำให้พิจารณาพวกมันในต้นฉบับเพราะว่า การทำสำเนาไม่สามารถถ่ายทอดเอฟเฟกต์ที่ศิลปินบรรยายได้อย่างเต็มที่

Jacopo de Barberi "นกกระทาและถุงมือเหล็ก"

รูปภาพเฉพาะเรื่อง

การผสมผสานของประเภทจิตรกรรมแบบดั้งเดิม (ในประเทศ ประวัติศาสตร์ การต่อสู้ ภูมิทัศน์ ฯลฯ) อีกนัยหนึ่งประเภทนี้เรียกว่าการจัดองค์ประกอบภาพโดยมีลักษณะเฉพาะคือ: บทบาทหลักจำเป็นต้องแสดงการแสดงตนของบุคคล การแสดงตนและความคิดที่สำคัญทางสังคม ความสัมพันธ์ (ความขัดแย้งทางผลประโยชน์/ตัวละคร) และสำเนียงทางจิตวิทยา

V. Surikov “Boyaryna Morozova”

.
ศิลปินคนนี้ที่สำเร็จการศึกษาจากตเวียร์สโกเย โรงเรียนศิลปะในปี 1994 ด้วยปริญญาด้านการออกแบบกราฟิก เธอทำให้จินตนาการตื่นตาตื่นใจด้วยสไตล์ที่ไม่ธรรมดาและองค์ประกอบที่สวยงาม

เขาเป็นผู้สร้างภาพประกอบที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวอย่างแท้จริงพร้อมกลิ่นอายแบบย้อนยุค Waldemar Kazak เป็นศิลปินที่มีอารมณ์ขัน เขามีวิสัยทัศน์พิเศษในชีวิตประจำวัน เขารู้วิธีที่จะหัวเราะกับชีวิตประจำวัน และมักจะล้อเลียนความหมายของนิทานเด็ก นักการเมือง และเยาวชนยุคใหม่

นักวาดภาพประกอบสมัยใหม่ทำงานอยู่ใน ประเภทประจำวันกับการบิดตัวของการ์ตูนล้อเลียน ตัวละครจากผลงานของคาซัคเป็นเรื่องยากที่จะไม่สังเกตและจดจำ ทั้งหมดมีสีสัน แสดงออกถึงความรู้สึก และสดใสมาก

องค์ประกอบอันน่าทึ่งของเขาเต็มไปด้วยสไตล์ของสุนทรียศาสตร์หลังสงครามซึ่งเกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 50 ของศตวรรษที่ 20 ความแวววาวย้อนยุคปรากฏอยู่ในทุกสิ่งอย่างแท้จริงตั้งแต่การเลือกหัวข้อของภาพไปจนถึงการเลือกสี

นี่คือสิ่งที่ Waldemar Kazak พูดเกี่ยวกับสไตล์ของเขา:

เช่นเดียวกับบุคคลใดๆ (หรือศิลปิน) ฉันมีลายมือของตัวเอง แต่ฉันไม่เลี้ยงเขาเพราะกลัวจะมีกิริยาท่าทาง นอกจากนี้การเขียนส่วนบุคคลที่สดใสยังเป็นที่ต้องการในตลาด ใช่ จริงๆ แล้วทุกคนก็รู้เรื่องนี้อยู่แล้ว

ภาพวาดศิลปะที่สดใสน่าตื่นเต้นและสะดุดตาในสไตล์ย้อนยุคของ Waldemar Kazak จะไม่ปล่อยให้ใครเฉย!