4 artistas del Renacimiento. Grandes artistas del Renacimiento italiano

Italia es un país que siempre ha sido famoso por los artistas. Los grandes maestros que una vez vivieron en Italia glorificaron el arte en todo el mundo. Podemos decir con certeza que si no fuera por artistas italianos, escultores y arquitectos, el mundo parecía muy diferente hoy. Lo más significativo en arte italiano, por supuesto, cuenta. Italia durante el Renacimiento o Renacimiento logró un crecimiento y una prosperidad sin precedentes. Artistas talentosos, escultores, inventores, verdaderos genios que aparecieron en aquellos días todavía son conocidos por todos los escolares. Su arte, creatividad, ideas y desarrollos son hoy considerados clásicos, el núcleo sobre el que se construyen. arte mundial y Cultura.

Uno de los genios más famosos del Renacimiento italiano es, por supuesto, el gran leonardo da vinci(1452-1519). Da Vinci tenía tanto talento que logró un gran éxito en muchos campos, incluidas las bellas artes y las ciencias. Otro artista famoso que es un maestro reconocido es Sandro Botticelli(1445-1510). Las pinturas de Botticelli son un verdadero regalo para la humanidad. Hoy en día, muchos de ellos se encuentran en los museos más famosos del mundo y son realmente impagables. No menos famoso que Leonardo da Vinci y Botticelli es rafael santi(1483-1520), que vivió 38 años y durante este tiempo logró crear toda una capa de pintura impresionante, que se convirtió en uno de los ejemplos más sorprendentes del Renacimiento temprano. Otro gran genio del Renacimiento italiano, sin duda, es Miguel Ángel Buonarotti(1475-1564). Además de la pintura, Miguel Ángel se dedicó a la escultura, la arquitectura y la poesía, y logró grandes resultados en este tipo de arte. La estatua de Miguel Ángel llamada "David" se considera una obra maestra insuperable, un ejemplo del mayor logro del arte de la escultura.

Además de los artistas mencionados anteriormente, los más grandes artistas de la Italia del Renacimiento fueron maestros como Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi y otros. Estaban todos un ejemplo brillante encantadora escuela veneciana de pintura. A la escuela florentina pintura italiana pertenecen a artistas como: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

Enumerar a todos los artistas que trabajaron durante el Renacimiento, así como durante el Renacimiento tardío, y siglos después, que se hicieron famosos en todo el mundo y glorificaron el arte de la pintura, desarrollaron los principios y leyes básicos que subyacen a todos los tipos y géneros de la pintura. bellas artes. Tal vez sean necesarios varios volúmenes para escribir, pero esta lista es suficiente para comprender que los grandes artistas italianos son el arte que conocemos, amamos y apreciaremos para siempre.

Pinturas de grandes artistas italianos.

Andrea Mantegna - Fresco en la Camera degli Sposi

Giorgione - Tres filósofos

Leonardo da Vinci - Mona Lisa

Nicolas Poussin - La magnanimidad de Escipión

Paolo Veronese - Batalla de Lepanto

Renacimiento, que floreció en los siglos XV y XVI, sirvió como una nueva ronda en el desarrollo del arte y de la pintura en particular. También hay un nombre francés para esta época: Renacimiento. Sandro Botticelli, Rafael, Leonardo da Vinci, Tiziano, Miguel Ángel, por nombrar algunos nombres famosos que representan ese período de tiempo.

Los artistas del Renacimiento representaron a los personajes en sus pinturas de la manera más precisa y clara posible.

Contexto psicológico no estaba originalmente incluido en la imagen. Los pintores se propusieron el objetivo de lograr viveza en lo que representaban. Independientemente de si el dinamismo cara humana o los detalles de la naturaleza circundante debían transmitirse con pintura con la mayor precisión posible. Sin embargo, con el tiempo, el aspecto psicológico se vuelve claramente visible en las pinturas del Renacimiento; por ejemplo, de los retratos se pueden sacar conclusiones sobre los rasgos de carácter de la persona representada.

Logro de la cultura artística del Renacimiento.

El logro indudable del Renacimiento fue diseño geométricamente correcto de la imagen.. El artista construyó la imagen utilizando las técnicas que desarrolló. Lo principal para los pintores de esa época era mantener las proporciones de los objetos. Incluso la naturaleza cayó bajo las técnicas matemáticas de calcular la proporcionalidad de una imagen con otros objetos en la imagen.

En otras palabras, los artistas durante el Renacimiento intentaron transmitir imagen precisa, por ejemplo, una persona en el contexto de la naturaleza. En comparación con técnicas modernas Al recrear la imagen vista en algún lienzo, lo más probable es que una fotografía con ajustes posteriores ayude a comprender por qué se esforzaban los artistas del Renacimiento.

Los pintores del Renacimiento creían que tenían derecho a corregir defectos de la naturaleza, es decir, si una persona tenía rasgos faciales feos, los artistas los corregían de tal manera que el rostro se volviera dulce y atractivo.

Enfoque geométrico en imágenes conduce a una nueva forma de representar la espacialidad. Antes de recrear las imágenes en el lienzo, el artista marcó su ubicación espacial. Esta regla se fue imponiendo con el tiempo entre los pintores de esa época.

El espectador debía quedar impresionado por las imágenes de las pinturas. Por ejemplo, Rafael logró el pleno cumplimiento de esta norma, creando la imagen “ escuela de atenas" Las bóvedas del edificio llaman la atención por su altura. Hay tanto espacio que empiezas a comprender el tamaño de esta estructura. Y los pensadores de la antigüedad representados con Platón y Aristóteles en el medio indican que en Mundo antiguo había una unidad de varias ideas filosóficas.

Temas de pinturas renacentistas.

Si empiezas a familiarizarte con la pintura del Renacimiento, podrás sacar una conclusión interesante. Los temas de las pinturas se basaron principalmente en eventos descritos en la Biblia. Más a menudo, los pintores de esa época representaban historias del Nuevo Testamento. La imagen más popular es virgen y niño- pequeño Jesucristo.

El personaje estaba tan vivo que la gente incluso adoraba estas imágenes, aunque la gente entendió que no se trataba de iconos, les rezaron y pidieron ayuda y protección. Además de la Virgen, a los pintores del Renacimiento les gustaba mucho recrear imágenes. Jesucristo, apóstoles, Juan Bautista, así como episodios del evangelio. Por ejemplo, leonardo da vinci Creó el cuadro mundialmente famoso "La última cena".

¿Por qué los artistas del Renacimiento utilizaron temas? de la biblia? ¿Por qué no intentaron expresarse creando retratos de sus contemporáneos? ¿Tal vez intentaban retratar de esta manera a la gente corriente con sus rasgos de carácter inherentes? Sí, los pintores de esa época intentaron mostrarle a la gente que el hombre es un ser divino.

retratar historias bíblicas Los artistas del Renacimiento intentaron dejar claro que las manifestaciones terrenales del hombre pueden representarse más claramente si se utilizan historias bíblicas. Puedes entender qué es la Caída, la tentación, el infierno o el cielo si comienzas a familiarizarte con el trabajo de los artistas de esa época. Mismo imagen de virgen Nos transmite la belleza de una mujer y también conlleva una comprensión del amor humano terrenal.

leonardo da vinci

Leonardo comenzó sus estudios en Florencia. Su primer cuadro, pintado hacia 1478, es "Madonna Benoît". Luego hubo creaciones como "Madonna en la Gruta", "Mona Lisa", mencionado anteriormente " última cena"y una serie de otras obras maestras, escritas por la mano de un titán del Renacimiento.

El rigor de las proporciones geométricas y la reproducción precisa de la estructura anatómica de una persona: esto es lo que caracteriza las pinturas de Leonard da Vinci. Según sus convicciones, el arte de plasmar determinadas imágenes en un lienzo es una ciencia y no una simple afición.

rafael santi

Rafael Santi (1483 - 1520) conocido en el mundo del arte como Rafael creó sus obras en Italia. Sus pinturas están imbuidas de lirismo y gracia. Rafael es un representante del Renacimiento que representó al hombre y su existencia en la tierra y le encantaba pintar las paredes de las catedrales del Vaticano.

Las pinturas delataban la unidad de las figuras, la correspondencia proporcional del espacio y las imágenes y la eufonía del color. La pureza de la Virgen fue la base de muchas de las pinturas de Rafael. Su primera imagen de Nuestra Señora- Este Virgen Sixtina que fue escrito Artista famoso allá por 1513. Los retratos creados por Rafael reflejaban la imagen humana ideal.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445 - 1510) También un artista del Renacimiento. Una de sus primeras obras fue el cuadro “Adoración de los Magos”. La poesía sutil y la ensoñación fueron sus modales iniciales en el campo de la transmisión de imágenes artísticas.

A principios de los años 80 del siglo XV, el gran artista pintó paredes de la Capilla del Vaticano. Los frescos realizados por su mano siguen siendo sorprendentes.

Con el tiempo, sus pinturas se caracterizaron por la tranquilidad de los edificios de la antigüedad, la vivacidad de los personajes representados y la armonía de las imágenes. Además, la pasión de Botticelli por los dibujos de famosos obras literarias, lo que también sólo añadió fama a su trabajo.

Miguel Ángel Buonarotti

Miguel Ángel Buonarotti (1475 - 1564)- Artista italiano que también trabajó durante el Renacimiento. Este hombre, conocido por muchos de nosotros, hizo todo lo que pudo. Y escultura, pintura, arquitectura y también poesía.

Miguel Ángel, como Rafael y Botticelli, pintó las paredes de las iglesias del Vaticano. Al fin y al cabo, sólo los pintores más talentosos de aquella época se dedicaban a trabajos tan importantes como pintar imágenes en las paredes de las catedrales católicas.

Más de 600 metros cuadrados Capilla Sixtina tuvo que cubrirlo con frescos que representan diversas escenas bíblicas.

La obra más famosa de este estilo la conocemos como « Juicio Final» . El significado de la historia bíblica se expresa plena y claramente. Esta precisión en la transferencia de imágenes es característica de toda la obra de Miguel Ángel.

¡ATENCIÓN! Para cualquier uso de los materiales del sitio, se requiere un enlace activo.

Renacimiento (Renacimiento). Italia. Siglo XV-XVI. Capitalismo temprano. El país está gobernado por banqueros ricos. Están interesados ​​en el arte y la ciencia.
Los ricos y poderosos reúnen a su alrededor a los talentosos y sabios. Poetas, filósofos, artistas y escultores mantienen conversaciones diarias con sus mecenas. Por un momento pareció que el pueblo estaba gobernado por sabios, como quería Platón.
Recordaban a los antiguos romanos y griegos. Quien también construyó una sociedad de ciudadanos libres. Dónde valor principal- una persona (sin contar los esclavos, claro).
El Renacimiento no es sólo copiar el arte de las civilizaciones antiguas. Esta es una mezcla. Mitología y cristianismo. Realismo de la naturaleza y sinceridad de las imágenes. Belleza física y belleza espiritual.
Fue sólo un destello. Período Alto Renacimiento- ¡Eso son unos 30 años! Desde la década de 1490 hasta 1527 Desde el comienzo del apogeo de la creatividad de Leonardo. Antes del saqueo de Roma.

Espejismo mundo ideal se desvaneció rápidamente. Italia resultó ser demasiado frágil. Pronto fue esclavizada por otro dictador.
Sin embargo, estos 30 años han determinado las principales características pintura europea¡500 años por delante! Hasta impresionistas.
Realismo de la imagen. Antropocentrismo (cuando una persona es protagonista y héroe). Perspectiva lineal. Pinturas de aceite. Retrato. Escenario…
Increíblemente, en estos 30 años crearon varios maestros brillantes. Que en otras ocasiones nacen una vez cada 1000 años.
Leonardo, Miguel Ángel, Rafael y Tiziano son los titanes del Renacimiento. Pero no podemos dejar de mencionar a sus dos predecesores. Giotto y Masaccio. Sin el cual no habría Renacimiento.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragmento del cuadro “Cinco maestros del Renacimiento florentino”. Principios del siglo XVI. Louvre, París.

siglo 14 Protorrenacimiento. Su personaje principal es Giotto. Este es un maestro que por sí solo revolucionó el arte. 200 años antes del Alto Renacimiento. Si no fuera por él, difícilmente habría llegado la era de la que la humanidad está tan orgullosa.
Antes de Giotto hubo iconos y frescos. Fueron creados según los cánones bizantinos. Caras en lugar de caras. Figuras planas. Incumplimiento de proporciones. En lugar de un paisaje hay un fondo dorado. Como, por ejemplo, en este icono.

Guido de Siena. Adoración de los Magos. 1275-1280 Altenburg, Museo Lindenau, Alemania.

Y de repente aparecen unos frescos de Giotto. En ellos figuras volumétricas. Rostros de gente noble. Triste. Triste. Sorprendido. Viejo y joven. Diferente.

Giotto. Lamentación de Cristo. Fragmento

Giotto. Beso de Judas. Fragmento

Giotto. Santa Ana

Frescos de Giotto en la Iglesia de los Scrovegni de Padua (1302-1305). Izquierda: Lamentación de Cristo. Medio: Beso de Judas (fragmento). Derecha: Anunciación de Santa Ana (Madre María), fragmento.
La obra principal de Giotto es el ciclo de sus frescos en la Capilla de los Scrovegni de Padua. Cuando esta iglesia se abrió a los feligreses, una multitud de personas acudió a ella. Porque nunca habían visto algo así.
Después de todo, Giotto hizo algo sin precedentes. Era como si tradujera historias bíblicas a un lenguaje sencillo y comprensible. Y se han vuelto mucho más accesibles para la gente corriente.

Giotto. Adoración de los Magos. 1303-1305 Fresco en la Capilla de los Scrovegni en Padua, Italia.

Esto es precisamente lo que será característico de muchos maestros del Renacimiento. Imágenes lacónicas. Emociones vivas de los personajes. Realismo.
Entre el icono y el realismo del Renacimiento."
Giotto fue admirado. Pero sus innovaciones no se desarrollaron más. La moda del gótico internacional llegó a Italia.
Sólo después de 100 años aparecerá un maestro, un digno sucesor de Giotto.
2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autorretrato (fragmento del fresco “San Pedro en el púlpito”). 1425-1427 Capilla Brancacci en la Iglesia de Santa María del Carmine, Florencia, Italia.

Principios del siglo XV. La llamada Renacimiento temprano. Otro innovador está entrando en escena.
Masaccio fue el primer artista en utilizar la perspectiva lineal. Fue diseñado por su amigo, el arquitecto Brunelleschi. Ahora el mundo representado se ha vuelto similar al real. La arquitectura de juguetes es cosa del pasado.

Masaccio. San Pedro cura con su sombra. 1425-1427 Capilla Brancacci en la Iglesia de Santa María del Carmine, Florencia, Italia.

Adoptó el realismo de Giotto. Sin embargo, a diferencia de su predecesor, ya conocía bien la anatomía.
En lugar de personajes en bloques, Giotto ha construido personas maravillosamente. Como los antiguos griegos.

Masaccio. Bautismo de neófitos. 1426-1427 Capilla Brancacci, Iglesia de Santa María del Carmine en Florencia, Italia.

Masaccio. Expulsión del Paraíso. 1426-1427 Fresco en la Capilla Brancacci, Iglesia de Santa María del Carmine, Florencia, Italia.

Masaccio vivió No larga vida. Murió, como su padre, inesperadamente. A los 27 años.
Sin embargo, tuvo muchos seguidores. Maestros próximas generaciones Fue a la Capilla Brancacci para estudiar sus frescos.
Así, las innovaciones de Masaccio fueron adoptadas por todos los grandes titanes del Alto Renacimiento.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Auto retrato. 1512 Biblioteca Real de Turín, Italia.

Leonardo da Vinci es uno de los titanes del Renacimiento. Lo cual tuvo un tremendo impacto en el desarrollo de la pintura.
Fue él quien elevó el estatus del propio artista. Gracias a él, los representantes de esta profesión ya no son sólo artesanos. Estos son creadores y aristócratas del espíritu.
Leonardo hizo un gran avance principalmente en el retrato.
Creía que nada debería distraer la atención de la imagen principal. La mirada no debe desviarse de un detalle a otro. Así es como su retratos famosos. Lacónico. Armonioso.

Leonardo da Vinci. Señora con un armiño. 1489-1490 Museo Czertoryski, Cracovia.

La principal innovación de Leonardo es que encontró una manera de hacer que las imágenes... cobren vida.
Ante él, los personajes de los retratos parecían maniquíes. Las líneas estaban claras. Todos los detalles están cuidadosamente dibujados. No es posible que el dibujo pintado esté vivo.
Pero entonces Leonardo inventó el método sfumato. Sombreó las líneas. Hizo la transición de la luz a la sombra muy suave. Sus personajes parecen estar cubiertos por una neblina apenas perceptible. Los personajes cobraron vida.

Leonardo da Vinci. Mona Lisa. 1503-1519 Louvre, París.

Desde entonces, el sfumato pasará a formar parte del vocabulario activo de todos los grandes artistas del futuro.
A menudo existe la opinión de que Leonardo, por supuesto, es un genio. Pero no sabía cómo terminar nada. Y muchas veces no terminaba los cuadros. Y muchos de sus proyectos quedaron en papel (en 24 volúmenes, por cierto). Y, en general, se dedicó a la medicina o a la música. Y hubo un tiempo en que incluso me interesó el arte de servir.
Sin embargo, piensa por ti mismo. 19 pinturas. Y el - mejor artista de todos los tiempos y pueblos. Y algunos ni siquiera están cerca de la grandeza. Al mismo tiempo, ha pintado 6.000 lienzos en su vida. Es obvio quién tiene mayor eficiencia.

4. Miguel Ángel (1475-1564)

Daniele da Volterra. Miguel Ángel (fragmento). 1544 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

Miguel Ángel se consideraba escultor. Pero él era maestro universal. Como sus otros colegas del Renacimiento. Por tanto, su patrimonio pictórico no es menos grandioso.
Es reconocible principalmente por sus personajes físicamente desarrollados. Porque retrató a un hombre perfecto. En el que la belleza física significa belleza espiritual.
Por eso todos sus héroes son tan musculosos y resistentes. Incluso mujeres y ancianos.

Miguel Ángel. Fragmento del fresco "El Juicio Final"

Miguel Ángel. Fragmentos del fresco del Juicio Final en la Capilla Sixtina, Vaticano.
Miguel Ángel solía pintar al personaje desnudo. Y luego añadió ropa encima. Para que el cuerpo quede lo más esculpido posible.
Él mismo pintó el techo de la Capilla Sixtina. ¡Aunque se trata de varios cientos de figuras! Ni siquiera permitía que nadie frotara la pintura. Sí, era un solitario. Poseer un carácter fresco y pendenciero. Pero sobre todo estaba insatisfecho consigo mismo.

Miguel Ángel. Fragmento del fresco “La creación de Adán”. 1511 Capilla Sixtina, Vaticano.

Miguel Ángel vivió una larga vida. Habiendo sobrevivido a la decadencia del Renacimiento. Para él fue una tragedia personal. Sus obras posteriores están llenas de tristeza y pena.
En absoluto camino creativo Miguel Ángel es único. Sus primeras obras son una celebración del héroe humano. Libre y valiente. EN mejores tradiciones antigua Grecia. ¿Cómo se llama David?
En los últimos años de la vida estas son imágenes trágicas. Piedra intencionalmente tosca. Es como si estuviéramos ante monumentos a las víctimas del fascismo del siglo XX. Mire su Piedad.

Miguel Ángel. David

Miguel Ángel. Pieta Palestrina

Las esculturas de Miguel Ángel en la Academia. Bellas Artes en Florencia. Izquierda: David. 1504 Derecha: La Piedad de Palestrina. 1555
¿Cómo es esto posible? Un artista en una vida pasó por todas las etapas del arte desde el Renacimiento hasta el siglo XX. ¿Qué deberían hacer las generaciones siguientes? Bueno, sigue tu propio camino. Darse cuenta de que el listón está muy alto.

5. Rafael (1483-1520)

Rafael. Auto retrato. 1506 Galería de los Uffizi, Florencia, Italia.

Rafael nunca fue olvidado. Su genio siempre ha sido reconocido. Y durante la vida. Y después de la muerte.
Sus personajes están dotados de una belleza sensual y lírica. Son sus Madonnas las que con razón son consideradas las más bellas. Imágenes de mujer jamás creado. Su belleza exterior refleja y belleza espiritual heroínas. Su mansedumbre. Su sacrificio.

Rafael. Virgen Sixtina. 1513 Galería de los Antiguos Maestros, Dresde, Alemania.

Fyodor Dostoievski dijo las famosas palabras "La belleza salvará al mundo" específicamente sobre la Virgen Sixtina. Este era su cuadro favorito.
Sin embargo, las imágenes sensoriales no son las únicas punto fuerte Rafael. Pensó con mucho cuidado en la composición de sus cuadros. Fue un arquitecto insuperable en pintura. Además, siempre encontró la solución más sencilla y armoniosa a la hora de organizar el espacio. Parece que no puede ser de otra manera.

Rafael. Escuela de Atenas. 1509-1511 Fresco en las Estancias del Palacio Apostólico, Vaticano.

Rafael vivió sólo 37 años. Murió repentinamente. De un resfriado y error medico. Pero su legado es difícil de sobreestimar. Muchos artistas idolatraron a este maestro. Multiplicando sus sensuales imágenes en miles de sus lienzos.

6. Tiziano (1488-1576).

Tiziano. Autorretrato (fragmento). 1562 Museo del Prado, Madrid.

Tiziano fue un colorista insuperable. También experimentó mucho con la composición. En general, fue un innovador atrevido y brillante.
Todos lo amaban por la brillantez de su talento. Llamado “El Rey de los Pintores y el Pintor de Reyes”.
Hablando de Tiziano, después de cada frase quiero poner Punto de exclamación. Después de todo, fue él quien aportó dinámica a la pintura. Patetismo. Entusiasmo. Color brillante. Brillo de colores.

Tiziano. Ascensión de María. 1515-1518 Iglesia de Santa María Gloriosi dei Frari, Venecia.

Al final de su vida había desarrollado técnica inusual letras. Los golpes son rápidos. Grueso. Pastoso. Apliqué la pintura con un pincel o con los dedos. Esto hace que las imágenes estén aún más vivas y respirando. Y las tramas son aún más dinámicas y dramáticas.

Tiziano. Tarquino y Lucrecia. 1571 Museo Fitzwilliam, Cambridge, Inglaterra.

¿Esto no te recuerda a nada? Por supuesto, ésta es la técnica de Rubens. Y la técnica de los artistas del siglo XIX: Barbizons e Impresionistas. Tiziano, al igual que Miguel Ángel, pasaría por 500 años de pintura en una vida. Por eso es un genio.

***
Los artistas del Renacimiento son artistas de gran conocimiento. Para dejar tal legado, había que saber mucho. En el campo de la historia, la astrología, la física, etc.
Por eso, cada imagen de ellos nos hace pensar. ¿Por qué se representa esto? ¿Cuál es el mensaje cifrado aquí?
Por tanto, casi nunca cometían errores. Porque pensaron detenidamente en su trabajo futuro. Utilizando todos tus conocimientos.
Eran más que artistas. Eran filósofos. Explicarnos el mundo a través de la pintura.
Por eso siempre nos resultarán profundamente interesantes.

Para los europeos, el período de la oscura Edad Media terminó, dando paso al Renacimiento. Permitió revivir el patrimonio casi extinto de la Antigüedad y crear grandes obras de arte. Los científicos del Renacimiento también desempeñaron un papel importante en el desarrollo de la humanidad.

Paradigma

La crisis y destrucción de Bizancio provocó la aparición de miles de emigrantes cristianos en Europa, que trajeron libros consigo. Estos manuscritos contenían conocimientos de la época antigua, medio olvidados en el oeste del continente. Se convirtieron en la base del humanismo, que puso en primer plano al hombre, sus ideas y el deseo de libertad. Con el tiempo, en las ciudades donde aumentó el papel de banqueros, artesanos, comerciantes y artesanos, comenzaron a surgir centros seculares de ciencia y educación, que no solo no estaban bajo la autoridad de la Iglesia Católica, sino que a menudo luchaban contra sus dictados.

Pintura de Giotto (Renacimiento)

Los artistas de la Edad Media crearon obras de contenido predominantemente religioso. En particular, durante mucho tiempo el género principal de la pintura fue la pintura de iconos. El primero que decidió representar en sus lienzos. la gente común, además de abandonar el estilo canónico de escritura inherente a la escuela bizantina, fue Giotto di Bondone, considerado un pionero del Protorrenacimiento. En los frescos de la Iglesia de San Francisco, ubicada en la ciudad de Asís, utilizó el juego del claroscuro y se apartó de la estructura compositiva generalmente aceptada. Sin embargo, la principal obra maestra de Giotto fue la pintura de la Capilla de la Arena en Padua. Es interesante que inmediatamente después de este encargo el artista fue llamado a decorar el ayuntamiento. Mientras trabajaba en una de las pinturas, para lograr la mayor autenticidad en la representación del "signo celestial", Giotto consultó con el astrónomo Pietro d'Abano. Así, gracias a este artista, la pintura dejó de representar personas, objetos y fenómenos naturales según ciertos cánones y se volvió más realista.

leonardo da vinci

Muchas figuras del Renacimiento tenían un talento versátil. Sin embargo, ninguno de ellos puede compararse con Leonardo da Vinci en su versatilidad. Se distinguió como un destacado pintor, arquitecto, escultor, anatomista, científico natural e ingeniero.

En 1466, Leonardo da Vinci fue a estudiar a Florencia, donde, además de pintura, estudió química y dibujo, y también adquirió habilidades para trabajar con metal, cuero y yeso.

Ya los primeros cuadros del artista lo distinguieron entre sus compañeros de trabajo. Durante su larga vida, en ese momento de 68 años, Leonardo da Vinci creó obras maestras como "Mona Lisa", "Juan Bautista", "La dama del armiño", "La última cena", etc.

Como otras figuras destacadas del Renacimiento, el artista se interesó por la ciencia y ingeniería. En particular, se sabe que el candado de rueda que inventó se utilizó hasta el siglo XIX. Además, Leonardo da Vinci creó dibujos de un paracaídas, una máquina voladora, un reflector, un telescopio con dos lentes, etc.

Miguel Ángel

Cuando se discute la cuestión de qué dieron al mundo los personajes del Renacimiento, la lista de sus logros necesariamente incluye las obras de este destacado arquitecto, artista y escultor.

Entre las creaciones más famosas de Miguel Ángel Buonarroti se encuentran los frescos del techo de la Capilla Sixtina, la estatua de David, la escultura de Baco, la estatua de mármol de la Virgen de Brujas, cuadro“El Tormento de San Antonio” y muchas otras obras maestras del arte mundial.

rafael santi

El artista nació en 1483 y vivió sólo 37 años. Sin embargo, el gran legado de Raphael Santi lo sitúa en lo más alto de cualquier calificación simbólica de “Personajes destacados del Renacimiento”.

Entre las obras maestras del artista se encuentran "La Coronación de María" para el altar de Oddi, "Retrato de Pietro Bembo", "La Dama del Unicornio", numerosos frescos encargados para la Stanza della Segnatura, etc.

Se considera que el pináculo de la obra de Rafael es la "Madonna Sixtina", creada para el altar de la iglesia del monasterio de San Petersburgo. Sixta en Piacenza. Esta imagen causa una impresión inolvidable en cualquiera que la vea, ya que María representada en ella de manera incomprensible combina las esencias terrenal y celestial de la Madre de Dios.

Alberto Durero

Las figuras famosas del Renacimiento no fueron sólo italianas. Entre ellos se encuentra el pintor y grabador alemán Alberto Durero, que nació en Nuremberg en 1471. Sus obras más significativas son el “Altar Landauer”, un autorretrato (1500), el cuadro “Fiesta de las coronas de rosas” y tres “Grabados de taller”. Estos últimos son considerados obras maestras. arte Grafico de todos los tiempos y pueblos.

Tiziano

Las grandes figuras del Renacimiento en el campo de la pintura nos dejaron imágenes de sus contemporáneos más ilustres. Uno de los retratistas más destacados de esta época. arte europeo estaba Tiziano, que vino de familia famosa Vecelio. Inmortalizó en lienzo a Federico Gonzaga, Carlos V, Clarissa Strozzi, Pietro Aretino, el arquitecto Giulio Romano y muchos otros. Además, entre sus pinceles se incluyen lienzos sobre temas de la mitología antigua. Lo mucho que valoraban al artista sus contemporáneos lo demuestra el hecho de que un día el emperador Carlos V se apresuró a recoger un pincel que se le había caído de las manos a Tiziano y el monarca explicó su acción diciendo que servir a un maestro así es un honor para cualquiera. .

Sandro Botticelli

El artista nació en 1445. Inicialmente iba a convertirse en joyero, pero luego terminó en el taller de Andrea Verrocchio, quien una vez estudió con Leonardo da Vinci. Junto con obras de temática religiosa, el artista creó varias pinturas de contenido secular. Las obras maestras de Botticelli incluyen las pinturas "El nacimiento de Venus", "Primavera", "Pallas y el centauro" y muchas otras.

Dante Alighieri

Las grandes figuras del Renacimiento dejaron su huella imborrable en la literatura mundial. Uno de los poetas más destacados de este período es Dante Alighieri, nacido en 1265 en Florencia. A los 37 años fue expulsado de ciudad natal debido a su puntos de vista políticos y vagó hasta los últimos años de su vida.

Incluso cuando era niño, Dante se enamoró de su compañera Beatrice Portinari. Habiendo madurado, la niña se casó con otro hombre y murió a la edad de 24 años. Beatriz se convirtió en la musa del poeta, y a ella dedicó sus obras, incluido el cuento “ Nueva vida" En 1306, Dante comenzó a crear su " Divina Comedia", en el que ha estado trabajando durante casi 15 años. En él, expone los vicios de la sociedad italiana, los crímenes de los papas y cardenales, y sitúa a su Beatriz en el “paraíso”.

William Shakespeare

Aunque las ideas renacentistas llegaron algo tarde a las Islas Británicas, allí también se crearon destacadas obras de arte.

En particular, uno de los dramaturgos más famosos de la historia de la humanidad, William Shakespeare, trabajó en Inglaterra. Sus obras han sido populares durante más de 500 años. escenario teatral en todos los rincones del planeta. Su pluma incluye las tragedias "Otelo", "Romeo y Julieta", "Hamlet", "Macbeth", así como las comedias "Twelfth Night", "Much Ado About Nothing" y muchas otras. Además, Shakespeare es famoso por sus sonetos dedicados a la misteriosa Dama Oscura.

León Battista Alberti

El Renacimiento también contribuyó a cambiar la apariencia de las ciudades europeas. Durante este período se crearon grandes obras maestras arquitectónicas, incluida la Catedral Romana de San Petersburgo. La Catedral de San Pedro, la Escalera Laurenciana, la Catedral de Florencia, etc. Junto con Miguel Ángel, el famoso científico León Battista Alberti es uno de los arquitectos famosos del Renacimiento. Él contribuyó gran contribución en arquitectura, teoría del arte y literatura. Sus áreas de interés también incluyeron problemas de pedagogía y ética, matemáticas y cartografía. Creó uno de los primeros trabajos científicos sobre arquitectura, titulado “Diez libros de arquitectura”. Este trabajo tuvo un gran impacto para las generaciones posteriores de sus colegas.

Ahora sabes más figuras famosas culturas del Renacimiento, gracias a las cuales la civilización humana alcanzó nueva ronda de su desarrollo.

Con plenitud clásica, el Renacimiento se realizó en Italia, en cuya cultura renacentista hay períodos: el Protorrenacimiento o la época de los fenómenos prerrenacentistas ("la era de Dante y Giotto", alrededor de 1260-1320), parcialmente coincidiendo con el periodo del Ducento (siglo XIII), así como con el Trecento (siglo XIV), el Quattrocento (siglo XV) y el Cinquecento (siglo XVI). Los períodos más generales son el Renacimiento temprano (siglos XIV y XV), cuando las nuevas tendencias interactúan activamente con el gótico, superándolo y transformándolo creativamente.

Así como el Alto y Tardío Renacimiento, una fase especial del cual fue el Manierismo. Durante la era del Quattrocento, la escuela florentina, arquitectos (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino y otros), escultores (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano), pintores (Masaccio) se convirtieron en el centro de atención. de innovación en todo tipo de arte, Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli) quienes crearon un concepto plásticamente integral del mundo con unidad interna, que gradualmente se extendió por toda Italia (la obra de Piero della Francesca en Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa en Ferrara, Andrea Mantegna en Mantua, Antonello da Messina y los hermanos Gentile y Giovanni Bellini en Venecia).

Es natural que la época, que concedía una importancia central a la creatividad humana "divina", surgiera en el arte personalidades que, con toda la abundancia de talentos de aquella época, se convirtieron en la personificación de épocas enteras. Cultura nacional(personalidades-“titanes”, como se les llamó románticamente más tarde). Giotto se convirtió en la personificación del Protorrenacimiento; los aspectos opuestos del Quattrocento (severidad constructiva y lirismo conmovedor) fueron expresados ​​respectivamente por Masaccio, Angelico y Botticelli. Los "Titanes" del Renacimiento Medio (o "Alto") Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel son artistas, símbolos del gran giro de la Nueva Era como tal. Etapas clave La arquitectura del Renacimiento italiano (temprano, medio y tardío) está plasmada monumentalmente en las obras de F. Brunelleschi, D. Bramante y A. Palladio.

Durante el Renacimiento, el anonimato medieval fue reemplazado por la creatividad individual del autor. La teoría de la linealidad y Perspectiva aérea, proporciones, problemas de anatomía y modelado de luces y sombras. El centro de las innovaciones del Renacimiento, el “espejo artístico de la época” era una pintura ilusoria y realista, en arte religioso desplaza al icono, y en el arte secular da lugar a géneros independientes paisaje, pintura cotidiana, retrato (este último jugó un papel primordial en la afirmación visual de los ideales de la virtu humanista). El arte del grabado en madera y metal, que se generalizó verdaderamente durante la Reforma, adquiere su valor intrínseco definitivo. El dibujo pasa de ser un boceto de trabajo a especies separadas creatividad; El estilo individual de trazo, trazo, así como la textura y el efecto de incompletitud (non-finito) comienzan a valorarse como efectos artísticos independientes. También se vuelve pintoresco, ilusorio y tridimensional. pintura monumental, ganando cada vez más independencia visual de la masa de la pared. Todos los tipos Artes visuales ahora, de una forma u otra, violan la síntesis medieval monolítica (donde dominaba la arquitectura), ganando relativa independencia. Se están formando tipos de estatuas absolutamente redondas, monumentos ecuestres y bustos de retratos (que en muchos sentidos reviven la antigua tradición); nuevo tipo Lápida solemne escultórica y arquitectónica.

Durante el Alto Renacimiento, cuando la lucha por los ideales humanistas del Renacimiento adquirió un carácter intenso y heroico, la arquitectura y las bellas artes estuvieron marcadas por la amplitud del sonido social, la generalidad sintética y el poder de las imágenes llenas de actividad espiritual y física. En los edificios de Donato Bramante, Rafael, Antonio da Sangallo, la perfecta armonía, la monumentalidad y la clara proporcionalidad alcanzaron su apogeo; La plenitud humanista, el vuelo audaz de la imaginación artística, la amplitud de la realidad son característicos de la creatividad. grandes maestros Bellas artes de esta época: Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel, Giorgione, Tiziano. A partir del segundo cuarto del siglo XVI, cuando Italia entró en una época de crisis política y de decepción por las ideas del humanismo, la obra de muchos maestros adquirió un carácter complejo y dramático. En la arquitectura del Renacimiento tardío (Giacomo da Vignola, Miguel Ángel, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi) aumentó el interés por el desarrollo espacial de la composición y la subordinación del edificio a un amplio plan urbanístico; En los edificios públicos, templos, villas y palacios rica y complejamente desarrollados, la clara tectónica del Renacimiento temprano fue reemplazada por el intenso conflicto de fuerzas tectónicas (edificios de Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). La pintura y la escultura del Renacimiento tardío se enriquecieron con la comprensión de la naturaleza contradictoria del mundo, el interés por representar la acción dramática de masas, en la dinámica espacial (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); las características psicológicas de las imágenes en trabajos posteriores Miguel Ángel y Tiziano.

escuela de venecia

La Escuela Veneciana, una de las principales escuelas de pintura de Italia, con centro en la ciudad de Venecia (en parte también en las pequeñas ciudades de Terraferma, zonas del continente adyacentes a Venecia). La escuela veneciana se caracteriza por el predominio del principio pictórico, especial atención a los problemas del color y el deseo de encarnar la plenitud sensual y el colorido de la vida. Estrechamente vinculado a los países Europa Oriental y Oriente, Venecia extrajo de la cultura extranjera todo lo que podía servir para decorarla: la elegancia y el brillo dorado de los mosaicos bizantinos, los alrededores de piedra de los edificios árabes, la naturaleza fantástica de los templos góticos. Al mismo tiempo, desarrolló su propio estilo original en el arte, gravitando hacia el colorido ceremonial. La escuela veneciana se caracteriza por un principio secular que afirma la vida, una percepción poética del mundo, el hombre y la naturaleza y un colorismo sutil.

La escuela veneciana alcanzó su mayor florecimiento en la época del Renacimiento temprano y alto, en la obra de Antonello da Messina, quien abrió para sus contemporáneos capacidades expresivas pintura al óleo, creadores de imágenes idealmente armoniosas Giovanni Bellini y Giorgione, el mayor colorista Tiziano, que encarnó en sus lienzos lo inherente pintura veneciana alegría y abundancia de colorido. En las obras de los maestros de la escuela veneciana de la segunda mitad del siglo XVI, el virtuosismo en la transmisión del mundo multicolor, el amor por los espectáculos festivos y una multitud diversa conviven con un drama evidente y oculto, un sentido alarmante de la dinámica y la infinidad de el universo (pinturas de Paolo Veronese y Jacopo Tintoretto). En el siglo XVII, el tradicional interés por los problemas del color de la escuela veneciana en las obras de Domenico Fetti, Bernardo Strozzi y otros artistas convivía con las técnicas de la pintura barroca, así como con corrientes realistas en el espíritu del caravaggismo. La pintura veneciana del siglo XVIII se caracteriza por el florecimiento de la pintura monumental y decorativa (Giovanni Battista Tiepolo), el género cotidiano (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), el paisaje arquitectónico con precisión documental - vedata ( Juan Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) y lírico, transmitiendo sutilmente la atmósfera poética La vida cotidiana Paisaje urbano de Venecia (Francesco Guardi).

escuela de florencia

Escuela de Florencia, una de las principales escuelas italianas escuelas de arte Renacimiento, centrado en la ciudad de Florencia. La formación de la escuela florentina, que finalmente tomó forma en el siglo XV, se vio facilitada por el florecimiento del pensamiento humanista (Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola, etc.), que recurrió a la herencia de la antigüedad. El fundador de la escuela florentina durante el Protorrenacimiento fue Giotto, quien dio a sus composiciones persuasión plástica y autenticidad realista.
En el siglo XV, los fundadores del arte renacentista en Florencia fueron el arquitecto Filippo Brunelleschi, el escultor Donatello, el pintor Masaccio, seguidos por el arquitecto Leon Battista Alberti, los escultores Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano. y otros maestros. En la arquitectura de la escuela florentina del siglo XV se creó un nuevo tipo de palacio renacentista y se inició la búsqueda. tipo ideal edificio del templo que cumple con los ideales humanistas de la época.

Las bellas artes de la escuela florentina del siglo XV se caracterizan por una fascinación por los problemas de la perspectiva, el deseo de una construcción plásticamente clara de la figura humana (obras de Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno) y, para muchos de sus maestros: espiritualidad especial y contemplación lírica íntima (pintura de Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi,). En el siglo XVII, la escuela florentina entró en decadencia.

La información de referencia y biográfica de las "Galerías de arte Planet Small Bay" se preparó a partir de materiales de la "Historia". arte extranjero" (ed. M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), " Enciclopedia de arte arte clásico extranjero", "Gran Enciclopedia Rusa".