Claudio Monteverdi. Monteverdi Claudio Claudio Giovanni Antonio Monteverdi

Claudio Monteverdi nació en Cremona. Solo se sabe con certeza la fecha de su bautismo: 15 de mayo de 1567. Cremona es una ciudad del norte de Italia que durante mucho tiempo ha sido famosa como centro universitario y musical con una excelente capilla de la iglesia y una cultura instrumental extremadamente alta. En los siglos XVI y XVII, familias enteras de famosos maestros cremoneses (Amati, Guarneri, Stradivari) fabricaron instrumentos de arco, que no tenían igual en la belleza del sonido y en ningún otro lugar.

El padre del compositor era médico, él mismo probablemente recibió una educación universitaria, y en su juventud se desarrolló no solo como un músico hábil en el canto, la viola, el órgano y la composición de canciones espirituales, madrigales y canzonettes, sino también como un artista de una visión muy amplia y visiones humanistas. El entonces famoso compositor Marc Antonio Ingenjern, quien se desempeñó como director de orquesta de la Catedral de Cremona, le enseñó a componer.

En la década de 1580, Monteverdi vivió en Milán, desde donde, por invitación del duque Vincenzo Gonzaga, él, de veintitrés años, pasó a la corte de Mantua como cantante y virtuoso de la viola. Posteriormente (desde 1601) se convirtió en el maestro de capilla de la corte en Gonzaga. Los materiales documentales y, sobre todo, la correspondencia del propio compositor, cuentan que su vida allí no fue nada dulce, padeció el despotismo y la codicia de sus mecenas, que con imperio y mezquindad cuidaron su obra y lo condenaron a la muerte. una existencia forzada. “Preferiría rogar antes que volver a ser sometido a tal humillación”, escribió más tarde. Sin embargo, fue en estas difíciles condiciones que Monteverdi finalmente se formó como un maestro maduro y destacado, el creador de obras que inmortalizaron su nombre. La mejora de su arte se vio facilitada por el trabajo diario con los excelentes conjuntos de la capilla de la corte y la iglesia de Santa Bárbara, deambulando por Europa en la suite de Gonzaga en Hungría, Flandes, comunicación con destacados contemporáneos, entre los que se encontraban tan brillantes artistas. como, por ejemplo, Rubens. Pero un factor particularmente importante en el progreso de Monteverdi fue su modestia inherente, su trabajo incansable y su excepcionalmente estricto rigor en sus propias composiciones. En las décadas de 1580 y 1600, se escribieron los primeros cinco libros de hermosos madrigales de cinco partes en Cremona, Milán y Mantua.

La importancia de este género en la formación del método creativo y de toda la personalidad artística del maestro fue enorme. El punto no es solo que en la herencia de Monteverdi el madrigal domina cuantitativamente sobre los demás (solo unas doscientas obras basadas en textos de Tasso, Marina, Guarini, Striggio y otros poetas). Fue esta esfera de género la que se convirtió en un laboratorio creativo para Monteverdi, donde emprendió las empresas innovadoras más atrevidas incluso en su juventud. Al cromatizar el modo, se adelantó mucho a los madrigalistas del siglo XVI, sin caer, sin embargo, en la sofisticación subjetivista. Una gran adquisición progresiva de Monteverdi fue la fusión brillantemente lograda de la polifonía renacentista y un nuevo almacén homofónico: una melodía dramáticamente individualizada de varios tipos con acompañamiento instrumental. Esta, según el propio compositor, "segunda práctica", que encontró una expresión plena y vívida en el quinto libro de madrigales de cinco partes, se convirtió en el camino para lograr el objetivo estético más alto del artista, para la búsqueda y encarnación de la verdad y humanidad. Por lo tanto, a diferencia de, digamos, Palestrina, con sus ideales religiosos y estéticos, Monteverdi, aunque comenzó su camino con la polifonía de culto, finalmente se estableció en géneros puramente seculares.

Nada lo atraía tanto como la exposición del mundo interior y espiritual de una persona en sus dramáticas colisiones y conflictos con el mundo exterior. Monteverdi es el verdadero fundador de la dramaturgia del conflicto del plan trágico. Es un verdadero cantor de las almas humanas. Luchó persistentemente por la expresividad natural de la música. "El habla humana es la dueña de la armonía, y no su sirviente". Monteverdi es un decidido adversario del arte idílico, que no va más allá de la pintura sonora de "cupidos, malvaviscos y sirenas". Y dado que su héroe es un héroe trágico, sus "figuras melopoéticas" se distinguen por un sistema de entonación agudamente tenso, a menudo disonante. Es natural que este poderoso comienzo dramático, cuanto más lejos, más se acercara a los límites del género de cámara. Poco a poco, Monteverdi llegó a distinguir entre el “madrigal de los gestos” y el “madrigal de los no gestuales”.

Pero incluso antes, sus búsquedas dramáticas lo llevaron al camino de la ópera, donde inmediatamente actuó completamente armado con una “segunda práctica” con las primeras óperas de Mantua Orfeo (1607) y Ariadna (1608), que le dieron gran fama.

Con su "Orfeo" comienza la historia de la ópera genuina. Destinado a una fiesta típica de la corte, "Orfeo" está escrito en un libreto, claramente asociado con fabulosos interludios pastorales y lujosos decorativos, estos atributos típicos de la estética de la corte. Pero la música de Monteverdi convierte la pastoral hedonista del cuento de hadas en un profundo drama psicológico. La aparente pastoral se caracteriza por una música tan expresiva, individualmente única, avivada por la atmósfera poética de un madrigal lúgubre, que todavía nos influye hasta el día de hoy.

"... Ariadna tocó porque era mujer, Orfeo - porque es una persona sencilla... Ariadna despertó en mí verdadero sufrimiento, junto con Orfeo oré por piedad..." La esencia de Monteverdi también está contenida en esta declaración propia la creatividad, y la esencia principal de la revolución que hizo en el arte. La idea de la capacidad de la música para encarnar la "riqueza del mundo interior del hombre" durante la vida de Monteverdi no solo no era una verdad trillada, sino que se percibía como algo inaudito, nuevo, revolucionario. Por primera vez en una era milenaria, las experiencias humanas terrenales se encontraron en el centro de la creatividad del compositor en un nivel verdaderamente clásico.

La música de la ópera se centra en revelar el mundo interior del héroe trágico. Su papel es extraordinariamente multifacético, en él se funden diversas corrientes emocionales y expresivas y líneas de género. Llama con entusiasmo a sus bosques y costas nativos o lamenta la pérdida de su Eurídice en canciones populares sin arte.

En los diálogos recitativos, los comentarios apasionados de Orfeo están escritos en ese estilo excitado, en la expresión posterior de Monteverdi, "confuso", que contrastó deliberadamente con el monótono recitativo de la ópera florentina. La imagen del héroe, su arte inspirado, el amor feliz y la pérdida dolorosa, su hazaña sacrificial y el logro de la meta, el desenlace trágico y el triunfo olímpico final del cantante: todo esto se encarna poéticamente en el contexto de escenas musicales contrastantes. .

A lo largo de la ópera se esparcen melodías melodiosas con mano generosa, siempre en sintonía con el aspecto de los personajes y las situaciones escénicas. El compositor no descuida en modo alguno la polifonía y de vez en cuando entreteje sus melodías en un elegante tejido contrapuntístico. Sin embargo, el almacén homofónico domina en Orfeo, cuya partitura literalmente brilla con audaces y preciosos hallazgos de armonías cromáticas, coloridas y al mismo tiempo profundamente justificadas por el contenido figurativo y psicológico de tal o cual episodio del drama.

La Orquesta Orfeo era entonces enorme y hasta excesivamente diversa en su composición, reflejaba ese período de transición, cuando todavía se tocaba mucho con viejos instrumentos heredados del Renacimiento e incluso de la Edad Media, pero cuando ya iban apareciendo nuevos instrumentos que correspondían al nuevo sistema emocional, almacén, temas musicales y posibilidades expresivas.

La instrumentación de "Orfeo" está siempre estéticamente en consonancia con la melodía, el color armónico, la situación escénica. Los instrumentos que acompañan el monólogo del cantor en los bajos fondos recuerdan su habilidad para tocar la lira. En las escenas pastorales, la flauta entrelaza las melodías ingenuas de las melodías del pastor. El estruendo de los trombones engrosa la atmósfera de miedo que envuelve al desolado y formidable Hades. Monteverdi es el verdadero padre de la instrumentación, y en este sentido Orfeo es una ópera fundamental. En cuanto a la segunda obra operística, escrita por Monteverdi en Mantua, "Ariadna" (libreto de O. Rinuccini, recitativos de J. Peri), no se ha conservado. Una excepción es el aria mundialmente famosa de la heroína, que el compositor dejó en dos versiones para cantar solo con acompañamiento y en una versión posterior, en forma de madrigal de cinco voces. Esta aria es de una rara belleza y se considera legítimamente la obra maestra de la ópera italiana temprana.

En 1608, Monteverdi, que durante mucho tiempo había estado agobiado por su posición en la corte ducal, abandonó Mantua. No se inclinó ante sus mecenas hambrientos de poder y siguió siendo un artista orgulloso e independiente, que sostenía en alto el estandarte del arte humano. Después de una breve estancia en su tierra natal en Cremona, en Roma, Florencia, Milán, Monteverdi en 1613 aceptó una invitación a Venecia, donde los procuradores de San Marcos lo eligieron como director de esta catedral.

En Venecia, Monteverdi actuaría al frente de una nueva escuela de ópera. Se diferenciaba en muchos aspectos de sus predecesores y estaba muy por delante de ellos. Esto se debió a diferentes condiciones locales, un diferente equilibrio histórico de fuerzas sociales y corrientes ideológicas.

La Venecia de esa época es una ciudad con un sistema republicano, una aristocracia depuesta, una burguesía culta, rica, políticamente fuerte y una osada oposición al papado. Los venecianos en el Renacimiento crearon su arte, más secular, más alegre, más realista que en cualquier otro lugar del suelo italiano. Aquí, en la música de finales del siglo XVI, brotan con especial amplitud y brillantez los primeros rasgos y precursores del barroco. El primer teatro de ópera de San Cassiano se inauguró en Venecia en 1637.

No era una "academia" para un círculo estrecho de humanistas aristocráticos ilustrados, como en Florencia. Aquí el papa y su corte no tenían poder sobre el art. Fue reemplazado por el poder del dinero. La burguesía veneciana construyó un teatro a su imagen y se convirtió en una empresa comercial. El efectivo se convirtió en la fuente de ingresos. Después de San Cassiano, otros teatros crecieron en Venecia, más de diez en total. También había una competencia inevitable entre ellos, la lucha por el público, los artistas, los ingresos. Toda esta vertiente comercial y empresarial dejó su huella en la ópera y el arte teatral. Y al mismo tiempo, por primera vez, pasó a depender de los gustos del gran público. Esto se reflejó en su alcance, repertorio, puesta en escena y, finalmente, en el estilo de la música de ópera en sí.

La creatividad Monteverdi fue el momento culminante y un poderoso factor en el progreso del arte operístico italiano. Es cierto que Venecia no le trajo la liberación completa de la adicción. Llegó allí como regente, que dirigió la capilla vocal e instrumental de San Marco. Escribió música de culto: misas, vísperas, conciertos espirituales, motetes, y la iglesia, la religión lo influenciaron inevitablemente. Ya se ha dicho más arriba que, siendo por naturaleza un artista secular, aceptó la muerte en el clero.

En el transcurso de varios años que precedieron al apogeo de la ópera veneciana, Monteverdi se vio obligado a servir a los clientes aquí también, aunque no tan poderoso y omnipotente como en Milán o Mantua. Los palacios de Mocenigo y Grimani, Vendramini y Foscari estaban lujosamente decorados no solo con pinturas, estatuas, tapices, sino también con música. La Capilla de San Marco a menudo se presenta aquí en bailes y recepciones durante el tiempo libre de los servicios religiosos. Junto a los diálogos de Platón, las canzones de Petrarca, los sonetos de Marina, los amantes del arte eran aficionados a los madrigales de Monteverdi. No abandonó este género que tanto amaba en la época veneciana y fue entonces cuando alcanzó en él la máxima perfección.

Los libros sexto, séptimo y octavo de madrigales fueron escritos en Venecia, género en el que Monteverdi experimentó antes de crear sus últimas óperas. Pero los madrigales venecianos también tuvieron un gran significado independiente. En 1838 apareció una interesante colección de madrigales marciales y amorosos. Mostró la profunda observación psicológica del artista; allí se llevó hasta el último límite posible la dramatización musical y poética del madrigal. Esta colección también incluye algunas obras anteriores "Mujeres ingratas" - un interludio del período de Mantua y el famoso "Combate singular de Tancredo y Clorinda" - una magnífica escena dramática escrita en 1624 sobre una trama de "Jerusalén liberada" de Tasso, destinada a ser realizado con vestuario y accesorios teatrales.

Durante los treinta años que vivió en Venecia, Monteverdi creó la mayoría de sus obras musicales y dramáticas para representaciones teatrales o de cámara.

En cuanto a las óperas en sí, Monteverdi tiene solo ocho: Orfeo, Ariadna, Andrómeda (para Mantua), El aparentemente loco Licori, una de las primeras óperas cómicas en Italia, El rapto de Proserpina, Las bodas de Eneas y Lavinia. "Regreso de Ulises a su patria" y "Coronación de Popea". De las óperas venecianas, sólo han sobrevivido las dos últimas.

La obra más significativa de Monteverdi del período veneciano fue la ópera La coronación de Popea (1642), terminada poco antes de morir en el cenit de su fama como oráculo de la música, el 29 de noviembre de 1643. Esta ópera, creada por el compositor cuando tenía setenta y cinco años, no sólo corona su propio camino creativo, sino que se eleva inconmensurablemente por encima de todo lo creado en el género operístico antes de Gluck. Los pensamientos que dieron lugar a su coraje e inspiración son inesperados a una edad tan avanzada. La brecha entre La coronación de Popea y toda la obra anterior de Monteverdi es llamativa e inexplicable. Esto se aplica en menor medida a la música en sí, los orígenes del lenguaje musical de "Poppea" se pueden rastrear en la búsqueda de todo el período anterior, más de medio siglo. Pero el aspecto artístico general de la ópera, inusual tanto para la obra del propio Monteverdi como para el teatro musical del siglo XVII en general, está predeterminado de manera decisiva por la originalidad de la trama y el diseño dramático. En cuanto a la plenitud de la encarnación de la verdad de la vida, la amplitud y versatilidad del despliegue de las complejas relaciones humanas, la autenticidad de los conflictos psicológicos, la agudeza de la formulación de los problemas morales, ninguna de las otras obras del compositor que llegado hasta nosotros se puede comparar con La coronación de Popea.

El compositor y su talentoso libretista Francesco Busenello recurrió a una trama de la historia romana antigua, utilizando las crónicas del antiguo escritor Tácito, el emperador Nerón, enamorado de la cortesana Poppaea Sabina, la entroniza, expulsando a la ex emperatriz Octavia y dando muerte a la opositor de esta empresa, su mentor, el filósofo Séneca.

Esta imagen está escrita de manera amplia, multifacética, dinámica. En el escenario: la corte imperial, sus nobles, el sabio consejero, pajes, cortesanas, sirvientes, pretorianos. Las características musicales de los personajes, opuestas entre sí, son psicológicamente precisas y precisas. En acción rápida y multifacética, en combinaciones coloridas e inesperadas, se encarnan varios planes y polos de la vida, monólogos trágicos y escenas casi banales de la naturaleza; pasiones desenfrenadas - y contemplación filosófica; sofisticación aristocrática y la ingenuidad de la vida y las costumbres populares.

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¿Qué es más difícil: descubrir nuevas tierras o explorarlas y desarrollarlas? Probablemente nadie dará una respuesta inequívoca a esta pregunta, pero una cosa está clara: si el honor de "descubrir" el género operístico pertenece al florentino Jacopo Peri, entonces uno de los "pioneros" que asumió el desarrollo de este "territorio" - entonces aún desconocido - fue Claudio Monteverdi.

El lugar de nacimiento del compositor es la ciudad de Cremona. Su padre era médico, pero Claudio mostró un gran interés por la música cuando era niño. Su primer mentor fue Mark Antonio Ingineri, el regente de la Catedral de Cremona. Las obras que Monteverdi publicó en su adolescencia no fueron inferiores a las de su maestro, ya los veintitrés años ya era tan famoso que Vincenzo Gonzaga, el duque de Mantua, deseaba verlo como su músico de corte.

Y ahora, un joven compositor de la corte de Mantua, que en ese momento era conocido no solo por su esplendor, sino por todo el color del arte de esa época reunido aquí. En la corte del duque de Mantua estaban Torquato Tasso y Rubens, miembros de la Camerata florentina, y Monteverdi bien podría comunicarse con Jacopo Peri, y esta comunicación podría servir como impulso directo para la creación de su propia primera ópera. En cualquier caso, para tal obra, creada en 1607, Monteverdi eligió la misma trama que Peri, el antiguo mito griego de Orfeo y Eurídice, pero su interpretación fue fundamentalmente diferente. El compositor no crea una pieza pastoral diseñada para divertir a un público selecto, sino un verdadero drama en el que se combina la recitación expresiva con melodías de cantilena de amplia respiración, y junto a coros y conjuntos hay escenas de ballet. Es de destacar que Monteverdi, a diferencia de Peri, no escatimó en los sentimientos de la audiencia, proporcionando a la ópera un final feliz: como en el mito antiguo, Orfeo en Monteverdi pierde irrevocablemente a Eurídice en el final.

Unos meses después del estreno de esta trágica ópera, ocurrió una tragedia en la vida del propio compositor: su esposa, la cantante de la corte Claudia Cattaneo, murió a causa de una enfermedad. Completamente desesperado, se va a Cremona, pero pronto el duque lo llamó a Mantua: se acercaba la boda de su heredero con Margarita de Saboya, la celebración debería estar marcada por la producción de una nueva ópera. La siguiente creación de Monteverdi en el género operístico fue Ariadna, que escribió en 1608. Desafortunadamente, hoy en día ya no es posible apreciar completamente sus méritos: la mayor parte de la partitura se ha perdido, solo ha sobrevivido una escena: el Lamento de Ariadna, que puede ser consideró el primero un ejemplo del aria lamento.

Junto con las óperas, el compositor crea madrigales. A diferencia de muchos contemporáneos (en particular, el compositor flamenco Guia de Werth, a quien Monteverdi conoció en la corte del duque de Mantua), presta atención no tanto al seguimiento exacto de la música al texto, sino al sonido general y proporcional. construcción de la forma. Una característica innovadora que causó insatisfacción entre los teóricos conservadores de la época fue el uso de consonancias disonantes largas.

Aunque el arte floreció en la corte de Mantua, esto no impidió que el duque mostrara despotismo, lo que irritó cada vez más a Monteverdi a lo largo de los años. De nuevo se va de Mantua, pero esta vez el mensaje del duque exigiendo volver no surtió efecto: "Prefiero pedir limosna que volver a aceptar semejante humillación". Monteverdi se sintió mucho mejor, siendo director de la Catedral Veneciana de St. Mark: habiendo tomado esta posición en 1613, el compositor permaneció en ella hasta su muerte. A lo largo de tres décadas, crea muchas obras, entre las que se encuentran composiciones espirituales, música para fiestas seculares y madrigales, que se vuelven cada vez más dramáticas. El deseo de dramatización encuentra expresión en la creación de una obra tan original como "El duelo de Tancredo y Clorinda" basada en el texto del poema de Torquato Tasso "Jerusalén liberada". Se trata de una escena dramática compuesta por el recitado del Narrador, los recitativos de los dos personajes y el episodio orquestal que representa el duelo.

El período veneciano fue el apogeo de la obra operística de Monteverdi. Desafortunadamente, no sobrevivieron todas las obras creadas por él en ese momento, pero se ha conservado la última, creada por él a la edad de setenta años, La coronación de Popea, que se considera con razón la mejor obra de Monteverdi en el género de la ópera. . Esta obra, en la que personajes históricos son llevados al escenario -el cruel emperador romano Nerón, su mentor el filósofo Séneca- está llena de pasiones y contrastes verdaderamente shakespearianos. Así, con la trágica escena de la despedida del filósofo de sus alumnos, sigue un alegre interludio, seguido de una orgía.

Tras la muerte de Monteverdi, su patrimonio creativo quedó en el olvido durante mucho tiempo, el honor de su descubrimiento pertenece al musicólogo alemán Karl von Winterfeld.

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Claudio Giovanni Antonio Monteverdi(15/05/1567 (bautizado) - 29/11/1643) - compositor, músico, cantante italiano. El compositor más importante del Barroco, sus obras a menudo se consideran revolucionarias, marcando la transición en la música del Renacimiento al Barroco. Vivió en una era de grandes cambios en la música y fue él mismo quien la cambió.

Claudio Monteverdi nació en Cremona, hijo de un boticario y un médico. Tuvo dotes musicales desde la infancia ya los 15 años ya había publicado su primera colección de obras. En el prefacio de esta edición, dice que su maestro fue Mark "Antonio Ingenieri, director de orquesta de la Catedral de Cremona. Estudió composición, canto, tocar instrumentos de cuerda. Publicó su segundo libro en 1583, un año después de la publicación del primero. Para ese momento en que consiguió su primer puesto, ya tenía varias colecciones editadas.

Su primer trabajo fue como cantor y violista en la corte del duque de Mantua. En la corte del duque había varios músicos excelentes, encabezados por el famoso Jacques de Werth. Monteverdi conoció a muchos músicos, poetas, pintores (posiblemente con Peter Rubens), escultores, incluidos los de Ferrara, que estaba cerca. En 1599 se casó en Mantua con la hija de uno de los músicos, la cantora de la corte Claudia Cattaneo. Sus primeros puestos fueron mal pagados, pero pronto su música se hizo muy conocida, se convirtió en miembro de la Academia Romana de Site Cecilia en Roma, en 1602 se convirtió en el principal director de orquesta de la corte. Mientras servía con el duque, lo acompañó en viajes y viajes, incluso a la guerra en Hungría con los turcos. También envió varias de sus composiciones a la corte de Ferrara.

El joven Monteverdi ya trabajaba en el nuevo estilo musical. El estilo antiguo se conocía como "Primera práctica", el nuevo estilo se llamaba "". "First Practice" continuó usándose para música de iglesia. En este estilo de escritura, la música se considera más importante que las palabras. Esto significa que la música puede ser muy contrapuntística, es decir, con varias melodías sonando al mismo tiempo, por lo que las palabras del texto no son claramente audibles. En la "Segunda Práctica" las palabras son más importantes que la música, y la música debe ser lo suficientemente simple para que el texto se escuche bien. Esto es especialmente importante en la ópera y los madrigales. Ha habido mucho debate entre los músicos sobre los méritos de estos dos estilos y esta puede ser la razón de la brecha de 11 años entre su tercer y cuarto libro de madrigales.

En febrero de 1607, se representó en Mantua con gran éxito la primera ópera, Orfeo (libreto de Alessandro Striggio). "Orfeo" se distingue por una asombrosa riqueza de medios expresivos para una obra temprana. Declamación expresiva y una amplia cantilena, coros y conjuntos, ballet, una parte orquestal desarrollada sirven para encarnar una idea profundamente lírica. Esta ópera se hizo famosa en toda Europa y todavía se representa en la actualidad.

En el mismo año, Monteverdi regresó a Cremona, murió su esposa, dejándolo con tres hijos pequeños (la hija menor también murió poco después). Fue una tragedia terrible para Monteverdi y no quería volver a Mantua, pero el duque le escribió para convencerlo de que regresara y proporcionara música para la boda del príncipe Francesco Gonzaga y Margherita de Saboya. Monteverdi volvió a Mantua, donde compuso la ópera Ariadna. La actuación fue un gran éxito, la audiencia se conmovió hasta las lágrimas, desafortunadamente, solo sobrevivió una escena de toda la ópera: el famoso Lamento de Ariadna (Déjame morir ...), que sirvió como prototipo para muchas arias.

Aunque la fama y la habilidad de Monteverdi aumentaban constantemente, al mismo tiempo había muchas disputas con el patrón. Eventualmente encontró otro trabajo, esta vez como músico de iglesia en la iglesia más grande de Venecia, la catedral. Al trasladarse de Mantua a Venecia, los ladrones atacaron a su tripulación y robaron a los pasajeros. Llegó a Venecia en octubre de 1613.

El puesto de maestro (director musical) en la Basílica de San Marcos en Venecia era el trabajo más prestigioso para todos los músicos de iglesia en toda Europa. Sin embargo, el estado de la música en esta catedral era deplorable debido a las maquinaciones financieras del antecesor de Monteverdi. Monteverdi se dedicó a reorganizar la música en la catedral: compró nuevas piezas de música para la biblioteca de la iglesia e invitó a nuevos músicos, además de componer él mismo música para numerosas festividades de la iglesia. Hizo bien su trabajo y en 1616 su salario fue aumentado a 400 ducados. El duque de Mantua, tal vez, estaba muy apenado por haber perdido a tal músico, le pidió a Monteverdi que le escribiera música, y como Monteverdi seguía siendo su súbdito, tenía que obedecer y a veces escribía música para eventos importantes en Mantua.

En 1619 Monteverdi publicó su séptimo libro de madrigales, pero después empezó a publicar menos música, quizás porque estaba muy ocupado, o porque ya no necesitaba buscar la fama, o bien se creía que esa música se había perdido.

En la década de 1620, continuó su trabajo en Venecia, se interesó por la alquimia, se reunió con el compositor, que en ese momento estaba en Venecia. Después de la muerte del duque de Mantua en 1626, Monteverdi comenzó a escribir menos música para Mantua, dejaron de pagar sus composiciones, comenzó allí la guerra por la herencia de Mantua, hubo una gran destrucción y un brote de peste.

En 1632 Monteverdi se convirtió en sacerdote. En 1637 se inauguró en Venecia el primer teatro de ópera público de la historia, y Monteverdi, que ya contaba con 70 años, escribía óperas para él. Hizo un final brillante a su carrera con las óperas "El retorno de Ulises" (Il ritorno d "Ulisse in patria, 1640) y" La coronación de Poppea "(L" incoronazione di Poppea, 1642, histórica), esta última es considerado la culminación de su obra. Contiene escenas trágicas, románticas y cómicas (una innovación en la ópera), representaciones de personajes más realistas y melodías más cálidas que antes, utiliza una pequeña orquesta y el papel del coro se desvanece en el fondo. Esta ópera (al igual que "Orfeo") está incluida en el repertorio de los teatros modernos.

Claudio Monteverdi murió en Venecia el 29 de noviembre de 1643 y fue enterrado en la basílica de Frari, junto a la tumba del pintor Tiziano.

Creatividad Claudio Monteverdi

Durante el siglo XVII hubo dos enfoques para hacer música: la "Primera práctica" o "Estilo antiguo" creado por Giovanni Pierluigi da Palestrina y el nuevo estilo "Segunda práctica". Monteverdi escribió en ambos estilos con igual habilidad. Vivió y trabajó en una era de cambios, cuando la música renacentista estaba dando paso al estilo barroco, y estimuló esta transición desarrollando y transformando todos los aspectos de la música.

Fue el primer compositor que se dio cuenta plenamente del potencial creativo del nuevo género musical y dramático: la ópera. Tomando los medios primitivos creados por la Camerata florentina y , los enriqueció con fuerza dramática, imaginación y riqueza sonora. Transformó el recitativo en una melodía clara y flexible con líneas largas y consistentes. En comparación con el vocabulario y los métodos arcaicos de Peri, sus óperas son verdaderamente un arte nuevo.

Usó el ritmo, la disonancia, los colores instrumentales y los cambios de clave para ofrecer una acción dramática, presentando personajes, estados de ánimo y emociones de una manera que ninguno de sus predecesores y contemporáneos lo hizo. Ideó técnicas instrumentales para tocar instrumentos de cuerda - pizzicato y trémolo - para crear la emoción, la pasión y la tensión emocional necesarias. fue el primero en comprender el papel de la orquesta en la ópera, pintando sus propios instrumentos para cada parte, dándose cuenta de que el viento y la percusión son buenos para transmitir estados de ánimo militares, flautas para escenas pastoriles, violas y laúdes para episodios sentimentales. Por sus méritos, Monteverdi fue llamado el "profeta de la ópera". En sus madrigales, Monteverdi también introdujo el acompañamiento instrumental, convirtiéndolo no solo en un adorno, sino en una parte integral de la obra.

Monteverdi demostró ser un compositor inventivo y audaz. Sus inventos y manejo de la armonía y el contrapunto fueron bien recibidos por los oyentes, sin embargo, muchos de sus colegas lo criticaron duramente. Siendo un compositor "moderno", al mismo tiempo supo rendir homenaje a la generación anterior y sus principios tradicionales. Publicó dos piezas completamente diferentes en la misma colección, "Missa in illo tempore" y "Vespro della Beata Vergine", demostrando que es un verdadero maestro de la música, combinando estilos completamente diferentes con su magia, manteniendo sus características individuales - esta sólo se podía hacer genio.

El contenido del artículo

MONTEVERDI, CLAUDIO(Monteverdi, Claudio) (c. 1567-1643), compositor italiano, autor de madrigales, óperas, obras de iglesia, una de las figuras clave de la época, cuando el estilo musical del Renacimiento fue reemplazado por un nuevo estilo barroco. Nacido en la familia del famoso doctor Baldassare Monteverdi. No se ha establecido la fecha exacta de nacimiento, pero está documentado que Claudio Giovanni Antonio fue bautizado el 15 de mayo de 1567 en Cremona.

Claudio, al parecer, estudió durante algún tiempo con M. A. Ingenieri, regente de la Catedral de Cremona. Las cinco primeras colecciones de obras publicadas por el joven compositor ( melodías espirituales, Cantiúnculas sacras, 1582; madrigales espirituales, Madrigali Espirituales, 1583; canzonettes de tres partes, 1584; madrigales a cinco voces en dos volúmenes: la Primera colección, 1587 y la Segunda colección, 1590), dan fe de la formación que recibió. El período de aprendizaje terminó alrededor de 1590: entonces Monteverdi solicitó un lugar como violinista en la orquesta de la corte del duque Vincenzo I Gonzaga en Mantua y fue aceptado en el servicio.

Periodo de Mantua.

El servicio en Mantua trajo al músico muchas decepciones. Solo en 1594 Monteverdi se convirtió en cantor, y solo el 6 de mayo de 1601, después de la partida de B. Pallavicino, recibió el cargo de maestro della musica (maestro de música) del duque de Mantua. Durante este período (en 1595) se casó con la cantante Claudia Cattaneo, quien le dio dos hijos, Francesco y Massimiliano; Claudia murió temprano (1607), y Monteverdi quedó viudo hasta el final de sus días. En la primera década en la corte de Mantua, Monteverdi acompañó al patrón en sus viajes a Hungría (1595) y Flandes (1599). Estos años trajeron una rica cosecha de madrigales de cinco partes (Tercera colección, 1592; Cuarta colección, 1603; Quinta colección, 1605). Muchos de los madrigales ganaron fama mucho antes de que fueran impresos. Al mismo tiempo, estas composiciones provocaron un ataque de ira en G. M. Artusi, un canónigo de Bolonia, quien criticó las técnicas compositivas de Monteverdi en toda una serie de artículos y libros venenosos (1602-1612). El compositor respondió a los ataques en el prefacio de la Quinta colección de madrigales y más extensamente por boca de su hermano Giulio Cesare en dichiarazione(aclaración), esta obra fue publicada como apéndice de la colección de composiciones de Monteverdi chistes musicales(Scherzi musicales, 1607). En el curso de las polémicas del compositor con los críticos, se introdujeron los conceptos de "primera práctica" y "segunda práctica", que denotan el antiguo estilo polifónico y el nuevo estilo monódico.

La evolución creativa de Monteverdi en el género de la ópera comenzó más tarde, en febrero de 1607, cuando La leyenda de Orfeo (La Favola d'Orfeo) a un texto de A. Strigio el Joven. En esta obra, el compositor se mantiene fiel al pasado y anticipa el futuro: Orfeo- mitad interludio renacentista, mitad ópera monódica; el estilo monódico ya se había desarrollado en esa época en la Camerata florentina (un grupo de músicos dirigido por J. Bardi y J. Corsi, que trabajaron juntos en Florencia en 1600). Puntaje Orfeo se publicó dos veces (1609 y 1615). Las siguientes composiciones de Monteverdi en este género fueron Ariana (L'Arianna, 1608) y ópera-ballet Ballet de los Ingratos (Il Ballo dell'ingrate, 1608) - ambas obras con textos de O. Rinuccini. En el mismo período, Monteverdi hizo su primera aparición en el campo de la música sacra y publicó una misa de estilo antiguo. In illo tempore(se basa en el motete de Gombert); en 1610 le añadió salmos de vísperas. En 1612, el duque Vincenzo murió y su sucesor destituyó inmediatamente a Monteverdi y Giulio Cesare (31 de julio de 1612). Durante un tiempo, el compositor y sus hijos regresaron a Cremona, y exactamente un año después (19 de agosto de 1613) recibió el cargo de director de la capilla (maestro di cappella) en la Catedral veneciana de St. Marca.

periodo veneciano.

Esta posición (la más brillante entre las disponibles en ese momento en el norte de Italia) salvó inmediatamente a Monteverdi de las injusticias que experimentó en el momento de la madurez. Ocupó el cargo honorario y bien remunerado de director de orquesta de la catedral durante tres décadas, tiempo durante el cual, como es natural, se pasó a los géneros eclesiásticos. Sin embargo, tampoco abandonó sus proyectos operísticos: por ejemplo, se creó una ópera cómica realista para Mantua en 1627. loco imaginario (La finta pazza licori). Esta obra no se ha conservado, como la mayoría de las obras musicales y dramáticas de Monteverdi, relativas a los últimos treinta años de su vida. Pero nos ha llegado una obra maravillosa, que es un cruce entre una ópera y un oratorio: Duelo de Tancredo y Clorinda (Il combattimento di Tancredi e Clorindo), escrito en 1624 en Venecia (publicado en la Octava colección de madrigales, 1638), basado en una escena del poema de T. Tasso Jerusalén liberada, una de las fuentes poéticas favoritas del compositor. En esta obra, por primera vez, aparece un nuevo estilo dramático (genere concitato) con el uso expresivo de técnicas de trémolo y pizzicato.

La caída de Mantua en 1630 provocó la pérdida de muchos autógrafos de las obras de Monteverdi. La convulsión política provocada por la lucha por el ducado tras la muerte del último de la dinastía Gonzaga (Vincenzo II murió sin descendencia) también dejó huellas en la vida del compositor (en particular, su hijo Massimiliano fue detenido por la Inquisición por leer libros no autorizados). libros). El fin de la peste en Venecia se celebró en la Catedral de St. Marca el 28 de noviembre de 1631 con una misa solemne con música de Monteverdi (perdida). Poco después, Monteverdi aparentemente se convirtió en sacerdote, como lo indica la portada de su edición. chistes musicales (Scherzi musicali cioè Arie e Madrigali in stile recitativo, 1632). A principios de la década de 1630 se escribió un libro dedicado a los problemas de la teoría musical (melodía), pero poco ha sobrevivido de él, así como de las óperas de este período.

En 1637, se inauguró el primer teatro de ópera público en Venecia bajo la dirección de los amigos y alumnos de Monteverdi B. Ferrari y F. Manelli. Este evento marcó el comienzo del florecimiento de la ópera veneciana del siglo XVII. Para los primeros cuatro teatros de ópera venecianos, Monteverdi, que entonces tenía ochenta años, escribió cuatro óperas (1639-1642), de las cuales dos han sobrevivido: Regreso de Ulises a la Patria (Il ritorno d'Ulisse in patria, 1640, con libreto de G. Badoaro) y Coronación de Popea (L "Incoronazione di Poppea, 1642, con libreto de G. Busenello). Poco antes, el compositor logró plasmar sus madrigales, dúos de cámara y cantatas, así como lo mejor de sus creaciones en géneros eclesiásticos en dos grandes colecciones - Madrigales sobre la guerra y el amor (Madrigali guerrieri ed amorosi, Octava colección de madrigales, 1638) y Selva moral y espiritual (Andanzas espirituales y morales, 1640). Poco tiempo después de la publicación de estas colecciones, el 29 de noviembre de 1643, el compositor moría en Venecia, habiendo conseguido aún hacer su último viaje a los lugares donde transcurrió su juventud, es decir, a Cremona y Mantua. Su funeral tuvo lugar solemnemente en los dos principales templos de Venecia - St. Marcos y Santa María dei Frari. Los restos del compositor fueron enterrados en la segunda de estas iglesias (en la nave de San Ambrosio). Durante aproximadamente una década, la música de Monteverdi siguió entusiasmando a sus contemporáneos y siguió siendo relevante. En 1651, una edición póstuma de sus madrigales y canzonettes (novena colección) y una importante colección de música sacra llamada Misa en cuatro partes y salmos (Messa a quattro e salmi), fueron publicados bajo su dirección por la editorial Monteverdi A. Vincenti. En el mismo año, se mostró una nueva producción en Nápoles. Coronaciones de Popea, que difería significativamente de la producción de 1642. Después de 1651, el gran Cremonese y su música fueron olvidados. La apariencia de Monteverdi está capturada en dos hermosos retratos: el primero fue reproducido en el obituario oficial del libro flores poéticas (Fiori poetici, 1644) - el rostro de un anciano, con una expresión de tristeza y decepción; se encontró otro retrato en el Museo Tirolés Ferdinandeum en Innsbruck, representa a Monteverdi en sus años maduros, cuando fueron creados Orfeo y Ariana.

Evaluación crítica.

La trascendencia de la obra de Monteverdi está determinada por tres factores: es el último compositor madrigalista del Renacimiento; es el primer autor de óperas interpretadas del tipo de género característico del barroco temprano; finalmente, es uno de los autores más importantes de música sacra, ya que en su obra se combina el stile antico (estilo antiguo) de Palestrina con el stile nuovo (estilo nuevo) de Gabrieli, es decir, el estilo ya no es polifónico, sino monódico, necesitado del apoyo de la orquesta.

Madrigalista.

Palestrina comenzó a escribir madrigales en la década de 1580, durante el apogeo de este género, y completó el trabajo sobre el madrigal en la Sexta Colección (1614), que contiene madrigales de cinco partes con el bajo continuo obligatorio, es decir, cualidad que define el nuevo concepto de estilo madrigal. Muchos textos de los madrigales de Monteverdi están tomados de comedias pastoriles como aminte Tasso o buen Pastor Guarini, y son escenas de amor idílico o de pasión bucólica, anticipando escenas operísticas en los primeros ejemplos de este nuevo género: los experimentos de Peri y Caccini aparecidos en Florencia c. 1600.

Compositor de ópera.

El comienzo de la obra operística de Monteverdi está, por así decirlo, oculto a la sombra de las experiencias florentinas, sus primeras óperas continúan la tradición del interludio renacentista con su gran orquesta y coros al estilo de un madrigal o con un movimiento de voces polifónicamente vivo. . Sin embargo, ya en Ballet de los desagradecidos es palpable el predominio de la monodia solista y los números de ballet en el sentido del ballet de cour francés (ballet de corte del siglo XVII). En una escena dramática Duelo según Tasso, la orquesta que lo acompaña se reduce a un quinteto de cuerdas, aquí se utilizan las técnicas pintorescas del trémolo y el pizzicato para transmitir el sonido de las armas en las manos de los luchadores Tancredo y Clorinda. Las últimas óperas del compositor reducen al mínimo el acompañamiento orquestal y se centran en la expresividad del canto virtuoso. La coloratura vocal y el aria da capo están a punto de aparecer, y el recitativo salmódico de la Camerata florentina está cambiando y enriqueciéndose dramáticamente, anticipando los logros en este campo de Gluck y Wagner.

Música de iglesia.

La música sacra de Monteverdi siempre se ha caracterizado por la dualidad: aquí conviven pasticcios polifónicos con interpretaciones teatralmente coloridas de los salmos; uno siente que muchas páginas fueron escritas por la mano de un compositor de ópera.

Renacimiento de la obra de Monteverdi.

La música del compositor permaneció en el olvido hasta el siglo XIX, cuando fue redescubierta por K. von Winterfeld (1834). Alrededor de la década de 1880, académicos alemanes e italianos compitieron en el trabajo de revivir y reevaluar la personalidad y la obra de Monteverdi; este movimiento culminó con la publicación de la primera colección completa de las obras sobrevivientes de Monteverdi, editada por JF Malipiero (1926–1942), un libro de H.F. Redlich A la historia del madrigal(1932) y su propia edición con comentarios para los intérpretes Vísperas 1610 (1949).

(bautizado el 15 de mayo de 1567) - 29 de noviembre, Venecia) - Compositor italiano, uno de los más grandes en la era de transición del Renacimiento tardío al Barroco temprano (trabajó tanto en el Renacimiento como en el Barroco). Las composiciones más famosas de Monteverdi son los madrigales tardíos, la ópera Orfeo y Vísperas (de la Virgen María).

Biografía

Claudio Monteverdi nació en 1567 en Cremona, ciudad del norte de Italia, en la familia de Baltasar Monteverdi, médico, farmacéutico y cirujano. Era el mayor de cinco hijos. Desde niño estudió con M. A. Ingenieri, director de la catedral de Cremona. Monteverdi comprendió el arte de la música, participando en la ejecución de cantos litúrgicos. También estudió en la Universidad de Cremona. Sus primeras colecciones publicadas incluyeron motetes (latinos) y madrigales sagrados (italianos) ( Cantiúnculas sacras , 1582; Madrigali Espirituales, 1583). Les siguieron colecciones de canzonettes a tres voces (1584), más tarde dos "libros" (colecciones) de madrigales a cinco voces (1587; 1590). Desde 1590 (o 1591) hasta 1612, Monteverdi trabajó en la corte del duque Vincenzo I Gonzaga (1562-1612) en Mantua, primero como corista y gambolista, y desde 1602 como director de orquesta, organizador de toda la vida musical en la ducal. tribunal.

En 1599, Monteverdi se casó con la cantante de la corte Claudia Cattaneo, con quien vivió durante 8 años (Claudia murió en 1607). Tuvieron dos niños y una niña que murieron poco después de nacer.

En 1613 Monteverdi se trasladó a Venecia, donde asumió el cargo de Kapellmeister de la Catedral de San Marco. En este cargo, restauró rápidamente el nivel profesional de los músicos e instrumentistas del coro (la capilla estaba en declive debido al derroche de fondos por parte de su predecesor, Giulio Cesare Martinengo). Los administradores de la basílica se alegraron de contar con un músico tan excepcional como Monteverdi, porque la parte musical de los servicios estaba en declive desde la muerte de Giovanni Croce en 1609.

Alrededor de 1632 Monteverdi fue ordenado sacerdote. En los últimos años de su vida, de debajo de su pluma salieron dos últimas obras maestras: El retorno de Ulises (, 1641), y ópera histórica Coronación de Popea (La coronación de Poppea, 1642), cuya trama se basó en hechos de la vida del emperador romano Nerón. Coronación de Popea considerado la culminación de toda la obra de Monteverdi. Combina escenas trágicas, románticas y cómicas (un nuevo paso en la dramaturgia del género operístico), retratos más realistas de personajes y melodías que se distinguen por una extraordinaria calidez y sensualidad. La interpretación de la ópera requería una pequeña orquesta, y el coro también tenía un pequeño papel que desempeñar. Durante mucho tiempo, las óperas de Monteverdi fueron consideradas únicamente como hechos históricos y musicales. Desde la década de 1960, Coronación de Popea se renovó en el repertorio de los mayores escenarios operísticos del mundo. Monteverdi está enterrado en Venecia en la Basílica de Santa Maria Gloriosa dei Frari.

Creatividad y estilo

La creatividad Monteverdi está representada por tres grupos de obras: madrigales, óperas y música sacra. La característica principal de la técnica compositiva de Monteverdi es la combinación (a menudo en una sola obra) de la polifonía de imitación, característica de los compositores del Renacimiento tardío, y la homofonía, el logro de la nueva era barroca. La innovación de Monteverdi fue duramente criticada por el destacado teórico de la música Giovanni Artusi, en una polémica con la que Monteverdi (y su hermano Giulio Cesare) indicaron su adhesión a la llamada "segunda práctica" de la música. De acuerdo con la declaración de los hermanos Monteverdi, en la música de la segunda práctica reina por encima de todo el texto poético, al que se subordinan todos los elementos del discurso musical, principalmente la melodía, la armonía y el ritmo. Es el texto el que justifica cualquier irregularidad de este último.

Lamento della Ninfa de Madrigali Guerrieri y Amorosi (inf.)

Hasta los 40 años, Monteverdi trabajó principalmente en el género madrigal (solo 8 colecciones ["libros"]; la novena colección, que no es de autor, se publicó póstumamente). El trabajo en el primer libro, que consta de madrigales de cinco partes (21 en total), tomó alrededor de 4 años. Los primeros ocho libros de madrigales representan un enorme salto desde la polifonía del Renacimiento a la homofonía característica de la música barroca.

Composiciones

madrigales

• Libro 1, : Madrigali a cinque voci
• Libro 2, : Il segundo libro de madrigali a cinque voci
• Libro 3, : Il terzo libro de madrigali a cinque voci
• Libro 4, : Il quarto libro de madrigali a cinque voci
• Libro 5, : Il quinto libro de madrigali a cinque voci
• Libro 6, : Il sesto libro de madrigali a cinque voci
• Libro 7, : concierto. Sétimo libro de madrigali
• Libro 8, : Madrigali guerrieri, et amorosi con alcuni opuscoli in genere rappresentativo, che saranno per brevi episodi fra i canti senza gesto.
• Libro 9, : Madrigali e canzonette a due e tre voci(publicado póstumamente, colección no autor de varios madrigales y canzonettes)

óperas

• El retorno de Ulises Il ritorno d'Ulisse en patria, )
• Coronación de Popea ( L'Incoronazione di Poppea, )

Iglesia y música sacra

• Misa "In illo tempore" ("Durante ella"; 1610)
• Misa a cuatro voces a cappella (1641) (otro nombre "Misa en fa"; de la colección "Selva morale e spirituale")
• Misa en cuatro partes a cappella (1650, publicación póstuma)
• Vísperas de la Santísima Virgen (Vespro della Beata Vergine, a menudo abreviada como Vísperas; 1610)
• Cantiunculae sacrae (1582), una colección de motetes sobre textos latinos sagrados
• Madrigales espirituales ( Madrigali spirituali ), para 4 voces (1583)
• Selva morale e spirituale (lit. "La moral y el bosque espiritual", 1640), una colección de escritos de diferentes géneros sobre textos "espirituales": misa, motetes (incluidos tres motetes sobre el famoso texto salve Regina), dos magnificats, madrigales espirituales y canzonettes "moralizantes".

escritos perdidos

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notas

Literatura

• Bukofzer M. La música en la época barroca. Nueva York, 1947.
• Schrade L. Monteverdi, creador de la música moderna. Londres, 1950.
• Bronfin E. Claudio Monteverdi. - L., Música, 1970.
• Konen V. D. Monteverdi. Moscú, 1971.
• arnold d. Monteverdi. Londres, 1975.
• Las cartas de Claudio Monteverdi, ed. por D.Stevens. Londres, 1980.
• Arnold D., Fortuna N. El nuevo compañero de Monteverdi. Londres, Boston, 1985.
• carter t La música en la Italia del Renacimiento tardío y del Barroco temprano. Londres, 1992.
• Skudina G. Claudio Monteverdi: Orfeo de Cremona. Moscú, 1998.
• Whenham J., Wistreich R.. El compañero de Cambridge de Monteverdi. Cambridge, Nueva York, 2007.

Enlaces

• Monteverdi, Claudio: partituras de obras del Proyecto Biblioteca Internacional de Partituras Musicales
• Soloviov N. F.// Diccionario Enciclopédico de Brockhaus y Efron: en 86 tomos (82 tomos y 4 adicionales). - San Petersburgo. , 1890-1907.
• de Vespro della Beata Virgen como hipermedia interactiva en el

Un extracto que caracteriza a Monteverdi, Claudio

"¿Adónde te llevan, querida?" - ella dijo. - ¡La niña, entonces dónde pondré a la niña, si no es de ellos! - dijo la abuela.
- Qu "est ce qu" elle veut cette femme? [¿Qué quiere ella?] preguntó el oficial.
Pierre era como un borracho. Su estado de éxtasis se intensificó aún más al ver a la chica a la que había salvado.
“Ce qu" elle dit? - dijo. - Elle m "apporte ma fille que je viens de sauver des flammes", dijo. – ¡Adiós! [¿Qué quiere ella? Ella lleva a mi hija, a quien rescaté del fuego. ¡Adiós!] - y él, sin saber cómo se le escapó esta mentira sin rumbo, con un paso decidido y solemne, se interpuso entre los franceses.
La patrulla francesa fue una de las que fueron enviadas por orden de Duronel por varias calles de Moscú para reprimir los saqueos y especialmente para atrapar a los pirómanos, quienes, según la opinión general que apareció ese día entre los franceses de mayor rango, fueron los causantes de incendios Tras recorrer varias calles, la patrulla se llevó a otros cinco sospechosos rusos, un tendero, dos seminaristas, un campesino y un jardinero, y varios merodeadores. Pero de todas las personas sospechosas, Pierre parecía el más sospechoso de todos. Cuando los llevaron a todos a pasar la noche en una casa grande en Zubovsky Val, en la que se estableció una caseta de vigilancia, Pierre fue puesto por separado bajo estricta vigilancia.

En ese momento en San Petersburgo, en los círculos más altos, con más fervor que nunca, había una lucha compleja entre los partidos de Rumyantsev, los franceses, Maria Feodorovna, el zarevich y otros, ahogada, como siempre, por el trompeta de drones de la corte. Pero tranquila, lujosa, preocupada sólo por los fantasmas, los reflejos de la vida, la vida de Petersburgo continuaba como antes; y debido al curso de esta vida, hubo que hacer grandes esfuerzos para darse cuenta del peligro y la difícil situación en la que se encontraba el pueblo ruso. Eran las mismas salidas, bailes, el mismo teatro francés, los mismos intereses de las cortes, los mismos intereses de servicio e intriga. Sólo en los círculos más altos se hicieron esfuerzos para recordar la dificultad de la situación actual. Se contó en un susurro lo opuestas que actuaban, en circunstancias tan difíciles, ambas emperatrices. La emperatriz Maria Feodorovna, preocupada por el bienestar de las instituciones benéficas y educativas subordinadas a ella, ordenó enviar todas las instituciones a Kazan, y las cosas de estas instituciones ya estaban empaquetadas. La emperatriz Elizaveta Alekseevna, cuando le preguntaron qué órdenes quería dar, con su habitual patriotismo ruso se dignó responder que no podía dar órdenes sobre las instituciones del Estado, ya que esto concernía al soberano; sobre lo mismo que personalmente depende de ella, se dignó decir que sería la última en salir de Petersburgo.
El 26 de agosto, el mismo día de la batalla de Borodino, Anna Pavlovna tuvo una velada, cuyo florecimiento sería la lectura de una carta del obispo, escrita al enviar la imagen del monje San Sergio al soberano. Esta carta fue reverenciada como modelo de elocuencia espiritual patriótica. Se suponía que el mismo Príncipe Vasily, que era famoso por su arte de leer, debía leerlo. (También leía en casa de la Emperatriz.) El arte de la lectura se consideraba alto, melodioso, entre un aullido desesperado y un murmullo suave, verter palabras, sin importar su significado, de modo que por casualidad un aullido caía sobre uno. palabra, en otros - un murmullo. Esta lectura, como todas las veladas de Anna Pavlovna, tuvo un significado político. Esta noche habría varias personas importantes que debían avergonzarse de sus viajes al teatro francés e inspirarse en un estado de ánimo patriótico. Ya se habían reunido bastantes personas, pero Anna Pavlovna aún no había visto a todos los que necesitaba en el salón y, por lo tanto, sin comenzar a leer todavía, inició conversaciones generales.
La noticia del día ese día en San Petersburgo fue la enfermedad de la condesa Bezukhova. Hace unos días la Condesa enfermó repentinamente, faltó a varias reuniones, de las que ella era un adorno, y se supo que no veía a nadie y que en lugar de los famosos médicos petersburgueses que la atendían habitualmente, se encomendó a algún italiano. médico que la trató con algo nuevo y de manera extraordinaria.
Todos sabían muy bien que la enfermedad de la hermosa condesa provenía del inconveniente de casarse con dos maridos a la vez, y que el tratamiento del italiano consistía en eliminar este inconveniente; pero en presencia de Anna Pavlovna, no sólo nadie se atrevía a pensar en ello, sino que era como si nadie lo supiera.
- On dit que la pauvre comtesse est tres mal. Le medecin dit que c "est l" angine pectorale. [Dicen que la pobre condesa es muy mala. El médico dijo que era una enfermedad del pecho.]
- L "angine? Oh, c" est une maladie terrible! [¿Enfermedad del pecho? ¡Oh, es una enfermedad terrible!]
- On dit que les rivaux se sont reconcilias grace a l "angine... [Dicen que los rivales se reconciliaron gracias a esta enfermedad.]
La palabra angine fue repetida con gran placer.
- Le vieux comte est touchant a ce qu "on dit. Il a pleure comme un enfant quand le medecin lui a dit que le cas etait dangereux. [El viejo conde es muy conmovedor, dicen. Lloraba como un niño cuando el médico dijo ese caso peligroso.]
Oh, ce serait une perte terrible. C "est une femme ravissante. [Oh, eso sería una gran pérdida. Una mujer tan encantadora.]
—Vous parlez de la pauvre comtesse —dijo Anna Pavlovna acercándose—. - J "ai envoye savoir de ses nouvelles. On m" a dit qu "elle allait un peu mieux. Oh, sans doute, c" est la plus charmante femme du monde, - dijo Anna Pavlovna con una sonrisa sobre su entusiasmo. - Nous appartenons a des camps differents, mais cela ne m "empeche pas de l" estimer, comme elle le merite. Elle est bien malheureuse, [Estás hablando de la pobre condesa... Envié a averiguar sobre su salud. Me dijeron que estaba un poco mejor. Oh, sin duda, esta es la mujer más hermosa del mundo. Pertenecemos a campos diferentes, pero esto no me impide respetarla según sus méritos. Ella es tan infeliz.] Anna Pavlovna agregó.
Creyendo que con estas palabras, Anna Pavlovna levantó ligeramente el velo del secreto sobre la enfermedad de la condesa, un joven descuidado se permitió expresar su sorpresa de que no se llamara a médicos famosos, sino que un charlatán que podía dar medios peligrosos estaba tratando a la condesa.
"Vos informations peuvent etre meilleures que les miennes", de repente Anna Pavlovna arremetió con veneno contra el joven inexperto. Mais je sais de bonne source que ce medecin est un homme tres savant et tres habile. C "est le medecin intime de la Reine d" Espagne. [Sus noticias pueden ser más precisas que las mías... pero sé por buenas fuentes que este médico es una persona muy culta y hábil. Este es el médico de vida de la Reina de España.] - Y destruyendo así al joven, Anna Pavlovna se volvió hacia Bilibin, quien en otro círculo, recogiendo la piel y, aparentemente, a punto de disolverla, para decir un mot, habló sobre los austriacos.
- Je trouve que c "est charmant! [¡Lo encuentro encantador!] - dijo sobre un documento diplomático, bajo el cual se enviaban a Viena las banderas austriacas tomadas por Wittgenstein, le heros de Petropol [el héroe de Petrópolis] (como él fue llamado en Petersburgo).
- ¿Cómo, cómo es? Anna Pavlovna se volvió hacia él, despertando el silencio al escuchar mot, que ya sabía.
Y Bilibin repitió las siguientes palabras auténticas del despacho diplomático que había compilado:
- L "Empereur renvoie les drapeaux Autrichiens", dijo Bilibin, "drapeaux amis et egares qu" il a trouve hors de la route, [El Emperador envía a los austriacos estandartes, estandartes amistosos y descarriados que encontró fuera del camino real.] - Terminado Bilibin aflojando la piel.
- Charmant, charmant, [Encantador, encantador,] - dijo el Príncipe Vasily.
- C "est la route de Varsovie peut etre, [Este es el camino de Varsovia, tal vez.] - Dijo el Príncipe Hipólito en voz alta e inesperadamente. Todos lo miraron, sin entender lo que quería decir con esto. El Príncipe Hipólito también miró a su alrededor con sorpresa alegre a su alrededor. Él, como otros, no entendía lo que significaban las palabras que decía. Durante su carrera diplomática, notó más de una vez que las palabras pronunciadas de repente de esta manera resultaron ser muy ingeniosas, y por si acaso, él dijo estas palabras, "Tal vez salga muy bien", pensó, "pero si no es así, allí podrán arreglarlo". Anna Pavlovna, y ella, sonriendo y señalando con el dedo a Ippolit, invitó al príncipe Vasily a la mesa y, llevándole dos velas y un manuscrito, le pidió que comenzara.