La victoria de la reacción feudal-católica, los trastornos económicos y políticos que sobrevinieron en el siglo XVI. Italia, puso fin al desarrollo de la cultura renacentista. El ataque del catolicismo militante a los logros del Renacimiento estuvo marcado por la persecución más severa de personas de ciencia avanzada y un intento de subordinar el arte al poder de la Iglesia Católica. La Inquisición trató sin piedad a todos los que directa o indirectamente se oponían a los principios de la religión, el papado y el clero. Fanáticos en túnica envían a Giordano Bruno a la hoguera y persiguen a Galileo. El Concilio de Trento (1545-1563) promulgó decretos especiales que regulaban la pintura y la música religiosas, con el objetivo de erradicar el espíritu secular del arte. Fundada en 1540, la orden de los jesuitas interviene activamente en materia de arte, poniendo el arte al servicio de la propaganda religiosa.

A principios del siglo XVII. La nobleza y la iglesia en Italia consolidan sus posiciones políticas e ideológicas. La situación en el país sigue siendo difícil. La opresión de la monarquía española, que capturó el Reino de Nápoles y Lombardía, se intensifica aún más, y el territorio de Italia, como antes, sigue siendo escenario de continuas guerras y robos, especialmente en el norte, donde los intereses de los españoles y Los Habsburgo austríacos y Francia chocaron (como lo demuestra, por ejemplo, la captura y el saqueo de Mantua por las tropas imperiales en 1630). La fragmentada Italia en realidad está perdiendo su independencia nacional, ya que hace mucho que dejó de desempeñar un papel activo en la vida política y económica de Europa. En estas condiciones, el absolutismo de los pequeños principados adquirió rasgos de comportamiento extremadamente reaccionario.

La ira popular contra los opresores estalla en levantamientos espontáneos. A finales del siglo XVI. El notable pensador y científico Tommaso Campanella se convirtió en el jefe de una conspiración antiespañola en Calabria. Como resultado de la traición, se evitó el levantamiento y el propio Campanella, después de terribles torturas, fue condenado a cadena perpetua. En su famoso ensayo “La ciudad del sol”, escrito en prisión, expone las ideas del comunismo utópico, reflejando el sueño de un pueblo oprimido de una vida feliz. En 1647 estalló un levantamiento popular en Nápoles y en 1674 en Sicilia. Especialmente formidable fue el levantamiento napolitano, encabezado por el pescador Masaniello. Sin embargo, el carácter fragmentado de las acciones revolucionarias las condenó al fracaso y la derrota.

La difícil situación del pueblo contrasta marcadamente con el lujo desbordante de la aristocracia terrateniente y monetaria y del clero de alto rango. Exuberantes festividades, carnavales, construcción y decoración de palacios, villas e iglesias llegaron hasta el siglo XVII. alcance sin precedentes. Toda la vida y cultura de Italia en el siglo XVII. tejido a partir de agudos contrastes y contradicciones irreconciliables, reflejadas en las contradicciones de la ciencia progresista, en el choque de la cultura secular y la reacción católica, en la lucha entre tendencias convencionalmente decorativas y realistas en el arte. Un interés renovado por la antigüedad coexiste con la predicación de ideas religiosas; el racionalismo sobrio del pensamiento se combina con un anhelo por lo irracional y lo místico. Junto con los logros en el campo de las ciencias exactas, florecen la astrología, la alquimia y la magia.

Los Papas, que dejaron de reclamar el papel de fuerza política líder en los asuntos europeos y se convirtieron en los primeros soberanos soberanos de Italia, utilizan las tendencias hacia la unificación nacional del país y la centralización del poder para fortalecer el dominio ideológico de la Iglesia y la nobleza. La Roma papal se convierte en el centro no solo de la cultura feudal-católica italiana, sino también de la europea. Aquí se formó y floreció el arte barroco.

Una de las principales tareas de los artistas barrocos era rodear a las autoridades seculares y eclesiásticas de un aura de grandeza y superioridad de casta, y propagar las ideas del catolicismo militante. De ahí el típico deseo barroco de júbilo monumental, gran alcance decorativo, patetismo exagerado e idealización deliberada en la interpretación de las imágenes. En el arte barroco, existen agudas contradicciones entre su contenido social, diseñado para servir a la élite gobernante de la sociedad, y la necesidad de influir en las amplias masas, entre la convencionalidad de las imágenes y su forma enfáticamente sensual. Para realzar la expresividad de las imágenes, los maestros barrocos recurrieron a todo tipo de exageraciones, hipérboles y efectos naturalistas.

El ideal armonioso del arte renacentista fue reemplazado en el siglo XVII. un intento de revelar imágenes a través de un conflicto dramático, profundizándolas psicológicamente. Esto condujo a una ampliación de la gama temática en el arte, al uso de nuevos medios de expresión figurativa en la pintura, la escultura y la arquitectura. Pero los logros artísticos del arte barroco se lograron a costa de abandonar la integridad e integridad de la cosmovisión de la gente del Renacimiento, a costa de abandonar el contenido humanista de las imágenes.

La autonomía de cada forma de arte inherente al arte del Renacimiento, su relación igualitaria entre sí, ahora está siendo destruida. Objetos de arquitectura, escultura y pintura se fusionan orgánicamente en un todo decorativo común. La pintura busca ampliar ilusoriamente el espacio del interior; la decoración escultórica, que surge de la arquitectura, se convierte en una decoración pintoresca; La arquitectura misma se vuelve cada vez más plástica, perdiendo su arquitectura estricta o, formando dinámicamente el espacio interno y externo, adquiere características pintorescas.

En la síntesis barroca de las artes, no sólo hay una fusión de tipos individuales de arte, sino también una fusión de todo el complejo artístico con el espacio circundante. Figuras escultóricas aparecen como vivas en nichos, colgando de cornisas y frontones; El espacio interior de los edificios continúa con la ayuda de pantallas de lámparas interpretadas de forma ilusionista. Las fuerzas internas inherentes a los volúmenes arquitectónicos parecen encontrar su salida en las columnatas, escaleras, terrazas y enrejados adyacentes al edificio, en esculturas decorativas, fuentes y cascadas, en las perspectivas que se alejan de los callejones. La naturaleza, transformada por la hábil mano del decorador del parque, se convierte en parte integral del conjunto barroco.

Este deseo del arte de una amplia gama y una transformación artística universal de la realidad circundante, limitada, sin embargo, a la solución de tareas externamente decorativas, está en cierta medida en consonancia con la cosmovisión científica avanzada de la época. Las ideas de Giordano Bruno sobre el universo, su unidad e infinito abrieron nuevos horizontes al conocimiento humano y plantearon de una manera nueva el eterno problema del mundo y del hombre. A su vez, Galileo, continuando las tradiciones de la ciencia empírica del Renacimiento, pasó del estudio de fenómenos individuales al conocimiento de las leyes generales de la física y la astronomía.

El estilo barroco tenía análogos en la literatura y la música italianas. Un fenómeno típico de la época fueron las letras pomposas, galantes y eróticas de Marine y todo el movimiento poético que engendró, el llamado "marinismo". La gravedad de la cultura artística del siglo XVII. a la unificación sintética de varios tipos de arte recibió una respuesta con el brillante florecimiento de la ópera italiana y el surgimiento de nuevos géneros musicales: la cantata y el oratorio. En la ópera romana de la década de 1630, es decir, el período del Barroco maduro, el entretenimiento decorativo adquirió gran importancia, subordinando tanto el canto como la música instrumental. Incluso intentan escenificar óperas puramente religiosas, llenas de patetismo extático y milagros, cuando la acción cubre la tierra y el cielo, tal como se hacía en la pintura. Sin embargo, al igual que la literatura, donde el marinismo enfrentó la oposición clasicista y fue ridiculizado por poetas satíricos avanzados, la ópera muy pronto traspasó los límites de la cultura de la corte y expresó gustos más democráticos. Esto se reflejó en la penetración de motivos de canciones populares en la ópera y en el alegre entretenimiento de la trama en el espíritu de la commedia dell'arte (comedia de máscaras).

Así, aunque el barroco es el movimiento dominante en Italia en el siglo XVII, no cubre toda la diversidad de fenómenos culturales y artísticos de esta época. El arte realista de Caravaggio, que revela la pintura del siglo XVII, actúa como lo opuesto a toda la estética barroca. A pesar de las condiciones sociales desfavorables para el desarrollo del realismo, las tendencias realistas de género en la pintura se hicieron sentir a lo largo del siglo XVII.

En todas las bellas artes italianas del siglo XVII. Sólo se pueden nombrar dos grandes maestros de importancia paneuropea: Caravaggio y Bernini. En varias de sus manifestaciones, el arte italiano del siglo XVII. lleva una huella específica del declive de la vida social, y es muy significativo que Italia, antes que otros países, ideó un nuevo programa realista en pintura, pero resultó incapaz de implementarlo de manera consistente. La arquitectura italiana tiene un significado histórico incomparablemente más brillante que la pintura, que, junto con la francesa, ocupa un lugar destacado en la arquitectura europea del siglo XVII.

artista italiano Miguel Ángel Merisi de Caravaggio glorificó el famoso claroscuro. Las figuras de sus cuadros parecen emerger de la oscuridad, atrapadas por brillantes rayos de luz. Este método fue adoptado por numerosos seguidores tras la muerte del artista.

Tomando a Cristo bajo custodia, 1602

El arte de Caravaggio tuvo una gran influencia en el trabajo no solo de muchos maestros italianos, sino también de los principales maestros de Europa occidental del siglo XVII: Rubens, Jordaens, Georges de La Tour, Zurbarán, Velázquez, Rembrandt. Los caravaggistas aparecieron en España (José Ribera), Francia (Trofime Bigot), Flandes y Países Bajos (los caravaggistas de Utrecht, Gerrit y Willem van Honthorst, Hendrik Terbruggen, Judith Leyster) y otros países europeos, por no hablar de la propia Italia (Orazio Gentileschi, su hija Artemisia Gentileschi).

"Entierro" (1603)

Miguel Ángel Merisi de Caravaggio (29 de septiembre de 1571, Milán - 18 de julio de 1610, Porto Ercole) - Artista italiano, reformador de la pintura europea del siglo XVII, fundador del realismo en la pintura, uno de los más grandes maestros del barroco. Fue uno de los primeros en utilizar el estilo de pintura de claroscuro: un marcado contraste de luces y sombras. No se encontró ni un solo dibujo o boceto; el artista inmediatamente realizó sus complejas composiciones sobre lienzo.

Milán 1571-1591

Hijo del arquitecto Fermo Merisi y su segunda esposa Lucia Aratori, hija de un terrateniente de la localidad de Caravaggio, cerca de Milán. Su padre se desempeñó como gerente del marqués Francesco Sforza da Caravaggio. En 1576, durante la peste, el padre y el abuelo murieron, la madre y los hijos se trasladaron a Caravaggio.

David y Goliat 1599

Los primeros mecenas del futuro artista fueron el duque y la duquesa de Colonna.En 1584, Miguel Ángel Merisi llegó a Milán al taller de Peterzano, considerado alumno de Tiziano. En ese momento, el manierismo dominaba el mundo artístico de Italia, pero en Milán la posición del realismo lombardo era fuerte.

Las primeras obras del artista, pintadas en Milán, escenas de género y retratos, no han sobrevivido hasta nuestros días.

Ya a finales de la década de 1580, la vida del irascible Merisi se vio ensombrecida por escándalos, peleas y encarcelamientos que lo acompañarían durante toda su vida.

En 1589, el artista regresa a casa para vender su terreno, aparentemente necesitado de dinero. La última vez que visita la casa es tras la muerte de su madre en 1590. En el otoño de 1591, se vio obligado a huir de Milán tras una disputa por un juego de cartas que acabó en asesinato. Tras detenerse primero en Venecia, se dirige a Roma.

"La vocación del apóstol Mateo" (1600)

Roma 1592-1594

En la capital, según la costumbre de los artistas italianos de la época, recibió un apodo asociado a su lugar de nacimiento, como, por ejemplo, lo fue con Veronese o Correggio. Así Miguel Ángel Merisi se convirtió en Caravaggio.

En 1593, Caravaggio ingresó al taller de Cesari d'Arpino, quien le encargó que pintara flores y hojas en los frescos. En el estudio de d'Arpino conoció a mecenas y artistas, en particular a Jan Brueghel el Viejo.

Las primeras obras de Caravaggio fueron escritas bajo la influencia de Leonardo da Vinci (conoció a La Virgen de las Rocas y La Última Cena en Milán), Giorgione, Tiziano, Giovanni Bellini y Mantegna.El primer cuadro que nos ha llegado es “Niño pelando fruta” (1593).En el taller de d'Arpino, Caravaggio conoció a Mario Minniti, quien se convirtió en su alumno y modelo para varias pinturas, la primera de las cuales fue "Joven con una cesta de frutas" (1593-1594).

"Niño con una cesta de frutas", 1593-94, Galería Borghese

Después de la pelea, Caravaggio termina en la prisión de Tor di Nona, donde conoce a Giordano Bruno.Pronto rompe con Cesari d'Arpino; el vagabundo Caravaggio invitó a Antiveduto Grammatica a su casa.

En 1593 enfermó de fiebre romana (uno de los nombres de la malaria) y durante seis meses estuvo en el hospital al borde de la vida o la muerte. Quizás, bajo la impresión de estar enfermo, pintó el cuadro "Baco enfermo" (1593), su primer autorretrato.

"Baco enfermo" (detalle) (1593), Galería Borghese

Las primeras pinturas de varias figuras se crearon en 1594: se trata de "Sharpies" y "Fortune Teller" (Museos Capitolinos). Georges de La Tour escribiría más tarde su “Adivino” con una composición idéntica.

"Ronders" (1594)

"Adivino" (1594)

En el otoño de 1594, Caravaggio comenzó a trabajar para el cardenal Francesco del Monte y se mudó a su Villa Madama, donde se reunió con Galileo, Campanella, Della Porta y los poetas Marino y Milesi.

Roma 1595-1599

Este período de su vida, transcurrido en Villa Madama, resultó muy fructífero para Caravaggio, además, casi todas las pinturas creadas en esta época han sobrevivido hasta el día de hoy.En el cuadro “Músicos” (1595), Mario Minniti está representado en el centro, y junto a él el artista se colocó con un cuerno.

"Músicos" (1595). Caravaggio se pintó con una trompeta entre dos músicos

En la imagen de Cupido con uvas, algunos investigadores ven un indicio erótico de una relación con Minniti. Minniti también aparece representado en el cuadro “El niño mordido por un lagarto” (1596, Londres), vendido al marchante de arte Valentino.

"El niño mordido por un lagarto"

En 1595, a pesar de las recomendaciones de Gentileschi, Gramática y Prospero Orsi, a Caravaggio se le negó la admisión en la Academia de San Lucas. El principal opositor a la admisión de Caravaggio en la Academia fue su presidente, Federico Zuccaro. Creía que los efectos de las pinturas de Caravaggio eran consecuencia de su carácter extravagante, y que el éxito de sus pinturas se debía únicamente a su "tono de novedad", que era muy valorado por los mecenas adinerados.

En 1596, Caravaggio creó la primera naturaleza muerta en la historia de la pintura italiana: "Cesta de frutas".

"Cesta de frutas" (1596), Pinacoteca Ambrosiana, Milán

En “El laudista” (1596, Hermitage), la partitura resultó fácil de leer: se trata de un madrigal de Jacob Arkadelt “Sabes que te amo”. Se desconoce a quién va dirigido este mensaje.

Pinta cuadros como:

"Baco" (1596)

Y también “La cortesana Phyllida” (1597), “Retrato de Maffeo Barberini” (1598).En 1597, el cardenal del Monte recibió el encargo de pintar el techo de su residencia. Así apareció el único fresco de Caravaggio, “Júpiter, Neptuno y Plutón”.

Las pinturas de Caravaggio se están volviendo populares.La verdadera fama de Caravaggio provino de sus pinturas de temas bíblicos: “Descanso en la huida a Egipto” (1597) fue innovadora en su ejecución. “La principal ventaja de la imagen es el ambiente luminoso recreado magistralmente, que crea una atmósfera de poesía y paz, complementado con un paisaje modesto, pintado bajo la clara impresión de los recuerdos de su Lombardía natal con sus juncos y juncos cerca de la superficie del agua. , álamos plateados contra el fondo de una cresta montañosa y el cielo azul del atardecer”.

"Descanso en la huida a Egipto" (1597)

También escribió “El éxtasis de St. Francisco" (1595), "Sacrificio de Isaac" (1598).

Éxtasis de San Francisco, 1595

"El sacrificio de Isaac"

La primera imagen femenina en la obra de Caravaggio, “La Penitente María Magdalena” (1597), muestra la capacidad del artista para proporcionar una interpretación profunda y poéticamente significativa de la imagen. La pintura fue vendida al banquero y mecenas del arte Vincenzo Giustignani.

"María Magdalena penitente"

ellos la siguieron

"Santa Catalina de Alejandría" (1598)

"Marta y María" (1598)

“Judith decapitando a Holofernes” (1598) demuestra que Caravaggio, en su realismo, no rehuye efectos deliberadamente naturalistas.

En “Juan Bautista” (1598) se nota la influencia de Miguel Ángel:

Caravaggio se hizo famoso. Deja Villa Madama y se traslada a la casa del banquero y coleccionista Ciriaco Mattei, quien compró el Adivino. Después de una pelea con Caravaggio, Mario Minniti se casó y se fue a Sicilia.

Roma 1600-1606

Durante varios meses, Caravaggio se escondió en la finca Colonna. Allí pintó varios cuadros, pero su estilo se volvió lúgubre: “San Francisco en meditación” (1606), “Cena en Emaús” (1606). La figura de Cristo recuerda al fresco de Leonardo "La Última Cena".

Caravaggio se trasladó a Nápoles, donde pintó más de diez cuadros, aunque no todos sobrevivieron:

"El éxtasis de la Magdalena" (1606)

"Cristo en la columna" (1607)

"Salomé con la cabeza de Juan Bautista" (1607)

Por encargo de la iglesia de Pio Monte della Misericordia, pintó con gran energía pictórica las Siete Obras de la Misericordia (1607), que aún se encuentran en esta iglesia.

Inesperadamente, en julio de 1607, Caravaggio se dirigió a Malta, a La Valeta.

"Calle. Jerónimo" (1608)

norte Lo pintó para la Catedral de San Giovanni dei Cavalieri y gustó al Gran Maestre de la Orden de Malta, Alof de Vignacourt. Caravaggio pinta retratos de Alof de Vignacourt, más tarde muy apreciado por Delacroix, y colega del maestro Antonio Martelli.

El 14 de julio de 1608, Caravaggio se convirtió en Caballero de la Orden de Malta sin derecho a llevar la cruz de Malta, ya que no era un noble.

INTRODUCCIÓN

El siglo XVII fue de particular importancia para la formación de las culturas nacionales de los tiempos modernos. Durante esta época se completó el proceso de localización de las grandes escuelas de arte nacionales, cuya originalidad estuvo determinada tanto por las condiciones del desarrollo histórico como por la tradición artística que se desarrolló en cada país: Italia, Flandes, Holanda, España y Francia. Esto nos permite considerar el siglo XVII. como una nueva etapa en la historia del arte.

Comparado con el Renacimiento, el arte del siglo XVII. más complejo, más contradictorio en contenido y formas artísticas. La percepción poética holística del mundo, característica del Renacimiento, se destruye, el ideal de armonía y claridad resulta inalcanzable.

Cultura artística del siglo XVII. Refleja la complejidad de la era que preparó la victoria del sistema capitalista en los países avanzados de Europa. En las obras de los artistas se afirma una percepción más holística y profunda de la realidad. El concepto de síntesis de las artes recibe una nueva interpretación. Ciertos tipos de arte, como las obras individuales, pierden su aislamiento y luchan por reunirse entre sí. Los edificios se incluyen orgánicamente en el espacio de una calle, plaza o parque. La escultura se vuelve dinámica e invade la arquitectura y el espacio del jardín. La pintura decorativa complementa lo inherente al interior arquitectónico con efectos de perspectiva espacial.

En manifestaciones extremas, el arte barroco llega a lo irracional, al misticismo, afectando la imaginación y el sentimiento del espectador con tensión dramática y expresión de formas. Los acontecimientos se interpretan a gran escala; los artistas prefieren representar escenas de tormento, éxtasis o panegíricos de hazañas y triunfos.

El arte del clasicismo se basa en un principio racional. Desde el punto de vista del clasicismo, bello es sólo aquello que es ordenado, razonable y armonioso. Los héroes del clasicismo subordinan sus sentimientos al control de la razón, son sobrios y dignos.

Las características de estos dos grandes estilos se entrelazan en el arte de un país e incluso en la obra de un artista, dando lugar a contradicciones en el mismo. Junto con el barroco y el clasicismo, surgió en las artes visuales un reflejo realista más directo y poderoso de la vida, libre de elementos estilísticos. El siglo XVII pertenece a los mayores maestros del realismo: Velázquez, Rembrandt, Hals, Caravaggio y otros. . .

ARTE DE ITALIA

Arquitectura

Barromini. La irracionalidad, la expresividad y el pintoresquismo del barroco encuentran su expresión extrema en la obra de Francesco Barromini (1599 - 1667). Sin tener en cuenta la lógica de los diseños y las capacidades de los materiales, reemplaza las líneas rectas y los planos por otros curvos, redondeados y retorcidos.

Utilizando líneas cóncavas y convexas alternas dispuestas en forma de diamante, construye un plano para la pequeña iglesia de San Carlo cerca de las cuatro fuentes en Roma (1634 - 1667). Su compleja fachada ondulada, atravesada por una columnata de dos niveles, está decorada con esculturas decorativas, nichos profundos y un panel ovalado pintado que rompe la cornisa y destruye el equilibrio.

Bernini. Como los maestros del Renacimiento, el fundador del estilo barroco maduro, Lorenzo Bernini (1598 - 1680), fue una persona polifacética. Arquitecto, escultor, pintor y brillante decorador, cumplió principalmente órdenes de los papas y dirigió la dirección oficial del arte italiano. Uno de sus edificios más característicos es la iglesia de Sant'Andrea al Quirinale en Roma (1653 - 1658).

La obra arquitectónica más grande de Bernini fue la finalización de muchos años de construcción de la Catedral de San Petersburgo. San Pedro en Roma y el diseño de la plaza frente a ella. Construidas según su diseño, dos poderosas alas de la monumental columnata cerraban el vasto espacio de la plaza. Las columnatas, que irradian desde la fachada occidental principal de la catedral, primero forman una forma trapezoidal y luego se convierten en un enorme óvalo, enfatizando la movilidad especial de la composición, diseñada para organizar el movimiento de recesiones masivas. 284 columnas y 80 pilares de 19 m de altura componen esta columnata cubierta de cuatro hileras, 96 grandes estatuas coronan su ático.

Escultura

Bernini. En la Catedral de St. Pedro también se encuentran obras escultóricas magistralmente ejecutadas de Bernini: el altar Silla de San Pedro. Petra con figuras de padres de la iglesia, santos y ángeles, brillando con dorado, atrayendo con su dinámica tormentosa.

Además de la escultura decorativa barroca, Bernini crea una serie de estatuas y retratos, que a veces superan el marco del arte barroco. La naturaleza de su búsqueda innovadora se manifiesta en la estatua “David” (1623, Roma, Galería Borgheso).

La sutileza de la observación de la vida impregna la obra posterior de Bernini: el grupo de altar “Éxtasis de San Pedro”. Teresa" (1644 - 1652, Roma, Iglesia de Santa Maria della Vittoria) que sirvió de modelo a muchos escultores barrocos no sólo en Italia, sino también en otros países.

Cuadro.

Carvaggio. Miguel Ángel Merisi da Caravaggio (1573 - 1610). Entre las primeras pinturas se encuentra “La muchacha con el laúd” (1595, Leningrado, Hermitage). La niña toca música. En la mesa de enfrente hay un violín, partituras y fruta. Todos estos objetos están pintados con habilidad perfeccionada en su densa redondez, materialidad y tangibilidad. El rostro y la figura de la niña están esculpidos con claroscuros, el fondo oscuro enfatiza la riqueza de los tonos claros que sobresalen, la objetividad de todo lo presentado.

La composición “La vocación de Mateo” (1597 - 1601, Roma, Capilla Contarelli en la Iglesia de San Luigi dei Francesi), que representa a dos jóvenes con trajes modernos de la época, mirando con curiosidad a Cristo que entra, se resuelve como una escena de género. Mateo volvió su mirada hacia Cristo, mientras el tercer joven, sin levantar la cabeza, seguía contando el dinero.

De cuadro en cuadro, el poder trágico de las imágenes de Caravaggio aumenta. En “El Entierro” (1604, Roma, Pinacoteca Vaticana), sobre un fondo profundamente oscuro, un grupo muy unido de personas cercanas a Cristo destaca con una luz brillante mientras bajan su cuerpo a la tumba.

Academia de Bolonia. Aníbal Carracci. El más talentoso de los hermanos Carracci fue Annibale (1560 - 1609), autor de un gran número de imágenes de altar y pinturas sobre temas mitológicos. Pintó junto con sus hermanos el Palacio Farnese de Roma (1597 - 1604).

Pintura decorativa del Barroco.

Las pinturas de Pietro da Cortona (1596 - 1669) en el Palazzo Barberini se distinguen por su inusual esplendor y sus elegantes colores festivos. Andrea Pozzo (1642 - 1709) utilizó perspectivas complejas y efectos ilusorios en las pinturas de Sant'Ignazio en Roma.

Junto al movimiento barroco oficial, que dominó los grandes centros, a lo largo del siglo XVII. Muchos artistas continuaron trabajando en las provincias, preservando las tradiciones del realismo en su trabajo. Entre ellos, el boloñés Giuseppe Maria Cresi (1665 - 1747) destacó por la especial riqueza emocional de su arte, allanando el camino para el desarrollo del realismo en el período posterior.

Universidad Estatal Regional de Moscú

Resumen sobre la historia del arte.

Arte italiano del siglo XVII.

Realizado:

estudiante por correspondencia

33 grupos de la Facultad de Bellas Artes y Ciencias

Minakova Evgenia Yurievna.

Comprobado:

Moscú 2009

Italia en el siglo XVII.

Arquitectura. Estilo barroco en la arquitectura.

Arquitectura. Barroco temprano.

Arquitectura. Barroco alto o maduro.

Arquitectura. Arquitectura barroca en las afueras de Roma.

Arte. Características generales.

Arte. Barroco temprano.

Arte. Flujo realista.

Arte. La segunda generación de artistas de la escuela boloñesa.

Arte. Barroco alto o maduro.

Arte. Barroco tardío.

Ya desde mediados del siglo XVI, el desarrollo histórico de Italia se caracterizó por el avance y la victoria de la reacción feudal-católica. Italia, económicamente débil y fragmentada en estados independientes separados, no puede resistir el ataque de países más poderosos: Francia y España. La larga lucha de estos estados por el dominio en Italia terminó con la victoria de España, asegurada por el tratado de paz de Cateau Cambresi (1559). A partir de ese momento, el destino de Italia estuvo estrechamente relacionado con el de España. Con la excepción de Venecia, Génova, Piamonte y los Estados Pontificios, Italia fue efectivamente una provincia española durante casi dos siglos. España involucró a Italia en guerras devastadoras, que a menudo tuvieron lugar en el territorio de los estados italianos, y contribuyeron a la difusión y fortalecimiento de la reacción feudal en Italia, tanto en la economía como en la vida cultural.

La posición dominante en la vida pública de Italia la ocupaban la aristocracia y el más alto clero católico. En las condiciones de profunda decadencia económica del país, sólo los grandes señores feudales seculares y eclesiásticos todavía tenían una riqueza material significativa. El pueblo italiano, campesinos y habitantes, se encontraba en una situación extremadamente difícil, condenado a la pobreza e incluso a la extinción. La protesta contra la opresión feudal y extranjera se expresa en numerosos levantamientos populares que estallaron a lo largo del siglo XVII y que en ocasiones adquirieron una escala formidable, como el levantamiento de Masaniello en Nápoles.

El carácter general de la cultura y el arte de Italia en el siglo XVII estuvo determinado por todas las características de su desarrollo histórico. Fue en Italia donde nació y se desarrolló más el arte barroco. Sin embargo, siendo dominante en el arte italiano del siglo XVII, esta dirección no fue la única. Además y paralelamente, se están desarrollando movimientos realistas, asociados a la ideología de los estratos democráticos de la sociedad italiana y que están recibiendo un desarrollo significativo en muchos centros artísticos de Italia.

La arquitectura monumental de la Italia del siglo XVII satisfizo casi exclusivamente las necesidades de la Iglesia católica y de la más alta aristocracia secular. Durante este período se construyeron principalmente iglesias, palacios y villas.

La difícil situación económica de Italia no permitió construir estructuras muy grandes. Al mismo tiempo, la iglesia y la más alta aristocracia necesitaban fortalecer su prestigio e influencia. De ahí el deseo de soluciones arquitectónicas inusuales, extravagantes, ceremoniales y nítidas, el deseo de una mayor decoración y sonoridad de las formas.

La construcción de edificios impresionantes, aunque no tan grandes, contribuyó a la creación de la ilusión del bienestar social y político del estado.

El barroco alcanza su mayor tensión y expresión en los lugares de culto y en las iglesias; sus formas arquitectónicas correspondían perfectamente a los principios religiosos y al lado ritual del catolicismo militante. Con la construcción de numerosas iglesias, la Iglesia católica buscó fortalecer y fortalecer su prestigio e influencia en el país.

El estilo barroco, desarrollado en la arquitectura de esta época, se caracteriza, por un lado, por el deseo de monumentalidad, por otro, por el predominio de los principios decorativos y pintorescos sobre los tectónicos.

Al igual que las obras de arte, los monumentos de la arquitectura barroca (especialmente las iglesias) fueron diseñados para mejorar el impacto emocional en el espectador. El principio racional que subyacía en el arte y la arquitectura del Renacimiento dio paso al principio irracional, la estática, la calma, la dinámica, la tensión.

El barroco es un estilo de contrastes y distribución desigual de elementos compositivos. En él, las formas arqueadas, curvilíneas, grandes y jugosas, son de particular importancia. Los edificios barrocos se caracterizan por la frontalidad y la construcción de fachadas. Los edificios se perciben en muchos casos desde un lado, desde el lado de la fachada principal, que a menudo oscurece el volumen de la estructura.

El barroco presta gran atención a los conjuntos arquitectónicos: la ciudad y el parque, pero los conjuntos de esta época se basan en principios diferentes a los conjuntos del Renacimiento. Los conjuntos barrocos en Italia se basan en principios decorativos. Se caracterizan por el aislamiento y la relativa independencia del sistema de planificación general del área urbana. Un ejemplo es el conjunto más grande de Roma: la plaza frente a la Catedral de San Petersburgo. Petra.

Columnatas y muros decorativos que cerraban el espacio frente a la entrada de la catedral cubrían los desordenados y aleatorios edificios ubicados detrás de ellos. No existe conexión entre la plaza y la compleja red adyacente de callejones y casas aleatorias. Los edificios individuales que forman parte de conjuntos barrocos parecen perder su independencia, subordinados por completo al plan compositivo general.

El barroco planteó de una manera nueva el problema de la síntesis de las artes. La escultura y la pintura, que juegan un papel muy importante en los edificios de esta época, entrelazadas entre sí y a menudo oscureciendo o deformando ilusoriamente las formas arquitectónicas, contribuyen a la creación de esa impresión de riqueza, esplendor y esplendor que invariablemente producen los monumentos barrocos.

La obra de Miguel Ángel fue de gran importancia para la formación de un nuevo estilo. En sus obras desarrolló una serie de formas y técnicas que luego se utilizaron en la arquitectura barroca. El arquitecto Vignola también puede considerarse uno de los predecesores inmediatos del barroco; en sus obras se pueden observar una serie de signos tempranos de este estilo.

Un nuevo estilo, el barroco en la arquitectura italiana, reemplazó al Renacimiento en los años 80 del siglo XVI y se desarrolló a lo largo del siglo XVII y la primera mitad del XVIII.

Convencionalmente, dentro de la arquitectura de esta época se pueden distinguir tres etapas: el Barroco temprano, desde la década de 1580 hasta finales de la de 1620, el Barroco alto o maduro, hasta finales del siglo XVII y posteriormente, la primera mitad del siglo XVII. siglo 18.

Se considera que los primeros maestros del barroco fueron los arquitectos Giacomo della Porta y Domenico Fontana. Pertenecían a la siguiente generación en relación con Vignola, Alessi, Ammanati, Vasari y terminaron su actividad a principios del siglo XVII. Al mismo tiempo, como se señaló anteriormente, las tradiciones del último Renacimiento continuaron vivas en las obras de estos maestros.

Giacomo della Porta. Giacomo della Porta (1541-1608) fue alumno de Vignola. Su primera construcción, la Iglesia de Sàta Catarina en Funari (1564), pertenece al estilo renacentista. Sin embargo, la fachada de la Iglesia del Gesù, que este arquitecto completó después de la muerte de Vignola (a partir de 1573), es mucho más barroca que el proyecto original de su maestro. La fachada de esta iglesia, con su característica división en dos niveles y volutas laterales, y el plano de construcción sirvieron de modelo para numerosas iglesias católicas en Italia y otros países. Tras la muerte de Miguel Ángel, Giacomo della Porta completó la construcción de la gran cúpula de la Catedral de San Pedro. Petra. Este maestro fue también el autor de la famosa Villa Aldobrandini en Frascati, cerca de Roma (1598-1603). Como es habitual, el edificio principal de la villa se encuentra en la ladera de la montaña; Una rampa redondeada de doble sentido conduce a la entrada principal. En el lado opuesto del edificio hay un jardín. Al pie de la montaña hay una gruta semicircular con arcos, encima hay una cascada de agua enmarcada por escaleras. El edificio en sí tiene una forma prismática muy sencilla y se completa con un enorme frontón roto.

En la composición de la villa, en las estructuras del parque que la componen y en la naturaleza de los detalles plásticos, se manifiesta claramente el deseo de belleza deliberada y refinamiento de la arquitectura, tan característico del barroco en Italia.

En el momento que nos ocupa, el sistema de parques italiano finalmente estaba tomando forma. Se caracteriza por la presencia de un único eje del parque, situado en la ladera de la montaña con numerosos taludes y terrazas. El edificio principal se ubica en el mismo eje. Un ejemplo típico de un complejo de este tipo es Villa Aldobrandini.

Doménico Fontana. Otro importante arquitecto del barroco temprano fue Domenico Fontana (1543-1607), uno de los sucesores romanos de Miguel Ángel y Vignola. Su obra más importante es el Palacio de Letrán en Roma. El palacio, tal como le dio Fontana, es una plaza casi regular con un patio cuadrado cerrado en su interior. El diseño de la fachada del palacio se basa íntegramente en la arquitectura del Palacio Farnese de Antonio Sangallo el Joven. En general, la construcción palaciega en Italia en el siglo XVII se basó en un mayor desarrollo del tipo compositivo de palacio-palacio, que fue desarrollado por la arquitectura del Renacimiento.

Junto con su hermano Giovanni Fontana, Domenico construyó en Roma la fuente Acqua Paolo en 1585-1590 (sin el ático, que luego fue realizado por Carlo Maderna). Su arquitectura se basa en la reelaboración de las formas de los antiguos arcos triunfales.

Carlos Maderna. El alumno y sobrino de Domenico Fontana, Carlo Maderna (1556-1629), finalmente fortaleció el nuevo estilo. Su obra es de transición al período del Barroco desarrollado.

La primera obra de Maderna es la fachada de la basílica paleocristiana de Susana en Roma (c. 1601). Inspirándose en el diseño de la fachada de la Iglesia del Gesù, la fachada de la Iglesia de Susanna está claramente dividida por órdenes, decorada con estatuas en nichos y numerosas decoraciones ornamentales.

En 1604 Maderna fue nombrado arquitecto jefe de la Catedral de San Petersburgo. Petra. Por orden del Papa Pablo V, Maderna elaboró ​​un proyecto para ampliar la catedral añadiendo la parte de entrada principal. El clero insistió en alargar la cruz griega a la forma latina, lo que estaba de acuerdo con la tradición de la arquitectura de la iglesia. Además, las dimensiones de la catedral de Miguel Ángel no cubrían completamente el área donde se encontraba la antigua basílica, lo que era inaceptable desde el punto de vista de los ministros de la iglesia.

Como resultado, al construir la nueva fachada frontal de la catedral, Maderna cambió por completo el plan original de Miguel Ángel. Este último concibió la catedral para que estuviera en el centro de una gran plaza, lo que permitiría caminar alrededor del edificio y verlo desde todos los lados. Maderna, con su ampliación, cerró los lados de la catedral al espectador: el ancho de la fachada excede el ancho de la parte longitudinal del templo. La ampliación del edificio llevó a que la cúpula de St. Petra se percibe plenamente sólo a una gran distancia; a medida que nos acercamos al edificio, desaparece poco a poco detrás del muro de la fachada.

El segundo período de la arquitectura barroca, el período de madurez y florecimiento del estilo, está asociado con la obra de los más grandes maestros: L. Bernini, F. Borromini, C. Rainaldi - en Roma, B. Longhena - en Venecia, F. Ricchini - en Milán, Guarino Guarini - en Turín.

Lorenzo Bernini. La figura central del Barroco maduro es Lorenzo Bernini (1598-1680). No sólo fue arquitecto, sino también el mayor escultor del siglo XVII en Italia.

Desde 1629, Bernini, tras la muerte de Maderna, continuó la construcción de la Catedral de San Pedro. Petra. En 1633, construyó un gran dosel de bronce en la catedral sobre la cúpula principal, sostenido por cuatro columnas retorcidas y deconstructivas en su núcleo. Según la tradición, este palio está considerado como la primera obra del barroco maduro. La decoración interior de la catedral de Bernini se inspiró en el diseño de Miguel Ángel. Esta decoración es un maravilloso ejemplo del interior de una iglesia barroca.

1. Arte Francia 17 siglo

   Resumen >> Cultura y arte

   Romano. En París, Poussin se reúne con la moda italiano poeta Cavalier Marino y lo ilustra... retratistas y pertenece a los mejores retratos de Europa arte 17 siglo. La fascinación de Poussin por el paisaje está asociada al cambio...

2. Características generales de la pintura flamenca en 17 siglo

   Resumen >> Cultura y arte

   flamenco Arte 17 Siglo. Características generales de la pintura flamenca en 17 siglo. Para holandés arte total 16 siglo es transitorio... hacia 1627, estudia las obras italiano cuadro. Admirando la obra de Tiziano, Tintoretto...

3. Escultura de Francia 17 siglo

   Trabajo del curso >> Cultura y arte

   Y arte" Sobre el tema: Escultura de Francia. 17 siglo. Contenidos: Introducción. 1. cultura francesa 17 siglo. 2. Escultores de Francia 17