Tko je izmislio kazalište. Što je kazalište

Povijest ruskog kazališta podijeljena je u nekoliko glavnih faza. Početna, razigrana faza nastaje u klanskom društvu i završava do 17. stoljeća, kada, zajedno s novim razdobljem ruske povijesti, počinje nova, zrelija faza u razvoju kazališta, koja kulminira uspostavom stalnog državnog profesionalnog kazališta. kazalište 1756. godine.

Pojmovi "kazalište" i "drama" ušli su u ruski rječnik tek u 18. stoljeću. Krajem 17. stoljeća u uporabi je bio pojam “komedija”, a cijelo stoljeće – “zabava” (Poteshny Chulan, Zabavna komora). U narodnim masama izrazu “teatar” prethodio je izraz “sramota”, izrazu “drama” - “igra”, “igra”. U ruskom srednjem vijeku definicije koje su sinonimi za njih bile su uobičajene - "demonske" ili "sotonske" šaljive igre. Razna čuda koja su u 16. stoljeću donijeli stranci također su nazivana zabavom. XVII stoljeća, i vatromet. Zabavom su se nazivale i vojne aktivnosti mladog cara Petra I. Pojam “igra” blizak je pojmu “igra” (“bufonske igre”, “gozbene igre”). U tom smislu su se i svatovi i kumeri nazivali “igra”, “igre”. “Svirati” ima sasvim drugo značenje u odnosu na glazbene instrumente: sviranje tamburice, šmrcanja i sl. Pojmovi “igra” i “igra” u usmenoj dramskoj umjetnosti sačuvali su se u narodu sve do 19. – 20. stoljeća.

Narodna umjetnost

Rusko kazalište nastalo je u drevna vremena. Njegovo porijeklo seže do narodna umjetnost- rituali, praznici povezani s radna aktivnost. S vremenom su rituali izgubili svoje magično značenje i pretvorio u izvedbene igre. U njima su se rodili elementi kazališta - dramska radnja, mrmljanje, dijalog. Kasnije su se najjednostavnije igre pretvorile u narodne drame; nastale su u procesu kolektivnog stvaralaštva i pohranjene su u ljudskom sjećanju, prenoseći se s koljena na koljeno.

U procesu svog razvoja igre su se diferencirale, raspadajući se na srodne i istovremeno sve više udaljavajući varijante jedna od druge - na drame, rituale, igre. Spajalo ih je samo to što su svi odražavali stvarnost i koristili slične izražajne metode – dijalog, pjesmu, ples, glazbu, maskiranje, glumu, glumu.

Igre su usadile ukus za dramsku kreativnost.

Igre su izvorno bile izravan odraz organizacije rodovske zajednice: imale su kolo, zborni karakter. U plesnim igrama zborska i dramska kreativnost bile su organski spojene. Pjesme i dijalozi obilno uključeni u igre pomogli su okarakterizirati slike igara. Misne komemoracije imale su i razigrani karakter, bile su tempirane u proljeće i zvale su se “Rusalije”. U 15. stoljeću sadržaj pojma “Rusalia” definiran je na sljedeći način: demoni u ljudskom obliku. A moskovski “Azbukovnik” iz 1694. već definira rusalije kao “bufonske igre”.

Kazališna umjetnost naroda naše domovine nastaje u ritualima i igrama, ritualnim radnjama. U feudalizmu su kazališnu umjetnost njegovale, s jedne strane, "narodne mase", as druge strane feudalno plemstvo, pa su se prema tome razlikovali i lakrdijaši.

Godine 957 velika kneginja Olga se u Carigradu upoznaje s kazalištem. Freske kijevske katedrale Svete Sofije iz posljednje trećine 11. stoljeća prikazuju hipodromske predstave. Godine 1068. lakrdijaši se prvi put spominju u kronikama.

Kijevska Rus je bila poznata po tri vrste kazališta: dvorskom, crkvenom i pučkom.

Glupiranje

Najstarije “kazalište” bile su igre narodnih glumaca – lakrdijaša. Lažljivost je složena pojava. Lađani su se smatrali svojevrsnim vračevima, ali to je pogrešno, jer ih buđavi, sudjelujući u obredima, ne samo da nisu vjerski jačali, nego čarobni karakter, nego su naprotiv unijeli svjetovne, svjetovne sadržaje.

Svatko se mogao našaliti, odnosno zapjevati, zaplesati, našaliti se, odglumiti skečeve, zasvirati na instrumentima i odglumiti, odnosno portretirati neku osobu ili stvorenje. Ali vještim lakrdijašima postajali su i nazivani samo oni čija se umjetnost svojom umjetnošću izdvajala iznad razine umjetnosti masa.

Paralelno s narodnim kazalištem razvijala se profesionalna kazališna umjetnost, čiji su nositelji u staroj Rusiji bili lakrdijaši. Pojava u Rusiji povezana je s igrama šaljivdžija kazalište lutaka. Prvi ljetopisni podaci o lakrdijašima poklapaju se s pojavom freski koje prikazuju nastupe lakrdijaša na zidovima kijevske katedrale Svete Sofije. Redovnik kroničar naziva lakrdije slugama đavola, a umjetnik koji je oslikao zidove katedrale smatrao je mogućim uključiti njihov lik u crkvene ukrase uz ikone. Šaljivdžije su se povezivale s masama, a jedna od njihovih vrsta umjetnosti bila je "glum", odnosno satira. Skomoroki se nazivaju "rugači", to jest rugači. Ruganje, sprdnja, satira i dalje će biti čvrsto vezane uz lakrdije.

Svjetska umjetnost lakrdijaša bila je neprijateljska prema crkvenoj i klerikalnoj ideologiji. O mržnji koju je svećenstvo gajilo prema umjetnosti lakrdijaša svjedoče zapisi kroničara ("Priča o prošlim godinama"). Crkvena učenja 11. i 12. stoljeća izjavljuju da su mummeri kojima pribjegavaju lakrdije također grijeh. Lakovci su bili podvrgnuti posebno oštrom progonu u godinama tatarskog jarma, kada je crkva počela intenzivno propovijedati asketski način života. Nikakvo progonstvo nije iskorijenilo umijeće lakrdije među ljudima. Naprotiv, uspješno se razvijao, a njegova satirična žalac se zaoštravala.

U staroj Rusiji bili su poznati zanati povezani s umjetnošću: ikonopisci, draguljari, rezbari drveta i kostiju, pisari knjiga. U njihov broj spadali su i lakrdijaši, koji su bili “lukavi”, “majstori” pjevanja, glazbe, plesa, poezije, drame. Ali oni su smatrani samo zabavljačima, zabavljačima. Njihova umjetnost bila je ideološki vezana uz narodne mase, uz obrtnike, koji su obično bili suprotstavljeni vladajućim masama. To je njihovu vještinu učinilo ne samo beskorisnom, nego, sa stajališta feudalaca i klera, ideološki štetnom i opasnom. Predstavnici kršćanske crkve stavljali su bufone pored mudraca i čarobnjaka. U obredima i igrama još uvijek nema podjele na izvođače i gledatelje; nedostaju im razvijeni zapleti i preobrazba u slike. Javljaju se u narodnoj drami prožetoj oštrim socijalnim motivima. Pojava javnih kazališta usmene tradicije povezana je s pučkom dramom. Glumci ovih pučkih kazališta (bufoni) ismijavali su moćnike, svećenstvo, bogataše i simpatično prikazivali obični ljudi. Folklorne kazališne predstave temeljile su se na improvizaciji i uključivale su pantomimu, glazbu, pjevanje, ples i crkvene brojeve; izvođači su koristili maske, šminku, kostime i rekvizite.

Priroda nastupa lakrdijaša u početku nije zahtijevala njihovo ujedinjenje u velike skupine. Za izvođenje bajki, epova, pjesama i sviranje na instrumentu bio je dovoljan samo jedan izvođač. Skomoroki napuštaju svoja rodna mjesta i lutaju ruskim tlom u potrazi za poslom, seleći se iz sela u gradove, gdje služe ne samo seoskim, već i gradskim, a ponekad čak i kneževskim dvorovima.

Bufoni su također bili uključeni u pučke dvorske predstave, koje su se umnožile pod utjecajem poznanstva s Bizantom i njegovim dvorskim životom. Kad su na moskovskom dvoru postavljeni Zabavni ormar (1571.) i Zabavna komora (1613.), lakrdijaši su se našli u položaju dvorskih luda.

Nastupi lakrdijaša bili su objedinjeni različiti tipovi umjetnosti: i dramske, i crkvene, i “varijetea”.

Kršćanska crkva suprotstavila je narodne igre i umjetnost lakrdije ritualnoj umjetnosti, zasićenoj religioznim i mističnim elementima.

Predstave lakrdijaša nisu se razvile u profesionalno kazalište. Nije bilo uvjeta za rađanje kazališnih družina - uostalom, vlast je progonila lakrdije. Crkva je također progonila lakrdije, obraćajući se za pomoć svjetovnim vlastima. Pismo žalbe Trojice-Sergijevom samostanu iz 15. stoljeća i Povelja poslana su protiv lakrdijaša. početkom XVI stoljeća. Crkva je ustrajno stavljala lakrdije u rang s nositeljima poganskog svjetonazora (magi, vračevi). Pa ipak su bufonske predstave nastavile živjeti, razvilo se pučko kazalište.

Istodobno je crkva poduzela sve mjere da potvrdi svoj utjecaj. To je došlo do izražaja u razvoju liturgijske drame. Neke liturgijske drame stigle su nam zajedno s kršćanstvom, druge - u 15. stoljeću, zajedno s novousvojenom svečanom poveljom "velike crkve" ("Procesija pometanja", "Pranje nogu").

Unatoč korištenju kazališnih i zabavnih oblika, ruska crkva nije stvorila vlastito kazalište.

U 17. stoljeću Simeon Polocki (1629.-1680.) pokušao je na temelju liturgijske drame stvoriti umjetničku književnu dramu; taj se pokušaj pokazao izoliranim i neuspješnim.

Kazališta 17. stoljeća

U 17. stoljeću razvile su se prve usmene drame, jednostavne radnje, koje su odražavale pučke osjećaje. Lutkarska komedija o Petrushki (isprva se zvao Vanka-Ratatouille) govorila je o pustolovinama pametnog, veselog momka koji se nije bojao ničega na svijetu. Kazalište se istinski javlja u 17. stoljeću - dvorsko i školsko kazalište.

Dvorsko kazalište

Nastanak dvorskog kazališta uzrokovan je zanimanjem dvorskog plemstva za Zapadna kultura. Ovo se kazalište pojavilo u Moskvi pod carom Aleksejem Mihajlovičem. Prva izvedba predstave “Artakserksov čin” (priča o biblijskoj Esteri) održana je 17. listopada 1672. godine. Dvorsko kazalište isprva nije imalo vlastite prostorije, kulise i kostimi selili su se s mjesta na mjesto. Prve predstave postavio je pastor Gregory iz njemačkog naselja, a glumci su također bili stranci. Kasnije su počeli nasilno privlačiti i obučavati ruske “mladiće”. Plaće su dobivali neredovito, ali nisu štedjeli na dekoracijama i kostimima. Predstave su se odlikovale velikom pompom, ponekad praćene sviranjem na instrumentima i plesom. Nakon smrti cara Alekseja Mihajloviča, dvorsko kazalište je zatvoreno, a predstave su nastavljene tek pod Petrom I.

Školsko kazalište

Uz dvorsko kazalište u Rusiji se u 17. st. razvija i školsko kazalište pri Slavensko-grčko-latinskoj akademiji, u bogoslovijama i školama u Lavovu, Tiflisu i Kijevu. Igrokaze su pisali učitelji, a učenici su postavljali povijesne tragedije, alegorijske drame bliske europskim čudima, interludije – satirične svakodnevne scene u kojima se protestiralo protiv društveni poredak. Sporedne predstave u školskom kazalištu postavile su temelj žanru komedije u nacionalnoj drami. Počeci školskog kazališta bili su poznati politički lik i dramatičar Simeon Polotsky.

Pojava dvorskih školskih kazališta proširila je sferu duhovnog života ruskog društva.

Kazalište početkom XVIII stoljeća

Po nalogu Petra I., Javno kazalište je stvoreno 1702. godine, namijenjeno masovnoj publici. Posebno za njega izgrađena je zgrada na Crvenom trgu u Moskvi - "Hram komičara". Tamo je nastupala njemačka trupa J. H. Kunsta. Repertoar je uključivao strane drame koje nisu imale uspjeha u javnosti, a kazalište je prestalo postojati 1706., jer su prestale subvencije Petra I.

Zaključak

Nova stranica u povijesti izvedbena umjetnost narodi naše domovine otvarali su kmetska i amaterska kazališta. U kmetskim družinama koje su postojale od krajem XVIII stoljeća priređivani su vodvilji, komične opere, baleti. Na temelju kmetskih kazališta u nizu gradova nastala su privatna poduzeća. Ruska kazališna umjetnost imala je blagotvoran utjecaj na formiranje profesionalnog kazališta naroda naše domovine. U trupi prve profesionalna kazališta uključivao nadarene amatere – predstavnike demokratske inteligencije.

Kazalište u Rusiji u 18. stoljeću steklo je ogromnu popularnost, postalo vlasništvo širokih masa, još jedna javno dostupna sfera ljudske duhovne djelatnosti.

Kazalište (grč. θέατρον - glavno značenje je mjesto za spektakle, zatim - spektakl, od θεάομαι - gledam, vidim) - spektakularni oblik umjetnosti, koji je sinteza različitih umjetnosti - književnosti, glazbe, koreografije, vokala, likovne umjetnosti i dr. te ima svoju specifičnost: promišljanje stvarnosti, sukoba, likova, kao i njihovo tumačenje i vrednovanje, odobravanje određenih ideja ovdje se događa kroz dramsku radnju, čiji je glavni nositelj glumac.

Generički koncept "kazališta" uključuje njegove različite vrste: dramsko kazalište, opera, balet, kazalište lutaka, kazalište pantomime itd.

Kazalište je u svim vremenima bilo kolektivna umjetnost; V moderno kazalište U stvaranju predstave, uz glumce i redatelja (dirigenta, koreografa), sudjeluju scenograf, skladatelj, koreograf, te rekviziteri, kostimografi, šminkeri, scenografi i tehničari rasvjete.

Razvoj kazališta uvijek je bio neodvojiv od razvoja društva i stanja kulture u cjelini - njegov procvat ili pad, prevlast pojedinih umjetničkih pravaca u kazalištu i njegova uloga u duhovnom životu zemlje bili su povezani s osobitosti društvenog razvoja.

KAZALIŠTE (od grč. theatron - mjesto za spektakl, prizor), glavna vrsta zabavne umjetnosti. Generički pojam kazališta dijeli se na vrste kazališne umjetnosti: dramsko kazalište, opera, balet, kazalište pantomime itd. Podrijetlo pojma povezuje se sa starogrčkim kazalištem, gdje su se tako nazivala sjedala u gledalištu (od grčkog glagola “theaomai” - gledam). Međutim, danas je značenje ovog pojma izuzetno raznoliko. Dodatno se koristi u sljedećim slučajevima:

1. Kazalište je zgrada posebno izgrađena ili prilagođena za prikazivanje predstava ("Kazalište je već puno, lože sjaje" A. S. Puškina).

2. Institucija, poduzeće koje se bavi prikazivanjem predstava, kao i cijeli tim svojih zaposlenika koji pružaju iznajmljivanje kazališnih predstava (Kazalište Mossovet; obilasci Kazališta Taganka itd.).

3. Skup dramskih ili scenskih djela, strukturiranih prema jednom ili onom principu (Čehovljevo kazalište, renesansno kazalište, japansko kazalište, kazalište Marka Zakharova itd.).

4. U zastarjelom značenju (sačuvano samo u kazališnom profesionalnom argotu) - pozornica, pozornica („Plemenito siromaštvo je dobro samo u kazalištu” A. N. Ostrovskog).

5. B figurativno značenje– mjesto događanja u tijeku (pozorište vojnih operacija, anatomsko kazalište).

Kao i svaka druga umjetnost (glazba, slikarstvo, književnost) i kazalište ima svoje posebnosti. Riječ je o sintetičkoj umjetnosti: kazališno djelo (predstava) sastoji se od teksta predstave, rada redatelja, glumca, umjetnika i skladatelja. U operi i baletu glazba igra odlučujuću ulogu.

Kazalište je kolektivna umjetnost. Predstava je rezultat aktivnosti mnogih ljudi, ne samo onih koji izlaze na pozornicu, već i onih koji šiju kostime, izrađuju rekvizite, postavljaju rasvjetu, pozdravljaju publiku. Ne postoji uzalud definicija “kazališnih radioničara”: predstava je i kreativnost i produkcija.

Kazalište nudi svoj način razumijevanja svijeta oko nas i, shodno tome, svoj skup umjetnička sredstva. Predstava je i posebna radnja koja se odigrava u prostoru pozornice i posebno imaginativno mišljenje, različito od, recimo, glazbe.

Kazališna predstava temelji se na tekstu, na primjer predstava za dramska izvedba. Čak i u tim scenske produkcije gdje nema riječi kao takve, potreban je tekst; osobito balet, a ponekad i pantomima, ima scenarij – libreto. Proces rada na predstavi sastoji se od prenošenja dramskog teksta na pozornicu – to je svojevrsni “prijevod” s jednog jezika na drugi. Time književna riječ postaje scenska riječ.

Prvo što publika vidi nakon što se zastor otvori (odnosno podigne) je scenski prostor u kojem je postavljena scenografija. Oni označavaju mjesto radnje, povijesno vrijeme i odražavaju nacionalnu boju. Uz pomoć prostornih konstrukcija možete čak prenijeti raspoloženje likova (na primjer, u epizodi herojeve patnje uronite scenu u tamu ili pokrijte njezinu pozadinu crnom bojom). Tijekom radnje, uz pomoć posebne tehnike, mijenja se scenografija: dan se pretvara u noć, zima u ljeto, ulica u sobu. Ova tehnika se razvijala zajedno sa znanstvenom mišlju čovječanstva. Mehanizmi za podizanje, štitovi i poklopci, kojima se u davna vremena upravljalo ručno, sada se podižu i spuštaju elektronički. Svijeće i plinske svjetiljke zamijenjene su električnim svjetiljkama; Često se koriste i laseri.

Još u antici formiraju se dvije vrste pozornice i gledališta: kutija i amfiteatar. Pozornica u kutijama nudi razine i klupe, a pozornica u amfiteatru okružena je gledateljima s tri strane. Sada se obje vrste koriste u svijetu. Suvremena tehnologija omogućuje promjenu kazališnog prostora - urediti platformu u sredini gledališta, smjestiti gledatelja na pozornicu i izvesti predstavu u dvorani.Zgradi kazališta oduvijek se pridavala velika važnost. Kazališta su se obično gradila na središnji trg gradovi; arhitekti su željeli da zgrade budu lijepe i privlače pažnju. Dolaskom u kazalište gledatelj se odvaja od svakodnevice, kao da se izdiže iznad stvarnosti. Stoga nije slučajno da stubište ukrašeno ogledalima često vodi u dvoranu.

Glazba pomaže pojačati emocionalni učinak dramske izvedbe. Ponekad zvuči ne samo tijekom radnje, već iu pauzi - kako bi se održao interes javnosti. Glavna osoba u predstavi je glumac. Gledatelj pred sobom vidi osobu koja se misteriozno pretvorila u umjetničku sliku - jedinstveno umjetničko djelo. Naravno, umjetničko djelo nije sam izvođač, nego njegova uloga. Ona je kreacija glumca, stvorena glasom, živcima i nečim neopipljivim – duhom, dušom. Da bi se radnja na pozornici doživjela kao cjelovita, potrebno ju je organizirati promišljeno i dosljedno. Te dužnosti u suvremenom kazalištu obavlja redatelj. Naravno, puno toga ovisi o talentu glumaca u predstavi, no ipak su oni podređeni volji voditelja – redatelja. Ljudi, kao i prije mnogo stoljeća, dolaze u kazalište. Tekst drama zvuči s pozornice, transformiran snagama i osjećajima izvođača. Umjetnici vode vlastiti dijalog – i to ne samo verbalni. Ovo je razgovor gesta, položaja, pogleda i izraza lica. Imaginacija dekorativnog umjetnika, uz pomoć boje, svjetla i arhitektonskih struktura na pozornici, čini da scenski prostor “progovori”. A sve skupa zatvoreno je u stroge okvire redateljskog plana, što heterogenim elementima daje cjelovitost i cjelovitost.

Gledatelj svjesno (a ponekad i nesvjesno, kao protiv svoje volje) procjenjuje glumu i režiju, usklađenost rješenja kazališnog prostora s općim nacrtom. Ali glavno je da se on, gledatelj, upoznaje s umjetnošću, za razliku od drugih, stvorenom ovdje i sada. Shvaćanjem smisla predstave shvaća smisao života. Povijest kazališta se nastavlja.

Vrste i žanrovi kazališne umjetnosti

VODVILJ je vrsta sitcoma sa stihovima i plesovima. Podrijetlom iz Francuske; s početka 19. stoljeća. dobio paneuropsku distribuciju. Najbolje radove karakterizira razigrana zabava i aktualno promišljanje stvarnosti.

DRAMA je jedna od vodećih dramskih vrsta, počevši od prosvjetiteljstva, u kojoj se prikazuje svijet prava osoba u svom izrazito konfliktnom, ali ne i beznadnom odnosu s društvom ili samim sobom. U 20. stoljeću Drama se odlikovala ozbiljnim sadržajem, odražavala je različite aspekte ljudskog života i društva te istraživala ljudsku psihologiju.

KOMEDIJA je dramska vrsta u kojoj se radnja i likovi tumače u komičnim oblicima. Kao i tragedija, rođena je u staroj Grčkoj iz rituala koji su pratili procesije u čast boga Dioniza. Komedija je, trezveno istražujući ljudsku prirodu, ismijavala poroke i zablude ljudi. Najbolji primjerci ovog žanra odlikuju se beskompromisnom analizom, oštrinom i hrabrošću u ismijavanju poroka društva. Različite zemlje razvile su vlastite verzije komedije. Poznate su “znanstvena” komedija talijanskih humanista i španjolska komedija Lopea de Vege i Calderona, engleska komedija renesanse, francuska klasicistička komedija prosvjetiteljstva i ruska realistička komedija. Prema principu organizacije radnje razlikuje se komedija karaktera, situacija i ideja. Prema vrsti zapleta komedije mogu biti svakodnevne i lirske, a prema naravi komičnog – humoristične, satirične.

MELODRAMA je drama zaoštrene intrige, pretjerane emocionalnosti, oštrog kontrasta dobra i zla, moralno-poučne tendencije. Nastao je krajem 17. stoljeća. u Francuskoj, u Rusiji - 20-ih godina. XIX stoljeće

MIM je komični žanr u starom narodnom kazalištu, kratki improvizacijski skečevi satirične i zabavne naravi.

OPERA je vrsta glazbene i dramske umjetnosti u kojoj se sadržaj utjelovljuje sredstvima glazbene dramaturgije, uglavnom kroz vokalnu glazbu. Književna osnova opere – libreto. U tome glazbeni žanr poezija i dramska umjetnost, vokalna i instrumentalna glazba, mimika, ples, slikarstvo, scenografija i kostimi stopljeni su u jedinstvenu cjelinu.

MISTERIJA je žanr srednjovjekovnog zapadnoeuropskog vjerskog kazališta. Misteriji su se prikazivali na gradskim trgovima. Religiozni prizori izmjenjivali su se s interludijama.

MONODRAMA je dramsko djelo koje izvodi jedan glumac.

MORALITE - žanr zapadnoeuropskog kazališta 15.-16. stoljeća, poučna alegorijska drama, čiji su likovi personificirali razne vrline i mane.

MJUZIKL je glazbeno-scensko djelo, uglavnom komičnog karaktera, koje koristi sredstva zabavne i svakodnevne glazbe, dramske, koreografske i operne umjetnosti, žanr se formirao u SAD-u god. potkraj XIX V.

PARODIJA - 1) žanr u kazalištu, na pozornici, svjesno oponašanje u satirične, ironične i humoristične svrhe individualnog načina, stila, stereotipa govora i ponašanja; 2) iskrivljena sličnost nečega.

PASTORAL - opera, pantomima ili balet, čija je radnja povezana s idealiziranim prikazom pastirskog života.

SOTI - komedijsko-satirični žanr francusko kazalište XV-XVII st., vrsta farse.

TRAGEDIJA (u prijevodu s grčkog “pjesma jaraca”) dramska je vrsta prožeta patosom tragičnog. U antici je prikazivao neposredni život likova u tragičnim događajima; radnja je prevladavala nad pričom. Tijekom renesanse u dramama je odbačeno jedinstvo radnje, koje se smatralo obaveznim, tragično se često spajalo s komičnim. Naknadno je tragedija strogo regulirana: opet prevladava jedinstvo radnje, mjesta i vremena; Postoji razgraničenje između komičnog i tragičnog. U modernoj kazališnoj tragediji u čisti oblik je rijetka. Osnovu tragedije čine akutni društveni sukobi, temeljni problemi egzistencije, sukobi pojedinca sa sudbinom i društvom. Tragični sukob obično se rješava smrću junaka.

TRAGIKOMEDIJA je dramsko djelo koje ima obilježja i komedije i tragedije. Temelji se na osjećaju relativnosti postojećih životnih kriterija; Dramaturg istu pojavu vidi iu komičnom iu tragičnom svjetlu, karakterističnom za 20. stoljeće.

Farsa - 1) vrsta srednjovjekovnog zapadnoeuropskog narodnog kazališta svakodnevnih komedija satirične prirode, koja je postojala u XIV-XVI stoljeću. Blizak njemačkom fastnachtspielu, talijanskoj commedia dell'arte itd.; 2) u kazalištu 19.-20.st. komedija-vodvilj laka sadržaja s čisto vanjskim komičkim tehnikama.

Ekstravaganca je žanr kazališnih predstava u kojima se scenski efekti koriste za fantastične scene. Nastao u Italiji u 17. stoljeću.

FLIAKI - narodne kazališne predstave u staroj Grčkoj, osobito raširene u 3.-4.st. PRIJE KRISTA. u grčkim kolonijama: kratke improvizacijske dosjetke i prizori iz svakodnevnog života o veselim pustolovinama bogova i heroja.

2. Kazalište antičke Grčke.

Pojava kazališta u antičkoj Grčkoj.

Kazalište je jedna od najstarijih umjetnosti. Njegovo podrijetlo se gubi u primitivnom društvu. Kazalište je proizašlo iz pučkih lovačkih i zemljoradničkih igara čarobne prirode. Vjerujući da oponašanje životinje, njezin izgled i navike mogu utjecati na rezultat lova, primitivni ljudi Organizirali su plesove ljudi odjevenih u životinjske kože.

S pojavom poljoprivrede pojavili su se i festivali kojima se slavila žetva. Na svetkovini u čast boga vina Dioniza vinogradari su u kozjim kožama prikazivali razne epizode iz Dionizova života i opjevali moć vinova loza dajući radost.

Iz ove pjesme ljudi u jarećim kožama nastala je tragedija (tragos je grčki za "kozu").

Iz istih tih praznika posvećenih Dionizu nastala je komedija (od riječi komos – neobuzdana zabava). Komedija je, za razliku od ozbiljnih i tužnih tragedija, izazivala smijeh.

S vremenom su grčke kazališne predstave izgubile vezu sa štovanjem boga Dioniza; govorile su o životima drugih grčki bogovi, herojima, ali i o običnim ljudima.

Struktura kazališta u staroj Grčkoj.

Kazališta u staroj Grčkoj građena su pod na otvorenom, na obroncima planina i brda. Bile su predviđene za nekoliko tisuća, pa čak i nekoliko desetaka tisuća gledatelja. Publika je sjedila na kamenim klupama podignutim izbočinama, okrenuta prema širokoj okrugloj ili četvrtastoj platformi - orkestri.

grčko kazalište. U središtu je orkestar. Na njemu je s desne i lijeve strane kor, u sredini je kip Dioniza. Orkestar zatvara sköne - zatvorena prostorija za presvlačenje glumaca. Ispred skene su tri glumca. Crtež suvremenog umjetnika temeljen na iskopinama grčkog kazališta. U središtu je orkestar. Na njemu je s desne i lijeve strane kor, u sredini je kip Dioniza. Orkestar zatvara sköne - zatvorena prostorija za presvlačenje glumaca. Ispred skene su tri glumca. Crtež suvremenog umjetnika na temelju podataka s iskopavanja

Orkestar je uključivao glumce i zbor, odjevene u skladu s predstavom.

Iza orkestra nalazila se prostorija za presvlačenje glumaca - skesh (otud i moderni naziv - pozornica). U njemu su glumci nosili odjeću i velike maske jarkih boja. U početku su se maske izrađivale od drveta, a zatim od platna impregniranog gipsom i premazanog bojom. Maske su omogućile svim gledateljima, čak i onima koji su sjedili vrlo daleko, da vide "izraz lica" koji odgovara radnji - žalosan, patnički, strog, vedar. Osim toga, širom otvorena usta maske stvarala su nešto poput megafona, pojačavajući glumčev glas.

Visina glumca porasla je uz pomoć takozvanih buskins - sandala s vrlo debelim potplatom. Ženske uloge u grčkom kazalištu igrali su muškarci.

Tragični i komični pjesnici u antičkoj Grčkoj.

U Ateni su se održavala natjecanja tragičnih i komičnih pjesnika. Svaki od njih morao je napisati i postaviti tri drame. Pobjednik je nagrađen vijencem od zimzelenog lovora. Poznati grčki tragični pjesnici 5. stoljeća. PRIJE KRISTA e. - Eshil, Sofoklo i Euripid. Eshil, sudionik grčko-perzijskih ratova, u tragediji “Perzijanci” osudio je perzijskog despota Kserksa zbog okrutnosti i samovolje, te veličao hrabrost Grka u borbi za slobodu svoje domovine. Junaci mnogih Eshilovih tragedija su bogovi i polubogovi. U tragediji "Okovani Prometej", junak mita, titan Prometej, prikazan je kao nesebični prijatelj i dobročinitelj čovječanstva, hrabri borac protiv tiranije i nasilja, utjelovljen u liku Zeusa.

U Sofoklovim tragedijama ne djeluju toliko bogovi kao ljudi. Tragedija "Antigona" prikazuje hrabru ženu koja je progovorila protiv nepravedne odluke kralja i zbog toga je osuđena na smrt. Antigona se hrabro suočila s presudom. Umrvši, pobijedila je, jer se sam kralj naknadno pokajao i ukinuo, iako kasno, svoju kaznu. Tragedija "Antigona" bila je strastveni apel na humanost, na odanost dužnosti, na pravdu.

Euripid je tragediju približio gledatelju, učinivši je razumljivijom i relevantnijom. Pjesnik hrabro postavlja pitanja koja zabrinjavaju mnoge suvremenike o nepravednosti neravnopravnosti žena. Portretira ljude sa svim njihovim strastima, osjećajima i težnjama, kao i starogrčki glumac. Na licu mu je tragična maska. Noge imaju buskins. Figurica od slonovače, oslikani starogrčki glumac. Na licu mu je tragična maska. Noge imaju buskins. Figurica od slonovače, obojena bojama kakve su u životu.

Najveći komični pjesnik bio je Aristofan. U svojim je djelima ljutito razotkrivao nedostatke atenske demokracije svoga vremena, čineći mnoge njezine vođe smiješnima. Aristofan se oštro suprotstavljao ratovima između Grka, koji su koristili samo šačici robovlasnika, i veličao ljude mirnog rada. Mnoge Aristofanove komedije ismijavaju prijevaru, pohlepu i nepravdu olimpskih bogova. Tako u komediji “Ptice” Zeusa prikazuje kao lopova i varalicu, Posejdona kao podmitljivača, a Herkula kao proždrljivca. Aristofanove komedije uživale su zasluženi uspjeh u narodu.

Značenje grčkog kazališta.

Kazalište je bilo najveća snaga u grčkim državama. Cijeli je narod slušao autore tragedija i komedija. Pjesma zbora iz tragedije "Antigona" - "Mnogo je čuda na svijetu, ali čovjek je najdivniji od svih" - postala je omiljena pjesma Atenjana.

Kazalište su nazivali “školom za odrasle”. Usađivao je ljubav prema domovini, poštovanje prema radu, hrabrost i druge divne osobine, te uočavao nedostatke u strukturi društva.

Grčko kazalište imalo je golem utjecaj na razvoj kazališne umjetnosti naroda moderne Europe. Kazalište našeg vremena nije samo posudilo terminologiju grčkog kazališta, već mnoge svoje značajke i tehnike duguje Grcima. Drame starogrčkih dramatičara, nastale prije više od dvije tisuće godina, utjecale su na stvaralaštvo mnogih velikih dramskih pisaca modernoga doba. Kod nas i u nekim drugim zemljama još uvijek se postavljaju Eshilova, Sofoklova i Euripidova djela. Posebnom odlukom Svjetskog vijeća za mir cijelo je progresivno čovječanstvo nedavno proslavilo Aristofanovu obljetnicu. Razmišljanja i osjećaji ljudi daleke epohe, izraženi u tragedijama i komedijama Grka, uzbuđuju nas.

3. Djela Eshila, Sofokla, Euripida, Aristofana.

Eshil

Eshil je postao pravi utemeljitelj tragedije. Autor je više od sedamdeset djela od kojih je do nas došlo samo sedam: “Persijanci”, “Molitelji”, “Sedmorica protiv Tebe”, “Prometej okovan”, “Agamemnon”, “Choephori”, “ Eumenide”. Sve Eshilove drame prožete su snažnim religioznim osjećajem, temelje se na sukobu ljudskih strasti i duhovnosti.

Eshil je začetnik ideološki građanske tragedije, suvremenik i sudionik grčko-perzijskih ratova, pjesnik vremena stvaranja demokracije u Ateni. Glavni motiv njegova rada je veličanje građanske hrabrosti i domoljublja. Jedan od najznamenitijih junaka Eshilovih tragedija je nepomirljivi bogoborac Prometej, personifikacija stvaralačkih snaga Atenjana. Ovo je slika nepokolebljivog borca ​​za visoke ideale, za sreću ljudi, utjelovljenje razuma koji pobjeđuje moć prirode, simbol borbe za oslobođenje čovječanstva od tiranije, utjelovljen u slici okrutnog i osvetoljubivog Zeusa, čijoj je ropskoj službi Prometej dao prednost mukama.

Sofokla

Sofoklo je napisao 125 drama, od kojih je sačuvano sedam tragedija: “Antigona”, “Ajaks”, “Kralj Edip”, “Elektra” itd. Prema Aristotelu, Sofoklo je prikazivao idealne ljude, dok je Euripid prikazivao ljude onakvima kakvi jesu u stvarnosti zapravo. Euripid je bio više komentator nego sudionik događaja i bio je duboko zainteresiran za žensku psihologiju. Najpoznatija od 19 djela koja su došla do nas su Medeja i Fedra.

Značajka svih antičkih drama bio je zbor koji je pjevanjem i plesom pratio cijelu radnju. Eshil je uveo dva glumca umjesto jednoga, reducirajući zborske dijelove i fokusirajući se na dijalog, što je bio odlučujući korak u transformaciji tragedije iz čisto mimetičke zborske lirike u pravu dramu. Igra dvoje glumaca omogućila je pojačanu napetost radnje. Pojava trećeg aktera Sofoklova je inovacija koja je omogućila da se ocrtaju različite linije ponašanja u istom sukobu.

Euripida

Euripid je u svojim tragedijama odražavao krizu tradicionalne polisne ideologije i potragu za novim temeljima svjetonazora. Osjetljivo je odgovarao na goruća pitanja političke i društveni život, a njegovo je kazalište bilo svojevrsna enciklopedija intelektualnog kretanja Grčke druge polovice 5. stoljeća. PRIJE KRISTA e. U Euripidovim djelima postavljani su razni društveni problemi, iznosile su se i raspravljale nove ideje.

Antička kritika je Euripida nazivala "filozofom na pozornici". Pjesnik ipak nije bio pristalica stanovitog filozofsko učenje, a njegovi stavovi nisu bili dosljedni. Njegov stav prema atenskoj demokraciji bio je ambivalentan. Glorificirao ju je kao sustav slobode i jednakosti, ali ga je istodobno plašila jadna “gomila” građana koja je pod utjecajem demagoga odlučivala na javnim skupštinama. Zajednička nit koja se provlači kroz cjelokupno Euripidovo djelo jest zanimanje za pojedinca s njegovim subjektivnim težnjama. Veliki dramatičar portretirao je ljude s njihovim porivima i porivima, radostima i patnjama. Svojom svojom kreativnošću Euripid je natjerao gledatelje da razmišljaju o svom mjestu u društvu, o svom stavu prema životu.

Aristofan

Najpoznatiji komediograf bio je Aristofan, koji je svoje satirične “strijelice” znao usmjeriti protiv tadašnjih političara, pisaca i filozofa. Njegova najmarkantnija djela su “Ose”, “Žabe”, “Oblaci”, “Lizistrata”. Junaci Aristofanovih komedija nisu legendarne ličnosti, već stanovnici Aristofanove suvremene Atene: trgovci, zanatlije, robovi. U komedijama nema takvog poštovanja prema bogovima kao u tragedijama. Ponekad su bili i ismijani.

Aristofan daje hrabru satiru o političkom i kulturnom stanju Atene u vrijeme kada demokracija počinje doživljavati krizu. Njegove komedije predstavljaju različite slojeve društva: državnike i generale, pjesnike i filozofe, seljake i ratnike, građane i robove. Aristofan postiže oštre komične efekte, spajajući stvarno i fantastično i dovodeći ismijanu ideju do apsurda. Aristofan ima gibak i živ jezik, ponekad bliži svakodnevnom, ponekad vrlo grub i primitivan, ponekad parodično uzdignut i bogat neočekivanim komičnim tvorbama riječi.

Znanost i književnost stare Grčke stvarali su slobodni ljudi obdareni poetskim i mitološkim poimanjem svijeta. U svemu što je Grk shvaćao otkrivao je sklad, bio to svemir ili ljudska osobnost. Grk je u svojoj mitološkoj percepciji produhovljivao sve što je njegova svijest dotakla. Harmonija i duhovnost ono je što određuje organizam i cjelovitost grčke kulture, a prije svega umjetnosti.

4. Kazalište staroga Rima.

U III-II stoljeću prije Krista. e. Kazalište igra veliku ulogu u Rimu; radnje su predstava posuđene od Grka, ali su likovi rimskog podrijetla.

Rimsko kazalište nastalo je raspadom patrijarhalno-plemenskog sustava. Nije poznavao društvene i plesne oblike grčkog kazališta i nije se oslanjao na amaterske predstave gradskog stanovništva. Rimsko je kazalište odmah postalo profesionalno.

Rimsko kazalište nije bilo povezano s kultom božanstva, kao u Grčkoj, pa nije imalo isti društveni značaj. Glumci nisu bili poštovani, nego prezreni ljudi. Bili su unovačeni među robovima i oslobođenicima i mogli su biti pretučeni zbog lošeg učinka. Predstave su priređivane u čast državnih praznika, kao iu svako drugo vrijeme na inicijativu nekog od plemenitih građana.

Dugo vremena u Rimu nije bilo stalnih kazališnih zgrada.

Za predstave su građene posebne privremene drvene konstrukcije koje su se po završetku predstave rušile. Pozornica je bila drvena platforma podignuta iznad tla do pola ljudske visine. Do njega su vodila tri uska stubišta od nekoliko stepenica, po kojima su se penjali likovi koji su (prema radnji) došli iz drugog grada. Pozadina je bila stražnja stijenka separea sa zavjesom. Postojale su klupe za gledatelje, no ponekad se predstave moglo gledati samo stojeći.Tako su se igrale dosta dugo, uključujući i Plautove komedije.

No, s razvojem dramaturgije rasla je potreba za promjenama u izvedbi. O potrebi izgradnje stalne posebne kazališne zgrade u Rimu raspravljao je Senat. No, Senat je smatrao da kazalište feminizira mladež i kvari žene - te je 154. godine zaustavio gradnju kamenog kazališta koja je započela nekoliko godina ranije.

Prvo stalno kameno kazalište izgrađeno je oko 55. pr. zapovjednika Gneja Pompeja Velikog i primao je 17 tisuća gledatelja.

Rimsko kazalište razlikovalo se od grčkog. Veličina orkestra smanjena je za pola, pretvorila se u polukrug. (u helenističkom kazalištu orkestar je zauzimao tri četvrtine kruga).

Etruščani i Rimljani, kao i svi narodi, imali su obredne i kultne pjesme i igre, postojalo je i kazalište pučke komedije, kazalište histrion, koje potječe od Etruščana, te pučko kazalište Athelan (iz grada Atella) sa stalnim maskirani likovi bili su bliski grčkoj mimici: budala Bukkon, budala Makk, prostački Papp, lukavi Dossen. Budući da kazališna predstava nije bila vezana uz kult božanstva, već je bila vremenski prilagođena blagdanima, cirkuskim predstavama, borbama gladijatora, trijumfima i ukopima državnika te posvećenjima hramova, rimsko je kazalište bilo primijenjeno-funkcionalne naravi. Rimska republika, a posebno carstvo, bili su oligarhijska država, pa je i razvoj kulturnog života išao drugačije, što se odrazilo i na kazalište. Pod takvim uvjetima nije mogla pustiti duboke korijene. Status glumca bio je drugačiji nego u Grčkoj. Za razliku od Grka, on nije bio punopravni član društva i njegova je profesija bila prezrena.

Organizacija rimskog kazališta imao svoje specifičnosti. U predstavi nije sudjelovao zbor, a glumci nisu nosili maske. Problemi rimske drame nisu se uzdigli do moralnih visina antičke Grčke. Do našeg su vremena u cijelosti stigla djela samo dvojice dramatičara: Plauta i Terencija, komediografa, od kojih je jedan potjecao iz nižih slojeva društva, a drugi je bio rob kojeg je gospodar pustio na slobodu zbog njegova talenta. Radnje njihovih komedija crpljene su iz drama neo-atičke komedije; njihov glavni lik bio je pametan, znatiželjan rob. Tragički žanr zastupljen je samo u djelima Seneke, stoičkog filozofa koji je pisao drame na mitološke teme za uski krug elite, a ona, strogo govoreći, nisu vezana uz kazalište.

Uspostavom Rimskog Carstva pantomima je postala široko rasprostranjena. Ipak, rimska dramaturgija imala je veliki utjecaj na dramaturgiju modernog doba u razdoblju klasicizma: Corneille, Racine (u postantičkoj Europi grčki jezik bio je malo tko poznat).

5. Organizacija kazališnih predstava u staroj Grčkoj i starom Rimu.

U Rimu, kao i u Grčkoj, kazališne predstave održavale su se neredovito, ali su se vremenski poklapale s određenim praznicima. Sve do sredine 1.st. PRIJE KRISTA. U Rimu nije bilo izgrađeno kameno kazalište. Predstave su se odvijale u drvenim konstrukcijama koje su po završetku demontirane. U početku u Rimu nije bilo posebnih mjesta za gledatelje, te su “scenske igre” gledali stojeći ili sjedeći na padini brda uz pozornicu.

Prvo kameno kazalište u Rimu izgradio je Pompej tijekom svog drugog konzulata, 55. pr. Nakon njega u Rimu su izgrađena i druga kamena kazališta.

Značajke rimske kazališne zgrade bile su sljedeće: sjedala za gledatelje bila su točan polukrug; polukružni orkestar nije bio namijenjen zboru (više ga nije bilo u rimskom kazalištu), već je bio mjesto za povlaštene gledatelje; pozornica je bila niska i duboka.

Produkcije rimskog kazališta bile su spektakularne i bile su namijenjene uglavnom plebejskim gledateljima. "Kruha i cirkusa" ovaj slogan je bio vrlo popularan među običnim ljudima u Rimu. Počeci rimskog kazališta bili su ljudi niskog ranga i oslobođenici.

Jedan od izvora kazališnih predstava u Rimu bile su narodne pjesme. To uključuje fescenine - zajedljive, ljutite rime koje su razbacivali seljani koji su mrmljali tijekom žetvenih praznika. Mnogo je u kazalište došlo iz Atellane - narodne komedije maski koja je nastala među plemenima Oscana koji su živjeli u Italiji u blizini grada Atella.

Atellana je u rimsko kazalište donijela ustaljene maske koje su imale svoje podrijetlo u drevnim etruščanskim Saturninskim igrama, održanim u čast starog italskog boga Saturna. Atellan je imao četiri maske: Makk - budala i proždrljivac, Bukk - glupi hvalisavac, praznogovornik i glupan, Papp - jednostavan, glupi starac i Dossen - ružni šarlatanski znanstvenik. Ovo lijepo društvo već dugo uveseljava poštene ljude.

Treba spomenuti još jednu drevnu vrstu dramske radnje - mimičar. U početku je to bila gruba improvizacija koja se izvodila na talijanskim praznicima, posebice na proljetnom festivalu Floralia, a kasnije je mimika postala književni žanr.

U Rimu je bilo poznato nekoliko žanrova dramskih predstava. Pjesnik Gnaeus Naevius stvorio je i takozvanu pretextatu-tragediju, čiji su likovi nosili pretexte - odjeću rimskih magistrata.

Komedija je u Rimu bila zastupljena s dvije vrste; komedija togata i komedija paliata. Prva je vesela predstava temeljena na lokalnom itelijskom materijalu. Njegovi likovi bili su ljudi običnog ranga. Togata je dobila ime po vanjskoj rimskoj odjeći – togi. Autori takvih komedija, Titinije, Afranije i Ata, poznati su nam samo iz pojedinih sačuvanih fragmenata. Naziv komedije palliata povezivao se s kratkim grčkim ogrtačem - pallium. Autori ove komedije okrenuti su prvenstveno stvaralačkoj baštini grčkih dramatičara, predstavnika novoatičke komedije - Menandra, Filemona i Difila. Rimski komedičari često su spajali scene iz različitih grčkih drama u jednu komediju.

Najpoznatiji predstavnici komedije palliata su rimski dramatičari Plaut i Terence.

Plaut, kojemu svjetsko kazalište duguje mnoga umjetnička otkrića (glazba je postala sastavni dio radnje, čula se i u lirskim i u komičnim scenama), bio je univerzalna ličnost: pisao je tekstove, glumio u predstavama koje je sam postavljao (“ Magarci”, “Lonac”, “Hvalisavi ratnik”, “Amfitrion” itd.). Bio je iskren narodni umjetnik, poput njegovog kazališta.

Terencea najviše zanimaju obiteljski sukobi. Iz svojih komedija izbacuje grubu farsu, dotjeruje ih u jeziku, u oblicima u kojima se izražavaju ljudska osjećanja (“Djevojka iz Andosa”, “Braća”, “Svekrva”). Nije slučajno što je tijekom renesanse Terencijevo iskustvo bilo toliko korisno novim majstorima drame i kazališta.

Sve veća kriza dovela je do toga da je starorimska drama ili propadala ili se ostvarivala u oblicima nevezanim za samo kazalište. Tako najveći tragični pjesnik Rima, Seneka, svoje tragedije ne piše za izvođenje, već kao “drame za čitanje”. Ali Atellana se nastavlja razvijati, broj njegovih maski se nadopunjuje. Njezine produkcije često su se doticale političkih i društvenih tema. Tradicije atellane i mime, zapravo, nikada nisu umrle u narodu; one su nastavile postojati u srednjem vijeku i renesansi.

U Rimu je vještina glumaca dosegla vrlo visoku razinu. Tragični glumac Ezop i njegov suvremenik, komični glumac Roscije (1. st. pr. Kr.) uživali su ljubav i poštovanje javnosti.

Kazalište antičkog svijeta postalo je sastavni dio duhovnog iskustva cijelog čovječanstva, postavljajući velik dio temelja za ono što danas nazivamo modernom kulturom.

6. Kazalište srednjeg vijeka. Religiozno i ​​narodno kazalište

Povijest srednjovjekovnog kazališta kulturološki je presjek cijele jedne epohe (srednji vijek - doba feudalnog sustava, V-XVII. st.), iz kojega se može proučavati svijest srednjovjekovnog čovjeka. U ovoj svijesti postojale su kontradiktorne kombinacije zdravog narodno značenje i najbizarnija praznovjerja, žar vjere i ismijavanje crkvenih dogmi, spontana ljubav prema životu, žudnja za zemaljskim stvarima i surovi asketizam usađen od crkve. Često su narodna, realistična načela dolazila u sukob s idealističkim religioznim idejama i “zemaljsko” je preuzimalo primat nad “nebeskim”. I samo srednjovjekovno kazalište nastalo je u dubokim slojevima narodne kulture.

Još potkraj ranog srednjeg vijeka na trgovima i gradskim ulicama te u bučnim krčmama pojavljuju se lutajući zabavljači - histrioni. U Francuskoj su ih zvali žongleri, u Engleskoj - ministranti, u Rusiji - buffoons. Vješti histrion bio je samostalan nastup. Bio je mađioničar i akrobat, plesač i glazbenik; mogao je izvesti točku s majmunom ili medvjedom, odglumiti komičnu scenu, hodati na kotaču ili ispričati nevjerojatnu priču. U tim pričama i predstavama živio je vedri duh sajma, slobodna šala.

Još je odvažnija bila umjetnost vaganta. Ovdje su vladale parodija i satira. Vaganti ili "lutajući klerici" su poluobrazovani sjemeništarci i razriješeni svećenici. Na melodiju crkvenih pjesama, pjevali su hvalospjeve “Svepijajućem Bahusu” i parodirali molitve i crkvene službe. Histrioni i vaganti, progonjeni od crkve, ujedinili su se u bratstva, privlačeći najrazličitije ljude. To je, primjerice, bio slučaj u Francuskoj s “Bratstvom bezbrižne djece” koje je vodio princ budala. “Dečki” su igrali zabavne “glupe” točke (soti), u kojima se ismijavalo sve i svatko, a crkva se predstavljala u liku majke lude.

Crkva je progonila Histre i Vagante, ali je bila nemoćna uništiti ljubav naroda prema kazališnim spektaklima. U nastojanju da crkvenu službu – liturgiju učini učinkovitijom, počinje se koristiti i sam kler kazališne forme. Na temelju prizora iz Svetoga pisma nastaje liturgijska drama. Igralo se u hramu, a kasnije na trijemu ili crkvenom dvorištu. U XIII-XIV stoljeću. javlja se novi žanr srednjovjekovno kazalište Drugim riječima, to je čudo ("čudo"). Zaplete čuda posuđene su iz legendi o svecima i Djevici Mariji. Jedno od najpoznatijih je “Teofilovo čudo” francuskog pjesnika iz 13. stoljeća. Rutbefa.

Vrhunac srednjovjekovnog kazališta - misterija.

Ovaj žanr doživljava procvat u 15. stoljeću. U misterijima je sudjelovalo gotovo cijelo stanovništvo grada: neki kao glumci (do 300 i više ljudi), drugi kao gledatelji. Predstava je bila prilagođena sajmu, posebnoj prigodi, a otvorena je šarenom povorkom građana svih dobi i staleža. Zapleti su preuzeti iz Biblije i Evanđelja. Akcija je trajala od jutra do večeri nekoliko dana. Sjenice su izgrađene na drvenoj platformi, od kojih je svaka imala svoje događaje. Na jednom kraju platforme nalazio se bogato ukrašen raj, na suprotnom kraju bio je pakao sa razjapljenim ustima zmaja, instrumentima za mučenje i ogromnim kotlom za grešnike. Ukrasi u središtu bili su krajnje lakonski: natpis iznad vrata "Nazaret" ili pozlaćeno prijestolje bili su dovoljni da naznače grad ili palaču. Na pozornici su se pojavljivali proroci, prosjaci, vragovi predvođeni Luciferom... Prolog je prikazivao nebeske sfere, gdje je sjedio Bog Otac okružen anđelima i alegorijskim likovima – Mudrost, Milosrđe, Pravda itd. Potom se radnja preselila na zemlju i šire. - u pakao, gdje je Sotona pržio grešne duše. Pravednici su izašli u bijelom, grešnici u crnom, đavoli u crvenim tajicama, oslikani strašnim “licama”.

Najpatetičniji trenuci u predstavama bili su povezani s žalosnom Majkom Božjom i Isusovom mukom. Misterij je imao i svoje komične likove: lude, prosjake, đavole, kojih su se bojali, ali često i zavaravali. Patetika i komično koegzistirali su ne miješajući se jedno s drugim. Događaji su se razvijali uz najveću pozornost i intervenciju viših i nižih sila. Nebo, zemlja i pakao bili su jedno ogroman svijet, a čovjek je u ovome svijetu bio i zrno pijeska i središte - za njegovu su se dušu ipak borile sile puno moćnije od njega samog. Najpopularniji su bili misteriji Arnoula Grebana, kao i jedno od rijetkih djela na svjetovnu temu - "Misterij opsade Orleansa", koji je rekreirao događaje iz Stogodišnjeg rata (1337-1453) između Engleske i Francuska i podvig Orleanske djevojke - Ivane Orleanske, koja je vodila borbu francuskog naroda protiv engleskih osvajača, a potom izdana od francuskog kralja, kojem je vratila prijestolje.Biti javna izvedba upućena masovnoj publici , misterij je izražavao kako narodna, zemaljska načela, tako i sustav religioznih i crkvenih ideja.Ta unutarnja nedosljednost žanra dovela je do njegovog pada, a kasnije je poslužila i kao razlog za njegovu zabranu od strane crkve.

Još jedan popularan žanr bile su moralne drame. Činilo se da su se odvojile od misterijske igre i postale samostalne predstave poučne prirode. Igrale su se prispodobe o “Razbornom i nerazboritom”, o “Pravedniku i slavljeniku”, gdje prvi za životne partnere uzima Razum i Vjeru, a drugi - Neposlušnost i Rasipnost. U ovim parabolama patnja i blagost bivaju nagrađeni u nebu, dok tvrdoglavost i škrtost vode u pakao.

Igrali su moralne predstave na pozornici. Bilo je nešto poput balkona gdje su prikazivali žive slike nebeske sfere- anđeli i bog nad vojskama. Alegorijske figure, podijeljene u dva tabora, pojavile su se sa suprotnih strana, tvoreći simetrične skupine: Vjera - s križem u rukama, Nada - sa sidrom, Srebrnost - s torbicom zlata, Užitak - s narančom, a Laskanje je imalo lisičji rep, koji je pogladila Glupost.

Moralna drama je spor između osoba koji se igra na pozornici, sukob izražen ne kroz radnju, već kroz svađu između likova. Ponekad se u skečevima u kojima se govorilo o grijesima i porocima javljao element farse i društvene satire, u njih je prodirao dah gomile i „slobodni duh trga“ (A. S. Puškin).

Trgovačko kazalište, bilo da se radi o misterijskoj predstavi, moralnoj predstavi, soti ili predstavi histriona, odražavalo je ljubav prema životu srednjovjekovnog čovjeka, njegovu vedru odvažnost i žeđ za čudima - vjeru u pobjedu dobra i pravde.

I nije slučajno da je u 20.st. raste interes za srednjovjekovno kazalište. Dramatičare i redatelje privlači njegova privlačnost za mase, jasna razlika između dobra i zla svojstvena popularnoj svijesti, "univerzalni" opseg događaja, sklonost parabolama i svijetlim "plakatnim" metaforama. Poetikom ovog pučkog spektakla koristi se V. E. Mejerhold postavljajući dramu V. V. Majakovskog “Mystery-Buffe”. U Njemačkoj je parabolnu igru ​​odobrio B. Brecht. Na prijelazu iz 60-ih u 70-e, tijekom studentskog prosvjednog pokreta, L. Ronconi u Italiji na trgu je postavio “Pobješnjeli Roland” L. Ariosta, au Francuskoj A. Mnouchkine postavio je predstave Velike Francuske revolucije (“1789. “1791””). Čini se da antička kazališna tradicija dobiva sve više novi život, povezujući se s traženjima suvremenih kazališnih djelatnika.

Žanrovi srednjovjekovnog vjerskog kazališta

U 9.st. rođen je prvi žanr srednjovjekovnog vjerskog kazališta - liturgijska drama. Ova kazališna predstava bila je dio božje službe (liturgije).

Razlozi za pojavu ovog žanra najvjerojatnije su povezani sa željom svećenika da privuku što više ljudi vjeri, da bogoslužje (u srednjem vijeku su se kršćanske službe vodile na latinskom) učini razumljivijim za nepismene obične ljude. .

Liturgijska drama rođena je iz crkvenog tropa - dijaloškog prijepisa evanđeoskog teksta, koji je obično završavao pjevanjem. Nakon njega liturgija je nastavljena uobičajeno

Prva je liturgijska drama prizor triju Marija koje dolaze na Sveti grob. Ova drama odigrala se na Uskrs. Zaplet je bio da su Marije (svećenici koji su na glavu stavljali marame, označavajući žensku odjeću) došle do groba u kojem je trebalo ležati tijelo raspetog Krista, kako bi ga namazale pomašću. Međutim, u grobnici su sreli anđela (mladi svećenik u bijeloj halji). Već se u ovom prizoru pojavljuju dijalog i pojedinačni odgovori (između anđela i Marija), što nam omogućuje reći da je ova radnja bila prva liturgijska drama.

Svećenici su sami organizirali produkciju liturgijske drame. Predstave su se odvijale u hramu.

U početnoj fazi svog postojanja, liturgijska drama bila je bliska misi, njezin tekst potpuno se podudarao s tekstom službe, kako sadržajem tako i stilom. Liturgijska drama izvedena je na latinskom jeziku i bila je prožeta svečanim ugođajem, baš kao i misa. “Glumci” su recitirali svoje riječi pjevajući.

Postupno, drama postaje sve više izolirana od službe. Javljaju se dva samostalna ciklusa liturgijske drame - božićni (koji je uključivao epizode: procesiju pastira, nagovještaj rođenja Krista, štovanje mudraca, prizor gnjeva kralja Heroda koji je naredio pogubljenje svih bebe u Betlehemu) i uskrsni (sadržao je epizode povezane s Kristovim uskrsnućem).

S vremenom se i liturgijska drama razvija od statične i simbolične do djelotvorne. U njega se počinju uvoditi elementi kućanstva.

Izvorno stvoren kako bi bogoslužje bilo razumljivije župljanima, liturgijska drama je pojednostavljena vjerske ideje, što je, međutim, bilo bremenito velikom opasnošću za vjeru, jer je dovelo do njezine profanacije.

Godine 1210., dekretom pape Inocenta III., zabranjene su izvedbe liturgijske drame unutar crkvenih zgrada. U ovom trenutku liturgijska drama kao žanr prestaje postojati.

Međutim, religijsko kazalište ne nestaje. Liturgijska drama izlazi iz crkve na trijem i postaje poluliturgijska drama.

Još je više svjetovnih motiva u ovoj izvedbi. Gubi se čvrsta veza s bogoslužjem i crkvenim kalendarom, stoga izbor dana za izvedbu postaje slobodniji. Tijekom sajma igra se i poluliturgijska drama. Umjesto na latinskom, predstave se počinju odvijati na narodnim jezicima.

"Božanske" uloge i dalje su obavljali klerici. U izvedbi je korišteno crkveno ruho i posuđe. Akcija je bila popraćena pjevanjem zbora, izvodeći vjerske pjesme na latinskom jeziku.

Svećenstvo je imalo veliku ulogu u organiziranju izvođenja poluliturgijske drame (osiguravanje prostora za izvođenje (trijem), igranje glavnih uloga, izbor repertoara, pripremanje “kostima” i “rekvizita”).

Međutim, vjerske teme počinju se aktivno ispreplitati sa svjetovnim. Kazališna kultura nastoji se odvojiti od vjere, što se, međutim, neće u potpunosti dogoditi kroz cijeli srednji vijek.

Misterija

Još jedan žanr povezan s vjerskim kazalištem. Misterij je nastao iz procesija u čast crkvenih blagdana.

Ime dolazi od lat. ministerium – crkvena služba

Vrhunac kazališta misterija dogodio se u 15.-16. stoljeću.

Priredbe su organizirale gradske radionice i općine, a ne crkva. U misterijima su sudjelovali svi stanovnici grada.

U sajamske dane često su se organizirale misterijske predstave.

Ujutro na dan otvaranja sajma održana je crkvena molitva, potom je organizirana svečana procesija u kojoj je sudjelovao cijeli grad. Nakon njega odigrao se i sam misterij.

Otajstva su bila podijeljena u tri ciklusa - Stari zavjet (Stari zavjet, od stvaranja svijeta do rođenja Kristova), Novi zavjet (Novi zavjet, rođenje, život, smrt, uskrsnuće i uzašašće Kristovo) i apostolski. (života svetaca).

U organizaciji i prikazu misterijske predstave sudjelovali su predstavnici različitih gradskih radionica. Svaka radionica dobila je svoju samostalnu epizodu u akciji.

Predstava je trajala cijeli dan, a ponekad i nekoliko dana.

Bilo je tri tipa organizacije scenskog prostora i, sukladno tome, tri vrste prikaza misterija.

Mobilna (karakteristična prvenstveno za Englesku). Pojedinačne epizode misterija prikazivane su u kombijima s visokom platformom, otvorenom sa svih strana. Ti su se kombiji zvali pagenti. Nakon što je određena epizoda prikazana, kombi se preselio na sljedeći trg, a na njegovo mjesto dovezao se novi s glumcima koji su glumili sljedeću epizodu. I tako do kraja misterija.

Prstenasti. Na trgu je bila jedna platforma. Hrpe za to bile su raspoređene u obliku prstena. Na platformi je bilo nekoliko zasebnih odjeljaka koji su prikazivali različite scene radnje. Gledatelji su bili smješteni oko tribine.

Besedochny. Na trgu se istodobno prikazivalo nekoliko scena radnje. Bio je to niz sjenica smještenih na jednoj platformi u ravnoj liniji i frontalno okrenutih prema publici. U svakoj sjenici odigravale su se zasebne epizode ovisno o sceni radnje koju je ta sjenica prikazivala. Publika se selila od jedne sjenice do druge.

Ovakva organizacija scenskog prostora povezana je s najvažnijim načelom za srednjovjekovno kazalište – simultanošću (simultanošću). Ovo načelo podrazumijevalo je istodobnu prisutnost nekoliko mjesta radnje na trgu i, sukladno tome, istovremenost radnji koje se odvijaju u njima. Simultanost seže do srednjovjekovnih ideja o vremenu.

Prilikom organiziranja predstava aktivno se koristila mehanizacija, a velika se pozornost pridavala ukrasima, posebice onima koji su prikazivali raj ili pakao. Zabavna strana bila je iznimno važna.

U misterioznoj igri supostojali su naturalizam (osobito se očituje u prikazu raznih krvavih prizora) i konvencije.

Unatoč tome što su misterij organizirale svjetovne osobe, radilo se o svojevrsnoj vjerskoj službi koju je obavljao cijeli grad.

Sudjelovanje u misteriju smatralo se pobožnim djelom. Mnoge su uloge bile toliko popularne među kandidatima da su organizatori održali aukciju s koje su se te uloge prodavale.

Tajna je uključivala potpuno heterogene elemente. Unatoč činjenici da je njegov glavni sadržaj bila neka epizoda iz Biblije, svakodnevni elementi su vrlo aktivno prodirali u misterij. Osim toga, ponekad je izvedba misterija bila razrijeđena cijelim farsičnim scenama, koje su bile praktički zasebna izvedba koja nije bila vezana za misterij u smislu radnje. Osim toga, epizode u kojima su sudjelovali vragovi bile su vrlo popularne. I često se takav lik kao šaljivdžija pojavljivao u misterijama.

U početku su se organizacijom misterija bavili amateri, a kasnije su se počela stvarati čitava udruženja čija je odgovornost bila inscenacija misterija. U pravilu su se nazivale bratovštinama po analogiji s drugim srednjovjekovnim bratovštinama.

Najpoznatija takva organizacija bilo je Bratstvo muke u Francuskoj, koje je od 1402. čak dobilo monopol na organiziranje u Parizu ne samo misterija, već i čuda i “drugih vjerskih moralnih igrokaza” (kako je navedeno u patentu izdanom članovima bratstva od strane kralja).

Čudo

Naziv ovog žanra dolazi od latinske riječi miraculum (čudo).

Potječe u Francuskoj u 13. stoljeću.

Čudo dolazi iz pjesama u čast svetaca i čitanja njihovih života u crkvi. Stoga su temelj zapleta bile priče o čudima koja su činili Djevica Marija i sveci.

Organizaciju izvođenja čuda u Francuskoj provodile su posebne zajednice - puys. Ime im dolazi od riječi podij.

Moralnost

Još jedan žanr povezan s vjerskim kazalištem srednjeg vijeka.

Pojavljuje se u XV-XVI stoljeću.

Ovo je alegorijska predstava u kojoj glume alegorijski likovi. Svaki od njih je personifikacija nekog apstraktnog pojma (grijeha, vrline, kvalitete itd.). Suština radnje svodila se na priču o tome kako se čovjek suočava s izborom između dobra i zla.

Ljudi koji su odabrali vrlinu na kraju su bili nagrađeni, a oni koji su se odali poroku bili su kažnjeni. Tako je svaka moralna priča bila prožeta didaktikom.

Moralističke predstave nemaju izravnu vezu s biblijskim zapletima, međutim, njihova moralizatorska priroda dopušta nam da ovaj žanr svrstamo u religiozno kazalište srednjeg vijeka.

Pozornica za moralnu predstavu bila je pozornica izgrađena na trgu.

Alegorijski likovi nosili su natpise na prsima, koji su publici objašnjavali tko je ispred njih. Osim toga, svaki je od njih imao svoj sastavni atribut s kojim se uvijek pojavljivao na pozornici i koji je i simbolično objašnjavao o kakvoj se alegoriji radi.

Kazalište ima svoje korijene u Drevna grčka prije više od dvije tisuće godina. Antička umjetnost Nastao je kao spektakularna zabava za publiku, svečane scene kostimiranih glumaca. Predstave su izvorno bile tempirane da se poklope s Velikim Dionizijem - velikim vjerskim praznikom.

Sada je kazalište nedvojbeno više od povorke raspjevanih ljudi u kozjim kožama kroz grad. On je postao visoka umjetnost, način opuštanja visoko društvo, mjesto kulturnog obrazovanja. Povijest kazališta je uzbudljiv proces razvoj koji traje do danas. To ćemo reći čitatelju u našem članku. U predstavljenom materijalu također ćete pronaći mnoge zanimljive činjenice. Dakle, počnimo.

Početak

U Ateni 5. st. pr. e. kazališne predstave bile su sastavni dio vjerski praznici. Procesije s Dionizovim kipom pratile su vesele pjesme i dramske igre. Možemo reći da je povijest atenskog kazališta započela kao amaterska predstava za mali broj promatrača. U početku su se postavljale samo tragedije, kasnije su se prikazivale komedije. Značajno je da su se predstave u pravilu prikazivale samo jednom. To je autore potaknulo na stvaranje relevantnih, zanimljivi radovi. Dramaturg ne samo da je napisao dramu, već je bio i punopravni sudionik u izvedbi, igrajući uloge redatelja, skladatelja, koreografa, pa čak i glumca. Naravno, radilo se o izuzetno talentiranim ljudima.

Ali da bi se postalo choreg (voditelj zbora), nije bio potreban veliki talent. Trebali su im samo novac i veze s državnim dužnosnicima. Glavna odgovornost choregasa bila je plaćanje računa, pružanje pune materijalne pomoći i potpora kazalištu. U to je vrijeme bilo mjesto natjecanja; pobjednici su bili choregas, pjesnik i protagonist. Pobjednici su ovjenčani bršljanom i dodijeljene nagrade. Pobjeda im je dodijeljena odlukom žirija.

Zanimljiva je činjenica da su stari Rimljani bili pravi ljubitelji realizma. Produkcija u kojoj je glumac 100% odigrao ulogu smatrala se idealnom - ako je potrebno, morao je biti spreman čak i umrijeti.

U vrijeme kada je Puškin bio živ kazališta u Rusiji nisu bila potpuno sjedeća. Zadnji redovi bili su ispunjeni ljudima koji su stajali na nogama tijekom cijelog nastupa.

Značajna predstava u povijesti ruske kazališne umjetnosti je "Maloljetnica" D. I. Fonvizina, koja je postala prvi pokušaj ismijavanja dužnosnika, plemića i tipičnih likova 18. stoljeća. Staroduma ( pozitivan karakter) prvi je igrao gore spomenuti Dmitrevsky.

Godine 1803. podijeljena su carska kazališta. Dramatično i glazbena družina, opera i balet, kao dijelovi mjuzikla. Dominacija francuska škola igre na Ruska pozornica trajao do 19. stoljeća. Tada se rusko kazalište konačno uspravilo i nastavilo vlastiti put. Stečeno iskustvo postalo je dobra baza, a otkriće novih talentiranih ruskih skladatelja, glumaca i plesača podiglo je kazalište na visoku razinu.

P. N. Arapov prvi je opisao cjelokupnu povijest ruskog kazališta u jednoj enciklopediji - "Kronike ruskog kazališta". Pojavljuju se kazališni časopisi i stručna kritika. Tako je razvojem kazališta, među ostalim, dao poticaj i ruskoj književnosti.

Najpoznatije kazalište u Moskvi

Povijest Boljšoj teatra počinje 28. ožujka 1776. Na današnji je dan u Moskvi carica Katarina II. potpisala "povlasticu" za kneza Petra Urusova, dopuštajući mu da održava kazalište deset godina. Prvo se zvalo Kazalište Petrovsky (u čast ulice na koju je izlazio ulaz). Godine 1805. zgrada je potpuno izgorjela, a stvorio ju je arhitekt Osip Bove novi projekt. Godine 1820. započela je gradnja koja je trajala 5 godina.

Izgrađeno kazalište postalo je veće, po čemu je i dobilo ime. Ova lijepa, skladna, bogata građevina uveseljavala je stanovnike Moskve sve do 1853. godine, kada je izbio drugi požar. Ovaj put rekonstrukcija je povjerena arhitektu Albertu Kavosu. Kazalište je obnovljeno 1856. godine. Carski Boljšoj teatar postao je poznat ne samo u Rusiji, već iu svijetu: imao je izvrsnu akustiku. Godine 1917., nakon revolucije, ime je promijenjeno u Državni Boljšoj teatar. Dekoracija je dopunjena sovjetskim simbolima.

Ozbiljno je stradao tijekom Velike Domovinski rat, preuzimajući bombu. Zgrada je ponovno rekonstruirana. Do 1987. godine zgrada je podvrgnuta samo manjim kozmetičkim popravcima. Sada je Boljšoj teatar zgrada sa nova scena, gdje možete koristiti moderne efekte. Pritom je zadržao duh klasične arhitekture, svoj “signature” akustiku, što joj daje pravo da se smatra jednom od najbolja kazališta u svijetu. Ovo je povijest Boljšoj teatra.

I na kraju još jedan, ni manje ni više zanimljiva činjenica. Filmovi koji se u cijelosti ili djelomično odvijaju u kinu: Birdman, The Disaster Artist, La La Land, The Phantom of the Opera, Burlesque Tales, Knockout, Stumbling on Broadway, Black-ish The Swan", "The Puppeteer", "An Awfully Big Avantura", "Zaljubljeni Shakespeare", "Ubojstvo u gradić", "Quaie de Orfevre".

Povijest kazališta (drame i drugih žanrova ove umjetnosti) nastavit će se razvijati, budući da je interes za njega ostao nepromijenjen više od dvije tisuće godina.

Prve europske kazališne predstave nastale su u 6. st. pr. od vjerskih svetkovina posvećenih bogu vina i plodnosti Dionizu. Glumci su koristili maske kako bi prikazali emocije likova, kao i kako bi publici bilo jasno kojeg je spola i godina lik kada se pojavio na pozornici. Tisućljetna tradicija koja je ženama zabranjivala nastup na pozornici potječe iz starogrčkog kazališta.

Prvim glumcem smatra se Grk Tezip, koji je pobijedio na pjesničkom natjecanju u čast Dioniza.

U 3. stoljeću pr. Rimljani su, inspirirani grčkim kazalištem, stvorili vlastite verzije starogrčkih drama i počeli ih izvoditi na improviziranim pozornicama. Glumci u tim predstavama bili su robovi. Žene su smjele igrati samo manje uloge. Dok su se rimska kazališta morala natjecati za pozornost publike naviknute na gladijatorske borbe, javna pogubljenja i utrke bojnih kola, predstave su sve više sadržavale scene nasilja i grubog humora. Širenjem kršćanstva takvim je idejama došao kraj.

Pojava kazališta u srednjem vijeku

Iako u srednjovjekovna Europa kazališne predstave smatrale su se grešnima, kazališne tradicije razvijena. Minestreli su izmišljali i izvodili balade, a lutkari, akrobati i pripovjedači nastupali su na sajmovima. Tijekom uskrsne službe svećenici su igrali misterije - kazališne priče koje su nepismenim ljudima omogućile da shvate značenje onoga što se događa.

Kasnije su se misteriji počeli igrati i tijekom drugih vjerskih praznika, prikazujući razne biblijske priče.

Renesansno kazalište

Tijekom renesanse (XIV-XVII. st.) javlja se interes za oživljavanje klasičnog grčkog i rimskog kazališta. Na spoju tradicije antičkog i srednjovjekovnog kazališta nastale su svjetovne kazališne predstave, a pojavila se i commedia dell'arte - improvizirani spektakl koji stvara nekoliko maskiranih glumaca. Ove su predstave bile prvi put od rimskog doba da je ženama dopušten povratak na pozornicu.

Godine 1576. u Londonu je sagrađena prva kazališna zgrada, a prije toga sve su se predstave izvodile u hotelima, na sajmovima ili usred dvorana u dvorcima i plemićkim kućama. Engleska kraljica Elizabeta I. bila je pokroviteljica kazališne umjetnosti; u doba koje nosi njezino ime pojavili su se prvi profesionalni dramatičari, od kojih je najpoznatiji veliki Shakespeare, glumci, tradicija korištenja rekvizita i mijenjanja kostima tijekom predstave. Klasično kazalište konačno je formirano po sredinom 18. stoljeća stoljeća.

Varijete je vrsta kazališta čije se izvedbe temelje na spoju različitih žanrova kazališta, glazbe, pop i cirkuska umjetnost. Predstave estradnih kazališta uvijek su lagane i vesele. Pune su humora, ironije i elemenata parodije. Na pozornici estrade nastupaju glumci i čitači, pjevači i plesači, mađioničari i akrobati.

Pariški varijetei

Raznovrsna kazališta postala su raširena u velikim gradovima Zapadna Europa na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće. Ime su dobili po kazalištu Variety koje je osnovano 1720. godine u Parizu.

Cafeschantans i cabarets smatraju se pretečama varijetea, iako se pojmovi "cabaret" i "variety show" ponekad smatraju sinonimima. Pariz je dugo ostao središte razvoja varijetea.

Predstave estradnih kazališta odlikovale su se nevjerojatno raskošnom dekoracijom. Možda je glavni žanr estrade postao revija - revija estrade.

U 1880-ima pojavile su se poznate kabaretske predstave kao što su "Crna mačka" i "Foli Bergere". Osim pompe, njihove nastupe karakterizirala je pretjerana sentimentalnost i nepristojne šale.

Varijete je svoj vrhunac doživio 20-ih i 30-ih godina 20. stoljeća. Takvi talentirani šansonjeri kao što su Maurice Chevalier i Josephine Baker počeli su nastupati u poznatim pariškim kabare-varijeteima “Moulin Rouge” i “Apollo”. Uspjeli su spojiti vokalno i glumačko umijeće.

U isto vrijeme, varijete su počeli svladavati tehniku ​​spektakularnog pop plesa, koji je nastao u opereti, a kasnije je postao jedan od izražajna sredstva.

Estradna umjetnost u Rusiji

U Rusiji su se sredinom 19. stoljeća pojavile divertissement predstave koje su uključivale stihove, plesove i neozbiljne pjesme, a koje se mogu smatrati pretečama varijetea i prikazivale su se u kafićima i restoranima.

Tijekom tog razdoblja počela su se aktivno razvijati varijetetska kazališta u Rusiji Srebrno doba. U to vrijeme otvaraju se brojne umjetničke konobe, restorani, kabarei i minijaturna kazališta. U Moskvi su se pojavili poznati restorani "Aquarium" i "Hermitage", minijaturna kazališta "The Bat" i "The Bat". lažno ogledalo"; u Sankt Peterburgu - “Theatre Buff”, kabare “Comedians’ Halt”, kafić “Stray Dog”. Ugostili su parodijske i estradne predstave, večeri poezije, lutkarske predstave. Jedan od naj istaknuti predstavnici Estetika estrade bila je izvanredan ruski glumac i pjevač Alexander Vertinsky, koji je nastupio u liku Pierrota.

Dvadesetih godina 20. stoljeća jedan od glavnih elemenata estrade, stolovi ispred pozornice, koji su zbližavali kazalište i restoran, prestaje biti obavezan.

Posljednjih je desetljeća estetika estrade doživjela novi procvat. Istina, granice između pojmova "kabaret", "varijete", "revija", "burleska" i "glazbena dvorana" sada su zamagljene.

Video na temu

Povijest kazališta seže u staru Grčku prije više od dvije tisuće godina. Najstarija umjetnost nastala je kao spektakularna zabava za javnost, svečane scene kostimiranih glumaca. Predstave su izvorno bile tempirane da se poklope s Velikim Dionizijem - velikim vjerskim praznikom.

Sada je kazalište nedvojbeno više od povorke raspjevanih ljudi u kozjim kožama kroz grad. Postala je visoka umjetnost, način opuštanja za visoko društvo i mjesto kulturnog prosvjetljenja. Povijest kazališta je fascinantan proces razvoja koji traje do danas. To ćemo reći čitatelju u našem članku. U predstavljenom materijalu također ćete pronaći mnoge zanimljive činjenice. Dakle, počnimo.

Početak

U Ateni 5. st. pr. e. kazališne predstave bile su sastavni dio vjerskih praznika. Procesije s Dionizovim kipom pratile su vesele pjesme i dramske igre. Možemo reći da je povijest atenskog kazališta započela kao amaterska predstava za mali broj promatrača. U početku su se postavljale samo tragedije, kasnije su se prikazivale komedije. Značajno je da su se predstave u pravilu prikazivale samo jednom. To je autore potaknulo na stvaranje relevantnih, zanimljivih djela. Dramaturg ne samo da je napisao dramu, već je bio i punopravni sudionik u izvedbi, igrajući uloge redatelja, skladatelja, koreografa, pa čak i glumca. Naravno, radilo se o izuzetno talentiranim ljudima.

Ali da bi se postalo choreg (voditelj zbora), nije bio potreban veliki talent. Trebali su im samo novac i veze s državnim dužnosnicima. Glavna odgovornost choregasa bila je plaćanje računa, pružanje pune materijalne pomoći i potpora kazalištu. U to je vrijeme bilo mjesto natjecanja; pobjednici su bili choregas, pjesnik i protagonist. Pobjednici su ovjenčani bršljanom i dodijeljene nagrade. Pobjeda im je dodijeljena odlukom žirija.

Zanimljiva je činjenica da su stari Rimljani bili pravi ljubitelji realizma. Produkcija u kojoj je glumac 100% odigrao ulogu smatrala se idealnom - ako je potrebno, morao je biti spreman čak i umrijeti.

Grčko kazalište nije imalo krova; gledatelji i glumci bili su zapravo na ulici. Dimenzije antička kazališta bili ogromni, mogli su primiti od 17 do 44 tisuće ljudi. Isprva su za sjedenje gledatelja korištene drvene platforme, a zatim su za kazalište prilagođene prirodne kamene padine. I tek tada, u 4. st. pr. e., izgrađeno je kameno kazalište.

Vjerojatno će vas zanimati da je vlast, počevši od Perikla, omogućila posjet kazalištu i doživljaj ljepote i materijalno ugroženim građanima. Da bi se to postiglo, svima je dodijeljena subvencija za jedan posjet kazalištu, a potom i za tri posjeta.

Povijest antičkog kazališta ima jedan karakteristična značajka: glumci su igrali svoje uloge bez pomoći vlastite mimike. Zamijenile su je svakakve maske, često vrlo groteskne. Glumac je veliku pozornost posvetio pokretima tijela i odijevanju. Čak su i glumci bili muškarci ženske uloge. Zauzeli su povlašteni položaj u društvu i bili su oslobođeni poreza.

Zanimljiva je činjenica da je Livije Andronik, starorimski dramatičar, postao otac prvog svjetskog "fonograma". Ostao je bez glasa, ali se izvukao iz situacije pronašavši dječaka koji je govorio umjesto njega.

Neki pojmovi antičkog kazališta

Mnoge definicije korištene u antičkim kazalištima preživjele su do danas. U nastavku je predstavljen mali rječnik pojmova iz antičkih vremena:

• Orkestar je kazališni dio okruglog oblika s dva ulaza, namijenjen za izvođenje dramskih i lirskih zborova. U atensko kazalište promjer mu je bio 24 metra.
• Skena je mjesto presvlačenja. Izvorno jednostavan šator, zatim je kombiniran s dijelovima pozornice, poput pozadine.
• Proskenij - kolonada ispred skene.
• Paraskenij – bočni kameni nastavci.
• Pozornica je uzdignuti prostor iznad orkestra, na kojem su glumci počeli svirati u kasnoj antici.
• Ekkiclema je mobilna platforma izrađena od drva koja vam omogućuje transformaciju scene radnje i pomicanje glumaca po pozornici.
• Koturny - cipele s visokim potplatima, koje podsjećaju na štule. Uz pomoć takvih cipela glumci su postajali viši, impresivniji i sličniji mitskim bićima.

Izvanredna je činjenica da je fraza “Finita la comedia” prvi put izgovorena u Rimu.

Lutke u kazališnom svijetu

Povijest lutkarskog kazališta potječe iz Egipta, gdje su svećenici koristili lutku boga Ozirisa za izvođenje ritualnih radnji. U početku je kazalište lutaka bilo čisto ritualno, ali sada je religiozna konotacija nestala. Poznata ritualna kazališta lutaka postoje u mnogim zemljama: Japanu ("Bunraku"), Indoneziji ("Wayang"), Kataloniji ("El Pastores"), Bjelorusiji ("Batleyka") i drugima.

U povijesti kazališta lutaka u Americi ističe se kazalište nastalo 1962. godine pod nazivom “Kruh i lutka”. Sadrži ogromne lutke od papier-mâchéa, očiti politički prizvuk i poslasticu ukusnog kruha na ulazu. Ta interakcija između glumaca i gledatelja je simbolična: kazališna umjetnost treba biti što bliža ljudima.

Lutke dolaze u različitim veličinama i izgledima. Tu su lutke za prste i rukavice, lutke od štapa i tableta, lutke i divovske lutke. Biti glumac u lutkarskom kazalištu nije lako, jer neživi predmet treba znati oživjeti, dati mu karakter i glas.

Karakteristična značajka svakog lutkarskog kazališta je ismijavanje nečega, prisutnost morala, obrazovni element u skečevima. Bez obzira u kojoj je dobi gledatelj lutkarskog kazališta, ondje će pronaći ne samo čemu se nasmijati, već i o čemu razmišljati. Često su junaci u lutkarskom kazalištu neatraktivni, čak i ružni likovi, na primjer, francuski Polichinelle s kukastim nosom.

Vjerojatno će vas zanimati da glumci nisu uvijek bogati ljudi. U povijesti američkog kazališta lutaka postoje činjenice da su gledatelji kazališta mogli gledati predstavu u zamjenu za hranu.

Drama

Povijest dramskog kazališta seže u antičko doba. Ovo je jedna od umjetničkih formi, uz kazalište lutaka, pantomimu, operu i balet. Glavna značajka dramskog kazališta je da se radnja glumca spaja s riječima koje on govori. Posebna pažnja posvećena je scenskom govoru u ovoj vrsti žanra. Osnova dramske izvedbe je igra. U procesu glume moguća je improvizacija, radnja može uključivati ​​ples i pjevanje. Predstava se temelji na književno djelo. Glavni tumač predstave ili scenarija je redatelj.

Zanimljivo je da kazališni djelatnici vjeruju da odustajanje od scenarija nije dobro. Ako se dogodi ova nevolja, svakako morate sjesti na njega.

Pojava domaće kazališne tradicije

Povijest kazališta u Rusiji podijeljena je u faze:

• Početno ("razigrano")
• Prosjek.
• zrelo.

Razigrana pozornica

Kao iu starom Rimu, povijest kazališta u Rusiji započela je kao ne sasvim ozbiljna djelatnost. Kazališne predstave zvale su se “zabava”, a predstave “igre”. Prvo ljetopisno spominjanje lakrdijaša datira iz 1068. godine. Zapravo, svatko bi mogao postati takav glumac zabavljajući publiku. S vjerske točke gledišta, aktivnosti lakrdijaša bile su sramotne. U kronikama se nazivaju slugama đavola, a ruganje, satira i mrmljanje grijesima. Oštra satira nije bila dobrodošla u crkvi, međutim, to nikoga nije zaustavilo.

Šaljivdžija se također nije smatrala umjetnošću koja se sviđa vlastima, naprotiv, oštrom društvene teme skečevi, ismijavanje modernih nedostataka učinili su glumce opasnima i štetnima. Ali ljudi su voljeli gledati i smijati se nastupima lakrdijaša. No, treba shvatiti da klasično kazalište kakvo ga danas poznajemo nije izraslo iz tih šaljivdžija, nego neovisno o njima, čak, bolje rečeno, usprkos njima.

Srednja faza

Sljedeća faza u povijesti ruskog kazališta je sredina između razigranog i zrelog. U ovoj fazi nastaju dvorska i školska kazališta. U to vrijeme vladao je car Aleksej Mihajlovič, glumci u dvorskom kazalištu bili su stranci, a glumci u školskom kazalištu učenici. Nakon smrti Alekseja Mihajloviča, djelatnost dvorskog kazališta obustavljena je do dolaska na vlast Petra I. Imao je pozitivan stav prema "spektaklima", ali je, osim zabave, postao obdaren i propagandnom funkcijom. Godine 1702. pojavilo se javno kazalište za mase. Njegovu zgradu zvali su "Hram komedije"; tamo je izvodila predstave njemačke trupe. Narod nije prihvatio ovo kazalište. Iako Petar I. nije postigao svoj cilj, nije učinio kazalište omiljenim mjestom ljudi, pristupačnim i popularnim, ali je za to stvorio sve potrebne preduvjete.

Zrela faza u povijesti kazališne umjetnosti

Ovo razdoblje u povijesti stvaranja kazališta u Rusiji je najvažnije. U ovoj fazi kazalište je počelo dobivati ​​one značajke koje su poznate modernom čovjeku, formirala se u ozbiljnu profesionalnu zajednicu. Dana 30. kolovoza 1756. godine dat je početak, naime, otvoreno je Carsko kazalište. Isti datum je dan osnivanja Aleksandrinskog kazališta u Sankt Peterburgu. To se dogodilo pod Elizavetom Petrovnom.

Značajka tadašnjeg kazališta bilo je istovremeno sudjelovanje ruskih i stranih umjetnika u produkcijama. U ovoj fazi izvedba uloga prvi put je povjerena ne samo muškarcima, već i ženama. dala je Katarina II veliki značaj kazališta, pod njom su postojale tri trupe u Sankt Peterburgu, fantastična količina novca potrošena je na razvoj ove industrije.

Uz razvoj državnih, Katarina je također obratila pozornost na privatna kazališta plemića; na primjer, bilo je kazalište Šeremetjeva, Volkonskog i Rumjanceva. Čak su iu provincijama stvorene vlastite trupe zemljoposjednika. Rusko kazalište, odnosno same produkcije, građeno je po uzoru na francuske kolege. Voditelj francuske škole glume bio je I. A. Dmitrevsky, koji je obučavao više od jedne generacije prekrasnih glumaca.

Dali si znao?

Predstavljamo čitatelju još neke zabavne činjenice iz povijesti kazališne umjetnosti.

U vrijeme kada je Puškin bio živ kazališta u Rusiji nisu bila potpuno sjedeća. Zadnji redovi bili su ispunjeni ljudima koji su stajali na nogama tijekom cijelog nastupa.

Značajna predstava u povijesti ruske kazališne umjetnosti je "Maloljetnica" D. I. Fonvizina, koja je postala prvi pokušaj ismijavanja dužnosnika, plemića i tipičnih likova 18. stoljeća. Starodum (pozitivan lik) prvi je glumio gore spomenuti Dmitrevsky.

Godine 1803. podijeljena su carska kazališta. U sastavu glazbene družine pojavljuju se dramske i glazbene družine, opera i balet. Dominacija francuske škole sviranja na ruskoj pozornici trajala je do 19. stoljeća. Tada se konačno rusko kazalište uspravilo i krenulo svojim putem. Stečeno iskustvo postalo je dobra baza, a otkriće novih talentiranih ruskih skladatelja, glumaca i plesača podiglo je kazalište na visoku razinu.

P. N. Arapov prvi je opisao cjelokupnu povijest ruskog kazališta u jednoj enciklopediji - "Kronike ruskog kazališta". Pojavljuju se kazališni časopisi i stručna kritika. Tako je razvojem kazališta, među ostalim, dao poticaj i ruskoj književnosti.

Najpoznatije kazalište u Moskvi

Povijest Boljšoj teatra počinje 28. ožujka 1776. Na današnji je dan u Moskvi carica Katarina II. potpisala "povlasticu" za kneza Petra Urusova, dopuštajući mu da održava kazalište deset godina. Prvo se zvalo Kazalište Petrovsky (u čast ulice na koju je izlazio ulaz). Godine 1805. zgrada je potpuno izgorjela, a arhitekt Osip Bove izradio je novi projekt. Godine 1820. započela je gradnja koja je trajala 5 godina.

Izgrađeno kazalište postalo je veće, po čemu je i dobilo ime. Ova lijepa, skladna, bogata građevina uveseljavala je stanovnike Moskve sve do 1853. godine, kada je izbio drugi požar. Ovaj put rekonstrukcija je povjerena arhitektu Albertu Kavosu. Kazalište je obnovljeno 1856. godine. Carski Boljšoj teatar postao je poznat ne samo u Rusiji, već iu svijetu: imao je izvrsnu akustiku. Godine 1917., nakon revolucije, ime je promijenjeno u Državni Boljšoj teatar. Dekoracija je dopunjena sovjetskim simbolima.

Bio je ozbiljno ozlijeđen tijekom Velikog Domovinskog rata, uzimajući bombu. Zgrada je ponovno rekonstruirana. Do 1987. godine zgrada je podvrgnuta samo manjim kozmetičkim popravcima. Sada je Boljšoj teatar zgrada s novom pozornicom na kojoj se mogu koristiti moderni efekti. Istovremeno, zadržalo je duh klasične arhitekture i svoju "signature" akustiku, što mu daje pravo da se smatra jednim od najboljih kazališta na svijetu. Ovo je povijest Boljšoj teatra.

I na kraju još jedna, ne manje zanimljiva činjenica. Filmovi koji se u cijelosti ili djelomično odvijaju u kinu: Birdman, The Disaster Artist, La La Land, Fantom iz opere, Burlesque Tales, Nokaut, Stumbling on Broadway, Black-ish Swan”, “The Puppeteer”, “A Terribly Big Adventure ”, “Zaljubljeni Shakespeare”, “Ubojstvo u malom gradu”, “Quai Orfevre”.

Povijest kazališta (drame i drugih žanrova ove umjetnosti) nastavit će se razvijati, budući da je interes za njega ostao nepromijenjen više od dvije tisuće godina.