Naše vrijeme karakterizira brza izmjena modnih ciklusa. Znak razvoja mode je njihov sezonski promet: proljeće - ljeto i jesen - zima. S tim u vezi, svjedoci smo brze promjene modnih trendova, formiranja novih oblika odijevanja. Izvor saznanja o promjeni oblika i struktura je prije svega povijesna nošnja koja se stoljećima formirala i utvrđivala. Narodna nošnja neprocjenjivo je sastavno vlasništvo kulture naroda, akumulirano stoljećima. Odjeća, koja je prešla dug put u svom razvoju, usko je povezana s poviješću i estetskim pogledima kreatora. Umjetnost moderne nošnje ne može se razvijati izolirano od narodnih, nacionalnih tradicija. Bez dubokog proučavanja tradicije nemoguć je progresivni razvoj bilo koje vrste i žanra suvremene umjetnosti.

Narodna nošnja nije samo svijetli izvorni element kulture, već i sinteza raznih vrsta dekorativne umjetnosti, koja je do sredine 20. stoljeća donijela tradicionalne elemente kroja, ukrasa, upotrebe materijala i ukrasa karakterističnih za Rusiju. odjeća u prošlosti.

Na formiranje sastava, kroja, ukrasnih značajki ruske nošnje utjecali su geografsko okruženje i klimatski uvjeti, gospodarska struktura i stupanj razvoja proizvodnih snaga. Važni čimbenici bili su povijesni i društveni procesi koji su pridonijeli stvaranju posebnih oblika odjeće, značajna je bila uloga lokalnih kulturnih tradicija.

Košulja se s pravom smatra najstarijom vrstom odjeće. Već u VI stoljeću. u nošnji naših predaka - Slavena - zauzimala je vodeće mjesto, a ponekad je bila i jedini komad odjeće. Ženska košulja razlikovala se od muške zapravo samo po dužini i bogatijem obrubu.

Košulja, očito, dolazi od riječi "rub", što je na jeziku predaka značilo komad, komad tkanine, ali je ujedno služilo i kao naziv cijelog kompleksa. Seljak, gradski stanovnik i plemić nosili su istu košulju u kroju, razlika je bila samo u kvaliteti tkanine.

Najčešći materijal do danas ostaje lan. U staroruskom jeziku postojala su dva pojma: "hlast" - "platno", "tlstyna" - nebijeljena tkanina i "charge" - bijeljeno platno za označavanje glavnog materijala. Žene su se od davnina bavile predenjem i tkanjem platna. Vjerovali su da se samo dobrim ženskim rukama koje ne drže oružje može povjeriti izrada odjeće, prve braniteljice čovjeka. Gotovo sve žene u seoskim obiteljima, a isprva u gradskim obiteljima, bavile su se ovim zanatom.

Najstarije košulje šivane su od jednog dugačkog platna presavijenog na pola na ramenima. Klinasti umeci, dobiveni dijagonalnim rezanjem pravokutnika, ušivani su sa strane, proširujući porub. Zatim su izrezali prorez na vratima i, u središtu prsa. Tako nakon završetka rezanja nije ostao niti jedan višak.

Postupak ukrašavanja košulje također se razvio u pogansko doba i još uvijek se strogo poštuje u narodnoj nošnji.U staroj Rusiji kao ukras za odjeću plemstva služili su biseri, fragmenti s poludragim kamenjem i staklima u boji, skupocjeni pletenici i uzice. Odjeća najvećeg dijela stanovništva bila je tradicionalno ukrašena ručnim vezom ili tkanjem s uzorkom. Ornamentalne pruge, a kasnije i vrpce, gajtani, aplikacije od kupovne tkanine, šarene čipke obavezno su se nalazile duž poruba, rubova rukava, na ramenima, uz ovratnik i uz urez na prsima. Takav osebujni sustav zaštitnih linija, u kombinaciji s pojasom, koji je bio obavezan za opasivanje svake košulje, prema drevnim vjerovanjima, štitio je vitalne dijelove tijela. Istodobno, ukrasi smješteni uz rubove odjeće također su štitili otkrivene dijelove tijela od zlih duhova.

Posebno su bile bogato ukrašene svečane i svečane košulje koje su se nosile u određene dane. Dakle, prvog dana žetve trava trebalo je izaći u „kosidbu“ sa širokom šaranom prugom na porubu. Na blagdan žetve kitilo se u žetvenu košulju. Posljednjeg tjedna prije vjenčanja djevojke su nosile košulju s 1 vrlo dugim rukavima, zvanu "ubojica". U njemu je mladenka trebala plakati od straha od nadolazećeg obiteljskog života u stranoj kući. Ali vjenčana košulja s pravom se smatrala najljepšom. Bio je izvezen višebojnim uzorcima, gdje je glavno mjesto zauzimala crvena boja. Mlada supruga nosila ga je još nekoliko godina na velike praznike, a zatim ga pažljivo čuvala.

U ruskoj narodnoj nošnji, kao iu nošnjama drugih nacionalnosti, stoljećima je postojalo nepisano pravilo: obratiti više pažnje na žensku odjeću, jer je prvenstveno dizajnirana za zaštitu zdravlja pretka obitelji.

U južnim krajevima ravni kroj košulja bio je složeniji, izveden je uz pomoć takozvanih poliksa - detalja kroja koji povezuju prednju i stražnju stranu duž linije ramena. Poliksi mogu biti ravni i kosi. Pravokutni poliki povezivali su četiri platnena polja širine 32-42 cm. Kosi polici (u obliku trapeza) bili su povezani širokim postoljem s rukavom, uskim - s oblogom vrata. Oba konstruktivna rješenja bila su dekorativno naglašena.

Sarafan (perzijski serapa, tursko-tatarski "od glave do pete") je nacionalna nošnja ruskih žena. Nosi se preko košulje s puf rukavima. Ako se to radi kroz glavu, tada se na prsa prišije nekoliko ukrasnih gumba. Sarafan se također može otkopčati sprijeda.

Poznato je nekoliko različitih tipova sarafana, na čije su oblikovanje kroja i ukrašavanje utjecale karakteristike područja.

Njegov najstariji oblik je kosi na otvorima za ruke ili širokim naramenicama. Prednji i stražnji dio ovog sarafana sa strane su spojeni dodatnim klinovima. Prednja ravna ploča nije imala srednji šav. U pokrajini Tver zvali su ga "kostolan", u sjevernim krajevima - "grbavac".

Sarafan u sjeverozapadnim pokrajinama (Novgorod, Olonets, Pskov itd.) Imao je drugačiji kroj. Bio je zatvoreniji, pa je stoga dobio nadimak "šušun" ili "tetrič". Starovjerci su nosili takve sarafane.

Ova je haljina sašivena od tkanine savijene preko ramena, s ukošenim klinovima na stranama. Dugi, često lažni rukavi našivani su s leđa.

Kosa haljina s prorezom sprijeda s gumbima i petljama.

Rasprostranjena je u 19. stoljeću u svim pokrajinama srednje Rusije. U pokrajini Yaroslavl i Tver zvali su ga "feryaz", u Moskvi - "Sayan", Smolensku - "sorokoklin". Bilo je i takvih imena - "kumashnik", "plava". Ova haljina sarafana bila je šivana na sljedeći način: dvije prednje i jedna stražnja strana bile su ravne, na njih su ušiveni jako ukošeni klinovi, koji su proširili odjeću. Urez sprijeda ukrašavan je crvenom čipkom, gajtanom, resama i sl. Ponekad se prednji urez zašivao, a gumbi i omče ostavljali kao ukras. Ponekad su mlade djevojke šivale takve sarafane s naramenicama.

Ravni ili okrugli sarafan šivan je od nekoliko ravnih tkanina (od 4 do 7), višak tkanine skupljan je na vrhu u mali sklop i zatvoren uskom vrpcom ili obrubom. Uske kratke trake na leđima bile su ušivene zajedno, a ispred - odvojeno. Na donjem i gornjem dijelu sarafana izrađivani su ukrasi u obliku ukrasnog veza, pletenica itd. U moskovskoj i Vladimirskoj pokrajini zvali su ga krzneni kaput. Takvu su haljinu nosile i mlade i starije žene. Jedina razlika bila je u boji: mladi su šivali sarafane od svijetlih tkanina, stariji su koristili tamne boje.

Sarafan s pripijenim steznikom pojavio se krajem 19. - početkom 20. stoljeća. i bila je neka vrsta poluhaljine. Bačve su mu bile presječene po kosoj niti.

Posebno su se razlikovali vjenčani sarafani. U pokrajini Ryazan, na primjer, mladenka se udavala u crnoj haljini s bijelim rubcem na glavi, koji se obično nosio tijekom žalosti. Već prvog dana zajedničkog života, mlada se žena pojavila u svojoj najboljoj haljini - najčešće je bila u raznim nijansama crvene. U pokrajinama Vologda i Kostroma plavo-ružičasti, grimizni sarafani šivani su od skupih tkanina. Bili su ukrašeni predenim zlatom, gajtanima, biserima.

Uvjeti povijesnog razvoja, počevši od XII - XIII stoljeća. odredio najkarakterističniju podjelu oblika ruske nošnje na sjevernu i južnu. U XIII - XV stoljeću. sjeverne regije (Vologda, Arhangelsk, Veliki Ustjug, Novgorod, Vladimir i dr.), za razliku od južnih, nisu bile opustošene nomadskim pohodima. Ovdje se intenzivno razvijao umjetnički obrt, cvjetala je vanjska trgovina.

Počevši od XVIII stoljeća. Pokazalo se da je Sjever udaljen od industrijskih središta u razvoju i stoga je sačuvao cjelovitost narodnog života i kulture. Zato se u ruskoj nošnji sjevera nacionalne značajke duboko odražavaju i ne doživljavaju strane utjecaje.

Južnoruska nošnja (Rjazan, Tula, Tambov, Voronjež, Penza, Orel, Kursk, Kaluga i dr.) mnogo je raznovrsnija u odjevnom pogledu. Višestruke migracije stanovnika zbog napada nomada, a zatim tijekom formiranja moskovske države, utjecaj susjednih naroda (Ukrajinaca, Bjelorusa, naroda Volge) doveli su do češće promjene odjeće i raznolikosti njezinih vrsta .

U južnoruskoj nošnji, umjesto sarafana, više se koristila poneva - pojasna odjeća od vunene tkanine, ponekad obložena platnom. Tkanina koja se koristi za izradu poneva je najčešće tamnoplava, crna, crvena, s kariranim ili prugastim (s poprečnom prugom) uzorkom. Svakodnevni ponev izlazio je skromno: vunena domaća šarena pletenica (pojas) na dnu. Svečane poneve bile su bogato ukrašene vezom, pletenicom s uzorkom, umetcima od kalikona, bojama, čipkom od šljokica i sjajima. Široka horizontalna traka ruba kombinirana je sa šavovima, okomitim umetcima u boji. Shema boja ponija bila je posebno svijetla i šarena zbog njihove tamne pozadine.

Poneva je, zapravo, također suknja, samo njezini podovi, u pravilu, nisu bili ušiveni. Zvala se rastopolka, odnosno ljuljanje. Poneva se držala na gasu (pojas, uže, uže, pletenica).

Izrađene, u pravilu, od karirane domaće vune, bile su “ljubazne”, “svete”, “posvećene” i “zadnje”. A ponevi su bili podijeljeni na modrice (puno plave) i crvene (crvene) s uzorkom. Poneva najviše podsjeća na naše ravne suknje.

Pregača

Najdekorativniji i najbogatije ukrašen dio i sjeverne i južne ženske nošnje bila je pregača, odnosno zavjesa, koja je pokrivala žensku figuru s prednje strane. Pregača je obično bila izrađena od platna i ukrašena vezom, tkanim uzorcima, umetcima u boji i svilenim vrpcama s uzorkom. Rub pregače ukrašavao se zupcima, bijelom ili šarenom čipkom, rubom od svilenih ili vunenih niti te volanom različite širine.

grijanje duše

U odjeći ruskog sjevera, od drevne ruske nošnje, "epanechki" i dushegrey, sačuvane su kratke bunde, prošivene na vati, s rukavima. Dushegreya - ženska prsa odjeća bez rukava izrađena od skupih tvorničkih tkanina. U tim su se mjestima dushegrei šivali od brokata. I krojena je na takav način da se tkanina straga spušta u velike nabore, a sprijeda su police imale trapezoidni oblik. Brokat se pri krojenju učvršćivao (lijepio) grubom platnenom tkaninom, ponekad se oblagao novinskim papirom, da bi zadržao ravan oblik polica, na poleđini su bili nabori. Na uskim naramenicama - uski galon ili čipka. Grijalica za tuširanje bila je pričvršćena samo brošem, koji je bio pričvršćen na vrhu ili vezan za mašnu od širokih vrpci. To ukazuje na to da je prethodno nošen sa sarafanom.

Slojevitost nošnje koja je imala različite duljine istovremeno nošene košulje, poneve, pregače, oprsnika, stvorila je horizontalnu artikulaciju siluete, vizualno proširujući figuru.

Šeširi

U ruskoj narodnoj nošnji sačuvana su drevna pokrivala za glavu i sam običaj da udata žena sakrije kosu, a djevojka da je ostavi nepokrivenu. Ovaj običaj nastao je zbog oblika ženskog pokrivala za glavu u obliku zatvorene kape, djevojačkog - u obliku obruča ili zavoja. Kokošnici, "svrake", razni zavoji i krune su rašireni.

Od nakita koriste se ogrlice od bisera, perli, jantara, koralja, privjesci, perle, naušnice.

Tkanine, boja, ornament

Glavne tkanine za izradu pučke seljačke odjeće bile su domaće pretkano platno i vuna jednostavnog lanenog tkanja, a od sredine 19.st. - tvornički izrađena svila, saten, brokat s ukrasom od bujnih cvjetnih vijenaca i buketa, kaliko, chintz, saten, kašmir u boji.

Tkanje s uzorcima, vez i grafika bili su glavni načini ukrašavanja kućnog tekstila. Prugasti i karirani uzorci su raznoliki u obliku i boji. Tehnika narodnog šarenog tkanja, kao i vez brojanjem niti, doveli su do pravocrtnih, geometrijskih kontura, odsustva zaobljenih obrisa u uzorku. Najčešći elementi ornamenta: rombovi, kosi križevi, osmerokutne zvijezde, rozete, božićna drvca, grmovi, stilizirani likovi žene, ptice, konja, jelena. Šare, tkane i vezene, izrađivane su lanenim, konopljinim, svilenim i vunenim nitima, bojene biljnim bojama dajući prigušene nijanse. Raspon boja je višebojan: bijela, crvena, plava, crna, smeđa, žuta, zelena. Višebojnost se odlučivala, najčešće, na temelju bijele, crvene i plave (ili crne) boje.

Od sredine XIX stoljeća. domaće tkanine zamjenjuju tvornički izrađene tkanine s otisnutim cvjetnim, kariranim i prugastim uzorcima.

Narodne tradicije u modernoj odjeći

Narodna umjetnost ostaje pravo skladište ideja za modne dizajnere i dizajnere. Sedamdesetih godina prošlog stoljeća u kolekcijama modnih dizajnera vrednovale su se manifestacije „nacionalnog duha“, ali ne u etnografskom smislu, već u kontekstu „internacionalnog stila“: ruski stil, azijski stil itd. .

21. stoljeće donio je nove nacionalne tradicije u moderni modni dizajn – estetiku postmodernizma. Prilikom izrade modela odjeće koristi se metoda "citati". "Citat" može biti detalj narodne nošnje, element dekoracije, uvećani ili deformirani ukrasni motiv, kroj ili shema boja. Kombinirajući različite "citate", miješajući elemente nošnji različitih naroda, dizajnerica stvara novu sliku, sa specifičnim i prepoznatljivim kreativnim izvorom.

Tinejdžerska odjeća donekle je pod utjecajem "odrasle" mode, ali je ne karakteriziraju česte promjene i radikalni preokreti. Stabilniji je, što je povezano s osobitostima tjelesne građe dobnih skupina djece. Glavni zahtjevi za tinejdžersku odjeću (jednostavnost kroja, maksimalna ekspeditivnost oblika, zvučnost i svježina shema boja) u potpunosti se odražavaju u narodnoj odjeći, gdje su ljepota i funkcionalnost neraskidivo povezani.

harmonija boja

Neophodan uvjet za ljepotu odjeće je sklad boja u njoj, odnosno dosljednost, sklad u kombinaciji boja. Za izradu kostima (ovo je odabir tkanine, završnih materijala), proučavali smo sklad boja.

Boja u odjeći. Neophodan uvjet za ljepotu odjeće je sklad boja u njoj, odnosno dosljednost, sklad u kombinaciji boja.

Za stvaranje kolorističkog sklada odijela važno je ne samo znati kako se boje spajaju, razlikovati spojive od nespojivih boja, nego i znati složiti detalje odjeće prema boji i omjerima boja u jedinstvenu cjelinu. .

Temelje teorije boja postavio je Newton koji je prvi pokušao sistematizirati svijet boja otkrivši odnos između loma svjetlosti i boje. Vjerovao je da se bijela svjetlost, koja se prije njega smatrala homogenom, nakon loma u prizmi razlaže na mnogo različitih svjetlosnih valova. Newton je zaokružio boje svog spektra i dodao nedostajuću magentu, koja se dobiva miješanjem crvene i ljubičaste boje i dodaje se za glatki prijelaz iz ljubičaste u crvenu. Ako se spektralne boje (od crvene do ljubičaste) poredaju redom u krug, tada nastaje kromatski krug.

Cijela raznolikost boja podijeljena je u dvije skupine - kromatske i akromatske.

Akromatske boje su bijela, crna i sve nijanse sive - od bijele do crne.

Kromatske boje su spektralne boje i magenta.

Tri su skupine boja po kombinaciji - srodne, srodno-kontrastne i kontrastne.

Srodne boje imaju barem jednu zajedničku (glavnu) boju u svom sastavu. Postoje četiri skupine srodnih boja - žuto-crvena, plavo-zelena i zeleno-žuta. Pažljivo odabrane srodne boje pružaju velike mogućnosti za rješenja kompozicije boja. Na primjer, zelena i zeleno-plava su srodne boje, dobro se kombiniraju u kompozicijama s različitim veličinama mrlja u boji. Veliki broj mrlja jedne boje i mala količina druge je dobro rješenje. Kada se koriste srodne boje u kompoziciji kostima, jedna ili obje obično se koriste prigušeno. Odgovarajuća jačina boja postiže se odabirom srodnih boja na način da nisu jako svijetle. Žuta i žuto-zelena, zelena i zeleno-plava, plava i ljubičasta, ljubičasta i crvena, crvena i narančasta itd. srodne su boje.

U tonskoj kompoziciji snažan učinak postiže se različitom svjetlinom korištenih boja - kontrastnim uvođenjem svijetlih i tamnih tonova. Skladne kombinacije srodnih boja su reaktivne, mirne, meke, pogotovo ako su boje blago zasićene i bliske u lakoći.

Srodne-kontrastne boje. Postoje i skupine srodnih kontrastnih boja - žuto-crvena i crveno-plava, crveno-plava i plavo-zelena, plavo-zelena i zeleno-žuta, zeleno-žuta i žuto-crvena. Harmonija srodno-kontrastnih boja aktivnija je i emocionalnija u usporedbi s srodnim.

Kontrastne boje. To su žuto-crvena, plavo-zelena, žuto-zelena i plavo-crvena. Posebno je aktivna kombinacija skladnih kontrastnih boja, jer su boje dvostruko uravnotežene svojim suprotnim kvalitetama. Međutim, nisu sve kontrastne boje skladne. Na primjer, žuto-crvena i zeleno-plavkasta su neharmonične kontrastne boje.

Akromatske boje također sudjeluju u stvaranju kompozicije nošnje: bijela, crna, plava. Crno-bijela sama ili u kombinaciji percipiraju se svijetlo jer su u kontrastu s pozadinom. Oboje - crno i bijelo - izgledaju plemenito i povoljno. Siva izgleda spektakularno u kombinaciji s crnom i bijelom. Crna boja ima snažan utjecaj na kromatske, posebno srednje svijetle i visoko zasićene crvene i zelene boje: te kromatske boje posvjetljuju, njihova zasićenost se povećava, čini se da svijetle. Bijela, posebno potezi kromatskih boja, daju kompoziciji osebujan okus: boje postaju prozračne, pastelne; bijela boja daje eleganciju kostimu.

Skladna shema boja odijela ne ovisi samo o kombinaciji boja, već io tome koliko se tih boja uzima, kakva je tekstura tkanine. Međutim, preporučene kombinacije boja ne mogu se smatrati obvezujućim.

Izbor tkanine za odijelo.

Za scenski kostim “Sudaruška” odabrali smo bijeli krep-saten za košulju, jer se bijela boja dobro slaže u bilo kojim kolorističkim kompozicijama, au staroj ruskoj nošnji košulja je uvijek bila bijela.

Za sarafan je odabrana zasićena plava boja, a za glavne završne radove srodne boje: plava i svijetloplava.

Za emotivniju percepciju nošnje, ukrasu su dodane kontrastne boje: crvena i zelena. Malo crne će dodati zasićenost cijelom odijelu.

Izbor i obrazloženje materijala.

Krep, krep saten. Zbirno ime svih tkanina sa zrnatom čvornom površinom, dobiveno krep uvijanjem pređe, preplitanjem niti, utiskivanjem tkanine.

Krep saten: satensko tkanje, srednje gužvanje, dobar zastor, prozračan, niska higroskopnost, srednja zaštita od topline. Srednje otporan na linjanje, jer ima jako klizanje, veliko širenje konca u šavovima. Kod WTO-a potrebno je uzeti u obzir toplinski režim, budući da je tkanina izrađena od sintetičkih i umjetnih vlakana, a također ima sjajnu glatku površinu, na kojoj nakon vlaženja ostaju mrlje.

Posjeduje dobru kolorističku boju tkanine, ima izražen sjaj, jaku boju.

Analiza kostima.

Nakon analize narodnih nošnji, pregledali smo košulje, sarafane, poneve. Odlučili su ostaviti kroj košulje starim, ali koristiti moderne materijale za dekoraciju. Široki sarafani, ponyov imaju voluminozni oblik, a ne bismo htjeli isticati djevojačku figuru, odabrali smo sarafan s podrezanim bačvama.

Izbor modela

Košulja: košuljani kroj, dugi rukavi, obrub od čipke.

Sundress: polu-susjedna silueta, podrezane cijevi, završna obrada - aplikacija, vezena pletenica, satenska vrpca, kosi umetak.

Završna obrada proizvoda

Košulja: po liniji rupe rukava, donji dio rukava, dekolte, završna obrada plavom bojom, šivanje čipkom.

Sundress: srednja prednja linija, donja linija - plava pruga plavog krep satena. Aplikacija je simetrična od srednje linije do dna suknje. Kontrastni obrub s izvezenom pletenicom, pletenicom, satenskom vrpcom.

Izgradnja

Izrada crteža osnove ramenog proizvoda s jednodijelnim rukavom.

Modeliranje, priprema krojeva za krojenje

Rukav: od točke B2 duž linije B2B5, izmjerite duljinu ramena + duljinu rukava, izgradite pravi kut od ove točke. Nacrtajte paralelnu liniju od točke G1 do sjecišta.

Vrat: odvojite 2 cm od točke B2, 6 cm od točke B4, spojite ih lukom.

Obrasci: odrežite rukav kroz točke B1 i G2. Linije B1B6 središnja linija i preklop rukava. Dobivamo tri dijela: leđa, policu, rukav.

Otvor za ruku: odvojite 10 cm od točke B2 (širina ramena). Povežite dobivenu točku glatkom linijom s točkom T.

Vrat: odvojite 3 cm od točke B2, 10 cm od točke B4. Spojite glatku liniju. Produbite ovratnik na leđima za 2 cm.

Na liniji prsa od linije sredine uzorka, odvojite mjerenje središta prsa. Nacrtajte okomitu liniju kroz točku od linije ramena do donje linije.

Uzorci: prednji dio - središnji dio 1 komad, bačva - 2 komada (rezati uz koso); leđa - srednji dio 1 dio, bačva - 2 dijela.

Proširenje duž donje linije: proširite središnje dijelove prednje i stražnje strane duž donje linije od linije struka, proširite bočne detalje s obje strane.

Tehnologija proizvodnje

Košulja: spojite ramene šavove leđa i prednje strane, spojite ih s rukavima, čineći umetak od čipke. Donji dio rukava obrubite nabranom čipkom. Ušijte peplum za elastičnu traku. Dekolte završite nabranom čipkom. Šivajte duž bočne linije, obradite dno porubnim šavom sa zatvorenim rezom. Umetnite elastičnu traku duž donje linije rukava.

Sundress: prije: spojite srednji dio s bačvama, prošijte traku završne tkanine duž linije sredine prednje strane. Provedite aplikaciju s obje strane završnom trakom.

Leđa: središnji dio spojite s bačvama.

Spojite detalje proizvoda, obradite rupe za ruke i vrat crvenim kosim rubom. Obradite dno proizvoda trakom završne tkanine. Šivajte duž linije vrata duž rezova završnih traka s izvezenom pletenicom, crvenom satenskom vrpcom.

ekonomska računica

Materijal Cijena Količina Trošak

krep - saten 90 rub. 3m. 270 rub.

šivanje čipke 24 rub. 4m. 56 rubalja

pletenica izvezena 8 trljati. 5m. 40 rubalja

satenska vrpca 4 rub. 8m. 32 trljati.

dublirin 50 rub. 1m. 50 cm 75 rub.

niti (različite boje) 10 rub. 6 zavojnica 60 rub.

Ukupno: 533 rubalja.

Za izradu kostima potrošili smo 533 rublja. Iz tablice je vidljivo da su glavni troškovi bili za kupnju tkanine. Za aplikaciju je korišten preklop koji je ostavljen prilikom šivanja drugih proizvoda.

“Dio scenografije koji je u rukama glumaca je njegov kostim.”
Francuska enciklopedija.

“Kostim je druga glumčeva ljuska, on je nešto neodvojivo od njegovog bića, on je vidljiva maska ​​njegove scenske slike, koja se mora tako cjelovito stopiti s njim da bi postala neodvojiva...”
A. Ya. Tairov.

Kazalište je sintetička umjetnička forma koja nam omogućuje ne samo čuti, ne samo zamisliti, nego i gledati, vidjeti. Kazalište nam daje priliku da budemo svjedoci psiholoških drama i sudionici povijesnih djela i događaja. Kazalište, kazališna predstava nastaje trudom brojnih umjetnika, od redatelja i glumca do scenografa, jer je predstava „spoj različitih umjetnosti, od kojih se svaka na tom planu transformira i dobiva novu kvalitetu. ...".

Kazališni kostim je sastavni dio scenske slike glumca, to su vanjski znakovi i karakteristike prikazanog lika, koji pomažu reinkarnaciji glumca; sredstva umjetničkog utjecaja na gledatelja. Kostim je za glumca materija, forma inspirirana značenjem uloge.

Kao što glumac riječju i gestom, pokretom i bojom glasa stvara novu bit scenske slike, polazeći od onoga što je dano u predstavi, tako umjetnik, vođen istim podacima predstave, utjelovljuje sliku kroz sredstva njegove umjetnosti.

Kroz stoljetnu povijest kazališne umjetnosti, dizajn scenografije dosljedno je prošao kroz evolucijsku transformaciju, uzrokovanu ne samo poboljšanjem scenske tehnologije, već i svim promjenama stilova i mode odgovarajućih vremena. To je ovisilo o prirodi književne strukture drame, o žanru dramaturgije, o socijalnom sastavu publike i o razini scenske tehnike.

Razdoblja stabilnih arhitektonskih struktura antike ustupila su mjesto primitivnim fazama srednjeg vijeka, koje su pak ustupile mjesto kraljevskim dvorskim kazalištima sa samodostatnom raskošju predstava. Bilo je predstava u tkanini, u složenoj konstruktivnoj scenografiji, samo u dizajnu svjetla, bez ikakve dekoracije - na goloj pozornici, na podiju, samo na pločniku.

Uloga kostima kao "pokretne" kulise uvijek je bila dominantna. Mijenjao se pogled na njegov "odnos" s glumcem, vremenom i poviješću, a konačno i s njegovim neposrednim "partnerom" - umjetničkim oblikovanjem scene.

U procesu progresivnog razvoja moderne kazališne umjetnosti, inoviranja režije, transformacije metoda likovnog oblikovanja, uloga umjetnosti kostima ne jenjava - naprotiv. S rastom svojih mlađih i fleksibilnijih dvojnika - kina i televizije - kazalište, nedvojbeno, u traženju i mučenju dobiva nove oblike spektakularnih tehnika, upravo one koje će braniti i definirati poziciju kazališta kao trajne vrijednosti neovisne umjetničke forme. . Kostimu, kao najpokretljivijem elementu kazališne kulise, u toj je potrazi pridano prvo mjesto.

Visoka suvremena kultura kazališne umjetnosti, suptilan i dubok redateljski rad na predstavi i izvedbi, talentirana igra glumaca zahtijevaju od kostimografa koji osmišljava izvedbu posebno pažljivo prodiranje u dramaturgiju predstave, blizak kontakt s smjer. Moderni dizajn nije kanoniziran pravilima. To je individualno i konkretno u svakom pojedinom slučaju. “Posao redatelja neodvojiv je od posla umjetnika. Najprije redatelj mora pronaći vlastite odgovore na osnovne scenografske probleme. Umjetnik pak mora osjećati zadaće postavke i ustrajno tražiti izražajna sredstva...”. Kazališni kostim najprije nastaje likovnim sredstvima, odnosno skicom.

Svaka predstava ili predstava odigrana na pozornici osmišljena je tako da gledatelju donese, između ostalog, estetski užitak od onoga što je vidio. Zato je tako važno odjenuti likove u odgovarajuće kazališne kostime. Tada će biti lako osjetiti duh ere djela, uhvatiti karakter likova i jednostavno uživati ​​u ljepoti spektakla.

Kazališni kostimi od antike do danas

Od nastanka kazališta kao takvog, pa sve do danas, odjeća glumaca doživjela je modifikacije:

• Pokušali su stvoriti scenske slike u davna vremena, eksperimentirajući s improviziranim materijalima. Još u staroj Kini i Japanu bilo je moguće promatrati glumce u specifičnoj odjeći, osobito na svečanim ili ritualnim predstavama. U Indiji su u davna vremena ulične plesačice također odijevale neobične svijetle sarije kako bi privukle pozornost. A s pojavom umjetnosti slikanja prirodnim bojama, sarisi nisu postali monofoni, već s uzorkom.
• To je "kazališni" koji se može nazvati kostimom koji se pojavio u staroj Grčkoj. Korištene su groteskne maske, šminka, a posebna boja odjeće likova ukazivala je na status ili profesiju junaka predstave.
• Zatim se europsko kazalište počelo razvijati u doba feudalizma, kada su predstave, tzv. „misterije“ davali lutajući umjetnici – histrioni. Izgled likova odlikovao se elegancijom i bogatim elementima ukrasa.
• Renesansa se sa svojim komedijama dell'arte odlikuje grotesknošću. Uz pomoć odjeće, frizura i perika, pokrivala za glavu, cipela, maski i šminke stvorene su duhovite slike, naglašene su svojstvene osobine pojedinih likova koji su ismijavani ili oduševljavali gledatelja (kitovito perje na šeširima, šarene pantalone).
• U narednim stoljećima u svakoj europskoj i istočnoj državi bilo je nekoliko kazališta, glazbenih salona, ​​opera, baleta itd. Kostimi su postali raznovrsniji, često prenoseći duh povijesnog doba, moderne odjeće, oslobađajući se pretjerane stilizacije. Stoga su se na pozornici mogle vidjeti kako slike poznate gledatelju, tako i rekreirani povijesni kostimi, naturalističke pojave i fantazijska šminka.

Ruska kazališna nošnja zaslužuje posebnu pozornost. Njegovim prvim tvorcima smatraju se lakrdijaši. Svijetle košulje, kaftani s pojasevima, batinke, kape sa zvonima, zakrpe na hlačama - svi ti elementi nošnje podsjećali su na seljačku odjeću, ali u pretjerano satiričnom obliku. Postojalo je crkveno kazalište gdje su izvođači bili odjeveni u bijelu odjeću, poput anđela. U školskim kazalištima likovi su imali svoje ambleme. I pod carem Aleksejem Mihajlovičem djelovalo je profesionalno kazalište. Stoga su elementi suverenove nošnje imali znakove kraljevskog dostojanstva, korišten je vez izrađen po narudžbi, skupo kamenje i izuzetni ukrasi šivani su ručno.

Vrste

Uobičajeno je razlikovati tri glavne vrste kostima:

1. Osobno. Ova vrsta je figurativno-plastična kompozicija, koja je izravni dio cjelokupne slike izvođača uloge. U odijelu je lik često potpuno skriven. Glumac ga sam pokreće i daje glas. Dakle, za Pekinšku operu bile su karakteristične slike svetog hrama ili zmaja.
2. Igra. Ovo je sredstvo transformacije izgleda umjetnika i važan element njegove igre. Transformacija likova u obrednim i folklornim radnjama po karakteru često je imala temelj u korištenju groteske i parodije, primjerice, kad su se mladići odijevali u djevojke.
3. Kao i odjeća lika. Ona je glavna u modernim izvedbama, često točno nalik na tradicionalnu odjeću određenog razdoblja djelovanja u produkciji. Na temelju takvog odijela nastaju gornja dva tipa.

Značajke krojenja

Krojenje scenske odjeće prilično je složena i kreativna aktivnost. Potrebno je odabrati prave materijale, dodatke, po potrebi izraditi vez i aplikaciju. Kazališni kostim mora ispunjavati sljedeće zahtjeve:

• Točno utjeloviti doba, uzimajući u obzir povijesne, etnografske, nacionalne značajke djela i likova.
• Uskladite redateljevu namjeru da izrazi bit karaktera lika.
• Dajte učinak slici glumca u očima gledatelja.
• Dobro je sjediti u skladu s figurom svog vlasnika.
• Praktičnost nošenja kostima (osobito važno za plesače koji sudjeluju u predstavama).

Budući da kostimograf odabire kazališni kostim za određenu ulogu i određenog glumca, potrebno ga je skrojiti po mjeri. Za to je bolje obratiti se profesionalcima. Tvornica krojenja je šivaća proizvodnja u Moskvi i Moskovskoj regiji, ovdje možete naručiti krojenje kostima za nastup, operu i balet. Odabrat će se najbolji materijali i primijeniti suvremene tehnologije šivanja.

KAZALIŠTE je sintetička umjetnička forma koja nam omogućuje ne samo čuti, ne samo zamisliti, nego i gledati, vidjeti. Kazalište nam daje priliku da budemo svjedoci psiholoških drama i sudionici povijesnih djela i događaja. Kazalište, kazališna predstava nastaje radom brojnih umjetnika, od redatelja i glumca do scenografa, jer predstava je „spoj različitih umjetnosti, od kojih se svaka na tom planu preobražava i dobiva novu kvalitetu. ..."

Kazališni kostim je sastavni dio scenske slike glumca, to su vanjski znakovi i karakteristike prikazanog lika, koji pomažu reinkarnaciji glumca; sredstva umjetničkog utjecaja na gledatelja. Za glumca je odijelo materija, forma inspirirana smislom uloge.

Kao što glumac riječju i gestom, pokretom i bojom glasa stvara novu bit scenske slike, polazeći od onoga što je dano u predstavi, tako umjetnik, vođen istim podacima predstave, utjelovljuje sliku kroz sredstva njegove umjetnosti.

Kroz stoljetnu povijest kazališne umjetnosti, dizajn scenografije dosljedno je prošao kroz evolucijsku transformaciju, uzrokovanu ne samo poboljšanjem scenske tehnologije, već i svim promjenama stilova i mode odgovarajućih vremena. To je ovisilo o prirodi književne strukture drame, o žanru dramaturgije, o socijalnom sastavu publike i o razini scenske tehnike.

Razdoblja stabilnih arhitektonskih struktura antike ustupila su mjesto primitivnim fazama srednjeg vijeka, koje su pak ustupile mjesto kraljevskim dvorskim kazalištima sa samodostatnom raskošju predstava. Bilo je predstava u tkanini, u složenoj konstruktivnoj scenografiji, samo u dizajnu svjetla, bez ikakve dekoracije - na goloj pozornici, na podiju, samo na pločniku.

Uloga kostima kao "pokretne" kulise uvijek je bila dominantna. Mijenjao se pogled na njegov "odnos" s glumcem, vremenom i poviješću, a konačno i s njegovim neposrednim "partnerom" - umjetničkim oblikovanjem scene.

U procesu progresivnog razvoja moderne kazališne umjetnosti, inoviranja režije, transformacije metoda likovnog oblikovanja, uloga umjetnosti kostima ne jenjava - naprotiv. S rastom svojih mlađih i fleksibilnijih dvojnika - kina i televizije - kazalište, nedvojbeno, u traženju i mučenju dobiva nove oblike spektakularnih tehnika, upravo one koje bi branile i definirale poziciju kazališta kao trajne vrijednosti neovisnog vrsta umjetnosti. Kostimu, kao najpokretljivijem elementu kazališne kulise, u toj je potrazi pridano prvo mjesto.

Visoka moderna kultura kazališne umjetnosti, suptilan i dubok redateljski rad na predstavi i izvedbi, talentirana igra glumaca zahtijevaju od umjetnika koji osmišlja predstavu posebno temeljit prodor u dramaturgiju predstave, blizak kontakt s smjer. Moderni dizajn nije kanoniziran pravilima. To je individualno i konkretno u svakom pojedinom slučaju. “Posao redatelja neodvojiv je od posla umjetnika. Najprije redatelj mora pronaći vlastite odgovore na osnovne scenografske probleme. Umjetnik, zauzvrat, mora osjetiti zadatke postavljanja i ustrajno tražiti izražajna sredstva ... "

Kazališni kostim najprije nastaje likovnim sredstvima, odnosno skicom.

Pošaljite svoj dobar rad u bazu znanja jednostavno je. Koristite obrazac u nastavku

Studenti, diplomanti, mladi znanstvenici koji koriste bazu znanja u svom studiju i radu bit će vam vrlo zahvalni.

• 3
• 2. Drevni kazališni kostim 5
• 7
• 9
• 5. Kazališni kostim Europe od XVIu. sve do modernog doba 13
• 17

1. Što je kazališni kostim?

Kazalište je vrsta umjetnosti koja ne može postojati bez publike, pa je u njemu sve zamišljeno za vanjski učinak. Kazališni kostim (zajedno s lažnim brkovima i bradom, perikama, kozmetikom, maskama) dio je kazališne šminke. Šminka (od francuskog "grimer" - "obojiti lice") je umjetnost mijenjanja izgleda glumca za određenu ulogu i sredstva potrebna za to.

Kazalište (a s njim i šminka) rođeno je u dubinama magičnog sinkretičkog obreda antike. Ljudi su u njemu vidjeli ljekovitu moć koja čisti tijelo od raznih strasti.

Svi narodi svijeta od davnina imaju praznike povezane s godišnjim ciklusima umiranja i ponovnog rađanja prirode. Ovi su blagdani dali život kazalištu.

Stari Grci voljeli su i štovali mladog boga Dioniza. Vrhovno božanstvo - Zeusa - častili su samo jednom u četiri godine (Olimpijske igre); Atena - jednom svake dvije godine; Apollo - jednom u dvije godine; ali Dioniz tri puta godišnje. To je i razumljivo: Dioniz je bio bog vinarstva.U ožujku su ljudi iz svih grčkih gradova dolazili u Atenu na Veliku Dioniziju. Tijekom tjedna sklapali su poslove, političke saveze i samo se zabavljali.

Praznik je započeo unošenjem drvenog Dioniza u čamcu na kotačima. Ovaj čamac pratio je zbor satira-kukara. Stoga se pojavljivanje ovog božanstva oduvijek povezivalo s odijevanjem i karnevalskim kostimima.

Vrhunac praznika nastupio je trećeg dana. Na ovaj dan Dionizu su žrtvovane muške životinje, jer je on, budući da je rođen iz Zeusovog bedra, bio povezan s čisto muškim principom. Žrtve su mogli biti pijetlovi, bikovi, ali najčešće koze. Kad bi takav "žrtveni jarac" bio ubijen, pjevali su tužnu "jarčevu pjesmu" - tragediju. Potom je košara s crijevima i falusom jarca nošena u polje da oplodi zemlju, postupno se opijajući vinom posvećenim Dionizu. Vraćajući se kući, nositelji košare nekoga su grdili (na primjer, lokalnog političara). Ulazeći u grad, objesili su komos (kozja utroba) u blizini čovjekove kuće. Ova akcija, ova gužva i te vesele pjesme. koje je pjevala zvali su se komos ("reveljci"). Odatle dolazi komedija. Istina, postoje i druge verzije nastanka kazališta.

Što se tiče odjeće sudionika praznika, poznato je da su to bile životinjske kože (radi veće sličnosti sa satirima s kozjim nogama). Kasnije, zahvaljujući natjecanju pjesnika na pozornici, tragične i komične pjesme postale su samostalne kazališne vrste.

2. Drevni kazališni kostim

Službena godina rođenja antičkog kazališta je 534. pr. e .. kada je tragedija Thespides prvi put postavljena na Velikim dionizijama.

Do tada se kazališni kostim već uvelike razlikovao od svakodnevnog. Umjetnik, koji je u početku bio samo jedan, izašao je na pozornicu u veličanstvenoj i svijetloj haljini. Na licu mu je bila maska ​​povezana s perikom i opremljena metalnim rezonatorom glasa smještenim na ustima. Maska je imala rupe za oči. Glumac je obuo cipele u koturny na visokoj platformi. Sve je to proračunato za udaljenost gledatelja, jer je grčko kazalište na otvorenom moglo primiti do 17.000 ljudi. Svijetla haljina, velika maska, visoke cipele omogućile su da se bolje vidi izvođačica. Rezonator je pojačavao zvuk (iako je akustika u antičkim kazalištima bila takva da je šaptom izgovorena riječ na sredini pozornice dopirala do posljednjih redova).

Bilo je do sedamdeset različitih vrsta maski. Bile su neophodne i zato što su sve uloge tada igrali muškarci. Glumac je mijenjao masku u tijeku radnje, kada je nastupio u novoj ulozi i kada je gledatelju pokazao promjenu raspoloženja svog lika. Maske su odavale tipičan izraz radosti, tuge, prijevare i sl. Izrađivane su od drveta ili gipsa, a potom bojane.

Simbolika boja odigrala je važnu ulogu. Vladari su imali purpurne haljine: žene su im bile bijele; prognanici su crni ili plavi; mladići su crveni; obične žene su žute; dobivači su šareni.

Kostime su pratili stalni atributi kako bi publika lakše prepoznala lik. Vladar je imao žezlo, lutalica je imao štap, Dioniz je imao rascvjetanu granu od pliša (thyrsus), Apolon je imao luk i strijele, Zeus je imao munje, itd.

Zahvaljujući dugoj odjeći i visokim cipelama, tragični glumci izgledali su monumentalno i kretali se glatko. Komičari su preferirali kraće i uže odjevne kombinacije. Prikazujući satire i silene držali su se za stražnji dio konjskog repa, stavljali životinjsku masku (ili rogove), a to je iscrpljivalo njihovu šminku. Takva odjeća omogućila im je slobodno skakanje po pozornici. U Rimu su se više voljeli laki žanrovi, a tragedije su davale prednost komediji. Tu je na scenu stupila pantomima. Cirkuske predstave bile su vrlo popularne. Gledatelji su lakše percipirali phlyake (od grčkog "phlyax" - "šala") - parodije tragedija i komedija; meme - male scene na svakodnevne teme; atellani - smiješne improvizacije.

Kostim se približio svakodnevnoj odjeći. Istina, simbolika boja je i dalje sačuvana. U mimovima više nije bilo maski, a publika je mogla promatrati izraze lica glumaca. U tim predstavama nisu igrali samo muškarci, već i žene, što je pojačalo erotski moment i stvorilo povod za javni striptiz.

Grčko-rimski kazališni kostim nastavio je utjecati na scenski kostim u kasnijim vremenima.

3. Kazališni kostim europskog srednjeg vijeka

U srednjem vijeku ljudi nisu zaboravili zabavu antike, a gotovo svaki kršćanski praznik bio je popraćen klaunskom predstavom iznutra: kruna - šaljivdžija, kapa - kralj.

Europom lutaju histrioni (od latinskog "histrio" - "glumac"), koje u Francuskoj zovu žongleri, u Engleskoj - ministranti. u Njemačkoj - shpilmans, au Rusiji - buffoons. Oni su teatar jednog glumca, jer znaju glumiti, pjevati. hodati po žici, žonglirati. Nošnja ovih ljudi bila je prikladna za akrobacije: trikoi, mekane cipele, kratka pojasana tunika, skitnice su putovale pored histriona - "skitnice": poluobrazovani školarci, sjemeništarci, svećenici-rasstrigi. Granice kao takve još nisu postojale, a jezici se nisu previše udaljavali od jedne osnove, što je omogućilo razumijevanje posvuda. Odjeća Vaganata nije se razlikovala od svakodnevne nošnje srednjovjekovne osobe.

Vaganti su igrali zabavne predstave - comu, u kojima je crkva ismijavana u liku Majke lude, zbog čega su predstavnici službene religije progonili umjetnike.

No, i Crkva je trebala povećati spektakel svojih "reprezentacija", pa liturgijska drama nastaje upravo u hramu. Epizode iz Biblije uprizorili su sami svećenici u svojim odorama. Ali što se više povećavao trenutak igre u tim produkcijama, to su one postajale "nepristojnije" unutar zidina crkve. Stoga je izvedba najprije prebačena na trijem, a potom i na trg. Pojavio se novi žanr - čudo ("čudo"), koji predstavlja čudesne događaje povezane s Djevicom Marijom i Isusom. Na temelju čuda pojavljuje se misterij ("misterij") - kazališna radnja, izdaleka povezana s biblijskom pričom.

Likovi misterija mogli su biti ne samo Djevica Marija, Isus i biblijski proroci, nego i đavli, vrag i samo građani. Stoga je nošnja postala raznolikija. Krist, apostoli, proroci djelovali su u odjeći svećenstva. A sami izvođači tih uloga mogli su biti svećenici ili redovnici (to nije bilo zabranjeno). Trgovci, zanatlije i drugi junaci imali su odjeću građana svog vremena. Fantastični likovi odjeveni u složenu nošnju s neizostavnim atributima poput rogova, repova i vučjih ili ovnujskih koža za vragove. Personificirane bolesti (Kuga, Velike boginje), grijesi (Proždrljivost, Laskanje), vrline (Istinoljublje, Nada) mogle su imati maske.

No, često se nisu izrađivali posebni kostimi (kao ni scenografija). Natpisi “Raj”, “Pakao”, “Bog Otac” itd. bili su sasvim dovoljni.

Svjetlost je bila glavna kategorija srednjovjekovne estetike, pa su najvažniji božanski likovi bili u bijeloj i sjajnoj odjeći, a đavolski potomci u crnoj. Vera je bila odjevena u bijelu haljinu. Nada je zelena. Ljubav je u crvenom.

Kao iu starom kazališnom kostimu, junaci su imali stalne atribute: Vjera je imala križ, Nada je imala sidro, Ljubav je imala srce ili ružu, Srebrnost je imala novčanik, Užitak je imao naranču, Laskanje je imalo lisičji rep.

S vremenom je kazališna nošnja sve više ličila na običnu kućnu, a kućna je postajala sve teatralnija.

4 Kazališna nošnja zemalja jugoistočne Azije

Sinkretizam primitivne kulture (neodvojivost različitih vrsta kulturnih aktivnosti) očitovao se u čarobnim gradovima, gdje su plesovi, glazba, slikarstvo, kazališne predstave itd. koegzistirali rame uz rame u dubinama mitologije. e. ples i pantomima bili su dio štovanja bogova u staroj Indiji. Epovi "Mahab-harap" i "Ramayana", koji su se pojavili u 1. tisućljeću pr. e., formirali su temelj klasičnog kazališta Indije i onih zemalja u kojima postoji hinduizam, budući da su ti epovi svete knjige ove religije. U raznim oblicima (pravo kazalište, kazalište lutaka, kazalište sjena, balet) još uvijek postoje produkcije epizoda Mahabharate i Ramayane. A sada koriste vrlo svijetle, skupe kostime, maske ili šminku sličnu maski. Kulise nema, sve se odvija u nedrima veličanstvene prirode.

U Kini se kazalište također razvilo iz plesnih i akrobatskih elemenata koji su bili dio svetih obreda. U 7.-10. st. šire se plesovi na povijesne i herojske teme prošarani malim kazališnim intermecima. Prvi put su se pojavili posebni kazališni kostimi.

U 13.-14. stoljeću kinesko je kazalište doživjelo svoj vrhunac u obliku zajua. Ovaj mješoviti nastup uključivao je glazbu, pjevanje, ples i akrobacije.

Nije bilo scenografije, pa je igra glumaca i njihov izgled bio od posebne važnosti. Sve uloge igrali su muškarci. Najjadnije scene odigravale su se usporeno.

Svi pokreti bili su strogo kanonizirani. Sami glumci govorili su o sebi kao o junacima, određivali vrijeme i mjesto radnje.

U sljedećim stoljećima zaju nije zamro, već se transformirao u različite oblike. Kao i prije, na pozornici je malo rekvizita, a ono što ima koristi se polifunkcionalno: stol je i planina, i oltar, i osmatračnica; crne zastave simboliziraju vjetar, crvene zastave vatru itd. Simbolika boja koristi se u šminki i nošnji: crvena je hrabrost, bijela je podlost, žuta je boja cara.

U Japanu se također razvilo nekoliko vrsta kazališnih predstava koje su preživjele do danas. Kan'ami Kpetsugu i njegov sin Zeami na prijelazu iz 14. u 15. stoljeće stvorili su Noh teatar od različitih pjesama i plesnih brojeva. I sami su bili glumci, redatelji, pisci i skladatelji (a Zeami je bio i teoretičar Ne kazališta). Njihovo djelovanje došlo je u vrijeme kada je način života Japanaca bio izrazito teatralan: vladari su bili ljudi niskog porijekla i, kao i svi neofiti, posebno su se pridržavali rituala. Žudnja za spektaklom dovela je do masovnih čajnih ceremonija ili proslava divljenja trešnjinim cvjetovima (što je samo po sebi apsurdno, jer je to za Japance nešto vrlo osobno). Noh kazališne predstave postale su obvezni dio svečanosti i primanja. Često su višesatne (pa čak i višednevne) predstave na povijesne i herojske teme počele mijenjati tijek stvarnih događaja (na primjer, tijek praznika). Vladari su se navikli na slike scenskih junaka. A šogun (vojni diktator) Toyotomi Hideyoshi od velikog obožavatelja kazališta No postao je njegov glumac i 1593. godine, tijekom trodnevne predstave u čast rođenja sina, briljirao u deset predstava. Igrao je samog sebe.

Noh teatar ima već spomenute karakteristike: odsutnost scenografije, sporost pokreta na bitnim mjestima predstave, muški glumci. Scene su se odvijale pred slikom bora na zlatnoj pozadini. Slika bora vratila se do najstarijih agrarnih magičnih simbola, a zlato je personificiralo sunce i božicu Amaterasu. Osim toga, takva je pozadina simbolizirala spajanje s prirodom, pogotovo jer su radnje mogle nadilaziti pozornicu i stopiti se u pravu atmosferu prijema ili praznika.

Glumački kostim do 17. stoljeća. nije se razlikovao od kućne nošnje plemstva (kasnije se počeo izrađivati ​​prema gravurama i uzorcima XIV-XV stoljeća). Postojala je tradicija - davati glumcima skupe haljine (posebno se to proširilo u vrijeme kazališnog vladara Toyotomija Hideyoshija). Kao rezultat toga, kazalište Noh također je postalo muzej luksuznog ruha. Sada je najstarija odjeća koja se čuva u kazalištu šogunov kostim iz 15. stoljeća.

Godine 1615. vladar Ieyasa Totkugawa izdao je kodeks koji regulira boje i kvalitetu tkanina. Zabrana skupih materijala pogodila je i Noh teatar. Redatelji su počeli tražiti drugačiji figurativni izraz, ne više zbog skupih odjevnih kombinacija. Tkanina nošnje pretvorena je u simboličnu knjigu koja se može ispuniti informacijama. Sada stilizirani kanonski kostim kazališta No otkriva karakterističnu sliku. U njemu je sve simbolično - od kroja do veza.

Boja igra važnu ulogu. Bijela označava plemenitost, crvena pripada bogovima i ljepotama, blijedoplava je povezana s ravnotežom, smeđa označava nisko porijeklo.

U Noh teatru igraju muškarci, pa su maske i lepeze važne. Veličina, boja, uzorak, kretanje lepeze karakterizira lik. Maske su jednostavne, ali vrlo elegantne. Izrađene su od čempresa, grundirane i brušene. Maska se nosi preko perike i pričvršćuje vezicama. Najmanja promjena u osvjetljenju ili kutu daje novi izraz. Postoje maske različitih spolova, dobi, likova, pa čak i fantastičnih stvorenja.

5. Kazališni kostim Europe iz 16. stoljeća. sve do modernog doba

Tijekom renesanse u Europi su se počele pojavljivati ​​prve stalne trupe koje su radile na profesionalnoj osnovi. Lutaju ili su prikovani za jedno mjesto. Ljudi se više vole smijati nego plakati, pa glumci postavljaju lagane, komične produkcije, farse i parodije. Lutajući komediografi nastavili su srednjovjekovne tradicije i (kao i cijela kultura renesanse) okrenuli se antičkoj baštini. Prije svega, takve su trupe nastale u Italiji. Tu se javlja kazalište commedia dell "arte", odnosno "komedija maski".

U commedia dell'arte postojala je jedna kulisa - gradska ulica. Nije bilo stalnog zapleta: voditelj družine (kapokomiko) je to tražio, a glumci su improvizirali, kao u antičkim atellanima. Ponovljeni su i objedinjeni oni trikovi i opaske koji su izazvali odobravanje javnosti. Radnja se vrtila oko ljubavi mladih, kojoj su smetali stari, a pomagale sluge.

Najvažniju ulogu u komediji imala je maska. Crna maska ​​može prekriti cijelo lice ili njegov dio. Ponekad je to bio zalijepljen nos ili glupe naočale. Glavna stvar je stvoriti tipično lice, usmjereno na karikaturu.

Postojala su dva zahtjeva za kostim: praktičnost i komičnost. Stoga je s jedne strane podsjećala na odjeću srednjovjekovnih histriona, as druge strane bila je dopunjena karakterističnim smiješnim detaljima.

Na primjer, Pantalone - škrti trgovac - uvijek je bio sa svojim novčanikom. Odjeća mu je podsjećala na onu venecijanskih trgovaca: jakna vezana pojasom, kratke hlače, čarape, plašt i okrugla kapa. Ali jednog dana umjetnik je izašao na pozornicu u širokim crvenim hlačama, publici se svidio ovaj karakterističan detalj. Kao rezultat toga, Pantalone i njegove hlače toliko su se spojile u glavama ljudi da je s vremenom od osobnog imena nastao uobičajeni naziv pantalone za žensko donje rublje.

Liječnik - još jedan junak commedia dell'arte - predstavio je parodiju na znanstvenika i izašao u crnoj akademskoj haljini s čipkastim ovratnikom i manšetama. U njegovim rukama uvijek su bili papirnati svici na glavi - široki šešir.

Kapetan, vojni pustolov, nosio je kirasu, hlače, čizme preko koljena s ogromnim mamuzama, kratki ogrtač i šešir s perjem. Njegov stalni atribut bio je drveni mač, koji bi po potrebi sigurno zapinjao za korice.

Najbrojniji i najrazličitiji likovi bili su sluge (zanni), jer su upravo oni bili "motori napretka" u ljubavnom sukobu. Pulcinella je imao ogroman kukasti nos; Harlekin ima toliko zakrpa da su se s vremenom stilizirale u šahovnici, Pierrot ima široku bijelu košulju s izrezanim ovratnikom i duge hlače; Brighella ima široku bijelu bluzu i odgovarajuće hlače.

Ovo popularno kazalište, zahvaljujući svojim lakim zapletima, bilo je mnogo popularnije od kazališta Shakespearea ili Lope de Vege, koja su više davala prednost ne spektaklu, već dubini sadržaja. Za djela Lopea de Pege, primjerice, pojavio se čak i naziv "komedije plašta i mača", jer su umjetnici u njima stvarno igrali samo u svakodnevnim kostimima modernim autoru.

Paralelno s lutajućim trupama, postojala su i dvorska kazališta, čiji su se kostimi brojali u stotinama i odlikovali su se visokom cijenom. Prikazane su odvojeno od izvedbe predstave.

U XVII-XVIII stoljeću razvoj kazališnog kostima je opao. Riječ dolazi do izražaja, dijalozi upijaju svu pozornost publike. Na pozornici se koristi kućna nošnja, lišena historicizma. Ovo je uobičajeno moderno odijelo tog vremena. Istina, u predstavi nećete vidjeti odrpanog slugu ili loše odjevenu pastiricu. Nošnja je oplemenjena. To je posljedica teatralizacije života. Kazalište je toliko duboko ukorijenjeno u svakodnevni život da se briše granica "kazališno - svakodnevni" kostim. Valja napomenuti da u XVII-XVIII stoljeću kazališni kostim često određuje modu (što je već spomenuto u prethodnim poglavljima). Glumci su se odjenuli bolje i ekstravagantnije od ostalih. U 17. stoljeću za Monsieur a la fashion, na pozornici su bila postavljena posebna sjedala za publiku, gdje nisu samo gledali izvedbu, već su razgovarali o umjetnicima i njihovim kostimima.

U 17.-18. st. cvjetaju sintetički žanrovi: opera, balet, cirkus (iako su bili poznati i prije). Ovi žanrovi uključuju dramatičnu radnju, vratolomije, glazbu, pjevanje i svijetlu, nezaboravnu šminku. Sintetički žanrovi apsorbiraju elemente svakodnevnog života. Na primjer, dvoranski ples cancan (francuski cancan) s karakterističnim visokim zabacivanjem nogu nastao je oko 70-ih godina 18. stoljeća. Postupno postaje sastavni dio operete – žanra glazbene i plesne komedije.

U 19. stoljeću ponovno oživljava interes za povijest u svim područjima kulture. Zahvaljujući arheološkim i literarnim nalazima, bilo je moguće saznati više o nošnjama antike, stoga se u povijesnim predstavama po prvi put pokušavaju reproducirati izvorne nošnje iz prošlosti.

Razvoj kritičkog realizma kao metode umjetnosti i načina poimanja svijeta dovodi do toga da na pozornici više nećete vidjeti seljanke u peignoirima i uštirkane sluge. U kazalištu se pojavljuju takvi rekviziti koji se prije nisu naglas spominjali u pristojnom društvu. Potraga za novim oblicima izražavanja dovodi do naturalističkog make-upa. Evo što V. A. Gilyarovsky piše u svojim esejima o Moskvi i Moskovljanima:

"Godine 1879. dječak u Penzi kod kazališnog frizera Šiškova bio je učenik, mali Mitya. Bio je miljenik penzenskog poduzetnika V.P. Dalmatova, koji mu je samo dopuštao da dotakne kosu i učio ga šminkati. postavio je "Bilješke luđaka". " i naredio Mityi da pripremi ćelavu periku, koji je na predstavu donio mokri bikov mjehur i počeo stavljati Dalmatovu njegovanu kosu ... Na krik glumca, glumci su utrčali u garderobu.

- Vi ste veliki umjetnik, Vasilije Pantelejmonoviču, ali dopustite mi da budem umjetnik svoga posla! - podigavši ​​glavu na visokog V. P. Dalmatova, pravdao se dječak. - Samo probaj!

V. P. Dalmatov je konačno pristao - i za nekoliko minuta mjehurić je bio stavljen, na nekim mjestima podmazan, a oči B. P. Dalmatova zasjale su od zadovoljstva: potpuno gola lubanja s njegovim crnim očima i izražajnom šminkom ostavila je snažan dojam.

Na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće trend modernizma rađa nove oblike kazališnog kostima. Odijela su stilizirana, pretvaraju se u simbole. Europljani su otkrili kazališta Istoka, što se odrazilo i na scenski kostim.

U prvim godinama nakon Oktobarske revolucije, kazališni kostim potpuno je nestao, zamijenjen je "kombinezonom", budući da su glumci "radnici kazališnog rada".

Postupno se sve vratilo u normalu, a kazališni kostim ponovno se vratio na pozornicu. Štoviše, u XX. stoljeću. pojavio se tako novi spektakl kao što je kazalište mode. Revije manekenki pretvorile su se u glazbene dramske predstave. Tako je kućna nošnja konačno otvoreno "vjenčana" s kazalištem.

Popis korištene literature

2. Gelderod M. de. Kazalište: Sub.: Per. od fr. / Post-zadnji. L. Andreva, str. 653-694 (prikaz, ostalo).

3. Komentirajte. S. Shkunaeva; Umjetnički N. Aleksejev. -M .: Umjetnost, 2003. -717 str.

4. De Filippo E. Kazalište: Drame: Per. s tim. /Kasnije. L. Veršinina, str. 759-775; Umjetnički N. Aleksejev. -M .: Umjetnost, 2007. -775 str.

Slični dokumenti

Obilježja kazališnog kostima. Zahtjevi za njegovu skicu. Analiza slike ljudske figure; tehnike i alati korišteni u grafičkim izvorima. Korištenje grafičkih tehnika kazališnog kostima u izradi kolekcije odjeće.

seminarski rad, dodan 28.09.2013


Antropomorfološke karakteristike figure. Analiza povijesnog kostima. Značajke muškog odijela. Obrazloženje za izbor osnovnog modela. Likovno-kompozicijska analiza analognih modela. Proračun i izrada crteža projektiranog proizvoda.

seminarski rad, dodan 28.04.2015


Nošnja kao predmet sociokulturološke analize: povijest razvoja, značenje, uloga, funkcije i tipologija. Opis semiotičkih aspekata nošnje, atributa, dodataka, socijalne i psihološke osnove. Analiza simbolike "kicoške" nošnje.

diplomski rad, dodan 24.01.2010


Pojam dekorativne umjetnosti kao izražajnog sredstva kazališne umjetnosti. Glavna sredstva izražajnosti kazališne umjetnosti: uloga scenografije, kostima, šminke u otkrivanju slike likova, vizualni i optički dizajn izvedbe.

kontrolni rad, dodano 17.12.2010


Povijest europske nošnje 19. stoljeća. Razlike između stila empire i klasicizma. Obilježja sastava nošnje. estetski ideal ljepote. Glavne vrste odjeće, njezina dizajnerska rješenja. Svečane haljine, cipele, šeširi, frizure, nakit.

seminarski rad, dodan 27.03.2013


Povijesne karakteristike dinastije Ming. Nacionalna kineska odjeća kao dio povijesti Kine. Ornament, ukrasna obilježja i simbolika nošnje. Načela likovnog oblikovanja kostima, njegova originalnost. Opća priroda sheme boja.

sažetak, dodan 23.05.2014


Uloga i značaj nošnje u antičkom svijetu: Egipat, Grčka, Rimma, Indija i Bizant. Nošnja zapadne Europe u srednjem vijeku. Renesansni kostim: talijanski, španjolski, francuski, njemački, engleski. Imperij i romantizam, rokoko i barok.

seminarski rad, dodan 26.12.2013


Obilježja razvoja nošnje baroknog doba, estetski ideal ljepote i značajke tkanina, boja, ornamenata. Posebnosti ženske i muške nošnje, obuće i frizure. Karakteristike reznog sustava baroknog doba, njihov odraz u modernoj modi.

seminarski rad, dodan 07.12.2010


Opće karakteristike kulture i umjetnosti Japana. Opis načela oblikovanja japanske nošnje. Vrste kimona, kroj i dodaci. Moderna interpretacija japanskog kostima u djelima poznatih kreatora (J. Galliano, A. McQueen, Is. Miyake, M. Prada).

sažetak, dodan 01.07.2013


Ženske frizure Bizantskog Carstva. Karakteristične značajke muških frizura XV-XVI stoljeća. Evolucija dvorske nošnje u Rusiji u 18. stoljeću. "Romanički" stil u modernoj ženskoj slici. Utjecaj plemićke nošnje na nošnje drugih staleža.