اصالت نقاشی روسی اواخر نوزدهم - اوایل قرن بیستم.

همانطور که در ادبیات، در هنرهای تجسمی وجود داشت بسیاری از مقاصد: از رئالیسم، که سنت های سرگردان قرن نوزدهم را ادامه داد، تا آوانگاردیسم، که هنر معاصر، هنر فردا را به وجود آورد. هر گرایش طرفداران و مخالفان خود را داشت.

در این زمان، کاهش تدریجی در نقاشی ژانر وجود داشت - اساس هنر سرگردانان، و شکوفایی هنر پرتره، گرافیک، هنرهای نمایشی و تزئینی.

در این دوره، همراه با "انجمن نمایشگاه های مسافرتی"، تعدادی انجمن جدید از هنرمندان ایجاد شد: "دنیای هنر" در سن پترزبورگ (1899-1924؛ S. Diaghilev - بنیانگذار، A. Benois، K. سوموف، ال. باکست، آی. گرابار، آ. اوستروموا-لبدوا و دیگران)، "اتحادیه هنرمندان روسی" در مسکو (1903-1923؛ ک.کوروین، ک. یوون، آ. آرخیپوف و دیگران)، "رز آبی". " (1907؛ P. Kuznetsov، V. Maryan، S. Sudeikin و دیگران)، "Jack of Diamonds" (1910-1916؛ P. Konchalovsky، R. Falk، A. Lentulov و دیگران). ترکیب انجمن ها روان و متحرک بود. پویایی توسعه رویدادها بالا بود، اغلب خود سازمان دهندگان، و اعضا یک اتحادیه را ترک کردند و به دیگری نقل مکان کردند. سرعت تکامل هنری به تدریج افزایش یافت.

ویژگی های مشخصهدوره عبارتند از:

• تراز توسعه ناهموار انواع مختلفهنر: معماری، هنر و صنایع دستی، گرافیک کتاب، مجسمه سازی، مناظر نمایشی در کنار نقاشی قرار می گیرد. هژمونی نقاشی سه پایه اواسط قرن متعلق به گذشته است.
• نوع جدیدی از هنرمند جهانی در حال شکل گیری است که "می تواند همه کارها را انجام دهد" - نقاشی یک تابلو و تابلوی تزئینی، اجرای تصویری برای یک کتاب و یک تابلوی یادبود، مد کردن یک مجسمه و "انشای" یک لباس تئاتر (وروبل، هنرمندان دنیای هنر)؛
• فعالیت فوق العاده زندگی نمایشگاهی در مقایسه با دوره قبل؛
• علاقه به هنر محافل مالی، ظهور فرهنگ حمایت و غیره.

روند واقع گرایانه در نقاشی توسط I. E. Repin نشان داده شد. از سال 1909 تا 1916، او پرتره های بسیاری کشید: P. Stolypin، روانپزشک V. Bekhterev، و دیگران. از سال 1917، پس از استقلال فنلاند، این هنرمند معلوم شد که یک "مهاجرت" است.

نقاشی جدید و هنرمندان جدید

دوران پرتلاطم جست و جو، نقاشی های جدید و نام های بزرگی از هنرمندان را به جهان بخشید. بیایید نگاهی دقیق تر به کار برخی از آنها بیندازیم.

والنتین الکساندرویچ سرووف (1865-1911)

والنتین الکساندرویچ سرو(1865-1911). V. A. Serov در خانواده یک آهنگساز برجسته روسی الکساندر نیکولاویچ سرووف، نویسنده اپراهای Judith، Rogneda، Enemy Force متولد شد. مادر این هنرمند که آهنگساز و نوازنده پیانو نیز بود، نقش زیادی در شکل گیری شخصیت او داشت. V. Serov از سن 10 سالگی طراحی و نقاشی را نزد I. Repin آموخت، به توصیه او در سال 1880 وارد آکادمی هنر شد و نزد معلم معروف پاول پتروویچ چیستیاکوف (1832-1919) که سنت های آکادمیک را با هم ترکیب کرد، تحصیل کرد. آموزش با سنت های رئالیسم اجرای خارق العاده و فداکاری، استعداد اصیل طبیعی، سروو را به یکی از بهترین و متنوع ترین هنرمندان آغاز قرن تبدیل کرد.

او نقش ویژه ای در بیوگرافی خلاق سروف ایفا کرد دایره آبرامتسوو(دایره ماموت). در آبرامتسوو بود که سروف 22 ساله "دختری با هلو" (1887، ورا مامونتووا) (بیماری 27) و یک سال بعد شاهکار جدیدی - "دختری که توسط خورشید روشن شد" (ماشا سیمونوویچ) نوشت. ). شکوه سروف با این آثار آغاز می شود. والنتین جوان، شاد، عاشق بود، قرار بود ازدواج کند، می خواست چیزی شاد، زیبا بنویسد تا توطئه های سرگردان را کنار بگذارد. در اینجا ژانرها پرتره آمیخته با منظره، با فضای داخلی هستند. این مخلوط مورد علاقه امپرسیونیست ها بود. دلایلی وجود دارد که باور کنیم سروف به عنوان یک امپرسیونیست شروع شد.

دوره سرمستی با جهان کوتاه مدت است، به تدریج امپرسیونیسم رو به زوال است، هنرمند دیدگاه های عمیق و جدی دارد. در دهه 90. او یک نقاش پرتره درجه یک می شود. سروف به هویت خالق علاقه مند است: هنرمند، نویسنده، هنرمند. در این زمان، دیدگاه او نسبت به مدل تغییر کرده بود. او علاقه مند بود ویژگی های مهم شخصیت. او در کار خود بر روی پرتره ایده "هنر معقول" را توسعه داد، هنرمند چشم خود را تابع عقل کرد. در این زمان ، "پرتره هنرمند لویتان" ظاهر شد ، تعداد زیادی عکس از کودکان ، پرتره هایی از زنان غمگین.

گرایش دوم در نقاشی سروف در سالهای 1890-1900 آثاری است که به آن اختصاص دارد دهکده روسیکه در آن شروع ژانر و منظره ترکیب شده است. "اکتبر. Domotkanovo" روستایی ساده روسیه با گاو، چوپان، کلبه های چروکیده است.

دوران پرتلاطم آغاز قرن بیستم. هنرمند و نقاشی او را تغییر داد. سروف به جای نوشتن از طبیعت، شروع به تصرف وظیفه تبدیل واقعیت، نوشتن می کند.

در یک پرتره، او به یک فرم یادبود می رود. اندازه بوم در حال افزایش است. به طور فزاینده ای، این رقم در رشد کامل ترسیم می شود. اینها پرتره های معروف M. Gorky، M. N. Ermolova، F. I. Chaliapin (1905) هستند. نه سروف و اشتیاق به مدرنیته را دور زد. این را می توان در پرتره رقصنده معروف "ایدا روبینشتاین" (1910) مشاهده کرد. بدن برهنه بر رفتار اسراف آمیز و در عین حال شکست غم انگیز او تأکید می کند. او مانند یک پروانه زیبا به بوم چسبانده شده است. و شکل شکننده و غیر جسمانی به نظر می رسد. در تصویر فقط 3 رنگ وجود دارد. نزدیک به این سبک و "پرتره O. K. Orlova" (1911).

در طی سالهای 1900-1910. آدرس های سرو به ژانرهای تاریخی و اساطیری. "پیتر اول" (1907) نقاشی کوچکی است که با تمپر انجام شده است. اینجا نقطه عطفی وجود ندارد، اما روح دوران وجود دارد. پادشاه جزیره واسیلیفسکی هم بزرگ و هم وحشتناک است.

در انتها او رانده شد اساطیر باستانی. پس از سفر به یونان، یک تصویر خارق العاده و واقعی "ربودگی اروپا" (1910) ظاهر می شود. در آن ، او به منشأ اسطوره رسید و دوران باستان را به ما نزدیک کرد - سروف در آستانه یک کشف جدید ایستاد ، زیرا هرگز در محل متوقف نشد. او یک سفر خلاقانه عظیم انجام داد و خود را در چندین جهت و در بسیاری از ژانرهای تصویری امتحان کرد.

در طول سالهای انقلاب اول روسیه، سروف خود را به عنوان ثابت کرد مردی با آرمان های انسانی. در پاسخ به اجرای تظاهرات مسالمت آمیز در 9 ژانویه، او از عنوان آکادمیک خود استعفا داد و از مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو استعفا داد، جایی که از سال 1901 با کنستانتین کورووین تدریس کرده بود و کهکشانی از هنرمندان برجسته را تربیت کرد. P. Kuznetsov، K. Petrov-Vodkin، S. Sudeikin، R. Falk، K. Yuon، I. Mashkov و دیگران.

ویکتور الپیدیفورویچ بوریسف-موساتوف (1870-1905)

ویکتور الپیدیفورویچ بوریسوف-موساتوف(1870-1905). این هنرمند از معمولی ترین خانواده ساراتوف بود ، پدرش به عنوان حسابدار خدمت می کرد راه آهن. در سن سه سالگی ، بدبختی برای او اتفاق افتاد - در نتیجه سقوط ، پسر به ستون فقرات خود آسیب دید که متعاقباً باعث توقف رشد و ظهور قوز شد. ظاهر هنرمند را از تنهایی، از عدم شباهت به دیگران، از درد جسمی رنج می برد. اما همه اینها مانع از آن نشد که در سال های تحصیل در میان هنرمندان جوان پیشرو باشد. او فردی برجسته بود - خویشتن دار، جدی، جذاب، با تأکید بر ظریف، لباس پوشیدن با دقت و حتی ظریف. او کراوات های روشن مد روز و یک دستبند مار نقره ای سنگین پوشیده بود.

در طول سال های تحصیل (1890 - MUZHVZ، 1891 - آکادمی هنر، 1893 - مسکو، 1895 - پاریس)، او قسمت دوم نام خانوادگی Borisov را به نام پدربزرگش اضافه کرد که به آن آوازی اشرافی بخشید. در این سالها در مسکو، او احساس شدیدی نسبت به دختر جذاب و شاد النا ولادیمیروا الکساندرووا دارد. که تنها در سال 1902 همسر او می شود و دخترش را به دنیا می آورد. این هنرمند النا ولادیمیرونا را در نقاشی "مخزن" به همراه خواهرش به تصویر کشید.

خلاقیت عجیب بوریسوف-موساتوف در بین حوزه های مختلف رتبه بندی می شود. کسی او را طبقه بندی می کند هنرمندان نمادگراکسی معتقد است که هنر او با شروع از امپرسیونیسم، در یک نسخه تصویری و تزئینی به پست امپرسیونیستی تبدیل شده است. به هر جهتی که تعلق داشته باشد، هنر او اصیل بود و تأثیر مستقیمی بر گروهی از هنرمندانی داشت که در سال 1907 در نمایشگاه رز آبی ظاهر شدند (گل رز آبی نماد رویایی تحقق نیافته است).

نقاشی هایش- این اشتیاق به زیبایی و هماهنگی از دست رفته است، شعر مرثیه ای از املاک و پارک های خالی قدیمی. این "لانه های نجیب" در حال مرگ بدون تصاویر زنانه غیرممکن است. مدل مورد علاقه جوان ترش بود خواهر النا("خود پرتره با خواهرش"، 1898، "ملیله"، 1901، و غیره)، او همچنین دستیار و دوست صمیمی او بود. در بیشتر نقاشی‌های بوریسوف-موساتوف نه آغازی روایی، نه طرحی وجود دارد. نکته اصلی در اینجا بازی رنگ ها، نور، خطوط است. بیننده زیبایی خود نقاشی، موزیکال بودن آن را تحسین می کند. بوریسوف-موساتوف، بهتر از دیگران، توانست ارتباط بین صداها و نقاشی را کشف کند. دنیای موساتوف، به قولی، خارج از زمان و مکان است. نقاشی‌های او شبیه ملیله‌های قدیمی ("گردنبند زمرد" 1903-1904، "برکه"، 1902 و غیره) است که در یک "مقیاس موساتوف" سرد نفیس با غلبه رنگ‌های آبی، سبز و بنفش ساخته شده‌اند. رنگ برای هنرمند اصلی ترین وسیله بیانی بوم های موسیقایی و شاعرانه او بود که در آن "نغمه غم باستانی" به وضوح به نظر می رسید.

میخائیل الکساندرویچ وروبل (1856-1910)

میخائیل الکساندرویچ وروبل(1856-1910). میخائیل وروبل در 17 مارس 1856 در اومسک به دنیا آمد، پدرش نظامی بود و خانواده اغلب محل زندگی خود را تغییر می دادند.

وروبل در سال 1880 (به همراه سروف) وارد آکادمی هنر شد، قبل از آن با مدال طلا از دانشکده حقوق دانشگاه سن پترزبورگ و ورزشگاه ریشلیو در اودسا فارغ التحصیل شد.

در سال 1884 کارگاه چیستیاکوف را ترک کرد و به کیف رفت و در آنجا بر بازسازی نقاشی‌های دیواری کلیسای سنت سیریل نظارت کرد و تعدادی از آهنگ‌های تاریخی را اجرا کرد. رویای وروبل نقاشی کردن کلیسای جامع ولادیمیر در کیف بود ، اما واسنتسف قبلاً در آنجا کار می کرد ، اما در آن زمان مجموعه ای از آبرنگ ها با مضامین "سنگ قبر" و "رستاخیز" ظاهر شد که در آن سبک منحصر به فرد وروبل شکل گرفت. سبک وروبل بر پایه خرد کردن سطح فرم به لبه‌های تیز و تیز است و اجسام را به نوعی تشکیلات کریستالی تشبیه می‌کند. رنگ نوعی روشنایی است که نور در وجوه اشکال کریستالی نفوذ می کند.

وروبل نقاشی سه پایه را به ارمغان می آورد یادبودی. بنابراین "دیو نشسته" (1890) نوشته شده است. نور اینجا از درون می آید و شبیه جلوه یک پنجره شیشه ای رنگی است. دیو وروبل شیطان نیست، او با یک پیامبر، فاوست، هملت قابل مقایسه است. این تجسم قدرت تایتانیک و مبارزه درونی دردناک است. او زیبا و با عظمت است، اما در چشمانش که به پرتگاه نگاه می کند، در ژست دست های به هم چسبیده اشتیاق بی حد و حصر خوانده می شود. تصویر دیو از تمام آثار وروبل عبور خواهد کرد ("دیو در حال پرواز"، 1899، "دیو سرکوب شده"، 1902؛ همانطور که معاصران و شاهدان می گویند، بهترین نسخه های شیاطین به ما نرسیده است). در سال 1906، ارگان نمادین - مجله "پشم طلایی" - شعری از V. Bryusov "به M. I. Vrubel" را منتشر کرد که تحت تأثیر "دیو شکست خورده" نوشته شده بود:

و در ساعت غروب آتشین
بین کوه های کهن دیدی
مثل روح بزرگی و نفرین
از ارتفاع به داخل چاله افتاد.
و آنجا، در صحرای بزرگ،
فقط تو تا آخرش فهمیدی
بال های کشیده طاووس ها را می درخشد
و اندوه چهره عدن!

وروبل که در کیف کار می کرد، یک گدا بود، او مجبور شد در یک مدرسه طراحی کار کند، درس های خصوصی بدهد، عکس های رنگی بدهد. در سن 33 سالگی ، این هنرمند برجسته کیف را برای همیشه ترک کرد (1889) و به مسکو رفت. او در کارگاه سروو و کوروین ساکن شد. کورووین او را با حلقه ماموت آشنا کرد. و خود ساوا ایوانوویچ مامونتوف نقش بزرگی در زندگی وروبل ایفا کرد. او به او پیشنهاد داد که در عمارت خود در خیابان سادوو اسپاسکایا مستقر شود و در تابستان در آبرامتسیوو کار کند. به لطف مامونتوف، او بارها و بارها به خارج از کشور سفر کرد.

دوره خلاقیت مسکو شدیدترین، اما غم انگیزترین بود. وروبل اغلب خود را در مرکز بحث و جدل می دید. اگر استاسوف او را منحط می خواند، پس روریچ نبوغ کار او را تحسین می کرد. این قابل درک است، زیرا کار خود وروبل بدون تناقض و انکار نبود. آثار او بالاترین جوایز را دریافت کرده است نمایشگاه های بین المللی(مدال طلا در پاریس در سال 1900 برای یک شومینه مایولیکا) و نفرین کثیف انتقاد ارتجاعی رسمی. در بوم های هنرمند، رنگ سرد و شب غالب است. شعر شب در تابلوی زیبای "یاس بنفش"، در منظره "به سوی شب" (1990)، در نقاشی اسطوره ای "پان" (1899)، در افسانه "شاهزاده خانم قو" (1900) (بیمار) پیروز می شود. 28). بسیاری از نقاشی های وروبل اتوبیوگرافیک هستند.

در زندگی، او دوره ای از عدم شناخت، زندگی سرگردان و ناآرام را پشت سر گذاشت. ستاره امید از لحظه ملاقات با نادژدا زابلا روشن شد - خواننده اپرا(1896)، که او را با دنیای موسیقی آشنا کرد، او را با ریمسکی-کورساکوف (تحت تأثیر دوستی با آهنگساز و موسیقی او، وروبل بوم های افسانه ای خود "شاهزاده قو"، "سی و سه بوگاتیر" را نقاشی کرد. و غیره مجسمه های "ولخوف"، "میزگیر" و غیره را اجرا کردند). اما یک تنش عصبی شدید خود را احساس کرد. در سال 1903، پس از مرگ پسر دو ساله اش ساووا، خود او درخواست کرد که به بیمارستان بیماران روانی منتقل شود. در لحظات روشن شدن آگاهی، او در میان 2 پرتره دیگر نقاشی شده از نادژدای خود نوشت (اولین پرتره با پس زمینه توس های پاییزی برهنه، دومی پس از اجرا، در کنار شومینه باز). در اواخر عمرش نابینا شد. 14 آوریل 1910

میخائیل الکساندرویچ وروبل در کلینیک دکتر باری در سن پترزبورگ درگذشت. در سال 1910، تعداد زیادی از مردم در مراسم خاکسپاری این هنرمند در 16 آوریل در قبرستان صومعه سن پترزبورگ نوودویچی شرکت کردند. آ. بلوک بر سر قبر صحبت کرد: "...قبل از آنچه وروبل و امثال او هر قرن یک بار برای بشریت آشکار می کنند - من فقط می توانم بلرزم. ما آن جهان هایی را که آنها دیدند نمی بینیم." میراث خلاق وروبل بسیار متنوع است نقاشی های سه پایهتا نقاشی های دیواری به یاد ماندنی، از ماژولیکا تا منحنی ها، از طراحی اجراها در اپرای خصوصی مامونتوف تا طراحی فضای داخلی عمارت موروزوف توسط معمار فیودور اوسیپوویچ شختل. شاید به همین دلیل است که برخی او را یک هنرمند نمادگرا می‌خوانند و کار او را با سمفونی‌های اسکریابین، شعرهای اولیه بلوک و بریوسوف، و دیگران - هنرمندی با سبک مدرن مقایسه می‌کنند. شاید هر دو درست باشند. او خود را عضو هیچ جریانی نمی دانست، تنها فرقه برای او زیبایی بود، اما با رنگ وروبل مالیخولیایی و «کسالت الهی».

"دنیای هنر" (1899-1924)

در اواخر دهه 1890، با حمایت مالی پرنسس تنیشوا و مامونتوف، سرگئی پاولوویچ دیاگیلف تأسیس کرد. مجله "دنیای هنر"، که بیشتر دارایی خود را صرف آن کرد. به زودی نام مجله رایج شد و به تعریف یک پلت فرم زیبایی شناختی کامل تبدیل شد.

"دنیای هنر" نوعی واکنش روشنفکران خلاق روسیه به تبلیغات بیش از حد هنرهای زیبای سرگردان، به سیاسی شدن کل فرهنگ به عنوان یک کل بود، به دلیل تشدید بحران عمومی امپراتوری روسیه. هسته اصلی تحریریه مجله هنرمندان و نویسندگان جوانی بودند که از دوران مدرسه با هم دوست بودند: سوموف، بنویس، باکست، دوبوژینسکی، روریچ، سروو، کورووین، وروبل، بیلیبین. آثار آنها جزایر زیبایی در دنیایی پیچیده و متناقض بود. دنیای هنر با عطف به هنر گذشته با رد صریح واقعیت مدرن، عموم مردم روسیه را با روندهای هنری جدید در روسیه (امپرسیونیسم) آشنا کرد و همچنین نام های بزرگ روکوتوف، لاویتسکی، بوروویکوفسکی و دیگران را که توسط معاصران فراموش شده بود، آشکار کرد. .

این مجله بالاترین کیفیت چاپ را با تصاویر بسیار داشت - نسخه گران قیمتی بود. مامونتوف در سال 1904 متحمل خسارات مالی سنگینی شد. دیاگیلف هر کاری که ممکن بود برای نجات مجله انجام داد. او بیشتر سرمایه خود را برای ادامه انتشار آن خرج کرد، اما هزینه ها به طور غیرقابل کنترلی افزایش یافت و انتشار آن مجبور شد متوقف شود.

و در سال 1906، دیاگیلف موفق شد نمایشگاهی از نقاشی روسی را در پاریس به عنوان بخشی از سالن پاییز ترتیب دهد.

پاریس برای اولین بار در این نمایشگاه دید نقاشان و مجسمه سازان روسی. هر مکتب نقاشی نشان داده شده بود، از نمادهای اولیه گرفته تا خیال پردازی های آوانگاردترین آزمایشگران. موفقیت نمایشگاه بسیار زیاد بود.

اجازه دهید با جزئیات بیشتری در مورد برخی از اعضای این جامعه صحبت کنیم (عضویت "دنیای هنر" تغییر کرده است).

قانونگذار زیبایی شناسی و ایدئولوژیست «دنیای هنر» بود الکساندر بنویس. میریسکوسنیک ها نمی خواستند در کار خود به موضوع روز وابسته باشند، مانند رئالیست ها، سرگردان ها. آنها از آزادی فردی هنرمند دفاع می کردند که می تواند هر چیزی را بپرستد و آن را روی بوم نقاشی کند. اما یک محدودیت بسیار مهم وجود داشت: فقط زیبایی و تحسین زیبایی می تواند منبع خلاقیت باشد. واقعیت مدرن با زیبایی بیگانه است، به این معنی که هنر و گذشته باشکوه می تواند منبع زیبایی باشد. از این رو انزوای دنیای هنر از زندگی، حمله به رئالیسم دهقانی سرگردان، تحقیر نثر جامعه بورژوایی.

الکساندر نیکولاویچ بنویس (1870-1961)

الکساندر نیکولاویچ بنویس(1870-1961) در خانواده یک معمار دربار پترزبورگ متولد شد. او در فضایی پر از علاقه به هنر کاخ گذشته بزرگ شد. او در آکادمی هنر تحصیل کرد و در کارگاه I. E. Repin شرکت کرد.

بنوا یک ایدئولوگ بود "دنیای هنر". نقوش مورد علاقه نقاشی های او شکوه سلطنتی هنر اشرافی بود. بنوا با امتناع از جستجوی زیبایی در هرج و مرج زندگی، به دوران هنری گذشته روی آورد. به تصویر کشیدن زمان لویی چهاردهم، الیزابت و کاترین که از زیبایی ورسای، تزارسکویه سلو، پترهوف و پاولوفسک برده شده بود، احساس کرد که همه اینها برای همیشه از بین رفته است ("حمام مارکیز"، 1906، "شاه"، 1906، "رژه زیر پل اول" ، 1907، و غیره؛ ما با همین نقوش در E. Lansenre (1875-1946)، "امپراتور Elizaveta Petrovna در Tsarskoye Selo" و دیگران مواجه می شویم).

اما بنوا باید از طریق آثار پوشکین، داستایفسکی، تولستوی، چایکوفسکی، موسورگسکی، زمانی که روی تصویرسازی کتاب و صحنه‌های نمایشی آثار آنها کار می‌کرد، با حقیقت زندگی روبرو می‌شد.

آزادی، ابداع و انرژی درونی نقاشی، تصویرسازی های بنوا را برای "ممتاز کرد." سوارکار برنزی"A. S. Pushkin. هنگامی که Benois تعقیب سوارکار سلطنتی را برای یوجین منتقل می کند، او به رقت واقعی می رسد: هنرمند به خاطر "عصیان" مرد کوچک علیه نبوغ بنیانگذار سنت پترزبورگ تلافی می کند.

کار بر روی دکورهای تئاتربنوا از برنامه دنیای هنر استفاده کرد، زیرا نمایش تئاتر یک داستان عجیب و غریب، "جادوی صحنه"، سراب مصنوعی است. او را "جادوگر تئاتر" می نامیدند. ارتباط مستقیمی با شکوه هنر روسیه در پاریس در فصول تئاتر سرگئی دیاگیلف دارد (بنویس مدیر هنری فصول تئاتر در پاریس 1908-1911 است). او طرح‌های صحنه‌ای را برای اپرای واگنر به نام سقوط خدایان (تئاتر ماریینسکی، 1902-1903)، پاویون باله آرتمیس اثر چِرپنین در تئاتر ماریینسکی، 1907 و 1909، باله استراوینسکی پتروشکا (Petrushka) خلق کرد. تئاتر بزرگ، 12-1911)، اپرای بلبل (شرکت دیاگیلف در پاریس، 1909).

بنوا با کمال میل در آثار خود به اشکال تئاتر درباری قرن 17-18 متوسل شد، به روش های کمدی های قدیمی خارجی، مزاحم، مسخره بازی، جایی که یک "دنیای هنر" خیالی خیالی وجود داشت.

بنوا پیشنهاد استانیسلاوسکی را پذیرفت و چندین نمایش از تئاتر هنری مسکو را طراحی کرد، از جمله "بیمار خیالی"، "ازدواج با اسارت" مولیر (1912)، "مهماندار مسافرخانه" اثر گلدونی (1913)، مهمان سنگی، «جشن در زمان طاعون»، «موتزارت و سالیری» اثر پوشکین (1914) بنوآ، ترحم دراماتیک واقعی را به این مناظر آورد.

نقاش و گرافیست، تصویرگر عالی و طراح کتاب ظریف، هنرمند تئاتربنوا با شهرت و کارگردانی جهانی، یکی از بزرگترین منتقدان هنری روسیه، کارهای زیادی انجام داد تا نقاشی روسی جایگاه شایسته خود را در تاریخ هنر جهان بگیرد.

کنستانتین آندریویچ سوموف (1869-1939)

کنستانتین آندریویچ سوموف(1869-1939) - فرزند مورخ و منتقد هنری مشهور، یکی از بزرگترین استادان "دنیای هنر" در کار خود نیز تسلیم هوس های تخیل شد. سوموف از آکادمی هنر سنت پترزبورگ فارغ التحصیل شد، او یکی از اعضای برجسته رپین است، تحصیلات خود را در پاریس ادامه داد.

خود "بانوی آبی پوش"(1900) موسوم به "دنیای هنر" نامیده می شود که در رویاهای گذشته غوطه ور است.

این پرتره از هنرمند E. M. Martynova (1897-1900) (ill. 30) اثر برنامه سوموف است. با پوشیدن لباسی کهنه، قهرمان، با بیان خستگی و مالیخولیا، ناتوانی در مبارزه در زندگی، او را به طور ذهنی به عمق پرتگاهی که گذشته را از حال جدا می کند، احساس می کند. در این اثر سوموف، پیشینه بدبینانه «رها شدن به گذشته» و عدم امکان نجات انسان مدرن از خود به صراحت بیان شده است.

شخصیت ها و طرح های دیگر نقاشی های سوموف چیست؟

بازی عاشقانه - خرما، یادداشت ها، بوسه ها در کوچه ها، باغچه ها یا بودوارهای تزئین شده مجلل - سرگرمی معمول قهرمانان سومو با کلاه گیس های پودری، مدل موی بلند، لباس مجلسی گلدوزی شده و لباس های کرینولین ("خوشبختی خانوادگی"، "جزیره عشق" "، 1900، "بانوی با لباس صورتی، 1903، مارکیز خفته، 1903، آتش بازی، 1904، هارلکین و مرگ، 1907، بوسه مضحک، 1908، پیرو و بانو، 1910، بانو، و دیویل، 191 دیگران).

اما در سرگرمی نقاشی های سوموف هیچ شادمانی واقعی وجود ندارد. مردم نه از پری زندگی، بلکه از این که هیچ چیز دیگری نمی دانند خوشحال می شوند. این یک دنیای شاد نیست، بلکه دنیایی محکوم به تفریح ​​است، به یک تعطیلات ابدی خسته کننده که مردم را به عروسک های یک تعقیب شبح وار برای لذت های زندگی تبدیل می کند.

زندگی به یک تئاتر عروسکی تشبیه شده است، بنابراین از طریق تصاویر گذشته، ارزیابی زندگی معاصر سوموف انجام شد.

در نیمه دوم دهه 1900، سوموف یک سری پرتره از محیط هنری و اشرافی خلق کرد. پارترت های A. Blok، M. Kuzmin، M. Dobuzhinsky، E. Lansere متعلق به این مجموعه هستند.

از سال 1923 سوموف در خارج از کشور زندگی کرد و در پاریس درگذشت.

مستیسلاو والریانوویچ دوبوژینسکی (1875-1957)

مستیسلاو والریانوویچ دوبوژینسکی(1875-1957)، ملیت لیتوانیایی، در نووگورود متولد شد. او تحصیلات هنری خود را در مدرسه طراحی انجمن تشویق هنرمندان در سن پترزبورگ دریافت کرد که همزمان با تحصیل در دانشگاه از سال 1885 تا 1887 در آن شرکت کرد. سپس تحصیلات هنری خود را در مونیخ در استودیوهای A. اشبه و اس. هولوشی (1899-1901). با بازگشت به سن پترزبورگ، در سال 1902 به عضویت "دنیای هنر" درآمد.

در میان هنرمندان "دنیای هنر" دوبوژینسکی برای خود برجسته بود رپرتوار موضوعیاختصاص به شهر مدرن، اگر بنوا و لانسر تصویری از شهر دوران گذشته پر از زیبایی هارمونیک ایجاد کردند، پس شهر دوبوژینسکی کاملاً مدرن است.

حیاط و چاه های تیره و تاریک سنت پترزبورگ، مانند داستایوفسکی ("حیاط"، 1903، "خانه در سن پترزبورگ"، 1905)، مضمون وجود فلاکت بار یک فرد را در یک کیسه سنگی نشان می دهد. پایتخت روسیه

در تصاویر گذشتهدوبوژینسکی مثل گوگول از میان اشک هایش می خندد. "استان روسیه در دهه 1830." (1907-1909) او همچنین خاک را در میدان، نگهبان تنبل و بانوی جوان آراسته و دسته ای از کلاغ ها را که بر فراز شهر می چرخند به تصویر می کشد.

در تصویر یک مرددوبوژینسکی همچنین لحظه ای از حس دراماتیک بی رحمانه از زمان را به ارمغان می آورد. در تصویر شاعر K. A. Sunnenberg ("مرد با عینک"، 1905-1997) (تصویر 31)، استاد ویژگی های یک روشنفکر روسی را متمرکز می کند. چیزی شیطانی و در عین حال رقت انگیز در مورد این مرد وجود دارد. او موجودی وحشتناک و در عین حال قربانی شهر مدرن است.

شهرنشینی تمدن مدرن بر عاشقان ("عاشقان") فشار می آورد که بعید است بتوانند خلوص احساسات خود را در واقعیت فاسد حفظ کنند.

دوبوژینسکی از اشتیاق به تئاتر اجتناب نکرد. مانند بسیاری دیگر، دوبوژینسکی امیدوار بود که از طریق هنر بر نظم زندگی تأثیر بگذارد. مساعدترین شرایط برای این کار توسط تئاتر فراهم شد، جایی که نقاشان و نوازندگان در کنار نویسنده- نمایشنامه نویس، کارگردان و بازیگران کار می کردند و یک اثر واحد را برای بسیاری از تماشاگران خلق می کردند.

او در تئاتر باستانی مناظر نمایشنامه قرون وسطایی آدام د لا هال "بازی رابین و ماریون" (1907) را اجرا کرد و به مینیاتوری قرون وسطایی تلطیف کرد، این هنرمند منظره ای باشکوه در خارق العاده بودن آن خلق کرد. با طراحی یک لوبوک، صحنه های "اقدام شیطانی" توسط A. M. Remizov (1907) در تئاتر V. F. Komissarzhevskaya ساخته شد.

طبق طرح های دوبوژینسکی، صحنه ای برای نمایشنامه "رز و صلیب" (1917) اثر A. A. Blok ساخته شد.

دوبوژینسکی در تئاتر هنری مسکو نمایشنامه «نیکلای استاوروگین» را بر اساس نمایشنامه «دیوها» داستایوفسکی طراحی کرد. اکنون، در حال حاضر روی صحنه، دوبوژینسکی نگرش خود را به دنیای غیرانسانی، فلج کردن روح و زندگی ابراز کرد.

دوبوژینسکی طرح هایی از لباس ها و مناظر را برای اجرای موسیقی اجرا کرد.

در سال 1925 دوبوژینسکی رفت اتحاد جماهیر شوروی، در لیتوانی زندگی می کرد، از سال 1939 - انگلستان، ایالات متحده آمریکا، در نیویورک درگذشت.

لو باکست

او با کارهای جالب در هنرهای نمایشی و تزئینی متمایز بود. لو باکست(1866-1924). شاهکارهای او صحنه‌ها و لباس‌های او برای شهرزاده اثر ریمسکی-کورساکوف (1910)، پرنده آتشین (1910) استراوینسکی، دافنیس و کلوئه راول (1912)، بعدازظهر یک فاون اثر دبوسی (1912) به صحنه رفته توسط واسلاو نیژنسکی بود. همه این اجراها تماشاگران پاریسی را در طول کار سرگئی دیاگیلف به لذت وصف ناپذیری رساند.

بوریس میخائیلوویچ کوستودیف (1878-1927)

برای بوریس میخائیلوویچ کوستودیف(1878-1927) منبع الهام خلاق بودند ویژگی های سنتی زندگی ملی روسیه. او دوست داشت یک استان ایلخانی آرام، تعطیلات روستایی و نمایشگاه‌های شاد را با لباس‌های رنگارنگ و سارافون‌ها، کارناوال‌هایی که با برف یخ‌زده و خورشید می‌درخشند با چرخ فلک‌ها، غرفه‌ها، ترویکاهای پرشور، و همچنین صحنه‌هایی از زندگی بازرگانان - به‌ویژه بازرگانان، به تصویر بکشد. با لباس های مجلل، به طور تشریفاتی چای می نوشید یا سفرهای سنتی خرید را با همراهی قایق ها انجام می داد ("بازرگان"، 1915، "Maslenitsa"، 1916، و غیره).

آموزش هنر کوستودیف در وطن خود، در آسترخان آغاز شد. در سال 1896 به کارگاه رپین منتقل شد و پس از 5 سال از کالج با حق بازنشستگی به پاریس فارغ التحصیل شد.

چند کلمه در مورد تحصیل در فرهنگستان هنر بگوییم. در سال 1893، اصلاحاتی در آکادمی انجام شد، ساختار و ماهیت آموزش تغییر کرد. دانش آموزان پس از کلاس های عمومی شروع به کار در کارگاه ها کردند، آنها توسط هنرمندان برجسته آن زمان هدایت شدند: در سال 1894، I. E. Repin، V. D. Polenov، A. I. Kuindzhi، I. I. Shishkin، V. A Makovsky، V. V. Mate، P. O. Kovalevsky.

محبوب ترین بود کارگاه رپین. کانون علایق پیشرفته هنری و عمومی بود. A. N. Benois در مقاله "نمایشگاه های دانشجویی در آکادمی" می نویسد: "تمام نیروی آکادمی پس از اصلاحات اکنون در شهرهای Repin و Mate متمرکز شده است." رپین در دانش آموزان خود روحیه خلاقیت ، فعالیت اجتماعی را توسعه داد و از فردیت آنها محافظت کرد. جای تعجب نیست که هنرمندان متفاوت و متفاوتی مانند K. A. Somov، I. Ya. Bilibin، F. A. Malyavin، I. I. Brodsky، B. M. Kustodiev، A. P. Ostroumova از کارگاه رپین - لبدوا و دیگران بیرون آمدند. این شاگردان رپین بودند که انتقادی ویرانگر از قدیمی ها داشتند. سیستم در طول سالهای انقلاب اول روسیه، که در جریان انقلاب 1905-1907 فعالانه در مطبوعات صحبت می کرد. با کاریکاتورهایی علیه تزار و ژنرال هایی که علیه مردم شورشی انتقام می گرفتند. در این زمان مجلات زیادی منتشر شد («استینگ»، «ژوپل» و غیره)، حدود 380 عنوان که به موضوع روز پاسخ می‌داد و در آن‌ها آثار گرافیکی چاپ می‌شد (این زمان دوران شکوفایی گرافیک محسوب می‌شود). کوستودیف در میان آنها بود.

بلوغ نهایی کار هنرمند Kustodiev در 1911-1912 رخ می دهد. در این سال ها بود که نقاشی او آن جشن و اکثریت را به دست آورد، آن تزئینات و رنگی که مشخصه کوستودیف بالغ شد ("زن تاجر"، 1912. "زن تاجر"، 1915، "شرووتاید"، 1916، "عید در روستا" و غیره). در سال‌های 1911-1912، انگیزه خلاقانه قوی‌تر از بیماری بود. یک بیماری طولانی مدت برای این هنرمند به یک بیماری دشوار تبدیل شد بیماری لاعلاج- بی حرکتی کامل پاها ... در این سال ها با بلوک آشنا شد که جملاتش در مورد طبقه بازرگان:

... و زیر لامپ نزدیک نماد
نوشیدن چای، حذف صورت حساب،
سپس کوپن ها را ورق بزنید
شکم قابلمه ای که سینه کشو را باز می کند.
و روی تخت های پر از پر
به خواب عمیقی افتادن...

آنها به بازرگانان کوستودیف نزدیک می شوند، "چای نوش" او، تاجری که پول می شمرد، زیبایی چاق و چله، غوطه ور در ژاکت های داغ.

در 1914-1915. کوستودیف با الهام از دعوت استانیسلاوسکی در تئاتر هنری مسکو کار می کند، جایی که او نمایش های "مرگ پازوخین" اثر M.E. Saltykov-Shchedrin، "ویولن های پاییزی" توسط D.S. Surguchev و دیگران را طراحی کرد.

شاهکارهای او با آخرین دوره خلاقیت همراه است:

• نقاشی های "بالاگانی"، "تاجر برای چای"، "خانه آبی"، " زهره روسی",
• منظره برای اجراهای "رعد و برق"، "دوشیزه برفی"، "نیروی دشمن" توسط A.N. Serov، "عروس تزار"، "کک"،
• تصاویر برای آثار N. S. Leskov، N. A. Nekrasov،
• لیتوگرافی و لینوکات.

خانه کوستودیف یکی از مراکز هنریپتروگراد - A. M. Gorky، A. N. Tolstoy، K. A. Fedin، V. Ya. Shishkov، M. V. Nesterov (بیماری 29)، S. T. Konenkov، F. I. Chaliapin اینجا بودند و بسیاری دیگر: پسر میتیا شوستاکوویچ برای بازی به اینجا آمد.

کوستودیف یک کل را ایجاد کرد گالری پرتره های معاصرانش:

• هنرمندان ("پرتره گروهی از هنرمندان "دنیای هنر"، 1916-1920، پرتره I. Ya. Bilibin، 1901، پرتره V. V. Mate، 1902، خودنگاره های سال های مختلف و غیره)
• هنرمندان (پرتره I. V. Ershov، 1905، پرتره E. A. Polevitskaya، 1095، پرتره V. I. Chaliapin، 1920-1921، و غیره)،
• نویسندگان و شاعران (پرتره F. Sologub، 1907، پرتره V. Ya. Shishkov، 1926، پرتره Blok، 1913، حفظ نشده، و بسیاری دیگر)،
• آهنگسازان اسکریابین، شوستاکوویچ.

اگر هنرمند در نقاشی ژانر خود زندگی را در تمام اشکال وجودی خود مجسم می کرد و اغلب تصاویری هذلولی خلق می کرد، پس پرتره های او که در نقاشی، مجسمه سازی، طراحی و حکاکی خلق می شود، همیشه کاملاً معتبر و واقعی هستند.

"مردی با روحیه بالا" به نام Kustodiev V. I. Chaliapin، که از پرتره خود که توسط بوریس میخایلوویچ ساخته شده بود، جدا نشد.

انشعاب "دنیای هنر"

در اواسط دهه 1900. در دفتر تحریریه مجله دنیای هنر انشعاب وجود دارد، زیرا دیدگاه‌های هنرمندان تکامل یافته است و نگرش‌های زیبایی‌شناختی اولیه برای بسیاری از افراد مناسب نیست. فعالیت انتشارات متوقف شد و از سال 1910 "دنیای هنر" منحصراً به عنوان یک سازمان نمایشگاهی عمل می کند و مانند گذشته به وحدت وظایف خلاقانه و جهت گیری های سبکی محدود نمی شود. برخی از هنرمندان سنت رفقای قدیمی را ادامه دادند.

نیکلاس روریچ (1874-1947)

نقش برجسته ای در به روز شده "دنیای هنر" در دهه 1910. بازی کرد نیکلاس روریچ(1947-1874)، در سال های 1910-1919 رئیس انجمن بود.

روریچ، دانش‌آموز کویندجی در آکادمی هنر، تمایلی به افزایش جلوه‌های رنگارنگ، برای یک ترکیب زیبای خاص از او به ارث برد. کار روریش با سنت های نمادگرایی همراه است. در 1900-1910. او کار خود را به اسلاوهای باستان و روسیه باستان در سال های اول مسیحیت وقف کرد، در این زمان روریچ به باستان شناسی و تاریخ روسیه باستان علاقه داشت ("مهمانان خارج از کشور"، 1901). کشتی چوبی Varangians شبیه یک "برادر" است - ملاقه ای باستانی که دوستان و دشمنان سرسخت را در جشن ها متحد می کند. رنگ های روشن تصویر، طرح را افسانه تر از واقعی می کند.

در بسیاری از نقاشی‌های روریش، تأثیر نقاشی نمادها احساس می‌شود، بدیهی است که منبع مهمی در توسعه سبک خود او بود.

در سال 1909 او شد آکادمیک نقاشی. در دهه 1900 او برای تئاتر هنری مسکو، برای "فصول روسی" اثر S. P. Diaghilev و به عنوان نقاشی دیواری (کلیسای تالاشکینو) بسیار کار کرد. روریچ نویسنده مقالات بسیاری در زمینه هنر و همچنین نثر و اشعار است. یادداشت های سفر. او زمان و انرژی زیادی را صرف فعالیت های اجتماعی کرد.

در سال 1916، به دلایل بهداشتی، روریچ در سردوبول (کارلیا) ساکن شد، که در سال 1918 به فنلاند واگذار شد. در سال 1919 روریچ به انگلستان و سپس به آمریکا نقل مکان کرد. در دهه 1920-1930. به هیمالیا، آسیای مرکزی، منچوری، چین سفر می کند. همه اینها در آثار او منعکس شده است. از دهه 1920 در هند زندگی می کرد.

پتروف-ودکین

وقتی صحبت از "دنیای هنر" می شود، نمی توان هنر یادبود را به یاد آورد پتروا-ودکینا، که به دنبال یافتن ترکیبی بین زبان هنری مدرن و میراث فرهنگیاز گذشته در فصل بعدی به تفصیل بیشتر به کار او خواهیم پرداخت.

نتایج "دنیای هنر"

با جمع بندی گفتگو در مورد "دنیای هنر"، خاطرنشان می کنیم که این درخشان ترین پدیده در زندگی فرهنگی "عصر نقره" است و اهمیت هنرمندان این گروه در این است که آنها

• سالونیسم آکادمیک را رد کرد،
• گرایش (توسعه) سرگردانان را رد کرد،
• یک مفهوم ایدئولوژیک و هنری از هنر روسیه ایجاد کرد،
• نام های روکوتوف، لویتسکی، کیپرنسکی، وتسیانوف را به معاصران نشان داد،
• ثابت بودند به دنبال یک جدید,
• به رسمیت شناختن جهانی فرهنگ روسیه ("فصول روسیه" در پاریس) دست یافت.

"اتحادیه هنرمندان روسیه" (1903-1923)

یکی از بزرگترین انجمن های نمایشگاهی اوایل قرن بیستم. بود "اتحادیه هنرمندان روسیه". ابتکار ایجاد آن متعلق به نقاشان مسکو بود - شرکت کنندگان در نمایشگاه های دنیای هنر، که از برنامه زیبایی شناختی محدود پترزبورگ "دنیای هنر" ناراضی بودند. تاسیس "اتحادیه" به سال 1903 برمی گردد. Vrubel، Borisov-Musatov، Serov شرکت کنندگان اولین نمایشگاه ها بودند. تا سال 1910، همه استادان بزرگ دنیای هنر عضو "اتحادیه" بودند. اما چهره "اتحادیه" عمدتا توسط نقاشان مدرسه مسکو، فارغ التحصیلان مدرسه مسکو، که سنت های منظره غنایی لویتان را توسعه دادند، تعیین شد. در میان اعضای «اتحادیه» سرگردانان بودند که «غرب گرایی» «دنیای هنر» را نیز قبول نداشتند. بنابراین، A. E. Arkhipov (1862-1930) صادقانه در مورد زندگی سخت کاری مردم می گوید ("Washerwomen"، 1901). در بطن اتحادیه، نسخه ای روسی از امپرسیونیسم تصویری با ماهیت تازه و شعر تصاویر دهقانی از روسیه شکل گرفت.

شعر طبیعت روسیه آشکار شد I. E. Grabar(1874-1960). هارمونی رنگ و افشاگری های رنگارنگ در تصویر چشمگیر است. آبی فوریه"(1904)، که خود هنرمند آن را "تعطیلات آسمان لاجوردی، غان مروارید، شاخه های مرجانی و سایه های یاقوت کبود روی برف یاس بنفش" نامید. در همان سال، نقاشی دیگری نقاشی شد که با منحصر به فرد متمایز شد. رنگ های بهاری، "برف اسفند". بافت نقاشی از سطح آب شدن برف های اسفند ماه تقلید می کند و ضربات آن شبیه زمزمه آب های چشمه است.

در این مناظر، گرابار از روش تقسیم گرایی استفاده کرد - تجزیه رنگ مرئی به رنگ های طیفی خالص پالت.

ما با انگیزه های دهقانی روبرو می شویم F. A. Malyavina(1969-1940). در Whirlwind (1906)، چینی‌های دهقانی در یک رقص گرد وحشی پراکنده شدند، که یک الگوی تزئینی عجیب و غریب را تشکیل می‌داد که در آن صورت دخترانی که می‌خندیدند برجسته می‌شد. شورش قلم موی هنرمند با عناصر یک شورش دهقانی قابل مقایسه است. A.P. Ryabushkin، از نوادگان دهقانان معمولی، که بیشتر عمر خود را در روستای معمولی Korodin گذراند، ما را به زندگی قبل از پترینه دهقانان و بازرگانان سوق می دهد، در مورد آیین ها صحبت می کند، در مورد تعطیلات عامیانهو روزهای هفته شخصیت های او، کمی معمولی، کمی افسانه ای، مانند نمادهای باستانی ("قطار عروسی"، 1901، و غیره) یخ زدند.

هنرمند جالب "اتحادیه" است K. F. Yuon(187 5-1958). نقاشی های او تلفیقی اصلی از ژانر روزمره با منظره معماری است. او چشم انداز مسکو قدیمی، شهرهای باستانی روسیه با زندگی معمولی خیابانی را تحسین می کند.

هنرمندان "اتحادیه" طعم ملی روسیه را با زمستان و اوایل بهار مرتبط کردند. و تصادفی نیست که یکی از بهترین مناظر یوون "خورشید مارس" (1915) است.

اکثریت قاطع هنرمندان "اتحادیه" خط ساوراسوف-لویتان از منظره روسیه را ادامه دادند.

Kuindzhi سنت های مناظر تزئینی ترکیب شده را ادامه داد A. A. Rylov(1870-1939). در "سر و صدای سبز" او (1904) می توان خوش بینی و پویایی، درک عمیق و آغاز قهرمانانه منظره را احساس کرد. تعمیم تصویر طبیعت در نقاشی های "قوها بر فراز کاما" (1912)، "رودخانه رعد و برق"، "شب مضطرب" (1917) و غیره احساس می شود.

یکی از مشهورترین هنرمندان «اتحادیه» بود کرووین. اولین گام های امپرسیونیسم تصویری روسی با او مرتبط است.

انجمن "رز آبی"

یکی دیگر از انجمن های هنری بزرگ بود "رز آبی". تحت این نام، در سال 1907 در مسکو، در خانه M. Kuznetsov در Myasnitskaya، یک نمایشگاه 16 هنرمند- فارغ التحصیلان و دانشجویان دانشکده نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو، از جمله P. V. Kuznetsov، M. S. Saryan، N. N. Sapunov، S. Yu. Sudeikin، N. Krymov، مجسمه ساز A. Matveev. نمایشگاه نه مانیفست داشت و نه منشور. «رز آبی» توسط مجله «پشم طلایی» حمایت و تبلیغ شد که خود را سنگر مدرنیسم و ​​بلندگوی «آخرین» (در رابطه با «دنیای هنر») جهت در هنر می دانست.

هنرمندان رز آبیپیروان بوریسوف-موساتوف بودند و به دنبال ایجاد نمادی از زیبایی زوال ناپذیر بودند. نام انجمن نیز نمادین است. اما کوزنتسوف و ساریان به زودی از اسارت عطرهای مصنوعی "باغ های مرموز" فرار کردند. آنها - هنرمندان برجسته "رز" - از طریق منشور رویای یک جهان افسانه ای و روشنفکر، موضوع شرق را باز کردند. P. V. Kuznetsov(1968-1878) مجموعه‌ای از بوم‌های نقاشی «سوئیت قرقیز» را خلق می‌کند. پیش روی ما یک بت پدرسالاری بدوی است، یک "عصر طلایی"، رویای هماهنگی بین انسان و طبیعت، که به حقیقت پیوست ("سراب در استپ"، 1912، و غیره). M. S. Saryan(1880-1972) که همراه با کوزنتسوف از کلاس های MUZhVZ فارغ التحصیل شد، تا پایان عمر خود، در بوم های رنگارنگ و تصویری خود، به بدل بودن حماسی طبیعت خشن کوهستانی ارمنستان وفادار ماند. سبک خلاقانه ساریان با لاکونیسم متمایز می شود ("خیابان. ظهر. قسطنطنیه"، 1910، "آخوندهای بارگیری شده با یونجه"، 1910، "نقاب های مصری"، 1911، و غیره). بر اساس تئوری نمادگرایی، هنرمندان "رز آبی" در معرض نصب دگرگونی بصری تصاویر واقعیت قرار گرفتند تا امکان ادراک تحت اللفظی اشیا و پدیده ها را از بین ببرند. تئاتر به حوزه مؤثرترین دگرگونی جهانی واقعیت تبدیل می شود. بنابراین، نقاشی "رز آبی" با تولیدات نمادین V. Meyerhold هماهنگ بود.

N. N. Sapunov(1880-1912) و S. Yu. Sudeikin(1882-1946) اولین کسانی بودند که در روسیه درام های نمادین M. Maeterlinck را طراحی کردند (در استودیو تئاتر در پووارسکایا، 1905). ساپانوف در میرهولد تولیدات ایبسن هدا گابلر، نمایش عروسکی بلوک (1906) را طراحی کرد. "رز آبی" صفحه ای درخشان در تاریخ هنر روسیه در اوایل قرن بیستم است که مملو از شعر، رویا، فانتزی، زیبایی بی نظیر و معنویت است.

گروه بندی "جک آف دیاموندز"

در آستانه 1910-1911. گروه جدیدی با نام پررنگ در عرصه زندگی هنری ظاهر می شود "جک الماس". هسته اصلی جامعه تا سال 1916 هنرمندان بودند

• P. P. Konchalovsky ("پرتره یاکولوف"، "آگاو"، 1916، "پرتره سینا، 1912، و غیره)،
• I. و Mashkov. ("میوه ها در یک بشقاب"، 1910، "نان"، دهه 1910، "طبیعت بی جان با آلوهای آبی"، 1910، و غیره)
• A. V. Lentulov ("Vasily the Blessed"، 1913؛ "Ring"، 1915، و غیره)
• A. V. Kuprin ("طبیعت بی جان با کوزه سفالی" ، 1917 و غیره)
• R. R. Falk ("کریمه. صنوبر هرمی"، "خورشید کریمه. بز"، 1916، و غیره).

"Jack of Diamonds" منشور، نمایشگاه ها، مجموعه مقالات خود را داشت و به یک روند تأثیرگذار جدید در هنر روسیه تبدیل شد. برخلاف امپرسیونیسم و ​​هنرمندان گل رز آبی، با اعتراض به زیبایی شناسی ناب دنیای هنر، نقاشان جک الماس طبیعتی ساده و عاری از معنای فکری را به بیننده ارائه کردند که تداعی های تاریخی و شعری را برانگیخت. . مبلمان، ظروف، میوه ها، سبزیجات، گل ها در ترکیب های هنری رنگارنگ - این زیبایی است.

هنرمندان در جستجوهای تصویری خود به سوی سزان فقید، ون گوگ، ماتیس گرایش پیدا می کنند، آنها از تکنیک های کوبیسم غیر افراطی، آینده نگری، متولد ایتالیا استفاده می کنند. نقاشی مادی آنها «سزانیسم» نامیده می شد. مهم است که با روی آوردن به هنر جهانی، این هنرمندان از سنت های عامیانه خود استفاده کردند - علائم، اسباب بازی ها، چاپ های محبوب ...

میخائیل فدوروویچ لاریونوف (1881-1964)

در دهه 1910 در صحنه هنر ظاهر شود میخائیل فدوروویچ لاریونوف(1881-1964) و ناتالیا سرگیونا گونچارووا (1881-1962). به عنوان یکی از سازمان دهندگان "جک از الماس"، در سال 1911 لاریونوف از این گروه جدا شد و برگزار کننده نمایشگاه های جدیدی با نام های تکان دهنده "دم الاغ" (1912)، "هدف" (1913)، "4" ( 1914، نام نمایشگاه ها تمسخر نام های "رز آبی"، "تاج گل"، "پشم طلایی" بود).

لاریونوف جوان ابتدا به امپرسیونیسم و ​​سپس بدوی گرایی که از جریانات فرانسوی (ماتیس، روسو) می آمد، علاقه داشت. لاریونوف مانند دیگران می خواست از سنت های روسی نمادهای باستانی، گلدوزی دهقانی، تابلوهای شهری و اسباب بازی های کودکان استفاده کند.

لاریونوف و گونچاروا ادعا کردند نئو بدوی گرایی نقاشی(این نام توسط خودمان اختراع شد) که در دهه 1910 به اوج خود رسید. آنها در سخنرانی های خود به تقابل با آنها پرداختند نقاشی شرقیوسترن، و همچنین ناخواسته سنت های سرگردان ها را ادامه دادند، زیرا آنها دوباره به سمت ژانر روزمره مبتنی بر روایت ("سرگردان های غیرارادی") رفتند. آنها می خواستند طرح را با پلاستیک جدید ترکیب کنند و یک زندگی ابتدایی خاص از خیابان های استان، کافه ها، آرایشگاه ها، پادگان سربازان به دست آوردند.

لاریونوف از سریال "آرایشگری" به شاهکارها اشاره می کند "آرایشگاه افسری"(1909). این تصویر به تقلید از یک تابلوی ولایتی نقاشی شده است. لاریونوف با شخصیت ها شوخی می کند (آرایشگر با قیچی های بزرگ و افسری پر زرق و برق)، ویژگی های رفتار آنها را آشکار می کند و آنها را تحسین می کند. سریال "سرباز" تحت تأثیر برداشت های او از خدمت در ارتش به وجود آمد. هنرمند با سربازان خود با عشق و کنایه رفتار می کند ("سرباز سوار بر اسب" به اسباب بازی کودک تشبیه شده است، "سرباز در حال استراحت" با ساده لوحی نقاشی کودک ساخته شده است) و تداعی های بدون ابهام را پیشنهاد می کند. سپس چرخه "زهره" ("سرباز"، "مولداویایی"، "یهودی") - زنان برهنه که روی بالش ها تکیه داده اند - موضوع آرزوها، رویاها و خیالات دنبال می شود.

بعد تمثیل های ساده لوحانه دارد "فصل ها". سبک سرباز با "حصار" جایگزین می شود، کتیبه های مختلف ظاهر می شود، خیابان شروع به صحبت از نقاشی های هنرمند می کند. در همان زمان، او نسخه خود را از هنر غیر عینی - Rayonism - باز می کند. در سال 1913 کتاب Luchism او منتشر شد.

اهمیت کار لاریونوف با سخنان وی مایاکوفسکی تأکید می شود: "ما همه از لاریونوف گذشتیم."

شیوه همسر لاریونوف ناتالیا گونچاروا متفاوت است، او موضوعات نقاشی های خود را اغلب کار دهقانی، صحنه های انجیل انتخاب می کند ("درو کردن"، "شستن بوم"، 1910؛ " صید ماهی""، بریدن گوسفند "، "اسب حمام کردن"، 1911) و آثار حماسی زندگی عامیانه ازلی را خلق کرد.

بندیکت لیفشیتز در مورد نقاشی های گونچارووا در سال های 1910-1912 نوشت: "با شکوه خارق العاده رنگ ها، با بیان شدید ساخت و ساز، با شدت قدرت بافت، آنها به نظر من گنجینه های واقعی نقاشی جهان بودند." در سال 1914، نمایشگاه شخصی گونچارووا در پاریس برگزار شد، کاتالوگ آن با پیشگفتاری توسط شاعر معروف Guillaume Apoliner چاپ شد. در سال 1914، گونچارووا برای نمایش خروس طلایی ریمسکی-کورساکوف لباس و صحنه‌پردازی کرد. یک سال بعد، لاریونوف و گونچارووا برای طراحی باله های دیاگیلف به خارج از کشور رفتند. ارتباط با روسیه در زندگی قطع شد، اما نه در خلاقیت. این هنرمند تا زمان مرگش به موضوع روسی مشغول بود.

هنر غیر سنتی گونچاروا و لاریونوف فرمالیسم نامیده شد و برای مدت طولانی از تاریخ هنر روسیه حذف شد.

ولادیمیر ولادیمیرویچ مایاکوفسکی (1893-1930)

مدرسه آینده پژوهی به راه افتاد V. V. مایاکوفسکی(1893-1930). او شاگرد MUZhVZ بود، چیزهای زیادی از V. Serov آموخت و در نقاشی ها و طراحی هایش به او نگاه می کرد.

میراث هنری مایاکوفسکیاندازه و تنوع زیادی دارد او هم در نقاشی و هم تقریباً در تمام ژانرهای گرافیک کار می کرد، از پرتره («پرتره L. Yu. Brik») و تصویرسازی گرفته تا پوستر و طرح. تولیدات تئاتری(تراژدی "ولادیمیر مایاکوفسکی").

مایاکوفسکی استعداد جهانی داشت. اشعار او روی کاغذ دارای گرافیک و ریتم خاصی بود که اغلب با تصویرسازی همراه بود و در تلاوت نیاز به اجرای تئاتر داشت. جهانی بودن ترکیب شده آثار او بیشترین تأثیر را بر شنونده و خواننده داشت. از این منظر بیشتر به «ویندوز روستا» معروف او علاقه مندیم. مایاکوفسکی در آنها به وضوح خود را هم به عنوان یک هنرمند و هم به عنوان شاعر نشان داد که پدیده ای کاملاً جدید در هنر جهانی قرن بیستم ایجاد کرد. علیرغم این واقعیت که مایاکوفسکی "ویندوز" پس از انقلاب 1917 انجام داد، ما در این فصل به این صفحه از کار او می پردازیم.

مایاکوفسکی هر "پنجره" را به عنوان یک شعر کامل در یک موضوع ساخت که به طور متوالی به "قاب هایی" با نقاشی ها و یک یا دو خط متن تقسیم شد. آیات قافیه و موزون طرح را دیکته می کردند، در حالی که نقاشی ها صدایی بصری و رنگارنگ به کلمه می بخشیدند. علاوه بر این، تماشاگران آن زمان «ویندوز» که به سینمای صامت عادت کرده بودند، کتیبه ها را با صدای بلند می خواندند و به این ترتیب پوسترها واقعاً «صدا» می شدند. بنابراین، یک درک جامع از "ویندوز" به وجود آمد.

مایاکوفسکی در نقاشی های خود از یک سو مستقیماً سنت چاپ های محبوب روسیه را ادامه داد و از سوی دیگر به تجربه تکیه کرد. جدیدترین نقاشی M. Larionov، N. Goncharova، K. Malevich، V. Tatlin، که بیش از همه به شایستگی احیای نگرش زنده به هنر زنده در اوایل قرن بیستم تعلق داشتند. بنابراین در تقاطع 3 هنر - شعر، نقاشی و سینما - نوع جدیدی از هنر پدید آمد که به یک پدیده مهم فرهنگ مدرن تبدیل شد که در آن کلمات مانند نقاشی خوانده می شوند و نقاشی ها به یک نمودار ساده می شوند (قرمز - کارگر ، بنفش - بورژوازی، سبز - دهقانی، آبی - گارد سفید، قحطی، ویرانی، کمون، رانگل، شپش، دست، چشم، تفنگ، زمین) به صورت کلمات خوانده می شوند. خود مایاکوفسکی این سبک را نامیده است "سبک انقلابی". نقاشی و کلمه در آنها از یکدیگر جدایی ناپذیرند و در تعامل، زبانی واحد از ایدئوگرافی را تشکیل می دهند. لازم به ذکر است که بسیاری از همفکران مایاکوفسکی - کوبو- فوتوریست ها - هم شاعر و هم هنرمند بودند و اغلب آثار شعری خود را به زبان گرافیکی به تصویر می کشیدند («شعر بتن تقویت شده» دیوید بورلیوک).

واسیلی واسیلیویچ کاندینسکی (1866-1944)

انتزاع گرایی در نسخه روسی در دو جهت توسعه یافته است: برای کاندینسکی این یک بازی خودانگیخته و غیرمنطقی از لکه های رنگی است، برای مالویچ ظاهر ساختارهای هندسی منطقی که از نظر ریاضی تأیید شده است. V. V. کاندینسکی(1866-1944) و K. S. Malevich(1935-1878) نظریه پردازان و دست اندرکاران هنر انتزاعی بودند. بنابراین، درک بوم های آنها بدون دانستن آثار نظری آنها دشوار است، درک آنچه در پشت انواع ترکیبات عناصر اصلی - خطوط، رنگ ها، اشکال هندسی وجود دارد.

بنابراین، واسیلی کاندینسکی فرم انتزاعی را به عنوان بیان وضعیت روحی درونی یک شخص در نظر گرفت ("یک اثر هنری واقعی به شیوه ای مرموز، اسرارآمیز و عرفانی "از هنرمند" برمی خیزد). رنگ، صدا. و ترکیب آنها برای کاندینسکی «گام‌هایی» برای پاکسازی اخلاقی و معنوی انسان در آینده است. کاندینسکی معتقد بود که «رنگ وسیله‌ای است که به وسیله آن می‌توان مستقیماً بر روح تأثیر گذاشت. رنگ کلید است. چشم - چکش؛ روح یک پیانوی چند سیم است. "هنرمند با استفاده از کلیدها روح انسان را به راحتی در ارتعاش قرار می دهد. کاندینسکی رنگ ها و اشکال را خودسرانه تفسیر می کرد: او یک رنگ "فوق حسی" خاص را به رنگ زرد نسبت می داد و یک "بازدارنده" خاص. حرکت" شخصیت را به رنگ آبی (سپس او نیز به طور تصادفی ویژگی ها را تغییر داد)، بالای آن مثلث نوک تیز را به عنوان یک حرکت رو به بالا، "تصویری از زندگی معنوی" دانست و آن را "بیان غم درونی بی اندازه" اعلام کرد.

کاندینسکی با اجرای نظریه خود، آثاری انتزاعی از سه نوع خلق کرد: برداشت ها، بداهه نوازی ها و ترکیب بندی ها، به همان اندازه عاری از معنا، با زندگی مرتبط نیست. اما «طرح‌های رنگی» نتیجه نداد، اشکال هندسی رنگی ماهیت ثابت خود را از دست ندادند و کاندینسکی به موسیقی روی آورد، اما نه مدرنیستی (مثلاً موسیقی شوئنبرگ)، بلکه به «تصاویر در نمایشگاه» موسورگسکی - بلکه برای ترکیب کردن. نامتجانس کار ناسپاسی است (منظره ای در تئاتر در دسائو در سال 1928 یکنواخت و خسته کننده بود: بازیگران با اشکال انتزاعی مثلث، لوزی، مربع در صحنه حرکت می کردند؛ آزمایش فیلم مشابهی با راپسودی مجارستانی لیست نیز ناموفق بود). برجسته ترین دوره در کار کاندینسکی دهه 1910 است. در سال های بعد، کاندینسکی منحصر به فرد بودن این زمان را از دست داد.

کاندینسکی سفر خود را دیر آغاز کرد هنرمند حرفه ای. او در ژیمناستیک در اودسا تحصیل کرد، سپس در دانشگاه مسکو حقوق خواند، به مردم نگاری علاقه مند بود، سفرهای متعددی به اطراف روسیه در رابطه با علایق علمی خود انجام داد، در سن 30 سالگی آماده شد تا ریاست بخش درپ (تارتو) را بر عهده بگیرد. او ناگهان نظر خود را تغییر داد و برای تحصیل در رشته نقاشی به مونیخ رفت. زندگی در هنر حدود 50 سال به طول انجامید.

دوره کارآموزی کوتاه مدت بود. کاندینسکی شروع به جستجوی چهره او کرد. او با دوستانش "فالانکس" (1901-1904) را ایجاد می کند. تجربه او بیهوده نبود، به لطف کاندینسکی بود که جوامع معروف "نو انجمن هنری"(1909)، "سوار آبی" (1911). کاندینسکی با پذیرش فوویسم پاریس، اکسپرسیونیسم آلمان، هنر اصلی خود را خلق کرد.

در طول جنگ جهانی اول در روسیه زندگی می کرد. انقلاب اکتبر کاندینسکی را به فعالیت های فعال سازمانی، آموزشی و علمی بازگرداند. او در ایجاد موزه فرهنگ تصویری، تعدادی از موزه های استانی، سازمان آکادمی دولتی شرکت کرد. علوم هنری، مؤسسه فرهنگ هنری را اداره می کند ، در Vkhutemas ، مؤسسه آموزش عالی مشهور مسکو که اصول جدید آموزش هنری را اعلام می کرد ، تدریس می کند. اما همه چیز خوب پیش نرفت و در پایان سال 1921 این هنرمند روسیه را ترک کرد و به برلین رفت. از آنجا که چند ماه بعد به وایمار نقل مکان کرد، و در سال 1925 - در دسائو و در موسسه هنر باهاوس کار کرد. نازی ها هنر او را منحط اعلام کردند، او به فرانسه رفت و در آنجا درگذشت.

کازیمیر مالویچ (1878-1935)

کازیمیر مالویچ نیز تصویر کردن را برای یک هنرمند واقعی بی ارزش می دانست دنیای واقعی. او در حرکت خود به سمت تعمیم، از امپرسیونیسم از طریق مکعب آینده نگری به سوپرماتیسم رسید (1913; برتری طلبی- از لهستانی - بالاترین، غیرقابل دسترس. لهستانی زبان مادری مالویچ بود). سوپرماتیسم توسط خالق آن به عنوان عالی ترین شکل خلاقیت در ارتباط با هنر فیگور تلقی می شد و از آن فراخوانده شد تا با استفاده از ترکیبی از اشکال هندسی که با رنگ های مختلف رنگ آمیزی شده اند، ساختار فضایی («معماری زیبای جهان») را بازآفرینی کند و مواردی را منتقل کند. الگوهای کیهانی در نقاشی های غیر عینی او، که "علامت های زمینی" را رها کردند، ایده "بالا" و "پایین"، "چپ" و "راست" ناپدید شد - همه جهات برابر است، مانند جهان. و "مربع سیاه" (1916) اثر مالویچ نماد آغاز بود عصر جدیددر هنر مبتنی بر هندسه کامل و طرحواره فرم ها. در سال 1916، مالویچ در نامه ای به A. N. Benois "اعتقاد" خود را این گونه بیان کرد: "هر چیزی که در زمینه های هنری می بینیم همه همان تکرارهای گذشته است. جهان ما هر نیم قرن با کار غنی می شود. از یک خالق درخشان - "تکنولوژی! اما دنیای هنر زمان معاصر او را غنی کرده است؟ او یک جفت کرینولین و چندین لباس پیتر ارائه کرد.

به همین دلیل است که من فقط به کسانی می‌گویم که بتوانند ثمره هنر خود را به زمان حال بدهند. و خوشحالم که چهره میدان من با هیچ استاد و زمانی نمی‌آمیزد. مگه نه؟ من به حرف پدرانم گوش ندادم، مثل آنها نیستم.

و من یک قدم هستم.

من شما را درک می کنم، شما پدر هستید و می خواهید فرزندانتان مانند شما باشند. و آنها را به مرتع پیران می بری و مانند قسمت پاسپورت با مهر وفاداری به روح جوانشان انگ می زنی.

من یک نماد برهنه و بدون قاب (مثل یک جیب) زمان خود دارم."

سوپرماتیسم مالویچ سه مرحله را طی کرد: سیاه، سفید و رنگی. مبنای فلسفیسوپرماتیسم هنر K. Malevich شهودگرایی را در نظر گرفت. او نوشت: «شهود اراده را به اصل خلاق سوق می دهد و برای رسیدن به آن باید از هدف خلاص شد، باید نشانه های جدیدی ایجاد کرد... پس از رسیدن به ابطال کامل با عینیت در هنر، مسیر خلاقانه ایجاد نئوپلاسم را در پیش خواهیم گرفت، از هر گونه شعبده بازی روی سیم هنر با اشیاء مختلف که اکنون توسط مدارس هنرهای زیبا انجام می شود، خودداری کنیم. اگر انتزاع گرایی مالویچ و کاندینسکی در ابتدا منحصراً در درون توسعه یافت نقاشی سه پایه، سپس در خلاقیت وی. ای. تاتلین(1953-1885)، بافت موضوع یک آزمایش انتزاعی می شود. تاتلین ترکیب می کند مواد مختلف- قلع، چوب، شیشه، تبدیل صفحه تصویر به نوعی نقش برجسته. در به اصطلاح ضد نقش برجسته های تاتلین، "قهرمانان" اشیاء واقعی نیستند، بلکه مقوله های انتزاعی بافت - خشن، شکننده، چسبناک، نرم، درخشان - هستند که بدون طرح تصویری خاص در بین خود زندگی می کنند.

این نوع هنر مطابق با زمان عصر ماشین مدرن در نظر گرفته می شد.

باید به خاطر داشت که اجتماعی و محیط فرهنگی، که جهان بینی لاریونوف ، مالویچ و تاتلین را تشکیل داد ، به شدت با محیط بکست ، بنویس ، سوموف متفاوت بود. آنها از خانواده های ساده و بدون کوچکترین تظاهر به فرهنگ عالی بودند و زودتر از موعد مدرسه را رها کردند. آنها در معرض قدرتمندان قرار نگرفتند سنت فرهنگی، به عنوان هنرمندان "دنیای هنر"، بنابراین ترکیب آنها با ایده های نمادگرایی تصفیه شده و با ریاضیات عالی قانونی نیست. آنها هنرمندانی مستقیم و عنصری بودند که از غریزه، شهود و محاسبات هشیارانه اطاعت می کردند و تأثیر فرهنگی بر آنها نه جلسات معنوی و نه جدول عناصر شیمیایی مندلیف، بلکه سیرک، زندگی منصفانه و خیابانی بود.

نتیجه گیری

به طور خلاصه، متذکر می شویم که ویژگی های اصلی هنر این دوره عبارتند از - دموکراسی, انقلابی, سنتز کردن(تعامل، پیوند، نفوذ اشکال هنری).

هنر داخلی همگام با زمانه بود و شامل گرایش های مختلفی بود (رئالیسم، امپرسیونیسم، پست امپرسیونیسم، آینده گرایی، کوبیسم، اکسپرسیونیسم، انتزاع گرایی، بدوی گرایی و غیره). پیش از این هرگز چنین آشفتگی ایدئولوژیک، چنین جستجوها و گرایش های متناقضی و این قدر نام ها وجود نداشته است. انجمن های جدید یکی پس از دیگری با اعلامیه ها و اعلامیه های بلند به وجود آمدند. هر یک از جهت ها ادعای نقش انحصاری داشتند. هنرمندان جوان سعی کردند بیننده را دلسرد کنند، باعث سردرگمی و خنده شوند.

نوعی وحشی گری (اغلب هنرمندان جناح چپ خود را "وحشی" می نامیدند) به سرنگونی بی ادبانه مقامات منجر شد. بنابراین، در انکار هنر رئالیستی، آنها به "محاکمه رپین" در موزه پلی تکنیک مسکو رسیدند. اما به هر حال، این یکی از جالب ترین و بحث برانگیزترین صفحات هنر روسیه است که گفتگو در مورد آن هرگز خسته کننده، بدون ابهام و کامل نخواهد بود. یک شروع فوق العاده غیرمنطقی در کار یک هنرمند برجسته از ویتبسک نهفته است M. Z. Chagala(1887-1985). شاگال با فلسفه نقاشی خود به طور مختصر با ی.پنگ در ویتبسک و باکست در سن پترزبورگ مطالعه کرد.

در یکی از مراحل رشد خود ، انسان هدف بازیگری را فقط به خاطر عملکرد ، راحتی رها کرد و شروع به توجه به زیبایی کرد. اینگونه بود که هنر ظاهر شد - چیزی که زندگی روزمره را روشن می کند، احساسات را برمی انگیزد و قرن ها در خود نگه می دارد. هنر راهی برای انتقال تاریخ به نسل هاست.

در میان تعداد زیادی شاخه، هر ژانر با ویژگی ها و تفاوت های ظریف، راه هایی برای برانگیختن برداشت ها، اصالت و استقلال متمایز می شود. چنین نقاشی است که برای قرن های متمادی به چشم انسان خوشایند بوده است. بسیاری از سبک ها و گرایش ها را پوشش می دهد، که به ما اجازه می دهد در مورد نقاشی به عنوان منبع بی حد و حصر الهام و احساسات عمیق صحبت کنیم. با نگاه کردن به تصویر ، هر کس چیزی از خود را در آن پیدا می کند ، به چیزهای کوچکی توجه می کند که شاید نویسنده هیچ معنایی در آنها نداشته باشد. این ارزش هنر تجسمی است.

نقاشی‌های قرن نوزدهم، همراه با نقاشی‌های مدرن، می‌توانند متنوع‌ترین و اغلب متناقض‌ترین احساسات را برانگیزند که به مغز ضربه می‌زند و معنای معمول چیزها را زیر و رو می‌کند.

نقاشی قرن نوزدهم

پایان قرن هجدهم - آغاز قرن نوزدهم در تاریخ به عنوان غلبه کلاسیک گرایی بالا در همه اشکال هنر از جمله نقاشی منعکس شده است. این دوره مملو از تمایل هنرمندان برای انتقال عاشقانه، اصالت، فردیت زیبایی است. نقاشی های قرن نوزدهم - این چیزی است که باعث می شود چشمان خود را به هر ضربه پرچ کنید و آن را به عنوان بخشی از یک بوم بزرگ و زنده تحسین کنید. این بار بار دیگر زیبایی پرتره، توانایی آن در نشان دادن ویژگی های فردی فرد به تصویر کشیده شده و تکنیک های جدید در نقاشی، بلکه بخشی از خود هنرمند، نحوه دیدن جهان را نیز به جهانیان نشان داد.

همچنین نقاشی های قرن نوزدهم با درجه بندی دو رنگ نزدیک در سایه پر شده است که زندگی و واقعیت را به نقاشی ها اضافه کرده است. بعدها، در دهه 50، تعالی و رمانتیسم نقاشی ها به انعکاس زندگی بدون اغراق و تزیین تبدیل شد - به رئالیسم. اما با وجود روندهای کلی، هنرمندان آنچه را که دیدند، احساس کردند و آنچه را که می خواستند منتقل کنند، نوشتند. چارچوب زمان ژانر محبوبیا تکنیک اولویت بر آنها تأثیر نمی گذارد، زیرا سخت است که یک فرد خلاق، یک استاد هنر خود را در قالب خاصی فشرده کنید.

نقاشی های ایوان آیوازوفسکی

اگر فقط دو کلمه بگویید - "دریا" و "نقاشی"، اولین کسی که به ذهن می رسد ایوان آیوازوفسکی خواهد بود. نحوه انتقال عنصر آب با هیچ چیز قابل مقایسه نیست. در نقاشی‌های او، آب مانند یک انسان مملو از افکار، احساسات و تجربیات است. هر یک از نقاشی‌های او تصویری از دنیای قرن نوزدهم است، جایی که کشتی‌ها با عناصر مبارزه می‌کنند، جایی که نور و تاریکی تضاد خود را در هر گوشه‌ای از زندگی پیدا می‌کنند، جایی که احساسات سرریز می‌کنند، گویی روز آخر فرا رسیده است.

آثار او مانند "نبردها"، "طوفان و کشتی شکسته"، "کریمه و اطراف" درگاهی است که از طریق آن می توانید به مکان تصویر شده روی بوم برسید و به بخشی جدایی ناپذیر آن تبدیل شوید. ایوان آیوازوفسکی با صرف زمان و تلاش زیادی برای مناظر، پرتره هایی را نیز خلق کرد. برخی از آنها "پرتره معاون دریاسالار M. P. Lazarev"، "Portrait of A. I. Kaznacheev" و دیگران هستند.

کارل بریولوف و خلاقیت هایش

نقاشی های روسی قرن نوزدهم مجموعه ای از زیباترین آثار تعداد زیادی از استادان است که در میان آنها کارل بریولوف با عشق خاصی به هنر برجسته است. کارل که از پدرش توانایی قدردانی از زیبایی را دریافت کرده بود، از کودکی بسیار از بسیاری از همکلاسی های خود در مهارت پیشی گرفت. او در کار خود با فهرست بزرگی از تکنیک ها عمل می کرد. رنگ روغن، آبرنگ، قهوه ای یا طراحی - نقاشی های او نشان دهنده علاقه بی پایان نویسنده به تمام جنبه های هنر است.

برایولوف، با الهام از آثار بهترین صنعتگراندر تمام دوران ها، توانست انعطاف پذیری، حس خاص فرم و درک فردی از نقاشی را منتقل کند. شاخص ترین اثر این هنرمند تابلوی تاریخی تاریخی «آخرین روز پمپئی» است که ساخت آن شش سال به طول انجامید. کل میراث خلاق برایولوف در "صندوق طلایی" نه تنها نقاشی روسیه، بلکه جهان نیز گنجانده شده است.

ویکتور واسنتسف و نقاشی های او در قرن نوزدهم

بسیاری از کارهای ویکتور واسنتسف در مدرسه آشنا می شوند. این هنرمند به دلیل علاقه اش به آن مورد توجه قرار گرفت فرهنگ عامه، تاریخی و افسانه ها، اهمیت تاریخ ملی. "قهرمانان"، "شوالیه در چهارراه"، "تزار ایوان واسیلیویچ وحشتناک" - همه این آثار، مانند مکان های تمرکز انرژی فیگوراتیو، باعث یک انگیزه داخلی قوی می شوند.

در نقاشی‌های واسنتسف، صحنه، طرح مهم است و رنگ در عین حال نقشی فرعی، اما بسیار مهم دارد، زیرا دقیقاً به لطف انتخاب دقیق رنگ‌ها و هیبت شیرین، زیبایی معنوی تصویر شده است. ، که نقاشی های او می تواند روح را پر از گرما و تحسین دلنشین کند.

نقاشی از Arkhip Kuindzhi

ساده اما هیجان انگیز؛ به نظر غیرقابل تقاضا، اما چشمگیر به نظر می رسید - چنین هنر قرن 19 است. نقاشی های Arkhip Kuindzhi کاملاً با فضای آن زمان مطابقت دارد. فقدان طرح در آثار او باید ارزش آنها را کاهش می داد و آن علاقه مشتاقانه ای را که با آن به آنها نگاه می شود از بین می برد، اما با این حال، این نقاشی ها می گیرند و به اعماق آگاهی دور می برند.

همه چیز در مورد رنگ است. کاملی که Arkhip Kuindzhi سادگی محیط را منتقل می کند اجازه نمی دهد که کار او را تحسین نکنید. "قله های برفی"، "طلوع خورشید"، "جنگل" - همه اینها نمونه های روشنمهارت بالای آرکیپ ایوانوویچ که به لطف آن می توان زیبایی و هماهنگی دنیای اطراف را مشاهده کرد.

جهان از نگاه اسحاق لویتان

تمام نقاشی های هنرمندان قرن نوزدهم به شیوه خود هیجان انگیز و تاثیرگذار هستند و آثار آیزاک لویتان جای خود را در میان آنها به خود اختصاص داده است. در چارچوب یک بوم، این هنرمند سایه های بسیاری را به نمایش گذاشت که به لطف آنها حس خاصی در نقاشی های او حاصل شد.

این هنرمند عاشقانه زندگی و تمام جنبه های آن را دوست داشت. آثار او مناظر ساده و در نگاه اول بی تکلف هستند، مانند «بر فراز آرامش ابدی»، «ساحل چوبی»، اما در مختصر بودن آنهاست که بیان احساسی پنهان است.

فرهنگ هنری روسیه که منشأ آن با کلاسیک گرایی آغاز شد، صدای قومی قدرتمندی به دست آورد، زیرا کلاسیک گرایی بالا که در نقاشی منعکس شد، به تدریج از رمانتیسم به رئالیسم در هنرهای زیبای روسیه منتقل شد. معاصران آن زمان به ویژه از جهت گیری نقاشی هنرمندان روسی که در آن ژانر تاریخی با تأکید بر موضوعات ملی غالب بود، قدردانی کردند.

اما در عین حال تغییر خاصی در هنر نقاشی تاریخی نسبت به استادان نیمه دوم قرن هجدهم و از همان آغاز تاریخ پرتره روسی رخ نداد. اغلب هنرمندان روسی آثار خود را به قهرمانان واقعی تقدیم کردند روسیه باستانبهره‌برداری‌هایی که الهام‌بخش نوشتن بوم‌های تاریخی بود. نقاشان روسی اوایل قرن 19 اصل خود را در توصیف یک پرتره، نقاشی ها، با توسعه جهت های خود در نقاشی، در به تصویر کشیدن یک شخص، طبیعت، که نشان دهنده یک مفهوم فیگوراتیو کاملاً مستقل است، تأیید کردند.

هنرمندان روسی در نقاشی های خود آرمان های مختلف خیزش ملی را منعکس کردند و به تدریج اصول سختگیرانه کلاسیک را که توسط اصول آکادمیک تحمیل شده بود کنار گذاشتند. قرن نوزدهم با شکوفایی بالای نقاشی روسی مشخص شد که در آن هنرمندان روسی اثری پاک نشدنی در تاریخ هنرهای زیبای روسیه برای آیندگان به جای گذاشتند که با روح بازتابی جامع از زندگی مردم آغشته شده بود.

بزرگترین محققین نقاشی روسی به طور کلی به نقش برجسته ای در شکوفایی بالای آثار هنرمندان بزرگ روسی و هنرهای زیبای قرن نوزدهم اشاره می کنند. دستاوردها و فتوحات نقاشی قرن 19، که در آن هنرمندان داخلی خود را نشان دادند، در هنرهای تجسمی از اهمیت و ارزش منحصر به فردی برخوردار است، نقاشی های خلق شده توسط هنرمندان روسی همیشه فرهنگ روسیه را غنی کرده است.

هنرمندان مشهور قرن نوزدهم

(1782-1836) پرتره های زیبا و ظریف هنرمند کیپرنسکی برای او شهرت و شناخت واقعی در بین هم عصرانش به ارمغان آورد. آثار او سلف پرتره، A. R. Tomilova، I. V. Kusova، A. I. Korsakov 1808 پرتره پسری چلیشچف، Golitsina A. M. 1809 پرتره دنیس داویدوف، 1819 دختری با تاج گل خشخاش، موفق ترین پرتره S. Pushkin 182 و دیگران.

پرتره های او زیبایی هیجان، دنیای درونی پالایش شده تصاویر و وضعیت روح را منعکس می کند. معاصران کار او را با ژانرهای غزل، تقدیم شاعرانه به دوستان مقایسه کردند، که در زمان پوشکین به خوبی شناخته شده بود.

کیپرنسکی از بسیاری جهات امکانات جدیدی را برای خود در نقاشی باز کرد. هر یک از پرتره های او با ساختار تصویری همیشه جدید، نور و سایه به خوبی انتخاب شده و تضادهای متنوع متمایز می شود. اورست کیپرنسکی استاد برجسته هنر پرتره است که در بین هنرمندان روسی شهرت خاصی به دست آورد.

(1791-1830) استاد رمانتیسم منظره روسی و درک غنایی طبیعت. شچدرین در بیش از چهل نقاشی خود نماهایی از سورنتو را به تصویر کشیده است. در میان آنها نقاشی هایی از محله سورنتو وجود دارد. عصر، رم جدید "قلعه فرشته مقدس"، خاکریز مرجلینا در ناپل، بندر بزرگ در جزیره کاپری و غیره.

شچدرین که کاملاً تسلیم عاشقانه منظره و محیط طبیعی ادراک شده است ، با نقاشی های خود علاقه مندی هنرمندان آن زمان به منظره را دوباره پر می کند.

شچدرین طلوع خلاقیت و شناخت خود را می دانست. فارغ التحصیل از فرهنگستان هنر در سن پترزبورگدر سال 1818 به ایتالیا آمد و بیش از 10 سال در رم، ناپل، آمالفی و سورنتو زندگی کرد و آخرین ماه های زندگی خود را در آنجا گذراند. شچدرین با داشتن زندگی کوتاه اما خلاقانه، هرگز نتوانست به روسیه بازگردد.

(1776-1857) هنرمند برجسته روسی، بومی رعیت. آثار نقاشی معروف او: توری ساز، همچنین پرتره پوشکین A.S.، حکاکی E.O. اسکوتنیکوا، یک پیرمرد - یک گدا، با رنگی کم مشخصه پرتره پسر هنرمند. نقاشی های 1826 توسط اسپینر، گلداسمیت، این آثار به ویژه توجه معاصران را به خود جلب کرد. 1846

تروپینین سبک فیگوراتیو خود را در پرتره ایجاد کرد که مشخصه ژانر خاصی از نقاشی مسکو است. در آن زمان، تروپینین به شخصیت مرکزی بوموند مسکو تبدیل شد، کارهای او به ویژه در دهه 20 و 30 منعکس شده است که او را به شهرت رساند.

پرتره های او که به آرامی نوشته شده اند با شایستگی تصویری بالا و سهولت درک متمایز می شوند ، تصاویر انسانی با صداقت و آرامش مشخص بدون هیجان درونی زیاد درک می شوند.

(1780-1847) بنیانگذار ژانر روزمره دهقانی در نقاشی روسی، پرتره معروف او از دروگر، نقاشی > دروها، دختری با روسری، بهار در زمین های زراعی، زن دهقانی با گل های ذرت، زاخارکا و دیگران. می توان به ویژه در مورد نقاشی گومنو که توجه امپراتور اسکندر 1 را به خود جلب کرد ، او را تحت تأثیر قرار داد. تصاویر زندهدهقانان، صادقانه توسط هنرمند منتقل شده است.

هنرمند دوست داشت مردم عادیبا یافتن غزل خاصی در این، این در نقاشی های او که زندگی دشوار دهقانی را نشان می داد منعکس شد. بهترین آثار او در دهه 20 خلق شد. ونتسیانوف استاد پرتره های پاستل، مدادی و رنگ روغن، کاریکاتور است.

سبک کار شاگرد بوروویکوفسکی است. در نقاشی های او معمولی ترین و ساده ترین صحنه ها وجود دارد زندگی روستایی: دهقانان در کارهای روزمره و سخت، دختران رعیت ساده، در درو، یا مردان در یونجه یا شخم زدن. اهمیت کار ونتسیانوف در هنرهای تجسمی بسیار زیاد است، یکی از اولین کسانی است که ژانر خانگی روستایی و محلی را پایه گذاری کرد.

(1799-1852) استاد نقاشی تاریخی، نقاشی او آخرین روز پمپئی در آشفتگی ساکنان محکوم به فنا از خشم آتشفشان وزوویوس پراکنده شده است. این تصویر تأثیر خیره کننده ای بر معاصران او گذاشت. او با استادی نقاشی های سکولار می نویسد، با استفاده از زن اسب سوار و پرتره ها در لحظات رنگی روشن در ترکیب بندی تصویر، کنتس یو پی سامویلوا.

نقاشی ها و پرتره های او از تضاد نور و سایه تشکیل شده است. . کارل بریلوف تحت تأثیر کلاسیک گرایی سنتی آکادمیک، نقاشی های خود را با اصالت تاریخی، روح عاشقانه و حقیقت روانشناختی وقف کرد.

بریولوف استاد عالی پرتره رسمی بود که در آن به شدت برجسته بود ویژگی های مشخصهاز یک شخص، در پرتره های دیگر او از رنگ آمیزی محدودتر استفاده می کند، پرتره ای از مجسمه ساز برجسته روسی I.P. Vitali، شاعر N.V. Kukolnik، نویسنده A.N. Strugovshchikov. در پرتره های تشریفاتی، او از بسیاری از هنرمندان زمان خود پیشی گرفت.

(1806-1858) استاد باشکوه ژانر تاریخی. حدود دو دهه، ایوانف روی او کار کرد تصویر اصلیظهور مسیح به مردم، با تأکید بر تمایل پرشور آنها برای به تصویر کشیدن آمدن عیسی مسیح به زمین. در مرحله اولیه، اینها نقاشی های آپولو، سنبل و سرو 1831-1833، ظهور مسیح به مریم مجدلیه پس از رستاخیز سال 1835 هستند.

ایوانف در طول زندگی کوتاه خود نقاشی های زیادی خلق کرد، برای هر نقاشی طرح های زیادی از مناظر، پرتره ها می نویسد. او در سال 1858 به وطن خود بازگشت و در آنجا بر اثر بیماری درگذشت.

ایوانف، مردی با هوش فوق العاده، همواره در پی نشان دادن عناصر جنبش های مردمی در تاریخ روسیه در آثار خود بود و عمیقاً به آینده بزرگ مادر روسیه اعتقاد داشت. این هنرمند بزرگ که در جستجوی نقاشی رئالیستی روسی جلوتر از زمان خود بود، اثری محو نشدنی از مهارت او برای آیندگان به جا گذاشت.

(1815-1852) استاد جهت طنز در نقاشی، که شالوده رئالیسم انتقادی را در ژانر داخلی. The Fresh Valier 1847 و The Picky Bride 1847،

هنر اوایل قرن نوزدهم با دوران خیزش اجتماعی ناشی از جنگ میهنی 1812 و جنبش ضد رعیت، که در سال 1825 به قیام Decembrist منجر شد.

در زمینه فرهنگ هنری دوره داده شدهتغییر جهت نسبتا سریع وجود داشت: کلاسیک گراییراه می دهد رمانتیسمو رمانتیسم در مسیر رشد خود با افزایش روبرو می شود واقع گراییدر هنر در واقع، این عمدتا بود در نقاشیاگر هنرمندان قرن هجدهم برای رئالیسم در انتقال منحصر به فرد بودن فرد تلاش می کردند، در قرن نوزدهم شروع به به تصویر کشیدن آنچه ارزشمند بود، آنچه آنها را در زندگی عمومی نگران می کرد، کردند.

در ربع دوم قرن نوزدهم، سرمایه‌داری در بیشتر کشورهای اروپایی خود را تثبیت کرده بود، در حالی که در روسیه فروپاشی سیستم فئودالی-رعیتی همچنان ادامه داشت. با این حال، هم در اروپا و هم در روسیه، این دوره با ظهور یک زندگی اجتماعی طوفانی مشخص می شود - در اروپا در درجه اول است عالی انقلاب فرانسه و پیامدهای آن و در روسیه رو به افزایش است مبارزه با رعیتبه ویژه پس از شکست قیام دکابریست.

در این دوره، کلاسیک، که بر دیوارها غالب بود فرهنگستان هنر، اهمیت مترقی خود را تمام کرده است. در سال 1829، آکادمی زیر مجموعه دربار امپراتوری قرار گرفت، بنابراین تبدیل شد مجری نظرات رسمی. استادان آکادمی در تلاش برای تقویت جایگاه خود در هنر، کوشیدند تا بر تکنیک های خاصی از ویژگی های رمانتیسم مسلط شوند. بنابراین، روش رمانتیسیسم آکادمیک شکل گرفت که برای ایجاد زیبایی ایده آل و والا و به دور از زندگی روزمره واقعی طراحی شده بود.

برخلاف هنر آکادمیک، در نیمه اول قرن نوزدهم، هنر دیگری در روسیه شکل گرفت که به نام بحرانی واقع گرایی. هنرمندان آشکارا، بدون توسل به شکل مشروط داستان های انجیل، برای افشای رذیلت های جامعه معاصر خود شروع کردند، به درستی بنیانگذار رئالیسم انتقادی روسی در نقاشی در نظر گرفته می شود. پاول فدوتوف.

نیمه دوم قرن نوزدهم در روسیه با خیزش جدیدی در مبارزات آزادیبخش برای زندگی بهتر مشخص شد. روشنفکران جایگاه پیشرو در جنبش اجتماعی را به دست گرفتند. بردگی لغو شد، اما زندگی از این آسان تر نشد.

در این دوره اهمیت هنر به ویژه نقاشی که وسیله ای قدرتمند برای آموزش مردم به حساب می آمد افزایش یافت. در پایان نیمه اول قرن نوزدهم شروع به کار کرد مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو، که اکنون به عنوان هادی مسیرهای دموکراتیک شروع به ایفای نقش عظیمی در جامعه کرده است. در اینجا، سیستم آموزشی ونیزی، بر اساس مطالعه دقیق زندگی اطراف، بلافاصله ریشه گرفت. این که مدرسه دور از پایتخت قرار داشت، انگار در میان زندگی مردم بود، نقش خود را ایفا کرد. برجسته ترین شاگردان مدرسه بود V.G. Perov

هنر در دوره نیمه دوم با محتوای ایدئولوژیک بالا، علاقه پرشور به حل مشکلات فوری متمایز می شود. مسائل عمومی، خود شخصیت مردمی. خدمت به مردم به یکی از اهداف اصلی هنرمندان مترقی روسیه تبدیل شده است. برای اولین بار در تاریخ هنر روسیه، زندگی کارگران به موضوع اصلی آثار هنرمندان دموکرات تبدیل شد. مردم نه از بیرون، بلکه گویی از درون به تصویر کشیده می شوند. هنرمندانی که مدافع مردم شدند که خود بسیاری از مردم برخاسته بودند از مظلومیت و زندگی سخت و بی حقوقی آن گفتند. این روحیات انتقادی اجتماعی در کلاس های آکادمی هنر نیز رخنه کرد: در سال 1861 فارغ التحصیل آن شد. V. Jacobiنقاشی را اجرا کرد "توقیف زندانیان". و در سال 1864، این تصویر موفقیت چشمگیری داشت. K. Flavitsky "شاهزاده تاراکانووا"، که به زندانی مرموز قلعه پیتر و پل، که دختر الیزابت پترونا در نظر گرفته می شد، تقدیم شده است.

با وجود همه این تغییرات در زندگی عمومی روسیه، آکادمی هنر سنت پترزبورگ به دفاع از هنر آکادمیک، به دور از زندگی، انتزاعی ادامه داد. بالاترین نوع نقاشی هنوز در نظر گرفته می شد نقاشی تاریخعمدتاً در موضوعات اساطیری و مذهبی. در نتیجه، هنرمندان پیشرفته که تمایلی به پذیرش اصول عقب مانده آکادمی نداشتند، با سیستم قدیمی تدریس در تضاد قرار گرفتند که منجر به آموزش باز شد. "شورش چهاردهم"هنرمندان فارغ التحصیلان به رهبری هنرمند کرامسکوی از تکمیل پایان نامه خود در مورد موضوع اسطوره ای که او تعیین کرده بود خودداری کردند. آنها خواستار آزادی در انتخاب موضوع شدند. شورای فرهنگستان درخواست فارغ التحصیلان را رد کرد، سپس آنها در اعتراض به اخذ دیپلم، فرهنگستان را ترک کردند.

پس از ترک آکادمی در 9 نوامبر 1863، پروتستان ها سازماندهی کردند آرتل هنرمندان.آغازگر کل ماجرا ایوان نیکولاویچ کرامسکوی بود. اعضای آرتل یک آپارتمان اجاره کردند و با هم ساکن شدند. این خانواده توسط همسر کرامسکوی اداره می شد. آرتل به زودی به رسمیت شناخته شد. اغلب به او زنگ می زدند "آکادمی کرامسکوی". هر پنجشنبه، عصرها، نقاشان و نویسندگان در کارگاه آرتل جمع می شدند. در این شب ها، موضوعات هیجان انگیز سیاست، زندگی اجتماعی، هنر مورد بحث قرار گرفت - همه اینها به آموزش جوانان هنرمند، تجمع نیروهای هنری کمک کرد.

آرتل حدود 7 سال وجود داشت و در سال 1870 از هم پاشید. آرتل با یک انجمن هنری جدید جایگزین شد - انجمن نمایشگاه‌های هنر سیار.

جایگاه بسیار مهمی در هنر قرن نوزدهم است فعالیت های P.M. Tretyakov،او با شروع مجموعه ای از نقاشی و مجسمه سازی روسی، از دوران باستان، خود را یک شهروند واقعی روسیه ثابت کرد. او تمام پول خود را صرف خرید تابلو می کرد و اغلب از هنرمندان با استعداد فقیر با پول حمایت می کرد.

منطقه اصلی نقاشی روسیه در نیمه دوم قرن نوزدهم بود ژانر خانگیرهبر هنوز بود موضوع دهقانیسرگردانان به تصویر کشیده شد زندگی عامیانه، نشان دهنده تضاد اجتماعی بین طبقات حاکم و ستمدیده جامعه روسیه بود.سنت های اتهامی در نقاشی ادامه یافت. جای بزرگی می گیرد تم کودکان

در نیمه دوم قرن نوزدهم، اصلاحاتی در هنرهای زیبای روسیه رخ داد که بر اساس آن مضامین اساطیری و مذهبی جای خود را به تصویر وقایع تاریخی واقعی دادند. آغاز این اصلاحات توسط هنرمند روسی Ge N.N.

در چشم انداز روسیه در نیمه دوم قرن نوزدهم، مبارزه شدیدی برای ایجاد یک موضوع ملی در حال گسترش است. هنرمندان برجسته ساوراسوف، شیشکین، لویتان و دیگران در این سال‌ها سنت‌های «ایده‌آلی‌شده»، «صاف»، دور از زندگی، عمدتاً ایتالیایی و فرانسوی، منظره آکادمیک را می‌شکنند و به تصویر طبیعت روی می‌آورند. وطن. جمله چرنیشفسکی "زیبا زندگی است" با واکنش گرم استادان روبرو شد نقاشی منظره. سرگردانان که طبیعت را در ظاهر روزمره و طبیعی خود نشان می دادند، شعر و زیبایی گسترده ای را در آن به نمایش گذاشتند.

در نیمه دوم قرن بیستم، چندین نقاش بسیار درخشان، قدرتمند، با استعداد، استادان نقاشی تاریخی، در نقاشی روسی برجسته شدند - اینها I. Repin، V. Surikrv، V. Vasnetsov هستند.

هنر روسیه در اواخر قرن 19 - 20 در حال و هوای انقلابی شکل گرفت. دیدگاه های منحط و بدبینی در محیط روشنفکران خلاق نفوذ کرد. ارزش های زیبایی شناختی در جامعه تغییر کرده است. در جستجوی مسیر خود در هنر ، بسیاری از هنرمندان شروع به اتحاد در سازمان های مختلف هنری - انجمن ها کردند.

در سال 1903، بسیاری از هنرمندان رئالیست متحد شدند "اتحادیه هنرمندان روسیه"جایی که سنت‌های سرگردان را ادامه دادند، آثار واقعی و واقعی نوشتند. از هنرمندان برجسته این دوره می توان به سروف، وروبل، نستروف، ریابوشکین و غیره اشاره کرد.

• < برگشت

در پاراگراف اول، نقاشی منظره در اواخر قرن 19 و 20، روندها و پیشرفت آن را بررسی خواهیم کرد.

در دهه 20 - 30. در قرن نوزدهم، ژانر منظره جایگاه شایسته ای در توسعه رمانتیسم روسی دارد. ترکیب مناظر توسط شچدرین و بسیاری دیگر از هنرمندان رمانتیک دوران او. ریشه های این ترکیب را می توان در منظره فلاندری - هلندی نیمه اول قرن هفدهم دید. کامل بودن معماری در منظره رمانتیک روسی ترکیب "پانورامیک" دریافت می کند و حیات خود را در دهه 70 ثابت می کند. قرن 19 در کار A.I. کویندجی. گرایش های جهان بینی با ماهیت رمانتیک، ایجاد شده با ساختار ترکیبی خاص، را می توان در هنر منظره M. Nesterov ردیابی کرد، که در آن یک فرد تنها با جهانی بی پایان مخالف است. «در کنار نوع ترکیب بندی که در نظر گرفتیم، نقش یک جاده یا یک کوچه جایگاه قابل توجهی در چشم انداز روسیه را اشغال می کرد. در نقاشی منظره، نقوش غارها به عنوان مستقل در قرن هفدهم. در کار I. de Momper. ساخت فضای داخلی و منظر بر اساس تضاد شدید اتاق است که در آن فرد، به طور معمول، بسته و طبیعی است. دنیای طبیعیدرخشان و آزادانه پشت دیوارها و کرکره ها می درخشد.

نمایندگان چشم انداز واقع گرایانه نیمه میانی و دوم

قرن 19 به تدریج از تداعی ادبی منظره رمانتیک گذشته است و سعی می کند ارزش خود را از طبیعت از طریق افشای جوهر عینی فرآیندهای در حال وقوع در آن نشان دهد. نقاشان منظره این دوره به دنبال طبیعی بودن و سادگی ترکیب بندی بودند و به تفصیل روابط نور و سایه و والری را توضیح دادند که امکان انتقال درک مادی محیط طبیعی را فراهم می کرد. صدای اخلاقی و فلسفی منظر، که از رمانتیسم به ارث رسیده است، اکنون جهت دموکراتیک تری به خود می گیرد، که در این واقعیت آشکار می شود که مردم از مردم، صحنه های کار روستایی به طور فزاینده ای در چشم انداز گنجانده می شدند.

در نیمه دوم قرن نوزدهم. شکوفایی یک چشم انداز واقع گرایانه وجود دارد که ارتباط نزدیکی با فعالیت های سرگردان دارد. هنرمندان روسی با غلبه بر مصنوعی بودن و نمایشی بودن چشم انداز دانشگاهی، به طبیعت بومی خود روی آوردند. در پایان قرن نوزدهم خط منظره غنایی عاطفی که اغلب با انگیزه های غم و اندوه مدنی آغشته شده است، ادامه خود را در منظره خلق و خوی می یابد.

منظره در میان استادان امپرسیونیسم که کار در هوای آزاد را شرط ضروری برای ایجاد یک تصویر منظره می دانستند، اهمیت غالب می یابد. امپرسیونیست ها مهمترین جزء منظره را محیطی ارتعاشی نور و هوای غنی از سایه های رنگارنگ، احاطه بر اشیاء و تضمین ناگسستنی بصری طبیعت و انسان ساختند. در آستانه قرن 19 و 20. چندین جهت در منظر توسعه می یابد، اصول چشم انداز امپرسیونیستی را توسعه می دهد و در عین حال وارد روابط متضاد با آنها می شود. هنرمندان مرتبط با نمادگرایی و سبک "مدرن" ایده رابطه اسرارآمیز بین انسان و "زمین مادر" را وارد منظره کردند و با انواع مختلفی از "از طریق فرم ها" در ترکیب بندی های خود بازی کردند که چیدمان تزئینی آنها را ایجاد می کند. توهم تقلید مستقیم از ریتم های خود طبیعت. در عین حال، جست‌وجوی تصویری تعمیم‌یافته از میهن، که اغلب با خاطرات فولکلور یا خاطرات تاریخی اشباع می‌شود و تثبیت‌شده‌ترین ویژگی‌های منظر ملی را ترکیب می‌کند، تشدید می‌شود که برای جنبش‌های ملی-عاشقانه معمول است.

در هنر قرن بیستم، تعدادی از استادان به دنبال یافتن پایدارترین ویژگی های این یا آن نقوش منظره هستند و آن را از همه چیز "در حال آمدن" پاک می کنند (نمایندگان کوبیسم)، دیگران با استفاده از هارمونی های رنگی شاد یا به شدت شدید تأکید می کنند. پویایی درونی منظره، و گاهی هویت ملی آن (نمایندگان فوویسم و ​​اکسپرسیونیسم)، دیگران، تا حدی تحت تأثیر عکاسی هنری، تأکید اصلی را بر غریب بودن و بیان روانشناختی موتیف (نماینده سوررئالیسم) تغییر می دهند.

"بی تکلف، آرام، اما شگفت انگیز در صنعت، در صحت جلوه ها و در سبک نجیب آنها. مناظر در این دوره از زمان بسیار رایج بود و امپرسیونیسم نیز وجود داشت. کویندجی به امپرسیونیسم روی می آورد و بعداً کمتر هنرمند قابل توجه- زیونگلینسکی. سوتوسلاوسکی - شاعر استان ها، کثیف، خاکستری، اما شیرین، و به معنای کاملا رنگارنگ، بدون شک، گوشه های زیبا - در ابتدا، در اوایل دهه 90، او یکی از بهترین رفقای لویتان بود، علاوه بر این، یک هنرمند کاملاً اصیل. که خود را از یک منطقه مجزا و بسیار جالب جدا کرد. همه هنرمندان فهرست شده واقع گرا هستند.

در چشم انداز روسیه در اواخر قرن 19 - 20. سنت های واقع گرایانه نیمه دوم قرن نوزدهم با تأثیرات امپرسیونیسم و ​​«مدرن» در هم آمیخته است.

در قرن 19 تنها دو گرایش غالب بود - آکادمیک و سرگردان.

در آغاز قرن بیستم انجمنی از هنرمندان به عنوان اتحادیه هنرمندان روسیه وجود داشت. "اتحادیه هنرمندان روسیه" عمدتاً مناظر را نقاشی می کرد که در اینجا بسیار مورد توجه قرار گرفت. اینها عبارتند از A. Savrasov، I. Shishkin، V. Polenov، M. Nesterov و I. Levitan. بنیانگذار ساوراسوف بود، او به موضوع به تصویر کشیدن تصویری تعمیم یافته از طبیعت روسیه روی آورد. پیرو او I. Shishkin است که مانند ساوراسوف به مشکل ترسیم تصویری تعمیم یافته از طبیعت روسیه می پردازد. I.I. شیشکین تصویری تعمیم یافته از طبیعت روسیه را به عنوان جنگل های غیرقابل نفوذ، باشکوه و انبوه به تصویر کشید. در "دنیای هنر" بنیانگذاران L. Bakst، A. Benois، M. Dobuzhinsky، A. Ostroumova - Lebeleva بودند.

لویتان، سروف، کورووین درگیر امپرسیونیسم بودند و چون جایی برای خود در مشارکت سرگردانان پیدا نکردند، در سال 1903 نمایشگاه خود را به نام اتحادیه هنرمندان روسیه ترتیب دادند. نقاشان "اتحادیه" منظره را ترجیح می دادند، برای انتقال فوری طبیعت تلاش می کردند، به طور کلی، آنها سنت های نقاشی واقع گرایانه سرگردان را ادامه می دادند.

"دوره زندگی هنری روسیه از 1900 تا 1930، علیرغم این واقعیت که با رویداد بزرگ قرن 20 - انقلاب اکتبر در وسط تقسیم شده است، تا حد زیادی مستقل است. وروبل با خلاقیت خود ما را با قرن بیستم آشنا می کند. هنرمندان مسیرهای جدید که جایگزین سرگردان شدند، رئالیسم را تغییر دادند، از آن دور شدند منافع مردمی، به زیبایی گرایی افتاد، به فرمالیسم آلوده شد. بسیاری از آثار هنرمندان این سه دهه به پس‌زمینه رفته و تقریباً به فراموشی سپرده شده‌اند.

برای منظره مدرنبا توسعه مطابق با رئالیسم سوسیالیستی ، مشخص ترین تصاویر زیبایی تأیید کننده زندگی جهان ، ارتباط نزدیک آن با فعالیت دگرگون کننده مردم را نشان می دهد. در دهه 20. نوین چشم انداز صنعتی، نوعی منظره یادبود را تشکیل می دهد.

قرن 17 تا 19 منظره به خودش رسیده است بالاترین توسعهو کمال از طریق منظره بیانگر وضعیت معنوی و خلق و خوی هنرمند است. چشم انداز واقع گرایانه روسیه در این سال ها در پس زمینه محو شد، اما با وجود این، G.I. گورکین و A. O. Nikulin این راه را انتخاب کردند. در آن زمان هنرمندانی مانند ساوراسوف، شیشکین، لویتان به چشم انداز واقع گرایانه روی آوردند. این اتفاق افتاد که سرنوشت هنرمند جوان آلتای G.I. گورکین با I.I. شیشکین که معلم او شد. رفتارهای واقع گرایانه شیشکین و گورکین با یک هدف مشترک در کارشان به هم مرتبط است، به این دلیل که هر یک از آنها به دنبال به تصویر کشیدن تصویری کلی از طبیعت روسیه بودند، اما هر یک از آنها کمی راه رفتند. روش های مختلف. شیشکین به دنبال بیان عظمت جنگل ها بود و گورکین - از طریق عظمت منظره کوهستانی. نیکولین مانند لویتان و سروف درگیر امپرسیونیسم بود ، او برای انتقال مستقیم طبیعت تلاش کرد ، بنابراین دوست داشت در هوای آزاد کار کند.