Pintura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX.

Finales del siglo XIX - principios del XX. - un período importante en el desarrollo del arte ruso. Coincide con la etapa del movimiento de liberación en Rusia que V.I. Lenin lo llamó proletario.

Qué es cuadro grande¿Desarrollo del arte ruso durante este período? Los principales maestros también trabajaron fructíferamente. realismo crítico- ES DECIR. Repin, V.I. Surikov, V.M. Vasnetsov, V.E. Makovsky... En la década de 1890, sus tradiciones encontraron su desarrollo en una serie de obras de la generación más joven de artistas itinerantes, por ejemplo. Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930) , cuya creatividad también está relacionada con la vida del pueblo, con la vida de los campesinos. Sus pinturas son veraces y sencillas, las primeras son líricas ("A lo largo del río Oka", 1890, "Reverse", 1896), en las posteriores, brillantemente pintorescas, hay una alegría exuberante ("La chica de la jarra", 1927 ). En la década de 1980, Arkhipov pintó el cuadro "Lavanderas", que habla del trabajo agotador de las mujeres y sirve como un vívido documento incriminatorio de la autocracia.

La generación más joven de Itinerantes también incluye Sergei Alekseevich Korovin (1858-1908) y Nikolai Alekseevich Kasatkin (1859-1930) . Korovin trabajó durante diez años en su cuadro central "Sobre el mundo" (1893). En él reflejó los complejos procesos de estratificación del campesinado en la aldea capitalizada de su época. Kasatkin también supo identificar en su obra los aspectos más importantes de Rusia. Se levantó por completo nuevo tema asociado con el fortalecimiento del papel del proletariado. En los mineros representados en su famoso cuadro “Mineros del carbón”. Smena” (1895), se puede adivinar la poderosa fuerza que en un futuro próximo destruirá el podrido sistema. Rusia zarista y construir una nueva sociedad socialista.

Pero en el arte de la década de 1890 surgió otra tendencia. Muchos artistas ahora buscaban encontrar en la vida, en primer lugar, sus lados poéticos, por lo que incluso incluyeron el paisaje en las pinturas de género. A menudo recurrían a la historia de la antigua Rusia. Estas tendencias en el arte se pueden ver claramente en las obras de artistas como A.P. Ryabushkin, B.M. Kustodiev y M.V. Nésterov.

Género favorito Andréi Petróvich Riábushkin (1861-1904) Era un género histórico, pero también pintó cuadros de su época. vida campesina. Sin embargo, el artista se sintió atraído sólo por ciertos aspectos vida popular: rituales, vacaciones. En ellos vio una manifestación de lo primordialmente ruso, caracter nacional(“Calle Moskovskaya del siglo XVII”, 1896). La mayoría de los personajes no son solo por género, sino también por pinturas historicas fueron escritos por Ryabushkin de campesinos: el artista pasó casi toda su vida en el pueblo. Ryabushkin introdujo algunos rasgos característicos de la pintura rusa antigua en sus pinturas históricas, como si así enfatizara la autenticidad histórica de las imágenes (“Tren de bodas en Moscú (siglo XVII)”).

Otro artista importante de esta época. Borís Mijáilovich Kustodiev (1878-1927) Representa ferias con cucharas multicolores y montones de productos coloridos, Maslenitsa rusa cabalgando en troikas, escenas de la vida mercantil.

EN trabajo temprano Mijaíl Vasílievich Nésterov Los aspectos líricos de su talento se revelaron más plenamente. El paisaje siempre jugó un papel importante en sus pinturas: el artista buscaba encontrar alegría en el silencio de la naturaleza eternamente bella. Le encantaba representar abedules de troncos delgados, frágiles tallos de hierba y flores de pradera. Sus héroes son jóvenes delgados, habitantes de monasterios o ancianos amables que encuentran paz y tranquilidad en la naturaleza. Las pinturas dedicadas al destino de una mujer rusa (“En las montañas”, 1896, “La gran tonsura”, 1897-1898) están llenas de profunda simpatía.

De esta época se remonta la obra del paisajista y pintor de animales. Alexéi Stepánovich Stepánov (1858-1923) . El artista amaba sinceramente a los animales y conocía perfectamente no solo la apariencia, sino también el carácter de cada animal, sus habilidades y hábitos, así como características específicas varios tipos caza. Las mejores pinturas del artista, dedicadas a la naturaleza rusa, están imbuidas de lirismo y poesía: "Las grullas vuelan" (1891), "Alces" (1889), "Lobos" (1910).

El arte de Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) también está imbuido de una profunda poesía lírica. Sus imágenes de mujeres pensativas, habitantes de antiguos parques señoriales, y todas sus pinturas armoniosas y musicales (“Pond”, 1902) son hermosas y poéticas.

En los años 80 y 90 del siglo XIX, se formó la obra de destacados artistas rusos Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939), Valentin Aleksandrovich Serov y Mikhail Aleksandrovich Vrubel. Su arte reflejaba más plenamente los logros artísticos de la época.

Talento K.A. La obra de Korovin fue igualmente brillante tanto en la pintura de caballete, principalmente en el paisaje, como en el arte teatral y decorativo. El encanto del arte de Korovin radica en su calidez, sol, en la capacidad del maestro para transmitir directa y vívidamente sus impresiones artísticas, en la generosidad de su paleta, en la riqueza colorística de su pintura (“En el balcón”, 1888-1889, “En invierno”, 1894).

A finales de la década de 1890, se formó en Rusia una nueva sociedad artística "Mundo del Arte", encabezada por A.N. Benoit y S.P. Diaghilev, que tuvo una gran influencia en la vida artística del país. Su núcleo principal son los artistas K.A. Somov, L.S. Bakst, M.V. Dobuzhinsky, E.E. Lansere, A.P. Ostroumova-Lebedeva. Las actividades de este grupo fueron muy versátiles, los artistas publicaron su propia revista "World of Art", organizaron interesantes exhibiciones de arte con la participación de muchos artistas destacados. Sus actividades contribuyeron a la amplia difusión de la cultura artística en la sociedad rusa, sin embargo, solo buscaban la belleza en la vida y veían la realización de los ideales del artista solo en el encanto eterno del arte. Su trabajo carecía del espíritu de lucha y del análisis social característico de los Wanderers, bajo cuya bandera marchaban los artistas más progresistas y revolucionarios.

Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) es considerado legítimamente el ideólogo del "Mundo del Arte". Al igual que sus camaradas, Benoit desarrolló en su obra temas de épocas pasadas. Fue el poeta de Versalles. Gran conocedor cultura francés Siglos XVII y XVIII, Benoit veneraba la antigua residencia real como la quintaesencia del espíritu artístico del gran país. Buscó encarnar esta admiración en paisajes, géneros, ilustraciones de libros y escenografía teatral. En sus obras de caballete, basadas en impresiones de la naturaleza, el artista supo transmitir la asombrosa espacialidad de Versalles, creada cerca de París por voluntad del Rey Sol, la imaginación y la habilidad de grandes arquitectos, escultores y jardineros. En sus composiciones históricas, pobladas por pequeñas figuras de personas aparentemente sin vida, reprodujo con cuidado y amor monumentos de arte y detalles individuales de la vida cotidiana (“Desfile bajo Pablo I”, 1907).

Benois, que reverencia profundamente a Pushkin, creó ciclos de ilustraciones para sus obras. El mejor de ellos es el poema “El jinete de bronce”. El artista recreó la imagen del Petersburgo de Pushkin.

Konstantin Andreevich Somov (1869-1939) se hizo ampliamente conocido como un maestro de los paisajes románticos y las escenas galantes. Su héroes ordinarios- como damas que vinieron de la antigüedad lejana con pelucas empolvadas y crinolinas esponjosas y caballeros lánguidos y exquisitos con camisolas de raso. Somov dominaba perfectamente el dibujo. Esto fue especialmente evidente en sus retratos. El artista creó una galería de retratos de representantes de la intelectualidad artística, entre ellos A.A. Blok y M.A. Kazmina (1907, 1909).

En la vida artística de Rusia a principios de siglo, el grupo artístico "Unión de Artistas Rusos" también jugó un papel importante. Incluía a los artistas K.A. Korovin, A.E. Arjipov, S.A. Vinogradov, S.Yu. Zhukovsky, L.V. Turzhansky, K.F. Yuon y otros. El género principal en la obra de estos artistas fue el paisaje. Fueron los sucesores de la pintura de paisajes de la segunda mitad del siglo XIX.

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Historia de las pinturas.
Historia de las bellas artes.
Departamento de Seguridad Nacional.
Desarrollador: profesor del departamento de arte
MBU DO "DSHI distrito de Pochinkovsky"
Kazakova Inna Viktorovna

2017
pintura rusa finales del XIX y principios del siglo XX.
Revisar. Parte 1
En la historia de nuestra patria. principios del siglo XIX y el siglo XX está saturado de enormes cambios sociales.
contenido histórico. Este fue el momento en que, según V.I. Lenin,
Comenzó una "tormenta", "el movimiento de las propias masas": una nueva etapa proletaria de Rusia.
movimiento de liberación, marcado por tres revoluciones, la última de
que, la Gran Revolución Socialista de Octubre, abrió una nueva era en
historia de Rusia y en la historia de toda la humanidad. Pero el camino que conducía a Oktyabrskaya
revolución, era un camino vago.
El final del siglo XIX y los primeros años del XX fueron, por un lado, una época de crueles
reacción política, supresión de todo libre pensamiento; por otro lado, este
la época del comienzo de la lucha organizada de la clase obrera, la difusión del marxismo en
Rusia, la época en que Lenin sentó las bases de los trabajadores revolucionarios marxistas
fiestas.
Fue durante estos años que comenzó un nuevo levantamiento social, que vino bajo el signo
Preparativos para la primera revolución rusa.
Se acercaba el primer embate de la tormenta popular. Centro para el Movimiento Revolucionario Mundial
se mudó a Rusia.
El fortalecimiento del movimiento de liberación afectó a todos los ámbitos de la sociedad.
vida. La cultura democrática rusa también se desarrolló aún más,
inspirado en la noble liberación y las ideas patrióticas. Nuevo
La ciencia, la literatura y el arte han logrado un éxito brillante.
En la década de 1890, los grandes maestros que iniciaron su andadura en
período anterior: Repin, Surikov, Shishkin, Vasnetsov, Antokolsky y
otro.
Artistas avanzados, fieles a su gente, estrechamente ligados a su vida, no son
permaneció al margen del ascenso general. Nuevos ideales sociales progresistas
encontraron una viva respuesta en su creatividad y les permitió enriquecer el tesoro
Cultura rusa con nuevas obras maravillosas.
Continuando con las mejores tradiciones democráticas de la escuela nacional de arte, estos
Maestros destacados los desarrollaron aún más de acuerdo con los nuevos requisitos.
tiempo. Ellos percibieron con sensibilidad y a través de su arte volvieron a reflexionar.
problemas sociales emergentes asociados con el despertar de las fuerzas populares,
propusieron nuevos temas e imágenes, introdujeron nuevos contenidos en sus obras.

Así, ya en los años noventa nuestro arte se ha enriquecido con una serie de obras,
caracterizado por características fundamentalmente nuevas. Estas son pinturas monumentales,
estilo heroico, en el que enorme poder se plasman imágenes típicas
héroes nacionales y expresaron ideas patrióticas nacionales: orgullo por la tierra
Pueblo ruso y ruso, su pasado glorioso y su gran papel histórico.
Estos son los "Bogatyrs" (1881 - 1898) de V. Vasnetsov y los "cosacos" (1878-1891) de Repin,
“La conquista de Siberia” (1895) y “El cruce de los Alpes por Suvorov” (1899) de Surikov;
Estas pinturas están imbuidas de la convicción de los artistas de que la historia no se hace.
individuos, sino las masas, que son las personas quienes son los héroes y
intérprete de hazañas históricas. V.V. también habla de la hazaña nacional.
Vereshchagin en una gran serie. pinturas historicas sobre el tema de la Guerra Patria de 1812
años (1889-1900), donde el pueblo ruso se opone a Napoleón y su ejército,
se levantó para luchar por su independencia nacional. Una de las pinturas de la serie,
titulado "No lo dudes, déjalos venir..." (1895), representa una emboscada de partisanos campesinos,
aquellos patriotas simples y desconocidos por cuyas manos se asestó el golpe fatal
a los invasores extranjeros.
Todas estas obras están unidas por un sentimiento, una idea que reside en su
base: la idea de glorificar la patria y el pueblo. Las diversas masas aparecen
en ellos ya no está oprimido y oprimido: es el elemento mismo del pueblo, el que ha llegado a
grandes hazañas y, lleno de poder heroico y fuerza moral, decide sus destinos
patria.
Las pinturas antes mencionadas se encuentran adyacentes a otras monumentales, creando una imagen majestuosa.
Naturaleza rusa, paisajes de Siberia y Urales de A. Vasnetsov y algunos posteriores
obras de I. Shishkin (“Ship Grove”, 1898), estatua “Ermak” de M. Antokolsky
(1891) y otros.
Está claro que sólo en un país donde se estaba gestando una revolución popular, donde, atestiguando
despertar de las masas para luchar, el “gran mar de gente estaba hirviendo,
agitado hasta lo más profundo" - el tema del pueblo podría plantearse de esta manera en
arte y obtener esa solución. Captando con sensibilidad estos ruidos distantes
Al acercarse la tormenta revolucionaria, los artistas rusos avanzados experimentaron todo
gran confianza en la fuerza del pueblo y atrajo su atención social.
optimismo, lo que dio un color completamente nuevo a su perspectiva creativa.
Demócratas por sus convicciones, estrechamente vinculados con el pueblo, atentos observadores
vida, estos maestros del arte ruso sintieron profundamente el pulso
modernidad, y si ellos mismos a veces no eran conscientes de la conexión entre el contenido de sus
obras y esta modernidad, todavía se reflejaba en los lienzos de
tema histórico, e incluso - en cierto sentido - en paisajes. Eso fue
una premonición de algo grandes cambios, esa misma expectativa de una gran tormenta, que
expresado por A.P. Chéjov en palabras de uno de sus personajes: “Ha llegado el momento,
una masa enorme se acerca a todos nosotros, se prepara una tormenta fuerte y saludable, que ya está

la pereza, la indiferencia y los prejuicios hacia el trabajo están cerca y pronto desaparecerán de nuestra sociedad,
aburrimiento podrido..."
La nueva etapa de la lucha social encontró un reflejo más directo e inmediato en
el trabajo de otro grupo de artistas que recurrieron a escenas de la vida
el proletariado y el campesinado más pobre; las primeras pinturas les pertenecen
Batallas de clases en la ciudad y el campo en los accesos a la primera revolución rusa, estas son ellas.
Reflejó los acontecimientos de 1905 en sus obras.
Siguiendo la tradición de Peredvizhniki, los artistas de los llamados más jóvenes
generación de itinerantes: S. Korovin, S. Ivanov, A. Arkhipov, N. Kasatkin y otros
- cubrió sinceramente la vida de la aldea rusa en la época anterior a la revolución
1905. Conocimiento profundo de la vida de las personas, compasión espiritual por los desastres y
Las dificultades de los pobres de las zonas rurales les ayudaron a crear obras llenas de
grande: verdad de vida y aguda resonancia social.
Así, en el cuadro de S. Korovin “Sobre el mundo” (1893), por primera vez en nuestro cuadro,
conflicto agudo, típico de la aldea rusa de esa época: en una reunión de la aldea
un campesino pobre, un antiguo siervo, arruinado por las reformas, lo intenta en vano
lograr una resolución justa del caso a su favor; un terrateniente para quien nadie
se atreve a contradecirlo, se ríe burlonamente de él...
S. Ivanov dedicó sus primeros cuadros a los colonos campesinos. Con un duro
con veracidad describe el terrible destino de los pobres, a quienes el hambre expulsa de sus
mendigos conspiran y los obligan a vagar por el país en busca de un trozo de pan. Desesperado
la situación de los colonos, la muerte de los colonos en la estepa, los prisioneros en prisión, los fugitivos
presos: estos son los temas de sus pinturas. Pero pronto S. Ivanov comienza a ver y
el otro es el comienzo de un fermento revolucionario, que abarca cada vez más a las capas inferiores del pueblo.
El artista representa a un agitador populista,
distribuyendo secretamente a los campesinos
literatura ilegal; dibuja disturbios estudiantiles en Moscú
universidad. Las primeras imágenes de la pintura rusa le pertenecen
revuelta campesina (“Revuelta en el Pueblo”, 1889) y la lucha de clases del proletariado:
“La huida del director de la fábrica durante una huelga” (finales de la década de 1880) y “Huelga”
(1903). Naturalmente, S. Ivanov posteriormente se encontró entre esos artistas.
que, en los memorables días de 1905, capturó los acontecimientos de la primera revolución rusa.
A. E. Arkhipov, un excelente
un pintor que dominó magistralmente el estilo de la pintura amplia, rica y colorida.
Arkhipov, en sus pinturas de la vida del campesinado pobre, trató este tema con
gran penetración y calidez (“Sobre el Volga”, 1888-1889; “A lo largo del río Oka”,
1889; "El hielo ha pasado"
1894-1895). La triste suerte de las mujeres trabajadoras: este es el contenido de la imagen
“Encanto en una fundición de hierro” (1895-1896). El cuadro de Arkhipov “Lavanderas”
(finales de la década de 1890), una vez visto, es difícil olvidarlo, representado con una fuerza tan impresionante

para ellos imágenes de trabajadoras, agotadas por el trabajo agotador en los barrios marginales
ciudad capitalista. Aquí se escucha claramente la voz de protesta del artista
demócrata.
Un lugar especial en el arte ruso lo ocupa la obra de N. A. Kasatkin.
En sus obras, este artista cubrió todo un período de la vida del ruso.
de la clase obrera, hasta sus primeras batallas contra la autocracia en diciembre de 1905.
Para conocer en profundidad la vida de los trabajadores, Kasatkin pasó siete años
Fui a las minas de Donetsk, recogí material de bocetos aquí y acumulé impresiones.
Esto le dio la oportunidad de realizar de manera plena y exhaustiva, con gran poder artístico
Representan la vida y obra de los mineros. Pero no sólo los temas del trabajo duro de los mineros del carbón, no
sólo la difícil situación de los trabajadores fuertemente explotados constituye
Contenido de las pinturas de Kasatkin. Para ver esto, basta con mirar
algunos bocetos de mineros, por ejemplo, en la famosa “Shakhtarka” (1894) o en
"El conductor del carro del minero" (1894); trabajadores pintados con colores duros, en sus lamentables
trapos cubiertos de polvo de carbón, para el artista, ante todo, gente, gente
Voluntario, lleno de fuerza de espíritu, inquebrantable. dignidad humana. Central
Cuadro de esta serie “Mineros del carbón. Change" (1895) refleja el creciente poder
proletariado ruso; una amenaza directa a los esclavizadores es visible en la mirada ardiente
El personaje principal de la imagen es un cazador de gigantes de barba negra. En la película "Duro"
(1892) surgió un joven trabajador que se dedicó a la lucha revolucionaria por los derechos
de tu clase; El propio artista dio originalmente a esta obra el título
"Petrel". No es de extrañar que cuando el criador S. Morozov adquirió este cuadro de Kasatkin
para su colección, otro capitalista le reprochó que apoyara este tipo de
arte: “¿Qué estás haciendo? Estás cortando la rama en la que estás sentado”. Esta evaluación
muestra claramente la influencia revolucionaria tal
obras.
Para Kasatkin fue bastante natural convertirse durante la primera guerra rusa.
revolución a los temas de la lucha armada de la clase trabajadora.
Junto a estos maestros, aunque algo apartados de ellos, trabajó el mayor de
Realistas rusos de principios del siglo XX: V. A. Serov. Como I.E. Repin, estudiante y
del que fue sucesor, Serov entró en la historia del arte ruso como
un artista de excepcional profundidad y versatilidad, que puso a prueba brillantemente su
Fuerza en casi todos los géneros de pintura y gráfica. Pero sus mayores logros
pertenecen al área del retrato.
Toda una época está contenida en la galería de retratos de sus contemporáneos que creó.
Las primeras obras de Serov de los años ochenta: "La muchacha de los melocotones" (1887) y
"La niña iluminada por el sol" (1888): llena de percepción luminosa y soleada
mundo, esta es una canción real sobre la juventud de una persona, sobre su pureza espiritual, sobre la alegría.
vida. Con el paso de los años, el arte del artista se vuelve cada vez más severo y estricto, la vida

se le revela en sus contradicciones, en los contrastes sociales. Pero aunque es verdad
A menudo resulta amargada: Serov nunca la traiciona. Inquebrantable
la veracidad de un realista convencido, la fidelidad inexorable del ojo y la mano no dejan
Serov y luego,
cuando tiene que retratar a los representantes
las clases dominantes (y el artista tenía que trabajar mucho según sus órdenes); a ellos
Les da a todos las características más despiadadas en sus retratos. Artista M.V.
Nesterov habló sobre la relación entre Serov y sus clientes: "Se burló de ellos
con un cepillo. ¡No entiendo cómo ellos mismos no se dieron cuenta! Me sorprende como aceptaron
¡Estos retratos son de él!
Serov revela la descarada confianza en sí mismos y la rudeza de industriales y banqueros,
el vacío y la falta de alma de las damas vestidas con pieles y diamantes alta sociedad, interno
insignificancia de la aristocracia dignataria... Con sus retratos, exponiendo la verdadera
la esencia de todos estos Morozovs, Girshmans, príncipes Golitsyn y Yusupov, artista
pronunció un duro veredicto sobre el viejo y moribundo mundo. Todo esto " fuerte del mundo este"
contrastó imágenes la gente común de la gente (“Baba con un caballo”) e imágenes
figuras progresistas de la cultura rusa, aquellas de cuyos nombres todavía estamos orgullosos hoy
nuestro país: Stanislavsky, Ermolova, Repin, Chéjov, Chaliapin: estas son las personas que
de cuyo lado hay un enorme respeto y amor sincero hacia el artista. Ya el dia anterior
de la propia revolución, en 1904, Serov creó un grupo fuerte y románticamente elevado.
retrato de Máximo Gorki; el artista expresó su ardiente simpatía por eso
al nuevo mundo, del que fue representante el gran Petrel de la Revolución.
Hablando de la nueva etapa en el desarrollo del arte ruso, cabe señalar que el desarrollo
y la profundización del realismo en él se produjo no solo ampliando el tema y recurriendo a
nuevos fenómenos de la realidad, pero también en el camino de la expansión y el enriquecimiento
medios artísticos para reflejar esta realidad. Esto se evidencia por
formas monumentales y escritura poderosa de pinturas de Repin y Surikov, intensidad especial
características de una persona en los retratos de Serov, impregnadas de luz y aire
Tejido pictórico de los últimos paisajes de Levitan. La creatividad atestigua lo mismo.
maestros de escala más modesta: la galaxia de paisajistas que aparecieron en ese momento,
sucesores de la gloriosa tradición del paisaje ruso de la segunda mitad del siglo XIX. Estos
artistas: S. Vinogradov, S. Zhukovsky, A. Rylov, K. Yuon, I. Grabar, L.
Turzhansky, V. Byalynitsky Birulya y otros - buscaron expresar frescura y
el temor de la sensación directa de la naturaleza, esos sutiles matices de humor,
que despierta en una persona. Tus sentimientos poéticos son enérgicos,
alegres, importantes y luego reflexivamente líricos: transmiten la característica amplitud,
de una manera pictórica rica y generalizada que no contradice la expresión en todas partes
la plenitud de la individualidad creativa del artista.
Aquí, por supuesto, no se puede dejar a Konstantin Korovin en silencio:
un pintor maravilloso y el mejor colorista, paisajista, retratista y artesano.
escenografía teatral, dejó una huella imborrable en el desarrollo

Cultura artística rusa. “Las pinturas de Korovin”, escribió K. F. Yuon, “
una encarnación figurativa de la felicidad y la alegría de vivir del pintor. Le hicieron señas y le sonrieron.
todos los colores del mundo."
Además de los artistas mencionados anteriormente, linea completa artesanos que trabajaron en varios
géneros, introdujo una corriente nueva y fresca en el desarrollo del arte ruso de esa época: sutil
y el pintor histórico original A.P. Ryabushkin; estudiante de I. E. Repin,
el pintor de género y brillante retratista B. M. Kustodiev; pintor paisajista y pintor de animales A.S.
Stepánov; escultores P. P. Trubetskoy, A. S. Golubkina, I. Ya Ginzburg... Lista
podríamos continuar.
... Llegó el año 1905.
El comienzo de la tormenta revolucionaria inspiró a muchos artistas avanzados. Siguiente
sentido del deber cívico, tomaron un pincel y un lápiz para
capturar los eventos que los emocionaron.
Aprovechando la confusión y el debilitamiento temporal de la censura zarista, lanzaron
Trabajo activo como artista gráfico. Uno tras otro, políticos
revistas: "Machine Gun", "Sting", "Bogeyman", "Spectator", "Hell Mail" y otras. En ellos
Los gráficos acusatorios y las caricaturas políticas ocuparon un lugar destacado. En agudo
en dibujos inteligibles, los artistas ridiculizaron al propio zar y a sus ministros, enojados
calificó a los verdugos zaristas: los organizadores de los pogromos de los Cien Negros, los estranguladores
revolución. La atmósfera de auge social cautivó incluso a artistas como
que antes estaban alejados de la política. V.A. trabajó en revistas satíricas.
Serov, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky, B. M. Kustodiev y otros.
Los pintores también abordaron temas revolucionarios con gran entusiasmo.
El vagabundo mayor V. Makovsky y el joven alumno de Repin I. Brodsky
Captó la ejecución del 9 de enero y el funeral de las víctimas del Domingo Sangriento.
S. Ivanov trabajó mucho y persistentemente en los días de octubre y diciembre de 1905,
que hizo bocetos y bocetos durante los mítines, en las calles y plazas del rebelde
Moscú. En una imagen dramática, claramente compuesta y escrita de manera sucinta.
“Ejecución” describió la masacre de las tropas zaristas sobre una multitud desarmada. su otro
La pintura representa la llegada de un destacamento punitivo al pueblo.
Repin también respondió a los acontecimientos revolucionarios con una serie de bocetos ("El funeral rojo",
“En la horca del zar” y otros). La fe en el futuro brillante del pueblo no desapareció.
un artista notable incluso después de la derrota de la primera revolución rusa. "Yo creo,
¿Qué más vivirá Rusia inteligente y alegremente cuando se deshaga de la burocracia?
El yugo que lleva tanto tiempo matando la iniciativa de los más capaces con un cáncer maligno.
gente”, escribió Repin en una de sus cartas posteriores.
Los acontecimientos de 1905 causaron una gran impresión en V. A. Serov. Él dibujó todo
algo de lo que él mismo fue testigo ocular: el fusilamiento por parte de soldados de una procesión de trabajadores, un funeral

Bauman... Resumió estas impresiones en una imagen que representa la aceleración.
manifestaciones de un destacamento de cosacos; el nombre de esta canción suena con dolor y amarga ironía
cuadros: “Soldados, muchachos valientes, ¿dónde está vuestra gloria?” La indignación de Serov
Las acciones criminales del gobierno zarista resultaron en la caricatura más venenosa.
al zar Nicolás el Sangriento. En protesta por la masacre de las tropas zaristas en
Los trabajadores de San Petersburgo, Serov, renunció desafiante a la Academia de las Artes.
ya que su presidente era el mismo Gran Duque que ordenó la ejecución
9 de enero. Posteriormente la invitación para pintar retratos de los miembros. familia real Serov respondió:
"Ya no trabajo en esta casa". Se requirió mucho coraje civil por parte de
artista tales pasos!
Una gran serie de pinturas y bocetos iniciada por N. A. Kasatkin se remonta a 1905. A ellos
fue concebido como una especie crónica artística acontecimientos revolucionarios. ACERCA DE
El contenido de estas obras, lleno del patetismo de la lucha, lo expresan expresivamente.
títulos: “9 de enero”, “Mañana del funeral de Bauman”. "El último viaje de un espía", "Un llamado a
levantamiento”, “levantamiento de Moscú”, “ataque a la fábrica por parte de trabajadoras”. Maravilloso en esto
Serie de bocetos de retratos “Worker Action”: una imagen llena de romance
batallas de barricadas.
Un artista muy interesante de esta época fue Lukian Popov, en sus obras.
que también representa imágenes de revolucionarios. Particularmente importante es su pintura “En
aldea"; esto representa un levantamiento campesino liderado por un joven trabajador
(La imagen también llevaba otro título, aparentemente prohibido por la censura: “Levántate,
¡levantarse!").
Imágenes dibujadas por artistas en obras del período del primer ruso.
revolución, especialmente en las pinturas de N. Kasatkin (“Trabajador luchador”) y L. Popov
(“¡Levántate, levántate!”, “Socialista”), se hacen eco de las imágenes del inmortal
La historia de M. Gorky "Madre".
Todo esto demuestra que bajo la influencia de la tormenta revolucionaria de 1905-1907
Los artistas rusos avanzados crearon muchas obras que eran nuevas y valiosas.
contribución al arte ruso.
Es cierto que muchas de sus obras siguieron siendo bocetos, bocetos y bocetos rápidos.
Se impidió a los artistas pasar a desarrollar pinturas completas generalizadas.
Derrota de la revolución y inicio de la reacción.
Como todos los mejores rusos, los maestros del arte se tomaron en serio la derrota.
revolución. Las esperanzas de renovación de la sociedad se han pospuesto indefinidamente,
eliminar el viejo orden injusto y establecer un nuevo orden. Sentimientos
el dolor y la desilusión dejaron huella en sus obras. Esto es, por ejemplo,
último cuadro grande V.I.Súrikov “Stepan Razin” (1907). Aquí todo es típico.
- tanto el tema en sí, tomado de la historia de los movimientos campesinos en Rusia, como la solución a este

temas: el formidable cacique está representado inmerso en profundos pensamientos, como en una premonición
final trágico para su negocio.
Los años de reacción tuvieron un fuerte impacto en el destino del arte ruso y debilitaron significativamente
creciendo en el tendencias progresistas, lo llevó a una profunda crisis. Solo
Los artistas redujeron drásticamente su actividad creativa, otros se alejaron de
temas socialmente agudos a la pintura de insignificantes, sin principios.
El inicio de la reacción política e ideológica determinó el desarrollo del arte.
varios movimientos decadentes y formalistas.
Y en el período anterior, la dirección realista no fue en modo alguno fácil, no sin
La lucha severa obtuvo sus victorias.
si lo consideras,
La complejidad de la situación del arte ruso de la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX.
sólo entonces queda claro
lo que es realista,
El arte democrático tuvo que librar una lucha continua con hostiles.
movimientos de realismo que gozaron de un fuerte apoyo de la corriente principal
clases. A mediados de la segunda mitad del siglo XIX, tal movimiento fue el academicismo, contra
que luego fue interpretada por los artistas de los años sesenta y los Wanderers. A finales de siglo
el agravamiento de la situación sociopolítica en Rusia se ha vuelto más tenso
y lucha en el arte. En contraste con la avanzada, realista y altamente ideológica
Surgió un arte que buscaba escapar de esta vida “inquieta”,
alejarnos de las cuestiones apremiantes y significativas de nuestro tiempo. Desde la década de 1890
años, las tendencias decadentes, las llamadas decadentes, comenzaron a extenderse, en
tendencias reaccionarias extranjeras en gran medida imitadas: simbolismo y
modernismo.
La influencia de estas tendencias decadentes dejó su huella en el trabajo de incluso muchos
artistas importantes, como, por ejemplo, uno de los más brillantes y
Artistas rusos únicos de la era prerrevolucionaria, un maestro multifacético.
oportunidades enormes, pero lejos de estar plenamente realizadas, M. A. Vrubel.
Asombroso con el poder de la fantasía, extraordinaria fuerza emocional, inimitable.
color, imágenes de Vrubel, que a menudo recurrió a motivos del folclore, folk
épica ("Pan", "Princesa Volkhova", "Bogatyr", "Sirenas") o literaria ("Princesa
Cisne”, “Profeta”, “Demonio”), luchando por una solución a través de medios visuales.
arte de profundos problemas filosóficos y morales generales, revelan al mismo tiempo
la trágica inconsistencia de la búsqueda del artista, incapaz de encontrarla en el entorno
su respuesta real a las preguntas que lo atormentaban.
El trabajo de otro destacado maestro, K. Korovin, tuvo un impacto negativo.
la influencia del impresionismo, que le impidió crear obras de gran escala, grandes
sonido público, que permitiría una difusión aún más amplia, profunda y completa
ábrete a su brillante talento.

Varios artistas que tomaron el camino de alejarse de las tradiciones democráticas.
agrupados en torno a la revista “World of Art”. Muchos de ellos adhirieron
Puntos de vista estéticos sobre el arte. Alejándose de la realidad vivida,
extrajeron sus motivos del pasado lejano, recurriendo a episodios de la corte
La vida cotidiana del siglo XVIII, representada, sin embargo, a menudo no sin una sonrisa irónica. Eso fue
un arte dolorosamente refinado que condujo al estrecho mundo de los parques palaciegos,
fincas nobiliarias, arlequines y marqueses, miriñaques y pelucas empolvadas. Teóricos
Este grupo argumentó que el propósito del arte no es en absoluto reflejar la vida, no
al servicio del pueblo, que existe en sí mismo y debe ser “arte para
arte", objeto de placer para unos pocos conocedores y conocedores selectos,
queriendo esconderse de la realidad “desagradable”.
Y aunque muchos participantes en el "Mundo del Arte" lo lograron, superar la unilateralidad y
la inferioridad de tales puntos de vista, crea mucho valor artístico,
y una serie de artistas en cuyo trabajo un enfoque realista saludable resultó ser fuerte
base, posteriormente entró en el arte soviético y trabajó fructíferamente en él (E.E.
Lansere, B. M. Kustodiev, A. P. Ostroumova Lebedeva y otros) - todavía objetivo
las actividades del mundo del arte, especialmente el periodismo crítico, contradecían
Tradiciones democráticas del arte ruso.
A principios del siglo XX, con la entrada de Rusia en el período del imperialismo, la crisis de la burguesía
la cultura y el arte se profundizaron continuamente; sin embargo, en la pintura rusa todavía había
fuerzas capaces de resistir la locura decadente. Serov, Surikov, Kasatkin y
Otros artistas realistas mantuvieron firmemente sus posiciones en el arte.
Artistas, escritores y figuras públicas progresistas lucharon vigorosamente contra
la difusión de teorías decadentes nocivas, contra el arte de la decadencia y la modernidad.
En estos años y en los siguientes, el gran Lenin publicó brillantes obras que
importancia fundamental para el desarrollo de la estética marxista-leninista
(“Materialismo y empiriocriticismo”, artículo “Organización del partido y
literatura”, artículo sobre L. Tolstoi y otros).
G. V. Plejánov presentó una serie de obras destacadas. En ellos defendió lo inextricable
la conexión entre el arte y la vida social, defendió el arte ideológico y realista,
satisfacer los intereses de la lucha proletaria. Gran importancia Tenía artículos de M.
Gorky, dirigido contra los fenómenos decadentes de la literatura y el arte. Antes
Los últimos días de su vida habló apasionadamente contra el arte decadente.
defensor del realismo V.V. Stasov; los títulos de sus artículos son “Pobres de espíritu”, “Compuestos
leprosos"- muestran cuán dura e irreconciliablemente calificó a su
oponentes.
La derrota de la primera revolución rusa cambió la situación y el equilibrio de fuerzas para
frente de arte.

Cuando la revolución estaba en ascenso, los artistas avanzados se basaron en la democracia.
El surgimiento de una sociedad fuerte para resistir la influencia corruptora de la burguesía.
"cultura" del terrateniente. Pero después de la represión de la revolución, en un clima de reacción, cuando
una parte importante de la intelectualidad se alejó de la revolución, muchos artistas
se alejó de sus ideales anteriores. La juventud artística sucumbe cada vez más
propaganda activa de todo tipo de extranjeros. tendencias de la moda, "teóricos"
quien de todas las formas posibles denostó el arte clásico ruso (y en primer lugar
peredvizhniki), elogió la última pintura Occidente burgués y llamado
centrarse sólo en ello, descartando el legado de democracias avanzadas.
arte.
El arte ruso se vio inundado de diversos movimientos formalistas. Artístico
La vida en la década de 1910 presentaba un cuadro abigarrado de la lucha de numerosos, entonces
emergentes, a veces en desintegración, a veces más estables, a veces efímeras, pero siempre
Grupos artísticos extremadamente asertivos y ruidosos. Como una cuestión de hecho
obras de todo tipo de radiantes, futuristas, suprematistas y otros
los llamados izquierdistas, cuyas “innovaciones” a veces adquirían los aspectos más salvajes y absurdos
formas, no tenían ningún valor artístico y eran como el cielo de la tierra,
lejos del verdadero arte.
Sin embargo, durante la década entre la primera revolución rusa y Octubre
En 1917, también hubo artistas que, sin deponer las armas,
Apoyó las tradiciones del realismo.
Durante estos años, aunque muy disminuidos, sobrevivieron cuadros de aquellos artistas realistas,
quienes, incluso durante el predominio del formalismo, continuaron desarrollando tradiciones
Arte democrático ruso (N. Kasatkin, V. Baksheev, A. Rylov, A.
Arkhipov, V. Meshkov, S. Malyutin, K. Yuon, I. Brodsky, N. Andreev, S. Konenkov y
otro). Todos ellos continuaron trabajando con éxito después de la revolución, convirtiéndose en los más destacados.
maestros de las bellas artes soviéticas. Parecían como si estuvieran vivos.
un vínculo entre nuestro arte realista prerrevolucionario y
Pintura soviética.
La Asociación de Exposiciones Itinerantes, aunque ha perdido su importancia anterior, sigue
continuó existiendo en este momento, e incluso en los primeros años después de la Gran
Revolución de octubre. Es interesante observar que la penúltima, 47ª exposición
Peredvizhniki en 1922 sirvió de base para la organización de AHRR (Asociación
artistas de la Rusia revolucionaria) - la primera asociación de artistas soviéticos
realistas. También es significativo que el primero a quien el gobierno soviético
galardonado con el alto título de Artista del Pueblo de la República, fueron tres los Errantes
- Kasatkin, Arkhipov y Polenov.
Pero el arte soviético está relacionado con la escuela realista rusa del siglo XIX y principios del XX.
siglos no sólo esto. Su conexión inextricable está determinada por el hecho de que la antigua Unión Soviética
el arte hereda y desarrolla las mejores tradiciones del arte clásico ruso,

los lleva a nuevas alturas. Sin una exploración y un desarrollo críticos fructíferos
estas tradiciones, el arte soviético no pudo avanzar con tanto éxito,
Es cierto que en muchos sentidos este movimiento fue “por inercia”. Amor desinteresado por la Patria y
nativos, disposición a dar todas las fuerzas para luchar por su brillante futuro, profundo
ideología con alta habilidad artística realista, genuina
nacionalidad y humanismo: estas son las más importantes de estas maravillosas tradiciones heredadas
nosotros la escuela nacional rusa de pintura.

En la historia de nuestra patria, el cambio de siglo XIX y XX está lleno de un enorme contenido sociohistórico. Este fue el momento en que, según V.I. Lenin, comenzó una "tormenta", "el movimiento de las masas mismas", una nueva etapa proletaria del movimiento de liberación ruso, marcada por tres revoluciones, la última de las cuales, la Gran. La Revolución Socialista de Octubre abrió una nueva era en la historia de Rusia y en la historia de toda la humanidad. Pero el camino que condujo a la Revolución de Octubre fue vago.
El final del siglo XIX y los primeros años del XX fueron, por un lado, una época de reacción política brutal, de supresión de todo libre pensamiento; por otro lado, este es el momento del comienzo de la lucha organizada de la clase obrera, la expansión del marxismo en Rusia, el momento en que Lenin sentó las bases del partido obrero revolucionario marxista.
Fue durante estos años cuando comenzó un nuevo levantamiento social, que estuvo bajo el signo de la preparación de la primera revolución rusa.
Se acercaba el primer embate de la tormenta popular. El centro del movimiento revolucionario mundial se trasladó a Rusia.
El fortalecimiento del movimiento de liberación afectó a todos los ámbitos. vida publica. La cultura democrática rusa, inspirada por la noble liberación y las ideas patrióticas, también recibió un mayor desarrollo. La ciencia, la literatura y el arte han logrado nuevos y brillantes éxitos.
En la década de 1890, continuaron trabajando los maestros más importantes que comenzaron sus carreras en el período anterior: Repin, Surikov, Shishkin, Vasnetsov, Antokolsky y otros.
Artistas progresistas, leales a su pueblo, estrechamente relacionados con su vida, no permanecieron al margen del levantamiento general. Los nuevos ideales sociales progresistas encontraron una viva respuesta en su trabajo y les permitieron enriquecer el tesoro de la cultura rusa con nuevas obras maravillosas.
Siguiendo las mejores tradiciones democráticas de la escuela nacional de arte, estos destacados maestros las desarrollaron aún más de acuerdo con las nuevas exigencias de la época. Percibieron con sensibilidad y a través de su arte reflejaron los nuevos problemas sociales emergentes asociados con el despertar de las fuerzas populares, propusieron nuevos temas e imágenes e introdujeron nuevos contenidos en sus obras.
Así, ya en los años noventa, nuestro arte se ha enriquecido con una serie de obras marcadas por características fundamentalmente nuevas. Se trata de lienzos de estilo monumental y heroico, en los que las imágenes típicas de los héroes populares se encarnan con enorme poder y se expresan ideas patrióticas nacionales: el orgullo por la tierra rusa y el pueblo ruso, su glorioso pasado y su gran papel histórico. Se trata de "Bogatyrs" (1881 - 1898) de V. Vasnetsov y "Cossacks" (1878-1891) de Repin, "La conquista de Siberia" (1895) y "El cruce de los Alpes por Suvorov" (1899) de Surikov; Estas pinturas están imbuidas de la convicción de los artistas de que la historia no la crean los individuos, sino las masas, que son las personas los héroes y los ejecutores de hazañas históricas. V.V Vereshchagin también habla de la hazaña nacional en una gran serie de pinturas históricas sobre el tema de la Guerra Patria de 1812 (1889-1900), donde se contrasta a Napoleón y su ejército con el pueblo ruso, que se levantó para luchar por su nación. independencia. Uno de los cuadros de la serie, titulado “No lo dudes, déjame ir…” (1895), representa una emboscada de partisanos campesinos, esos patriotas sencillos y desconocidos, con cuyas manos se asestó un golpe mortal a los extranjeros. invasores.
Todas estas obras están unidas por un sentimiento, una idea subyacente: la idea de glorificar la patria, el pueblo. Las diversas masas populares ya no aparecen en ellos oprimidas y oprimidas: son el pueblo mismo, que se ha elevado a grandes hazañas y, lleno de poder heroico y fuerza moral, decide los destinos de su patria.
Las pinturas mencionadas van acompañadas de paisajes monumentales de Siberia y los Urales de A. Vasnetsov, que crean una imagen majestuosa de la naturaleza rusa, y algunas trabajos tardíos I. Shishkin (“Ship Grove”, 1898), la estatua “Ermak” de M. Antokolsky (1891) y otros.
Está claro que sólo en un país donde se gestaba una revolución popular, donde, testimoniando el despertar de las masas a la lucha, “el gran mar del pueblo hervía, agitado hasta lo más profundo”, podría abordarse el tema de la gente se plantea así en el arte y recibe tal solución. Al captar con sensibilidad estos lejanos estruendos de la tormenta revolucionaria que se avecinaba, los artistas rusos avanzados experimentaron una confianza cada vez mayor en la fuerza del pueblo y extrajeron de esta confianza su optimismo social, que dio un color completamente nuevo a su visión creativa del mundo. Demócratas por sus convicciones, estrechamente relacionados con el pueblo, atentos observadores de la vida, estos maestros del arte ruso sintieron profundamente el pulso de la modernidad, y aunque ellos mismos a veces no eran conscientes de la conexión entre el contenido de sus obras y esta modernidad. , sin embargo, se reflejó en los lienzos de temática histórica e incluso, en cierto sentido, en los paisajes. Fue una premonición de grandes cambios, la misma expectativa de una gran tormenta, que fue expresada por A.P. Chéjov con las palabras de uno de sus personajes: “Ha llegado el momento, una masa se acerca a todos nosotros, una masa sana y fuerte. Se prepara la tormenta, que se avecina, ya está cerca y la pereza, la indiferencia, los prejuicios hacia el trabajo, el aburrimiento podrido pronto serán barridos de nuestra sociedad...”
Un reflejo más directo e inmediato de la nueva etapa de la lucha social se encontró en la obra de otro grupo de artistas que recurrieron a escenas de la vida del proletariado y el campesinado pobre; Fueron sus pinceles los que produjeron las primeras pinturas de las luchas de clases en la ciudad y el campo en las afueras de la primera revolución rusa; esto lo reflejaron en sus obras y los acontecimientos de 1905;
Siguiendo la tradición de los Peredvizhniki, los artistas de la llamada generación más joven de los Peredvizhniki (S. Korovin, S. Ivanov, A. Arkhipov, N. Kasatkin y otros) iluminaron verazmente la vida de la aldea rusa en la época anterior a la revolución de 1905. Un conocimiento profundo de la vida popular, la compasión espiritual por las desgracias y privaciones de los pobres de las zonas rurales les ayudaron a crear obras llenas de una gran verdad: una verdad vital y una aguda resonancia social.
Así, en el cuadro de S. Korovin “Sobre el mundo” (1893), por primera vez en nuestro cuadro, se muestra un conflicto agudo, típico de la aldea rusa de esa época: en una reunión rural, un campesino pobre, un ex el siervo, arruinado por las reformas, intenta en vano lograr una resolución justa del asunto en su propio beneficio; el terrateniente, a quien nadie se atreve a contradecir, se ríe burlonamente de él...
S. Ivanov dedicó sus primeros cuadros a los campesinos desplazados. Con severa veracidad, describe el terrible destino de los pobres, a quienes el hambre expulsa de sus miserables parcelas y los obliga a vagar por el país en busca de un trozo de pan. La situación desesperada de los colonos, la muerte de los colonos en la estepa, los prisioneros en prisión, los presos fugitivos: estos son los temas de sus pinturas. Pero pronto S. Ivanov comienza a ver algo más: el comienzo de un fermento revolucionario que abarca cada vez más a las capas inferiores del pueblo. El artista representa a un agitador populista que distribuye en secreto literatura ilegal a los campesinos; esboza el malestar estudiantil en la Universidad de Moscú. También poseía las primeras imágenes de la pintura rusa de una revuelta campesina ("Revuelta en el pueblo", 1889) y la lucha de clases del proletariado: "La huida del director de una fábrica durante una huelga" (finales de la década de 1880) y "Huelga". (1903). Naturalmente, S. Ivanov se encontró posteriormente entre aquellos artistas que, en los días memorables de 1905, capturaron los acontecimientos de la primera revolución rusa.
A. E. Arkhipov, un excelente pintor que dominó magistralmente el estilo de una pintura amplia, rica y colorida, también trabajó en la tradición de los escritores itinerantes de la vida cotidiana. Arkhipov, en sus pinturas sobre la vida de los campesinos pobres, trató este tema con gran perspicacia y calidez (“En el Volga”, 1888-1889; “A lo largo del río Oka”, 1889; “El hielo se ha ido”,
1894-1895). La triste suerte de las trabajadoras: este es el contenido del cuadro "Encantadoras en una fundición de hierro" (1895-1896). El cuadro de Arkhipov “Lavanderas” (finales de la década de 1890), una vez visto, es difícil de olvidar; con una fuerza tan impresionante representa las imágenes de trabajadoras, agotadas por un trabajo agotador en los barrios marginales de una ciudad capitalista. Aquí se escucha claramente la voz de protesta del artista democrático.

2. La originalidad de la pintura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX.

Con la crisis del movimiento populista en los años 90, el “método analítico realismo XIX v.”, ​​​​como se le llama en la ciencia rusa, se está volviendo obsoleto. Muchos de los artistas de Peredvizhniki experimentaron un declive creativo y se retiraron a los "temas insignificantes" del entretenimiento. pintura de género. Las tradiciones de Perov se conservaron sobre todo en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú gracias a la actividad docente de artistas como S.V Ivanov, K.A. Korovin, V.A. Serov y otros.

Ilyina T.V. cree que durante este período difícil para el país, para los pintores del cambio de siglo, se caracterizaron otros métodos de expresión, otras formas creatividad artística- en imágenes contradictorias, complicadas y que reflejan la modernidad sin carácter ilustrativo ni narrativo. Los artistas buscan dolorosamente la armonía y la belleza en un mundo que es fundamentalmente ajeno tanto a la armonía como a la belleza. Por eso muchos vieron su misión en cultivar el sentido de la belleza. Esta época de “vísperas”, expectativas de cambios en la vida pública, dio lugar a muchos movimientos, asociaciones, agrupaciones, un choque de diferentes visiones del mundo y gustos. Pero también dio lugar al universalismo de toda una generación de artistas que aparecieron después del "clásico" Peredvizhniki. Basta nombrar solo los nombres de V.A. Serov y M.A. Vrúbel.

Los críticos de arte señalan que la pintura de género se desarrolló en los años 90, pero de manera algo diferente. Así, el tema campesino se revela de una manera nueva. Sergei Alekseevich Korovin (1858-1908) enfatiza y describe acusadoramente la división en la comunidad rural en la película "Sobre el mundo" (1893, Galería Tretyakov). Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930) logró mostrar la desesperanza de la existencia mediante un trabajo duro y agotador en la película "Las lavanderas" (1901, Galería Tretyakov). Lo logró en en gran medida gracias a nuevos descubrimientos pictóricos, posibilidades recién comprendidas del color y la luz.

Falta de acuerdo; “Subtexto”, un detalle expresivo encontrado con éxito hace aún más trágico el cuadro de Sergei Vasilyevich Ivanov (1864-1910) “En el camino. Muerte de un migrante" (1889, Galería Tretyakov). Los ejes que sobresalen, como levantados en un grito, dramatizan la acción mucho más que el hombre muerto representado en primer plano o la mujer que aúlla encima. Ivanov posee una de las obras dedicadas a la revolución de 1905: "Ejecución". Aquí se conserva la técnica impresionista de la “composición parcial”, como si fuera un marco arrancado al azar: sólo se perfila una hilera de casas, una hilera de soldados, un grupo de manifestantes, y en primer plano, en una plaza iluminada por el sol, está la figura de un hombre muerto y un perro huyendo de los disparos. Ivanov se caracteriza por fuertes contrastes de luces y sombras, un contorno expresivo de los objetos y una conocida planitud de la imagen. Su lenguaje es lapidario.

En los años 90 del siglo XIX. El arte incluye a un artista que hace del trabajador el protagonista principal de sus obras. En 1894 apareció un cuadro de N.A. Kasatkina (1859-1930) “Minero” (Galería Tretyakov), en 1895 - “Mineros del carbón. Cambiar",. S. V. Ivanov. "En la carretera",. "Muerte de un migrante". 1889 1TG 237

A principios de siglo, en el tema histórico se trazó un camino de desarrollo ligeramente diferente al de Surikov. Por ejemplo, Andrei Petrovich Ryabushkin (1861-1904) trabaja en el género histórico más que en el género puramente histórico. “Mujeres rusas del siglo XVII en la iglesia” (1899, Galería Tretyakov), “Tren nupcial en Moscú. Siglo XVII" (1901, Galería Tretyakov), "Se van. (El pueblo de Moscú durante la entrada de una embajada extranjera en Moscú a finales del siglo XVII)” (1901, Museo Ruso), “Calle de Moscú del siglo XVII en un día festivo” (1895, Museo Ruso), etc. Son escenas cotidianas de la vida de Moscú en el siglo XVII. Ryabushkin se sintió especialmente atraído por este siglo, con su elegancia, policromía y patrones de pan de jengibre. El artista admira estéticamente el mundo pasado del siglo XVII, lo que conduce a una estilización sutil, alejada del monumentalismo de Surikov y sus valoraciones de los acontecimientos históricos.

Apollinary Mikhailovich Vasnetsov (1856-1933) presta aún más atención al paisaje en sus composiciones históricas. Su tema favorito también es el siglo XVII, pero no las escenas cotidianas, sino la arquitectura de Moscú. (“Calle de Kitay-Gorod. Principios del siglo XVII”, 1900, Museo Ruso). Cuadro “Moscú a finales del siglo XVII. Al amanecer en la puerta de la resurrección" (1900, Galería Tretyakov) puede haberse inspirado en la introducción a la ópera Khovanshchina de Mussorgsky, para la cual Vasnetsov había completado recientemente bocetos del escenario.

Nuevo tipo pinturas en las que arte contemporáneo Las tradiciones artísticas populares fueron creadas por Philip Andreevich Malyavin (1869-1940), quien en su juventud estudió pintura de iconos en el Monasterio de Athos y luego estudió en la Academia de las Artes con Repin. Sus imágenes de “mujeres” y “niñas” tienen cierta significado simbolico- suelo sano de Rusia. Sus pinturas son siempre expresivas y, aunque suelen ser obras de caballete, reciben una interpretación monumental y decorativa bajo el pincel del artista. "La risa" (1899, Museo de Arte Moderno, Venecia), "Torbellino" (1906, Galería Tretyakov) son imagen realista las campesinas se ríen a carcajadas contagiosas o corren incontrolablemente en un baile circular, pero este es un realismo diferente al de la segunda mitad del siglo. La pintura es amplia, abocetada, con pincelada texturizada, las formas son generalizadas, no hay profundidad espacial, las figuras suelen ubicarse en primer plano y ocupan todo el lienzo.

Malyavin combinó en su pintura el decorativo expresivo con la fidelidad realista a la naturaleza.

Mikhail Vasilyevich Nesterov (1862-1942) aborda el tema de la antigua Rus, como muchos maestros antes que él, pero la imagen de la Rus aparece en las pinturas del artista como una especie de mundo ideal, casi encantado, en armonía con la naturaleza. pero desapareció para siempre como la legendaria ciudad de Kitezh. Este agudo sentido de la naturaleza, el deleite por el mundo, por cada árbol y brizna de hierba, se expresan con especial claridad en uno de los más trabajos famosos Nesterov del período prerrevolucionario - “Visión del joven Bartolomé” (1889-1890, Galería Tretyakov).

Antes de recurrir a la imagen de Sergio de Radonezh, Nesterov ya había expresado interés en el tema de la antigua Rusia con obras como "La novia de Cristo" (1887, lugar desconocido), "El ermitaño" (1888, Museo Ruso; 1888- 1889, Galería Tretyakov), creando imágenes de gran espiritualidad y tranquila contemplación. Dedicó varias obras más al propio Sergio de Radonezh (“La juventud de San Sergio”, 1892-1897, Galería Tretyakov; tríptico “Obras de San Sergio”, 1896-1897, Galería Tretyakov; “Sergio de Radonezh”, 1891 -1899, Museo Estatal Ruso).

En el deseo del artista de una interpretación plana de la composición, la elegancia, la ornamentación y la refinada sofisticación de los ritmos plásticos, era evidente la indudable influencia del Art Nouveau.

La estilización, tan característica en general de esta época, también afectó en gran medida a las obras de caballete de Nesterov. Esto se puede observar en una de las mejores pinturas dedicadas al destino de las mujeres, "El gran tumulto" (1898, Museo Ruso): figuras deliberadamente planas de monjas, "monjes" y "blancos", siluetas generalizadas, como si lento ritmo ritual de puntos claros y oscuros: figuras y paisajes con abedules claros y abetos casi negros. Y como siempre ocurre con Nesterov, el paisaje juega un papel importante. El propio género del paisaje también se desarrolló de una manera nueva a finales del siglo XIX. Levitan, de hecho, completó la búsqueda de los Itinerantes en el paisaje. A principios de siglo, K.A. tuvo que decir una nueva palabra. Korovin, V.A. Serov y M.A. Vrúbel.

Ya en los primeros paisajes de Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939), se resolvieron problemas puramente pictóricos: pintar gris sobre blanco, negro sobre blanco, gris sobre gris. El paisaje “conceptual” (término de M.M. Allenov), como el de Savrasov o el de Levitanov, no le interesa.

Para el brillante colorista Korovin, el mundo aparece como un “derroche de colores”. Generosamente dotado por la naturaleza, Korovin estudió retratos y naturalezas muertas, pero no sería un error decir que el paisaje siguió siendo su género favorito. Incorporó al arte las fuertes tradiciones realistas de sus profesores de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú: Savrasov y Polenov, pero tiene una visión diferente del mundo y se propone tareas diferentes.

El generoso talento artístico de Korovin se manifestó brillantemente en la pintura teatral y decorativa. Como pintor de teatro, trabajó para el Teatro Abramtsevo (y Mamontov fue quizás el primero en apreciarlo como artista teatral), para el Teatro de Arte de Moscú, para la Ópera Privada Rusa de Moscú, donde comenzó su amistad de toda la vida con Chaliapin, para el Empresa Diaghilev. Korovin levantó escenografía teatral y la importancia del artista en el teatro a un nuevo nivel, hizo toda una revolución en la comprensión del papel del artista en el teatro y tuvo una gran influencia en sus contemporáneos con sus coloridas y “espectaculares” decoraciones, revelando la esencia misma de una actuación musical.

Uno de los más grandes artistas, innovador de la pintura rusa de principios de siglo, según G.Yu. Sternin, fue Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911). Su “Niña con melocotones” (retrato de Verusha Mamontova, 1887, Galería Tretyakov) y “Niña iluminada por el sol” (retrato de Masha Simanovich, 1888, Galería Tretyakov) representan toda una etapa de la pintura rusa. Serov se crió entre figuras destacadas de la cultura musical rusa (su padre era un famoso compositor, su madre era pianista), estudió con Repin y Chistyakov, estudió las mejores colecciones de museos de Europa y, al regresar del extranjero, pasó a formar parte del Círculo de Abramtsevo.

Las imágenes de Vera Mamontova y Masha Simanovich están impregnadas de un sentimiento de alegría de vivir, un brillante sentido del ser y una juventud brillante y victoriosa. Esto se logró mediante la pintura impresionista “ligera”, tan caracterizada por el “principio de aleatoriedad”, esculpiendo la forma con una pincelada dinámica y libre, creando la impresión de un complejo entorno de aire luminoso. Pero a diferencia de los impresionistas, Serov nunca disuelve un objeto en este entorno de modo que se desmaterialice, su composición nunca pierde estabilidad, las masas están siempre en equilibrio. Y lo más importante, no pierde las características integrales generalizadas del modelo.

Serov pinta a menudo a representantes de la intelectualidad artística: escritores, artistas, pintores (retratos de K. Korovin, 1891, Galería Tretyakov; Levitan, 1893, Galería Tretyakov; Ermolova, 1905, Galería Tretyakov). Todos son diferentes, los interpreta a todos profundamente individualmente, pero todos llevan la luz de la exclusividad intelectual y la inspiración. vida creativa. La figura de Yermolova se asemeja a una columna antigua, o más bien a una estatua clásica, lo que se ve realzado aún más por el formato vertical del lienzo. Pero lo principal sigue siendo el rostro: hermoso, orgulloso, desapegado de todo lo mezquino y vanidoso. La coloración se basa en una combinación de sólo dos colores: negro y gris, pero en muchos tonos. Esta verdad de la imagen, creada no por medios narrativos, sino puramente pictóricos, correspondía a la personalidad misma de Yermolova, quien, con su actuación sobria pero profundamente conmovedora, conmocionó a los jóvenes en los turbulentos años de principios del siglo XX.

Retrato del ceremonial de Yermolova. Pero Serov es un gran maestro que, eligiendo otro modelo, en el mismo género de retrato ceremonial, de hecho, con el mismo medios expresivos supo crear una imagen de un personaje completamente diferente. Así, en el retrato de la princesa Orlova (1910-1911, "Museo Ruso") hay una exageración de algunos detalles (un sombrero enorme, una espalda demasiado larga, un ángulo agudo de la rodilla), una atención enfatizada al lujo de el interior, transmitido sólo fragmentariamente, como un marco arrancado (parte de una silla, cuadros, mesas de esquina), permite al maestro crear una imagen casi grotesca de un aristócrata arrogante, pero el mismo grotesco en su famoso "Pedro I" (. 1907, Galería Tretyakov) (Pedro en la imagen es simplemente de estatura gigantesca), lo que permite a Serov representar el rápido movimiento del rey y los cortesanos que se apresuran absurdamente tras él, conduce a una imagen que no es irónica, como en el retrato de Orlova, sino simbólico, que transmite el significado de toda una época. El artista admira la originalidad de su héroe.

Retrato, paisaje, naturaleza muerta, pintura cotidiana e histórica; óleo, gouache, témpera, carboncillo: es difícil encontrar géneros pictóricos y gráficos en los que Serov no trabajó y materiales que no utilizó.

Un tema especial en la obra de Serov es el campesinado. En su género campesino no hay un enfoque social itinerante, pero sí un sentimiento de belleza y armonía de la vida campesina, admiración por la sana belleza del pueblo ruso (“En el pueblo. Una mujer con un caballo”, pastel, 1898 , Galería Tretiakov). Especialmente exquisitos son los paisajes invernales con su gama de colores plateados perlados. Serov interpretó el tema histórico completamente a su manera:

Las “cacerías reales” con los paseos placenteros de Isabel y Catalina II fueron transmitidas por un artista de la era moderna, irónico, pero también invariablemente admirando la belleza de la vida cotidiana del siglo XVIII. Interés en Siglo XVIII Serov surgió bajo la influencia de "El mundo del arte" y en relación con el trabajo sobre la publicación de "La historia de la caza del gran duque, zarista e imperial en Rusia".

Es difícil creer de inmediato que el retrato de Verusha Mamontova y "La violación de Europa" fueron pintados por el mismo maestro, Serov es tan multifacético en su evolución desde la autenticidad impresionista de los retratos y paisajes de los años 80-90 hasta el modernismo en motivos historicos y composiciones de la mitología antigua.

El camino creativo de Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) fue más directo, aunque al mismo tiempo inusualmente difícil. Antes de ingresar a la Academia de las Artes (1880), Vrubel se graduó en la Facultad de Derecho de la Universidad de San Petersburgo. En 1884 viajó a Kiev para supervisar la restauración de los frescos de la iglesia de San Cirilo y él mismo creó varias composiciones monumentales. Realiza bocetos en acuarela de las pinturas de la Catedral de Vladimir. Los bocetos no fueron trasladados a las paredes porque el cliente estaba asustado por su falta de canonicidad y expresividad.

En los años 90, cuando el artista se instaló en Moscú, tomó forma el estilo de escritura de Vrubel, lleno de misterio y poder casi demoníaco, que no se puede confundir con ningún otro. Esculpe la forma como un mosaico, a partir de piezas afiladas y "facetadas". color diferente, como si brillara desde dentro (“Niña contra el fondo de una alfombra persa”, 1886, resonancia magnética; “Adivino”, 1895, Galería Tretyakov). Las combinaciones de colores no reflejan la realidad de las relaciones de color, pero tienen un significado simbólico. La naturaleza no tiene poder sobre Vrubel. Él lo sabe, lo domina a la perfección, pero crea su propio mundo de fantasía, que poco se parece a la realidad. En este sentido, Vrubel es la antítesis de los impresionistas (de quienes no es casualidad que se diga que son lo mismo que los naturalistas en la literatura), ya que de ninguna manera se esfuerza por capturar una impresión directa de la realidad. Él gravita hacia temas literarios, que interpreta de forma abstracta, intentando crear imágenes eternas de enorme poder espiritual. Así, habiendo retomado las ilustraciones de "El demonio", pronto se alejó del principio de la ilustración directa ("La danza de Tamara", "No llores niño, no llores en vano", "Tamara en el ataúd, " Etc.) y ya en el mismo 1890 creó su "Demonio sentado", una obra que esencialmente no tiene trama, pero la imagen es eterna, como las imágenes de Mefistófeles, Fausto, Don Juan. La imagen del Demonio es la imagen central de toda la obra de Vrubel, su tema principal. En 1899 escribió "El demonio volador", en 1902 - "El demonio derrotado". El demonio de Vrubel es, ante todo, una criatura que sufre. En él, el sufrimiento prevalece sobre el mal, y esta es una característica de la interpretación nacional-rusa de la imagen. Los contemporáneos, como bien se señaló, vieron en sus "Demonios" un símbolo del destino de un intelectual romántico, que intentaba rebeldemente escapar de una realidad desprovista de armonía al mundo irreal de los sueños, pero sumergido en la cruda realidad de lo terrenal. . Esta tragedia de la cosmovisión artística también determina las características del retrato de Vrubel: discordia mental, colapso en sus autorretratos, cautela, casi miedo, pero también fuerza majestuosa, monumentalidad en el retrato de S. Mamontov (1897, Galería Tretyakov), confusión, ansiedad. en imagen de cuento de hadas"La princesa cisne" (1900, Galería Tretyakov), incluso en sus paneles decorativos de diseño y propósito festivos "España" (1894, Galería Tretyakov) y "Venecia" (1893, Museo Estatal Ruso), realizados para la mansión de E.D. Dunker, no hay paz ni serenidad. El propio Vrubel formuló su tarea: "despertar el alma con imágenes majestuosas de las pequeñas cosas de la vida cotidiana".

Vrubel creó sus pinturas y obras gráficas más maduras a principios de siglo, en el género del paisaje, el retrato, ilustración de libro. En la organización y la interpretación decorativa y plana del lienzo o de la hoja, en la combinación de lo real y lo fantástico, en la apuesta por soluciones ornamentales y rítmicamente complejas en sus obras de este período, los rasgos del Art Nouveau se afirman cada vez más.

Al igual que K. Korovin, Vrubel trabajó mucho en el teatro. Sus mejores decorados se representaron en los escenarios de Moscú para las óperas de Rimsky-Korsakov "La doncella de las nieves", "Sadko", "El cuento del zar Saltan" y otras. ópera privada, es decir, a aquellas obras que le dieron la oportunidad de "comunicarse" con el folclore, los cuentos de hadas y las leyendas rusas.

El universalismo del talento, la imaginación ilimitada y la extraordinaria pasión en la afirmación de ideales nobles distinguen a Vrubel de muchos de sus contemporáneos.

El trabajo de Vrubel reflejó más claramente las contradicciones y los dolorosos cambios de la era de transición. El día del funeral de Vrubel, Benois dijo: “La vida de Vrubel, tal como pasará ahora a la historia, es una maravillosa y patética sinfonía, es decir, la forma más plena de existencia artística. Las generaciones futuras... recordarán las últimas décadas del siglo XIX como la “era de Vrubel”... Fue en ella donde nuestro tiempo se expresó de la manera más hermosa y más triste que fue capaz de expresar”.7

Con Vrubel entramos en un nuevo siglo, la era de la “Edad de Plata”, el último período de la cultura de la Rusia de San Petersburgo, que está fuera de contacto tanto con la “ideología del revolucionarismo” (P. Sapronov) como con “Con la autocracia y el Estado, que hace tiempo que dejaron de ser una fuerza cultural”. El auge del pensamiento filosófico y religioso ruso está asociado con el comienzo del siglo, nivel más alto poesía (basta nombrar a Blok, Bely, Annensky, Gumilev, Georgy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsvetaeva, Sologub); dramático y teatro musical, ballet; "descubrimiento" del ruso arte XVIII siglos (Rokotov, Levitsky, Borovikovsky), pintura de iconos rusos antiguos; la mejor profesionalidad de la pintura y la gráfica desde principios de siglo. Pero la “Edad de Plata” se mostró impotente ante los trágicos acontecimientos que se avecinaban en Rusia, que se encaminaba hacia una catástrofe revolucionaria y seguía habitando en la “torre de marfil” y en la poética del simbolismo.

Si la obra de Vrubel puede correlacionarse con la dirección general del simbolismo en el arte y la literatura, aunque, como cualquier gran artista, destruyó los límites de la dirección, entonces Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) es un exponente directo del simbolismo pictórico. y uno de los primeros retrospectivos del arte visual de la Rusia fronteriza. Los críticos de la época incluso lo llamaron un “soñador retrospectivista”. Habiendo muerto en vísperas de la primera revolución rusa, Borisov-Musatov resultó completamente sordo a los nuevos estados de ánimo que rápidamente estaban cobrando vida. Sus obras son una tristeza elegíaca por los viejos “nidos de la nobleza” vacíos y los moribundos “jardines de cerezos”, por mujeres hermosas, espiritualizadas, casi sobrenaturales, vestidas con una especie de trajes atemporales que no llevan signos externos de lugar y tiempo.

En un círculo bastante cerrado, aislado del amplio movimiento social." Una parte importante del campesinado, así como de la clase obrera, era analfabeta, aunque a finales del siglo XIX y principios del XX se produjeron cambios notables en la En el campo de la educación pública, según el censo de 1897, en Rusia había 21 personas alfabetizadas por cada 100 habitantes, de los cuales 29 eran hombres y sólo 10 eran mujeres.

La misma realidad. La primacía de las imágenes y formas artísticas que expresan indirectamente el contenido de la modernidad sobre las formas de su reflejo directo es el principal rasgo distintivo del arte de finales del siglo XIX y principios del XX. LA CULTURA DEL CAMBIO DE SIGLO Cronológicamente, este período se sitúa entre principios de los años 90 y 1917. Está precedida por los años 80 como década de transición...

ruso Cultura artística cuyos orígenes comenzaron con el clasicismo, que adquirió un poderoso sonido popular, a medida que el alto clasicismo, que se reflejaba en la pintura, pasó gradualmente del romanticismo al realismo en las bellas artes rusas. Los contemporáneos de esa época apreciaron especialmente la dirección de la pintura de los artistas rusos, en la que predominaba el género histórico con énfasis en temas nacionales.

Pero al mismo tiempo, no hubo cambios significativos en el arte de la pintura histórica en comparación con los maestros de la segunda mitad del siglo XVIII y desde el comienzo de la historia del retrato ruso. Los artistas rusos a menudo dedicaban sus obras a auténticos héroes. antigua Rusia, cuyas hazañas inspiraron la escritura de pinturas históricas. Los pintores rusos de principios del siglo XIX establecieron su propio principio de descripción de retratos y pinturas, desarrollando sus propias direcciones en la pintura, en la representación del hombre y la naturaleza, indicando un concepto figurativo completamente independiente.

Los artistas rusos en sus pinturas reflejaron varios ideales de elevación nacional, abandonando gradualmente los estrictos principios del clasicismo impuestos por las fundaciones académicas. El siglo XIX estuvo marcado por el gran florecimiento de la pintura rusa, en la que los artistas rusos dejaron para la posteridad una huella indeleble en la historia de las bellas artes rusas, imbuidas del espíritu de una reflexión integral de la vida del pueblo.

Los investigadores más importantes de la pintura rusa en general destacan el papel destacado en el gran florecimiento de la creatividad de los grandes artistas y bellas artes rusos del siglo XIX. Los logros y conquistas de la pintura del siglo XIX, en los que se manifestaron los artistas nacionales, son de gran importancia y valor único en las bellas artes. Las pinturas creadas por artistas rusos siempre han enriquecido la cultura rusa.

Artistas famosos del siglo XIX.

(1782-1836) Los retratos magnífica y sutilmente pintados del artista Kiprensky le dieron fama y verdadero reconocimiento entre sus contemporáneos. Sus obras Autorretrato, A. R. Tomilova, I. V. Kusov, A. I. Korsakov 1808 Retrato de un niño Chelishchev, Golitsin A. M. 1809 Retrato de Denis Davydov, 1819 Niña con una corona de amapola, el retrato más exitoso de 1827 de A. S. Pushkin y otros.

Sus retratos reflejan la belleza de la emoción, el refinado mundo interior Imágenes y estados de ánimo. Los contemporáneos compararon sus obras con los géneros de la poesía lírica, la dedicación poética a los amigos, que era muy común en la época de Pushkin.

Kiprensky descubrió en muchos sentidos nuevas posibilidades en la pintura. Cada uno de sus retratos se distingue por una nueva estructura pictórica, luces y sombras bien elegidas y contrastes variados. Orest Kiprensky es un destacado maestro del retrato, que ha adquirido especial fama entre los artistas rusos.

(1791-1830) Maestro del romanticismo paisajístico ruso y de la interpretación lírica de la naturaleza. En más de cuarenta de sus pinturas, Shchedrin representó vistas de Sorento. Entre ellos destacan las pinturas del Barrio de Sorrento. Tarde, Nueva Roma "Castillo del Santo Ángel", Paseo Mergellina en Nápoles, Gran Puerto en la isla de Capri, etc.

Entregarse completamente al romanticismo del paisaje y entorno natural Shchedrin parece compensar con sus pinturas el perdido interés de los artistas de la época por el paisaje.

Shchedrin experimentó los albores de su creatividad y reconocimiento. Tras graduarse en la Academia de las Artes de San Petersburgo, en 1818 llegó a Italia y vivió durante más de 10 años, en Roma, Nápoles, Amalfi y Sorento, donde pasó sus últimos meses de vida. Habiendo vivido una vida corta pero creativa, Shchedrin nunca pudo regresar a Rusia.

(1776-1857) Un notable artista ruso, originario de siervos. Sus obras famosas son pinturas: La encajera, también Retrato de Pushkin A.S., el grabador E.O. Skotnikova, anciano - mendigo, que se distingue por un retrato de color claro del hijo del artista. 1826 pinturas del Hilandero, el Orfebre, estas obras atrajeron especialmente la atención de los contemporáneos. 1846

Tropinin desarrolló su propio estilo de retrato figurativo independiente, que caracteriza un género pictórico específico de Moscú. En ese momento, Tropinin se convirtió en la figura central del beau monde de Moscú; su trabajo se reflejó especialmente en los años 20 y 30, lo que le dio fama.

Sus retratos pintados suavemente se distinguen por su alto valor pictórico y su facilidad de percepción. Las imágenes humanas se perciben con su característica veracidad y tranquilidad sin mucha excitación interior.

(1780-1847) El fundador del género campesino cotidiano en la pintura rusa, Su retrato famoso Segador, pintura > Segadores, Chica con pañuelo en la cabeza, Primavera en la tierra cultivable, Campesina con acianos, Zakharka y otros. Se puede poner especial énfasis en la pintura Gumno, que atrajo la atención del emperador Alejandro 1; quedó conmovido por las vívidas imágenes de los campesinos, sinceramente transmitidas por el artista.

El artista amaba a la gente común, encontrando en esto cierto lirismo, esto se reflejó en sus pinturas mostrando la difícil vida campesina. sus mejores obras fueron creadas en los años 20. Venetsianov es un maestro de los retratos y caricaturas al pastel, lápiz y óleo.

El estilo de su obra es el de un alumno de Borovikovsky. Sus pinturas contienen las escenas más comunes y sencillas de la vida del pueblo: campesinos en el trabajo cotidiano y difícil, simples siervas en la cosecha u hombres cosechando heno o arando. Especialmente grande es la importancia del trabajo de Venetsianov en las artes visuales, uno de los primeros en establecer el género cotidiano popular y campesino.

(1799-1852) Maestro de la pintura histórica, su cuadro El último día de Pompeya en plena agitación, los habitantes condenados huyen de la furia del volcán Vesubio. La imagen causó una impresión sorprendente en sus contemporáneos. Pinta con maestría cuadros seculares, La Amazona y retratos utilizando momentos coloristas brillantes en la composición del cuadro, la condesa Yu P. Samoilova.

Sus pinturas y retratos se componen de contrastes de luces y sombras. . Influenciado por el clasicismo académico tradicional, Karl Bryullov dotó a sus pinturas de autenticidad histórica, espíritu romántico y verdad psicológica.

Bryullov fue un magnífico maestro de los retratos ceremoniales en los que destacó claramente rasgos característicos hombre, En otros retratos utiliza un color más sobrio, un retrato del destacado escultor ruso I.P Vitali, el poeta N.V. Kukolnik, el escritor A.N. En retratos ceremoniales superó a muchos artistas de su época.

(1806-1858) Magnífico maestro genero historico. Durante aproximadamente dos décadas, Ivanov trabajó en su cuadro principal, La aparición de Cristo al pueblo, enfatizando su apasionado deseo de representar la venida de Jesucristo a la tierra. En etapa inicial se trata de las pinturas Apolo, Jacinto y Ciprés 1831-1833, la Aparición de Cristo a María Magdalena después de la resurrección en 1835.

Para mi corta vida Ivanov creó muchos pinturas, para cada cuadro escribe numerosos bocetos de paisajes y retratos. Regresó a su tierra natal en 1858, donde murió a causa de una enfermedad.

Ivanov es un hombre de extraordinaria inteligencia, siempre buscó mostrar en sus obras los elementos de los movimientos populares en la historia rusa y creía profundamente en el gran futuro de la Madre Rusia. Adelantado a su tiempo en la búsqueda de la pintura realista rusa, la obra del gran artista dejó una huella imborrable de su habilidad para la posteridad.

(1815-1852) Maestro de la dirección satírica en la pintura, que sentó las bases del realismo crítico en el género cotidiano. The Fresh Cavalier 1847 y The Discriminating Bride 1847,