El auge del impresionismo. Características generales de la creatividad.

Academia Interregional de Gestión de Personal

Instituto Severodonetsk

Departamento de Educación General y Humanidades

El trabajo de control en los estudios culturales

El impresionismo como dirección en el arte.

Terminado:

estudiante de grupo

ІН23-9-06 BUB (4. Od)

sergey sheshenko

Comprobado:

Candidato a Leyes, Asoc.

Smolina O. O.

Severodonetsk 2007

Introducción

4. Postimpresionismo

Conclusión

Bibliografía

Aplicaciones

Introducción

Un fenómeno importante de la cultura europea en la segunda mitad del siglo XIX. fue el estilo artístico del impresionismo, que se generalizó no solo en la pintura, sino también en la música y la ficción. Y sin embargo surgió en la pintura. Impresionismo (impresionismo francés, de impresión - impresión), una tendencia en el arte del último tercio del siglo XIX - principios del XX. Tomó forma en la pintura francesa a finales de la década de 1860 y principios de la de 1870. (el nombre surge de la exposición de 1874, en la que se exhibía el cuadro de C. Monet "Impresión. El sol naciente").

Los signos del estilo impresionista son la ausencia de una forma claramente definida y el deseo de transmitir el tema fragmentariamente, fijando instantáneamente cada trazo de impresión, que, sin embargo, reveló su unidad y conexión ocultas al revisar el todo. Como estilo especial, el impresionismo, con su principio del valor de la "primera impresión", hizo posible contar la historia a través de detalles, por así decirlo, tomados al azar que aparentemente violaron la estricta coherencia del plan narrativo y la principio de seleccionar lo esencial, pero con su "verdad lateral" dotaban al relato de una extraordinaria luminosidad y frescura.

En las artes temporales, la acción se desarrolla en el tiempo. La pintura, por así decirlo, es capaz de capturar un solo momento en el tiempo. A diferencia del cine, ella siempre tiene un "cuadro". ¿Cómo transmitir movimiento en él? Uno de estos intentos de captar el mundo real en su movilidad y variabilidad fue el intento de los creadores de la dirección en pintura, llamado impresionismo (del francés impresión). Esta dirección reunió a varios artistas, cada uno de los cuales se puede caracterizar de la siguiente manera. Un impresionista es un artista que transmite su impresión directa de la naturaleza, ve en ella la belleza de la variabilidad y la impermanencia, recrea la sensación visual de la luz del sol brillante, el juego de sombras de colores, utilizando una paleta de colores puros sin mezclar, de los cuales el negro y el gris están desterrados. La luz del sol fluye, los vapores se elevan de la tierra húmeda. El agua, la nieve que se derrite, la tierra arada, la hierba que se balancea en los prados no tienen contornos claros y congelados. El movimiento, que anteriormente se introdujo en el paisaje como una imagen de figuras en movimiento, como resultado de la acción de las fuerzas naturales: el viento, las nubes que conducen, los árboles que se balancean, ahora es reemplazado por la paz. Pero esta paz de la materia inanimada es una de las formas de su movimiento, que transmite la textura misma de la pintura: trazos dinámicos de diferentes colores, no limitados por las líneas rígidas del dibujo.

1. El nacimiento del impresionismo y sus fundadores

La formación del impresionismo comenzó con la pintura de E. Manet (1832-1893) "Desayuno sobre la hierba" (1863). El nuevo estilo de pintura no fue aceptado de inmediato por el público, que acusó a los artistas de no saber dibujar, tirando la pintura raspada de la paleta sobre el lienzo. Entonces, las catedrales rosadas de Rouen de Monet parecían inverosímiles tanto para la audiencia como para los compañeros artistas: lo mejor de la serie pictórica del artista ("Mañana", "Con los primeros rayos del sol", "Mediodía"). El artista no buscó presentar la catedral sobre lienzo en diferentes momentos del día: compitió con los maestros góticos para absorber al espectador con la contemplación de efectos mágicos de luz y color. La fachada de la Catedral de Rouen, como la mayoría de las catedrales góticas, esconde el espectáculo místico de las vidrieras de colores brillantes del interior que cobran vida con la luz del sol. La iluminación dentro de las catedrales varía según la dirección desde la que brille el sol, si está nublado o despejado. Una de las pinturas de Monet debe su apariencia a la palabra "impresionismo". Este lienzo fue de hecho una expresión extrema de la innovación del método pictórico emergente y se llamó "Amanecer en Le Havre". El compilador del catálogo de pinturas de una de las exposiciones sugirió que el artista lo llamara de otra manera, y Monet, habiendo tachado "en Le Havre", puso "impresión". Y unos años después de la aparición de sus obras, escribieron que Monet "revela una vida que nadie antes que él pudo captar, de la que nadie ni siquiera sabía". En las pinturas de Monet se empezó a notar el espíritu inquietante del nacimiento de una nueva era. Así, en su obra apareció el "serial" como un nuevo fenómeno de la pintura. Y llamó la atención sobre el problema del tiempo. La pintura del artista, como se señaló, arrebata un "cuadro" de la vida, con toda su incompletud e incompletitud. Y esto dio impulso al desarrollo de la serie como tomas sucesivas. Además de las "Catedrales de Rouen", Monet crea una serie de "Estación Saint-Lazare", en las que las pinturas están interconectadas y se complementan entre sí. Sin embargo, era imposible combinar los "cuadros" de la vida en una sola cinta de impresiones en pintura. Esto se ha convertido en la tarea del cine. Los historiadores del cine creen que la razón de su surgimiento y amplia difusión no fueron solo descubrimientos técnicos, sino también una necesidad artística urgente de una imagen en movimiento, y las pinturas de los impresionistas, en particular Monet, se convirtieron en un síntoma de esta necesidad. Se sabe que una de las tramas de la primera sesión cinematográfica de la historia, organizada por los hermanos Lumiere en 1895, fue "La llegada del tren". Locomotoras de vapor, estación, rieles fueron el tema de una serie de siete pinturas "Gare Saint-Lazare" de Monet, exhibidas en 1877.

Pierre Auguste Renoir (1841-1919), junto con C. Monet y A. Sisley, crearon el núcleo del movimiento impresionista. Durante este período, Renoir trabajó para desarrollar un estilo artístico vivo y colorido con una pincelada suave (conocido como el estilo iridiscente de Renoir); crea muchos desnudos sensuales ("Bañistas"). En los años 80, gravitó cada vez más hacia la claridad clásica de las imágenes en su obra. Sobre todo, a Renoir le gustaba escribir imágenes infantiles y juveniles y escenas pacíficas de la vida parisina ("Flores", "Joven paseando con perros en el bosque de Fontainebleau", "Jarrón de flores", "Bañarse en el Sena", " Lisa con paraguas", "Dama en un bote", "Jinetes en el Bois de Boulogne", "Baile en Le Moulin de la Galette", "Retrato de Jeanne Samary" y muchos otros). Su obra se caracteriza por paisajes ligeros y transparentes, retratos, exaltando la belleza sensual y la alegría de ser. Pero Renoir posee el siguiente pensamiento: “Hace cuarenta años que voy al descubrimiento de que la reina de todos los colores es la pintura negra”. El nombre de Renoir es sinónimo de belleza y juventud, esa época de la vida humana en la que la frescura espiritual y el florecimiento de la fuerza física están en perfecta armonía.

2. El impresionismo en la obra de C. Pissarro, C. Monet, E. Degas, A. Toulouse-Lautrec

Camille Pissarro (1830-1903): representante del impresionismo, autor de paisajes claros y de colores limpios ("Tierra arada"). Sus pinturas se caracterizan por una gama suave y sobria. En el período tardío de la creatividad, recurrió a la imagen de la ciudad: Rouen, París (Montmartre Boulevard, pasaje de la Ópera en París). En la segunda mitad de los años 80. Fue influenciado por el neoimpresionismo. También trabajó como programador.

Claude Monet (1840-1926) - el principal representante del impresionismo, autor de paisajes de color tenue, llenos de luz y aire. En la serie de lienzos "Pajares", "Catedral de Rouen" buscó capturar los estados fugaces e instantáneos del ambiente de luz y aire en diferentes momentos del día. Del nombre de la impresión del paisaje de Monet. Pasó el sol naciente y el nombre de la dirección es impresionismo. En un período posterior, aparecen rasgos de decoracismo en la obra de C. Monet.

El estilo creativo de Edgar Degas (1834-1917) se caracteriza por una observación impecablemente precisa, el dibujo más estricto, el colorido brillante y exquisitamente hermoso. Se hizo famoso por su composición angular libremente asimétrica, conocimiento de expresiones faciales, posturas y gestos de personas de diferentes profesiones, características psicológicas precisas: "Blue Dancers", "Star", "Toilet", "Ironers", "Dancers' Rest" . Degas es un excelente maestro del retrato. Bajo la influencia de E. Manet, cambió al género cotidiano, representando la multitud callejera parisina, los restaurantes, las carreras de caballos, las bailarinas de ballet, las lavanderas y la rudeza de la burguesía engreída. Si las obras de Manet son brillantes y alegres, en Degas están teñidas de tristeza y pesimismo.

Estrechamente relacionado con el impresionismo está el trabajo de Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901). Trabajó en París, donde pintó bailarinas de cabaret, cantantes y prostitutas con su estilo particular, caracterizado por colores brillantes, composición atrevida y técnica brillante. Sus carteles litográficos gozaron de gran éxito.

3. El impresionismo en la escultura y la música

Un contemporáneo y colega de los impresionistas fue el gran escultor francés Auguste Rodin (1840-1917). Su arte dramático, apasionado, heroicamente sublime, exalta la belleza y la nobleza de una persona, está impregnado de un impulso emocional (el grupo Kiss, The Thinker, etc.), se caracteriza por el coraje de las búsquedas realistas, la vitalidad de las imágenes. , y enérgico modelado pictórico. La escultura tiene una forma fluida, adquiere una especie de carácter inacabado, lo que hace que su obra se relacione con el impresionismo y al mismo tiempo permite crear la impresión del doloroso nacimiento de las formas a partir de la materia amorfa espontánea. El escultor combinó estas cualidades con el dramatismo de la idea, el deseo de reflexión filosófica ("La Edad del Bronce", "Ciudadanos de Calais"). El artista Claude Monet lo llamó el más grande de los grandes. Rodin posee las palabras: "La escultura es el arte de los huecos y las protuberancias".

IMPRESIONISMO(fr. impressionnisme, de impresión - impresión) - una tendencia en el arte de finales de la década de 1860 - principios de la de 1880, cuyo objetivo principal era transmitir impresiones fugaces y cambiantes. El impresionismo se basó en los últimos descubrimientos en óptica y teoría del color; en esto está en sintonía con el espíritu de análisis científico característico de finales del siglo XIX. El impresionismo se manifestó más claramente en la pintura, donde se prestó especial atención a la transferencia de color y luz.

El impresionismo apareció en Francia a fines de la década de 1860. Sus principales representantes son Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley y Jean Frederic Bazille. Edouard Manet y Edgar Degas exhibieron sus pinturas con ellos, aunque el estilo de sus obras no puede llamarse impresionista. La palabra "impresionismo" proviene del nombre de la pintura de Monet. Impresión. Sol naciente(1872, París, Museo Marmottan), presentado en la exposición de 1874. El nombre implicaba que el artista transmite solo su fugaz impresión del paisaje. Ahora el término "impresionismo" se entiende más que la visión subjetiva del artista: como un estudio cuidadoso de la naturaleza, principalmente en términos de color e iluminación. Tal concepto es esencialmente lo contrario de la comprensión tradicional, que se remonta al Renacimiento, de la tarea principal de la pintura como la transferencia de la forma de los objetos. El objetivo de los impresionistas era representar situaciones y movimientos instantáneos, por así decirlo, "aleatorios". Esto fue facilitado por la asimetría, la fragmentación de las composiciones, el uso de ángulos complejos y cortes de figuras. La imagen se convierte en un marco separado, un fragmento del mundo en movimiento.

Los paisajes y escenas de la vida urbana -quizás los géneros más característicos de la pintura impresionista- se pintaban "en plein air", es decir, directamente del natural, y no sobre la base de bocetos y bocetos preparatorios. Los impresionistas observaron atentamente la naturaleza, notando colores y sombras que normalmente son invisibles, como el azul en las sombras. Su método artístico consistía en descomponer los tonos complejos en sus colores puros constituyentes del espectro. Se obtuvieron sombras coloreadas y pintura temblorosa de luz pura. Los impresionistas aplicaron pintura en trazos separados, a veces usando tonos contrastantes en un área de la imagen, el tamaño de los trazos variaba. A veces, por ejemplo, para representar un cielo despejado, se suavizaron con un pincel en una superficie más uniforme (pero incluso en este caso, se enfatizó un estilo de pintura libre y descuidado). La característica principal de las pinturas impresionistas es el efecto de un vivo parpadeo de colores.

Camille Pissarro, Alfred Sisley y Claude Monet en su obra prefirieron paisajes y escenas urbanas. Auguste Renoir pintó personas en el seno de la naturaleza o en el interior. Su obra ilustra a la perfección la tendencia característica del impresionismo a desdibujar las líneas entre géneros. Fotos como Baile en el Moulin de la Galette(París, Museo D "Orsay) o Desayuno de remeros(1881, Washington, Phillips Gallery), son coloridos recuerdos de las alegrías de la vida, urbana o rural.

Búsquedas similares para la transmisión del entorno luz-aire, la descomposición de tonos complejos en colores puros del espectro solar tuvo lugar no solo en Francia. Los impresionistas incluyen a James Whistler (Inglaterra y EE. UU.), Max Lieberman, Lovis Corinth (Alemania), Joaquín Sorolla (España), K.A. Korovin, IE Grabar (Rusia).

El impresionismo en la escultura implica un modelado vivo y libre de formas suaves y fluidas que crea un complejo juego de luces en la superficie del material y una sensación de incompletitud. En las poses se capta con precisión el momento del movimiento, el desarrollo; las figuras parecen haber sido tomadas con una cámara oculta, como, por ejemplo, en algunas obras de E. Degas y O. Rodin (Francia), Medardo Rosso (Italia), P.P. Trubetskoy (Rusia).

A principios del siglo XX en la pintura se perfilaron nuevas tendencias, expresadas en el rechazo al realismo y la apelación a la abstracción; hicieron que los artistas más jóvenes se alejaran del impresionismo. Sin embargo, el impresionismo dejó un rico legado: principalmente un interés por las cuestiones cromáticas, así como un ejemplo de ruptura audaz con la tradición.

Impresionismo(impresionismo francés, de impresión - impresión) - una tendencia en el arte del último tercio del siglo XIX - principios del siglo XX, que se originó en Francia y luego se extendió por todo el mundo, cuyos representantes buscaron capturar más naturalmente el mundo real en su movilidad y variabilidad, para transmitir sus fugaces impresiones.

1. Liberación de las tradiciones del realismo (sin pinturas mitológicas, bíblicas e históricas, solo vida moderna).

2. Observación y estudio de la realidad circundante. No lo que ve, sino cómo ve desde la posición de la "esencia visual de las cosas" percibida.

3. Vida cotidiana de una ciudad moderna. Psicología del habitante de la ciudad. La dinámica de la vida. El ritmo, el ritmo de la vida.

4. "Efecto de un momento estirado"

5. Busque nuevos formularios. Pequeños tamaños de obras (estudios, enmarcaciones). No es típico, sino aleatorio.

6. Serialización de pinturas (los "Hacks" de Monet)

7. La novedad del sistema de pintura. Color puro abierto. Alivio, la más rica colección de reflejos, estremecimiento.

8. Mezcla de géneros.

Eduardo Manet - innovador. De los tonos densos sordos a la pintura ligera. Fragmentación de composiciones.

"Olimpia" - se basa en tiziano, giorgione, goya. Posado por Victoria Muran. Venus se representa como una cocotte moderna. A los pies de un gato negro. Una mujer negra presenta un ramo. El fondo es un tono oscuro y cálido del cuerpo de la mujer como una perla sobre sábanas azules. El volumen está roto. No hay modelado en blanco y negro.

"Desayuno en la hierba"- modelo y dos artistas + paisaje + naturaleza muerta. Las levitas negras contrastan con el cuerpo desnudo.

"Flautista"- la impresión de la música.

"Bar Folies-Bergère" - la chica es camarera. La emoción de un momento mirado. La soledad de una ciudad bulliciosa. La ilusión de la felicidad. Lo puse en todo el lienzo (inaccesible en mis pensamientos, pero accesible para los clientes del bar). Una sala llena de visitantes es una imagen del mundo.

Claude Monet - abandonó la secuencia tradicional (capa base, veladura, etc.) - ala prima

"Impresión. Sol naciente" - Fieria amarillo, naranja, verde. El barco es un acento visual. Paisaje escurridizo, inacabado, sin contornos. Variabilidad del ambiente de aire ligero. Los rayos de luz cambian la visión.

"Desayuno en la hierba" - borde del bosque, experiencia de picnic , gamma verde oscuro intercalado con marrón y negro. Las hojas están mojadas. La ropa de la mujer y el mantel se iluminan, se llenan de aire, de luz a través del follaje.

Boulevard des Capucines en París fragmentario. Interrumpe a dos personas que miran al bulevar desde el balcón. La multitud de gente es la vida de la ciudad. Mitad a la luz del sol poniente y mitad a la sombra del edificio. Sin centro visual, impresión instantánea.

"Rocas en Belle-Ile"- domina la masa de agua en movimiento (trazos gruesos). Tonos iridiscentes aplicados vigorosamente. Las rocas se reflejan en el agua, y el agua se refleja en las rocas. Sintiendo el poder de los elementos, hirviendo agua verde-azul. Composición de horizonte alto.

"Gare Saint-Lazare" - se muestra el interior de la estación, pero la locomotora de vapor y el vapor que está por todas partes son más interesantes (fascinación por la niebla, neblina lila).

Pedro Auguste Renoir- un artista de la alegría, conocido principalmente como un maestro de un retrato secular, no exento de sentimentalismo.

"Ritmo"- Imbuido de colores cálidos, se muestra la juventud, la niña queda impresionada.

"Baile en el Moulin de la Gallette" - escena de genero Día. Jóvenes, estudiantes, dependientes de comercio, etc. En las mesas bajo las acacias, una pista de baile. Desbordamientos de luz (conejitos solares en la espalda).

"Retrato de Jeanne Samary" - mujeres flor. Actriz encantadora, femenina, graciosa, conmovedora y directa. Ojos profundos, una leve sonrisa soleada.

"Retrato de Madame Charpentier con niños"- una mujer secular elegante con un vestido negro con un tren y dos niñas en azul. Tapiz de mesa, perro, parquet: todo habla de la riqueza de la familia.

Edgar Degas- no escribía al aire libre, el culto a la línea y al dibujo. Composiciones en diagonal (de abajo hacia arriba)); En forma de S, formas en espiral + una ventana desde la que se ilumina + iluminación de focos. Aceite, luego cama.

"Chicas de ballet", "Bailarines"- invade la vida de las bailarinas. Los trazos conectan el dibujo y la pintura. Ritmo constante de entrenamiento.

"Bailarines azules"- ninguna individualidad - una sola corona de cuerpos. En un rincón aún se ve la luz de las rampas, y en el otro la sombra de las alas. El momento sigue siendo actrices y gente común. Siluetas expresivas, vestidos azul aciano. Fragmentación: los personajes no miran al espectador.

"ausente" - hombre y mujer están sentados en un café. Ceniza gama. Un hombre con una pipa mira en una dirección, y una mujer borracha con una mirada distante: soledad dolorosa.

Camille Pissarro - aficionado a los paisajes, incluidas las personas, los carros en ellos. El motivo del camino con el caminar. Me encantaba la primavera y el otoño.

"Entrada al pueblo de Voisin» - un paisaje tenue y suave, árboles a lo largo del camino - enmarcan la entrada, sus ramas se mezclan, disolviéndose en el cielo. Lentamente, con calma, el caballo camina. Las casas no son solo objetos arquitectónicos, sino viviendas para las personas (nidos cálidos).

"Pasaje de la ópera en París"(serie) - un día nublado gris. Los techos están ligeramente cubiertos de nieve, el pavimento está mojado, los edificios se sumergen en un velo de nieve, los transeúntes con paraguas se convierten en sombras. El color del aire húmedo envuelve. Tonos lila-azul, oliva. Pequeños trazos.

alfredo sisley- buscó notar la belleza de la naturaleza, la tranquilidad épica inherente al paisaje rural.

"Helada en Louveciennes" - mañana, estado fresco, los objetos están bañados en luz (fusión). Sin sombras (matices finos), colores amarillo-naranja. Rincón tranquilo, ciudad sin prisas. El sentimiento de pureza, fragilidad, amor por este lugar.

Impresionismo en Rusia. se desarrolla más tarde y a un ritmo acelerado que en Francia

V. A. Serov - indiferente al dibujo académico quiere mostrar la belleza de la naturaleza en color.

"Niña con melocotones"- un retrato de Verochka Mamontova. Todo es natural y sin restricciones, cada detalle está conectado entre sí. El encanto del rostro de una niña, la poesía de una imagen viva, una pintura colorida saturada de luz. El encanto y la frescura del estudio, combinaban orgánicamente dos tendencias, dos fuerzas que formaban una sola forma de visión pictórica. ¡Todo parece tan simple y natural, pero hay tanta profundidad y totalidad en esta simplicidad! Con la máxima expresividad, V. Serov transmitió la luz que se derramaba en un chorro plateado desde la ventana y llenaba la habitación. La niña está sentada a la mesa y no está ocupada con nada, como si realmente se hubiera sentado por un momento, automáticamente tomó un melocotón y lo sostuvo, mirándolo con sencillez y franqueza. Pero esta paz es solo momentánea, y la pasión por el movimiento juguetón se asoma a través de ella.

"Niños"- muestra el mundo espiritual de los niños (hijos). El mayor mira la puesta de sol y el menor mira al espectador. Una visión diferente de la vida.

"Mika Morozov"- se sienta en una silla, pero rueda hacia abajo sobre el espectador. Se transmite entusiasmo infantil.

"Corista"- estudio. Pinta con jugosos trazos de pincel, trazos amplios en el follaje, trazos verticales u horizontales y diferentes en textura ⇒ dinamismo, aire y luz. La combinación de naturaleza y chicas, frescura, inmediatez.

"París. Bulevar des Capucines" - colorido caleidoscopio de colores. Iluminación artificial - entretenimiento, teatralidad decorativa.

IE Grabar - comienzo volitivo, emocional.

« febrero azul»- Vi un abedul desde el nivel del suelo y me sorprendió. Las campanadas del arco iris están unidas por el azul del cielo. El abedul es monumental (en todo el lienzo).

"Nieve de marzo"- la niña lleva cubos en el yugo, la sombra del árbol en la nieve derretida.

El impresionismo abrió un nuevo arte: es importante cómo ve el artista, nuevas formas y formas de presentar. Ellos tienen un momento, nosotros tenemos un tramo en el tiempo; tenemos menos dinámica, más romanticismo.

Mane Desayuno en la hierba Mane Olympia

Manet "Bar Folies-Bergère" Manet Flautista"

monet "Impresión. Sol naciente Monet "Desayuno sobre la hierba" - "Boulevard des Capucines en París"

Monet "Rocas en Belle-Ile"» monet Gare Saint-Lazare

Monet Boulevard des Capucines en ParísRenoir"Ritmo"

Renoir "Baile en el Moulin de la Gallette" Renoir "Retrato de Jeanne Samary"

Renoir "Retrato de Madame Charpentier con niños"

desgasificar "Bailarines azules" desgasificar "ausente"

Pisarro -"Pasaje de la ópera en París"(serie) Pisarro "Entrada al pueblo de Voisin»

Sisley "Escarcha en Louveciennes" Serov "Niña con melocotones"

Serov "Niños" Serov "Mika Morozov"

Korovin "Corista" Korovin "París. Bulevar de los Capuchinos»

Grabar "Febrero azul" Grabar "Marzo de nieve"

fr. impresión - impresión) - una dirección en el arte del último tercio del siglo XIX - temprano. del siglo XX, cuyos representantes comenzaron a pintar paisajes y escenas de género directamente del natural, tratando de transmitir el resplandor del sol, el soplo del viento, el susurro de la hierba, el movimiento de la multitud de la ciudad con colores muy limpios e intensos. Los impresionistas se esforzaron por capturar el mundo real en su movilidad y variabilidad de la manera más natural e imparcial, para transmitir sus fugaces impresiones.

Gran definición

Definición incompleta ↓

IMPRESIONISMO

Francés impresionismo, de impresión - impresión), dirección en el arte de la estafa. 1860 - principios. 1880 Más claramente manifestado en la pintura. Principales representantes: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte y J. F. Basil. Junto a ellos, E. Manet y E. Degas exhibieron sus pinturas, aunque el estilo de sus obras no puede llamarse completamente impresionista. El nombre de "impresionistas" se asignó a un grupo de jóvenes artistas tras su primera exposición conjunta en París (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley, etc.), lo que provocó una furiosa indignación de público y crítica. Una de las pinturas presentadas por C. Monet (1872) se llamó “Impresión. Sunrise "(" L'impression. Soleil levant "), y el crítico llamó burlonamente a los artistas "impresionistas" - "impresionistas". Los pintores actuaron bajo este nombre en la tercera exposición conjunta (1877). Al mismo tiempo, comenzaron a publicar la revista Impresionista, cada número de la cual estaba dedicado a la obra de uno de los miembros del grupo.

Los impresionistas buscaban capturar el mundo que los rodeaba en su constante variabilidad, fluidez y expresar sus impresiones inmediatas sin prejuicios. El impresionismo se basó en los últimos descubrimientos de la óptica y la teoría del color (descomposición espectral del rayo solar en los siete colores del arco iris); en esto está en consonancia con el espíritu de análisis científico, característico de la estafa. Siglo 19 Sin embargo, los impresionistas mismos no intentaron determinar los fundamentos teóricos de su arte, insistiendo en la espontaneidad, la intuición del trabajo del artista. Los principios artísticos de los impresionistas no eran uniformes. Monet pintó paisajes solo en contacto directo con la naturaleza, al aire libre (en plein air) e incluso construyó un taller en un barco. Degas trabajaba en el taller a partir de recuerdos o utilizando fotografías. A diferencia de representantes de movimientos radicales posteriores, los artistas no fueron más allá del sistema ilusorio-espacial renacentista basado en el uso de la perspectiva directa. Se adhirieron firmemente al método de trabajar a partir de la naturaleza, que elevaron al principio fundamental de la creatividad. Los artistas se esforzaron por "pintar lo que ves" y "como ves". La aplicación consecuente de este método supuso la transformación de todos los fundamentos del sistema pictórico existente: color, composición, construcción espacial. Se aplicaron colores puros al lienzo en pequeños trazos separados: "puntos" multicolores yacían uno al lado del otro, mezclándose en un espectáculo colorido no en la paleta ni en el lienzo, sino en el ojo del espectador. Los impresionistas lograron una sonoridad de color sin precedentes, una riqueza de matices sin precedentes. La pincelada se convirtió en un medio de expresión independiente, llenando la superficie de la imagen con una vibración brillante y viva de partículas de color. El lienzo se comparó con un mosaico que brillaba con colores preciosos. En la pintura anterior predominaban los tonos negros, grises y marrones; en los lienzos de los impresionistas, los colores brillaban intensamente. Los impresionistas no utilizaron el claroscuro para transmitir volúmenes, abandonaron las sombras oscuras, las sombras en sus pinturas también se colorearon. Los artistas utilizaron ampliamente tonos adicionales (rojo y verde, amarillo y morado), cuyo contraste aumentó la intensidad del color. En las pinturas de Monet, los colores se iluminaron y se disolvieron en el resplandor de los rayos del sol, los colores locales adquirieron muchos matices.

Los impresionistas representaron el mundo circundante en movimiento perpetuo, la transición de un estado a otro. Comenzaron a pintar una serie de cuadros, queriendo mostrar cómo un mismo motivo cambia según la hora del día, la iluminación, las condiciones climáticas, etc. (ciclos Boulevard Montmartre de C. Pissarro, 1897; Catedral de Rouen, 1893–95, y "Parlamento de Londres", 1903-04, C. Monet). Los artistas han encontrado formas de reflejar en las pinturas el movimiento de las nubes (A. Sisley. "Louan in Saint-Mamme", 1882), el juego de resplandor de la luz del sol (O. Renoir. "Columpio", 1876), ráfagas de viento (C. Monet. “Terraza en Sainte-Adresse”, 1866), chorros de lluvia (G. Caillebotte. “Jer. Efecto de la lluvia”, 1875), nieve que cae (C. Pissarro. “Pasaje de la ópera. Efecto nieve”, 1898), rápida carrera de caballos (E. Manet "Carreras en Longchamp", 1865).

Los impresionistas desarrollaron nuevos principios para construir la composición. Anteriormente, el espacio de la imagen se asemejaba a un escenario, ahora las escenas capturadas se asemejaban a una instantánea, un marco de fotos. Inventado en el siglo XIX. la fotografía tuvo un impacto significativo en la composición de la pintura impresionista, especialmente en la obra de E. Degas, quien era un fotógrafo apasionado y, en sus propias palabras, buscaba tomar por sorpresa a las bailarinas representadas, verlas “como si por el ojo de una cerradura”, cuando sus poses, líneas corporales naturales, expresivas y auténticas. Al crear pinturas al aire libre, el deseo de capturar la iluminación que cambia rápidamente obligó a los artistas a acelerar el trabajo, escribir "alla prima" (en un solo paso), sin bocetos preliminares. La fragmentación, la "aleatoriedad" de la composición y la forma pictórica dinámica crearon una sensación de frescura especial en las pinturas de los impresionistas.

El género impresionista favorito fue el paisaje; el retrato era también una especie de “paisaje del rostro” (O. Renoir, “Retrato de la actriz J. Samary”, 1877). Además, los artistas ampliaron significativamente la gama de temas pictóricos, recurriendo a temas que antes se consideraban indignos de atención: fiestas populares, carreras de caballos, picnics de bohemia artística, la vida tras bambalinas de los teatros, etc. Sin embargo, sus pinturas no tienen una trama detallada, una narrativa detallada; la vida humana se disuelve en la naturaleza o en la atmósfera de la ciudad. Los impresionistas no escribieron hechos, sino estados de ánimo, matices de sentimientos. Los artistas rechazaron fundamentalmente los temas históricos y literarios, evitaron representar los lados dramáticos y oscuros de la vida (guerras, desastres, etc.). Buscaban liberar al arte del cumplimiento de tareas sociales, políticas y morales, de la obligación de evaluar los fenómenos representados. Los artistas cantaban la belleza del mundo, siendo capaces de convertir el motivo más cotidiano (renovación de una habitación, niebla gris londinense, humo de locomotoras a vapor, etc.) en un espectáculo encantador (G. Caillebotte. "Parquette", 1875; C Monet. "Estación de Saint-Lazare", 1877).

En 1886 tuvo lugar la última exposición de los impresionistas (O. Renoir y K. Monet no participaron en ella). En ese momento, se revelaron importantes desacuerdos entre los miembros del grupo. Las posibilidades del método impresionista se agotaron y cada uno de los artistas comenzó a buscar su propio camino en el arte.

El impresionismo como método creativo holístico fue un fenómeno predominantemente del arte francés, pero la obra de los impresionistas tuvo un impacto en toda la pintura europea. El deseo de actualizar el lenguaje artístico, alegrar la paleta de colores, exponer las técnicas de pintura de ahora en adelante entró firmemente en el arsenal de los artistas. En otros países, J. Whistler (Inglaterra y EE. UU.), M. Lieberman, L. Corinth (Alemania), J. Sorolla (España) estuvieron cerca del impresionismo. Muchos artistas rusos (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar y otros) experimentaron la influencia del impresionismo.

Además de la pintura, el impresionismo se materializó en la obra de algunos escultores (E. Degas y O. Rodin en Francia, M. Rosso en Italia, P. P. Trubetskoy en Rusia) en un modelado vivo y libre de formas suaves y fluidas que crea un juego complejo. de luz en la superficie del material y una sensación de incompletud de la obra; en las poses se capta el momento del movimiento, del desarrollo. En música, la cercanía al impresionismo se encuentra en las obras de C. Debussy ("Velas", "Nieblas", "Reflejos en el agua", etc.).

Gran definición

Definición incompleta ↓

El impresionismo es un movimiento artístico que surge en la década de los 70. XIX en la pintura francesa, y luego manifestada en la música, la literatura, el teatro.

El impresionismo en la pintura comenzó a tomar forma mucho antes de la famosa exposición de 1874. Edouard Manet es tradicionalmente considerado el fundador de los impresionistas. Se inspiró mucho en las obras clásicas de Tiziano, Rembrandt, Rubens, Velázquez. Manet expresó su visión de las imágenes en sus lienzos, agregando trazos “vibrantes” que creaban el efecto de lo incompleto. En 1863, Manet creó "Olympia", lo que provocó un gran escándalo en la comunidad cultural.

A primera vista, la imagen está hecha de acuerdo con los cánones tradicionales, pero al mismo tiempo ya tenía tendencias innovadoras. Se escribieron alrededor de 87 reseñas sobre Olympia en varias publicaciones parisinas. Muchas críticas negativas cayeron sobre ella: la artista fue acusada de vulgaridad. Y solo unos pocos artículos podrían llamarse benévolos.

Manet en su trabajo utilizó la técnica de superponer una sola capa de pintura, lo que creó el efecto de manchas. Posteriormente, los artistas impresionistas adoptaron este método de superposición de pinturas como base para las imágenes en las pinturas.

Una característica distintiva del impresionismo fue la fijación más sutil de las impresiones fugaces, de una manera especial de reproducir el ambiente claro con la ayuda de un mosaico complejo de colores puros, trazos decorativos superficiales.

Es curioso que al comienzo de su búsqueda, los artistas usaron un cianómetro, un instrumento para determinar el azul del cielo. El color negro se excluyó de la paleta, se reemplazó por otros tonos de color, lo que permitió no estropear el ambiente soleado de las pinturas.

Los impresionistas se centraron en los últimos descubrimientos científicos de su época. La teoría del color de Chevrel y Helmholtz se reduce a lo siguiente: un rayo de sol se divide en sus colores constituyentes y, en consecuencia, dos pinturas colocadas en el lienzo mejoran el efecto pictórico, y cuando las pinturas se mezclan, pierden su intensidad.

La estética del impresionismo tomó forma, en parte, como un intento de liberarse decididamente de las convenciones del clasicismo en el arte, así como del persistente simbolismo y la reflexión de la pintura tardorromántica, que invitaba a todos a ver ideas encriptadas que requerían una cuidadosa interpretación. . El impresionismo reivindicó no solo la belleza de la realidad cotidiana, sino la fijación de una atmósfera colorida, sin detallar ni interpretar, representando el mundo como un fenómeno óptico en constante cambio.

Los artistas impresionistas desarrollaron un sistema plein air completo. Los precursores de este rasgo estilístico fueron los paisajistas provenientes de la escuela de Barbizon, cuyos principales representantes fueron Camille Corot y John Constable.

Trabajar en espacios abiertos brindó más oportunidades para capturar los más mínimos cambios de color en diferentes momentos del día.

Claude Monet creó varias series de pinturas sobre el mismo tema, por ejemplo, la Catedral de Rouen (una serie de 50 pinturas), Pajares (una serie de 15 pinturas), Estanque con nenúfares, etc. El indicador principal de estas series fue un cambio de luz y colores en la imagen de un mismo objeto, escrito en diferentes momentos del día.

Otro logro del impresionismo es el desarrollo de un sistema de pintura original, donde los tonos complejos se descomponen en colores puros transmitidos por trazos separados. Los artistas no mezclaron colores en la paleta, sino que prefirieron aplicar trazos directamente sobre el lienzo. Esta técnica dotó a las pinturas de un especial temor, variabilidad y relieve. Las obras de los artistas se llenaron de color y luz.

La exposición del 15 de abril de 1874 en París fue el resultado del período de formación y presentación al público en general de una nueva tendencia. La exposición se desplegó en el estudio del fotógrafo Félix Nadar en el Boulevard des Capucines.

El nombre "Impresionismo" surgió después de la exposición, que presentaba la pintura de Monet "Impresión. Amanecer". El crítico L. Leroy, en su reseña en Sharivari, hizo una descripción lúdica de la exposición de 1874, citando la obra de Monet como ejemplo. Otro crítico, Maurice Denis, reprochó a los impresionistas su falta de individualidad, sentimiento y poesía.

Cerca de 30 artistas mostraron sus obras en la primera exposición. Este fue el mayor número en comparación con las exposiciones posteriores hasta 1886.

Es imposible no decir acerca de los comentarios positivos de la sociedad rusa. Los artistas rusos y los críticos democráticos, siempre muy interesados ​​en la vida artística de Francia - I. V. Kramskoy, I. E. Repin y V. V. Stasov - apreciaron mucho los logros de los impresionistas desde la primera exposición.

La nueva etapa en la historia del arte, que comenzó con la exposición de 1874, no fue una repentina explosión de tendencias revolucionarias, sino la culminación de un desarrollo lento y constante.

A pesar de que todos los grandes maestros del pasado han contribuido al desarrollo de los principios del impresionismo, las raíces inmediatas del actual se encuentran más fácilmente en los veinte años que precedieron a la exposición histórica.

Paralelamente a las exposiciones en el Salón, cobraban impulso las exposiciones de los impresionistas. Sus obras demostraron nuevas tendencias en la pintura. Esto fue un reproche a la cultura del salón y las tradiciones de exhibición. En el futuro, los artistas impresionistas lograron atraer a su lado a los admiradores de las nuevas tendencias en el arte.

El conocimiento teórico y las formulaciones del impresionismo comenzaron a tomar forma bastante tarde. Los artistas prefirieron más práctica y sus propios experimentos con la luz y el color. El impresionismo, principalmente pictórico, rastrea el legado del realismo, expresa claramente la orientación e instalación antiacadémica, antisalón de la imagen de la realidad circundante de la época. Algunos investigadores señalan que el impresionismo se ha convertido en una rama especial del realismo.

Indudablemente, en el arte impresionista, como en todo movimiento artístico que surge durante el período de punto de inflexión y crisis de las viejas tradiciones, se entrelazaron diversas y hasta contradictorias tendencias, con toda su integridad exterior.

Las principales características estaban en los temas de las obras de los artistas, en los medios de expresión artística. El libro de Irina Vladimirova sobre los impresionistas incluye varios capítulos: "Paisaje, naturaleza, impresiones", "Ciudad, lugares de encuentros y despedidas", "Aficiones como forma de vida", "Personas y personajes", "Retratos y autorretratos". , "Naturaleza muerta". También describe la historia de la creación y la ubicación de cada obra.

Durante el apogeo del impresionismo, los artistas encontraron un equilibrio armonioso entre la realidad objetiva y su percepción. Los artistas intentaron capturar cada rayo de luz, el movimiento de la brisa, la variabilidad de la naturaleza. Para preservar la frescura de las pinturas, los impresionistas crearon un sistema pictórico original, que luego resultó ser muy importante para el desarrollo del arte en el futuro. A pesar de las tendencias generales en pintura, cada artista ha encontrado su propio camino creativo y los principales géneros en pintura.

El impresionismo clásico está representado por artistas como Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Basil, Berthe Morisot, Edgar Degas.

Considere la contribución de algunos artistas a la formación del impresionismo.

Eduardo Manet (1832-1883)

Manet recibió sus primeras lecciones de pintura de T. Couture, gracias a las cuales el futuro artista adquirió muchas habilidades profesionales necesarias. Debido a la falta de atención adecuada del maestro a sus alumnos, Manet abandona el taller del maestro y se dedica a la autoeducación. Visita exposiciones en museos, su formación creativa estuvo muy influenciada por los viejos maestros, especialmente los españoles.

En la década de 1860, Manet escribió dos obras que muestran los principios básicos de su estilo artístico. Lola de Valencia (1862) y El flautista (1866) muestran a Manet como un artista que revela el carácter de la modelo a través de la interpretación del color.

Sus ideas sobre la técnica de la pincelada y la actitud hacia el color fueron adoptadas por otros pintores impresionistas. En la década de 1870, Manet se acercó a sus seguidores y trabajó al aire libre sin negro en la paleta. El advenimiento del impresionismo fue el resultado de la evolución creativa del propio Manet. Las pinturas más impresionistas de Manet son En un barco (1874) y Claude Monet en un barco (1874).

Manet también pintó muchos retratos de varias damas seculares, actrices, modelos, mujeres hermosas. En cada retrato, se transmitió la singularidad e individualidad del modelo.

Poco antes de su muerte, Manet escribe una de sus obras maestras: "Bar Folies-Bergere" (1881-1882). Esta imagen combina varios géneros a la vez: retrato, naturaleza muerta, escena doméstica.

N. N. Kalitina escribe: “La magia del arte de Manet es tal que la niña resiste el entorno, gracias al cual su estado de ánimo se revela tan claramente, y al mismo tiempo es una parte, porque todo el fondo, vagamente adivinado, indefinido, agitado, también se resuelve en tonos azul-negro, azul-blanco, amarillo.

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet fue el líder indiscutible y fundador del impresionismo clásico. El género principal de su pintura fue el paisaje.

En su juventud, Monet era aficionado a la caricatura y la caricatura. Los primeros modelos de su obra fueron sus maestros, compañeros. Como muestra, utilizó caricaturas en periódicos y revistas. Copió los dibujos en Golois de E. Karzh, poeta y caricaturista, amigo de Gustave Coubret.

En la universidad, Monet fue instruido por Jacques-Francois Hauchard. Pero es justo señalar la influencia sobre Monet de Boudin, que apoyó al artista, le dio consejos, le motivó a continuar con su obra.

En noviembre de 1862 en París, Monet continúa sus estudios en París con Gleyre. Gracias a esto, Monet conoció a Basil, Renoir, Sisley en su estudio. Los jóvenes artistas se preparaban para ingresar a la Escuela de Bellas Artes, respetando a su maestro, quien tomaba poco por sus lecciones y daba suaves consejos.

Monet creó sus pinturas no como una historia, no como una ilustración de una idea o tema. Su pintura, como la vida, no tenía objetivos claros. Vio el mundo sin centrarse en los detalles, en algunos principios, pasó a la "visión del paisaje" (el término del historiador del arte A. A. Fedorov-Davydov). Monet luchó por la ausencia de trama, una fusión de géneros en el lienzo. Los medios para implementar sus innovaciones fueron bocetos, que se suponía que se convertirían en pinturas terminadas. Todos los bocetos fueron extraídos de la naturaleza.

Pintó praderas y colinas y flores y rocas y jardines y calles de pueblos y el mar, playas y mucho más, recurrió a la imagen de la naturaleza en diferentes momentos del día. A menudo pintaba el mismo lugar en diferentes momentos, creando así ciclos completos a partir de sus obras. El principio de su trabajo no era la imagen de los objetos en la imagen, sino la transmisión exacta de la luz.

Aquí hay algunos ejemplos de las obras del artista: "Campo de amapolas en Argenteuil" (1873), "Rana" (1869), "Estanque con nenúfares" (1899), "Pilas de trigo" (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir es uno de los maestros destacados del retrato secular, además, trabajó en los géneros de paisaje, escena doméstica, naturaleza muerta.

La peculiaridad de su trabajo es el interés por la personalidad de una persona, la revelación de su carácter y alma. En sus lienzos, Renoir trata de enfatizar el sentimiento de plenitud del ser. El artista se siente atraído por el entretenimiento y las vacaciones, pinta bolas, camina con su movimiento y una variedad de personajes, bailes.

Las obras más famosas del artista son "Retrato de la actriz Jeanne Samary", "Paraguas", "Bañarse en el Sena", etc.

Es interesante que Renoir se distinguió por su musicalidad y de niño cantó en el coro de la iglesia bajo la dirección del destacado compositor y maestro Charles Gounod en París en la Catedral de Saint-Eustache. C. Gounod recomendó encarecidamente que el niño estudiara música. Pero al mismo tiempo, Renoir descubrió su talento artístico: desde los 13 años ya aprendió a pintar platos de porcelana.

Las lecciones de música influyeron en la formación de la personalidad del artista. Varias de sus obras están relacionadas con temas musicales. Reflejaron tocar el piano, la guitarra, la mandolina. Son los cuadros "Lección de guitarra", "Joven española con guitarra", "Joven al piano", "Mujer tocando la guitarra", "Lección de piano", etc.

Jean Frédéric Basil (1841-1870)

Según sus amigos artistas, Basil fue el impresionista más destacado y prometedor.

Sus obras se distinguen por los colores brillantes y la espiritualidad de las imágenes. Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley y Claude Monet tuvieron una gran influencia en su trayectoria creativa. El apartamento de Jean Frederic para pintores novatos era una especie de estudio y vivienda.

Basil mayormente pintado al aire libre. La idea principal de su trabajo fue la imagen del hombre en el contexto de la naturaleza. Sus primeros héroes en las pinturas fueron sus amigos artistas; a muchos impresionistas les gustaba mucho pintarse unos a otros en sus obras.

Frédéric Bazille marcó el rumbo del impresionismo realista en su obra. Su pintura más famosa, Family Reunion (1867), es autobiográfica. El artista representa a miembros de su familia en él. Esta obra fue presentada en el Salón y recibió la aprobación del público.

En 1870, el artista murió en la guerra franco-prusiana. Tras la muerte del artista, sus amigos artistas organizaron la tercera exposición de los impresionistas, donde también se expusieron sus lienzos.

Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro es uno de los mayores representantes de los paisajistas después de C. Monet. Su obra fue expuesta constantemente en las exposiciones de los impresionistas. En sus obras, Pissarro prefirió representar campos arados, vida y trabajo campesino. Sus pinturas se distinguieron por la estructura de las formas y la claridad de la composición.

Más tarde, el artista comenzó a pintar y pintar sobre temas urbanos. N. N. Kalitina anota en su libro: “Mira las calles de la ciudad desde las ventanas de los pisos superiores o desde los balcones, sin introducirlas en las composiciones”.

Bajo la influencia de Georges-Pierre Seurat, el artista se dedicó al puntillismo. Esta técnica consiste en la imposición de cada trazo por separado, como si se pusieran puntos. Pero las perspectivas creativas en esta área no se realizaron y Pissarro volvió al impresionismo.

Las pinturas más famosas de Pissarro son Boulevard Montmartre. Tarde soleada”, “Pasaje de la ópera en París”, “Lugar del teatro francés en París”, “Jardín en Pontoise”, “Cosecha”, “Henificación”, etc.

Alfredo Sisley (1839-1899)

El principal género de pintura de Alfred Sisley fue el paisaje. En sus primeros trabajos, se puede ver principalmente la influencia de K. Corot. Poco a poco, en el proceso de trabajo conjunto con C. Monet, J. F. Basil, P. O. Renoir, comienzan a aparecer colores claros en sus obras.

El artista se siente atraído por el juego de luces, el cambio en el estado de la atmósfera. Sisley se dirigió varias veces al mismo paisaje, capturándolo en diferentes momentos del día. En sus obras, el artista dio prioridad a la imagen del agua y el cielo, que cambiaba cada segundo. El artista logró alcanzar la perfección con la ayuda del color, cada tono en sus obras conlleva una especie de simbolismo.

La más famosa de sus obras: "Country Alley" (1864), "Frost in Louveciennes" (1873), "Vista de Montmartre desde la isla de las flores" (1869), "Early Snow in Louveciennes" (1872), "The Bridge en Argenteuil" (1872).

Édgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas es un artista que comenzó su carrera creativa estudiando en la Escuela de Bellas Artes. Se inspiró en los artistas del Renacimiento italiano, que influyeron en su obra en general. Al principio, Degas pintó pinturas históricas, por ejemplo, “Chicas espartanas desafían a jóvenes espartanos a una competencia. (1860). El género principal de su pintura es el retrato. En sus obras, el artista se basa en las tradiciones clásicas. Crea obras marcadas por un agudo sentido de su tiempo.

A diferencia de sus colegas, Degas no comparte la perspectiva alegre y abierta de la vida y las cosas inherentes al impresionismo. El artista está más cerca de la tradición crítica del arte: la compasión por el destino del hombre común, la capacidad de ver las almas de las personas, su mundo interior, la inconsistencia, la tragedia.

Para Degas, los objetos y el interior que rodea a una persona juegan un papel importante en la creación de un retrato. He aquí algunas obras a modo de ejemplo: "Desiree Dio con orquesta" (1868-1869), "Retrato de mujer" (1868), "La pareja Morbilli" (1867), etc.

El principio del retrato en las obras de Degas se puede rastrear a lo largo de toda su carrera. En la década de 1870, el artista representa la sociedad de Francia, en particular París, en sus obras en todo su esplendor. En interés del artista: la vida urbana en movimiento. “El movimiento era para él una de las manifestaciones más importantes de la vida, y la capacidad del arte para transmitirlo era el logro más importante de la pintura moderna”, escribe N.N. Kalitina.

Durante este período de tiempo, se crearon pinturas como "Estrella" (1878), "La señorita Lola en el circo de Fernando", "Carreras de Epsom" y otras.

Una nueva etapa de la creatividad de Degas es su interés por el ballet. Muestra la vida entre bastidores de las bailarinas, habla sobre su arduo trabajo y su duro entrenamiento. Pero, a pesar de esto, el artista logra encontrar ligereza y ligereza en la transferencia de sus imágenes.

En la serie de pinturas de ballet de Degas, los logros en el campo de la transmisión de luz artificial desde la candileja son visibles, hablan del talento colorístico del artista. Las pinturas más famosas son "Bailarinas azules" (1897), "Clase de baile" (1874), "Bailarina con un ramo" (1877), "Bailarinas de rosa" (1885) y otras.

Al final de su vida, debido al deterioro de su vista, Degas prueba suerte con la escultura. Las mismas bailarinas, mujeres, caballos se convierten en sus objetos. En la escultura, Degas intenta transmitir movimiento, y para apreciar la escultura, debes considerarla desde diferentes ángulos.