Piet Mondrian es equiparado con Malevich y Kandinsky, llamándolo el fundador pintura abstracta. El apogeo de su obra fueron las "pinturas geométricas", cuyo espacio está lleno de rectángulos y cuadrados de colores puros. Y a pesar de la aparente simplicidad de las obras de Piet Mondrian, están plagadas de muchos datos interesantes.

1. Mondrian es considerado el fundador de De Stijl

De Stijl. Este movimiento artístico holandés surgió a principios del siglo XX y su nombre se traduce como "estilo". De Stijl: un grupo de artistas y arquitectos que desarrollaron arte abstracto y utilizaban en su mayoría formas simples, como líneas y bloques, y los dibujos se dibujaban sólo en negro, blanco o colores primarios (rojo, amarillo, azul). Mondrian, junto con Theo van Doesburg, Vilmos Huszar, Bart van der Leck y varios otros artistas, es considerado el fundador de este movimiento.

2. Naturaleza espiritual de los objetos

Mondrian buscó transmitir la naturaleza espiritual de los objetos en su forma pura". En 1914 se lo explicó al crítico de arte holandés Bremmer en una carta de la siguiente manera: "Organo líneas y combinaciones de colores sobre una superficie plana para expresar la belleza de la forma más de una manera sencilla. La naturaleza (o lo que veo) me inspira y me anima a transmitirla lo más cerca posible de la verdad. Creo que esto es muy posible dibujando líneas horizontales y verticales, y esto no debe hacerse según un plan, sino guiado por la intuición.".

3. Del arte tradicional a la abstracción

Aunque De Stijl se dedicó al "derrocamiento absoluto de la tradición", sus fundadores se formaron originalmente en el arte tradicional. Mondrian con NIñez temprana animado a dibujar por sus padres y su tío, Fritz Mondrian, Artista famoso. Luego, el holandés estudió en la Real Academia de las Artes de Ámsterdam, donde se interesó por la pintura de paisajes.

4. El postimpresionismo y la obra de Mondrian

La obra de un artista innovador, el mayor representante del simbolismo en pintura holandesa Jan Toorop quedó tan impresionado por Mondrian que empezó a interesarse por el postimpresionismo. Esta influencia se puede ver en los paisajes que Mondrian creó en la década de 1930.

5. Pasión por el cubismo

Cuando Mondrian se mudó a París en 1911, se interesó por el cubismo de Georges Braque y Pablo Picasso. Mondrian comenzó a experimentar en su obra, abandonando colores brillantes(que le eran inherentes durante su antigua pasión por el postimpresionismo) y comenzó a utilizar tonos más apagados.

6. Aunque su pasión era la abstracción, su trabajo formal era exactamente lo contrario.

Las personas a las que no les gusta la abstracción al estilo de De Stijl pueden suponer erróneamente que Mondrian no creó más pinturas complejas. De hecho, era bastante Artista talentoso no sólo en abstracto. En distintos momentos de su carrera impartió clases de dibujo, esbozó para investigación científica, y también pintó reproducciones de grandes obras para museos.

7. Las obras más famosas de Mondrian fueron creadas después de la Primera Guerra Mundial.

Mondrian vivió en París antes de la guerra. Cuando comenzó la Primera Guerra Mundial, estaba visitando a unos familiares en los Países Bajos y no pudo regresar a Francia. Después del fin de las hostilidades, Mondrian regresó a París y creó una serie de obras que definieron su estilo único, que destacó incluso entre personas de ideas afines en De Stijl, a saber, el "neoplasticismo". En 1925, estas pinturas tenían una gran demanda entre los coleccionistas de élite de Europa.

8. La vida entre cuadros

En lugar de conseguir un estudio independiente, combinó su casa y espacio de trabajo, invitando felizmente a sus amigos a tomar té en su sala de estar justo en medio de su trabajo. En sus apartamentos de Londres y París, Mondrian “mejoró” este sistema, creando una especie de versión 3D de sus obras, pintando las paredes de los apartamentos con su técnica característica.

9. "Blancanieves" de Disney es la caricatura favorita del artista.

El primer largometraje de animación simplemente fascinó al artista intelectual después de ver Blancanieves en la primavera de 1938 con su hermano en París. Cuando Mondrian se mudó a Londres, comenzó a enviarle a su hermano postales decoradas con recortes de publicidad de la película y escritas "a la manera de los enanos de Blancanieves".

10. Artista y música

La aburrida imagen de un artista pensativo entre creaciones abstractas no se aplica en absoluto a Mondrian. Aunque a menudo se describe a Mondrian como una persona introvertida, disfrutaba escena de jazz Londres, y regularmente sale a la pista de baile con la socialité y coleccionista de arte estadounidense Peggy Guggenheim.

A pesar de todo su entusiasmo, su amiga Miriam Gabo, esposa del escultor ruso Naum Gabo, recordó una vez: “Mondrian era un bailarín terrible, simplemente nadie soportaba bailar con él”.

11. Hitler pensaba que Mondrian era un degenerado.

En 1937, dos de las pinturas de Mondrian se incluyeron en la Exposición de Arte Degenerado de Hitler. Así, Mondrian fue incluido en la lista negra nazi. El artista no esperó a ver cómo terminaría y el 7 de septiembre de 1940 huyó de Londres a Nueva York.

12. Mudarse a América se convirtió en una nueva etapa en la obra del artista.

En Nueva York, Mondrian se unió inmediatamente al mundo de la élite creativa local. Apoyó a los artistas abstractos estadounidenses, y su ex compañera de baile Peggy Guggenheim se convirtió en una devota defensora y expositora del trabajo del artista.

Durante este período de creatividad, Mondrian comenzó a utilizar elementos más complejos en sus pinturas, como lineas dobles, y las líneas son de color amarillo brillante, no negras. Desafortunadamente, este capítulo de su obra quedó truncado cuando Mondrian murió de neumonía en 1944 a la edad de 71 años.

13. Las obras de Mondrian inspiraron dos escuelas de arte moderno.

La obra de Mondrian no murió ni siquiera después de su muerte. El movimiento alemán Bauhaus se centró en la funcionalidad y la eficiencia en el diseño. Los arquitectos, como Mondrian, utilizaron líneas simplificadas y teoría del color. artista holandés. El movimiento minimalista que surgió en la década de 1960 en la ciudad de Nueva York utilizó formas geométricas y una paleta de colores limitada, similar al neoplasticismo.

14. Mondrian se convirtió en una inspiración de la moda.

En 1965, el diseñador de moda francés Yves Saint Laurent diseñó seis vestidos de cóctel, a los que llamó colección Mondrian. Cada uno de estos vestidos tenía una forma muy simple y la combinación de colores era blanca con líneas negras y rectángulos de colores.

15. El artista incluso inspiró a los programadores.

Mondrian era tan famoso que incluso los programadores lo trataban con gran respeto. Ellos creían que pinturas abstractas Las palabras del artista parecen una especie de lenguaje de programación esotérico. David Morgan-Mar quiso llamar a su singular lenguaje de programación "Mondrian", pero acabó llamándolo "Piet" (así suena el nombre del artista en holandés). Un programa de Piet parece una abstracción pospictórica.

Esta vez vamos a Museo de Arte Zúrich en Suiza. El museo está orgulloso de su colección de pinturas abstractas, entre las cuales para la historia de Osinka elegimos la pintura "Composición con rojo, azul y amarillo" de Piet Mondrian, creada a principios del siglo XX. ¿Qué significa esta imagen y cómo contársela a su hijo? ¡Lea nuestra publicación!

Niños sobre el arte. Cuadro “Composición con Rojo, Azul y Amarillo”, Piet Mondrian.

En la última publicación admiramos el cuadro “Carta de amor” de Vermeer de Delft. Nuestro nueva parada-V Museo de Arte de Zúrich En Suiza. Zurich está llena de museos, galerías, tiendas y verdaderamente es el corazón de vida europea! Naturaleza unica, su rica colección cultural y su moderna vida de club le han valido a Zúrich fama internacional. Cabe señalar que entre los 50 museos de Zurich, el Museo de Arte ocupa un lugar especial. ¡Sus fondos reflejan toda la historia de 2000 años del desarrollo del arte europeo! El museo está legítimamente orgulloso de su colección de pinturas abstractas, entre las que hoy nos detendremos en la pintura. "Composición con rojo, azul y amarillo" Piet Mondrian, escrito a principios del siglo XX, cuando un nuevo movimiento artístico comenzaba a conquistar las mentes de los artistas.

La historia de este cuadro seguirá el mismo estilo de preguntas y respuestas con el que estudiamos los cuadros anteriores. El primer grupo de preguntas proviene de niños de 5 a 7 años, cuya espontaneidad a veces puede confundir a un adulto. El segundo grupo de preguntas está dirigido a niños de 8 a 10 años a quienes les gusta pensar y construir teorías. Y finalmente, la historia de la película finaliza con preguntas de adolescentes mayores de 11 años. Con dulzura y calma, la autora del libro “Cómo hablar con los niños sobre arte”, Françoise Barb-Galle, explica el valor, el significado y la importancia de esta pintura para nuestra cultura. Después de todo, no importa cuán primitiva pueda parecer esta pintura a primera vista, detrás de ella hay ideas poderosas que han tenido un tremendo impacto en el diseño y el arte modernos.

"Composición con rojo, azul y amarillo", Piet Mondrian, 1930

Composición con rojo, azul y amarillo.
1930. Óleo sobre lienzo. 45x45cm
Museo de Arte, Zurich, Suiza
Piet Mondrian (Peter Cornelis Mondrian)
1872, Amersfoort, cerca de Utrecht - 1944, Nueva York

de 5 a 7

¿Esto es una foto? ¿Qué hay que ver aquí?

Sí, por supuesto, la imagen, sin embargo, no es del todo normal. Muchos artistas en cambio La vida cotidiana eligen algo más interesante y atractivo, y luego vemos paisajes lujosos, retratos ceremoniales, escenas con criaturas fantásticas (dragones, etc.). Y a veces el artista prefiere presentar el mundo más simple de lo que es. Esto es exactamente lo que hizo Mondrian.

¿Qué representa esta imagen?

Nada concreto. Sin embargo, anima al espectador a cuestionar las intenciones del artista. Supongamos que no quisiera representar cosas terminadas y ya hechas, sino mostrar de qué se pueden ensamblar o construir. Es como un juego en el que utilizas piezas coloridas separadas para crear lo que quieres...

¿Quizás el artista realmente no sabía dibujar?

¡Nada como esto! Mondrian dominaba el dibujo y la pintura; sabía dibujar “bien” y lo hizo durante muchos años. Pero esto no le produjo satisfacción: buscaba algo más. Poco a poco fue eliminando de sus cuadros todo lo que le parecía superfluo e innecesario.
En algún momento, sólo quedaron tres colores y líneas rectas en el lienzo, y el resultado satisfizo completamente al artista.

¿Mondrian dibujó con regla?

Muy posible. Esta es una imagen estrictamente verificada y cuidadosamente pensada. Midió distancias con tiras de papel transparente, marcó líneas con carboncillo y sólo entonces tomó el pincel.

Rojo, azul, amarillo... ¿Por qué estos tres colores?

Estos son colores muy importantes. Mezclándolos en diferentes proporciones, puedes obtener muchos otros: verde, morado, naranja y un número infinito de tonos. Pero al mismo tiempo, estos tres colores no pueden estar compuestos de otros. Por eso se les llama colores primarios.

También hay blanco y negro.

Sin blanco y negro, no se puede oscurecer ni aclarar un color. Las líneas negras organizan la imagen, dividiendo el espacio en rectángulos de diferentes tamaños, estirados vertical u horizontalmente. Las inserciones blancas crean una sensación de vacío, luz, aire; Es más fácil respirar con ellos. Los rectángulos multicolores están saturados de energía cromática. Así, el rojo puede asociarse con el fuego, la sangre, el atardecer... Las líneas negras dan estabilidad a la imagen y la mantienen en equilibrio.

de 8 a 10

Resulta que la línea y el color reemplazan a los caracteres de Mondrian

El artista realmente los hace interactuar. Se produce algo así como un diálogo: discuten o están de acuerdo. Por ejemplo, el cuadrado rojo es tan poderoso y pesado que podría salirse de la imagen: parece que no se puede detener, especialmente porque ni siquiera el marco negro de arriba y a la derecha lo detiene. Pero los segmentos horizontales negros (arriba a la izquierda y abajo a la derecha), que son más anchos que las otras líneas negras, se introducen en la imagen como a propósito para mantener el cuadrado rojo en su lugar. Parecen decirle: “¡Para!” No seas tan bajito
segmentos negros, se desconoce qué más habría hecho el rojo rebelde...

¿Por qué la imagen no está rodeada por una línea negra común?

Si el artista hubiera introducido tal línea, se habría convertido en una valla y habría cerrado firmemente la imagen. Mondrian no cierra el espacio: mantiene todos los colores en estado libre, sin limitar nuestro campo de visión. Las puertas permanecen abiertas: podemos movernos por el cuadro a nuestra discreción: entrar, deslizarnos por él, salir cuando queramos... Habiendo estudiado bien el cuadro, tal vez podamos imaginar con mayor claridad el espacio en el que nos encontramos, y las formas que nos rodean. En cierto modo, es un ejercicio para la vista y la mente.

La imagen parece un plano de apartamento.

De hecho, aquí hay algo en común. Cualquier construcción comienza con un plan; por ejemplo, en el plano de un apartamento se muestra dónde deben ir las paredes, cómo se ubicarán las habitaciones, para mayor claridad están pintados en Colores diferentes... Un plan (o proyecto) representa claramente lo que queremos ver como resultado. Según Mondrian, la pintura en general es la encarnación de la racionalidad y la estabilidad.

¿O tal vez se trata de una sección transversal de toda una casa?

Es muy posible: imaginemos un edificio que están siendo derribados. La pared frontal ya ha sido destruida, la distribución interior de la casa se ha hecho visible... Vemos lo que antes eran habitaciones, y por las huellas de las paredes pintadas o por el papel pintado conservado podemos adivinar dónde había un dormitorio, una sala de estar. habitación o habitación infantil. Más de una vida pasó en estos rectángulos vacíos... Mondrian sin duda observó escenas similares más de una vez y pudo sentir la ciudad como una forma pura.

O tal vez un mapa de la ciudad con calles y avenidas...

Quizás esto también sea cierto. Aproximadamente estos contornos se pueden ver a vista de pájaro; No hay indicaciones de escala o dimensiones. Por cierto, muchos años después de la creación de esta imagen (y otras similares), Mondrian llegó a Estados Unidos y quedó completamente encantado con Nueva York. El trazado de la ciudad, con una extensa red de calles que se cruzan en ángulo recto, resultó sorprendentemente similar a sus pinturas. El artista inmediatamente sintió este mundo como propio.

de 11 a 13 años y mayores

Todas las pinturas de Mondrian son similares entre sí.

Sí, sus pinturas se basan en el mismo principio no objetivo, pero las relaciones de color y las proporciones de rayas y rectángulos son diferentes en cada obra. En algunas, el blanco ocupa casi todo el espacio y el lienzo parece ligero y sereno. En otros, las líneas están muy espaciadas, como los barrotes de una prisión, y la imagen produce una impresión deprimente: literalmente quieres huir de ella. Utilizando los medios más sencillos, el artista sabe despertar una amplia gama de sentimientos en el espectador. Trabaja como un compositor que, con la ayuda de siete notas, crea una infinita variedad de melodías. No en vano nuestro cuadro se llama “Composición”.

Pintar un cuadro como este no podría ser más fácil

Sí, quizás desde un punto de vista técnico no sea tan difícil. Pero hay otro, más nivel alto Complejidad asociada al significado. Imitar la manera exterior de Mondrian es una cosa, pero ponerse en el lugar del artista, volver a su tiempo, vivir lo que él vivió es completamente distinta. Mondrian gastó largos años para desarrollar tu propio estilo. Y hoy, cuando miramos su pintura, no debemos olvidar que detrás de esta obra, de forma tan engañosamente simple, hay todo un conjunto de ideas, pensamientos, aspiraciones que llevaron a su creación. no sera una exageracion
decir que este es el trabajo de toda una vida.

Hay algo mecánico en la imagen.

Esta impresión la crean las formas geométricas, especialmente al primer vistazo rápido a la imagen. Inmediatamente se puede sentir la severidad del plan, pero al examinarlo más de cerca se puede notar algo más: por ejemplo, los trazos en las franjas negras, parecen temblar ligeramente... Esto significa que la mano del artista no es tan firme: él , también cede a las emociones. Resulta que las líneas no sólo se aplican metódica y secuencialmente al lienzo, sino que, de hecho, se cruzan. Mondrian, como un tejedor de hilos, crea a partir de ellos el tejido de su obra. Es como si estuviéramos viendo el lienzo bajo un microscopio, discerniendo la base de la pintura oculta a la vista en el entretejido de hilos.

¿Cómo se vendieron esos cuadros?

Venderlos no fue fácil. Las pinturas no objetivas de Mondrian no podían tener una gran demanda: había pocos amantes de la pintura intelectual. Sin embargo, Mondrian siguió obstinadamente su propio camino: sólo así podía expresarse plenamente. Y para ganar dinero, el artista pintaba naturalezas muertas con flores; las flores se vendían bien. Esto le permitió preservar su mundo, lleno de líneas rectas y colores puros, un mundo que le pertenecía sólo a él. Y hoy valoramos precisamente las composiciones no objetivas de Mondrian, y las flores que alguna vez lo alimentaron están felizmente olvidadas.

¡Las ideas de Mondrian han penetrado en nuestra vida actual!

La obra de Mondrian influyó no sólo próximas generaciones artistas, sino también en arquitectos y diseñadores de épocas posteriores. Ahora, sesenta y cinco años después de su muerte, esta influencia es evidente en todas partes: en interiores y muebles, en gráficos de libros y revistas, en publicidad, en la moda. Su pintura tenía cierta intransigencia moral, equilibrio y estabilidad; numerosas opciones de autor composiciones geométricas dan testimonio de búsquedas artísticas incansables.

Las ideas de Mondrian se absorben imperceptiblemente, a nivel subconsciente. Así, el logotipo de la línea de moda de productos para el cuidado del cabello de la empresa "Oreal" (L"Oreal Studio Line) está claramente inspirado en las composiciones de Mondrian. Junto con los signos formales de su pintura, los principios éticos y estéticos del artista también influye de forma latente en el futuro comprador y si el logotipo de la empresa está asociado con la pureza, la energía, actualización constante Entonces los champús, geles y otros productos de marca tendrán éxito en el mercado. Eficiencia B medios similares Es más fácil de creer si detrás de su publicidad se esconde todo lo que hace tan atractiva la obra de Mondrian: disciplina, proporcionalidad, sentido del ritmo, libertad ilimitada de combinaciones...

anotación nombre de la exposición:"Piet Mondrian. Línea"
gasto de tiempo: 04.09.2015-06.12.2015
ubicación: Museo Martin-Gropius-Bau, Niederkirchnerstrasse 7, Berlín, Alemania
sitio web de la exposición: http://www.berlinerfestspiele.de

Del 4 de septiembre al 6 de diciembre, el Museo Martin-Gropius-Bau de Berlín acoge una exposición de obras clave de uno de los fundadores de la pintura abstracta, el artista holandés Piet Mondrian. La exposición cuenta con el apoyo de la Embajada del Reino de los Países Bajos en Berlín. Esta es la primera gran exposición de 50 pinturas y dibujos de Mondrian en Berlín desde la exposición de 1968.

Piet Mondrian es uno de los principales maestros del arte no objetivo, el fundador de la escuela del neoplasticismo, cuyo arte influyó en gran medida pintura moderna, arquitectura y Diseño.

Piet Mondrian. Auto retrato

Piet Mondrian y su “arte de la plasticidad pura”

El siglo XX, habiendo ofrecido a las personas una enorme cantidad de información a través de medios de comunicación electrónicos, cambió el número, la forma y el contenido de los contactos sociales. Los procesos de integración contribuyeron a la formación de una cultura humana universal sobre una base común. La combinación de estos factores condujo a un cambio en la orientación cultural y de valores de una persona y a la formación de nuevas necesidades y estereotipos culturales. Estos cambios se produjeron dentro cultura popular, Función social que consistía en regular el comportamiento de las personas y uniformar su vida espiritual. Complejidad del desarrollo cultura artística El siglo XX fue ese. actividad artística adaptado en los ámbitos económico, político, técnico y espiritual vida publica quienes le plantearon exigencias de acuerdo con sus intereses, estimulando así su desarrollo multidireccional.

“Nudo rojo” de V. Kandinsky, 1936

El arte del siglo XX se caracteriza por el colapso de la cultura artística en muchos movimientos y escuelas independientes, con sus búsquedas activas nuevos fondos expresión artística y experimentos audaces con forma, color y composición. Todos los fenómenos de vanguardia: movimientos, tendencias y escuelas que rompieron con la tradición realista y consideran la experimentación como base método creativo, une la dirección "moderna". El abstraccionismo, también llamado arte no objetivo, se convirtió en la escuela más extrema del modernismo.

"Molino al anochecer" Piet Mondrian. 1905

El surgimiento de la abstracción fue un resultado natural de cambios fundamentales en las tendencias espirituales y vida artística siglo XX, que contribuyó al replanteamiento de los principios formativos de la Europa Artes visuales. El arte abstracto como movimiento surgió en varios países europeos ah en la década de 1910 en el proceso de estratificación del cubismo, el expresionismo y el futurismo. Se considera que los fundadores e inspiradores del arte abstracto son los artistas V. Kandinsky, K. Malevich, P. Mondrian, F. Kupka y R. Delaunay. La modernidad es un fenómeno con una jerarquía de múltiples niveles, donde cada fenómeno bastante grande arte de vanguardia, se afirmó a través de declaraciones, manifiestos y numerosos textos. Los artistas abstractos, en sus diferentes trabajos teóricos y planteamientos políticos, definieron una tesis que los une: el abstraccionismo, como nivel más alto Bellas artes, crea formas que son exclusivas del arte. Los abstraccionistas convirtieron el arte "liberado" de copiar la realidad en un medio para transmitir diversos Imágenes figurativas incomprensible origen espiritual del universo.

"El árbol gris" de Piet Mondrian. 1911

En el espacio de estilo surgieron inmediatamente dos líneas principales: la abstracción lírico-emocional y la geométrica o lógica. La abstracción lírico-emocional (la composición se forma a partir de formas y ritmos que fluyen libremente) está representada en las obras de V. Kandinsky, maestros del expresionismo abstracto, el tachismo y el arte informal. La abstracción geométrica estuvo plasmada en el suprematismo de K. Malevich, el neoplasticismo de P. Mondrian, el orfismo de R. Delaunay y en la obra de los maestros de la abstracción pospictórica. La base de la abstracción geométrica es la expresividad de las líneas rectas y líneas discontinuas, elementos geométricos simples y planos de color puro. El abstraccionismo geométrico se manifestó con especial claridad en los años 1910-1930 en varios países europeos. Después de la emigración de los artistas modernistas (H. Hoffmann, D. Albers, D. Graham y P. Mondrian) a Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, los pintores estadounidenses adoptaron el abstraccionismo geométrico y en los años 1940-1950 ya tenía muchos seguidores diversos, aunque fue inferior en popularidad al expresionismo abstracto. Un ejemplo de la abstracción geométrica más intransigente y estricta de la pintura del siglo XX son las obras de Piet Mondrian.

Tríptico “Evolución” de Piet Mondrian. 1911 La pintura muestra “tres etapas de cognición”, lo que refleja Puntos de vista religiosos artista de esa época.

Pieter Cornelis (Piet) Mondrian (1872-1944) nació el 7 de marzo de 1872 en la familia de un director de escuela en la pequeña ciudad holandesa de Amersfoort. Pete recibió sus primeras lecciones de dibujo de su padre y su tío. Hogar y escuela Educación artística le permitió ingresar en la Academia de Bellas Artes de Ámsterdam (1892-1897). Mientras estudiaba en la academia, Mondrian pintó muchos retratos por encargo por dinero. Expresó su disgusto por este género, que el aspirante a artista no reconocía y consideraba “una tontería”, al realizar su propio autorretrato. En ese momento, la afición de Mondrian eran los paisajes y las naturalezas muertas, que pintaba a la manera de los viejos maestros holandeses. Más tarde, Mondrian se alejó de las tradiciones del paisaje realista y su breve fascinación por el impresionismo en los llamados "paisajes nocturnos" le dio fama. En 1911, Mondrian participó en la Exposición Internacional de Ámsterdam. artistas contemporáneos, donde se presentaron las obras de P. Picasso, A. Derain y J. Braque. El interés por las obras de los cubistas impulsó a Mondrian a experimentar en este género: el artista comenzó a simplificar las formas y, combinando de diferentes maneras los planos de los objetos representados, buscó lograr la impresión de claridad estructural.

"Gran Composición" Piet Mondrian. 1919

Poco a poco, la trama, el reconocimiento, la profundidad espacial y la forma real desaparecieron de las obras de Mondrian. El artista pasó los años de la Primera Guerra Mundial en su casa de Holanda. En 1917, Mondrian, junto con el arquitecto, escultor y pintor Theo van Doesburg (1883-1931), se convirtió en uno de los fundadores del grupo Style, una asociación de artistas y arquitectos. El objetivo del grupo “Style” era crear formas libres de todo lo aleatorio y arbitrario. Los seguidores de Mondrian y Doesburg se unieron en torno a una revista de vanguardia que lleva el nombre del grupo: "Style". En el primer número de la revista, Mondrian publicó su artículo “Neoplasticismo en la pintura”, en el que apareció por primera vez el término “neoplasticismo”.

“Composición con Rojo, Amarillo, Azul y Negro” Piet Mondrian. 1921

En 1914, al crear sus primeras obras no figurativas, Mondrian expresó su confianza: “Podemos deshacernos de la opresión circunstancias trágicas nuestras vidas a través de una visión clara de la verdadera realidad que existe, pero que está velada y oculta." en todos mis trabajos teóricos Mondrian defendió su creencia de que en el mundo real existen energías espirituales invisibles pero increíblemente poderosas que sólo pueden expresarse a través de formas geométricas simples: “Para expresar lo espiritual en el arte, hay que referirse lo menos posible a la realidad, ya que es todo lo contrario. de lo espiritual. Por tanto, el uso de formas elementales es lógico y el único correcto”. El resultado de muchos años de búsqueda creativa de su propio estilo artístico fue la teoría del "arte de la plasticidad pura", esbozada por el artista en el tratado "Neoplasticismo". Mondrian escribió; “El neoplasticismo afirma la justicia, porque la igualdad de los medios plásticos en la composición demuestra que todos pueden ser iguales entre iguales”. Los elementos principales de cualquier composición pictórica eran líneas y planos de color que se cruzaban en ángulo recto, a través de los cuales Mondrian reproducía la imagen real del mundo circundante, independientemente del azar y la percepción subjetiva, expresando así la idea de armonía universal.

"Plaza de la Concordia" Piet Mondrian. 1938

Mondrian se adhirió a reglas estrictas en la construcción de la composición (su culto era el equilibrio entre vertical y lineas horizontales) y rompió con la revista Style cuando Doesburg propuso un ángulo de 45 grados como un nuevo componente del lenguaje expresivo. En septiembre de 1938, anticipándose a la guerra, Mondrian viajó a Londres, donde creó composiciones a gran escala con muchas líneas (“Trafalgar Square”, 1939-1943 y “Place de la Concorde”, 1938-1843). El artista realizó estas obras en Nueva York, donde emigró en 1940 para escapar del bombardeo de Londres. Estados Unidos recibió cordialmente a Mondrian: la prensa llamó al artista “uno de los mayores refugiados de Europa” y ya en 1942 y 1943 sus dos exposiciones personales en la Galería Dudensing. Durante este período, el artista creó obras que se construyeron al ritmo de la danza síncopa, que les da nombre: para transmitir el ritmo, en el entrelazado de la celosía aparecían pequeños cuadrados que se multiplicaban en las líneas (“Nueva York” , “Broadway. Boogie-Woogie” , "Victoria de Boogie Woogie").

"Broadway. Boogie-woogie de Piet Mondrian. 1942-1943

El 1 de febrero, Mondrian murió de neumonía en Nueva York y fue enterrado en un cementerio de Brooklyn. La obra de Piet Mondrian suscita un profundo respeto: llenó el propósito de un nuevo significado arte alto, definiendo su papel protagonista en la superación crisis espiritual sociedad moderna: “Visión puramente plástica mundo real debe formar un nuevo tipo de sociedad, del mismo modo que ahora está formando un nuevo arte. Esta será una sociedad basada en el equilibrio entre lo material y lo espiritual, y estará dominada por los pacificados. relaciones armoniosas" La herencia pictórica y teórica de Piet Mondrian determinó en gran medida la estética y principios artísticos Siglo XX e influyó en el desarrollo de la arquitectura, la moda y el diseño. El lenguaje de programación Piet, cuyos programas se asemejan a la abstracción pospictórica, lleva el nombre de Mondrian.

Peter Cornelis Mondrian, "Composición con rojo, amarillo y azul"

Piet Mondrian es uno de los mayores ideólogos del arte abstracto, el creador de la pintura geométrica "pura", que encarna la idea. pintor holandés y un pensador del arte objetivo, libre de subjetividad y diseñado para transmitir el principio fundamental único y completamente armonioso de todo.

Comenzar actividad creativa A Mondrian se le asocia con paisajes realistas, con afinidad por la emotividad de Van Gogh. Ya encendido primeras etapas La creatividad de Mondrian se esforzó por lograr composiciones sencillas utilizando elementos sencillos y claros. gama de colores. Poco a poco comienza a alejarse del enfoque tradicional de esquematizar objetos, moviéndose cada vez más hacia la abstracción geométrica.

La visión creativa de Mondrian estuvo muy influenciada por los años que pasó en París, a principios del siglo XX. Dio origen a la pintura abstracta. Las formas geométricas puras reflejan más plenamente la visión del artista de la esencia de las cosas. En su “serie París” se incluyeron varias obras ejecutadas en el estilo del cubismo analítico. Muy característica en este sentido es una serie de obras realizadas en 1910-1911, en las que el pincel del artista pierde gradualmente su forma visible, convirtiéndose en una estructura de varios elementos geométricos.

Los años de la Primera Guerra Mundial, que Mondrian pasó en su tierra natal, Holanda, lo llevaron a una dirección completamente diferente en la pintura. El artista llega a la conclusión de que en la base de todas las cosas se encuentra una cierta armonía ideal, un orden universal en el que se basa la construcción de este mundo. Intentando alejarse de lo visible, desnaturalizando el espacio circundante en el lienzo, el artista revela esta armonía ideal. Desde el punto de vista de Mondrian, la esencia deseada se esconde en las formas geométricas ideales, por lo que su pintura, como las obras de sus seguidores, se limita al uso de elementos geométricos primarios: una línea recta y ángulo recto. La combinación de colores de las obras consta de sólo cuatro colores: negro, rojo, amarillo y azul.

A continuación, Mondrian comienza a buscar el equilibrio de esos mismos elementos primarios, descubriendo la simetría a través de una combinación calculada de color y formas. Polígonos de colores, coordinados según la rutina percibida por el maestro, componen su “Composición con rojo, amarillo y azul”. Los polígonos están separados entre sí por líneas rectas negras, mientras que el “coloreado” en sí tiene el carácter de un relleno en el dibujo, barriendo así cualquier presencia de la personalidad del artista en el cuadro. Esto se ve acentuado por la ausencia del título del lienzo como tal. Es de destacar que sus obras se diferenciaban entre sí sólo en la numeración.

Búsqueda de proporción y equilibrio formas geométricas en los colores “primarios” pronto encontró su efecto inmediato. uso práctico En la arquitectura y la vida cotidiana, la disposición de planos de colores se practicaba a principios de siglo. Artes Aplicadas. El neoplasticismo, o pintura rectangular, cuyas bases sentaron y fundamentaron teóricamente Mondrian, se generalizó mucho. Así, en 1917 se creó la revista "De Stijl", que se desarrolló bajo la dirección del propio Mondrian y de destacados arquitectos holandeses que predicaban las ideas de una nueva dirección en el arte. La revista se publicó durante 14 años, tiempo durante el cual el neoplasticismo se convirtió en un movimiento independiente, ampliamente conocido y generalmente aceptado.

De hecho, fue la revista la que fue diseñada para transmitir a amplia gama los interesados ​​en la pintura, las ideas de Mondrian. En general, su pintura no es tanto una dirección paradójica en el arte como una cosmovisión completa. La simplificación y la despersonalización, cultivadas por Mondrian, deberían, según el principio de armonía absoluta, reorganizar este mundo, alejándolo de las contradicciones de forma ilusoria.

El propio Mondrian dijo que el mundo sensorial sólo condena a la humanidad a un sufrimiento sin fin, en el que cada persona está encerrada por el predominio de la subjetividad y la contradicción de su naturaleza sobre el pensamiento puro. Las personas están condenadas a sufrir hasta que sean capaces de mirar de otra manera el mundo que les rodea y dentro de sí mismas, abandonando la materialidad externa. La civilización, según Mondrian, ayuda a una persona a abstraerse de la "forma natural", ver la verdad y cambiar el caparazón material a la organización democrática de la sociedad. El nuevo arte está diseñado para ayudar a las personas a reestructurarse, a aprender a ver formas superiores de relación con el mundo.

En 1926, Mondrian formuló cinco instrucciones básicas para los artistas neoplásticos, en las que debían basarse en su trabajo. En rigor, estos son los 5 mandamientos de la religión Nueva Vida, que Mondrian predicó durante toda su vida. Se suponía que el rechazo de lo sensorial y la sustitución matemática de todo tipo de cosas emocionales y subjetivas transformarían el mundo imperfecto y lo salvarían del sufrimiento.

En 1938, Mondrian llegó a Londres, pero dos años de trabajo (pinturas recogidas en su taller) fueron destruidos durante uno de los bombardeos nazis. Tras mudarse a Nueva York, comienza a sentir el pulso de un ritmo de vida completamente diferente. Boogie-woogie, Broadway, jungla: todo esto se refleja en la geometría abstracta del maestro.

Pieter Cornelis (Pete) Mondrian (Nether. Pieter Cornelis (Piet) Mondriaan, MFA: [ˈPIT ˈMɔNDRIJAːN], desde 1911 - mondrian, [ˈmɔndrijɑn]; 7 de marzo de 1872 (1872030), Amersfort, Países Bajos - 1 de febrero de 1944, Nuevo orco escucha)) es un artista holandés que, simultáneamente con Kandinsky y Malevich, sentó las bases de la pintura abstracta.

Piet Mondrian nació en la pequeña ciudad holandesa de Amersfoort. El padre de Mondrian, director de una escuela local, no podía mantener a su familia, pero era sensible al talento de su hijo y, a la edad de 20 años, Mondrian se fue a estudiar a Amsterdam.

Comenzó como profesor de arte en escuela primaria, obras tempranas- paisajes de Holanda en el espíritu del impresionismo. Me interesé por la teosofía de H. P. Blavatsky. Abrazó profundamente la búsqueda del cubismo en la Exposición Cubista de Ámsterdam (1911). En 1912 se trasladó a París y, como señal del comienzo de una nueva vida, cambió su apellido por el de “Mondrian”.

Pasó los años de la Primera Guerra Mundial en su tierra natal, en 1915 se hizo cercano al artista Theo van Doesburg y junto con él fundó el movimiento “Style” (Dutch De Stijl) y la revista de arte del mismo nombre. La revista se convirtió en el órgano del neoplasticismo, la utopía de una nueva cultura plástica como máxima conciencia en la transmisión escrupulosa de la belleza y la verdad generalizadas utilizando los medios más ascéticos, tonos, líneas y formas coloridos básicos y primarios.

Mondrian desarrolló constantemente esta dirección no figurativa en Francia, donde vivió de 1919 a 1938, luego en Gran Bretaña y desde 1940 en Estados Unidos.

Durante el período americano de su obra, Mondrian intentó adaptar los principios del neoplasticismo para transmitir efectos dinámicos (“Boogie-Woogie en Broadway”).

Mondrian murió de neumonía el 1 de febrero de 1944 y fue enterrado en el cementerio Cypress Hills en Brooklyn, Nueva York.

El diseño del estudio neoyorquino de Mondrian, en el que trabajó sólo unos meses y que fue cuidadosamente recreado por sus amigos y seguidores en fotografías y películas, se convirtió, por así decirlo, en último trabajo Maestros, estos “Murales” se mostraron en exposiciones en Nueva York, Londres, Tokio, Sao Paulo y Berlín. El apartamento de Mondrian en París, su pipa y sus gafas están representados en las fotografías minimalistas de André Kertész (1926), que se convirtieron en emblemáticas de la fotografía moderna.

Mondrian pidió la “desnaturalización” del arte, el rechazo de formas naturales y la transición a la abstracción pura. A partir de 1913, las pinturas de Mondrian evolucionaron hacia matrices abstractas que consistían en líneas negras horizontales y verticales. Poco a poco, la disposición de las líneas en el lienzo se fue ordenando hasta tal punto que empezaron a parecerse a cuadrículas regulares con celdas. Las celdas estaban pintadas con colores primarios, es decir, rojo, azul y amarillo. Así, la estructura de la pintura estaba formada por las dicotomías color - no color, vertical - horizontal, superficie grande - superficie pequeña, cuya unidad se suponía simbolizaba el equilibrio de fuerzas en la armonía del universo.
A pesar de las extremas limitaciones de los medios visuales, la obra de Mondrian tuvo una gran influencia en sus contemporáneos y dio lugar a nuevas direcciones en la pintura y la gráfica.

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