¿Cómo vender un tiburón muerto por $12 millones?

La sangrienta reputación de los tiburones ha asegurado su popularidad no solo entre los residentes de las ciudades costeras, sino también entre los magnates de los negocios que atrapan con éxito a estos formidables peces.

Vender un pez muerto por $ 12 millones es un trato con el que la mayoría de los empresarios exitosos probablemente ni siquiera sueñan.

Sin embargo, resultó estar dentro del poder del magnate de la publicidad de Nueva York, el famoso coleccionista de arte Charles Saatchi.

Los orígenes de la historia de los muertos se remontan a 1991, cuando el mismísimo artista británico de moda Damien Hirst, según confesión suya, colgó anuncios para la compra de un cadáver de tiburón recién capturado en la costa de la localidad australiana de Ipswich.

No se prometió mucho, solo 4 mil dólares para la captura del depredador y otros 2 mil para cubrir el cadáver con hielo y enviarlo en avión a Inglaterra.

¡Ninguno de los pescadores podría haber imaginado que este cadáver más tarde podría hacer una fortuna!

Hirst necesitaba el tiburón muerto para crear una obra de arte bajo el complejo título "La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo" (La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo), y Saatchi también la encargó.

Por la creación de la exposición, el magnate pagó al artista 50 mil libras (unos 100 mil dólares en ese momento).

De hecho, la obra maestra fue un tiburón de 5 metros embalsamado en formol.

Incluso en ese momento, la cantidad parecía tan ridícula que el famoso semanario "Sol" se reunió con el trato con el titular "¡50 mil para pescado sin papas fritas!"

Solo pasó un año, y el cadáver muerto comenzó a descomponerse debido al procesamiento fallido del tejido: la aleta dorsal se cayó, la piel se arrugó y adquirió un tinte verde, el formaldehído en el acuario se volvió turbio.

Los curadores de la Galería Saatchi, tratando de salvar la exhibición de alguna manera, agregaron un poco de lejía al tanque, pero esto solo aceleró la descomposición.

Finalmente, en 1993, cedieron, desollaron el cadáver y lo colocaron sobre un fuerte marco de plástico. El tiburón muerto todavía estaba verde.

Tiburón en formol - arte sin fronteras

Casi al mismo tiempo, los activistas por los derechos de los animales, con la ayuda de los medios de comunicación, levantaron un motín en los periódicos, declarando que esto no era arte, sino una simple burla de un cadáver.

¿Qué impidió que Saatchi simplemente tirara el pescado podrido y lo reemplazara con exactamente lo mismo, pero fresco? Los historiadores del arte responden categóricamente a esta pregunta: si el tiburón se actualiza o cambia de alguna manera, no será el mismo trabajo. Al igual que si vuelves a pintar un Rembrandt, ya no será un Rembrandt.

Finalmente, Saatchi decidió vender la exhibición. El mediador fue el famoso marchante de arte de Nueva York Larry Gagosian.

Se sabía que algunos coleccionistas y museos de Londres mostraban un interés moderado, pero ninguno de ellos expresó un deseo definido de comprar el pescado muerto estropeado durante mucho tiempo.

$12 millones por un pez muerto

El más prometedor de todos los compradores fue un multimillonario de Connecticut, el coleccionista Steve Cohen. Compró el artículo.

$ 12 millones: el precio de un pez podrido, medio caído e incoloro conmocionó al mercado mundial del arte contemporáneo.

Y ni siquiera es que esta cantidad fuera la más grande del mundo jamás pagada por la obra del artista durante su vida.

Steve Cohen, que gana más de quinientos millones de dólares al año, puede permitirse ese capricho fácilmente: cálculos simples muestran que la compra le costó solo cinco días de ingresos.

Pero, ¿es tal adquisición una obra de arte? Las opiniones de los expertos, e incluso de la gente común, difieren.

Y mientras la gente discute, el tanque con el tiburón muerto más famoso del mundo acumula polvo en las bóvedas de la galería Steve Cohen.

Hoy, en la sección "Arte en cinco minutos", hablaremos sobre el artista más famoso de nuestro tiempo: Damien Stephen Hirst. Nos enfrentaremos a un tiburón en formaldehído con la ayuda de una cinta de Moebius, descubriremos cómo el arte medieval tiene algo en común con una calavera de diamantes y nos embarcaremos en una transgresión para averiguar si hay vida en la muerte.

Referencia: Damien Hirst es un artista, empresario, coleccionista de arte inglés y la figura más célebre de los Jóvenes Artistas Británicos, que han dominado la escena artística desde la década de 1990. Nacido el 7 de junio de 1965 en Bristol, Reino Unido.

¿Cuál es el tema central de las obras de Hirst?

Corto: Muerte.

Más: La oposición fundamental entre la negación de la muerte y la conciencia de su inevitabilidad es el tema central del artista. Hirst no anda por ahí, va dentro de la misma muerte. Para profundizar en el tema, incluso en su juventud, el artista iba al teatro anatómico para hacer bocetos y trabajaba a tiempo parcial en la morgue.

Dado que Hirst tiene muchas obras relacionadas con la muerte, veremos la instalación específica "A Thousand Years" de 1990, una de las obras más significativas del autor. Es una caja combinada doble: en el primer recinto hay una cabeza de vaca y un matamoscas eléctrico, en el segundo, larvas y moscas. Hay 4 agujeros cortados en la partición entre estos cubos. Las moscas, que volaron hacia el primer cubo, se dividieron de inmediato en 2 grupos diferentes: el primero voló directamente hacia las lámparas y, al tocarlas, murió de inmediato, y la segunda parte de las moscas trató de tomar un lugar en la cabeza de una vaca muerta. .

La artista habla de ella: “Recuerdo que Gary Hume y yo estábamos sentados un día cuando estaba trabajando en esta instalación, me preguntó: "¿En qué trabaja ahora?" Dije: "Bueno, tengo una caja de vidrio, una cabeza de vaca, gusanos y moscas. Todo lo que queda es encontrar un matamoscas que los mate a todos". Me miró como si estuviera loco. Y pensé: "Genial. Esa es una excelente manera de explicarlo como algo loco, solo explíqueselo a alguien para que ya tenga una opinión. Y esto es cuando no tienen idea de lo que realmente es, para que no puedan prepárate para lo que ven".

Esta instalación nos remite a Donald Judd, el padre del minimalismo. El artista renuncia a la belleza tradicional, la figuración y cualquier contenido sentimental.
En este trabajo, Hirst capturó el ciclo de la vida, mostró cuán ordenado es el caos de la vida y la muerte.

Hay que decir que a veces Hirst se deja llevar: una vez el británico calificó los ataques terroristas de Nueva York del 11 de septiembre de 2001 como una obra de arte, por lo que posteriormente tuvo que disculparse.

Moriré, y quiero vivir para siempre. No puedo escapar de la muerte, y no puedo deshacerme del deseo de vivir. Quiero tener una idea de lo que es morir.

Hirst es el artista más rico del mundo?

Brevemente: D. una.

Leer más: P. al menos eso es lo que dicen todas las publicaciones occidentales. El estado total del artista se estima en mil millones de dólares. Hirst vendió Beautiful Inside My Head Forever completo en Sotheby's por 111 millones de libras esterlinas (198 millones de dólares), rompiendo el récord de una subasta de un solo artista. También en las listas de los artistas más ricos están Takashi Murakami, Jeff Koons, Jasper Johns. Por cierto, el salario aproximado de los asistentes de Hirst es de $32,000.

¿Cómo se llama el estilo en el que trabaja el artista?

Corto: Neoconceptualismo.

Más: El neoconceptualismo o posconceptualismo es una dirección que representa la etapa moderna en el desarrollo del conceptualismo en los años 60-70. El neoconceptualismo surgió en Estados Unidos y Europa a fines de la década de 1970. El neoconceptualismo, como el arte conceptual, es ante todo un arte de preguntas. El arte conceptual continúa planteando preguntas fundamentales no solo sobre la definición del arte en sí mismo, sino también sobre la política, los medios y la sociedad. El neoconceptualismo se asocia principalmente con los jóvenes artistas británicos, que se hicieron un nombre en la década de 1990.

Grandes eventos

1991: Charles Saatchi financia a Damien Hirst y al año siguiente la Galería Saatchi exhibe su obra "La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive": un tiburón en formaldehído.

1993: Vanessa Beecroft realiza su primera actuación en Milán.

1999: Tracey Emin nominada para el Premio Turner. Parte de su exposición es la instalación "Mi cama".

2001: Martin Creed gana el premio Turner por "The Lights Going On and Off", una habitación vacía con luces que se encienden y apagan.

2005: Simon Starling recibe el premio Turner por "Shedboatshed", el edificio de madera en el que navegó por el Rin.

¿Hirst tiene una pintura?

Corto: Sí.

Más: Hirst nunca se centró en la pintura, incluso cuando era un estudiante temprano en la década de 1980, asistiendo al pionero Goldsmiths College. A diferencia de otras escuelas que atrajeron a estudiantes que no lograron ingresar a una universidad real, la escuela Goldsmith atrajo a muchos estudiantes talentosos y maestros ingeniosos. Goldsmith introdujo un programa innovador que no requería que los estudiantes dibujaran o pintaran.
Pero Hirst todavía tiene tres usos para la pintura.
El primero son pinturas puntuales, círculos de colores que surgen de Jeff Koons. Este proyecto aún está en curso. Un día, el artista abrió exactamente las mismas exposiciones en varias ciudades del mundo a la vez, todo el espacio estaba cubierto de pinturas con círculos multicolores.
Segundo- esta es la pintura giratoria, que implica un círculo giratorio sobre el que se vierte pintura, por lo que la pintura en sí dibuja un lienzo dinámico. La creación más famosa de este estilo fue todo el Estadio Olímpico. Hirst recibió el encargo de decorar la arena y derramó pintura en forma de bandera británica en honor a la apertura de los Juegos Olímpicos. Pero como vemos, ni lo primero ni lo segundo es pintura, es el uso de pinturas sin dibujo.

Las personas que critican el arte moderno olvidan que todo arte alguna vez fue moderno.

Tercero son obras al estilo de Francis Bacon. De partida, el propio Hirst dijo que no pintaría, porque sus pinturas serían absolutamente secundarias, era consciente de su propia suplantación. Pero, por alguna razón, cambió de opinión y trajo su pintura a la exposición personal "Requiem", que se mostró con nosotros en el Centro de Arte Pinchuk en 2009. Además de obras antiguas, el artista exhibió una nueva serie de pintura llamada "Pinturas de calaveras". Se convirtieron en el principal objetivo de los críticos sarcásticos. "Hay una sensación de que frente al espectador hay una estilización de Bacon, hecha por un estudiante", comentó uno de ellos. Muchos de los críticos del arte contemporáneo creen que una vez, a principios de los 90, Hirst fue el líder indiscutible del Nuevo Arte Británico y, en general, estuvo a la vanguardia del arte contemporáneo, pero esos días quedaron atrás, ahora el artista de vanguardia de ayer se ha convertido en en un proveedor de kitsch ultra-caro - justo para el gusto y la mente de los oligarcas de Europa del Este y Asia, y las pinturas de Hirst son simplemente inútiles.

Hirst también tiene una pintura "Para mamá". Representa frutas y flores, sin alusiones, reminiscencias y adivinanzas. Solo frutas y flores. Porque desde que se convirtió en artista, su madre le reprochaba que su hijo no podía dibujar nada "normal". Entonces escribió, de hecho, ¿qué podría ser más normal que las frutas y las flores?

Recientemente se reveló que Hirst se encerró en el cobertizo de su jardín y pintó en secreto allí. "Los animales en formol ya no escandalizan al público, es mucho más sorprendente cuando coges pinceles y lienzos y vuelves a lo básico"- comentó sobre sus vergonzosas ocupaciones para un artista moderno.

¿Genio o ficción?

Brevemente: K. como se dijo en las sagradas escrituras "moriremos, lo sabremos".

Más: Hirst es inimaginablemente rico y exitoso, y además, es un contemporáneo: esta es la fórmula ideal que genera muchas discusiones en torno al trabajo de los británicos.

Algunos críticos consideran al artista como un fenómeno creado artificialmente con una bolsa de dinero en lugar de una cabeza. Otros, como ya hemos dicho, vilipendian su pintura, apuntando a la imitación de Bacon. Pero Julian Spalding fue más lejos, considera a Hirst una ficción y simplemente un no artista, llamando irónicamente al estafador, lo que por un lado habla de engaño, ya que "con" en inglés significa "engañar", y por otro por otro lado, es una abreviatura de la palabra "conceptualismo", que tiene gracia. Por cierto, "con" en inglés significa otro significado obsceno, algo así como "miembro", así le llamaban a Bill Gates en la escuela, así que si intentas crear una carpeta en tu escritorio con ese nombre, no lo lograrás. Pruébalo ahora mismo.
Los críticos de la orilla, donde la hierba es más verde, encuentran en Hirst un genio que, de la mezcolanza de lo cotidiano, sublima el alcohol puro del arte con la ayuda del ingenio y la tecnología avanzada. Se le dan muchos argumentos a Tom, el más significativo de los cuales (refiriéndose al discurso histórico) es que logró crear un arte completamente nuevo a partir del tema más antiguo de la "muerte". Por otro lado, durante la exposición retrospectiva de Hirst en el MOMA, la asistencia aumentó un 20 por ciento, ¿qué más argumentos se necesitan?

El británico es tan popular y controvertido que otros artistas crean arte a partir de él. El escultor español Eugenio Merino hizo un objeto que representa el suicidio de Damien Hirst: en una caja de vidrio, una muñeca que se asemeja a un artista británico se arrodilla con una pistola apuntando a una sien ensangrentada. El objeto, según The Daily Telegraph, se llama "4 the Love of Go(l)d". Por lo tanto, juega con el nombre de una de las obras más famosas de Hirst: una calavera con incrustaciones de diamantes ("Por amor de Dios") y la palabra "oro" - "oro": el británico es considerado uno de los más caros. artistas del mundo. Merino dice ser fanático del trabajo de Hirst. Él dice esto sobre su tema: "Por supuesto, esto es una broma, pero esta es la paradoja: si él [Hirst] se suicida, entonces su trabajo será aún más caro".

Independientemente de lo que digan los críticos del mundo, The Guardian lo expresó mejor: "En una era de todo lo creado, en un mundo donde el eclecticismo y el dinero gobiernan, Hirst es "el artista que nos merecemos".

Pregunta de la gerente de relaciones públicas Anastasia Kosyreva

¿Cuál es la diferencia entre un tiburón en formaldehído de Hirst y un animal en formaldehído en lecciones de biología? ¿Por qué el primero es arte y el segundo no?

Corto:“Porque el primero está en la galería, y el segundo no” (c) Hirst

Más: Hirst, por supuesto, está bromeando, generalmente es una persona muy divertida, esto se puede ver en todas sus entrevistas. Pero hablaremos en serio.
La instalación "Tiburón tigre en formaldehído" se llama "La imposibilidad física de la muerte en la mente de los vivos". El tiburón fue capturado por un pescador australiano y vendido a un artista por 9500 dólares. Y la instalación se vendió en 2004 al coleccionista Steve Cohen por 12 millones de dólares. Estar cerca de este tiburón recuerda el título de la novela de Jonathan Foer "Extremadamente cerca, increíblemente ruidoso". La fea boca del tiburón está abierta de par en par, esto crea el efecto de un gruñido, un grito, como símbolo del dolor de morir. La boca abierta de un tiburón hace referencia a las pinturas del artista favorito de Hirst, Francis Bacon. En general, Hirst podía tomar cualquier animal, pero eligió al tiburón para no escandalizar a la sociedad, el tiburón es fuente de peligro y símbolo de muerte. El tiburón duplica la muerte: ella misma está muerta y, al mismo tiempo, portadora de la muerte. El fenómeno más inusual en los tiburones es el canibalismo intrauterino. Alrededor del 70% de los tiburones mueren en feroces batallas justo en el útero.

Pero lo más importante en este trabajo no es un tiburón o formaldehído. Es importante destacar que esta instalación se encuentra en un espacio limpio y minimalista, continuando nuevamente con la tradición de Judd. Un esquema construido de contraste entre la forma abstracta y sólida de la demostración y su contenido de sujeto mortal. El arte, "en cuyo nombre" actúa la forma de la vitrina, cumple aquí su función tradicional: detiene el tiempo.

También hay un juego conceptual en esta obra, en el que el objeto de la imagen es el mismo que la imagen misma. En pocas palabras, la muerte representa la muerte. Esa cinta semántica de Möbius, cuando el sentido de la obra se cierra sobre sí misma, cuando la obra cuenta sobre sí misma.

Hirst dice de su trabajo: "Estoy tratando de descifrar la muerte. Es difícil para las personas darse cuenta de su propia mortalidad, y muchas de mis obras tratan sobre esto. Mi tiburón es un intento de describir este sentimiento, un sentimiento de miedo irracional a la muerte. Es por eso que Usé un tiburón real, tan grande que podría tragarse a una persona entera. Y lo coloqué en un recipiente con líquido de tal tamaño que al espectador se le ponía la piel de gallina. Y esta no es una visión sombría del mundo. Al contrario, Esperaba que la muerte sirviera como inspiración y fuente de energía para los espectadores. Ayudaría a realizar la celebración de la vida".

Pregunta de la editora en jefe Evgenia Lipskaya:

¿Por qué eligió las mariposas como material principal? ¿Los mató o los recogió muertos?

Corto: 1. En la corta vida de una mariposa, es más fácil mostrar el ciclo de vida, también la muerte de una mariposa es una demostración muy clara de lo hermoso y lo terrible.

2. No los mató él mismo, pero tampoco los recogió. Las mariposas fueron traídas de "viveros especiales" y luego murieron de su propia muerte en la galería.

Más: La instalación más famosa del artista, donde los personajes principales son mariposas, se llama "Enamórate y deja de amar". Las mariposas volaban libremente en la galería, que también tenía fuentes de flores y frutas. Dado que las mariposas son criaturas de vida corta, cayeron muertas justo en medio de la exhibición. Golpean las pinturas y las untan, creando así obras abstractas. Las imágenes resultaron hermosas y siniestras, ya que estamos hablando de criaturas muertas. Luego fue tan lejos como para diseñar vidrieras para catedrales góticas a partir de alas reales de mariposas muertas. Inicialmente, los visitantes no sabían que las mariposas morían durante la exhibición, se traían 400 nuevas criaturas cada semana. Cuando el público se dio cuenta de que 9.000 mariposas habían muerto durante la exposición, Hirst comenzó a ser atacada. Los opositores al artista se basaron especialmente en el hecho de que las mariposas podrían vivir mucho más tiempo en su hábitat natural, hasta nueve meses. Sin embargo, los representantes de Tate respondieron a todos los reproches con una cosa: se crearon condiciones para que las mariposas se acercaran lo más posible a su hábitat. Por cierto, las mariposas fueron traídas en capullos, nacieron en la exposición y murieron allí.

Inicialmente, estas eran pupas esparcidas por toda la habitación, pero luego de completar el proceso de metamorfosis, las mariposas exóticas que nacieron volaron directamente a los enormes lienzos con flores frescas. Las mariposas se pegaban a lienzos adhesivos y al cabo de un tiempo morían, convirtiéndose en parte del cuadro. Además, enormes ceniceros repletos hasta el borde de colillas de cigarrillos estaban adheridos a la parte posterior de los lienzos gigantes.

También existen las series "Mariposas" y "Caleidoscopios", donde, en el primer caso, se pegan mariposas muertas a un lienzo recién pintado sin usar pegamento, y en el segundo, se pegan fuertemente entre sí, creando patrones que se asemejan a un caleidoscopio.

Cabe decir que las mariposas no son el único insecto que Hirst convierte en arte. Tiene un trabajo que está hecho completamente de moscas. Es decir, el lienzo está cubierto de moscas lo más apretado posible, por lo que el artista creó su propio "cuadrado negro".

Pregunta de la editora de belleza Kristina Kilinskaya:

¿Quién compró esta calavera y por cuánto?

Corto: Un consorcio que incluye al propio Hirst, su mánager Frank Dunphy, el responsable de la galería White Cube y el famoso filántropo ucraniano Viktor Pinchuk por 100 millones de dólares.

Más: La instalación se llama "Por el amor del Señor" y es un cráneo humano hecho de platino e incrustado de diamantes. Según Hirst, el nombre se inspiró en las palabras de su madre cuando se volvió hacia él con las palabras: "Por el amor de Dios, ¿qué vas a hacer ahora?" ("Dime, ¿qué vas a hacer ahora?". Por el amor de Dios - literalmente, una cita de la Primera Epístola de Juan: "Porque este es el amor de Dios" (1 Juan 5:3)). El cráneo está hecho de platino, como una copia ligeramente reducida del cráneo de un europeo de 35 años que vivió entre 1720 y 1810. Toda el área del cráneo, a excepción de los dientes originales, está tachonada con 8.601 diamantes con un peso total de 1.106,18 quilates. En el centro de la frente se encuentra el elemento principal de la composición: un diamante rosa en forma de pera. El trabajo le costó a Hirst £ 14 millones.

En 2007, con fines de inversión, un grupo de inversores, incluido el propio Hirst, su manager Frank Dunphy, jefe de la galería White Cube y el destacado filántropo ucraniano Viktor Pinchuk, compraron el cráneo por 50 millones de libras (100 millones de dólares estadounidenses). Este es un precio récord pagado por una obra de un artista vivo.

"Por el Amor del Señor" es una síntesis de kitsch, pop art, clásicos y el eterno tema de la muerte. El cráneo es una realización extremadamente visual del tema clásico del arte occidental Vanitas vanitatum: el artista demuestra que tanto el dinero como el lujo son decadencia y vanidad.

En esencia, esta obra es un comentario bastante ingenioso de Hirst sobre su propio éxito comercial: en lugar de disfrazarlo vergonzosamente, el artista lo hace alarde: invierte en la creación de un objeto que cuesta 15 millones de libras. Y el hecho de que este objeto sea una calavera solo enfatiza el triunfo de la religión del becerro de oro en el mundo moderno.

Sin embargo, la comunidad artística no apreció el aspecto autorrevelador del nuevo trabajo del artista inglés. En una era de arte preocupado por la ética y la política, Damien Hirst se ha convertido en una figura odiosa, y una reacción interna decente ante la mención de su nombre es una mueca de ironía, irritación y aburrimiento.

El propio Hirst dice que "este objeto simboliza la riqueza y el valor de la vida" y agrega "Por cierto, las calaveras de diamantes también tienen que ver con el hecho de que decorar la muerte es una excelente manera de aceptar esta idea".

Mi fe en el arte difiere poco del fanatismo religioso. Todos necesitamos algo para navegar en la oscuridad.

Damien Stephen Hirst (ing. Damien Hirst; 7 de junio de 1965, Bristol, Reino Unido) es un artista, empresario, coleccionista de arte inglés y la figura más famosa del grupo Young British Artists, que ha dominado la escena artística desde la década de 1990.

The Sunday Times estima que Hirst es el artista vivo más rico del mundo, con un patrimonio neto de 215 millones de libras esterlinas en 2010. Al comienzo de su carrera, Damien trabajó en estrecha colaboración con el famoso coleccionista Charles Saatchi, pero las crecientes diferencias llevaron a una ruptura en 2003.

La muerte es un tema central en su obra. La serie más famosa del artista es Historia natural: animales muertos (incluido un tiburón, una oveja y una vaca) en formaldehído. Obra emblemática: "La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive" (ing. La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive): un tiburón tigre en un acuario con formaldehído. Esta obra se ha convertido en un símbolo de la obra gráfica del arte británico en la década de 1990 y un símbolo de Britart en todo el mundo.

Las mariposas son uno de los objetos centrales para expresar el trabajo de Hirst, las utiliza en todas las formas posibles: representación en pinturas, fotografías, instalaciones. Así, para una de sus instalaciones “Fall in love and out of love” (Dentro y fuera del amor), realizada en la Tate Modern de abril a septiembre de 2012 en Londres, 9.000 mariposas vivas, que fueron muriendo gradualmente durante este evento. Tras este incidente, representantes de la RSPCA Animal Welfare Foundation sometieron al artista a duras críticas.

En septiembre de 2008, Hirst vendió Beautiful Inside My Head Forever completo en Sotheby's por £ 111 millones ($ 198 millones), rompiendo el récord de una subasta de un solo artista.

Damien Hirst nació en Bristol y creció en Leeds. Su padre era mecánico y vendedor de autos y abandonó a la familia cuando Damien tenía 12 años. Su madre, Mary, era una artista aficionada. Rápidamente perdió el control de su hijo, quien fue arrestado dos veces por hurto. Al principio, Damien estudió en una escuela de arte en Leeds, luego, después de dos años de trabajo en obras de construcción en Londres, trató de ingresar a la Escuela de Arte y Diseño de Central St Martin y a alguna universidad en Gales. Como resultado, fue admitido en Goldsmith College (1986-1989).

En la década de 1980, Goldsmith College se consideró innovador: a diferencia de otras escuelas que reunieron a estudiantes que no lograron ingresar a una universidad real, Goldsmith School atrajo a muchos estudiantes talentosos y maestros ingeniosos. Goldsmith introdujo un programa innovador que no requería que los estudiantes dibujaran o pintaran. En los últimos 30 años, este modelo de educación se ha generalizado en todo el mundo.

Como estudiante en la escuela, Hirst visitaba regularmente la morgue. Más tarde, notará que muchos temas de sus obras se originan allí.

En julio de 1988, Hirst comisarió la ahora famosa exposición Freeze en el edificio vacío de la Autoridad del Puerto de Londres en los muelles de Londres; la exposición contó con el trabajo de 17 alumnos de la escuela y su propia creación - una composición de cajas de cartón, pintadas con pinturas de látex de pintura. La propia exposición Freeze también fue fruto del trabajo de Hirst. Él mismo seleccionó las obras, ordenó el catálogo y planeó la ceremonia de inauguración.

Freeze se ha convertido en un punto de partida para varios artistas de YBA; además, el conocido coleccionista, curador de propaganda de la OTAN, Charles Saatchi, llamó la atención sobre Hirst.

Hirst se graduó de Goldsmiths College en 1989. En 1990, junto con su amigo Carl Friedman, organizó otra exposición, Gamble, en un hangar, en un edificio vacío de la fábrica de Bermondsey. Saatchi visitó esta exposición: Friedman recuerda estar con la boca abierta frente a la instalación de Hirst llamada A Thousand Years, una demostración visual de la vida y la muerte. Saatchi compró esta creación y le ofreció dinero a Hirst para crear obras futuras.

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Existe la opinión de que un artista puede ser extremadamente rico o extremadamente pobre. Esto se puede aplicar a la persona que se discutirá en este artículo. Su nombre es - y es uno de los artistas vivos más ricos.

Según el Sunday Times, según sus estimaciones, este artista fue el más rico del mundo en 2010, y su fortuna se estimó en 215 millones de libras.

La obra de Damien Hirst

En el arte contemporáneo, este hombre asume el papel de "el rostro de la muerte". Esto se debe en parte al hecho de que utiliza materiales que no están acostumbrados a utilizar para crear obras de arte. Entre ellos, cabe destacar pinturas de insectos muertos, partes de animales muertos en formaldehído, una calavera con dientes reales, etc.

Sus obras evocan conmoción, asco y deleite en las personas al mismo tiempo. Para esto, los coleccionistas de todo el mundo están dispuestos a dar una gran cantidad de dinero.

El artista nació en 1965 en una ciudad llamada Bristol. Su padre era mecánico y abandonó a la familia cuando su hijo tenía 12 años. La madre de Damian trabajaba en una oficina de consultoría y era artista aficionada.

El futuro "rostro de la muerte" en el arte contemporáneo llevó un estilo de vida asocial. Fue arrestado dos veces por hurto. Pero a pesar de esto, el joven creador estudió en la Escuela de Arte de Leeds, y luego ingresó al London College llamado Goldsmith College.

Esta institución fue algo innovadora. La diferencia con las demás era que otras escuelas simplemente aceptaban estudiantes que no tenían las habilidades para ingresar a una universidad real, y Goldsmiths College reunió a muchos estudiantes y maestros talentosos. Tenían su propio programa, para el cual no era necesario saber dibujar. Recientemente, esta forma de entrenamiento solo ha ganado popularidad.

Como estudiante, le gustaba visitar la morgue y hacer bocetos allí. Este lugar sentó las bases para sus futuros temas de obras.

De 1990 a 2000, Damien Hirst tuvo problemas con las drogas y el alcohol. Durante este tiempo, se las arregló para cometer muchas payasadas diferentes mientras estaba en estado de embriaguez.

Escalera de carrera de artista

Hirst se interesó por el público por primera vez en una exposición llamada "Freeze", que se realizó en 1988. En esta exposición, Charles Saatchi llamó la atención sobre la obra de este artista. Este hombre era un magnate famoso, pero también era un ávido amante del arte y un coleccionista de arte. El coleccionista compró dos de las obras de Hirst en un año. Después de eso, Saatchi frecuentemente compraba arte a Damien. Puede contar alrededor de 50 obras que fueron compradas por esta persona.

Ya en 1991, el mencionado artista decidió realizar su propia exposición, la cual se denominó Dentro y fuera del amor. No se quedó ahí y realizó varias exposiciones más, una de las cuales se llevó a cabo en

En el mismo año se produjo su obra más famosa, se llamó "La imposibilidad física de la muerte en la mente de los vivos". Fue creado a expensas de Saatchi. El trabajo realizado por Damien Hirst, cuya foto es un poco más abajo, era un recipiente con uno grande que estaba sumergido en formaldehído.

En la foto puede parecer que el tiburón tiene una longitud bastante pequeña, pero en realidad medía 4,3 metros.

escándalos

En 1994, en una exposición comisariada por Damien Hirst, hubo un escándalo con un artista llamado Mark Bridger. Este incidente ocurrió por una de las obras llamada "Estrangulada del rebaño", que es una oveja sumergida en formaldehído.

Mark llegó a una exposición en la que se mostraba esta obra de arte y, con un solo movimiento, vertió una lata de tinta en un recipiente y proclamó el nuevo nombre de esta obra: "Oveja negra". Damien Hirst lo demandó por un acto de vandalismo. En el juicio, Mark trató de explicarle al jurado que solo quería complementar el trabajo de Hirst, pero el tribunal no lo entendió y lo declaró culpable. No pudo pagar la multa, porque en ese momento estaba en malas condiciones, por lo que le dieron solo 2 años de libertad condicional. Algún tiempo después, creó su propia Oveja Negra.

creditos de damien

En 1995, sucedió una fecha importante en la vida del artista: fue nominado para el Premio Turner. La obra titulada "Madre e hijo separados" sirvió para que Damien Hirst se convirtiera en el laureado de este galardón. El artista combinó 2 contenedores en este trabajo. En uno de ellos había una vaca en formol, y en el segundo un ternero.

Último trabajo "fuerte"

El último trabajo que ha causado revuelo es el de Damien Hirst, que gastó bastante dinero en él. El trabajo, cuya foto ya muestra todo su alto costo, Damien Hirst aún no ha tenido.

El título de esta instalación es "Por el amor de Dios". Representa un cráneo humano, que está cubierto de diamantes. Para esta creación se utilizaron 8601 diamantes. El tamaño total de las piedras es de 1100 quilates. Esta escultura es la más cara de todas las existentes del artista. Su precio es de 50 millones de libras. Después de eso, fundió un nuevo cráneo. Esta vez se trataba del cráneo de un bebé, al que llamaron "Por el amor de Dios". El material utilizado fue platino y diamantes.

En 2009, después de que Damian Hirst realizara su exposición "Requiem", que provocó una tormenta de descontento entre los críticos, anunció que había terminado con las instalaciones y que continuaría haciendo pintura ordinaria nuevamente.

Forma de ver la vida

Según la entrevista, el artista se llama a sí mismo punk. Dice que le teme a la muerte, porque la muerte real es verdaderamente terrible. Según él, no es la muerte lo que vende bien, sino sólo el miedo a la muerte. Sus puntos de vista sobre la religión son escépticos.