Bélgica - ¡¡¡Artistas de Bélgica!!! (artistas belgas). Pintura belga del siglo XVII Moussin Irjan

Jan van Eyck es una figura clave del Renacimiento del Norte, su fundador.

Van Eyck fue considerado el inventor de las pinturas al óleo, aunque en realidad solo las mejoró. Sin embargo, gracias a él, el aceite recibió reconocimiento universal.

Durante 16 años, el artista fue el pintor de la corte del duque de Borgoña Felipe el Bueno, el maestro y el vasallo también estaban conectados por una fuerte amistad, el duque participó activamente en el destino del artista y van Eyck se convirtió en un intermediario. en el matrimonio del amo.

Jan van Eyck fue una verdadera "personalidad del Renacimiento": conocía bien la geometría, tenía ciertos conocimientos de química, era aficionado a la alquimia, se interesaba por la botánica y también llevó a cabo misiones diplomáticas con mucho éxito.

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René Magritte (1898, Lessin— 1967, Bruselas)

El gran bromista y embaucador Rene Magritte dijo una vez: "Mira, dibujo una pipa, pero esto no es una pipa". Utilizando una combinación absurda de objetos cotidianos, el artista llena sus cuadros de metáforas y significados ocultos que hacen pensar en la falsedad de lo visible, el misterio de lo ordinario.

Sin embargo, Magritte siempre se mantuvo alejado del resto de los surrealistas, considerándose más bien un realista mágico, en particular porque, sorprendentemente, no reconoció el papel del psicoanálisis.

La madre del artista se suicidó tirándose de un puente cuando él tenía 13 años, algunos investigadores creen que la imagen "firma" de un hombre misterioso con abrigo y bombín nació bajo la influencia de este trágico evento.

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En 2009, los Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas asignaron la colección del artista a un museo separado dedicado a su obra.

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Paul Delvaux (1897, Ante - 1994, Vörne, Flandes Occidental)

Delvaux fue uno de los artistas surrealistas más exitosos, a pesar de que nunca fue miembro oficial de este movimiento.

En el mundo tristemente misterioso de Delvaux, una mujer siempre ocupa un lugar central. Un profundo silencio especial rodea a las mujeres en las pinturas, como si estuvieran esperando a los hombres que las despertarán.

El tema clásico en la representación de Delvaux es una figura femenina contra el telón de fondo de un paisaje urbano o rural, dada en perspectiva, rodeada de elementos misteriosos.

El escritor y poeta Andre Breton incluso comentó una vez que el artista hace de "nuestro mundo el Reino de una Mujer, la amante de los corazones".

Delvaux estudió arquitectura en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, pero luego cambió a la pintura. Sin embargo, la arquitectura siempre toma parte activa en sus pinturas.

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Wim Delvoye (género. 1965)

El trabajo agudamente moderno, a menudo provocativo e irónico de Wim Delvoye muestra objetos ordinarios en un nuevo contexto para ellos. El artista combina temas modernos y clásicos en las más sutiles referencias y paralelos.

Entre las obras más famosas del artista se encuentran "Cloaca" (2009-2010), una máquina que parodia la acción del sistema digestivo humano, y "Art Farm" cerca de Beijing, donde Delvoye crea imágenes de tatuajes en las espaldas de los cerdos.

La más popular es su serie de esculturas pseudogóticas, que combinan tallas caladas con temas modernos, una de ellas (“Cement Truck”) se encuentra cerca del teatro KVS en Bruselas.

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En el Museo Real de Bellas Artes de Bruselas, M HKA (Amberes), en enero en la Maison Particulière, Wim Delvoye será artista invitado en la exposición colectiva "Taboo". Además, la escultura "Hormigonera" está instalada frente al teatro KVS (Teatro Real Flamenco) en la plaza entre las calles Hooikaai / Quai au Foin y Arduinkaai / Quai aux aux pierres de taille.

La mayoría de sus obras viajan constantemente por todo el mundo, siendo exhibidas en los mejores espacios de arte.

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Jan Fabre (nacido en 1958, Amberes)

El polifacético Jan Fabre es conocido por sus provocativas actuaciones, también es escritor, filósofo, escultor, fotógrafo y videoartista y es considerado uno de los coreógrafos contemporáneos más radicales.

El artista es nieto de un incansable investigador de mariposas, insectos y arañas.

Jean-Henri Fabre. Quizás por eso el mundo de los insectos es uno de los temas fundamentales de su obra, junto con el cuerpo humano y la guerra.

En 2002, Fabre, por encargo de la reina Paola de Bélgica, decoró el techo del Salón de los Espejos del Palacio Real de Bruselas (por cierto, por primera vez desde Auguste Rodin) con millones de alas de escarabajo. La composición se llama Heaven of Delight (2002).

Sin embargo, detrás de la superficie iridiscente, el artista le recuerda a la familia real una terrible vergüenza: la gran pérdida de vidas entre la población local del Congo durante la colonización del rey Leopoldo II por el bien de la extracción de diamantes y oro.

Según el artista, a la conservadora sociedad belga no le gustó esto, por decirlo suavemente: “Al hombre medio le suele molestar la idea de que el Palacio Real esté decorado por un artista que llama abiertamente a no votar por la derecha”.

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Además del Palacio Real, las obras de Jan Fabre se pueden ver en el Museo Real de Bellas Artes de Bruselas, donde se encuentran, entre otras, su instalación “Blue Look”, el Museo de Arte Contemporáneo de Gante (S.M.A.K.), M HKA ( Amberes), Belfius Art Collection (Bruselas), Museum Ixelles (Bruselas), así como exposiciones temporales comisariadas en Maison Particuliere, Villa Empain, Vanhaerents Art Collection y otros.

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¿Quién está al mando del mercado del arte belga? Jan Fabre, Luc Tuymans y Francis Alus

En 2011, en el mercado europeo del arte con una modesta cuota del 1,11 %, Bélgica ocupó solo el sexto lugar, dejando atrás no solo al Reino Unido, Francia y Alemania, sino también a Suecia e Italia. Sin embargo, la baja posición del mercado del arte belga no refleja en absoluto el éxito que los artistas belgas han logrado a nivel internacional. Cuatro belgas entraron en el Top 30 de Autores Europeos Contemporáneos en 2011, convirtiendo a Bélgica en el tercer país con mayor representación en el ranking después del Reino Unido y Alemania.

Los 10 mejores resultados de subastas de artistas belgas contemporáneos en 2011

En 2011, entre los artistas belgas, Luc Tuymans no solo fue el más vendido, sino también el más generoso. De hecho, dos de sus tres mejores resultados del año provinieron de subastas benéficas. Su obra "Deal - No deal" ("Lucky - no luck") se ofreció a los compradores el 22 de septiembre en la subasta de Nueva York de Christie's "Artists for Haiti" (las ganancias se destinaron a ayudar a los afectados por el terremoto de 2010). 956 500 dólares, mucho más caro que la estimación de 600-800 mil dólares. Deal - No deal "fue creado por Tuymans en Brujas. El autor dice que se inspiró en un hombre solitario que jugaba a la máquina en la esquina de un bar nocturno después medianoche A gran escala (200 x 130) en el lienzo de Tuymans, el jugador está en confusión y confusión.

SUERTE TUYMANS Trato - No hay trato. 2011 Fuente: christies.com

SUERTE TUYMANS Costa. 2011 Fuente: arcadja.com

Unas semanas más tarde, Takashi Murakami organizó una subasta benéfica para las víctimas del terremoto en Japón, donde The Shore (2011), de Tuymans, se vendió por 260.000 dólares. En esta pintura al óleo, el artista reelaboró ​​su serigrafía "Shore" anterior de 2005 basada en una fotografía Polaroid de las olas nocturnas. En la nueva versión, la ola rompiendo en la orilla y el cielo nocturno adquirieron tonalidades grises y blancas. En esta obra, el autor expresa su actitud personal ante la tragedia del país afectado por el terremoto y tsunami.

Otra obra de Tuymans, Easter (2006), se vendió en mayo en una subasta de Sotheby's en Nueva York por 800 000 dólares. Con estos resultados récord, los precios de Tuymans casi han vuelto a su punto máximo de 2005, cuando la Tate Modern realizó una retrospectiva de él. Francisco.

WIM DELVO Modelos de camiones y excavadoras Caterpillar 5C. 2004 Fuente: m.sothebys.com

WIM DELVO Modelos de camiones y excavadoras Caterpillar 5C (detalle). 2004 Fuente: m.sothebys.com

El artista belga Wim Delvoye ocupa el tercer lugar del ranking con su “Caterpillar 5C Truck and Excavator Models” (2004), vendido en la subasta de Sotheby's en Londres el 13 de octubre por 297,7 mil dólares, realizado en el estilo icónico del artista, un pequeño camión y la excavadora. se convirtió en la obra más cara de Delvaux vendida en una subasta pública. Los patrones calados góticos cortados en acero con la ayuda de un láser recuerdan las raíces flamencas del artista. Durante mucho tiempo, Delvaux ha sido considerado el "chico malo" del arte moderno belga: que intentó tatuar cerdos e inventó la máquina para la producción Excremento "Cloaca" Durante el año pasado, además de la fama escandalosa, el artista también alcanzó el éxito comercial: tres de sus obras se vendieron por más de 150 mil dólares: el igual que en los cuatro años anteriores.

Jan Fabre (Jan Fabre), así como Delvaux, no pueden clasificarse entre los ángeles, pero la reputación de provocador no le impidió ocupar cuatro líneas en el ranking de los autores belgas más exitosos. Su mejor resultado de 2011 es un quinto puesto en la clasificación nacional. El mercado secundario de la obra de Fabre finalmente ha comenzado a igualar el nivel de reconocimiento internacional que el artista ha alcanzado en los últimos años (Jan Fabre, por ejemplo, fue artista invitado en el pabellón belga de la Bienal de Venecia). La estatua de bronce "Hombre midiendo nubes" (1998) en la subasta de Christie's el 15 de octubre alcanzó un precio de remate de 252,4 mil dólares, el mejor para el artista en 2011. En total, Fabre realizó 8 vaciados de esta escultura, uno de ellos dejado en 2009 con martillo por unos 230 mil dólares, y otro ya este año, el 16 de febrero, fue vendido por 267 mil, lo que actualizó el registro personal del año pasado del artista y confirmó la suba de precios en el mercado por su obra. Da fuego" (233,6 mil dólares, Christie's, Londres) y "Antropología del planeta" (197,9 mil dólares, Sotheby's, Ámsterdam). Curiosamente, una de las obras más caras de Fabre en 2011 es "La batalla en la hora azul" (221,6 mil dólares, Christie's, Londres) - dibujo, mientras que todos los resultados anteriores de las obras gráficas de Fabre no superaron los 28 mil dólares. La obra representa tres ciervos volantes, fijados en el centro de una hoja de papel, completamente pintados con bolígrafo. Este es el trabajo más antiguo de la calificación: Fabre lo creó en 1989.

Desde noviembre de 2004 hasta mayo de 2008, 12 obras de Francis Alyus (Francis Alys) se subastaron por más de 150 mil dólares. De junio de 2008 a mayo de 2011, sólo una de sus obras alcanzó un resultado superior a los 80 mil dólares. La crisis afectó dramáticamente el mercado de las obras de Alus: en el período 2008-2010, los precios de sus obras cayeron un 37 por ciento. En 2011, la Tate Modern acogió una de las exposiciones más completas de Bélgica, A History of Deception. Ahora la demanda de la obra de Alus ha vuelto a crecer: en 2011, solo el 21 por ciento de sus obras se quedaron sin compradores, mientras que en 2009 esta cifra fue del 40 por ciento. Por lo tanto, no es de extrañar que dos de ellos hayan llegado al ranking actual. Iniciado como arquitecto, Francis Alus explora la interacción del hombre y el espacio en su trabajo utilizando una variedad de técnicas, desde la pintura hasta la interpretación. En la ya mencionada subasta benéfica "Artistas por Haití", el gran óleo de Alus "Le juif errant" ("El judío eterno") y varios dibujos preparatorios para el mismo se vendieron en 248 mil dólares. La pintura refleja el tema de la migración desde el punto de vista de la mitología. Otro excelente resultado lo trajo la obra "Sin título" ("Hombre / mujer con un zapato en la cabeza"): con una estimación bastante audaz de 100-150 mil dólares (teniendo en cuenta la última venta de esta obra en 2004 por 70 mil dólares), la obra se vendió el doble, por 200 mil dólares.

Hasta ahora, los artistas belgas no obtienen sus mejores resultados en subastas en casa. No obstante, Bélgica es responsable de una cuarta parte de todos los lotes vendidos de estos cuatro autores, lo que corresponde al 11 por ciento de los ingresos totales de su obra en subasta.

El material fue preparado por Maria Onuchina,AI

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Jan Fabre - artista y entomólogo;
Tercera Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú. Luc Tuymans;
Top 10 de la semana de noticias. Francis Alus: El arte como comentario sobre la existencia.

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Entre ellos también se puede ver un retrato de uno de los maestros más famosos de Flandes de esa época, Adrian Brauer. (1606-1632) , cuyas pinturas fueron recopiladas por el propio Rubens (Había diecisiete de ellos en su colección). Cada obra de Brauer es una perla de pintura. El artista estaba dotado de un enorme talento colorístico. El tema de su obra, eligió la vida cotidiana de los pobres flamencos - campesinos, mendigos, vagabundos - tedioso en su monotonía y vacío, con su entretenimiento miserable, a veces perturbado por un estallido de pasiones animales salvajes. Brouwer continuó las tradiciones de El Bosco y Brueghel en el arte con su rechazo activo de la miseria y la fealdad de la vida, la estupidez y la bajeza animal de la naturaleza humana y, al mismo tiempo, un gran interés por la característica única. No pretende desplegar ante el espectador un amplio trasfondo de la vida social. Su fuerza está en la representación de situaciones de género específicas. Posee especialmente la capacidad de expresar en expresiones faciales varios afectos de sentimientos y sensaciones experimentados por una persona. A diferencia de Rubens, van Dyck e incluso Jordans, no piensa en ideales ni pasiones nobles. Observa sarcásticamente a la persona tal como es. En el museo se puede ver su pintura "Drinking Buddies", notable por su delicado color claro, que transmite de manera sorprendente la iluminación y las condiciones atmosféricas. El miserable paisaje urbano cerca de las murallas, junto con los jugadores vagabundos, evoca una melancolía desgarradora. Este estado de ánimo del propio artista, hablando de la aburrida desesperanza de la existencia, es ciertamente profundamente dramático.

Fran Hals

El departamento holandés de pintura es relativamente pequeño, pero contiene pinturas de Rembrandt, Jacob Ruisdael, los pequeños holandeses, maestros del paisaje, bodegones y escenas de género. Un curioso retrato del comerciante Willem Heithuissen, obra del gran artista holandés Frans Hals (1581/85-1666) . Heithuissen era un hombre rico pero de mente estrecha y extremadamente vanidoso. Rústico por naturaleza, se esforzó sin embargo por parecerse a los nobles aristócratas por la elegancia que parecía permitirse adquirir su riqueza. Hals es ridículo y ajeno a las pretensiones de este advenedizo. Porque tan persistentemente, con cierta dosis de sarcasmo, hace que la imagen del retrato sea dual. Primero notamos la pose relajada de Heithuissen, su traje ricamente elegante, su sombrero con un ala elegante, y luego su rostro inexpresivo, pálido, ya no joven con una mirada apagada. La esencia prosaica de este hombre emerge, a pesar de todos los trucos para ocultarla. La inconsistencia interna y la inestabilidad de la imagen se revelan sobre todo en la composición original del retrato resuelta. Heithuissen, con un látigo en la mano, como después de un paseo, se sienta en una silla, que parece estar balanceando. Esta pose sugiere la rápida fijación del estado del modelo por parte del artista en un corto período de tiempo. Y la misma postura le da a la imagen una sombra de cierta relajación interior y letargo. Hay algo lamentable en este hombre, que trata de ocultarse a sí mismo el inevitable marchitamiento, la vanidad de los deseos y el vacío interior.

lucas cranach

En la sección de pintura alemana del Museo de Bruselas llama la atención la genial obra de Lucas Cranach el Viejo. (1472-1553) . Este es un retrato del Dr. Johann Schering fechado en 1529. La imagen de un hombre fuerte y de voluntad fuerte es típica del arte del Renacimiento alemán. Pero Cranach cada vez captura las cualidades individuales de la mente y el carácter y las revela en la apariencia física del modelo, claramente captada por su singularidad. En la mirada severa de Shering, en su rostro se puede sentir una especie de fría obsesión, rigidez e intransigencia. Su imagen sería simplemente desagradable si la enorme fuerza interior no evocara un sentido de respeto por el carácter peculiar de esta persona. El virtuosismo de la habilidad gráfica del artista es sorprendente, transmitiendo tan nítidamente las feas facciones grandes de la cara y muchos pequeños detalles del retrato.

Colecciones italianas y francesas

La colección de pinturas de artistas italianos puede despertar el interés de los visitantes del museo, ya que contiene obras de Tintoretto, el gran pintor, el último titán del Renacimiento italiano. "Ejecución de St. Marcos” es un lienzo de un ciclo dedicado a la vida de un santo. La imagen está impregnada de un drama tormentoso, un patetismo apasionado. No solo las personas, sino también el cielo en nubes desgarradas y el mar embravecido parecían llorar la muerte de una persona.

Las obras maestras de la colección francesa son el retrato de un joven de Mathieu Lenin y el paisaje de Claude Lorrain.

En su sección de arte antiguo, actualmente hay más de mil cien obras de arte, muchas de las cuales son capaces de entregar un profundo placer estético al espectador.

jacques louis david

La segunda parte del Museo Real de Bellas Artes - colecciones de arte de los siglos XIX y XX. Contienen principalmente obras de maestros belgas. La obra más destacada de la escuela francesa, conservada en el museo, es la "Muerte de Marat" de Jacques Louis David (1748-1825) .

David es un famoso artista de Francia, la cabeza del clasicismo revolucionario, cuyas pinturas históricas jugaron un papel muy importante en el despertar de la conciencia cívica de sus contemporáneos en los años que precedieron a la revolución burguesa francesa. La mayoría de las pinturas prerrevolucionarias del artista estaban pintadas sobre temas de la historia de la antigua Grecia y Roma, pero la realidad revolucionaria obligó a David a volverse hacia el presente y encontrar en él un héroe digno de ser un ideal.

“Maratu-David. Año dos" - tal es la inscripción lacónica en la imagen. Se percibe como un epitafio. Marat, uno de los líderes de la Revolución Francesa, fue asesinado en 1793. (según cálculo revolucionario en el segundo año) la monárquica Charlotte Corday. "Amigo del pueblo" se representa en el momento de la muerte, inmediatamente después del golpe. Un cuchillo ensangrentado es arrojado cerca del baño curativo donde trabajaba a pesar del sufrimiento físico. Un duro silencio llena la imagen, que suena como un réquiem por un héroe caído. Su figura está poderosamente esculpida con claroscuro y se asemeja a una estatua. La cabeza arrojada y la mano caída parecían congelarse en una paz eterna y solemne. La composición impresiona por la severidad de la selección de objetos y la claridad de los ritmos lineales. David percibe la muerte de Marat como un drama heroico del destino de un gran ciudadano.

El belga François Joseph Navez se convirtió en alumno de David, que vivió los últimos años de su vida en el exilio y en Bruselas. (1787-1863) . Hasta el final de su vida, Navez se mantuvo fiel a la tradición creada por su maestro, especialmente en el retrato, aunque introdujo en este género un toque de interpretación romántica de la imagen. Una de las obras famosas del artista "Retrato de la familia Emptinn" fue escrita en 1816. El espectador transmite involuntariamente que la joven y hermosa pareja está unida por sentimientos de amor y felicidad. Si la imagen de una mujer está llena de alegría tranquila, la masculina está cargada de un misterio romántico y una ligera sombra de tristeza.

Pintura belga de los siglos XIX y XX

En las salas del museo se pueden ver las obras de los pintores belgas más grandes del siglo XIX: Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger. Jan Stobbarts se presenta con una de sus mejores pinturas, Granja en Kreiningen, que realmente representa el trabajo campesino en Bélgica. Aunque el artista fue autodidacta, el cuadro está magníficamente construido y es de gran calidad pictórica. Su tema puede haberse inspirado en El regreso del hijo pródigo de Rubens. Stobbarts fue uno de los primeros pintores del siglo XIX en proclamar los principios del realismo.

El comienzo de su carrera artística fue difícil. Acostumbrado al concepto romántico de la imagen artística, el público de Amberes rechazó indignado sus veraces cuadros. Este antagonismo resultó tan fuerte que Stobbarts finalmente se vio obligado a mudarse a Bruselas.

El museo cuenta con veintisiete lienzos del famoso artista belga Henri de Brakeleur. (1840-1888) , quien fue sobrino y alumno de A. Leys, destacado pintor histórico. Mayor interés en la historia nacional de Bélgica, sus tradiciones, forma de vida, cultura combinada en De Brakeler con un extraño sentimiento de amor, lleno de un ligero arrepentimiento y añoranza por el pasado. Sus escenas de género están impregnadas de recuerdos del pasado, sus personajes se asemejan a personas de siglos pasados, estando rodeados de antigüedades y objetos. En la obra de De Brakelera hay sin duda un elemento de estilización. En particular, su pintura "Geógrafo" se parece al trabajo de los maestros holandeses del siglo XVII G. Metsu y N. Mas. En el cuadro vemos a un anciano sentado en un taburete de terciopelo del siglo XVII y sumergido en la contemplación de un antiguo raso pintado.

Pintura de James Ensor (1860-1949) "Dama de azul" (1881) tiene huellas de la fuerte influencia del impresionismo francés. La escala pintoresca consiste en tonos azules, gris azulados y verdes. Un trazo vivo y libre transmite vibración y movimiento de aire.

La interpretación pintoresca de la imagen convierte el motivo cotidiano en una escena poética. La elevada percepción pictórica del artista, su afición por la fantasía y un constante deseo de transformar lo que ve en algo inusual también se reflejan en sus brillantes bodegones, el ejemplo más exitoso de los cuales es el Skat de Bruselas. El pez marino es repulsivamente hermoso con su color y forma rosados ​​nítidos, como si se desdibujara ante los ojos, y hay algo desagradable e inquietante en su mirada hechizante y penetrante dirigida directamente al espectador.

Ensor vivió una larga vida, pero la actividad de su obra se sitúa en el período de 1879 a 1893. La ironía de Ensor, el rechazo de los rasgos desagradables de la naturaleza humana con un sarcasmo despiadado, se manifiesta en numerosas pinturas que representan máscaras de carnaval, que también se pueden ver en el Museo de Bruselas. Sin duda la sucesiva conexión de Ensor con el arte de El Bosco y Brueghel.

El mejor colorista y el escultor más talentoso que murió en la Primera Guerra Mundial, Rick Wauters (1882-1916) representados en el museo como pinturas y esculturas. El artista experimentó la influencia más fuerte de Cezanne, se unió a la corriente del llamado "fauvismo de Brabante", pero sin embargo se convirtió en un maestro profundamente original. Su arte temperamental está impregnado de un apasionado amor por la vida. En La dama del collar amarillo reconocemos a su esposa, Nel, sentada en un sillón. El sonido festivo del color amarillo de las cortinas, la tela escocesa a cuadros roja, las guirnaldas verdes en el papel tapiz, el azul del vestido evoca un sentimiento de alegría de ser, cautivando toda el alma.

El museo alberga varias obras del destacado pintor belga Permeke (1886-1952) .

Constant Permeke es ampliamente considerado como el líder del expresionismo belga. Bélgica fue el segundo país después de Alemania donde esta tendencia cobró una gran influencia en el ambiente artístico. Los héroes de Permeke, en su mayoría personas del pueblo, están representados con una tosquedad deliberada que, según el autor, debería revelar su fuerza y ​​​​poder naturales. Permeke recurre a la deformación, un esquema de color simplificado. Sin embargo, en su "Prometida" se siente una especie de monumentalización, aunque de imágenes primitivas, un deseo de revelar el carácter y la relación de un marinero y su novia.

Entre los maestros de la corriente realista del siglo XX destacan Isidore Opsomer y Pierre Polus. El primero es conocido como un maravilloso retratista. ("Retrato de Jules Destre"), el segundo, como un artista que, como C. Meunier, dedicó su trabajo a representar la difícil vida de los mineros belgas. Las salas del museo también cuentan con obras de artistas belgas pertenecientes a otras corrientes del arte contemporáneo, principalmente el surrealismo y el abstraccionismo.

Más diversa y colorida que la arquitectura y la escultura flamencas, la pintura flamenca del siglo XVII se despliega en su magnífico florecimiento. Aún más claramente que en estas artes, lo eternamente flamenco emerge aquí de una mezcla de cimientos del norte y del sur, como un tesoro nacional indestructible. La pintura contemporánea en ningún otro país capturó un área tan rica y colorida de temas. En templos nuevos o restaurados, cientos de gigantescos altares barrocos esperaban imágenes de santos pintadas en grandes lienzos. En palacios y casas, amplios muros anhelaban pinturas de caballete mitológicas, alegóricas y de género; Sí, y el retrato, que se convirtió en el siglo XVI en un retrato de tamaño natural, siguió siendo un gran arte en el pleno sentido de la palabra, combinando una naturalidad fascinante con la nobleza de la expresión.

Junto a esta gran pintura, que Bélgica compartió con Italia y Francia, floreció aquí, continuando con las antiguas tradiciones, la pintura de gabinete original, en su mayoría sobre pequeñas tablas de madera o cobre, inusualmente rica, que abarcaba todo lo representado, sin descuidar los temas religiosos, mitológicos o alegóricos, prefiriendo la vida cotidiana de todas las clases de la población, especialmente los campesinos, taxistas, soldados, cazadores y marineros en todas sus manifestaciones. Los paisajes diseñados o los fondos de las habitaciones de estas pinturas de figuras pequeñas se convirtieron en pinturas paisajísticas y arquitectónicas independientes en manos de algunos maestros. Esta serie se completa con imágenes de flores, frutas y animales. A los viveros y casas de fieras de los archiduques gobernantes en Bruselas, el comercio exterior trajo maravillas de flora y fauna. La riqueza de sus formas y colores no podía pasar desapercibida para los artistas que dominaban todo.

Por todo ello, en Bélgica ya no había terreno para la pintura mural monumental. Con la excepción de las pinturas de Rubens en la iglesia de los jesuitas de Amberes y algunas series eclesiásticas de paisajes, los grandes maestros de Bélgica crearon sus grandes pinturas sobre lienzo, pinturas de paredes y techos para gobernantes extranjeros, y el declive de la técnica de Bruselas de tapices, al que la participación de Rubens sólo dio un ascenso temporal, hizo superflua la participación de otros maestros belgas, como Jordán y Teniers. Pero los maestros belgas tomaron una participación bien conocida, aunque no tan profunda como la de los holandeses, en el desarrollo posterior del grabado y el grabado. Los holandeses de nacimiento fueron incluso los mejores grabadores antes de Rubens, y la participación de los más grandes pintores belgas: Rubens, Jordanses, Van Dycks, Brouwers y Teniers en "pintura grabado" - grabado, es en parte solo un asunto secundario, en parte incluso dudoso.

Amberes, la rica ciudad comercial de la Baja Alemania en el Escalda, es ahora, más que nunca, la capital de la pintura de la Baja Holanda. La pintura de Bruselas, quizás sólo en el paisaje buscando caminos independientes, se convirtió en una rama del arte de Amberes; incluso la pintura de los antiguos centros de arte flamencos, Brujas, Gante y Mecheln, vivió al principio solo por su relación con los talleres de Amberes. Pero en la parte valona de Bélgica, concretamente en Lüttich, se puede rastrear una atracción independiente hacia los italianos y los franceses.

Para la historia general de la pintura flamenca del siglo XVII, además de las colecciones de fuentes literarias de Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool y Weyermann, los léxicos de Immerseel, Kramm y Wurzbach consolidaron, sólo en parte obsoletos, libros de Michiels, Waagen, Waters, Rigel y Philippi son importantes. En vista de la importancia predominante del arte de Scheldt, también se puede mencionar la historia del arte de Amberes de Van den Branden y Rooses, que, por supuesto, requiere adiciones y cambios. El capítulo relacionado del autor de este libro en su "Historia de la pintura" y de Woltmann ya está desactualizado en detalle.

La pintura flamenca del siglo XVII alcanzó total libertad de disposición y ejecución pictórica, unidad interna de dibujo y colores, la más suave amplitud y fuerza en las manos creadoras de su gran maestro Peter Paul Rubens, quien hizo de Amberes el lugar central para la exportación de pinturas para toda Europa. No faltaron, sin embargo, los maestros que se encontraban en la transición entre la vieja y la nueva dirección.

En los sectores realistas nacionales, con pequeñas figuras contra el telón de fondo de un paisaje desarrollado, solo vivían ecos de la grandeza e inmediatez de Pieter Brueghel el Viejo. La representación del paisaje en la era de transición se mantiene dentro del "estilo escénico" creado por Giliss van Coninxloo, con su follaje de árbol empenachado y superando las dificultades de la perspectiva aérea y lineal al desarrollar tonos separados, alternados uno tras otro, de diferentes colores. Los fundadores de la pintura de paisaje actual, los hermanos de Amberes Matthäus y Paul Bril (1550-1584 y 1554-1626), también procedieron de este estilo condicional, sobre cuyo desarrollo no se sabe casi nada. Matthäus Bril apareció de repente como pintor de frescos de paisajes en el Vaticano en Roma. Después de su temprana muerte, Paul Bril, amigo de su hermano en el Vaticano, desarrolló aún más el entonces nuevo estilo paisajístico holandés. Se han conservado pocas pinturas auténticas de Matthäus; la mayor parte provino de Pablo, de cuyos paisajes eclesiásticos y palaciegos en el Vaticano, Letrán y el Palacio Rospigliosi en Santa Cecilia y Santa María la Mayor en Roma, he informado en otros lugares. Sólo gradualmente pasan bajo la influencia de los paisajes más libres, con mayor unidad de los ejecutados por Annibale Carracci, al equilibrado estilo de transición indicado anteriormente. El desarrollo posterior de Bril, que es parte de la historia general de la pintura de paisaje, se refleja en sus numerosos, en parte marcados por años, pequeños paisajes sobre tablas (1598 en Parma, 1600 en Dresden, 1601 en Munich, 1608 y 1624 en Dresden , 1609, 1620 y 1624 - en el Louvre, 1626 - en San Petersburgo), generalmente abundante en árboles, rara vez tratando de transmitir un área determinada. En cualquier caso, Paul Bril pertenece a los fundadores del estilo paisajista, del que surgió el arte de Claude Lorrain.

En los Países Bajos, el Amberes Josse de Momper (1564 - 1644), mejor representado en Dresde, desarrolló el estilo escénico Koninxloo en paisajes de montaña pintados con elegancia y no particularmente ricos en árboles, en los que "tres fondos", a veces con la adición de un cuarto iluminadas por el sol, suelen aparecer en toda su belleza marrón-verde-gris-azul.

La influencia de pinturas más antiguas de Bril se refleja en el segundo hijo de Peter Brueghel el Viejo, Jan Brueghel el Viejo (1568 - 1625), antes de su regreso a Amberes, en 1596, que trabajó en Roma y Milán. Criveli y Michel le dedicaron obras separadas. Pintó principalmente cuadros pequeños, a veces en miniatura, que dan la impresión de un paisaje, incluso cuando representan temas bíblicos, alegóricos o de género. Son ellos los que se adhieren firmemente al estilo Coninksloo con follaje copetudo, aunque transmiten las transiciones mutuas de los tres fondos de manera más sutil. La característica de la versatilidad de Jan Brueghel es que pintó fondos de paisajes para pintores de figuras como Balin, figuras para pintores de paisajes como Momper, coronas de flores para maestros como Rubens. Conocido por su "La caída" del Museo de La Haya, recién ejecutada y sutilmente, en la que Rubens pintó a Adán y Eva, y el paisaje y los animales de Jan Brueghel. Sus propios paisajes, abundantemente dotados de una vida popular abigarrada, todavía no especialmente expresiva al transmitir el cielo con sus nubes, son predominantemente zonas montañosas regadas por ríos, llanuras con molinos de viento, calles de pueblos con escenas de tabernas, canales con orillas boscosas, carreteras rurales transitadas. en alturas boscosas y caminos forestales con leñadores y cazadores, vívida y fielmente observados. Las primeras pinturas de él se pueden ver en la Ambrosiana de Milán. Está mejor representada en Madrid, así como en Munich, Dresde, San Petersburgo y París. De particular importancia en el sentido de buscar nuevas formas fue su pintura de flores, que transmitió de manera más convincente no solo todo el encanto de las formas y el brillo de los colores raros, sino también sus combinaciones. Cuadros de los colores de su pincel poseen Madrid, Viena y Berlín.

Entre sus colaboradores, no debemos perdernos a Hendrik van Balen (1575 - 1632), cuyo maestro se considera el segundo maestro de Rubens, Adam van Noort. Sus pinturas de altar (por ejemplo, en la Iglesia de Jacob en Amberes) son insoportables. Se hizo famoso por sus pequeñas pinturas azucaradas, escritas con suavidad, sobre tablas con contenido principalmente de fábulas antiguas, por ejemplo, la "Fiesta de los dioses" en el Louvre, "Ariadna" en Dresde, "La reunión del maná" en Braunschweig, pero sus pinturas de este tipo también carecen de frescura e inmediatez artísticas.

Sin embargo, el estilo de paisaje de transición descrito anteriormente continuó entre imitadores débiles hasta principios del siglo XVIII. Aquí podemos señalar solo a los maestros más fuertes de esta dirección, que la transfirieron a Holanda, David Winkboons de Mecheln (1578 - 1629), que se mudó de Amberes a Amsterdam, pintó escenas frescas de bosques y pueblos, en ocasiones también episodios bíblicos en un paisaje. ajuste, pero más de buena gana templo de vacaciones frente a las tabernas del pueblo. Sus mejores pinturas en Augsburgo, Hamburgo, Braunschweig, Munich, San Petersburgo se observan muy directamente y se pintan con colores floridos, no sin fuerza. Rellant Savery de Courtrai (1576 - 1639), a quien Kurt Erasmus dedicó un amoroso estudio escrito, estudió las montañas boscosas alemanas al servicio de Rodolfo II, tras lo cual se instaló como pintor y grabador, primero en Amsterdam, luego en Utrecht. Sus paisajes montañosos, rocosos y forestales llenos de luz, que fusionan gradualmente tres planos, pero algo secos en la ejecución, que se pueden ver bien en Viena y Dresde, los equipó con grupos vivos de animales salvajes y domesticados en escenas de caza, en imágenes de paraíso y Orfeo. También pertenece a los primeros pintores de flores independientes. Adam Willaerts de Amberes (1577, muerto después de 1649), que se mudó a Utrecht en 1611, fue un representante del paisaje marino de este estilo de transición. Sus vistas costeras y marinas (por ejemplo, en Dresde, en Weber en Hamburgo, en la Galería de Liechtenstein) todavía son secas en el patrón de las olas, todavía toscas al representar la vida del barco, pero cautivadoras con la honestidad de su relación con la naturaleza. Finalmente, Alexander Kerrinx de Amberes (1600 - 1652), quien trasladó su arte paisajista flamenco a Amsterdam, todavía sigue a Coninxloe en las pinturas con su firma, pero en las pinturas posteriores de Brunswick y Dresde, está obviamente influenciado por el tono marrón holandés de Van Goyen. pintura. . Pertenece, por lo tanto, a los maestros de transición en el sentido más pleno de la palabra.

De los maestros de Amberes de este tipo que se quedaron en casa, Sebastian Vranks (1573 - 1647) revela un éxito indudable como paisajista y pintor de caballos. También representa el follaje en forma de racimos, la mayoría de las veces colgando como un abedul, pero le da una conexión más natural, le da una nueva claridad al tono aireado y sabe cómo transmitir el carácter vital a las acciones de lo escrito con confianza y coherencia. caballos y jinetes de sus escenas de batalla y ladrones que se pueden ver, por ejemplo, en Braunschweig, Aschaffenburg, Rotterdam y en Weber en Hamburgo.

Finalmente, en la pintura arquitectónica ya en el siglo XVI, siguiendo los caminos de Steenwick el Viejo, desarrolló un estilo de transición, consistente en la sustitución gradual de la letra siguiendo la naturaleza con encanto artístico, su hijo Gendrik Steenwick el Joven (1580 - 1649 ), que se trasladó a Londres, y junto a él, el principal Así, Peter Neefs el Viejo (1578 - 1656), cuyas vistas interiores de iglesias se pueden encontrar en Dresde, Madrid, París y San Petersburgo.

En general, la pintura flamenca obviamente estaba en el camino correcto de regresar al pequeño arte, cuando el gran arte de Rubens se elevó sobre ella como el sol y la llevó consigo al reino de la luz y la libertad.

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - el sol alrededor del cual gira todo el arte belga del siglo XVII, pero al mismo tiempo una de las grandes luminarias del arte paneuropeo de este período. Al contrario de todos los pintores barrocos italianos, es el principal representante del barroco en la pintura. La plenitud de las formas, la libertad de movimiento, el dominio sobre las masas, que da pintoresquismo a la arquitectura barroca, en los cuadros de Rubens se renuncia a la pesadez de la piedra y, con el embriagador lujo de los colores, se recibe una nueva e independiente derecho a existir. Con el poder de las formas individuales, la grandeza de la composición, la floreciente plenitud de la luz y los colores, la pasión de la vida en la transmisión de las acciones repentinas, la fuerza y ​​el fuego en la excitación de la vida corporal y espiritual de su hombre y mujer carnales, figuras vestidas y desnudas, supera a todos los demás maestros. El cuerpo lujoso de sus mujeres rubias con mejillas llenas, labios carnosos y una sonrisa alegre brilla con blancura. Quemada por el sol, la piel de sus héroes masculinos brilla, y su audaz frente convexa está animada por un poderoso arco de cejas. Sus retratos son los más frescos y saludables, no los más personales e íntimos para su época. Nadie supo reproducir animales salvajes y domesticados con tanta nitidez como él, aunque por falta de tiempo, en la mayoría de los casos, dejó que sus ayudantes los representaran en sus pinturas. En el paisaje, cuya ejecución también confió a los asistentes, vio, en primer lugar, el efecto general debido a la vida atmosférica, pero él mismo pintó, incluso en una edad avanzada, paisajes sorprendentes. Su arte abarcó todo el mundo de los fenómenos espirituales y físicos, toda la complejidad del pasado y el presente. Pinturas de altar y nuevamente pinturas de altar que pintó para la iglesia. Pintó retratos y retratos principalmente para él y sus amigos. Imágenes mitológicas, alegóricas, históricas y escenas de caza que creó para los grandes de este mundo. Las pinturas de paisaje y de género eran trabajos secundarios ocasionales.

Las órdenes llovieron sobre Rubens. De su estudio salieron al menos dos mil cuadros. La gran demanda de su arte provocó la frecuente repetición de pinturas enteras o partes individuales por parte de sus alumnos y asistentes. En el cenit de su vida, solía dejar cuadros pintados a mano a sus asistentes. Hay todas las transiciones entre sus propias obras manuscritas y las pinturas del estudio, para las cuales solo dio bocetos. Con toda la similitud de las formas básicas y los estados de ánimo básicos, sus propias pinturas revelan cambios de estilo significativos, al igual que los de muchos de sus contemporáneos, desde el duro modelado plástico y la escritura gruesa y pesada a una ejecución más ligera, libre y brillante, a contornos más vivos, a modelados más suaves, aireados y llenos de humor, iluminados por los colores floridos de la pintura tonal.

A la cabeza de la literatura más reciente sobre Rubens se encuentra la obra acumulativa ampliamente concebida de Max Rooses: Las obras de Rubens (1887-1892). Las mejores y más importantes obras biográficas son las de Rooses y Michel. Las obras completas, después de Waagen, también fueron publicadas por Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg y Wilhelm Bode. Ruelens, Voltman, Riegel, Geller von Ravensburg, Grossman, Riemanns y otros analizaron preguntas separadas sobre Rubens. Rubens, como grabador, participó en Gimans y Voorthelm-Schnevogt.

Rubens nació en Siegen, cerca de Colonia, de la respetada Amberes y recibió su primera educación artística en la ciudad de sus padres con Tobias Verhegt (1561 - 1631), un paisajista mediocre del estilo de transición, luego estudió durante cuatro años con Adam Van. Noort (1562 - 1641), uno de los maestros medios del italiano amanerado, como ahora se conoce, y luego trabajó durante otros cuatro años con Otto Van Ven, un rico en ficción, vacío en las formas de un falso clásico, a quien en primero se unió estrechamente y en 1598 se convirtió en maestro de gremio. En 1908, Habertzwil dedicó detallados artículos a los tres maestros de Rubens. Es imposible establecer con certeza una sola imagen del período temprano de Rubens en Amberes. De 1600 a 1608 vivió en Italia; primero en Venecia, luego principalmente al servicio de Vincenzo Gonzaga en Mantua. Pero ya en 1601, en Roma, para los tres altares de la iglesia de Santa Croce in Gerusalemme, pintó El hallazgo de la cruz, La coronación de espinas y La exaltación de la cruz. Estas tres pinturas, ahora pertenecientes a la capilla de un hospital en Grasse, en el sur de Francia, revelan el estilo de su primer período italiano, todavía en búsqueda de sí mismo, todavía influenciado por copias de Tintoretto, Tiziano y Correggio, pero ya lleno de lucha independiente. para la fuerza y ​​el movimiento. En 1603, el joven maestro fue a España con una orden de su príncipe. De los cuadros que pintó allí, las figuras de los filósofos Heráclito, Demócrito y Arquímedes en el Museo de Madrid revelan formas aún pomposas, dependientes, pero también una fuerte huella en la profundidad psicológica. De regreso a Mantua, Rubens pintó un gran retablo de tres cuerpos, cuyo cuadro central, con el homenaje de la familia Gonzaga a S. Trinidad, se conservó en dos partes en la biblioteca de Mantua, y de las amplias y abundantes pinturas laterales que muestran el poder cada vez mayor de las formas y las acciones de las masas, el Bautismo de Cristo terminó en el Museo de Amberes y la Transfiguración en el Museo de Nancy. Luego, en 1606, el maestro volvió a pintar en Roma para Chiesa Nuova el magnífico retablo de la Asunción de San Pedro. Gregory”, ahora propiedad del Museo de Grenoble, y en Roma reemplazada ya en 1608 por otras tres, nada las mejores pinturas del mismo maestro. Una reminiscencia más clara del estilo de Caravaggio es la espectacular "Circuncisión de Cristo" de 1607 en Sant'Ambrogio en Génova. Sin embargo, investigadores como Rooses y Rosenberg atribuyen al maestro al período italiano, cuando copió las obras de Tiziano, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Miguel Ángel y Rafael, y una serie de pinturas de su pincel, aparentemente, sin embargo, escrito luego. Grandes alegorías de ostentación y virtud en Dresden, originarias de Mantua, fuertes en forma y color, si no fueron escritas, como piensa Michel con nosotros, alrededor de 1608 en Mantua, entonces más bien admitimos, junto con Bode, que aparecieron según regreso de Rubens a su patria que con Roosers, que fueron escritos antes de su viaje italiano a Amberes. La imagen de Jerónimo en Dresde, dibujada con seguridad y modelada plásticamente, también revela una peculiar manera rubensiana, quizás incluso demasiado desarrollada para su período italiano, al que ahora atribuimos esta imagen. A la vuelta de Rubens en 1608 a Amberes, ya en 1609 fue nombrado pintor de la corte de Albrecht e Isabella, y su estilo, ya independiente, se desarrolló rápidamente hacia una grandiosa potencia y grandeza.

Desordenada en la composición, inquieta en el contorno, desigual en los efectos de iluminación es su Adoración de los Reyes Magos (1609-1610) en Madrid, marcada, sin embargo, por un poderoso movimiento. Lleno de vida y pasión, poderoso en el modelado muscular de los cuerpos, su famosa imagen en tres partes "Exaltación de la Cruz" en la Catedral de Amberes. Recuerdos italianos más fuertes se sienten en imágenes mitológicas simultáneas, como Venus, Cupido, Baco y Ceres en Kassel, y el corpulento Prometeo encadenado en Oldenburg. Ejemplos característicos de un retrato a gran escala de esta época son los retratos de paisaje de Albrecht e Isabella en Madrid y la magnífica imagen de Munich, que representa al propio maestro con su joven esposa, Isabella Brant, traída a su tierra natal en 1609, una imagen incomparable de calma pura felicidad amor.

El arte de Rubens descubrió un nuevo vuelo entre 1611 y 1614. El enorme cuadro “Descendimiento de la cruz” con la majestuosa “Visitación de María Isabel” y “Entrada al templo” en las alas, en la Catedral de Amberes, se considera la primera obra en la que el maestro trajo sus tipos y su método de escritura a pleno desarrollo. Maravillosa es la apasionada vitalidad de los movimientos individuales, aún más maravilloso es el poder penetrante de la representación pictórica. También pertenecen a estos años pinturas mitológicas como "Rómulo y Remo" en la Galería Capitolina, "Fauno y Fauno" en la Galería Schonborn de Viena.

Pinturas de Rubens de 1613 y 1614, seguras de composición, con formas y colores claramente definidos, son algunas pinturas marcadas como excepción por su nombre y año de ejecución. Tales son la pintura "Júpiter y Calisto" (1613), de formas puras, hermosos colores, "Huida a Egipto" en Kassel, "Venus congelada" (1614) en Amberes, patética "Lamentación" (1614) en Viena y llena de luz mágica "Susanna" (1614) en Estocolmo, cuyo cuerpo es sin duda más placentero y mejor comprendido que el cuerpo demasiado lujoso de su anterior Susanna en Madrid; En cuanto a la pintura, junto a estas pinturas se encuentran poderosas imágenes simbólicas del solitario Cristo crucificado contra el fondo de un cielo oscurecido en Munich y Amberes.

A partir de entonces, los encargos se acumularon en el estudio de Rubens hasta tal punto que dio a sus ayudantes una participación más notoria en la ejecución de sus cuadros. Los más antiguos, además de Jan Brueghel, pertenecen al destacado pintor de animales y frutas Frans Snyders (1579 - 1657), según el propio Rubens, que pintó el águila en el cuadro de Oldenburg con Prometeo mencionado anteriormente, y al animado paisajista Jan Wildens ( 1586 - 1653), que trabajó desde 1618 para Rubens. El colaborador más notable fue Anton van Dyck (1599 - 1641), quien más tarde se convirtió en una figura independiente. En cualquier caso, habiéndose convertido en maestro en 1618, fue hasta 1620 la mano derecha de Rubens. Las pinturas del propio Rubens de estos años suelen contrastar la penumbra azulada del cuerpo con una mancha de luz amarillo rojiza, mientras que las pinturas con la cooperación claramente establecida de Van Dyck se distinguen por un claroscuro uniforme y cálido y una transmisión pictórica más nerviosa. Entre ellos se encuentran seis grandes imágenes pintadas con entusiasmo de la vida del cónsul romano Decius Moussa, en el Palacio de Liechtenstein en Viena, los cartones que Rubens hizo para alfombras tejidas en 1618 (las copias sobrevivientes están en Madrid), y grandes pinturas decorativas de plafones. (conservándose sólo bocetos en varias colecciones), y algunos de la espectacularidad en su composición, con muchas figuras de los retablos de esta iglesia, “El Milagro de S. Xavier" y "Milagro de St. Ignatius”, salvado por el Museo de la Corte de Viena. La colaboración de Van Dyck también es innegable en la enorme Crucifixión de Amberes, en la que Longinus, a caballo, traspasa con una lanza el costado del Salvador, en la Virgen con los pecadores penitentes en Kassel, y según Bode también en el Día de la Trinidad de Munich y en el Berlin Lazar, según Rooses también en la dramática caza del león y en el no menos dramático, apasionado y rápido rapto de las hijas de Leucipo en Munich. Todas estas pinturas brillan no solo con el poder audaz de la composición de Rubens, sino también con la sutileza penetrante del sentimiento de la pintura de Van Dyck. Entre las pinturas pintadas a mano, pintadas en su mayor parte por el propio Rubens entre 1615 y 1620, también se encuentran las mejores pinturas religiosas - llenas de movimientos de masas efervescentes y agitados "El Juicio Final" en Munich y llenas de animación interior "Asunción de Nuestra Señora" en Bruselas y en Viena, así como magistrales pinturas mitológicas, suntuosas "bacanales" e imágenes de "Thiazos" en Munich, Berlín, San Petersburgo y Dresde, en las que el poder de la desbordante alegría sensual de vivir, traducida del romano al flamenco, aparentemente alcanza su plena expresión por primera vez. Se adjunta aquí la “Batalla de las Amazonas” en Munich (circa 1620), creación inaccesible en cuanto a la pintoresca transmisión de la más violenta refriega y batalla, aunque escrita en pequeño tamaño. Luego están los niños desnudos de tamaño natural, como excelentes putti con una guirnalda de frutas en Munich, luego violentas escenas de caza, la caza del león, de la cual la mejor es en Munich, y la caza del jabalí, de la cual la mejor cuelga en Dresden. Le siguen los primeros cuadros de paisaje con añadidos mitológicos, por ejemplo, el estado de ánimo pleno del Naufragio de Eneas en Berlín, o con un entorno natural, como el radiante paisaje romano con ruinas del Louvre (hacia 1615) y los paisajes llenos de vida "Verano" e "Invierno (c. 1620) en Windsor. Majestuosamente transmitidos, escritos de manera amplia y veraz sin una pizca de los viejos manierismos, iluminados por la luz de todo tipo de manifestaciones celestiales, se destacan como hitos en la historia de la pintura de paisajes.

Claros, majestuosos, poderosos, aparecen por fin los retratos de Rubens de este quinquenio. Una obra maestra de su autorretrato en los Uffizi, su grupo de retratos "Cuatro filósofos" en el Palacio Pitti es magnífico. En el apogeo de su belleza está su esposa Isabella en los nobles retratos de Berlín y La Haya. Hacia 1620, también se pintó en la National Gallery de Londres un asombroso retrato de Susanna Fuhrman con un sombrero con una pluma, abanicado con los más delicados claroscuros. Los famosos retratos masculinos del maestro de estos años se pueden ver en Munich y en la Galería de Liechtenstein. Cuán apasionadamente Rubens representó episodios de la historia sagrada del mundo, escenas de caza e incluso paisajes, pintó sus figuras de retratos con la misma calma, pudiendo transmitir su caparazón corporal con un poder y una verdad monumentales, pero sin tratar de espiritualizar internamente, captado solo en general, rasgos faciales.

Van Dyck dejó Rubens en 1620, y su esposa Isabella Brant murió en 1626. Un nuevo impulso para su arte fue su nuevo matrimonio con la hermosa joven Helene Furman en 1630. Sin embargo, sus viajes artísticos y diplomáticos a París también sirvieron como impulso (1622, 1623, 1625), Madrid (1628, 1629) y Londres (1629, 1630). De las dos grandes series históricas con alegorías, 21 enormes cuadros de la vida de María de Médici (la historia fue escrita por Grossman) pertenecen ahora a las mejores decoraciones del Louvre. Esbozados por la mano magistral de Rubens, pintados por sus alumnos, terminados por él mismo, estos cuadros históricos están llenos de muchos retratos modernos y figuras mitológicas alegóricas en el espíritu del barroco moderno y presentan tal masa de bellezas individuales y tal armonía artística que permanecerán para siempre como las mejores obras de pintura del siglo XVII. De una serie de pinturas de la vida de Enrique IV de Francia, dos a medio terminar terminaron en los Uffizi; los bocetos de otros se conservan en diferentes colecciones. Las nueve pinturas que glorifican a Jaime I de Inglaterra, con las que Rubens decoró unos años más tarde los plafones de la sala principal de White Hall, ennegrecidos por el hollín de Londres, son irreconocibles, pero no pertenecen a las obras más exitosas del maestro. .

De las pinturas religiosas pintadas por Rubens en los años veinte, la gran ígnea "Adoración de los Reyes Magos" de Amberes, terminada en 1625, vuelve a marcar un punto de inflexión en su desarrollo artístico con su pincel más libre y amplio, un lenguaje de formas más ligero y un tono más dorado. , coloración aérea. . La luminosa y aireada "Asunción de María" de la catedral de Amberes se completó en 1626. A esto le sigue la pintoresca y gratuita "Adoración de los magos" en el Louvre y "La educación de la Virgen María" en Amberes. En Madrid, donde el maestro volvió a estudiar a Tiziano, su colorido se volvió más rico y "florido". La "Madonna" con santos adorándola en la iglesia agustina de Amberes es una repetición más barroca de la Frari Madonna de Tiziano. Una parte significativamente revisada del "Triunfo de César" de Mantegna, ubicada en 1629 en Londres (ahora en la National Gallery), a juzgar por su carta, también podría haber aparecido solo después de este tiempo. Esta década es especialmente rica en grandes retratos del maestro. Mayor, pero todavía llena de una cálida apariencia, es Isabella Brant en un hermoso retrato del Hermitage; rasgos ya más nítidos están representados por el retrato en los Uffizi. Entre los mejores y más coloridos está el doble retrato de sus hijos en la Galería Liechtenstein. Es famoso el expresivo retrato de Caspar Gevaert en su escritorio en Amberes. Y el anciano maestro en persona aparece ante nosotros con una fina sonrisa diplomática en los labios sobre un hermoso busto de Aremberg en Bruselas.

La última década que le tocó en suerte a Rubens (1631 - 1640) estuvo bajo la estrella de su amada segunda esposa, Elena Furman, a quien pintó en todas sus formas, y que le sirvió de naturaleza para cuadros religiosos y mitológicos. Sus mejores retratos de Rubens pertenecen a los retratos femeninos más bellos del mundo: de medio cuerpo, con un rico vestido, con un sombrero con una pluma; de tamaño natural, sentada, con un lujoso vestido abierto en el pecho; en una forma pequeña, junto a su esposo para dar un paseo por el jardín, está en la Pinacoteca de Munich; desnudo, solo parcialmente cubierto con un manto de piel, en el Museo de la Corte de Viena; en un traje para caminar en el campo - en el Hermitage; con su primogénito en la faja, del brazo de su esposo, y también en la calle, acompañada por un paje, en Baron Alphonse Rothschild en París.

Las obras eclesiásticas más significativas de esta era tardía floreciente y radiante del maestro son la composición majestuosa y tranquila, que brilla con todos los colores del arco iris, el altar de San Pedro. Ildefons con poderosas figuras de donantes en las puertas del Museo de la Corte de Viena y un magnífico retablo en la capilla funeraria del propio Rubens en la Iglesia de Jacob en Amberes, con santos de la ciudad pintados de rostros cercanos al maestro. Obras más sencillas, como: St. Cecilia en Berlín y la magnífica Betsabé en Dresde no son inferiores a ellas en tono y colores. Entre los preciosos cuadros mitológicos de este período se encuentran los deslumbrantes Juicios de París en Londres y Madrid; y ¡qué apasionada vitalidad respira la cacería de Diana en Berlín, qué fabulosamente lujosa la fiesta de Venus en Viena, qué luz mágica ilumina a Orfeo y Eurídice en Madrid!

Preparatorios para este tipo de pinturas son algunas imágenes de género del maestro. Así, el personaje del género mitológico captura la "Hora de la cita" audazmente sensual y de tamaño natural en Munich.

Los prototipos de todas las escenas seculares de Watteau son las famosas pinturas, con dioses voladores del amor, llamadas "Jardines del amor", con grupos de parejas enamoradas lujosamente vestidas en un festival en el jardín. Una de las mejores obras de este tipo es propiedad del barón Rothschild en París, la otra está en el Museo de Madrid. Los cuadros de género más importantes con figuritas de la vida popular, pintados por Rubens, son la majestuosa y vital danza campesina puramente rubensiana de Madrid, el torneo de medio paisaje frente al foso del castillo, en el Louvre, y la feria en la misma colección, cuyos motivos ya recuerdan a Teniers.

La mayoría de los paisajes reales de Rubens también pertenecen a los últimos años de su vida: tal es el paisaje radiante con Odiseo en el Palacio Pitti, tales son los paisajes, nuevos en diseño, explicados artísticamente, con una imagen simple y amplia del entorno. , ese terreno llano en el que se ubicaba la cabaña de Rubens, y con un cielo majestuoso, lleno de cambios de humor. Los más hermosos son la puesta de sol ardiente en Londres y los paisajes con un arco iris en Munich y San Petersburgo.

Todo lo que emprendió Rubens, lo convirtió todo en oro resplandeciente; y quien entraba en contacto con su arte, como colaborador o seguidor, ya no podía salir de su círculo vicioso.

De los numerosos discípulos de Rubens, sólo Anton van Dyck (1599 - 1641) -cuya luz, por supuesto, se refiere a la luz de Rubens, como la luz lunar del sol- alcanza los cielos del arte con la cabeza iluminada por el brillo. Aunque Balen es considerado su verdadero maestro, el mismo Rubens lo llamó su alumno. En cualquier caso, su desarrollo juvenil, por lo que sabemos, estuvo bajo la influencia de Rubens, del que nunca se aparta por completo, pero que, de acuerdo con su temperamento más impresionable, reelabora en una pintura más nerviosa, suave y sutil. y menos fuerte en el dibujo. . Una larga estancia en Italia lo convirtió finalmente en pintor y maestro de los colores. No era su trabajo inventar y exacerbar dramáticamente la acción en vivo, pero sabía cómo colocar figuras en sus pinturas históricas en relaciones claramente pensadas entre sí y comunicar a sus retratos las sutiles características del estatus social, lo que lo convirtió en el pintor favorito. de los nobles de su tiempo.

Los últimos trabajos de síntesis sobre Van Dyck son de Michiels, Giffrey, Kust y Schaeffer. Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti y el autor de este libro explicaron páginas separadas de su vida y arte. Incluso ahora están discutiendo sobre la distinción entre diferentes períodos de la vida, que estaban relacionados principalmente con los viajes. Según las últimas investigaciones, trabajó hasta 1620 en Amberes, en 1620 - 1621 en Londres, en 1621 - 1627 en Italia, principalmente en Génova, con un descanso de 1622 a 1623, realizado, como muestra Rooses, probablemente en casa. , en 1627 - 1628 en Holanda, luego nuevamente en Amberes, y desde 1632 como pintor de la corte de Carlos I en Londres, donde murió en 1641, y durante este período, en 1634 - 1635 estuvo en Bruselas, en 1640 y 1641 en Amberes y París.

Apenas hay obras tempranas de Van Dyck en las que no se notara la influencia de Rubens. Incluso sus primeras series apostólicas ya muestran rastros de la manera rubensiana. De estos, algunas de las cabezas originales se conservan en Dresde, otras en Althorp. Entre las pinturas religiosas pintadas por Van Dyck según su propio diseño, por su cuenta y riesgo, desde 1618 hasta 1620, mientras estaba al servicio de Rubens, pertenecen al “Martirio de San Pedro”. Sebastian", con la vieja composición sobrecargada "Lamentation of Christ" y "Bathing Susanna" en Munich. "Tomás en San Petersburgo", "La serpiente de cobre" en Madrid. Ninguna de estas pinturas puede presumir de una composición perfecta, pero están bien pintadas y tienen un color florido. El “Jerónimo” de Dresde es pintoresco y se siente profundamente en el alma, representando un vívido contraste con el vecino Jerome Rubens, más tranquilo y toscamente escrito.

Luego sigue: La burla de Cristo en Berlín, la más fuerte y expresiva de estas pinturas semi-Rubens, y hermosa en composición, sin duda esbozada por Rubens, St. Martin" en Windsor, sentado sobre un caballo, tendiendo una capa a un mendigo. La repetición simplificada y más débil de este Martín en la iglesia de Saventham está más cerca de la forma posterior del maestro.

Van Dyck es un gran artista en esta era de Rubens, especialmente en sus retratos. Algunas de ellas, aunando las conocidas ventajas de ambos maestros, fueron atribuidas a Rubens en el siglo XIX, hasta que Bode las devolvió a Van Dyck. Son más individuales en rasgos individuales, más nerviosos en expresión, más suaves y profundos en escritura que los retratos simultáneos de Rubens. Los más antiguos de estos retratos de medio Rubens de Van Dyck son retratos de busto de una pareja de ancianos casados ​​en 1618 en Dresde, los más bellos son las medias figuras de dos parejas casadas en la galería de Liechtenstein: una mujer con cordones dorados en el pecho. , un caballero poniéndose los guantes y sentado frente a una dama de cortinas rojas con un niño en su regazo, en Dresde. Le pertenece la magnífica Isabella Brant del Hermitage, y del Louvre un doble retrato del supuesto Jean Grusset Richardeau y su hijo de pie junto a él. De los retratos dobles, se conocen los cónyuges de pie uno al lado del otro: el retrato de Frans Snyders y su esposa con poses muy forzadas, Jan de Wael y su esposa en Munich, es el más pintoresco. Finalmente, en los autorretratos juveniles del maestro, de mirada pensativa y segura de sí mismo, en San Petersburgo, Múnich y Londres, su misma edad, unos veinte años, indica una etapa temprana.

De pinturas religiosas pintadas por Van Dyck entre 1621 - 1627. en Italia, en el sur, quedó una hermosa escena, inspirada en Tiziano, con "Pedro's Coin" y "Mary with the Child" en un halo de fuego, en el Palazzo Bianco, que recuerda a Rubens, "Crucifixión" en el palacio real en Génova, tiernamente sentida en términos pintorescos y espirituales, "El Entierro" de la Galería Borghese en Roma, la lánguida cabeza de María en el Palacio Pitti, la magnífica y brillante familia en la Pinacoteca de Turín y el poderoso, pero bastante amanerado retablo de la Madonna del Rosario en Palermo con figuras alargadas. De las pinturas seculares, mencionaremos aquí solo la hermosa, en el espíritu de Giorgione, que representa las tres edades de la vida en el museo de la ciudad en Vincenza y la composición simple, pero pintada con pasión, Diana y Endimon en Madrid.

Un trazo confiado, firme y al mismo tiempo suave modelado en claroscuro oscuro y un colorido profundo y rico de las cabezas italianas que luchan por la unidad de humor también se manifiestan en sus retratos italianos, especialmente genoveses. Pintado en un audaz escorzo, casi de cara al espectador, el retrato ecuestre de Antonio Giulio Brignole Sale, agitando el sombrero en la mano derecha en señal de saludo, situado en el Palazzo Rossi de Génova, fue un fiel indicador del nuevo camino. Noble, con columnas barrocas y cortinajes de fondo, se destacan los retratos de la signora Geronimo Brignole Sale con su hija Paola Adorio con un vestido de seda azul oscuro con bordados dorados y un joven con ropa de noble, de la misma colección. en el apogeo del arte del retrato absoluto. Les acompañan retratos de la marquesa Durazzo con un vestido de damasco de seda amarillo claro, con niños, frente a una cortina roja, un animado retrato grupal de tres niños con un perro y un retrato noble de un niño con un vestido blanco, con un loro, guardado en el Palazzo Durazzo Pallavicini. En Roma, la Galería Capitolina tiene un retrato doble muy vital de Luca y Cornelis de Wael; en Florencia, en el Palacio Pitti, hay un retrato espiritualmente expresivo del cardenal Giulio Bentivoglio. Otros retratos del período italiano de Van Dyck encontraron su camino en el extranjero. Uno de los mejores es propiedad de Pierpont Morgan en Nueva York, pero también se pueden encontrar en Londres, Berlín, Dresden y Munich.

El período de cinco años (1627 - 1632) que el maestro pasó en su tierra natal después de regresar de Italia resultó ser extremadamente fructífero. Grandes retablos llenos de movimiento, ¿cuáles son los poderosos Crucifijos de la iglesia de St. Zhen en Dendermonde, en la iglesia de Michael en Gante, y en la iglesia de Romuald en Meheln, y la "Exaltación de la Cruz" contigua en la iglesia de St. Gennes in Courtrai no lo representa tan bien como las obras llenas de vida interior, a las que incluimos la Crucifixión con la próxima en el Museo de Lille, "Descanso durante el vuelo" en Munich y Crucifixiones individuales llenas de sentimientos en Amberes, Viena y Munich. Estas pinturas traducen las imágenes de Rubens del lenguaje heroico al lenguaje del sentimiento. Las pinturas más bellas de este período incluyen la Virgen con una pareja de donantes arrodillados y ángeles vertiendo flores en el Louvre, la Virgen con el Niño Jesús de pie en Munich y el estado de ánimo completo de "Lament over Christ" en Amberes, Munich, Berlín y París. Las vírgenes y las lamentaciones en general eran los temas favoritos de Van Dyck. Rara vez asumió imágenes de dioses paganos, aunque su Hércules en la encrucijada de los Uffizi, las imágenes de Venus, Vulcano, Viena y París muestran que pudo tratar con ellos hasta cierto punto. Siguió siendo principalmente un pintor de retratos. De este quinquenio se conservan unos 150 retratos de su pincel. Sus rasgos faciales son aún más nítidos, en manos típicamente gráciles e inactivas hay incluso menos expresión que en las pinturas italianas de él del mismo tipo. Se añadió a su postura una tranquilidad algo más aristocrática, y un estado de ánimo general más sutil apareció en el color más frío. La ropa suele caer con facilidad y libertad, pero materialmente. Los más bellos de ellos, escritos en tamaño natural, son los característicos retratos de la gobernante Isabel en Turín, en el Louvre y en la Liechtenstein Gallery, Philippe de Roy y su esposa en la colección Wallace de Londres, retratos dobles de un caballero y una dama con un niño en brazos en el Louvre y en el Museo Gótico y algunos retratos más de caballeros y damas en Munich. Entre los retratos generacionales y de medio cuerpo más expresivos se encuentran los retratos del obispo Mulderus y Martin Pepin en Amberes, Adrian Stevens y su esposa en San Petersburgo, el conde Van den Berg en Madrid y el canónigo Antonio de Tassis en la Galería de Liechtenstein. El organista Liberty mira lánguidamente, el escultor Colin de Nole, su esposa y su hija miran aburridos al grupo de retratos en Munich. Los retratos de un caballero y una dama en Dresde y Marie Louise de Tassis en la Galería de Liechtenstein se distinguen por una postura noble y pintoresca. La influencia de Van Dyck en todos los retratos de su tiempo, especialmente en inglés y francés, fue enorme; sin embargo, en característica natural y verdad interior, sus retratos no pueden compararse con los de sus contemporáneos Velásquez y Frans Hals, por no nombrar a otros.

En ocasiones, sin embargo, Van Dyck también tomó la aguja de grabado. Conocido por 24 fácilmente y con gran significado ejecutó la hoja de su obra. Por otro lado, encargó a otros grabadores que reprodujeran una gran serie de pequeños retratos de célebres contemporáneos pintados por él, pintados en un tono gris. En la colección completa, esta "Iconografía de Van Dyck" en cien hojas apareció solo después de su muerte.

Como pintor de la corte de Carlos I, Van Dyck pintó pequeños cuadros religiosos y mitológicos durante los últimos ocho años de su vida. Sin embargo, varias de las mejores pinturas escritas durante su breve estancia en los Países Bajos pertenecen a esta época tardía del maestro. Fue la última y más pintoresca representación del "Descanso en la Huida a Egipto", con danza de ángeles y perdices voladoras, ahora en el Hermitage, la más madura y hermosa "Lamentación de Cristo" en el Museo de Amberes, no solo claro, tranquilo y conmovedor en la composición, pero una expresión de verdadero dolor, pero también en colores, con sus hermosos acordes de azul, blanco y oro oscuro, que representan una obra magistral y encantadora. Luego siguen los extremadamente numerosos retratos del período inglés. Es cierto que, bajo la influencia del tipo de la corte londinense, sus cabezas se vuelven cada vez más como máscaras, sus manos se vuelven cada vez menos expresivas; por otro lado, los vestidos son más refinados y más materiales en la escritura, los colores, cuyo tono plateado solo comenzó a desvanecerse gradualmente, ganan cada vez más en tierno encanto. Por supuesto, Van Dyck también instaló un taller en Londres con producción a gran escala, en el que participaron numerosos estudiantes. El retrato familiar en Windsor, que muestra a la pareja real sentada con dos niños y un perro, es una muestra bastante débil. El retrato ecuestre del rey en el mismo lugar frente al arco triunfal fue pintado con mucho gusto, su retrato ecuestre en la National Gallery es aún más pintoresco, el delicioso retrato del rey en traje de caza en el Louvre es realmente pintoresco . De los retratos de la reina Henrietta Maria de Van Dyck, el que posee Lord Northbrook en Londres y que representa a la reina con sus enanos en una terraza ajardinada es uno de los más frescos y antiguos, y se encuentra en la galería de Dresde, con toda su nobleza, entre el más débil y el último. Son famosos varios retratos de los hijos del rey inglés, pertenecientes a las obras maestras más atractivas de Van Dyck. Turín y Windsor tienen los mejores retratos de los tres niños reales; pero el más lujoso y bonito de todos es el retrato de Windsor con los cinco hijos del rey, con un perro grande y otro pequeño. De los otros numerosos retratos de Van Dyck en Windsor, el retrato de Lady Venice Digby, con sus adiciones alegóricas en forma de palomas y dioses del amor, anuncia una nueva era, y el doble retrato de Thomas Killigrew y Thomas Carew golpea con la Relaciones de vida representadas inusuales para nuestro maestro. El retrato de James Stuart con un perro grande aferrado a él en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York se distingue por una gracia especial, un retrato de los prometidos, los hijos de Guillermo II de Orange y Henrietta Maria Stuart, en el museo de la ciudad. en Ámsterdam es una delicia. Se han conservado alrededor de un centenar de retratos del período inglés del maestro.

Van Dyck murió joven. Como artista, habló, aparentemente, de todo. Carece de la versatilidad, la plenitud y el poder de su gran maestro, pero superó a todos sus contemporáneos flamencos en la sutileza de un estado de ánimo puramente pictórico.

Otros importantes pintores, colaboradores y alumnos de Rubens en Amberes antes y después de Van Dyck, viven sólo ecos del arte de Rubens, Even Abraham Dipepbeck (1596 - 1675), Cornelis Schut (1597 - 1655), Theodor van Thulden (1606 - 1676) , Erasmus Quellinus (1607 - 1678), hermano del gran escultor, y su nieto Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) no son tan significativos como para detenerse en ellos. Los representantes de varios departamentos realistas del taller de Rubens tienen una importancia más independiente. Frans Snyders (1579 - 1657) comenzó con una naturaleza muerta, que le gustaba representar en tamaño natural, de forma amplia, realista y, por tanto, decorativa; toda su vida pintó imágenes grandes, llenas de observación saludable de artículos de cocina y frutas, como las que están disponibles en Bruselas, Munich y Dresde. En el taller de Rubens también aprendió a representar de forma viva y fascinante, casi con la fuerza y ​​el brillo de su maestro, el mundo viviente, animales de tamaño natural en escenas de caza. Sus grandes pinturas de caza en Dresden, Munich, Viena, París, Kassel y Madrid son clásicas a su manera. A veces se combina con Snyders su cuñado Paul de Vos (1590 - 1678), cuyas grandes pinturas de animales no pueden igualar la frescura y la calidez de las pinturas de Snyders. El nuevo estilo paisajístico, desarrollado bajo la influencia de Rubens, que eliminó casi por completo los viejos fondos de backstage de tres colores y el tradicional follaje de árboles en forma de penacho, aparece ante nosotros con mayor claridad en las pinturas y grabados de Lucas van Oudens (1595 - 1672), asistente en el período tardío del maestro en el paisaje. Sus numerosas pero en su mayoría pequeñas pinturas de paisajes, de las cuales nueve cuelgan en Dresde, tres en San Petersburgo, dos en Munich, son imágenes simples, capturadas con naturalidad, de los encantadores paisajes fronterizos locales entre la región montañosa de Brabante y la llanura flamenca. La actuación es amplia y minuciosa. Sus colores se esfuerzan por transmitir no solo la impresión natural de árboles y prados verdes, tierra pardusca y distancias montañosas azuladas, sino también un cielo ligeramente nublado y brillante. Los lados soleados de sus nubes y árboles suelen brillar con manchas amarillas de luz y, bajo la influencia de Rubens, a veces también aparecen nubes de lluvia y arco iris.

El arte de Rubens causó una revolución en el grabado en cobre holandés. Numerosos grabadores, cuyo trabajo examinó, estaban a su servicio. El más antiguo de ellos, el amberino Cornelis Galle (1576 - 1656) y los holandeses Jacob Matham (1571 - 1631) y Jan Müller, todavía traducían su estilo a un lenguaje de formas más antiguo, pero los grabadores de la escuela de Rubens, varios que fueron inaugurados por Peter Southman de Harlem (1580 - 1643), y continúan brillando con nombres como Lukas Forstermann (n. 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boethius y Schelte. Bolswerth, Pieter de Jode el joven y, sobre todo, el gran grabador de claroscuros Jan Witdöck (nacido en 1604) consiguieron impregnar sus láminas de fuerza y ​​movimiento rubensiano. La nueva técnica de la mezzotinta, que rugeaba la superficie de la placa con un pico para raspar sobre ella un patrón en masas blandas, fue, si no inventada, ampliamente utilizada por primera vez por Vallerand Vaillant de Lille (1623). - 1677), alumno del alumno de Rubens, Erasmo Quellinus, un famoso retratista excelente y pintor original de la naturaleza muerta. Sin embargo, dado que Vaillant no estudió este arte en Bélgica, sino en Amsterdam, donde se mudó, la historia del arte flamenco solo puede mencionarlo.

Algunos maestros importantes de Amberes de este período, que no tenían relaciones directas con Rubens o sus alumnos, que se unieron a Caravaggio en Roma, formaron un grupo romano. Trazos claros, modelado plástico, sombras pesadas de Caravaggio se suavizan sólo en sus pinturas posteriores de una pintura más libre, más cálida, más amplia que hablaba de la influencia de Rubens. A la cabeza de este grupo está Abraham Janssens Van Nuessen (1576 - 1632), cuyo alumno Gerard Zeghers (1591 - 1651) en sus pinturas posteriores sin duda se trasladó a la calle de Rubens, y Theodore Rombouts (1597 - 1637) revela la influencia de Caravaggio en su género, en tamaño natural, con colores metálicos brillantes y sombras negras, pinturas en Amberes, Gante, San Petersburgo, Madrid y Munich.

El más antiguo de los entonces pintores flamencos que no estaban en Italia, Caspar de Crayer (1582 - 1669), se trasladó a Bruselas, donde, compitiendo con Rubens, no pasó de adoptar el eclecticismo. Están encabezados por el amberino Jacob Jordaens (1583 - 1678), también alumno y yerno de Adam Van Noort, el líder de los realistas belgas verdaderamente independientes de la época, uno de los pintores flamencos más importantes y destacados del siglo. Siglo XVII, junto a Rubens y Van Dyck. Rooses también le dedicó una extensa obra. Más tosco que Rubens, es más directo y original que él. Sus cuerpos son aún más macizos y carnosos que los de Rubens, sus cabezas son más redondas y ordinarias. Sus composiciones, generalmente repetidas, con ligeros cambios para varias pinturas, son a menudo más sencillas y, a menudo, sobrecargadas, su pincel, a pesar de su habilidad, es más seco, más suave, a veces más denso. Por todo eso, es un colorista maravilloso y original. Al principio escribe con frescura y viveza, modelando débilmente en colores locales saturados; a partir de 1631, llevado por los encantos de Rubens, pasa a claroscuros más delicados, a colores intermedios más nítidos ya un tono de pintura parduzco, de donde se traslucen con eficacia jugosos tonos básicos profundos. También retrató todo lo representado. Debe su mayor éxito a las pinturas alegóricas y de género de tamaño natural, en la mayoría de los casos sobre el tema de los proverbios populares.

La pintura más antigua conocida de Jordaens "Crucifixión" en 1617 en la iglesia de St.. Pablo en Amberes revela la influencia de Rubens. Jordaens es bastante él mismo en 1618 en la "Adoración de los pastores" en Estocolmo y en un cuadro similar en Braunschweig, y especialmente en las primeras imágenes de un sátiro visitando a un campesino, a quien le cuenta una historia increíble. La pintura más antigua de este tipo es propiedad del Sr. Celst en Bruselas; seguido de copias en Budapest, Munich y Kassel. Las primeras pinturas religiosas también incluyen las expresivas imágenes de los evangelistas en el Louvre y los discípulos en la tumba del Salvador en Dresde; de las primeras pinturas mitológicas, merece mención Meleagro y Atlanta en Amberes. La más antigua de sus composiciones vivas de grupos de retratos familiares (hacia 1622) pertenece al Museo de Madrid.

La influencia rubensiana vuelve a ser evidente en las pinturas de Jordaens, escritas después de 1631. En su sátira de un campesino de Bruselas, ya se nota un giro. Sus célebres representaciones del "Rey de las judías", de las que Kassel posee la copia más antigua -otras están en el Louvre y en Bruselas-, así como sus innumerables representaciones del proverbio "Lo que cantan los viejos, chillan los pequeños", un cuya copia está fechada en 1638. Incluso más frescos en colores que el Dresde, escrito en 1641 -otros en el Louvre y Berlín- ya pertenecen a la forma más suave y suave del maestro.

Antes de 1642, también se pintaron las toscas pinturas mitológicas "Procesión de Baco" en Kassel y "Ariadna" en Dresde, excelentes retratos animados de Jan Wirth y su esposa en Colonia; luego, hasta 1652, pinturas animadas externa e internamente, a pesar de las líneas más tranquilas, como St. Ivo en Bruselas (1645), un soberbio retrato familiar en Kassel y un vibrante "Rey Frijol" en Viena.

El maestro estaba en plena vigencia en 1652 con una invitación a La Haya para participar en la decoración del "Castillo del Bosque", a la que dan su "Deificación del Príncipe Friedrich Heinrich" y "La Victoria de la Muerte sobre la Envidia" de Jordaens. impronta, y en 1661 una invitación a Ámsterdam, donde pintó cuadros sobrevivientes pero ahora casi indistinguibles para el nuevo ayuntamiento.

La pintura más fina y religiosa de sus últimos años es Jesús entre los escribas (1663) en Maguncia; espléndidamente en colores, la "Entrada al Templo" en Dresde y la "Última Cena" impregnada de luz en Amberes.

Si Jordaens es demasiado tosco y desigual para ser clasificado entre los grandes de los grandes, sin embargo, como pintor burgués de Amberes y pintor de burgueses, ocupa un lugar de honor junto a Rubens, príncipe de pintores y pintor de príncipes. Pero precisamente por su originalidad, no creó discípulos o seguidores notables.

Cornelis de Vos (1585 - 1651) fue un maestro, como Jordans, que se unió de forma independiente al pasado prerrubensiano del arte flamenco, destacando especialmente como retratista, buscando la verdad y la sinceridad sin artificios con un estilo pictórico sosegado y penetrante, un peculiar brillantez en los ojos de sus figuras y llenas de color claro. El mejor grupo de retratos familiares, con una composición relajada, pertenece al Museo de Bruselas, y el retrato individual más fuerte del maestro del gremio Grapheus pertenece a Amberes. También son muy típicos sus retratos dobles del matrimonio y sus pequeñas hijas en Berlín.

Frente a su estilo puramente flamenco, con un toque italiano, que fue sostenido con mayores o menores desviaciones por la gran mayoría de los pintores belgas del siglo XVII, la escuela valona de Luttich, explorada por Gelbier, desarrolló el estilo romano-belga de la tendencia Poussin siguiendo a los franceses. A la cabeza de esta escuela está Gerard Duffet (1594 - 1660), un académico ingenioso y muy pulido, más conocido en Munich. Gérard Leresse (1641-1711), alumno de su alumno Bartolet Flemalle o Flemal (1614 - 1675), perezoso imitador de Poussin, que ya se trasladó a Ámsterdam en 1667, trasplantó de Lüttich a Holanda este estilo académico imitando al francés, que persiguió no solo como pintor y grabador de temas mitológicos, sino también con una pluma en su libro, que tiene un impacto significativo. Fue un reaccionario extremo y, sobre todo, contribuyó en el cambio de siglo al giro de la saludable tendencia nacional de la pintura holandesa hacia la calle románica. "Seleuco y Antioquía" en Amsterdam y Schwerin, "Parnaso" en Dresde, "Partida de Cleopatra" en el Louvre dan una idea suficiente de él.

Leres, finalmente, nos devuelve de la gran pintura belga a la pequeña; y este último, sin duda, vivió todavía en cuadros de pequeñas figuras con fondos paisajísticos o arquitectónicos el maduro florecimiento nacional del siglo XVII, que brotaba directamente de la tierra preparada por los maestros del período de transición, pero alcanzaba una completa libertad de movimiento gracias a el omnipotente Rubens, en algunos lugares también gracias a nuevas influencias, francesas e italianas, o incluso al impacto del joven arte holandés en el flamenco.

Una imagen de género real, y ahora, como antes, desempeñó el primer papel en Flandes. Al mismo tiempo, se nota una frontera bastante marcada entre los maestros que representaron la vida de las clases altas en escenas seculares o retratos de grupos pequeños, y los pintores de la vida popular en tabernas, ferias y caminos rurales. Rubens creó ejemplos de ambos géneros. Los pintores seculares, en el espíritu de Los jardines del amor de Rubens, representan a damas y caballeros vestidos de seda y terciopelo, jugando a las cartas, celebrando un festín, tocando música alegre o bailando. Uno de los primeros entre estos pintores fue Christian van der Lamen (1615 - 1661), conocido por sus pinturas en Madrid, Gotha, especialmente en Lucca. Su alumno más exitoso fue Jeroome Janssens (1624 - 1693), el "Bailarín" y cuyas escenas de baile se pueden ver en Brunswick. Por encima de él como pintor está Gonzales Kokvets (1618 - 1684), un maestro de los retratos aristocráticos de grupos pequeños que representan a miembros de la familia unidos en casa en Kassel, Dresde, Londres, Budapest y La Haya. Los retratistas flamencos más prolíficos de la vida popular de las clases bajas fueron los Teniers. David Teniers el Viejo (1582 - 1649) y su hijo David Teniers el Joven (1610 - 1690) destacan en la numerosa familia de estos artistas. El mayor probablemente fue alumno de Rubens, el Rubens más joven probablemente le dio un consejo amistoso. Ambos son igualmente fuertes tanto en paisaje como en género. Sin embargo, no fue posible separar todas las obras del mayor de las pinturas juveniles del menor. Sin duda, el mayor es el propietario de los cuatro paisajes mitológicos del Museo de la Corte de Viena, ocupado aún en transmitir los "tres planos", "La tentación de St. Anthony" en Berlín, "Mountain Castle" en Braunschweig y "Mountain Gorge" en Munich.

Dado que David Teniers el Joven fue influenciado por el gran Adrien Brouwer de Oudenard (1606-1638), damos prioridad a este último. Brouwer es el creador y profano de nuevos caminos. Bode investigó a fondo su arte y su vida. En muchos aspectos, es el más grande de los pintores holandeses de la vida popular y, al mismo tiempo, uno de los paisajistas belgas y holandeses más inspirados. La influencia de la pintura holandesa en la pintura flamenca del siglo XVII se encuentra por primera vez con él, alumno de Frans Hals en Haarlem, ya antes de 1623. A su regreso de Holanda, se instala en Amberes.

Al mismo tiempo, su arte demuestra que los más simples epítetos de la vida de la gente común pueden, gracias a su interpretación, adquirir el más alto valor artístico. De los holandeses tomó la inmediatez de la percepción de la naturaleza, la actuación pictórica, en sí misma artística. Como holandés, se declara por estricto aislamiento al transmitir momentos de diversas manifestaciones de la vida, como un holandés, con un humor precioso, destaca escenas de fumar, peleas, juegos de cartas y fiestas de taberna.

Las primeras pinturas que pintó en Holanda, borracheras campesinas, peleas, en Amsterdam, revelan en sus personajes toscos y entrometidos las respuestas del arte de transición flamenco antiguo. Las obras maestras de esta época son sus “jugadores de cartas” de Amberes y las escenas de taberna del Instituto Städel de Frankfurt. Un mayor desarrollo se manifiesta con fuerza en "Knife" y "Village Bath" de la Pinacoteca de Munich: aquí la acción es dramáticamente fuerte ya sin figuras secundarias superfluas; la ejecución en todos los detalles está pintorescamente pensada; del dorado claroscuro del color, todavía brillan tonos rojos y amarillos. Le sigue el período tardío de madurez del maestro (1633 - 1636), con figuras más individuales, un tono de color más frío, en el que destacan los locales de pintura verde y azul. Estos incluyen 12 de sus dieciocho cuadros de Munich y lo mejor de sus cuatro pinturas de Dresde. Schmidt-Degener les adjuntó una serie de pinturas de colecciones privadas en París, pero su autenticidad, aparentemente, no siempre se establece con precisión. Pertenecen también a estos años los mejores paisajes de Brouwer, en los que los más sencillos motivos de la naturaleza de los alrededores de Amberes se abanican con una cálida y radiante transmisión de aire y fenómenos lumínicos. "Dunas" en Bruselas, un cuadro con el nombre del maestro, prueba la autenticidad de los demás. Tienen una sensación más moderna que todos sus otros paisajes flamencos. Entre los mejores se encuentran el paisaje de pastores y la luz de la luna en Berlín, el paisaje de dunas de techo rojo en Bridgewater Gallery y el poderoso paisaje del atardecer atribuido a Rubens en Londres.

Las pinturas de género de los dos últimos años de la vida del maestro de grandes tamaños prefieren una escritura clara y sombreada y una subordinación más clara de los colores locales a un tono gris general. Campesinos que cantan, soldados que juegan a los dados y la pareja anfitriona en la taberna de la Pinacoteca de Múnich se unen a fuertes pinturas que representan operaciones en el Instituto Staedel y el "Fumador" del Louvre. El arte original de Brouwer siempre es todo lo contrario de todas las convenciones académicas.

David Teniers el Joven, el pintor de género favorito del mundo noble, invitado en 1651 por el pintor de la corte y director de la galería del archiduque Leopoldo Guillermo de Amberes a Bruselas, donde murió en la vejez, no puede compararse con Brouwer en el inmediatez de la transferencia de la vida, en la experiencia emocional del humor, pero por eso lo supera con el refinamiento externo y la estilización urbana de la vida popular entendida. Le gustaba representar a la gente del pueblo ataviada aristocráticamente en sus relaciones con la gente del pueblo, en ocasiones pintó escenas seculares de la vida de la aristocracia, e incluso transmitió episodios religiosos al estilo de sus cuadros de género, dentro de estancias exquisitamente decoradas o entre observadas con veracidad, sino paisajes decorativos. Tentación de St. Anthony (en Dresde, Berlín, San Petersburgo, París, Madrid, Bruselas) pertenece a sus temas favoritos. Más de una vez también pintó una mazmorra con la imagen de Peter al fondo (Dresde, Berlín). De los temas mitológicos en el estilo de sus pinturas de género, nombremos "Neptuno y Anfitrite" en Berlín, la pintura alegórica "Los cinco sentidos" en Bruselas, obras poéticas: doce pinturas de "Jerusalén liberada" en Madrid. Sus pinturas que representan a alquimistas (Dresde, Berlín, Madrid) también se pueden clasificar como un género de la alta sociedad. La gran mayoría de sus cuadros, de los que hay 50 en Madrid, 40 en San Petersburgo, 30 en París, 28 en Múnich, 24 en Dresde, representan el ambiente de los aldeanos divirtiéndose en sus horas de ocio. Los representa festejando, bebiendo, bailando, fumando, jugando a las cartas oa los dados, en una fiesta, en una taberna o en la calle. Su escritura ligera y libre en su lenguaje natural de formas, arrolladora ya la vez suave experimentó cambios únicamente en el color. El tono de su “Fiesta del templo a la media luz” de 1641 en Dresde es pesado, pero profundo y frío. Luego vuelve al tono marrón de los primeros años, que rápidamente se convierte en un tono dorado ardiente en pinturas como la mazmorra de 1642 en San Petersburgo, la "cervecería del gremio" de 1643 en Munich y "El hijo pródigo" de 1644 en el Louvre, resplandece más brillante como el "Dance" de 1645 en Munich y los "Dice Players" de 1646 en Dresden, luego, como muestran los "Smokers" de 1650 en Munich, gradualmente se vuelve más gris y, finalmente, en 1651, en "Boda campesina" en Munich, se convierte en un sofisticado tono plateado y se acompaña de la escritura cada vez más ligera y fluida que distingue las pinturas de Teniers de los años cincuenta, como su Guardhouse de 1657 en el Palacio de Buckingham. Finalmente, después de 1660 su pincel se vuelve menos seguro, la coloración vuelve a ser más marrón, seca y turbia. Munich posee una pintura que representa a un alquimista, con rasgos de una pintura de un anciano maestro de 1680.

Entre los alumnos de Brouwer destaca Joos van Kreesbeek (1606 - 1654), en cuyas pinturas a veces las peleas acaban trágicamente; Gillis van Tilborch (circa 1625 - 1678) es conocido por los alumnos de Teniers el Joven, quien también pintó retratos de grupos familiares al estilo de Kokves. Junto a ellos se encuentran miembros de la familia de pintores Rikavert, de los cuales especialmente David Rikaert III (1612 - 1661) alcanzó una cierta amplitud de independencia.

Junto a la pintura nacional flamenca de figuras pequeñas, existe una tendencia italianizante simultánea, aunque no equivalente, cuyos maestros trabajaron temporalmente en Italia y retrataron la vida italiana en todas sus manifestaciones. Sin embargo, los más grandes de estos miembros de la “comunidad” holandesa en Roma, llevados por Rafael o Miguel Ángel, fueron los holandeses, a los que volveremos más adelante. Pieter Van Laer de Gaarlem (1582 - 1642) es el verdadero fundador de esta corriente, que influenció tanto a los italianos del tipo Cherkvozzi como a los belgas del tipo Jan Mils (1599 - 1668) de la misma manera. Menos independientes son Anton Goubau (1616 - 1698), que llenó de vida colorida las ruinas romanas, y Peter Van Blemen, apodado Standardaard (1657 - 1720), que prefería las ferias de caballos italianas, las batallas de caballería y las escenas de campamento. La vida popular italiana se ha mantenido desde la época de estos maestros como un área que atrae anualmente a multitudes de pintores del norte.

Por el contrario, la pintura de paisajes se desarrolló en el espíritu nacional flamenco, con temas de batallas y ladrones, junto a Sebastian Vrankx, cuyo alumno Peter Snyers (1592 - 1667) se mudó de Amberes a Bruselas. Las primeras pinturas de Sniers, como las de Dresde, lo muestran en un camino bastante pintoresco. Más tarde, como pintor de batallas de la Casa de los Habsburgo, destacó más la fidelidad topográfica y estratégica que la fidelidad pictórica, como muestran sus grandes cuadros en Bruselas, Viena y Madrid. Su mejor alumno fue Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690), pintor de batallas de Luis XIV y profesor de la Academia de París, quien trasplantó a París el estilo de Snyers, refinado por él en perspectiva aérea y lumínica. En el Palacio de Versalles y en el Hotel des Invalides de París, pintó grandes series de pinturas murales, impecables en sus formas seguras y la impresión de un paisaje pintoresco. Sus pinturas en Dresde, Viena, Madrid y Bruselas con campañas, asedios de ciudades, campamentos, entrada victoriosa del gran rey también destacan por su ligera sutileza pictórica de percepción. Esta pintura de batalla neoneerlandesa fue trasladada a Italia por Cornelis de Wael (1592-1662), que se instaló en Génova y, habiendo adquirido aquí un pincel más perfecto y un color cálido, pronto pasó a representar la vida popular italiana.

En la pintura de paisaje belga propiamente dicha, descrita con más detalle por el autor de este libro en The History of Painting (la suya y la de Woltmann), se puede distinguir con bastante claridad la tendencia original, autóctona, ligeramente tocada por las influencias sureñas, de la tendencia pseudoclásica. corriente que unió a Poussin en Italia. La pintura de paisaje nacional belga conservó, en comparación con la holandesa, dejando de lado a Rubens y Brouwer, un rasgo de decoratividad un tanto externa; con esta característica, apareció en la decoración de palacios e iglesias con series decorativas de pinturas en abundancia como en ningún otro lugar. El amberiano Paul Bril inculcó este tipo de pintura en Roma; más tarde, los belgas afrancesados ​​Francois Millet y Philippe de Champagne decoraron las iglesias parisinas con pinturas de paisajes. El autor de este libro escribió un artículo separado sobre paisajes de iglesias en 1890.

De los maestros de Amberes, cabe señalar en primer lugar a Caspar de Witte (1624 - 1681), luego a Peter Spirincks (1635 - 1711), que posee paisajes de iglesias erróneamente atribuidos a Peter Risbrak (1655 - 1719) en el coro de la la iglesia agustina de Amberes, y en especial a Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748), apodado "Horizonte" por la claridad de las distancias de las montañas azules de sus exitosas pinturas, que recuerdan mucho a Duguet, pero son duras y frías.

La pintura de paisaje belga nacional de este período floreció predominantemente en Bruselas. Su antepasado fue Denis Van Alsloot (circa 1570 - 1626), quien a partir de un estilo de transición, desarrolló una gran fuerza, firmeza y claridad de pintura en sus cuadros semi-rurales, semi-urbanos. Su gran discípulo Lucas Achtschellingx (1626 - 1699), influenciado por Jacques d'Artois, participó en la decoración de iglesias belgas con paisajes bíblicos con frondosos árboles de color verde oscuro y distancias de colinas azules, de una manera amplia, libre y algo arrolladora. Jacques d'Artois (1613 - 1683), el mejor paisajista de Bruselas, alumno del casi desconocido Jan Mertens, también decoró iglesias y monasterios con grandes paisajes, cuyas escenas bíblicas fueron pintadas por sus amigos, pintores históricos. Sus paisajes de la ermita de St. El autor de este libro vio a las esposas de la Catedral de Bruselas en la sacristía de esta iglesia. Paisajes de iglesias fueron, en todo caso, también sus grandes cuadros del Museo de la Corte y de la Galería Liechtenstein de Viena. Con sus pequeños cuadros de habitación, que representan la exuberante naturaleza forestal de los alrededores de Bruselas, con sus gigantescos árboles verdes, caminos de arena amarilla, distancias montañosas azules, ríos y estanques brillantes, puedes conocer mejor Madrid y Bruselas y también perfectamente en Dresden. , Múnich y Darmstadt. Con una composición cerrada lujosa, profunda, saturada de colores brillantes, con un aire claro con nubes, que se caracterizan por lados iluminados en amarillo dorado, transmiten perfectamente el carácter general, pero solo general, de la zona. Dorado, más cálido, más decorativo, si se quiere, más veneciano en color que d'Artois, su mejor alumno Cornelis Huysmans (1648 - 1727), cuyo mejor paisaje de iglesia es "Cristo en Emaús" de la Iglesia de St. Wives en Mecheln .

En la ciudad costera de Amberes, también se desarrolló naturalmente un puerto deportivo. El deseo de libertad y naturalidad del siglo XVII se materializó aquí en las pinturas que representan las batallas costeras y navales de Andries Arthvelt o Van Ertvelt (1590 - 1652), Buonaventura Peters (1614 - 1652) y Hendrik Mindergout (1632 - 1696), que, sin embargo, no puede alcanzar a los mejores artesanos holandeses en la misma industria.

En la pintura arquitectónica, que representó voluntariamente el interior de las iglesias góticas, los maestros flamencos, como Peter Neefs el joven (1620 - 1675), que apenas fue más allá de un estilo tosco de transición, también carecían del encanto interior, lleno de luz y pintoresco de los holandeses. imágenes de iglesias.

Más audacia y brillo aportaron los belgas a las imágenes de animales, frutas, naturaleza muerta y flores. Sin embargo, incluso Jan Fit (1611 - 1661), un pintor de artículos de cocina y frutas, no fue más allá que Snyders, quien ejecutó cuidadosamente y fusionó decorativamente todos los detalles. La pintura de flores tampoco fue en Amberes, al menos por sí sola, más allá de Jan Brueghel el Viejo. Incluso el estudiante de Brueghel en esta área, Daniel Seghers (1590 - 1661), lo superó solo en la amplitud y el lujo del diseño decorativo, pero no en la comprensión de los encantos de las formas y los colores iridiscentes de los colores individuales. En cualquier caso, las coronas de flores de Seghers en las madonas de los grandes pintores de figuras y sus raras e independientes imágenes de flores, como un jarrón de plata en Dresde, revelan la luz clara y fría de una ejecución incomparable. Amberes en el siglo XVII es el lugar principal de la pintura holandesa de flores y frutas, esto todavía se lo debe no tanto a los maestros locales como al gran utrechtiano Jan Davids de Gey (1606 - 1684), quien se mudó a Amberes y levantó su hijo Cornelis, que nació en Leiden, aquí de Gay (1631 - 1695), más tarde también maestro de Amberes. Pero son ellos, los más grandes de todos los pintores de flores y frutas, quienes se distinguen por su infinito amor por los detalles finales y el poder de la pintura, capaces de fusionar internamente estos detalles, como maestros del tipo holandés, y no belga.

Hemos visto que había conexiones significativas entre la pintura flamenca y el arte holandés, italiano y francés. Los flamencos supieron apreciar la percepción directa e íntima de los holandeses, la patética elegancia de los franceses, el lujo decorativo de las formas y los colores de los italianos, pero, dejando de lado los desertores y los fenómenos aislados, siempre quedaron solo una cuarta parte de ellos mismos en su arte, por otro lado eran interiormente romanizados y exteriormente holandeses germánicos, que fueron capaces de captar y reproducir la naturaleza y la vida con un entusiasmo fuerte e impetuoso, y en un sentido decorativo con humor.

Hay varios museos en el camino. En este artículo te hablaré de los Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas. Más bien, es un complejo completo que consta de seis museos.

Cuatro en el centro de Bruselas:

*Museo de Arte Antiguo.
Una maravillosa colección de viejos maestros de los siglos XV al XVIII.
La mayor parte de esta colección consiste en pinturas de artistas del sur de Holanda (flamenca). Las obras maestras de maestros como Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel el Viejo, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens y otros...
La colección se originó durante la Revolución Francesa, cuando los invasores se apoderaron de muchas obras de arte. Una parte importante fue transportada a París, y de lo que se almacenó, el museo fue fundado por Napoleón Bonaparte en 1801. Todos los objetos de valor confiscados regresaron de París a Bruselas solo después de la deposición de Napoleón. Desde 1811 el museo pasó a ser propiedad de la ciudad de Bruselas. Con la aparición del Reino Unido de los Países Bajos bajo el rey Guillermo I, los fondos del museo se expandieron significativamente.

Roberto Campín. "Anunciación", 1420-1440

Jacob Jordán. Sátiro y campesinos, 1620

*Museo de Arte Moderno.
La colección de arte contemporáneo abarca obras desde finales del siglo XVIII hasta la actualidad. La base de la colección es el trabajo de artistas belgas.
La famosa pintura de Jacques-Louis David - la muerte de Marat se puede ver en la parte antigua del museo. La colección ilustra el neoclasicismo belga y se basa en obras dedicadas a la Revolución belga y la fundación del país.
Ahora se presenta al público en forma de exposiciones temporales en la sala denominada "Patio". Estos permiten la rotación regular de piezas de arte contemporáneo.
El museo alberga "Salomé" de Alfred Stevens, el representante más famoso del impresionismo belga. Y también se presentan obras tan famosas como "Música rusa" de James Ensor y "La ternura de la esfinge" de Fernand Khnopf. Entre los maestros del siglo XIX representados en el museo destacan las obras maestras de Jean Auguste Dominique Ingres, Gustave Courbet y Henri Fantin-Latour. Pintura francesa de finales del siglo XIX. representada por "Retrato de Suzanne Bambridge" de Paul Gauguin, "Primavera" de Georges Seurat, "Bahía" de Paul Signac, "Dos discípulos" de Edouard Vuillard, paisaje de Maurice Vlaminck y escultura de Auguste Rodin "Cariátide", "Retrato de un campesino" de Vincent van Gogh (1885. ) y Naturaleza muerta con flores de Lovis Corinth.

Juan Luis David. "Muerte de Marat", 1793

Gustav Wappers. "Episodio de las jornadas de septiembre", 1834

* Museo Magritte.
Inaugurado en junio de 2009. En honor al pintor surrealista belga René Magritte (21 de noviembre de 1898 – 15 de agosto de 1967). La colección del museo contiene más de 200 obras de óleo sobre lienzo, gouache, dibujos, esculturas y objetos pintados, así como carteles publicitarios (trabajó durante muchos años como cartelista y dibujante publicitario en una fábrica de papel), fotografías antiguas y películas rodadas por el propio Magritte.
A finales de los años 20, Magritte firmó un contrato con la Galería Cento de Bruselas y así se dedicó por completo a la pintura. Creó la pintura surrealista "The Lost Jockey", que consideró su primera pintura exitosa de este tipo. En 1927 organiza su primera exposición. Sin embargo, la crítica reconoce que no tuvo éxito y Magritte parte hacia París, donde conoce a André Breton y se une a su círculo de surrealistas. Adquiere un estilo característico que hace que sus pinturas sean reconocibles. Al regresar a Bruselas, continúa su trabajo con un nuevo estilo.
El museo es también un centro de investigación del legado del artista surrealista.

*Museo de finales de siglo (Fin de siècle).
El museo reúne obras de finales del siglo XIX y principios del XX, el llamado “fin de siglo”, principalmente de carácter vanguardista. Pintura, escultura y gráfica por un lado, pero también artes aplicadas, literatura, fotografía, cine y música por otro.
En su mayoría están representados artistas belgas, pero también obras de maestros extranjeros que encajan en el contexto. Obras de artistas que formaron parte de los grandes movimientos progresistas de artistas belgas de la época.

Y dos en los suburbios:

*Museo Wirtz
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) - pintor belga (1806-1865). En 1835 pintó su primer cuadro significativo, La lucha de los griegos con los troyanos por la posesión del cadáver de Patroclo, que no fue aceptado para una exposición en París, pero despertó un gran entusiasmo en Bélgica. Le siguió: “La muerte de S. Dionisio”, el tríptico “El Entierro” (con las figuras de Eva y Satanás en las alas), “La Huida a Egipto”, “La Revuelta de los Ángeles” y la mejor obra del artista, “El Triunfo de Cristo” . La originalidad del concepto y la composición, la energía de los colores, el audaz juego de efectos de luz y el movimiento del pincel dieron a la mayoría de los belgas una razón para mirar a Wirtz como el renovador de su antigua pintura histórica nacional, como el Heredero directo de Rubens. Cuanto más lejos, más excéntricas se volvían sus historias. Para sus obras, en su mayoría de enorme tamaño, así como para los experimentos en la aplicación de la pintura mate inventada por él, el gobierno belga le construyó un amplio taller en Bruselas. Aquí Wirtz, que no vendió ninguno de sus cuadros y existió únicamente como encargos de retratos, reunió todas sus obras, a su juicio capitales, y las legó, junto con el propio taller, como herencia al pueblo belga. Ahora este taller es el Museo Wirtz. Almacena hasta 42 cuadros, incluidos los seis mencionados anteriormente.

*Museo Meunier
El museo fue inaugurado en honor a Constantin Meunier (1831-1905), quien nació y se crió en una familia pobre de inmigrantes de la región minera del carbón belga Borinage. Desde niño conoció la difícil situación social y muchas veces miserable la existencia de los mineros y sus familias. Meunier capturó sus impresiones de la vida de la región minera en formas plásticas, mostrando a un hombre de trabajo como una personalidad armoniosamente desarrollada. El escultor ha desarrollado tal imagen de trabajador, que refleja su orgullo y fuerza, y que no se avergüenza de su profesión de cargador o estibador. Reconociendo cierta idealización con la que Meunier creaba a sus héroes, también hay que reconocer su gran mérito histórico en el hecho de que fue uno de los primeros maestros en hacer del hombre dedicado al trabajo físico el tema central de su obra, mostrándolo como creador. lleno de dignidad interior.