Estilos de pintura: Arte abstracto. Arte abstracto: definición, tipos y artistas Artistas abstractos rusos de principios del siglo XX.

El abstraccionismo es un estilo o dirección en la pintura. abstraccionismo o género abstracto implica el rechazo de la imagen de las cosas y formas reales. El abstraccionismo tiene como objetivo evocar ciertas emociones y asociaciones en una persona. Para estos fines, las pinturas de estilo abstracto intentan expresar la armonía del color, las formas, las líneas, las manchas, etc. Todas las formas y combinaciones de colores que se encuentran en el perímetro de la imagen tienen una idea, expresión propia y carga semántica. No importa cómo le parezca al espectador, mirando la imagen donde no hay más que líneas y manchas, todo en abstracción está sujeto a ciertas reglas de expresión.

Hoy en día, la abstracción es tan amplia y variada que se subdivide en muchos tipos, estilos y géneros. Cada artista o grupo de artistas está tratando de crear algo propio, algo especial, que pueda llegar mejor a los sentimientos y sensaciones de una persona. Lograr esto sin el uso de formas y objetos reconocibles es muy difícil. Por eso, los lienzos de los artistas abstractos, que realmente evocan sensaciones especiales y maravillan con la belleza y expresividad de una composición abstracta, merecen un gran respeto, y el propio artista es considerado un verdadero genio de la pintura.

Se cree que la pintura abstracta fue inventada y desarrollada por el gran artista ruso. Sus seguidores fueron quienes no solo exploraron la filosofía del abstraccionismo, sino que también desarrollaron una nueva dirección en este género: el rayonismo. aún más "mejoró" la técnica de abstracción, logrando una completa no objetividad, que se llamó Suprematismo. Abstraccionistas no menos famosos fueron: Piet Mondrian, Mark Rothko, Barnett Neumann, Adolf Gottlieb y muchos otros.

pintura abstracta, que literalmente hizo estallar el mundo del arte, se convirtió en un símbolo del comienzo de una nueva era. Esta era significa una transición completa de los límites y restricciones a la completa libertad de expresión. El artista ya no está atado a nada, puede pintar no solo personas, escenas cotidianas y de género, sino también pensamientos, emociones, sensaciones y utilizar cualquier forma de expresión para ello. El abstraccionismo, como pintura de experiencia personal, estuvo mucho tiempo en el underground. Este, como muchos otros géneros de pintura en la historia, fue ridiculizado e incluso condenado y censurado como arte que no tiene ningún sentido. Sin embargo, con el tiempo, la posición de la abstracción ha cambiado y ahora existe a la par de todas las demás formas de arte.

V. Kandinsky - Varios círculos

V. Kandinsky - Composición VIII

Willem de Kooning - Composición

Ocurrió que a menudo el espectador, al ver en el lienzo algo incomprensible, inexplicable y más allá del control de la lógica, declara audazmente: “Abstracción. Definitivamente". En cierto modo, por supuesto, tiene razón. El hecho es que esta dirección en el arte se ha alejado de la realidad existente de la imagen de las formas y prioriza la armonización del color, la forma y la composición en su conjunto. Los cimientos del universo están más allá de la percepción habitual, algo más profundo y filosófico. Sorprendentemente, el número de amantes de la pintura abstracta crece cada año, y las pinturas pintadas en este estilo ocupan los primeros puestos en las principales casas de subastas del mundo.

La primera obra de arte abstracta se encuentra en el Museo Nacional de Georgia y pertenece al pincel de Wassily Kandinsky. Es este artista quien es considerado el fundador del abstraccionismo en la pintura.

Wassily Kandinsky “Pintura con un círculo”, óleo sobre lienzo, 100,0 × 150,0 cm,

Tiflis. Museo Nacional de Georgia

Los artistas abstractos más famosos y exitosos son Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich y Piet Mondrian. Cada uno es una figura legendaria en el arte del siglo XX.

Wassily Kandinsky - pintor ruso, artista gráfico y teórico de las bellas artes, uno de los fundadores del arte abstracto

Kazimir Malevich es un artista de vanguardia, teórico del arte y filósofo ruso y soviético. El fundador del Suprematismo - una de las primeras manifestaciones del arte abstracto.

Piet Mondrian - artista holandés, uno de los fundadores de la pintura abstracta

Fue el abstraccionismo el que dio lugar al desarrollo de tendencias artísticas como el cubismo, el expresionismo, el arte óptico y otras.
Por cierto, la pintura más cara del mundo está escrita al estilo del expresionismo abstracto. Una pintura a gran escala del artista estadounidense Jackson Pollock "Número 5" se vendió en una subasta cerrada en Sotheby's por $ 140 millones.

Jackson Pollcock, #5, 1948, óleo sobre fibra, 243,8 × 121,9 cm, colección privada, Nueva York

El sonido de una pintura abstracta en el interior es interesante. En la oficina aporta rigor y concisión, y en casa aportará energía y brillo de colores. Tal pintura encajará perfectamente en cualquier diseño de la habitación, basta con elegir correctamente un esquema de color, enfatizando el estilo general. Quizás todavía haya una advertencia: es mejor colocar una imagen en una pared lisa de colores pastel.

Entre los jóvenes autores modernos que trabajan en esta dirección, vale la pena señalar, y. En las pinturas de los artistas, vemos notas de abstracción lírica, donde la conexión de experiencias emocionales, flujos suaves y fantasías de color del creador es tan orgánica.

Vladimir Ekhin “Summer Memories”, tablero duro, acrílico, óleo, 60 cm x 80 cm

Polina Orlova, “Mañana”, lienzo, óleo, acrílico, 60 cm x 50 cm, 2014

Danila Berezovsky “2”, óleo sobre lienzo, 55 cm x 45 cm, 2015

Ilya Petrusenko, “Puesta de sol”, óleo sobre lienzo, 40 cm x 50 cm, 2015

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Abstraccionismo (lat. abstracción- remoción, distracción) o arte no figurativo- una dirección de arte que abandonó la representación de formas aproximadas a la realidad en pintura y escultura. Uno de los objetivos del abstraccionismo es lograr la "armonización" al representar ciertas combinaciones de colores y formas geométricas, lo que hace que el espectador sienta la integridad y la integridad de la composición. Figuras destacadas: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova y Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Historia

abstraccionismo(arte bajo el signo de "formas cero", arte no objetivo): una dirección artística que se formó en el arte de la primera mitad del siglo XX, negándose por completo a reproducir las formas del mundo visible real. Se considera que los fundadores del abstraccionismo son V. Kandinsky , P. Mondrian y K. Malévich.

V. Kandinsky creó su propio tipo de pintura abstracta, liberando de cualquier signo de objetividad las manchas de los impresionistas y lo "salvaje". Piet Mondrian llegó a su inutilidad a través de la estilización geométrica de la naturaleza, iniciada por Cézanne y los cubistas. Las tendencias modernistas del siglo XX, centradas en el abstraccionismo, se apartan por completo de los principios tradicionales, negando el realismo, pero al mismo tiempo se mantienen dentro del marco del arte. La historia del arte con la llegada del abstraccionismo experimentó una revolución. Pero esta revolución no surgió por casualidad, sino de forma bastante natural, ¡y fue predicha por Platón! En su obra posterior Philebus, escribió sobre la belleza de las líneas, las superficies y las formas espaciales en sí mismas, independientemente de cualquier imitación de objetos visibles, de cualquier mimesis. Este tipo de belleza geométrica, en contraste con la belleza de las formas naturales “irregulares”, según Platón, no es relativa, sino incondicional, absoluta.

siglo 20 y presente

Después de la Primera Guerra Mundial de 1914-18, las tendencias del arte abstracto a menudo se manifestaron en obras individuales de representantes del dadaísmo y el surrealismo; al mismo tiempo, se determinó el deseo de encontrar aplicación para formas no pictóricas en la arquitectura, el arte decorativo y el diseño (experimentos del grupo Style y la Bauhaus). Varios grupos de arte abstracto ("Arte Concreto", 1930; "Círculo y Cuadrado", 1930; "Abstracción y Creatividad", 1931), que unían a artistas de varias nacionalidades y tendencias, surgieron a principios de los años 30, principalmente en Francia. Sin embargo, el arte abstracto no estaba muy extendido en ese momento, y a mediados de los años 30. los grupos se separaron. Durante los años de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), surgió en los Estados Unidos una escuela del llamado expresionismo abstracto (pintores J. Pollock, M. Toby etc.), que se desarrolló después de la guerra en muchos países (bajo el nombre de tachisme o "arte sin forma") y proclamó como método el "automatismo mental puro" y la impulsividad subjetiva subconsciente de la creatividad, el culto a combinaciones inesperadas de colores y texturas.

En la segunda mitad de los años 50 nació en Estados Unidos el arte de la instalación, el pop art, que un poco más tarde glorificaría a Andy Warhol con su interminable reproducción de retratos de Marilyn Monroe y latas de comida para perros: el abstraccionismo collage. En las artes visuales de los años 60 se popularizó la forma menos agresiva y estática de abstracción, el minimalismo. Al mismo tiempo Barnet Newman, fundador del abstraccionismo geométrico americano junto con A. Lieberman, A. Held y k noland participó con éxito en el desarrollo posterior de las ideas del neoplasticismo holandés y el suprematismo ruso.

Otra tendencia en la pintura estadounidense se denominó abstraccionismo "cromático" o "post-pintura". Sus representantes repelieron hasta cierto punto el fauvismo y el posimpresionismo. Estilo rígido, enfatiza los contornos nítidos de las obras. E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella poco a poco dio paso a la pintura de un almacén melancólico contemplativo. En las décadas de 1970 y 1980, la pintura estadounidense volvió al arte figurativo. Además, se ha generalizado una manifestación tan extrema como el fotorrealismo. La mayoría de los historiadores del arte coinciden en que la década de los 70 es el momento de la verdad para el arte estadounidense, ya que durante este período finalmente se liberó de la influencia europea y se volvió puramente estadounidense. Sin embargo, a pesar del retorno de las formas y géneros tradicionales, desde el retrato hasta la pintura histórica, el arte abstracto tampoco ha desaparecido.

Pinturas, obras de arte “no bellas” se crearon como antes, ya que la vuelta al realismo en Estados Unidos no superó el abstraccionismo como tal, sino su canonización, la prohibición del arte figurativo, que se identificaba principalmente con nuestro realismo social, y por tanto no podría considerarse odiosa en una sociedad "democrática libre", la prohibición de los géneros "bajos", de las funciones sociales del arte. Al mismo tiempo, el estilo de la pintura abstracta adquirió cierta suavidad, de la que antes carecía: la racionalización de los volúmenes, la difuminación de los contornos, la riqueza de los medios tonos, las sutiles soluciones de color ( E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).

Todas estas tendencias sentaron las bases para el desarrollo del abstraccionismo moderno. En la creatividad no puede haber nada congelado, definitivo, ya que esto sería para él la muerte. Pero no importa qué caminos tome el abstraccionismo, no importa qué transformaciones sufra, su esencia siempre permanece sin cambios. Yace en el hecho de que el abstraccionismo en las bellas artes es la forma más accesible y noble de capturar el ser personal, y en la forma más adecuada, como una copia facsímil. Al mismo tiempo, el abstraccionismo es una realización directa de la libertad.

Direcciones

En el abstraccionismo se pueden distinguir dos direcciones claras: la abstracción geométrica, basada principalmente en configuraciones claramente definidas (Malevich, Mondrian), y la abstracción lírica, en la que la composición se organiza a partir de formas que fluyen libremente (Kandinsky). También en el abstraccionismo hay varias otras tendencias independientes importantes.

Cubismo

Corriente de vanguardia en las artes visuales, que se originó a principios del siglo XX y se caracteriza por el uso de formas geométricas enfáticamente condicionales, el deseo de “descomponer” los objetos reales en primitivos estereométricos.

Rayonismo (Luchismo)

Dirección en el arte abstracto de la década de 1910, basada en el cambio de espectros de luz y transmisión de luz. La idea de la aparición de formas a partir del "cruce de los rayos reflejados de varios objetos" es característica, ya que una persona en realidad no percibe el objeto en sí, sino "la suma de los rayos provenientes de la fuente de luz, reflejados desde el objeto."

neoplasticismo

La designación de la dirección de arte abstracto, que existió en 1917-1928. en Holanda y artistas unidos agrupados en torno a la revista "De Stijl" ("Estilo"). Caracterizado por formas rectangulares claras en arquitectura y pintura abstracta en la disposición de grandes planos rectangulares, pintados en los colores primarios del espectro.

orfismo

Dirección en la pintura francesa de la década de 1910. Los artistas-orfistas buscaron expresar la dinámica del movimiento y la musicalidad de los ritmos con la ayuda de "regularidades" de la interpenetración de los colores primarios del espectro y la intersección de superficies curvilíneas.

Suprematismo

Dirección en el arte de vanguardia, fundado en la década de 1910. Malévich. Se expresó en combinaciones de planos multicolores de los contornos geométricos más simples. La combinación de figuras geométricas multicolores forma equilibradas composiciones suprematistas asimétricas impregnadas de movimiento interior.

tachismo

La tendencia en el abstraccionismo de Europa occidental de los años 50 y 60, que fue más extendida en los EE. UU. Es una pintura con manchas que no recrean imágenes de la realidad, sino que expresan la actividad inconsciente del artista. Trazos, líneas y puntos en tachisma se aplican al lienzo con movimientos rápidos de la mano sin un plan premeditado.

expresionismo abstracto

El movimiento de los artistas que pintan rápidamente y sobre grandes lienzos, utilizando trazos no geométricos, grandes pinceles, a veces goteando pintura sobre el lienzo, para sacar las emociones al máximo. El método expresivo de pintar aquí es a menudo tan importante como la pintura misma.

Abstraccionismo en el interior

Recientemente, el arte abstracto ha comenzado a pasar de las pinturas de los artistas al acogedor interior de la casa, actualizándolo favorablemente. El estilo minimalista con el uso de formas claras, a veces bastante inusuales, hace que la habitación sea inusual e interesante. Pero es fácil exagerar con el color. Considere la combinación de naranja en tal estilo interior.

El blanco diluye mejor el naranja rico y, por así decirlo, lo enfría. El color naranja hace que la habitación se caliente, así que no mucho; no prevenir El énfasis debe estar en los muebles o su diseño, por ejemplo, una colcha naranja. En este caso, las paredes blancas ahogarán el brillo del color, pero dejarán la habitación colorida. En este caso, las pinturas del mismo rango servirán como una excelente adición: lo principal es no exagerar, de lo contrario, habrá problemas para dormir.

La combinación de colores naranja y azul es perjudicial para cualquier habitación, si no se aplica a la guardería. Si elige tonos no brillantes, armonizarán con éxito entre sí, agregarán estado de ánimo y no afectarán negativamente ni siquiera a los niños hiperactivos.

El naranja combina bien con el verde, creando el efecto de un árbol de mandarina y un tinte de chocolate. El marrón es un color que varía de cálido a frío, por lo que normaliza perfectamente la temperatura general de la habitación. Además, esta combinación de colores es adecuada para la cocina y la sala de estar, donde necesita crear una atmósfera, pero no sobrecargar el interior. Después de haber decorado las paredes en colores blanco y chocolate, puede colocar con seguridad una silla naranja o colgar una imagen brillante con un rico color mandarina. Mientras esté en una habitación de este tipo, tendrá un gran estado de ánimo y el deseo de hacer tantas cosas como sea posible.

Pinturas de famosos artistas abstractos

Kandinsky fue uno de los pioneros del arte abstracto. Comenzó su búsqueda en el impresionismo, y solo entonces llegó al estilo del abstraccionismo. En su trabajo, explotó la relación entre el color y la forma para crear una experiencia estética que abarcó tanto la visión como las emociones de la audiencia. Él creía que la abstracción completa da lugar a una expresión profunda y trascendente, y copiar la realidad solo interfiere con este proceso.

La pintura era profundamente espiritual para Kandinsky. Buscó transmitir la profundidad de la emoción humana a través de un lenguaje visual universal de formas y colores abstractos que trascenderían las fronteras físicas y culturales. El vió abstraccionismo como un modo visual ideal que puede expresar la "necesidad interna" del artista y transmitir ideas y emociones humanas. Se consideró a sí mismo un profeta cuya misión es compartir estos ideales con el mundo, en beneficio de la sociedad.

Ocultos en colores brillantes y líneas negras claras, se representan varios cosacos con lanzas, así como barcos, figuras y un castillo en la cima de una colina. Como en muchas pinturas de este período, representa una batalla apocalíptica que conducirá a la paz eterna.

Para facilitar el desarrollo de un estilo de pintura no objetivo, como se describe en su Sobre lo espiritual en el arte (1912), Kandinsky reduce los objetos a símbolos pictográficos. Al eliminar la mayoría de las referencias al mundo exterior, Kandinsky expresó su visión de una manera más universal, traduciendo la esencia espiritual del sujeto a través de todas estas formas a un lenguaje visual. Muchas de estas figuras simbólicas fueron repetidas y refinadas en su obra posterior, volviéndose aún más abstractas.

Kazimir Malévich

Las ideas de Malevich sobre la forma y el significado en el arte de alguna manera conducen a concentrarse en la teoría del abstraccionismo del estilo. Malevich trabajó con diferentes estilos en la pintura, pero sobre todo se centró en el estudio de las formas geométricas puras (cuadrados, triángulos, círculos) y su relación entre sí en el espacio pictórico. A través de sus contactos en Occidente, Malevich pudo transmitir sus ideas sobre la pintura a amigos artistas en Europa y Estados Unidos, y así influir profundamente en la evolución del arte contemporáneo.

"Cuadrado negro" (1915)

Malevich mostró por primera vez la pintura icónica "Cuadrado negro" en una exposición en Petrogrado en 1915. Esta obra encarna los principios teóricos del suprematismo desarrollados por Malevich en su ensayo "Del cubismo y el futurismo al suprematismo: nuevo realismo en la pintura".

En el lienzo frente al espectador hay una forma abstracta dibujada sobre un fondo blanco en forma de un cuadrado negro: es el único elemento de la composición. Aunque la pintura parece simple, hay elementos como huellas dactilares, pinceladas que se muestran a través de las capas negras de pintura.

Para Malevich, el cuadrado significa sentimientos, y el blanco significa vacío, nada. Vio el cuadrado negro como una presencia divina, un icono, como si pudiera convertirse en una nueva imagen sagrada para el arte no objetivo. Incluso en la exposición, esta imagen se colocó en el lugar donde generalmente se coloca un ícono en una casa rusa.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, uno de los fundadores del movimiento holandés De Stijl, es reconocido por la pureza de sus abstracciones y práctica metódica. Simplificó bastante radicalmente los elementos de sus pinturas para mostrar lo que veía no directamente, sino figurativamente, y para crear un lenguaje estético claro y universal en sus lienzos. En sus pinturas más famosas de la década de 1920, Mondrian reduce las formas a líneas y rectángulos, y la paleta a lo más simple. El uso del equilibrio asimétrico se volvió fundamental para el desarrollo del arte contemporáneo, y sus obras abstractas icónicas continúan siendo influyentes en el diseño y son familiares para la cultura popular hasta el día de hoy.

El "árbol gris" es un ejemplo de la transición temprana de Mondrian al estilo abstraccionismo. El árbol 3D se reduce a las líneas y planos más simples, utilizando únicamente grises y negros.

Esta pintura forma parte de una serie de obras de Mondrian que adoptaron un enfoque más realista, donde, por ejemplo, los árboles se presentan de forma naturalista. Si bien las piezas posteriores se volvieron cada vez más abstractas, por ejemplo, las líneas del árbol se reducen hasta que la forma del árbol es apenas visible y secundaria a la composición general de líneas verticales y horizontales. Aquí todavía se puede ver el interés de Mondrian por abandonar la organización estructurada de líneas. Este movimiento fue significativo para el desarrollo de la abstracción pura de Mondrian.

Roberto Delaunay

Delaunay fue uno de los primeros artistas del estilo abstracto. Su obra influyó en el desarrollo de esta dirección, basada en la tensión compositiva que provocaba el contraste de colores. Rápidamente cayó bajo la influencia del color neoimpresionista y siguió muy de cerca el sistema de color de las obras al estilo del abstraccionismo. Consideró que el color y la luz son las principales herramientas con las que se puede influir en la objetividad del mundo.

Para 1910, Delaunay había hecho su propia contribución al cubismo en forma de dos series de pinturas que representaban catedrales y la Torre Eiffel, que combinaban formas cúbicas, dinámicas de movimiento y colores brillantes. Esta nueva forma de usar la armonía del color ayudó a separar el estilo del cubismo ortodoxo, llamado orfismo, e inmediatamente influyó en los artistas europeos. La esposa de Delaunay, la artista Sonia Turk-Delaunay, continuó pintando con el mismo estilo.

La obra principal de Delaunay está dedicada a la Torre Eiffel, el famoso símbolo de Francia. Esta es una de las más impresionantes de una serie de once pinturas dedicadas a la Torre Eiffel entre 1909 y 1911. Está pintado de rojo brillante, lo que inmediatamente lo distingue de la monotonía de la ciudad circundante. El impresionante tamaño del lienzo realza aún más la grandeza de este edificio. Como un fantasma, la torre se eleva sobre las casas circundantes, sacudiendo en sentido figurado los cimientos mismos del antiguo orden. La pintura de Delaunay transmite ese sentimiento de optimismo sin límites, inocencia y frescura de una época que aún no ha sido testigo de dos guerras mundiales.

Frantisek Kupka

Frantisek Kupka es un artista checoslovaco que pinta al estilo abstraccionismo se graduó de la Academia de las Artes de Praga. Como estudiante, pintó principalmente sobre temas patrióticos y escribió composiciones históricas. Sus primeros trabajos fueron más académicos, sin embargo, su estilo evolucionó a lo largo de los años y finalmente se convirtió en arte abstracto. Escrito de una manera muy realista, incluso sus primeros trabajos contenían temas y símbolos surrealistas místicos, que se conservaron al escribir abstracciones. Kupka creía que el artista y su obra forman parte de una actividad creativa continua, cuya naturaleza no está limitada, como un absoluto.

"Amorfa. Fuga en dos colores" (1907-1908)

A partir de 1907-1908, Kupka comenzó a pintar una serie de retratos de una niña que sostenía una pelota en la mano, como si estuviera a punto de jugar o bailar con ella. Luego desarrolló representaciones cada vez más esquemáticas de ella y, finalmente, produjo una serie de dibujos completamente abstractos. Se hicieron en una paleta limitada de rojo, azul, negro y blanco. En 1912, en el Salon d'Automne, una de estas obras abstractas se exhibió públicamente por primera vez en París.

Abstraccionistas modernos

Desde principios del siglo XX, artistas como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Kazemir Malevich, Wassily Kandinsky, han estado experimentando con las formas de los objetos y su percepción, y también cuestionando los cánones existentes en el arte. Hemos preparado una selección de los artistas abstractos modernos más famosos que han decidido traspasar los límites del conocimiento y crear su propia realidad.

artista alemán david schnel(David Schnell) le gusta vagar por lugares que solían estar dominados por la naturaleza, y ahora están repletos de edificios de personas, desde parques infantiles hasta fábricas y fábricas. Los recuerdos de estos paseos dan nacimiento a sus brillantes paisajes abstractos. Dando rienda suelta a su imaginación y memoria, en lugar de fotografías y videos, David Schnell crea pinturas que se asemejan a la realidad virtual de la computadora o ilustraciones para libros de ciencia ficción.

Al crear sus pinturas abstractas a gran escala, la artista estadounidense panadero cristina(Kristin Baker) se inspira en la historia del arte y las carreras de Nascar y Fórmula 1. Al principio, le da volumen a su trabajo, aplicando varias capas de pintura acrílica y cinta adhesiva a las siluetas. Luego, Kristin lo retira con cuidado, lo que revela las capas subyacentes de pintura y hace que la superficie de sus pinturas parezca un collage multicolor de varias capas. En la última etapa del trabajo, raspa todas las protuberancias, haciendo que sus pinturas parezcan una radiografía.

En su obra, la artista de origen griego de Brooklyn, Nueva York, Elena Anagnos(Eleanna Anagnos) explora aspectos de la vida cotidiana que la gente suele pasar por alto. En el transcurso de su “diálogo con el lienzo”, los conceptos ordinarios adquieren nuevos significados y facetas: el espacio negativo se vuelve positivo y las formas pequeñas aumentan de tamaño. Tratando de dar vida a sus pinturas de esta manera, Eleanna intenta despertar la mente humana, que ha dejado de hacer preguntas y está abierta a algo nuevo.

Dando a luz salpicaduras brillantes y manchas de pintura en el lienzo, un artista estadounidense Sara Spitler(Sarah Spitler) busca reflejar caos, desastre, desequilibrio y desorden en su obra. Se siente atraída por estos conceptos, ya que están más allá del control de una persona. Por lo tanto, su poder destructivo hace que las obras abstractas de Sarah Spitler sean poderosas, enérgicas y emocionantes. Además. la imagen resultante sobre el lienzo de tinta, pinturas acrílicas, lápices de grafito y esmalte enfatiza la naturaleza efímera y la relatividad de lo que sucede a su alrededor.

Inspirándose en el campo de la arquitectura, el artista de Vancouver, Canadá, jeff dapner(Jeff Depner) crea pinturas abstractas en capas compuestas de formas geométricas. En el "caos" artístico que creó, Jeff busca la armonía en el color, la forma y la composición. Cada uno de los elementos de sus pinturas están conectados entre sí y conducen a lo siguiente: "Mi trabajo explora la estructura compositiva [de una pintura] a través de las relaciones de colores en una paleta elegida...". Según el artista, sus pinturas son "signos abstractos" que deberían llevar a los espectadores a un nuevo nivel inconsciente.

¡Abstracción en el arte!

Abstraccionismo!

abstraccionismo- Esta es una dirección en la pintura, que se destaca en un estilo especial.

La pintura abstracta, abstraccionismo o género abstracto, implica el rechazo de la imagen de las cosas y formas reales.

El abstraccionismo tiene como objetivo evocar ciertas emociones y asociaciones en una persona. Para estos fines, las pinturas de estilo abstracto intentan expresar la armonía del color, las formas, las líneas, las manchas, etc. Todas las formas y combinaciones de colores que se encuentran en el perímetro de la imagen tienen una idea, expresión propia y carga semántica. No importa cómo le parezca al espectador, mirando la imagen donde no hay más que líneas y manchas, todo en abstracción está sujeto a ciertas reglas de expresión, la llamada "composición abstracta".

¡Abstracción en el arte!

El abstraccionismo, como dirección en la pintura, surge a principios del siglo XX simultáneamente en varios países europeos.

Se cree que la pintura abstracta fue inventada y desarrollada por el gran artista ruso Wassily Kandinsky.

Los fundadores e inspiradores reconocidos del abstraccionismo son los artistas Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Frantisek Kupka y Robert Delaunay, quienes en sus trabajos teóricos formaron aproximaciones a la definición de "Abstraccionismo". Diferente en metas y objetivos, sus estudios estaban unidos en una cosa: el abstraccionismo, como la etapa más alta en el desarrollo de las bellas artes, crea formas que son únicas para el arte. Un artista "liberado" de copiar la realidad piensa en imágenes pictóricas especiales del principio espiritual incomprensible del universo, eternas "esencias espirituales", "fuerzas cósmicas".

La pintura abstracta, que literalmente hizo estallar el mundo del arte, se convirtió en un símbolo del comienzo de una nueva era en la pintura. Esta era significa una transición completa de los límites y restricciones a la completa libertad de expresión. El artista ya no está atado a nada, puede pintar no solo personas, escenas cotidianas y de género, sino también pensamientos, emociones, sensaciones y utilizar cualquier forma de expresión para ello.

Hoy en día, la abstracción en el arte es tan amplia y variada que se subdivide en muchos tipos, estilos y géneros. Cada artista o grupo de artistas está tratando de crear algo propio, algo especial, que pueda llegar mejor a los sentimientos y sensaciones de una persona. Lograr esto sin el uso de formas y objetos reconocibles es muy difícil. Por eso, los lienzos de los artistas abstractos, que realmente evocan sensaciones especiales y maravillan con la belleza y expresividad de una composición abstracta, merecen un gran respeto, y el propio artista es considerado un verdadero genio de la pintura.

¡Pintura abstracta!

Desde la aparición del Abstraccionismo, en él se han esbozado dos líneas principales.

El primero es una abstracción geométrica o lógica que crea espacio combinando formas geométricas, planos de colores, líneas rectas y quebradas. Está encarnado en el suprematismo de K. Malevich, el neoplasticismo de P. Mondrian, el orfismo de R. Delone, en las obras de los maestros de la abstracción pospintura y el arte óptico.

El segundo es la abstracción lírico-emocional, en la que las composiciones se organizan a partir de formas y ritmos que fluyen libremente, representados por las obras de V. Kandinsky, las obras de los maestros del expresionismo abstracto, el tachismo y el arte informal.

¡Pintura abstracta!

El abstraccionismo, como pintura de especial expresión personal, al principio estuvo en la clandestinidad durante mucho tiempo. El abstraccionismo, como muchos otros géneros en la historia de la pintura, ha sido ridiculizado e incluso condenado y censurado como arte que no tiene ningún sentido. Sin embargo, con el tiempo, la posición de la abstracción ha cambiado y ahora existe a la par de todas las demás formas de arte.

Como fenómeno artístico, el abstraccionismo tuvo un gran impacto en la formación y el desarrollo del estilo arquitectónico moderno, el diseño, las artes industriales, aplicadas y decorativas.

Reconocidos maestros del abstraccionismo: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka. Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Mikhail Larionov, Lyubov Popova, Jackson Polok, Josef Albers.

¡Arte abstracto moderno en pintura!

El abstraccionismo se ha convertido en un lenguaje importante de profunda comunicación emocional entre el artista y el espectador en las bellas artes contemporáneas.

En el abstraccionismo moderno, aparecen nuevas tendencias interesantes, utilizando, por ejemplo, imágenes especiales de varias formas de color. Entonces, en las obras de Andrei Krasulin, Valery Orlov, Leonid Pelikh, el espacio del blanco, la mayor tensión de color, generalmente está lleno de infinitas posibilidades variantes que permiten usar ideas metafísicas sobre lo espiritual y las leyes ópticas del reflejo de la luz.

En el abstraccionismo moderno, el espacio comienza a jugar nuevos roles y forma diferentes cargas semánticas. Por ejemplo, hay espacios de signos, símbolos, que surgen de las profundidades de la conciencia arcaica.

En el abstraccionismo moderno, la dirección de la trama también se está desarrollando. En este caso, manteniendo la no objetividad, la imagen abstracta se construye de tal manera que evoca asociaciones específicas, diferentes niveles de abstracción.

El abstraccionismo moderno es infinito dentro de sus límites: desde la situación objetiva hasta el nivel filosófico de las categorías abstractas figurativas. Por otro lado, en la pintura abstracta moderna, la imagen puede parecer una imagen de algún mundo de fantasía, por ejemplo, el surrealismo abstracto.

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(del lat. abstractio - distracción), arte no objetivo, uno de los movimientos artísticos más influyentes del siglo XX, que surgió al principio. 1910s En el corazón del método creativo del abstraccionismo se encuentra un completo rechazo de la "semejanza a la vida", imágenes de las formas de la realidad.

Una imagen abstracta se construye sobre la proporción de manchas de color, líneas, trazos; escultura - en combinaciones de formas geométricas tridimensionales y planas. Con la ayuda de construcciones abstractas, los artistas querían expresar los patrones internos y las esencias intuitivamente comprendidas del mundo, el Universo, escondido detrás de las formas visibles.

Malévich Kazimir. Suprematismo

Los elementos geométricos, pintados en colores primarios, parecen flotar, suspendidos sobre el lienzo. Malevich creó una composición compleja de formas superpuestas para transmitir una sensación de profundidad y perspectiva. El trabajo suprematista destierra todo rastro del sujeto, apoyándose únicamente en la interacción de forma y color. Malevich fue el fundador del suprematismo, un sistema que buscaba lograr la pureza absoluta de estos dos principios. Para Malevich, el suprematismo significó la encarnación de un sentimiento artístico puro, lo que llamó "un sentido de lo no objetivo". En 1918, llevó el desarrollo del arte no figurativo a su conclusión lógica en una serie de composiciones "Blanco sobre blanco", que consisten en formas geométricas blancas sobre un fondo blanco, una especie de abstracción de abstracciones. Al darse cuenta de que no había ningún lugar para desarrollar más el concepto, Malevich volvió a la pintura figurativa.

K. S. Malévich. "Suprematismo". 1915 Galería Estatal Tretyakov. Moscú

Malevich "Suprematismo dinámico" "

KANSAS. Malévich. Suprematismo (Supremus No. 56). 1916. H., M. 80,5x71. Museo Estatal Ruso. San Petersburgo

Se considera que la fecha de nacimiento del abstraccionismo es 1910, cuando V.V. Kandinsky expuso en Munich la primera obra abstracta de la historia del arte (una acuarela) y escribió un tratado "Sobre lo espiritual en el arte", en el que fundamentaba su método creativo con los descubrimientos de la ciencia.

Wassily Kandinsky. cosacos

En esta composición semiabstracta, inexplicablemente atractiva, los contornos de las colinas y las figuras de los cosacos con sables se incluyen en el movimiento de formas abstractas, líneas y manchas de color. Hay una belleza especial en la sencillez de su construcción y una soltura asombrosa en la manera de aplicar el trazo. Kandinsky creía que un verdadero artista se esfuerza por expresar una visión esencial exclusivamente interna. Habiendo recibido inicialmente una educación legal, Kandinsky pronto se dio cuenta de que su verdadera vocación era el arte y se convirtió en uno de los más destacados descubridores de la pintura abstracta "pura". Después de una larga estadía en Munich, regresó a Rusia, donde en 1914-1922 se dedicó a la enseñanza y fundó la Academia Rusa de Ciencias del Arte. La influencia de la cultura rusa se reflejó en sus apelaciones a la pintura de iconos, a los motivos del arte popular. Durante un tiempo enseñó en la Bauhaus, la renombrada escuela de diseño contemporáneo. Kandinsky se dio cuenta de la importancia del arte abstracto cuando descubrió en él "una belleza extraordinaria que irradia una luz interior", sin darse cuenta aún de que era la luz de su propia obra, vista desde el interior, en perspectiva inversa. W. Kandinsky creó su propio tipo de pintura abstracta, liberando los puntos impresionistas y "salvajes" de cualquier signo de objetividad.

Kandinsky "Composición nº 8"

Pronto, el abstraccionismo se convierte en un movimiento poderoso, dentro del cual surgen varias direcciones: la abstracción lírica (pinturas de Kandinsky y los maestros de la combinación "Jinete Azul" con sus formas fluidas y "musicales" y la expresividad emocional del color) y la abstracción geométrica (K.S. Malévich, PAGS. Mondrian, en parte por R. Delaunay, cuyas composiciones se basan en combinaciones de formas geométricas elementales: cuadrados, rectángulos, cruces, círculos). La Asociación Blue Rider fue fundada en diciembre de 1911 en Munich por Wassily Kandinsky y Franz Marc. El objetivo principal era la liberación de las tradiciones petrificadas de la pintura académica. Además de ellos, el grupo también incluía a August Macke, Marianna Verevkina, Alexei Yavlensky y Paul Klee. Bailarines y compositores también participaron en el trabajo de este grupo artístico. Estaban unidos por un interés en el arte medieval y primitivo y los movimientos de esa época: el fauvismo y el cubismo.

August Macke y Franz Marc opinaron que cada persona tiene una percepción interna y externa de la realidad, las cuales deben combinarse a través del arte. Esta idea fue fundamentada teóricamente por Kandinsky. El grupo buscó lograr la igualdad en todas las formas de arte.

La idea principal de la asociación fue el rechazo de cualquier objetividad en el art. Kandinsky escribió: "El arte "no debe" hacer nada, porque es eterno, libre. El arte huye del "debería", como el día de la noche"2. Ahora los pensamientos del artista se expresaron a través de la representación no de la apariencia externa de los objetos, sino de su contenido interno. El objetivo principal de su arte, los participantes del "Blue Rider" consideraron la transferencia a la audiencia de la tensión nerviosa que ellos mismos experimentaron.

Piet Mondrian llegó a su inutilidad a través de la estilización geométrica de la naturaleza, iniciada por Cézanne y los cubistas. Las tendencias modernistas del siglo XX, centradas en el abstraccionismo, se apartan por completo de los principios tradicionales, negando el realismo, pero al mismo tiempo se mantienen dentro del marco del arte. La historia del arte con la llegada del abstraccionismo experimentó una revolución. Pero esta revolución no surgió por casualidad, sino de forma bastante natural, ¡y fue predicha por Platón! En su obra posterior "Phileb", escribió sobre la belleza de las líneas, las superficies y las formas espaciales en sí mismas, independientemente de cualquier imitación de los objetos visibles, de cualquier mimesis. Este tipo de belleza geométrica, en contraste con la belleza de la naturaleza "irregular". La forma, según Platón, no es relativa, sino incondicional, absoluta.

Mondrian Piet. Composición

En esta composición geométrica, una celosía negra corta con fuerza el fondo; sus celdas individuales están llenas de colores primarios brillantes. Mondrian desarrolló un sistema de estilo que excluía el espacio tridimensional y los contornos curvilíneos. El artista construía sus pinturas a partir de los elementos más simples, líneas rectas y colores primarios, que movía por la superficie del lienzo hasta lograr un completo equilibrio compositivo. Su objetivo era crear un arte estricto y objetivo, cuyas leyes reflejan la estructura del universo. Líneas y colores puros atestiguan la pertenencia de esta pintura a la dirección "Estilo", de la que Mondrian fue el principal representante. Dejando su Holanda natal en 1938, viajó a Londres, donde su taller pronto fue destruido por los bombardeos. Mondrian se mudó a Nueva York dos años después. Aquí sus composiciones se volvieron más coloridas, reflejando los ritmos inquietos de la vida en el país de Broadway y el boogie-woogie.

Robert Delaunay. Homenaje a Blériot

En esta composición, que a primera vista parece abstracta, espirales arremolinadas y discos de colores giratorios forman una especie de patrón lírico en la superficie de una hoja de papel. Mirando más de cerca, vemos la Torre Eiffel a la derecha y las alas y la hélice de un avión a la izquierda. Estos elementos, combinados con las formas que flotan en el cielo, están destinados a celebrar el primer vuelo a través del Canal de la Mancha, realizado por Louis Blériot en 1909. Los artistas a menudo recurrían al papel para esbozar sus ideas y desarrollar la composición. Esta acuarela es un boceto preliminar de un gran collage del mismo nombre, que se encuentra en el Museo de Arte de Basilea. Delaunay usó el color para crear pinturas puramente abstractas: las formas e imágenes en ellas fueron generadas por la imaginación y no tenían nada que ver con el mundo visible. Este estilo de pintura, estrechamente relacionado con la música, se denominó orfismo, término acuñado por el poeta Guillaume Apollinaire.

La obra programática de Malevich fue su famoso Cuadrado negro (1915). El artista llamó a su método Suprematismo (del latín supremus - el más alto). El deseo de romper con la realidad terrenal lo llevó a la pasión por el espacio (Malevich fue uno de los autores de la famosa obra "Victoria sobre el sol"). El artista llamó a sus composiciones abstractas "planites" y "architectons", simbolizando la "idea de dinamismo universal".

F. Marcos. "Formas de lucha". 1914 Nueva Pinacoteca. Munich

Al principio. siglo 20 El arte abstracto se ha extendido a muchos países occidentales. En 1912 nació el neoplasticismo en Holanda. El creador del neoplasticismo, P. Mondrian, junto con T. van Doesburg, fundaron el grupo De Stijl (1917) y una revista con el mismo nombre (publicada hasta 1922).

Van Doesburg Theo. composición aritmética

La sensación de movimiento y perspectiva es creada por una serie de penetrantes cuadrados negros sobre un fondo blanco. De hecho, el artista utilizó un cálculo matemático simple: los lados de cada cuadrado y la distancia entre ellos son iguales a la mitad de las medidas del cuadrado anterior. El artista ha creado una metáfora del espacio perfecta en su sofisticación. El uso de leyes tomadas de las ciencias exactas correspondía a su particular atracción por la arquitectura. Van Doesburg quedó fuertemente impresionado por el trabajo del artista Piet Mondrian, con quien en 1917 creó la revista "Style" ("De Stijl"), que presentó las ideas y obras de los maestros de la asociación creativa del mismo nombre. Entre las técnicas de pintura formal del grupo "Estilo" está el relleno local de figuras geométricas colocadas en un plano neutro con colores puros, que forman la base del espectro. El concepto de "Estilo" fue desarrollado y descrito en detalle por Van Doesburg en numerosos artículos y conferencias, y los recursos estilísticos de este arte fueron ampliamente utilizados en la arquitectura del siglo XX.

El "principio humano" fue completamente expulsado de su arte. Los miembros del grupo De Stijl crearon lienzos donde las superficies dibujadas con una cuadrícula de líneas formaban celdas rectangulares llenas de colores puros y uniformes, que, según Mondrian, expresaban la idea de la belleza plástica pura. Quería crear una pintura "desprovista de individualidad" y, por ello, que poseyera un "significado mundial".

En 1918-20. en Rusia surgió en base a las ideas del suprematismo constructivismo, que unió a los arquitectos (K.S. Melnikov, A. A. Vesnin y otros), escultores (V. E. Tatlin, N. Gabo, A. Pevzner), gráficos ( El Lissitzky, SOY. Rödchenko).

Vladímir Tatlin. Monumento a la III Internacional

Creada durante un período de entusiasmo político, esta espiral inclinada fue diseñada para tener el doble de la altura del Empire State Building de Nueva York y tener secciones centrales que giran alternativamente. El espacio está dividido en compartimentos separados, formalmente relacionados entre sí, como partes de una ecuación matemática. Tatlin fue el fundador del constructivismo, una tendencia en la vanguardia rusa que surgió de experimentos artísticos con la abstracción, pero luego se dedicó a tareas utilitarias. Fue partidario de la idea de "artista-ingeniero" y vio el papel principal del arte en la satisfacción de las necesidades sociales. Tatlin también creó una serie de estructuras en relieve suspendidas, utilizando exclusivamente formas geométricas y utilizando una amplia variedad de materiales, como madera, metal, vidrio y alambre. La obra maestra de Tatlin, símbolo de los ideales constructivistas, uniendo escultura y arquitectura. El monumento a la Tercera Internacional nunca se construyó. La reproducción está realizada a partir de una réplica moderna del modelo original.

Gabo Naum. Construcción lineal en el espacio #2

Una cuerda de nailon se enrolla alrededor de dos láminas de plexiglás curvo que se cruzan para crear un patrón 3D complejo de pliegues cóncavos y convexos. Estas partes, que fluyen entre sí, crean la ilusión de su rotación sin fin alrededor de su eje, flotando en el espacio absoluto, donde el tiempo se ha detenido. La pieza fue concebida como parte de un diseño de tres metros nunca realizado encargado por Gabo en 1949 para el edificio Esso en Nueva York. Gabo pertenecía al movimiento constructivista y percibía la forma como metáfora del espacio. En 1922 dejó su Rusia natal, vivió en Berlín y París y posteriormente se convirtió en ciudadano estadounidense. En 1952, creó una enorme composición escultórica para un centro comercial en Rotterdam, donde también se manifestó su talento arquitectónico.

Lissitzky El. Composición

Los objetos geométricos giratorios pintados en colores delicados parecen flotar en el aire, creando una sensación de profundidad y la ilusión de espacio. Algunas de las formas se dan en tres dimensiones, y esta alusión a los volúmenes arquitectónicos se desarrolla en las obras posteriores de Lissitzky. En este trabajo, en la concentración de forma y color puros, se manifiesta la influencia de la dirección del arte abstracto, que fue inventada por Kazimir Malevich: el suprematismo, basado en figuras geométricas puras. Lissitzky recibió una educación en ingeniería y arquitectura. Marc Chagall lo invitó a enseñar arquitectura y gráficos en una escuela de arte en Vitebsk; aquí vino bajo la influencia de Malevich. Son bien conocidas las series de "Prouns" de Lissitzky - ciclos de obras abstractas creadas por líneas rectas. Estas obras se caracterizan por una espectacularidad y una planitud que lo abarca todo, sin una pizca de profundidad. El trabajo de Lissitzky fue multifacético: también trabajó en carteles, diseño de vestuario, exposiciones y diseño de libros.

Rodchenko Alejandro. Composición (Rojo Victoria)

Las formas triangulares que se equilibran contra los círculos crean una ilusión tridimensional. que se ve reforzada por el sombreado de la diagonal izquierda de los triángulos. Las formas planas se separan entre sí por color. Con diseños estrictamente geométricos dibujados con compás y regla, la pintura refleja el deseo del artista de crear formas elementales con colores primarios puros. En el mismo año que este trabajo, Rodchenko exhibió su famoso trabajo Negro sobre negro, una respuesta a la serie Blanco sobre blanco de Malevich. El deseo de Rodchenko de reducir la pintura a sus esencias abstractas y geométricas lo llevó al movimiento constructivista. Más tarde, junto con otros miembros del grupo, abandonó la pintura de caballete por el diseño y las artes aplicadas. Fue especialmente activo en el campo del diseño industrial, el diseño de libros y la fotografía, utilizando a menudo perspectivas y ángulos inusuales en esta última.

Vesnin esbozó la esencia de la dirección: "Las cosas creadas por artistas contemporáneos deben ser construcciones puras sin el lastre de la figuración". La Bauhaus, una asociación de arte fundada en 1919 en Alemania por el arquitecto W. Gropius (P. Klee; V. V. Kandinsky, El Lissitzky y otros), desempeñó un papel importante en el desarrollo del constructivismo.

Klee Paul. Senecio

La imagen simplificada de un rostro humano se divide en cuadriláteros de colores. Las formas cuadradas planas están inscritas en un círculo que representa la máscara facial y recuerdan el traje de arlequín multicolor. Como retrato del cómico Senecio, el cuadro también puede interpretarse como un símbolo de la relación cambiante entre arte, ilusión y teatro. La pintura demuestra los principios de la pintura de Klee, en la que las líneas de dibujo, los planos de color y el espacio son puestos en movimiento por la energía del intelecto del artista. Con estos guiones y garabatos inspirados en su imaginación, Klee, en su propio idioma, "invita a la fila a dar un paseo". De 1921 a 1931, Klee fue uno de los profesores más brillantes de la Escuela de Diseño de la Bauhaus y publicó numerosos trabajos sobre teoría del arte. Dos años después, los nazis lo expulsaron de Alemania y más de un centenar de obras de Klee fueron confiscadas de los museos alemanes como "degeneradas".

En 1930, el crítico francés M. Seyfor creó el grupo Circle and Square en París. En 1931, se fundó en París la asociación "Abstracción - Creatividad", fundada por emigrantes de Rusia N. Gabo y A. Pevzner. Tachisme (del francés tache - spot) fue una tendencia particularmente radical. Tashists (P. Soulages, H. Hartung, J. Mathieu y otros) prescindieron de los pinceles. Salpicaron, salpicaron la pintura sobre el lienzo, luego lo untaron o pisotearon. Mezclaron hollín, alquitrán, carbón, arena, vidrios rotos con pinturas, creyendo que el color de la tierra no es menos hermoso que el color del cielo.

Pierre Soulage. Pintura 16

Los trazos negros, colocados enérgicamente con un pincel ancho, se fusionan en formas de relieve denso. Masas negras sordas, iluminadas por breves destellos de blanco, dan al cuadro una monumentalidad serena. La originalidad única de la imagen está determinada por la naturaleza escultórica de formas claramente diseccionadas y la interpretación magistral de los efectos de iluminación. El alcance intenso de una pincelada libre, creando una poderosa composición abstracta, es una característica típica del movimiento Art Informel. Nacido en el suroeste de Francia. Soulages se mudó a París en 1946, donde comenzó a trabajar en pinturas abstractas llenas de reminiscencias de dólmenes prehistóricos y la escultura románica de su Auvernia natal. Muchas de las composiciones de Soulages están construidas sobre intersecciones enrejadas de franjas anchas, en las que el color negro brilla y brilla sobre un fondo brillante, como en el cuero bien vestido. En sus últimas pinturas, los surcos de pintura forman una superficie en relieve.

Hartung Hans. T 1956/7

Sobre un fondo suave y pálido, se representan líneas negras nítidas y dramáticas, que se cruzan y se atan en un moño. Esta expresiva imagen caligráfica creada por Hartung es un ejemplo del arte espontáneo conocido como "informal". Su esencia radica en el hecho de que Hartung comienza a trabajar en un lienzo en blanco, sin tener aún el concepto de una obra terminada. Nacido en Alemania, Hartung se instaló en París en 1955 y posteriormente adquirió la ciudadanía francesa. Se convirtió en uno de los pintores abstractos franceses más famosos. Sus graciosas y características obras, que suelen incluir caligrafía, como en el arte chino, no suelen tener título y se distinguen únicamente por números. Al comienzo de la guerra, Hartung ingresó en la Legión Extranjera Francesa.

Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, el centro del arte abstracto se trasladó a los Estados Unidos (J. Pollock, A. Gorky, V. Kooning, Fr. Klein, M. Tobey, M. Rothko). En los años 1960 comenzó un nuevo auge del abstraccionismo. Esta tendencia en el arte sigue siendo relevante hoy en día, pero ya no ocupa una posición dominante, como al principio. siglo 20

Jackson Pollock. Número 1A, 1948

La manera frenética de Pollock de salpicar y manchar la pintura sobre el lienzo con golpes fuertes y rápidos se manifestó en este lienzo con una obviedad asombrosa. Usando un cuchillo y una espátula, el artista presionaba las pinturas y las extendía sobre el lienzo extendido sobre la pared o simplemente sobre el piso. Caminó alrededor del lienzo y él mismo se convirtió, por así decirlo, en parte de la pintura. La técnica profundamente original de Pollock se llamó pintura de acción. Innovaciones tan radicales como el abandono del lienzo sobre el caballete y la ausencia de la perspectiva tradicional constituyeron un hito en el arte internacional de la posguerra. Con la pintura del expresionismo abstracto, Pollock está conectado por la energía y la libertad de expresión. Los modales de Pollock no son tan espontáneos como podría parecer a primera vista. El artista dijo: “Quiero expresar mis sentimientos, no hablar de ellos... Puedo controlar la extensión de la pintura: no hay accidente en ella, así como no hay principio ni final”. Pollock murió en 1956 en un accidente automovilístico.

Arshile Gorky. Cascada

En el centro de esta imagen abstracta, a primera vista, se encuentra la imagen de una pequeña cascada en el bosque. Evoca una representación vívida de una corriente de agua que se vierte sobre rocas, rodeada de ramas de árboles colgantes y vegetación. Los colores vibrantes dan la impresión de la luz del sol serenamente brillante y el sonido del agua que cae. La belleza del lienzo radica en la capacidad del artista para transmitir una sensación de tranquilidad a través de las imágenes del bosque y el agua. El cuadro está lleno de motivos mágicos y oníricos característicos del movimiento surrealista, al que el artista estaba cercano en este momento, también siente la influencia de la manera espontánea del expresionismo abstracto. Nacido en Armenia, Gorki emigró a los Estados Unidos en 1920. Uno de los críticos se refirió a él como un artista en el exilio, para quien el arte se ha convertido en una patria. Gorki recurrió a menudo a las imágenes de su tierra natal en sus pinturas. Después de muchos años de pobreza, logró un reconocimiento de corta duración, pero se ahorcó después de sufrir un trauma psicológico severo.

De Kooning Willem. marilyn monroe

La esencia misma de la impactante y vertiginosa belleza de una estrella de Hollywood, la belleza en exhibición, se captura en esta imagen. La pintura se aplica con fuertes trazos de barrido, capa por capa creando una imagen. Esta pintura de la serie "Mujeres" se refiere a uno de los períodos figurativos no abstractos de De Kooning. Marilyn Monroe, como otros símbolos sexuales, parece más un objeto que una persona. El artista compara a su heroína con un maniquí en un escaparate, privándola por completo de su atractivo erótico. De Kooning se asoció con el grupo expresionista abstracto de Nueva York. Estos artistas dieron gran importancia a la pintura espontánea, el gesto mismo por el cual la pintura salpica la superficie del lienzo. Sin embargo, a diferencia de la mayoría de los demás miembros del grupo, De Kooning no se limitó a la pura abstracción: su tema favorito fue la figura humana, en particular la femenina. En su desarrollo creativo pasó por diferentes etapas, y en la década de 1970 se volcó a la escultura figurativa.

Marcos Toby. viaje blanco

Un enjambre caótico de los iconos abstractos más pequeños, los guiones llenan la superficie del papel. El ritmo tembloroso de los tejidos de telaraña es un rasgo característico de los modales de Toby. La sofisticada habilidad de la escritura cursiva rápida le dio una gran popularidad entre los coleccionistas. Esta composición está cerca de la pintura del expresionismo abstracto, especialmente de Jackson Pollock, pero es obvio que Toby siguió un camino paralelo e independiente. Fue muy influenciado por la cultura del Lejano Oriente, la caligrafía china; uno de los primeros entre los intelectuales estadounidenses, se interesó por el budismo zen. En la década de 1950, Tobey ganó fama internacional como uno de los artistas estadounidenses más innovadores. Su reputación constantemente alta en Europa fue mantenida por el exitoso e influyente distribuidor suizo Ernst Beisler.

Marca Rothko. Intitulado

Masas rectangulares de color saturado parecen flotar en el espacio del cuadro. Sus contornos borrosos crean una vibración llena de un misterioso poder mágico. La luz sobrenatural impregna el lienzo, disolviendo con su resplandor interior la tensión de las formas y los contrastes de color. Sobrias y al mismo tiempo llenas de significado oculto, las obras de Rothko contienen una cierta verdad, fruto de largas y difíciles reflexiones. Nativo de Rusia, Rothko emigró a los Estados Unidos en 1913 con sus padres. Artista autodidacta, pintó sobre todo cuadros de gran formato. Buscó hacer cómplice al espectador de la experiencia del color absoluto. Él dijo: “Pinto cuadros grandes porque quiero lograr intimidad. El panorama general es una conexión instantánea; te captura por completo". Rothko fue un destacado exponente del expresionismo abstracto. Sus composiciones informes resucitan el espíritu mismo de este movimiento, que pretendía penetrar en los misterios inalcanzables del alma humana.