Kuzma Petrov-Vodkin. Tyto podivné obrazy myšlenek

Petrov-Vodkin Kuzma Sergejevič , ruský umělec, teoretik umění a spisovatel.

Narozen v Chvalynsku (provincie Saratov) 24. října (5. listopadu) 1878 v rodině ševce; podařilo získat výtvarná výchova podporované místními obchodníky. Studoval ve třídách malby a kresby F.E. Burova v Samaře (1895–1897) a střední škole technický výkres Stieglitz v Petrohradě (1895–1897). V roce 1905 absolvoval Moskevskou školu malířství, sochařství a architektury, kde byl mezi jeho mentory V.A. Serov. Navštěvoval ateliér A. Ashbeho v Mnichově (1901) a soukromé akademie v Paříži (1905–1908).

Během těchto let hodně cestoval západní Evropa a Středomoří, navštívil severní Afriku; později velká důležitost měl také krymské a středoasijské dojmy. Zažil různé vlivy, moderní (francouzská symbolika) i starověké (malba starověká Rus a italsky Raná renesance) tradice. Byl členem sdružení „World of Art“ a „Four Arts“. Žil v Leningradu a od roku 1927 - v Puškinovi.

Zcela v duchu symboliky již vyřešeno jeho rané obrazy, kde převládají motivy legendy či magického snu (Syn, 1911; Hrající si na chlapce, 1911; obě díla jsou v Ruském muzeu, Petrohrad). Monumentální důkaz tvůrčí zralosti byl slavný obraz Koupání červeného koně (1912) - jednoduchý venkovský děj se (díky hladkému rytmu forem a zvučné místní barevnosti) mění v poetické zobecnění o osudu Ruska. Stejně jsou vnímány obrazy Matka (1913) a Dívky na Volze (1915).

Ve svých inovativních monumentálních a dekorativních dílech (nástěnné malby v kostele sv. Basila Zlatého v Ovruchu, 1910, Námořní katedrála sv. Mikuláše v Kronštadtu, 1913, nástěnné malby a vitráže v katedrále Nejsvětější Trojice ve městě Sumy, 1915 ), Petrov-Vodkin působí jako pozoruhodný mistr „církevní moderny“. Náboženské motivy někdy inspirují jeho světské kompozice (1918 v Petrohradě (s postavou Matky Boží s dítětem v popředí), 1920; všechny obrazy jsou v Treťjakovská galerie).

V 10. letech 20. století se vytvořil zvláštní umělecký a teoretický systém Petrov-Vodkin, kde vedoucí role hraje princip „kulové perspektivy“, která mu umožňuje, zobrazující přírodu v perspektivě shora a ze strany, zprostředkovat pocit „země jako planety“. I jeho zátiší (Herring, 1918, Ruské muzeum) jsou svým způsobem „planetární“, monumentálně významná, zatímco portréty jsou vnímány jako rozsáhlé duchovní milníky své doby (Autoportrét, 1918; A. A. Achmatova, 1922; oba portréty jsou v Treťjakovské galerii).

Upřímný „spolucestovatel“ revoluce vytvořil mistr epické idealizované obrazy občanská válka(Po bitvě, 1923, Ústřední muzeum ozbrojených sil, Moskva; Smrt komisaře, 1928, Ruské muzeum). Ale na obrázku je rok 1919. Úzkost (1934, tamtéž), s petrohradským dělníkem, který je uprostřed noci povolán do milice, je přirozeně vnímána jako předzvěst Stalinova „velkého teroru“ s jeho nočním zatýkáním a vícefigurová Kolaudace (1937, Treťjakovská galerie) je na téma „zahušťování bývalé buržoazie“ – jako satira na nový způsob života.

Petrov-Vodkin se často (počínaje ranými imitacemi M. Maeterlincka) obracel k literatuře, zejména v jeho pozdním období. Jeho Chlynovsk (1930) a Euklidův prostor (1933) jsou romanticky emotivní, žánrově velmi originální – jakási „fiktivní autobiografie“, kde se prapodivně snoubí rysy dobrodružného románu, teoretického pojednání a memoárů. Plodně působil také jako divadelní umělec a pedagog (učil na škole E. N. Zvantseva (1910–1915) a na Akademii umění (1918–1933).

Petrov-Vodkin Kuzma Sergejevič (1878-1939)

tvůrčí osud Petrova-Vodkinašťastně tvořil. Proměna ševcova syna v slavný malíř, rychlý pohybjehoz vnitrozemí Volhy do center evropská kultura(Petrohrad, Moskva, Mnichov, Řím, Paříž), jeho čtvrť s největšími umělci v rafinovaných metropolitních kruzích – to vše se zdá fantastické.

Petrov-Vodkin. Autoportrét.. 1926

V malováníKuzma Sergejevičprojevila se paradoxní struktura jeho osobnosti: provinční houževnatý, ekonomicky šetrný přístup k materiálu duchovní činnosti na jedné straně as jiným- kosmický rozsah hypotéz, projektů, úžasná svoboda myšlení, intelektuální nezájem.

První nesmělé pokusy přivedly patnáctiletého mladíka do Burovových kurzů malby a kresby (Samara). V roce 1895 se s pomocí mecenášů vydal do Petrohradu a vstoupil do CUTR. Ale o dva roky později, když si uvědomil své malířské povolání, se Kuzma Sergejevič přestěhoval do MUZHVZ, kde měl to štěstí, že pracoval v dílně V. A. Serova. Kromě toho v roce 1901 navštívil Mnichov a navštívil umělecká škola Ashbe.

Roky pobytu na MUZhVZ(promoval v roce 1904)výrazný literární činnosti(próza i drama), někdy tak intenzivní, že umělec dokonce váhal při volbě mezi malbou a literaturou. Cesta do Itálie, dlouhodobý pobyt ve Francii, studium v ​​pařížských ateliérech, seznámení s modernou evropské umění rozšířil umělecký obzor Petrova-Vodkina a nakonec určil volbu cesty. Výlet do Severní Afrika sloužil jako základ pro díla vystavená na pařížském salonu (1908) a poté doma.

Pobřeží. 1908

V roce 1909 první osobní výstava Petrov-Vodkin. V následujícím roce se umělec stal členem sdružení Svět umění, s nímž byl spojen až do jeho rozpuštění (1924). Již v rané období dílo Petrova-Vodkina se vyznačuje symbolistickou orientací („Elegie“, 1906; „Břeh“, 1908; „Sen“, 1910); zde samozřejmě zasáhl vliv starších současníků - Vrubel, Borisov-Musatov, Puvis de Chavannes a v oblasti literatury - Maeterlinck.

Veřejná rezonance prvních vystoupení umělce nosila kontroverzní postava. Obraz "Sen" vyvolal vzrušenou kontroverzi a přinesl mladému malíři širokou slávu, protože tábor kritiky vedl Repin a obhajoba - Benois. Někteří viděli v Petrově-Vodkinovi „nejnovějšího dekadenta“, zatímco jiní spojovali „apollonská“ očekávání s jeho dílem, prosazováním neoklasického trendu. Sám umělec se nemohl tak jednoznačně soudit: nazýval se „obtížným umělcem“, nebyl mazaný.

Jako „chvalozpěv na Apolla“, jako zaklínadlo „monstrózního zmatku“ (Benoit) moderní reality byla kritika vnímána kritikou a předzvěstí nadcházející očisty a obnovy světa, která se objevila v roce 1912 na výstavě „ Svět umění" obraz od Petrova-Vodkina "Koupání červeného koně". Slavnostní, kombinující jasnou dekorativnost a hluboký psychologismus ve výkladu „nejvyšší formy na Zemi“ - lidskou tvář, styl Petrov-Vodkinových děl jakoby nejvíce syntetizuje různé tradice duchovně i formálně blízko umělci. V jeho obrazovém jazyce je cítit vliv obrazů Vrcholná renesance a orientální umění, postupné spojení s uměním Venetsianova a A. Ivanova, blízkost hledání moderních francouzských mistrů, zejména Matisse. Ale především důležitost měl pro umělce objev v těch letech velikosti starověké ruské umění, kterému Petrov Vodkin podle svých slov „natáhl ruku“ pro ztělesnění na plátnech „svatých“ základů lidské existence.

Matka. 1915

V průběhu 10. let zůstal rozsah Petrov-Vodkinových pátrání velmi široký. Vedle pláten monumentálně-dekorativního charakteru, bez stylizace („Dívky na Volze“, 1915) se objevují psychologizované obrazy ve „skořápce“ téměř naturalistické formy („Na linii ohně“, 1916). Nejorganičtějšími se zdají být díla související s tématem mateřství, která prochází celou tvorbou Petrova-Vodkina („Matka“, 1913; „Matka“, 1915; „Ráno. Koupání“, 1917).

Dívky na Volze. 1915

Zároveň dozrávají nápady, které vedly Petrova-Vodkina k vytvoření jedinečného umělecký systém. Do popředí se dostává problém prostoru, který je řešen v „kulovité perspektivě“. Jeho zásadní odlišnost od „italské“ perspektivy je založena na dynamice diváka. Zároveň jde o organizaci symbolického prostoru, řešící vnímání jakéhokoli fragmentu reality z „planetárního“ hlediska. Rozmanitost prostorových poloh na obrázku souvisí se zákonem gravitace: nakloněné osy těles tvoří jakoby vějíř, otevřený zevnitř obrázku. Rysy takové organizace poznamenaly mnoho děl: "Polední léto" (1917), "Spící dítě" (1924), "První kroky" (1925), "Smrt komisaře" (1928), "Jaro" (1935 ).

Matka Boží. něha zlá srdce. 1914-1915

Chápání prostoru jako „jednoho z hlavníchvypravěči obrazu“ spolu se specifickou interpretací role barvy (na základě primární triády: červená, žlutá, modrá) určily vyzrálý malířský styl Petrova-Vodkina. ; „Portrét Anny Achmatovové“, 1922).

Petrohradská Madona.1920

Kuzma Sergejevičpovažoval malbu za nástroj ke zlepšení přírodyčlověka snažil se v něm objevit projev věčných zákonů zařízenímír, aby každý konkrétní obraz byl zosobněním spojení vesmírných sil. Možná právě to mu umožnilo číst osud z tváří. V prvních porevolučních letechXuměleczvláště často se obracela k zátiší a nacházela v tomto žánru bohaté experimentální možnosti (" Ranní zátiší", 1918; "Zátiší se zrcadlem", 1919; "Zátiší s modrým popelníkem", 1920).Petrova-Vodkinazprostředkovat drsného ducha doby s výmluvnou přesností („Sleď“, „Housle“, obojí 1918). Mnoho děl je postaveno na principu dvojité expozice („1918 v Petrohradě“, 1920; „Po bitvě“, 1923; „Smrt komisaře“, 1928), což dává důvod spojovat jeho malbu s jazykem filmu.

Na přelomu 20. a 30. let 20. století Kuzma Sergejevič přinutilna chvíliodejítmalováníkvůli nemoci, otočil se zpět k literární tvořivost. Napsal autobiografické romány „Chlynovsk“ a „Euklidův prostor“, v nichž široce rozvinul své názory na povahu a možnosti umění. Poslední věc významnou práci Petrov-Vodkin - "1919. Úzkost" (1934). Ačkoli název obrazu odkazuje na konkrétní historické události, obsahuje kontrastní významy a přerůstá v symbol doby. Úzkost o vlast lidské osudy Budoucnost dětí v roce 1934 získala jiný význam než v roce 1919.

Petrohrad 1918. Úzkost. 1934

Orientace na věčné hodnoty, která je vlastní dílu Kuzmy Sergejeviče Petrova-Vodkina, nemohla být akceptována ideologií Stalinovy ​​doby. Po jeho smrti bylo jeho jméno polozapomenuté. Teprve v polovině 60. letPetrova-Vodkinaotevřelznovu pochopit rozsah svého talentu a hodnotu svého tvůrčího dědictví.

artsait.ru ›Petrov-Vodkin

Ptačí třešeň ve sklenici, 1932

Kolaudace (Dělnický Petrohrad). 1937

Ostatně pro všechny charakteristické vlastnosti svým talentem, rozsahem svých kompozic, originalitou své barevnosti je Petrov-Vodkin nejtypičtějším umělcem pro velké prostory, umělcem pro freskovou malbu... Umělci jako Petrov-Vodkin, kteří jsou neodolatelně přitahováni „ stojan“ malba u stojanů do vesmíru, na fresku, stále více v našem umělecký svět. Svůj talent ale nemají kde projevit a musí se zlomit a kdo ví, ve větší míře ztratit sami sebe.

Baženov N.

Fantasy, 1925

Původní příspěvek a komentáře

Kuzma Petrov-Vodkin- jedinečný umělec, který pracoval na rozhraní dvou epoch, kterého současníci nazývali "starověkým ruským malířem ikon, který náhodou spadl do budoucnosti." Malířova díla byla nejen odrazem současnosti, ale také prorokovala budoucnost a vyvolala i zuřivou konfrontaci názorů a hodnocení – od nadšených chvály až po opovržlivé výsměch.

1. Historie vzniku jména slavného umělce

Petrovs, pak Vodkins. A v důsledku toho se dvě přezdívky spojily do jednoho příjmení Petrov-Vodkin. A Kuzma Sergejevič, otisk tohoto nepříliš čestného příjmení, musel nosit celý život.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/petrov_vodkin0019.jpg" alt="(!JAZYK: Vasja. (1916).

Následující dílo bylo namalováno při zvláštní příležitosti. Kuzma nějak doplaval téměř do středu Volhy, ale zpět - neměl dost síly. Tonoucího Kuzmu náhodou zachránil nosič Ilja Zacharov, který se o týden později utopil a zachránil tak nějakého chudáka. A pak chlapec vzal cínový talíř a nakreslil člun houpající se na vlnách, hlavy tonoucích, oblohu a klikaté blesky a do rohu se podepsal: „Mrtvý pro ostatní! Tobě věčná paměť!" Kuzma se tedy poprvé ukázal v umění malby.

3. Neúspěšný malíř ikon

Ještě jako student čtyřleté městské školy se mladík seznámil se dvěma místními malíři ikon. A se zájmem sledující, jak ikony vznikají, se Kuzma pokouší sám namalovat svatý obrázek olejové barvy. Kněz však svou ikonu nepřijal: „To bolí, tvoje Matka Boží vypadá jako skutečná žena s dítětem! A jeho oči září, jako by hledal muže. Naprostá neslušnost!". Toto Kuzmovo dílo se samozřejmě nezachovalo a později se k tomuto obrazu více než jednou obrátil.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/petrov_vodkin0001.jpg" alt="(!LANG:Portrét matky.

Umělcova matka byla služebnou v domě obchodníků Kazaryinů a jednou se jí podařilo ukázat kresby svého nadaného syna architektovi Meltzerovi, který o něj měl velký zájem. Brzy vzal architekt Kuzmu do Petrohradu, kde začal studovat na Střední škole technického kreslení. A ti samí Kazaryinové platili za studium a ubytování - 25 rublů měsíčně.

V roce 1897 se Petrov-Vodkin přestěhoval do Moskvy a vstoupil na Moskevskou školu malířství, sochařství a architektury, kde byl jeho učitelem Valentin Serov.

5. Velký dobrodruh: "Bohatí jsou mazaní kvůli penězům a potřebují vynálezy."

dostat se z Moskvy do Paříže na novém módním dopravním prostředku – na dvoukolovém kole.“ Kuzma povzbudil svého přítele Vladimíra Sorokhtina k tomuto dobrodružství a vydali se dlouhá cesta.

Cestu z Moskvy do Varšavy urazili s kamarádem za 12 dní – to je 100 mil za den. Krvavé ruce a nohy, rozbité kolo nemohlo statečné chlapy zastavit. Do Německa se dostali, střídavě: buď vlakem, nebo na kole. A na Paříž jsem teď musel zapomenout.

V Mnichově, ve slavné škole kreslení Antona Ashbeho, studovalo mnoho ruských začínajících umělců: Bilibin, Grabar, Kandinsky. A Kuzma měl opět štěstí: noví přátelé mu vybrali nějaké peníze, což se ukázalo jako dostačující na pár měsíců výuky a na zpáteční letenku do Ruska.

6. Umělkyně z vnitrozemí Ruska a Pařížanka Mara Jovanovich

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219416087.jpg" alt="(!JAZYK: Kuzma Sergejevič a Maria Fedorovna. Paříž. 1908." title="Kuzma Sergejevič a Maria Fjodorovna. Paříž. 1908" border="0" vspace="5">!}

Na podzim roku 1906 novomanželé po podpisu na radnici oslavili civilní sňatek. Nějakou dobu žili v Paříži a před odjezdem do Ruska stihl Kuzma Sergejevič navštívit i severní Afriku, o které později vyprávěl tolik příběhů, že posluchači ani nevěřili, že tam vůbec byl.
A své milované Maře - Marii Feodorovně napsal dojemné řádky z daleké Afriky: "Byl jsi první, kdo vyplnil osamělost mého života." Byl jsem pro ostatní jako prorok, vždy silný a radostný, pro kterého nebylo utrpení, ale sám jsem ztuhl. Našel jsem na Zemi ženu. Naše srdce jsou otevřená jeden druhému. Nyní vydržíme vše, co nám život pošle, protože jsme dva a na Zemi se nemáme čeho bát ani kvůli sobě, ani kvůli své lásce.

V sedmatřiceti porodí Maria Fedorovna dceru Lenochku. A sám Kuzma Sergejevič bez sebe štěstím prohlásí: „Byl jsem napůl člověk, aniž bych tohle zažil! Teď mám pro co žít!"

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/petrov_vodkin0015.jpg" alt="(!LANG: "Bathing the Red Horse". (1912). Autor: K.S. Petrov-Vodkin." title="„Koupání červeného koně“ (1912).

8. Dar proroctví

Petrov-Vodkin se také proslavil svým mimořádným darem proroctví. V jeho životě bylo mnoho úžasných případů, kdy se náhodně hozená fráze stala prorockou. V roce 1918, po dokončení práce na obraze „Sleď“, byl svými kolegy zesměšňován: "Vodkin kreslí sledě!". V odpověď jen zabručel: "Toto je příděl času blokády". Ale před blokádou Leningradu zbývalo 23 let a on, jak to bylo, už tuto blokádu viděl svým rozumem.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/petrov_vodkin0008.jpg" alt="Autoportrét.

Petrov-Vodkin od prvních dnů revolučních událostí byl aktivním účastníkem umělecký život sovětské země. Hodně energie věnoval výuce, rozvíjel novou teorii malby. A za svou práci byl v roce 1930 oceněn titulem Ctěný umělec RSFSR.

Když Kuzma Sergejevič zemřel, sovětské úřady, když si náhle uvědomily, že počátky jeho díla tkví v ikonomalbě a francouzském symbolismu, znatelně ochladly vůči jeho uměleckému dědictví.

Skončil v Malmö (Švédsko) a do Ruska byl vrácen až na konci 40. let. A díky úsilí vdovy po umělci byl tento slavný obraz restaurován a přenesen do Treťjakovské galerie.

KUZMA Sergejevič Petrov-Vodkin se narodil v chudá rodinašvec v Chvalynsku na Volze provincie Saratov dne 5. listopadu 1878. Díky podpoře místních obchodníků s obilím se chlapci, který se od svých vrstevníků odlišoval houževnatou vizuální pamětí, dostalo výtvarného vzdělání, nejprve ve výtvarných třídách Samara a Stieglitzově škole v Petrohradě, poté na Moskevské malířské škole. , Sochařství a architektura.

Autoportrét. 1929

Radost z prvních životních dojmů - krása Povolží a sadů, poezie a moudrost lidové pohádky a písně, - velmi brzy vystřídaly mladé univerzity: krutost a absurdita maloburžoazního života provinčního Ruska. Mladý Kuzma s hořkostí napsal své matce ze Samary: „V Božím světě je taková masa slz, smutku, nepřekonatelné potřeby, že všechno radostné je na světě ztraceno a štěstí za ocas nechytíš. .“

Umělec pokračoval ve studiu na soukromých akademiích v Mnichově a Paříži. Zřejmě proto se v díle Petrova-Vodkina spojil francouzský postimpresionismus, symbolika evropské secese a tradice starověké ruské ikonomalby a fresky. Někteří kritici dokonce poznamenali, že dílo Petrova-Vodkina „lze přirovnat k zrcadlu, do kterého se dívá Západ, v němž rozpoznává Východ v sobě, a Východ – Západ“.

"Kavárna", 1907

Po návratu do Moskvy se Petrov-Vodkin přestěhuje ze všeobecných tříd školy do Serovovy dílny. Potřeba myslet na jejich každodenní chléb ho však přiměla v létě 1902 spolu se svými spolužáky Kuzněcovem a Utkinem odjet do Saratova, kde byli požádáni, aby vymalovali Kazaňský kostel. Matka Boží. Mladí umělci jsou daleko od kánonu Pravoslavná církev, a z tradičních metod kostelní malby těch let. Práce ještě nebyly dokončeny, když proti nim začala kampaň v Saratovských novinách, a pak - na příkaz církevního soudu a navzdory obraně slavný umělec Borisov-Musatov - obrazy byly zničeny. Jak napsal ve stejnou dobu Borisov-Musatov, šlo o díla, „ve srovnání s nimiž malba celé saratovské církevní diecéze, stará i nová, nestojí absolutně za nic...“

Matka Boží "Něha zlých srdcí". 1914-1915

V roce 1904 Petrov-Vodkin absolvoval Moskevskou školu a o rok později odešel do Itálie. Jedním z cílů cesty byl... Vesuv. Z raná léta budoucí umělec měl zvláštní zájem o různé projevy elementární síly příroda – zemětřesení, mořské přílivy, sopečné erupce, i když na Volze mohl pozorovat pouze ledové závěje, bouřky, hvězdopády, říční bouře a - jednou - zatmění Slunce. Vidět skutečnou sopku byl jeho dávný sen. A nyní se tento sen plně naplnil: Vesuv, když se umělec zvedl až k jeho ústům, se otřásl výbuchy a na svazích sypal popel. Podle Petrova-Vodkina pocity, které zažil na Vesuvu, otřásly jeho uměleckým vědomím a staly se linií, která oddělovala dobu jeho vyučení v umění od nadcházejícího samostatného tvůrčího života.

Portrét ženy ("Portrét neznámé osoby"). 1908

Petrov-Vodkin celý život hledal malebnou formu „filosofického obrazu světa“. V roce 1910 našel vlastní styl symbolická interpretace obrazového prostoru, interakce tří základních barev: červené, modré a žluté – tzv. „tříbarevné“ – a vyjádření v obrázkové obrázky filozofické kategorie bytost. „Formou a barvou, která tuto formu objímá, je malba“ – tak formuloval svůj princip sám Petrov-Vodkin. Právě tyto vlastnosti odlišují obraz „Koupání červeného koně“ - hlavní mistrovské dílo umělce, kterou namaloval v roce 1912. Na celém plátně - mohutná postava koně. Zakrývá téměř celý prostor plátna. Nyní je obraz v Treťjakovské galerii v Moskvě a až do roku 1950 zůstal jeho osud neznámý.

V roce 1914 šel "Rudý kůň" do mezinárodní výstava do Švédska. Brzy první Světová válka a obrázek zmizel. A jen díky vdově po umělci, které se zázrakem podařilo obraz najít, se jí podařilo vrátit do vlasti. „Rudý kůň je pro mě živým příkladem symbolistické malby,“ poznamenala historička umění Natalya Adaskina. - Toto je velmi prostorný obraz, který reprezentuje éru a mluví jejím jménem. Hlavní věc na obrázku je tušení: něco se stalo a na něco čekají. Přichází něco grandiózního, radikálně měnícího osud. Otupělost před začátkem něčeho nového je na obrázku tak jasně vyjádřena, že se stala symbolem doby - začátku dvacátého století. A skutečně je. Současníci Petrova-Vodkina vnímali „Rudého koně“ jako kouzlo moderní reality, jako volání a předzvěst nadcházející očisty a obnovy světa. A sám umělec po začátku světové války zvolal: „Tak o tom bylo „koupání červeného koně“! Po událostech roku 1917 zopakoval totéž.

Zlý sen bez probuzení.

"1918 v Petrohradě". 1920.

Petrov-Vodkin vždy dával přednost tomu, aby zůstal mimo kasty, začaroval příbuzné, aby se nepletli do politiky, ve které by si „sám ďábel zlomil nohu“. Říjnovou revoluci však přijímá s nadšením. „V chaosu výstavby pro každého, kdo není pohroužen do osobních partitur,... při pohledu za hranice dočasného zmatku zní jedna struna naděje: nádherný život!.. Zárukou naděje je, že se „lid“ cítil jako lidstvo a od té doby, co se tento pocit objevil...nezmizí. ... Vzhled bratra se jasně rýsoval mezi odpadky spletitých ... kruhových objezdů života, “napsal v roce 1917. Své chápání revoluce jako světově historického fenoménu, který lidstvu otevírá cestu k dokonalosti, ztělesnil v klasice Sovětské umění obrazy „1918 v Petrohradě“ (1920) a „Smrt komisaře“ (1928).

„Smrt komisaře“. 1928

Umělec upřímně věří, že po říjnu „ruský lid, navzdory všem mukám, zařídí svobodný, čestný život. A tento život bude otevřený všem. Zároveň chápe, že „osud je možné vytvořit pouze mírem, a ne násilím, ne bajonety, ne vězením a ne řečí, ale skutkem“. Také vidí, že v Petrohradě začíná nedostatek potravin. „Tady se rozsvítilo, že tu není sůl! Jakákoli ustanovení musíte hledat se smutkem. A v roce 1917 zavládne skutečný hladomor. Suchary, které poslala moje matka z Chvalynsku - hostina! "Odkud," zvolal umělec, "nám tady Bůh dává sílu, hladoví?" A uzavřel: „Tento život je jako zlý sen bez probuzení…“

"Úzkost." 1926

Ctěný umělecký pracovník RSFSR K. S. Petrov-Vodkin nebyl umělcem, který by byl docela spokojen Sovětská moc. Symbolista s pařížskou školou, v minulosti ikonopisec, který svým zájmem o ikonu a v náboženského umění se neskrýval ani v éře militantního materialismu, nezapadal do formátu sovětských světců. A možná by Kuzma Sergejevič sdílel osud mnoha lidí talentovaní lidé kdo shnil v Gulagu, neumírej v noci ze 14. na 15. února 1939 ...

"Housle." 1921

"Růžové zátiší." 1918

"Matka." 1915

"Portrét dcery." 1935

"Hroznová." 1938

Tvůrčí osud Kuzmy Sergejeviče Petrova-Vodkina (1878-1939) se vyvíjel šťastně. Proměna syna ševce ve slavného malíře, jeho rychlý přesun z povolžského vnitrozemí do center evropské kultury (Petrohrad, Moskva, Mnichov, Řím, Paříž), blízkost k největším postavám ruského umění v r. rafinované kruhy hlavního města - to vše se zdá fantastické. V umění Petrova-Vodkina se naplno projevila paradoxní struktura jeho osobnosti: provinční houževnatý, ekonomicky šetrný přístup k materiálu duchovní činnosti na jedné straně a kosmický rozsah hypotéz, projektů, úžasná svoboda myšlení, na druhé straně intelektuální nezájem.

"Naše paní Něha zlých srdcí" 1914-1915

První nesmělé pokusy přivedly patnáctiletého chlapce do tříd malby a kresby F. E. Burova (Samara). V roce 1895 odjel s pomocí mecenášů do Petrohradu a vstoupil na Ústřední školu technického kreslení barona A. L. Stieglitze. O dva roky později, když si uvědomil své malířské povolání, se Petrov-Vodkin přestěhoval do Moskevské školy malířství, sochařství a architektury (MUZHVZ), kterou absolvoval v roce 1904. Zde měl štěstí, že pracoval v dílně Valentina Serova. Kromě toho byl v roce 1901 v Mnichově, kde navštěvoval uměleckou školu A. Ashbeho. Léta jeho pobytu na MUZhVZ byla poznamenána literární činností (próza a dramaturgie), někdy tak intenzivní, že umělec dokonce váhal při výběru mezi malbou a literaturou. Cesta do Itálie, dlouhodobý pobyt ve Francii, studia v pařížských ateliérech, seznámení s moderním evropským uměním rozšířily umělecký obzor Petrova-Vodkina a nakonec určily volbu cesty. Cesta do severní Afriky posloužila jako základ pro díla vystavená na pařížském salonu (1908) a poté doma. V roce 1909 se v redakci časopisu Apollon konala první osobní výstava Petrova-Vodkina. V následujícím roce se umělec stal členem sdružení Svět umění, s nímž byl spojen až do jeho rozpuštění (1924).

"Autoportrét" 1907

"Jablko a třešeň" 1907

„V ateliéru umělce“ 1901

"Divadlo. Fraška" 1907

"Divadlo. Drama" 1907

"Kavárna" 1907

"Portrét Marie Fedorovny Petrové-Vodkiny, umělcovy manželky" 1907

"Sitter" 1906

"Model" 1907

"Negress" 1907

"Pobřeží" 1908

„Portrét Anny Panteleevny Petrové-Vodkiny, umělcovy matky“ 1909

"Staré ženy" 1909

Již v raném období se tvorba Petrova-Vodkina vyznačovala symbolistickou orientací („Elegie“, 1906; „Břeh“, 1908; „Sen“, 1910); zde samozřejmě zasáhl vliv starších současníků (Michail Vrubel, Viktor Borisov-Musatov, P. Puvis de Chavannes; v oblasti literatury - Maurice Maeterlinck). Veřejná rezonance prvních vystoupení umělce byla kontroverzní. Obraz „Sen“ vyvolal vzrušenou kontroverzi a přinesl mladému malíři širokou slávu, protože tábor kritiky vedl sám Ilya Repin a obrana - Alexander Benois. Někteří viděli v Petrově-Vodkinovi „nejnovějšího dekadenta“, zatímco jiní spojovali „apollonská“ očekávání s jeho dílem, prosazováním neoklasického trendu. Sám umělec se nemohl tak jednoznačně soudit: nazýval se „obtížným umělcem“, nebyl mazaný. Další vývoj ukazuje tuto symboliku umělecký jazyk byl zakořeněn v samotné povaze malíře a také v ikonopisecké tradici, k jejímž novému objevu došlo právě v této době. Hrající chlapci (1911) a zejména Koupání červeného koně (1912) představují zásadní mezník v tvorbě Petrova-Vodkina. Plastická propracovanost objemů sice vstupuje do jistého rozporu s konvenčností barevnosti a zplošťováním prostoru, ale zde lze jasně vyčíst touhu po syntéze východní a západní obrazové tradice, která se ukázala být tak plodná.

"Hlava mládeže" 1910

„Žena v Chitonu“ 1910

"Vyhnání z ráje" 1911

"Koupání červeného koně" 1912

"Ženská hlava" 1912

"Autoportrét" 1912

„Zátiší s jablky“ 1912

"Asters" 1912

"Portrét Nataši Grekové (kozáka)" 1912

"Mládí (polibek)" 1913

"Matka" 1913

V průběhu 10. let zůstal rozsah Petrov-Vodkinových pátrání velmi široký. Vedle pláten monumentálně-dekorativního charakteru, bez stylizace („Dívky na Volze“, 1915) se objevují psychologizované obrazy ve „skořápce“ téměř naturalistické formy („Na linii ohně“, 1916).

"Portrét chlapce" 1913

"Dívky na Volze" 1915

"V palebné linii" 1916

"Housle." 1916

Nejorganičtějšími se zdají být díla související s tématem mateřství, která prochází celou tvorbou Petrova-Vodkina („Matka“, 1913; „Matka“, 1915; „Ráno. Koupání“, 1917).

"Ráno" 1917

"Polední" 1917

"Jablka" 1917

"Ženská hlava" 1918

"Mikula Selyaninovič. Hlava" Etuda. 1918

"Chlapecké hlavy" 1918

Zároveň dozrávaly myšlenky, které vedly Petrova-Vodkina k vytvoření jedinečného uměleckého systému. Do popředí se dostává problém prostoru, který je řešen v „kulovité perspektivě“. Jeho zásadní odlišnost od „italské“ perspektivy je založena na dynamice diváka. Zároveň jde o organizaci symbolického prostoru, řešící vnímání jakéhokoli fragmentu reality z „planetárního“ hlediska. Rozmanitost prostorových poloh na obrázku souvisí se zákonem gravitace: nakloněné osy těles tvoří jakoby vějíř, otevřený zevnitř obrázku. Rysy takové organizace poznamenaly mnoho děl: "Polední léto" (1917), "Spící dítě" (1924), "První kroky" (1925), "Smrt komisaře" (1928), "Jaro" (1935 ), atd. Chápání prostoru jako „jednoho z hlavních vypravěčů obrazu“ spolu se specifickou interpretací role barvy (na základě primární triády: červená, žlutá, modrá) určovaly vyzrálý malířský styl Petrova-Vodkina.

"1918 v Petrohradě" 1920

"Hlava uzbeckého chlapce." 1921

"Autoportrét" 1918

Kosmologická symbolika se odráží i v portrétech (Autoportrét, 1918; Hlava uzbeckého chlapce, 1921; Portrét Anny Achmatovové, 1922 aj.). Umělec považoval malbu za nástroj ke zlepšení lidské přirozenosti a snažil se v člověku objevit projev věčných zákonů světového řádu, aby každý konkrétní obraz byl zosobněním spojení vesmírných sil. Možná právě to mu umožnilo číst osud z tváří.

"Portrét Anny Andreevny Akhmatové" 1922

"Autoportrét" 1921

"Hlava uzbeckého chlapce" 1921

"Složení" 1921

"Taškent (v čajovně)" 1921

"Ranní zátiší" 1918

„Portrét umělcovy dcery“ 1923

"Portrét N.A. (Portrét ženy)"

"Sleď" 1918

V prvních porevolučních letech se Petrov-Vodkin zvláště často obracel k zátiší a nacházel v tomto žánru bohaté experimentální možnosti („Ranní zátiší“, 1918; „Zátiší se zrcadlem“, 1919; „Zátiší s modrou“ Popelník", 1920). Předměty jsou zahrnuty ve stejné jednotě univerzálního, kosmického spojení: převzato z vysoký bod vidění, v jasně viditelných prostorových vztazích, aktivně interagují, komunikují spolu ve svém předmětu. Zároveň zátiší s výmluvnou přesností vyjadřují drsného ducha doby („Sleď“, „Housle“, obojí 1918).

"Housle" 1918

„Zátiší s modrým popelníkem“ 1920

„Zátiší se zrcadlem“ 1919

"Housle" 1921

"Zátiší. Květiny a ženská hlava" 1921

"Madonna a dítě" 1923

"Po bitvě" 1923

"Portrét Madame Bodinové" 1924

"Portrét Lyubov Mikhailovna Ehrenburg" 1924

"Náčrt Borisova make-upu pro hru "Boris Godunov" 1924

"Make-up skica pro Marinu Mnishek pro hru" Boris Godunov "1924

"Paříž. Notre Dame" 1924

"Zátiší s písmeny" 1925

"Dělník (dívka v červeném šátku)" 1925

Mnoho Petrov-Vodkinových děl je postaveno na principu dvojité expozice („1918 v Petrohradě“, 1920; „Po bitvě“, 1923; „Smrt komisaře“, 1928), což dává důvod spojovat jeho obraz s jazyk kinematografie.

"Autoportrét" 1926

"V Šuvalově" 1926

"Dívka u okna" 1928

"Ráno na vesnici (jaro ve vesnici)" Náčrt 1928

"Smrt komisaře" 1928

"Autoportrét" 1929

"Portrét Sergeje Dmitrieviče Mstislavského" 1929

"Jablko a citron" 1930

Na přelomu 20. a 30. let se Petrov-Vodkin, který byl kvůli nemoci nucen na čas malování opustit, opět věnoval literární tvorbě. Tehdy napsal autobiografické romány „Khlynovsk“ a „Euklidův prostor“, v nichž široce rozvinul své názory na povahu a možnosti umění.

"Zátiší. Ptačí třešeň ve skle" 1932

"1919. Poplach" 1934

Posledním významným dílem Petrova-Vodkina je „1919. Úzkost“ (1934). Přestože název obrazu odkazuje ke konkrétním historickým událostem, spojuje v sobě kontrastní významy a přerůstá v symbol celé epochy. Úzkost o vlast, o lidské osudy, o budoucnost dětí v roce 1934 nabyla jiného významu než v roce 1919.

"Jaro" 1935

Orientace na věčné hodnoty, vlastní dílu Petrova-Vodkina, nemohla být akceptována sovětskou ideologií Stalinovy ​​doby. Po smrti umělce bylo jeho jméno napůl zapomenuto. Teprve v polovině 60. let došlo k novému objevu Petrova-Vodkina, díky kterému je nyní zřejmý skutečný rozsah jeho talentu a hodnota jeho tvůrčího dědictví.

Kolaudace domu 1937

"Krmení miminek"

"Za samovarem"

"Portrét Andrei Bely." 1932

"Rodinný portrét (autoportrét s manželkou a dcerou)" 1933

„Zátiší (sklenice čaje, kalamář a jablko na stole)“ 1934

"Zátiší. Hrozny a jablko" 1934

"Zemětřesení na Krymu." 1927

„Portrét umělcovy dcery“ 1935

"Rybářova dcera" 1936

"Dívka s panenkou (portrét Tatuli)" 1937

"Zátiší. Kytice květin a lampa" 1937

"Portrét vědce Leonida Vitalyeviče Kantoroviče" 1938

"Puškin v Petrohradě (Puškin na Něvě)" 1937-1938