Японски съвременен художник от японско-перуански произход. Най-великите артисти на укийо-е

Ако си мислите, че всички велики артисти са в миналото, тогава нямате представа колко грешите. В тази статия ще научите за най-известните и талантливи художници на нашето време. И, повярвайте ми, техните произведения ще седят в паметта ви не по-малко дълбоко от произведенията на маестрото от минали епохи.

Войчех Бабски

Войчех Бабски – модерен полски художник. Завършва Силезийския политехнически институт, но се свързва с. AT последно времерисува предимно жени. Фокусира се върху проявлението на емоциите, стреми се да постигне възможно най-голям ефект с прости средства.

Обича цветовете, но често използва нюанси на черно и сиво, за да постигне най-доброто изживяване. Не се страхува да експериментира с нови техники. Напоследък набира все по-голяма популярност в чужбина, предимно във Великобритания, където успешно продава свои творби, които вече се намират в много частни колекции. Освен от изкуство се интересува от космология и философия. Слуша джаз. В момента живее и работи в Катовице.

Уорън Чанг

Уорън Чанг е съвременен американски художник. Роден през 1957 г. и израснал в Монтерей, Калифорния, той завършва с отличие Art Center College of Design в Пасадена през 1981 г. със степен бакалавър по изящни изкуства по изящни изкуства. През следващите две десетилетия той работи като илюстратор за различни компаниив Калифорния и Ню Йорк, преди да започне кариера като професионален художник през 2009 г.

Неговите реалистични картини могат да бъдат разделени на две основни категории: биографични интериорни картини и картини, изобразяващи трудови хора. Интересът му към този стил на рисуване се корени в работата на художника от 16-ти век Ян Вермеер и се простира до предмети, автопортрети, портрети на членове на семейството, приятели, ученици, ателие, класна стая и домашен интериор. Целта му е да създаде настроение и емоция в своите реалистични картини чрез манипулиране на светлината и използване на приглушени цветове.

Чанг стана известен след прехода към традиционните визуални изкуства. През последните 12 години той спечели множество награди и отличия, като най-престижната е наградата Master Signature от Асоциацията на художниците с маслени бои в Америка, най-голямата общност за рисуване с маслени бои в Съединените щати. Само един човек от 50 е удостоен с възможността да получи тази награда. В момента Уорън живее в Монтерей и работи в студиото си, също така преподава (известен като талантлив учител) в Академията по изкуствата в Сан Франциско.

Аурелио Бруни

Аурелио Бруни е италиански художник. Роден в Блеър на 15 октомври 1955 г. Завършва специалност сценография в Art Institute в Сполето. Като художник той е самоук, тъй като самостоятелно „строи къщата на знанието” върху основата, поставена още в училище. Започва да рисува с маслени бои на 19 години. В момента живее и работи в Умбрия.

Ранната живопис на Бруни се корени в сюрреализма, но с течение на времето той започва да се фокусира върху близостта на лиричния романтизъм и символизма, подсилвайки тази комбинация с изящната изтънченост и чистота на своите герои. Одушевените и неодушевените предмети придобиват еднакво достойнство и изглеждат почти хиперреалистични, но в същото време не се крият зад завеса, а ви позволяват да видите същността на душата си. Многостранност и изтънченост, чувственост и самота, замисленост и плодотворност са духът на Аурелио Бруни, подхранван от великолепието на изкуството и хармонията на музиката.

Александър Балос

Алкасандр Балос е съвременен полски художник, специализиран в маслената живопис. Роден през 1970 г. в Гливице, Полша, но от 1989 г. живее и работи в САЩ, в град Шаста, Калифорния.

Като дете учи изкуство под ръководството на баща си Ян, самоук художник и скулптор, така че от ранна възраст, артистичната дейност получи пълна подкрепа и от двамата родители. През 1989 г., на осемнадесет години, Балос напуска Полша за Съединените щати, където неговата учителка и художник на непълно работно време Кати Гаглиарди насърчава Алкасандър да се запише в училище по изкуства. След това Балос получава пълна стипендия за университета в Милуоки, Уисконсин, където учи живопис при професора по философия Хари Росин.

След като завършва обучението си през 1995 г. и получава бакалавърска степен, Балос се премества в Чикаго, за да посещава училище визуални изкуства, чиито методи се основават на работата на Жак-Луи Давид. фигуративен реализъм и портретна живописса били повечетопроизведения на Балос през 90-те и началото на 2000-те. Днес Балос използва човешката фигура, за да подчертае характеристиките и недостатъците на човешкото съществуване, без да предлага никакви решения.

Сюжетните композиции на неговите картини са предназначени да бъдат самостоятелно интерпретирани от зрителя, само тогава платната ще придобият своето истинско времево и субективно значение. През 2005 г. художникът се премества в Северна Калифорния, оттогава обхватът на работата му се разширява значително и сега включва по-свободни методи на рисуване, включително абстракция и различни мултимедийни стилове, които помагат да се изразят идеите и идеалите на битието чрез рисуване.

Алиса Монкс

Алиса Монкс - модерна американски художник. Тя е родена през 1977 г. в Риджууд, Ню Джърси. Още като дете се увлича по рисуването. Тя посещава The New School в Ню Йорк и Montclair State University и завършва Бостънския колеж през 1999 г. с бакалавърска степен. В същото време тя учи рисуване в академията Лоренцо Медичивъв Флоренция.

След това продължава обучението си по програмата за магистърска степен в Нюйоркската академия по изкуства, в Департамента по фигуративно изкуство, която завършва през 2001 г. Завършила е колежа Фулъртън през 2006 г. За кратко е изнесла лекции в университети и образователни институции в цялата страна и е преподавала живопис в Нюйоркската академия по изкуствата, както и в Държавния университет Монтклер и Колежа по изкуства Лаймска академия.

„Използвайки филтри като стъкло, винил, вода и пара, изкривявам човешкото тяло. Тези филтри ви позволяват да създавате големи площиабстрактен дизайн, през който надничат цветни острови – части от човешкото тяло.

Снимките ми се променят модерен видкъм вече установените, традиционни пози и жестове на къпещите се жени. Те биха могли да разкажат много на внимателния зрител за такива на пръв поглед очевидни неща като ползите от плуването, танците и т.н. Моите герои са притиснати до стъклото на прозореца на душ кабината, изкривяват собственото си тяло, осъзнавайки, че по този начин влияят на прословутия мъжки поглед към гола жена. Дебели слоеве боя се смесват, за да имитират стъкло, пара, вода и плът отдалеч. Въпреки това, отблизо, възхитително физични свойствамаслена боя. Експериментирайки със слоеве боя и цвят, намирам момента, в който абстрактните щрихи се превръщат в нещо друго.

Когато за първи път започнах да рисувам човешкото тяло, веднага бях очарован и дори обсебен от него и почувствах, че трябва да направя картините си възможно най-реалистични. „Изповядвах“ реализма, докато не започна да се разплита и деконструира. Сега проучвам възможностите и потенциала на стил на рисуване, в който изобразителната живопис и абстракцията се срещат – ако и двата стила могат да съществуват едновременно в един и същи момент във времето, ще го направя.“

Антонио Финели

италиански художник - наблюдател на времето” – Антонио Финели е роден на 23 февруари 1985 г. В момента живее и работи в Италия между Рим и Кампобасо. Негови творби са излагани в няколко галерии в Италия и чужбина: Рим, Флоренция, Новара, Генуа, Палермо, Истанбул, Анкара, Ню Йорк, а също така могат да бъдат намерени в частни и обществени колекции.

Рисунки с молив" Наблюдател на времетоАнтонио Финели ни изпраща на вечно пътуване вътрешен святчовешката темпоралност и свързания с нея строг анализ на този свят, чийто основен елемент е преминаването през времето и следите, които то нанася върху кожата.

Финели рисува портрети на хора от всякаква възраст, пол и националност, чиито изражения на лица показват преминаването през времето, а художникът също се надява да намери доказателства за безмилостността на времето върху телата на своите герои. Антонио определя творбите си с едно общо заглавие: „Автопортрет“, тъй като в своите рисунки с молив той не само изобразява човек, но позволява на зрителя да съзерцава реални резултатипреминаване на време в рамките на човек.

Фламиния Карлони

Фламиния Карлони е 37-годишна италианска художничка, дъщеря на дипломат. Тя има три деца. Дванадесет години тя живее в Рим, три години в Англия и Франция. Получава диплома по история на изкуството от BD School of Art. Тогава тя получава диплома по специалността реставратор на произведения на изкуството. Преди да открие призванието си и да се отдаде изцяло на рисуването, тя работи като журналист, колорист, дизайнер и актриса.

Страстта на Фламиния към рисуването се заражда още като дете. Нейната основна среда е маслото, защото тя обича „coiffer la pate“ и също така си играе с материала. Тя научи подобна техника в творбите на художника Паскал Торуа. Flaminia е вдъхновена от великите майстори на живописта като Balthus, Hopper и François Legrand, както и от различни направления в изкуството: улично изкуство, китайски реализъм, сюрреализъм и ренесансов реализъм. Нейният любим художник Караваджо. Нейната мечта е да открие терапевтичната сила на изкуството.

Денис Чернов

Денис Чернов е талантлив украински художник, е роден през 1978 г. в Самбир, Лвовска област, Украйна. След като завършва Харков художествено училищепрез 1998 г. остава в Харков, където живее и работи в момента. Учи и в Харковската държавна академия за дизайн и изкуства, катедра Графика, завършва през 2004 г.

Редовно участва в художествени изложби, този моментимаше повече от шестдесет от тях, както в Украйна, така и в чужбина. Повечето от творбите на Денис Чернов се съхраняват в частни колекции в Украйна, Русия, Италия, Англия, Испания, Гърция, Франция, САЩ, Канада и Япония. Част от произведенията бяха продадени в Christie's.

Денис работи в широк спектър от графични и живописни техники. Рисунките с молив са един от любимите му методи за рисуване, списък на неговите теми рисунки с моливсъщо много разнообразен, той рисува пейзажи, портрети, голи тела, жанрови композиции, книжни илюстрации, литературни и исторически възстановкии фантазии.

Здравейте, скъпи читатели - търсачи на знания и истина!

Японските художници се отличават с уникален стил, усъвършенстван от поколения майстори. Днес ще говорим за най-ярките представители Японска живописи техните картини, от древни времена до наши дни.

Е, нека се потопим в изкуството на Страната на изгряващото слънце.

Раждането на изкуството

Древното изкуство на рисуване в Япония е свързано преди всичко с особеностите на писането и следователно се основава на основите на калиграфията. Първите примери включват фрагменти от бронзови камбани, съдове и предмети от бита, открити при разкопки. Много от тях са рисувани с естествени бои, а изследванията показват, че продуктите са направени преди 300 г. пр. н. е.

Нов етап в развитието на изкуството започва с пристигането в Япония. На emakimono - специални хартиени свитъци - изображения на божества от будисткия пантеон са нанесени сцени от живота на Учителя и неговите последователи.

Преобладаването на религиозните теми в живописта може да се проследи в средновековна Япония, а именно от 10-ти до 15-ти век. Имената на художниците от онази епоха до днес, уви, не са запазени.

В периода 15-18 век започва ново време, характеризиращо се с появата на художници с развит индивидуален стил. Те обозначиха вектора по-нататъчно развитиевизуални изкуства.

Ярки представители на миналото

Напрегнат Шубун (началото на 15 век)

За да стане изключителен майстор, Xubong изучава техниките на писане на китайските художници Sung и тяхната работа. Впоследствие той става един от основоположниците на живописта в Япония и създател на суми-е.

Sumi-e е художествен стил, който се основава на рисуване с мастило, което означава един цвят.

Шубун направи много за нов стилпуска корени в артистичните среди.Преподава на изкуството и други таланти, включително бъдещи известни художницикато Сешу.

Най-популярната картина на Шубун се нарича "Четене в бамбуковата горичка".

„Четене в бамбуковата горичка“ от Тенс Шубун

Хасегава Тохаку (1539-1610)

Той става създател на училището, кръстено на себе си - Хасегава. Първоначално той се опитва да следва каноните на училището Кано, но постепенно неговият индивидуален „почерк“ започва да се проследява в неговите произведения. Tohaku се ръководи от графиките на Sesshu.

Основата на произведението бяха прости, кратки, но реалистични пейзажи с неусложнени имена:

• "борове";
• "Клен";
• Борове и цъфтящи растения.

Пайнс, Хасегава Тохаку

Братя Огата Корин (1658-1716) и Огата Кензан (1663-1743)

Братята са били отлични занаятчии от 18 век. Най-големият, Огата Корин, се посвещава изцяло на рисуването и основава жанра римпа. Той избягва стереотипните образи, предпочитайки импресионистичния жанр.

Огата Корин рисува природата като цяло и по-специално цветята под формата на ярки абстракции. Неговите четки принадлежат на картината:

• „Сливов цвят червен и бял”;
• "Вълните на Мацушима";
• "Хризантеми".

Вълните на Мацушима от Корин Огата

По-малкият брат - Огата Кензан - имаше много псевдоними. Поне се занимаваше с рисуване, но повече се славеше като прекрасен керамик.

Огата Кензан владее много грънчарски техники. Той се отличава с нестандартен подход, например създава чинии под формата на квадрат.

Собствената живопис не се отличаваше с великолепие - това беше и нейната особеност. Той обичаше да поставя калиграфия върху продукти като свитък или откъси от поезия. Понякога работеха заедно с брат си.

Кацушика Хокусай (1760-1849)

Работил е в стила на укийо-е - вид дърворезба, с други думи, гравюра. За цялото време на творчество той промени около 30 имена. Най-известната творба е Голямата вълна край Канагава, благодарение на която той стана известен извън родината си.

„Голямата вълна край Канагава“ от Хокусай Кацушика

Особено упорито Хокусай започна да работи след 60 години, което донесе добри резултати. Ван Гог, Моне, Реноар са били запознати с творчеството му и до известна степен е повлияло на творчеството на европейски майстори.

Андо Хирошиге (1791-1858)

Един от най-големите художници на 19 век. Роден, живял, работил в Едо, продължил делото на Хокусай, бил вдъхновен от работата му. Начинът, по който той изобразява природата, е почти толкова поразителен, колкото и броят на самите творби.

Едо - предишно имеТокио.

Ето някои фигури за неговото творчество, които са представени от цикъл от картини:

• 5,5 хиляди - броят на всички гравюри;
• „100 гледки към Едо;
• „36 гледки към Фуджи“;
• „69 станции Кисокайдо“;
• „53 гари Токайдо“.

Картина от Андо Хирошиге

Интересното е, че изключителният Ван Гог е написал няколко копия от своите гравюри.

Модерност

Такаши Мураками

Художник, скулптор, моден дизайнер, той си спечелва име още в края на 20 век. В творчеството той се придържа модни тенденциис елементи на класиката и черпи вдъхновение от анимационни и манга анимационни филми.

Картина от Такаши Мураками

Произведенията на Такаши Мураками са класифицирани като субкултура, но в същото време са невероятно популярни. Например през 2008 г. една от неговите творби беше купена на търг за повече от 15 милиона долара. По едно време съвременният творец работи съвместно с модните къщи "Марк Джейкъбс" и "Луи Вюитон".

Тихо Асима

Сътрудник на предишен художник, тя създава съвременни сюрреалистични картини. Те изобразяват изгледи на градове, улици на мегаполиси и същества сякаш от друга вселена - призраци, зли духове, извънземни момичета. На фона на картините често можете да видите девствена, понякога дори плашеща природа.

Картините й достигат големи размерии рядко се ограничават до хартия. Пренасят се върху кожени, пластмасови материали.

През 2006 г., като част от изложба в британската столица, една жена създава около 20 сводести конструкции, които отразяват красотата на природата на селото и града, ден и нощ. Една от тях украсяваше метростанцията.

Хей Аракава

Младежът не може да се нарече просто художник в класическия смисъл на думата – той създава инсталации, така популярни в изкуството на 21 век. Темите на изложбите му са истински японски и засягат приятелските отношения, както и работата на целия екип.

Ей Аракава често участва в различни биеналета, например във Венеция, изложена в музея съвременно изкуствоу дома, заслужено получава различен виднагради.

Икенага Ясунари

Модерният художник Икенага Ясунари успя да съчетае две на пръв поглед несъвместими неща: живота на днешните момичета в портретна форма и традиционните техники на Япония, идващи от древността. В работата си художникът използва специални четки, естествени пигментни бои, мастило и въглен. Вместо обичайния лен - ленен плат.

Картина на Икенага Ясунари

Подобна техника на контрастиране на изобразената епоха и външен видгероините създават впечатлението, че са се върнали при нас от миналото.

Серия от картини за сложността на живота на крокодила, която наскоро стана популярна в интернет общността, също е създадена от японския карикатурист Кейго.

Заключение

И така, японската живопис възниква около 3 век пр. н. е. и оттогава се е променила много. Първите изображения са приложени върху керамика, след това будистките мотиви започват да преобладават в изкуството, но имената на авторите не са оцелели до наши дни.

В епохата на Новото време майсторите на четката придобиват все повече индивидуалност, творят различни посоки, училища. Днешното изобразително изкуство не се ограничава до традиционна живопис- използват се инсталации, карикатури, арт скулптури, специални структури.

Благодаря ви много за вниманието, скъпи читатели! Надяваме се, че сте намерили нашата статия полезна, а историите за живота и творчеството на най-ярките представители на изкуството ни позволиха да ги опознаем по-добре.

Разбира се, трудно е да се каже в една статия за всички художници от древността до наши дни. Затова нека това е първата стъпка към познаването на японската живопис.

И се присъединете към нас - абонирайте се за блога - ще изучаваме будизма и културата на Изтока заедно!

Всяка страна има свои собствени герои на съвременното изкуство, чиито имена са известни, чиито изложби събират тълпи от фенове и любопитни хора, а творбите им са разпространени в частни колекции.

В тази статия ще ви запознаем с най-популярните съвременни художнициЯпония.

Кейко Танабе

Родена в Киото, Кейко печели много конкурси по изкуство като дете, но висше образованиеполучени изобщо не в областта на изкуството. Работила е в отдела за международни отношения на японска търговска организация за самоуправление в Токио, в голяма адвокатска кантора в Сан Франциско и в частна консултантска фирмав Сан Диего, пътувал много. От 2003 г. тя напуска работата си и след като научава основите на акварелната живопис в Сан Диего, се посвещава изключително на изкуството.

Икенага Ясунари (Икенага Ясунари)

Японският художник Икенага Ясунари рисува портрети модерни женив древни Японска традициярисуване с четка Menso, минерални пигменти, сажди, мастило и лен като основа. Неговите герои са жени от нашето време, но благодарение на стила на Нихонга има усещането, че са дошли при нас от древни времена.

Абе Тошиюки

Абе Тошиюки е художник реалист, който е овладял акварелна техника. Абе може да се нарече художник-философ: той принципно не рисува добре известни забележителности, предпочитайки субективни композиции, които отразяват вътрешни състояниялицето, което ги гледа.

Хироко Сакай

Кариерата на художника Hiroko Sakai започва в началото на 90-те години в град Фукуока. След като завършва университета Seinan Gakuin и френското училище за интериорен дизайн Nihon по дизайн и визуализация, тя основава "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." и успешно управлява това студио в продължение на 5 години. Много от нейните творби красят фоайета на болници, офиси на големи корпорации и някои общински сгради в Япония. След като се премества в Съединените щати, Хироко започва да рисува с маслени бои.

Риусуке Фукахори

Триизмерните творби на Ryuusuki Fukahori са като холограми. Те са готови АКРИЛНА боянанесен на няколко слоя и прозрачна смола - всичко това, заедно с традиционните методи като рисуване на сенки, омекотяване на ръбове, контролиране на прозрачността, позволява на Ryusuki да създава скулптурна живопис и придава дълбочина и реализъм на работата.

Нацуки Отани

Нацуки Отани е талантлив японски илюстратор, който живее и работи в Англия.

Макото Мурамацу

Макото Мурамацу избра за основа на работата си печеливша тема - той рисува котки. Картините му са популярни по целия свят, особено под формата на пъзели.

Тецуя Мишима

Повечето от картините на съвременния японски художник Мишима са направени с маслени бои. Занимава се с рисуване професионално от 90-те години, има няколко лични изложбии голям брой колективни изложби, както японски, така и чуждестранни.

Има много богата история; нейната традиция е обширна, като уникалната позиция на Япония в света оказва значително влияние върху доминиращите стилове и техники Японски художници. Добре известният факт, че Япония е била доста изолирана от векове, се дължи не само на географията, но и на доминиращата японска културна склонност към изолация, която е белязала историята на страната. През вековете на това, което можем да наречем „японска цивилизация“, културата и изкуството се развиват отделно от тези в останалата част на света. И това дори се забелязва в практиката на японската живопис. Например картините Нихонга са сред основните елементи на японската живописна практика. Тя се основава на над хилядолетна традиция, а картините обикновено се създават с четки върху вашата (японска хартия) или егина (коприна).

Японското изкуство и живопис обаче са повлияни от чужди художествени практики. Първо, това е китайското изкуство през 16 век и китайско изкуствои китайската художествена традиция, която е особено влиятелна по няколко начина. От 17 век японската живопис е повлияна и от западните традиции. По-специално, през предвоенния период, който продължава от 1868 до 1945 г., японската живопис е повлияна от импресионизма и европейския романтизъм. В същото време новите европейски художествени движения също бяха значително повлияни от японските художествени техники. В историята на изкуството това влияние се нарича "японизъм" и е особено значимо за импресионистите, кубистите и художниците, свързани с модернизма.

Дългата история на японската живопис може да се разглежда като синтез на няколко традиции, които създават части от призната японска естетика. На първо място, будисткото изкуство и методи на рисуване, както и религиозната живопис, са оставили значителна следа в естетиката на японската живопис; рисуването с водно мастило на пейзажи в традицията на китайската литературна живопис е друг важен елемент, признат в много известни японски картини; рисуването на животни и растения, особено птици и цветя, е това, което обикновено се свързва с японските композиции, както и пейзажи и сцени от Ежедневието. И накрая, древните идеи за красотата от философията и културата на древна Япония оказаха голямо влияние върху японската живопис. Wabi, което означава преходна и сурова красота, sabi (красотата на естествената патина и стареене) и yugen (дълбока грация и финес) все още влияят върху идеалите в практиката на японската живопис.

И накрая, ако се съсредоточим върху избора на десетте най-известни японски шедьоври, трябва да споменем укийо-е, което е един от най-популярните жанрове на изкуството в Япония, въпреки че принадлежи към графиката. Той доминираше в Японско изкуствоот 17-ти - 19-ти век, докато художниците, принадлежащи към този жанр, създават дърворезби и картини с предмети като напр. красиви момичета, кабуки актьори и сумисти, както и сцени от историята и народни приказки, пътнически сцени и пейзажи, флора и фауна и дори еротика.

Винаги е трудно да се направи списък на най-добрите картини от художествените традиции. Много удивителни творби ще бъдат изключени; този списък обаче включва десет от най-разпознаваемите японски картини в света. Тази статия ще представи само картини, създадени от 19 век до наши дни.

Японската живопис има изключително богата история. През вековете японските художници са разработили голям брой уникални техники и стилове, които са най-ценният принос на Япония в света на изкуството. Една от тези техники е суми-е. Sumi-e буквално означава „рисуване с мастило“, съчетаващо калиграфия и рисуване с мастило, за да създаде рядко красиви композиции, рисувани с четка. Тази красота е парадоксална - древна, но модерна, проста, но сложна, смела, но сдържана, несъмнено отразяваща духовната основа на изкуството в дзен будизма. Будистки свещеници донесоха брикети с твърдо мастило и бамбукова четка в Япония от Китай през шести век, а през последните 14 века Япония се разви богато наследстворисуване с туш.

Превъртете надолу и вижте 10 японски шедьовъра на живописта

1. Кацушика Хокусай "Сънят на съпругата на рибаря"

Една от най-разпознаваемите японски картини е „Сънят на съпругата на рибаря“. Нарисувана е през 1814 г. от известния художник Хокусай. Според строгите определения това чудесна работаХокусай не може да се счита за картина, тъй като е дърворезба укийо-е от Young Pines (Kinoe no Komatsu), която е тритомна книга шунга. Композицията изобразява млад водолаз ама, сексуално сплетен с двойка октоподи. Това изображение е било силно влиятелно през 19-ти и 20-ти век. Произведението повлиява на по-късни художници като Фелисиен Ропс, Огюст Роден, Луис Окок, Фернан Кнопф и Пабло Пикасо.

2. Тесай Томиока „Абе но Накамаро пише носталгична поема, докато гледа луната“

Тесай Томиока е псевдоним на известен японски художник и калиграф. Той се смята за последния голям художник в традицията Бунджинг и един от първите големи артисти в стил Нихонга. Бунджинга е школа в японската живопис, която процъфтява през късния период на Едо сред художници, които се смятат за литературни или интелектуалци. Всеки от тези художници, включително Тесая, разработи свой собствен собствен стили технологии, но всички те бяха големи фенове на китайското изкуство и култура.

3. Фуджишима Такеджи "Изгрев над Източно море"

Фуджишима Такеджи е японски художник, известен с работата си в развитието на романтизма и импресионизма в движението на изкуството йога (западен стил) от края на 19-ти и началото на 20-ти век. През 1905 г. заминава за Франция, където е повлиян от Френски движенияот това време, по-специално, импресионизъм, което може да се види в неговата картина "Изгрев над Източното море", която е написана през 1932 г.

4. Китагава Утамаро "Десет вида женски лица, колекция от доминиращи красавици"

Китагава Утамаро е виден японски художник, роден през 1753 г. и починал през 1806 г. Той е най-известен със сериала, наречен Десетте типа женски лица. Колекция от управляващи красавици, теми Велика любовКласическа поезия“ (понякога наричана „Влюбени жени“, съдържаща отделни гравюри „Гола любов“ и „Замислена любов“). Той е един от най-значимите художници, принадлежащи към жанра гравюра на дърво укийо-е.

5. Kawanabe Kyosai "Тигър"

Kawanabe Kyosai е един от най-известните японски художници от периода Едо. Неговото изкуство е повлияно от Тохаку, художник от Кано от 16-ти век, който е единственият художник на своето време, който рисува екрани изцяло с мастило на деликатен фон от прахообразно злато. Въпреки че Kyosai е известен като карикатурист, той е написал някои от повечето известни картинив Японска история изкуство XIXвек. „Тигър“ е една от онези картини, които Киосай използва акварел и мастило, за да създаде.

6. Хироши Йошида Фуджи от езерото Кавагучи

Хироши Йошида е известен като една от основните фигури на стила шин-ханга (шин-ханга е движение в изкуството в Япония в началото на 20 век, по време на периодите Тайшо и Шова, което възражда традиционното изкуство укийо-е , който се вкорени в периодите Едо и Мейджи (XVII - XIX век)). Той е обучен в традицията на западната маслена живопис, която е възприета в Япония по време на периода Мейджи.

7. Такаши Мураками "727"

Такаши Мураками е може би най-популярният японски художник на нашето време. Творбите му се продават на астрономични цени на големи аукциони и работата му вече вдъхновява нови поколения художници не само в Япония, но и извън нея. Изкуството на Мураками включва набор от среди и обикновено се описва като суперплоско. Работата му е известна с използването на цвят, включващ мотиви от японската традиционна и популярна култура. Съдържанието на картините му често се описва като "сладко", "психеделично" или "сатирично".

8. Яйои Кусама "Тиква"

Яой Кусама също е един от най-известните Японски художници. Тя работи в различни среди, включително живопис, колаж, скулптура, пърформанс, екологично изкуство и инсталация, повечето от които демонстрират нейния тематичен интерес към психеделичните цветове, повторението и шарките. Една от най-известните поредици от това страхотен художнике сериалът "Тиква". Обикновена тиква на точки ярко жълт цвятпредставени на фона на мрежата. Заедно всички тези елементи образуват визуален език, който е безпогрешен за стила на художника и е разработен и усъвършенстван в продължение на десетилетия на старателно изработване и възпроизвеждане.

9. Tenmyoya Hisashi "Японски дух #14"

Tenmyoya Hisashi е съвременен японски художник, който е известен със своите нео-нихонга картини. Той участва във възраждането на старата традиция на японската живопис, която е точно обратното на съвременната японска живопис. През 2000 г. той създава и своя нов стил, butouha, който демонстрира твърдо отношение към една авторитетна художествена система чрез своите картини. „Японски дух № 14“ е създаден като част от артистичната схема „BASARA“, интерпретирана в японската култура като бунтовното поведение на нисшата аристокрация по време на периода на Воюващите държави, за да лиши властите от способността да търсят перфектен образживот, обличайки се в помпозни и луксозни дрехи и действайки по свободна воля, която не отговаряше на социалната им класа.

10. Кацушика Хокусай "Голямата вълна край Канагава"

И накрая, Голямата вълна край Канагава е може би най-разпознаваемата японска картина, рисувана някога. Наистина е най известна творбаизкуство, произведено в Япония. Той изобразява огромни вълни, заплашващи лодки край бреговете на префектура Канагава. Въпреки че понякога се бърка с цунами, вълната, както подсказва името на картината, най-вероятно просто има аномално висока височина. Картината е направена в традицията укийо-е.

японски класическа живописима дълга и интересна история. Визуалните изкуства на Япония са представени в различни стиловеи жанрове, всеки от които е уникален по свой начин. Древни рисувани фигурки и геометрични мотиви, открити върху бронзови камбани дотаку и керамични парчета, датират от 300 г. сл. Хр.

Будистка ориентация на изкуството

В Япония изкуството на стенописите е доста добре развито, а през 6 век изображенията на тема философия на будизма са особено популярни. По това време в страната се строят големи храмове, чиито стени навсякъде са украсени със стенописи, изрисувани според сюжетите на будистките митове и легенди. Досега древни образци на стенописи са запазени в храма Хорюджи близо до японския град Нара. Фреските на Хорюджи изобразяват сцени от живота на Буда и други богове. Художественият стил на тези фрески е много близък до изобразителната концепция, популярна в Китай по време на династията Сун.

Живописният стил на династията Тан добива особена популярност в средата на периода Нара. Стенописите, открити в гробницата на Такамацузука, принадлежат към този период и са датирани около 7 век сл. Хр. Художествената техника, която се формира под влиянието на династията Тан, впоследствие формира основата на жанра кара-е. Този жанр запазва своята популярност до появата на първите произведения в стила ямато-е. Повечето от стенописите и живописните шедьоври принадлежат на четката неизвестни автори, днес много от произведенията от този период се съхраняват в съкровищницата на Сесоин.

Нарастващото влияние на новите будистки школи като Тендай повлия на широкия религиозен фокус на японското визуално изкуство през 8-ми и 9-ти век. През 10-ти век, през който японският будизъм се развива особено, се появява жанрът raigozu, "картини за добре дошли", изобразяващи пристигането на Буда в Западния рай. Ранни примери за raigōzu, датиращи от 1053 г., могат да се видят в храма Бедо-ин, който се съхранява в град Уджи, префектура Киото.

Смяна на стилове

В средата на периода Хейан китайският стил кара-е е заменен от жанра ямато-е, който за дълго време се превръща в един от най-популярните и търсени жанрове на японската живопис. Новият изобразителен стил се прилага главно за сгъваеми паравани и плъзгащи се врати. С течение на времето ямато-е се премести в хоризонталните свитъци на емакимоно. Художниците, които са работили в жанра emaki, се опитаха да предадат в своите творби цялата емоционалност на избрания сюжет. Свитъкът Genji monogatari се състоеше от няколко епизода, свързани заедно, използвани от художниците от онова време бързи ударии ярки, изразителни цветове.

E-maki е един от най-старите и видни примери за otoko-e, мъжкия портретен жанр. Женски портрети, подчертани в отделен жанронна-е. Между тези жанрове всъщност, както и между мъжете и жените, има доста съществени разлики. Стилът onna-e е колоритно представен в дизайна на Приказката за Генджи, където основните теми на рисунките са романтични сюжети, сцени от дворцовия живот. Мъжкият стил на otoko-e е предимно артистичен. исторически биткии други важни събитияв живота на империята.

Класическата японска художествена школа се превърна в благодатна почва за развитие и популяризиране на идеите на модерното японско изкуство, което ясно показва влиянието на поп културата и анимето. Един от най-известните японски художници на нашето време може да се нарече Такаши Мураками, чиято работа е посветена на изобразяването на сцени от японския живот в следвоенния период и концепцията за максимално сливане. изящни изкустваи мейнстрийм.

От известните японски художници от класическата школа могат да се споменат следните.

Напрегнат Шубун

Шубун работи в началото на 15 век, отделяйки много време за изучаване на произведенията на китайските майстори от ерата на династията Сун, този човек стои в началото на японския фин жанр. Шубун се смята за основател на суми-е, монохромно рисуване с мастило. Той полага много усилия за популяризиране на новия жанр, превръщайки го в едно от водещите направления в японската живопис. Учениците на Шубун бяха много, които по-късно станаха известни артисти, включително Sesshu и основателят на известния художествено училищеКано Масанобу. Много пейзажи са приписвани на Шубун, но най-известната му творба традиционно се счита за Четене в бамбукова горичка.

Огата Корин (1658-1716)

Огата Корин е един от големи художницив историята на японската живопис, основоположник и един от най-ярките представители на художествения стил римпа. Корин смело се отклони от традиционните стереотипи в творбите си, като формира свой собствен стил, чиито основни характеристики бяха малки форми и ярък импресионизъм на сюжета. Корин е известен с особеното си умение да изобразява природата и да работи с абстрактни цветни композиции. „Сливов цвят червен и бял” е един от най-много известни произведенияИзвестни са и Огата Корина, картините му „Хризантеми“, „Вълните на Мацушима“ и редица други.

Хасегава Тохаку (1539-1610)

Тохаку е основател на японската художествена школа Хасегава. Ранният период от творчеството на Тохаку се характеризира с влиянието на известната школа на японската живопис. Кано, но с течение на времето художникът формира свой собствен уникален стил. В много отношения работата на Тохаку е повлияна от работата на признатия майстор Сешу, Хосегава дори се смяташе за петия наследник на този велик майстор. Световна известност придобива картината на Хасегава Тохаку „Борови дървета“, известни са и творбите му „Клен“, „Борови дървета и цъфтящи растения“ и др.

Кано Ейтоку (1543-1590)

Стилът на училището Кано доминира във визуалните изкуства на Япония в продължение на около четири века и Кано Ейтоку е може би един от най-известните и видни представители на тази школа на изкуствата. Ейтоку беше предпочитан от властите, покровителството на аристократи и богати покровители не можеше да не допринесе за укрепването на неговото училище и популярността на произведенията на този, без съмнение, много талантлив художник. Осемпанелният плъзгащ се екран „Cypress“ на Eitoku Kano е истински шедьовър и отличен пример за обхвата и силата на стила Monoyama. Други произведения на майстора изглеждат не по-малко интересни, като "Птици и дървета от четирите сезона", "Китайски лъвове", "Отшелници и фея" и много други.

Кацушика Хокусай (1760-1849)

Хокусай - най-големият майсторукийо-е (японска дърворезба). Работата на Хокусай получи световно признание, славата му в други страни не е сравнима с популярността на повечето азиатски художници, работата му "Великата вълна край Канагава" се превърна в нещо като визиткаЯпонското изобразително изкуство на световната арт сцена. По своя творчески път Хокусай използва повече от тридесет псевдоними, след шестдесет художникът се посвещава изцяло на изкуството и това време се счита за най-плодотворния период от работата му. Работата на Хокусай повлия на работата на западните импресионисти и постимпресионисти, включително работата на Реноар, Моне и ван Гог.