Рейтингът на най-скъпите произведения на живи художници е конструкция, която говори за ролята и мястото на художника в историята на изкуството много по-малко, отколкото за възрастта и здравето

Правилата за съставяне на нашия рейтинг са прости: първо, вземат се предвид само транзакции с произведения на живи автори; второ, вземат се предвид само продажбите на публичен търг; и трето, спазва се правилото "един художник - една работа" (ако два записа принадлежат на Джоунс в класацията на произведенията, тогава остава само най-скъпият, а останалите не се вземат предвид). Класирането се извършва в долари (по обменния курс към датата на продажба).

1. ДЖЕФ КУНС Заек. 1986 г. 91,075 милиона долара

Колкото по-дълго наблюдавате аукционната кариера на Джеф Кунс (1955), толкова повече се убеждавате, че за поп изкуството няма нищо невъзможно. Можете да се възхищавате на скулптурите на Кунс под формата на играчки с балони или да ги смятате за кич и лош вкус - ваше право. Едно нещо не може да се отрече: инсталациите на Jeff Koons струват луди пари.

Джеф Кунс започна пътя си към славата като най-успешният жив художник в света през 2007 г., когато неговата гигантска метална инсталация Hanging Heart беше купена за $23,6 милиона от Sotheby's.Произведението беше купено от галерията Larry Gagosian, представляваща Кунс (в те писаха до пресата, че това е в интерес на украинския милиардер Виктор Пинчук.) Галерията се сдоби не просто с инсталация, а всъщност с произведение на ювелирното изкуство. 2,7 м тежи 1600 кг), но има подобна цел. Над шест За създаването на композиция със сърце, покрито с десет слоя боя, са похарчени половин хиляди часа, в резултат на което са платени гигантски пари за грандиозната „украса“.

Следващата беше продажбата на лилавото цвете от балон за £12,92 милиона ($25,8 милиона) в Christie's в Лондон на 30 юни 2008 г. Интересното е, че седем години по-рано предишните собственици на "Цвете" са купили произведението за $1,1 млн. Лесно е да се изчисли, че през това време пазарната му цена е нараснала почти 25 пъти.

Спадът на пазара на изкуство през 2008-2009 г. даде повод на скептиците да клеветят, че модата на Кунс е преминала. Но те грешаха: заедно с пазара на изкуство интересът към произведенията на Кунс се възроди. Наследникът на Анди Уорхол на трона на краля на поп изкуството актуализира личния си рекорд през ноември 2012 г. с продажбата на Christie's на многоцветна скулптура „Лале“ от поредицата „Триумф“ за 33,7 милиона долара, включително комисионната.

Но "Лалетата" бяха "цветя" в буквалния и преносен смисъл. Само година по-късно, през ноември 2013 г., последва продажбата на скулптурата куче с балон от неръждаема стомана (оранжево): цената на чука беше цели 58,4 милиона долара! Страхотна сума за жив артист. Творба на съвременен автор беше продадена на цената на картина на Ван Гог или Пикасо. Това бяха горските плодове...

С този резултат Кунс царува няколко години на върха на класацията на живите артисти. През ноември 2018 г. той беше изпреварен за кратко от Дейвид Хокни (виж второто място в нашата класация). Но само шест месеца по-късно всичко се върна към нормалното: на 15 май 2019 г. в Ню Йорк, на търг за следвоенно и съвременно изкуство, Christie's пусна за продажба учебникарска скулптура за Кунс през 1986 г. - сребърен „Заек“ изработена от неръждаема стомана, имитираща балон с подобна форма.

Общо Кунс създава 3 такива скулптури плюс едно авторско копие. На търга беше включен екземпляр от "Заек" номер 2 - от колекцията на култовия издател Сай Нюхаус, съсобственик на издателство Conde Nast (списанията Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ и др.). Сребърният "Заек" е закупен от "бащата на блясъка" Cy Newhouse през 1992 г. за впечатляваща сума по стандартите на онези години - 1 милион долара. След 27 години в борбата на 10 наддавачи, цената на чука на скулптурата беше 80 пъти по-висока от предишната продажна цена. И с комисионната за купувача, крайният резултат беше рекордните 91,075 милиона долара за всички живи артисти.

2. ДЕЙВИД ХОКНИ Портрет на художника. Басейн с две фигури. 1972. $90,312,500

Дейвид Хокни (1937) е един от най-значимите британски художници на 20 век. През 2011 г. Дейвид Хокни беше избран за най-влиятелния британски художник на всички времена в проучване сред хиляди професионални британски художници и скулптори. В същото време Хокни заобиколи такива майстори като Уилям Търнър и Франсис Бейкън. Работата му, като правило, се приписва на поп изкуството, въпреки че в ранните си творби той гравитира повече към експресионизма в духа на Франсис Бейкън.

Роден и израснал Дейвид Хокни в Англия, Йоркшир. Майката на бъдещия художник държеше семейството в пуританска строгост, а баща му, обикновен счетоводител, който рисуваше малко на аматьорско ниво, насърчи сина си да рисува. В началото на двайсетте си Дейвид се мести в Калифорния, където живее общо около три десетилетия. Той все още има две работилници там. Хокни направи героите на произведенията си местни богаташи, техните вили, басейни, тревни площи, окъпани в калифорнийското слънце. Едно от най-известните му произведения от американския период - картината "Splash" - е изображение на сноп пръски, издигащи се от басейна, след като човек скочи във водата. За да изобрази този сноп, "живеещ" не повече от две секунди, Хокни работи две седмици. Между другото, тази картина беше продадена на Sotheby's за 5,4 милиона долара през 2006 г. и за известно време се смяташе за най-скъпата му работа.

Хокни (1937) вече е над осемдесетте, но все още работи и дори изобретява нови художествени техники, използвайки технически иновации. Някога му хрумва идеята да прави огромни колажи от снимки на Polaroid, отпечатва творбите си на факс машини, а днес художникът с ентусиазъм умее да рисува на iPad. Картините, нарисувани на таблета, заемат достойното си място в неговите изложби.

През 2005 г. Хокни най-накрая се завърна от Щатите в Англия. Сега той рисува на открито и в студио огромни (често състоящи се от няколко части) пейзажи от местни гори и пусти места. Според Хокни за 30-те си години в Калифорния той толкова е свикнал с простата смяна на сезоните, че тя наистина го очарова и очарова. Цели цикли от последните му творби са посветени например на един и същи пейзаж през различни периоди от годината.

През 2018 г. картините на Хокни прескочиха няколко пъти границата от 10 милиона долара. А на 15 ноември 2018 г. в Christie's беше регистриран нов абсолютен рекорд за творчество на жив художник - 90 312 500 долара за картината "Портрет на художника (Басейн с две фигури)".

3. ГЕРХАРД РИХТЕР Абстрактна живопис. 1986 г. 46,3 милиона долара

Жива класика Герхард Рихтер (1932)се нарежда на второ място в нашата класация. Германският изпълнител беше лидер сред живите колеги, докато не удари 58-милионния рекорд на Джеф Кунс. Но едва ли това обстоятелство може да разклати и без това железния авторитет на Рихтер на пазара на изкуството. Според резултатите от 2012 г. годишният аукционен оборот на германския художник е на второ място след тези на Анди Уорхол и Пабло Пикасо.

Дълги години нищо не предвещаваше успеха, който сега падна върху Рихтер. В продължение на десетилетия художникът заема скромно място на пазара на съвременното изкуство и изобщо не се стреми към слава. Можем да кажем, че славата го застигна сама. Отправната точка се счита от мнозина за закупуването от музея MoMA в Ню Йорк през 1995 г. на поредицата на Рихтер от 18 октомври 1977 г. Американският музей плати 3 милиона долара за 15 картини в сиви нюанси и скоро започна да мисли за организиране на пълноценна ретроспекция на немския художник. Грандиозната изложба беше открита шест години по-късно, през 2001 г., и оттогава интересът към творчеството на Рихтер нараства главоломно. От 2004 до 2008 г. цената на картините му се утроява. През 2010 г. произведенията на Рихтер вече са донесли 76,9 милиона долара, през 2011 г., според уебсайта Artnet, произведенията на Рихтер на търг са спечелили общо 200 милиона долара, а през 2012 г. (според Artprice) - 262,7 милиона долара - повече от работата на който и да е друг жив художник.

Докато, например, при Джаспър Джонс огромният успех на аукциона придружава предимно само ранни творби, такова рязко разделение не е типично за творбите на Рихтер: търсенето е еднакво стабилно за неща от различни творчески периоди, от които в Рихтер имаше много. кариера. През последните шестдесет години този художник се опита в почти всички традиционни жанрове на живописта - портрет, пейзаж, яхтено пристанище, голо тяло, натюрморт и, разбира се, абстракция.

Историята на аукционните записи на Рихтер започва с поредица от натюрморти "Свещи". 27 фотореалистични изображения на свещи в началото на 80-те години, по времето, когато са написани, струват само 15 000 германски марки (5 800 долара) на произведение. Но все още никой не купи Candles на първата им изложба в галерия Max Hetzler в Щутгарт. Тогава темата на картините беше наречена старомодна; Днес "Свещи" се считат за творби за всички времена. И те струват милиони долари.

През февруари 2008 г. "Свещ",написана през 1983 г., неочаквано беше купена за £ 7,97 милиона ($16 милиона). Този личен рекорд се задържа три години и половина. Тогава през октомври 2011 гдруг "Свещ" (1982)вече беше продаден в Christie's за £ 10,46 милиона ($16,48 милиона). С този рекорд Герхард Рихтер влезе за първи път в челната тройка на най-успешните живи артисти, заемайки мястото си зад Джаспър Джонс и Джеф Кунс.

Тогава започва победното шествие на „Абстрактните картини” на Рихтер. Художникът рисува такива произведения в уникална авторска техника: той нанася смес от прости бои върху светъл фон и след това ги размазва върху платното с дълъг скрепер с размерите на автомобилна броня. Това води до сложни цветови преходи, петна и ивици. Разглеждането на повърхността на неговите "Абстрактни картини" е като разкопки: върху тях следи от различни "фигури" гледат през празнините на множество цветни слоеве.

9 ноември 2011 гна мащабния аукцион на модерно и следвоенно изкуство Sotheby's "Абстрактна живопис (849-3)" 1997 г. отиде под чука за $20,8 милиона (£13,2 милиона). И шест месеца по-късно, 8 май 2012 гна търга за следвоенно и съвременно изкуство Christie's в Ню Йорк "Абстрактна живопис (798-3)" 1993 г. беше рекордна 21,8 милиона долара(включително комисионна). Пет месеца по-късно - отново рекорд: "Абстрактна живопис (809-4)"от колекцията на рок музиканта Ерик Клептън на 12 октомври 2012 г. в Sotheby's в Лондон беше продаден за £ 21,3 милиона ($34,2 милиона). Бариерата от 30 милиона беше взета от Рихтер с такава лекота, сякаш не става дума за съвременна живопис, а за шедьоври, които вече са на сто години - не по-малко. Въпреки че в случая с Рихтер изглежда, че включването в пантеона на "великите" е станало още през живота на художника. Германските цени продължават да растат.

Следващият запис на Рихтер принадлежи на фотореалистично произведение - пейзаж „Катедралния площад, Милано (Домплац, Майланд)“ 1968 г. Работата беше продадена за 37,1 милионана търг на Sotheby's 14 май 2013 г. Гледката на най-красивия площад е нарисувана от немски художник през 1968 г. по поръчка на Siemens Electro, специално за офиса на компанията в Милано. По време на написването си това е най-голямата фигуративна творба на Рихтер (с размери близо три на три метра).

Рекордът на Cathedral Square остана почти две години, докато 10 февруари 2015 гне го прекъсна "Абстрактна живопис" ( 1986): цената на чука достигна £ 30,389 милиона ($46,3 милиона). Абстрактната картина с размери 300,5 × 250,5 cm, предложена на търг в Sotheby’s, е една от първите мащабни творби на Рихтер в неговата специална авторска техника за изстъргване на слоеве боя. Последният път през 1999 г. тази „Абстрактна картина“ беше купена на търг за 607 хиляди долара (от тази година до настоящата продажба творбата беше изложена в музея Лудвиг в Кьолн). На търга на 10 февруари 2015 г. определен американски клиент на аукционни стъпки от 2 милиона паунда достигна цената на чука от 46,3 милиона долара.Тоест от 1999 г. работата се е повишила в цената повече от 76 пъти!

4. Tsui Zhuzhuo "Велики планини, покрити със сняг." 2013 г. 39,577 милиона долара

Дълго време не следяхме отблизо развитието на ситуацията на китайския пазар на изкуство, без да искаме да претоварваме читателите си с прекомерно количество информация за „не нашето“ изкуство. С изключение на дисидента Ай Уейвей, който дори не е скъп като резонансен художник, китайските автори ни се сториха твърде многобройни и далечни от нас, за да се ровим какво се случва на техния пазар там. Но статистиката, както се казва, е сериозна дама и ако говорим за най-успешните живи автори в света, тогава не можем да направим без разказ за изключителните представители на съвременното изкуство на Поднебесната империя.

Да започнем с един китайски художник Цуи Ружуо. Художникът е роден през 1944 г. в Пекин и е живял в САЩ от 1981 до 1996 г. След завръщането си в Китай започва да преподава в Националната художествена академия. Cui Ruzhuo преосмисля традиционния китайски стил на рисуване с мастило и създава огромните свитъци, които китайските бизнесмени и официални лица обичат да си подаряват един на друг. На Запад се знае много малко за него, въпреки че мнозина сигурно помнят историята за свитъка за 3,7 милиона долара, който беше изхвърлен по погрешка, смятайки го за боклук, от чистачите на хотел в Хонконг. И така, това беше свитъкът на Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo е на 70 години и пазарът за работата му процъфтява. Над 60 творби на този художник са преминали границата от $1 млн. Въпреки това творбите му досега са имали успех само на китайски аукциони. Рекордите на Cui Ruzhuo са наистина впечатляващи. Първо го "Пейзаж в снега"на Poly Auction в Хонконг 7 април 2014 гдостигна цена от чук от 184 милиона HK$ ( 23,7 милиона щатски долара).

Точно една година по-късно 6 април 2015 гна специален Poly Auction в Хонконг, посветен изключително на работата на Cui Ruzhuo, серия „Големият снежен пейзаж на планинския Джианнан“(Jiangnan е историческа област в Китай, заемаща десния бряг на долното течение на Яндзъ.) от осем пейзажа с мастило върху хартия достигна цена от чук от 236 милиона HK$ ( 30,444 милиона щатски долара).

Година по-късно историята се повтори отново: на самостоятелния търг на Cui Ruzhuo, проведен от Poly Auctions в Хонконг 4 април 2016 гполиптих в шест части „Велики заснежени планини“Цената на чука за 2013 г. (включително комисионната на аукционната къща) достигна 306 милиона хонконгски долара (39,577 милиона щатски долара). Досега това е абсолютен рекорд сред живите азиатски артисти.

Според търговеца на произведения на изкуството Джонсън Чан, който работи с китайското съвременно изкуство от 30 години, има безусловно желание да се повишат цените на произведенията на този автор, но всичко това се случва на ниво на цените, където опитните колекционери едва ли искат да купя нещо. „Китайците искат да повишат рейтингите на своите художници, като надуват цените за техните творби на големи международни търгове като този, организиран от Poly в Хонг Конг, но няма съмнение, че тези рейтинги са напълно измислени“, коментира Джонсън Чанг за Cui Ruzhuo най-новият запис.

Това, разбира се, е само мнението на един единствен търговец и ние имаме реален запис, записан във всички бази данни. Така че нека го вземем предвид. Самият Cui Ruzhuo, съдейки по изявленията му, е далеч от скромността на Герхард Рихтер, когато става въпрос за успеха му на търг. Изглежда тази надпревара за рекорди сериозно го завладява. „Надявам се, че в следващите 5-10 години цените на моите творби ще надминат цените на творбите на западни майстори като Пикасо и Ван Гог. Това е китайската мечта“, казва Цуи Ружуо.

5 Джаспър Джонс Флаг. 1983 г. 36 милиона долара

Третото място в класацията на живите артисти принадлежи на американец До Джаспър Джонс (1930). Текущата рекордна цена за работата на Джоунс е $ 36 милиона. Толкова много плати за неговата известна "Знаме"на търг на Christie's 12 ноември 2014 г.

Серия от картини "знаме", започната от Джоунс в средата на 50-те години, веднага след завръщането на художника от армията, се превърна в една от централните в творчеството му. Дори в младостта си художникът се интересува от идеята за готови, превръщането на ежедневен предмет в произведение на изкуството. Знамената на Джоунс обаче не бяха истински, те бяха рисувани с маслени бои върху платно. Така едно произведение на изкуството придобива свойствата на вещ от обикновения живот, то е едновременно образ на знамето и самото знаме. Серия от творби със знамена донесе на Джаспър Джонс световна слава. Но не по-малко популярни са неговите абстрактни творби. В продължение на много години списъкът на най-скъпите произведения, съставен съгласно горните правила, се оглавява от резюме "фалстарт". До 2007 г. това много ярко и декоративно платно, нарисувано от Джоунс през 1959 г., се смяташе за собственик на практически недостъпна цена за жив художник (макар и класика за цял живот) - $ 17 милиона. Толкова са платили за него в злато за пазара на изкуството 1988 г.

Интересното е, че опитът на Джаспър Джонс като рекордьор не беше непрекъснат. През 1989 г. той е прекъснат от работата на неговия колега Вилем де Кунинг: двуметровата абстракция "Смесване" е продадена на Sotheby's за 20,7 милиона долара. Джаспър Джонс трябва да се премести. Но след 8 години, през 1997 г., де Кунинг умира , и " Фалстарт "Джоунс отново зае първия ред на аукционния рейтинг на живите художници от почти 10 години.

Но през 2007 г. всичко се промени. Рекордът False Start беше първо засенчен от работата на младите и амбициозни Деймиън Хърст и Джеф Кунс. След това имаше рекордна продажба за 33,6 милиона долара на картината „Спящият инспектор на ползите“ от Лузиен Фройд (вече починал и следователно не участва в този рейтинг). Тогава започват записите на Герхард Рихтер. Като цяло до момента с актуален рекорд от 36 милиона на почетното трето място е Джаспър Джонс, един от майсторите на американското следвоенно изкуство, работещ на пресечната точка на неодадаизма, абстрактния експресионизъм и поп арта.

6. ЕД РУШАЙ Разбийте. 1963 г. 30,4 милиона долара

Внезапният успех на картината "Разбиване" на американски художник Едуард Руша (р. 1937 г.)на търг Christie's, 12 ноември 2014 гдоведе този автор до броя на най-скъпите живи художници. Предишната рекордна цена за работата на Ед Руша (често името Руша се произнася на руски като "Руша", но правилното произношение е Руша) беше "само" 6,98 милиона долара: толкова платиха за неговото платно "Горещ газ гара" през 2007 г. Седем години по-късно неговият Разбийтес оценка от 15–20 милиона долара, той достигна цената на чук 30,4 милиона долара. Очевидно е, че пазарът на творбите на този автор е достигнал ново ниво - не напразно Барак Обама краси Белия дом с творбите си, а самият Лари Гагосян го излага в галериите си.

Ед Руша никога не се е стремил към следвоенен Ню Йорк с неговата лудост по абстрактния експресионизъм. Вместо това повече от 40 години той търси вдъхновение в Калифорния, където се премества от Небраска на 18-годишна възраст. Художникът стои в началото на ново направление в изкуството, наречено поп арт. Заедно с Уорхол, Лихтенщайн, Уейн Тибо и други певци на популярната култура, Едуард Руша участва в изложбата New Image of Ordinary Things на музея в Пасадена през 1962 г., която се превръща в първата музейна изложба на американското поп изкуство. Самият Ед Руша обаче не обича, когато работата му се приписва на поп арт, концептуализъм или някакво друго течение в изкуството.

Неговият уникален стил се нарича "рисуване на текст". От края на 50-те години Ед Руша започва да рисува думи. Точно както за Уорхол консерва супа се превърна в произведение на изкуството, за Ед Руша обикновени думи и фрази, взети или от билборд или опаковка в супермаркет, или от надписите на филм (Холивуд винаги беше на страната на Руша и за разлика от много свои колеги художници, Руши уважаваше „фабриката за мечти“). Думите върху неговите платна придобиват свойствата на триизмерни обекти, това са истински натюрморти, направени от думи. При разглеждането на неговите платна първото нещо, което идва на ум, е визуалното и звуковото възприятие на нарисуваната дума и едва след това - семантичното значение. Последното, като правило, не може да бъде еднозначно дешифрирано; избраните от Руша думи и изрази могат да се тълкуват по различни начини. Същата ярко жълта дума „Разбийте“ на тъмносин фон може да се възприеме като агресивен призив да разбиете нещо или някого на парчета; като самостоятелно прилагателно, извадено от контекста (част от някое вестникарско заглавие, например), или просто като една дума, уловена в градски поток от визуални образи. Ед Руша се наслаждава на тази несигурност. „Винаги съм имал дълбоко уважение към странните, необясними неща... Обясненията в известен смисъл убиват нещо“, каза той в интервю.

7. КРИСТОФЪР ВЪЛНА Без заглавие (RIOT). 1990 г. 29,93 милиона долара

американски художник Кристофър Уул(1955) за първи път влезе в класацията на живите артисти през 2013 г. - след продажбата на Apocalypse Now за $26,5 млн. Този рекорд веднага го постави наравно с Джаспър Джонс и Герхард Рихтер. Сумата на тази историческа транзакция - повече от $ 20 милиона - изненада мнозина, тъй като преди това цените на творбите на художника не надвишаваха $ 8 милиона, но бързият растеж на пазара за произведения на Кристофър Уул вече беше очевиден по това време : досието на художника включва 48 аукционни транзакции на стойност над 1 милион долара, като 22 от тях (почти половината) се състояха през 2013 г. Две години по-късно броят на произведенията на Крис Уол, продадени за повече от 1 милион долара, достигна 70, а нов личен рекорд не закъсня. На търг Sotheby's, 12 май 2015 г., работа „Без заглавие (RIOT)“беше продаден за $ 29,93 милионавключително премията на купувача.

Кристофър Уул е най-известен със своите мащабни черни букви върху бели алуминиеви листове. Именно те, като правило, поставят рекорди на търгове. Всичко това са неща от края на 80-те и началото на 90-те години. Както гласи легендата, една вечер Wool се разхождал вечерта из Ню Йорк и изведнъж видял графити с черни букви върху нов бял камион - думите sex и luv. Тази гледка го впечатли толкова много, че той веднага се върна в студиото и написа своя версия със същите думи. Годината е 1987 г. и по-нататъшното търсене на думи и изрази от страна на художника за неговите "буквални" творби отразява противоречивия дух на това време. Това е призивът "продай къщата, продай колата, продай децата", взет от Уол от филма "Апокалипсис сега", и думата "FOOL" ("глупак") с главни букви и думата "RIOT" ("бунт"), често срещан в заглавията на вестниците от онова време.

Думи и фрази Вълна, нанесена върху алуминиеви листове с помощта на шаблони с алкидни или емайлирани бои, умишлено оставяйки ивици, следи от шаблони и други доказателства за творческия процес. Художникът раздели думите така, че зрителят да не разбере веднага значението. Първоначално виждате само група от букви, тоест възприемате думата като визуален обект и едва след това четете и дешифрирате значението на фразата или думата. Уол използва шрифт, използван от американската армия след Втората световна война, който засилва впечатлението за заповед, директива, лозунг. Тези „буквени” творби се възприемат като част от градския пейзаж, като незаконни графити, които са нарушили чистотата на повърхността на някой уличен обект. Тази поредица от творби на Кристофър Уул е призната за един от върховете на езиковата абстракция и затова е високо ценена от любителите на съвременното изкуство.

8. ПИТЪР ДОЙГ Роуздейл. 1991 г. 28,81 милиона долара

британски Питър Дойг(1959), въпреки че принадлежи към поколението на постмодернистите Кунс и Хърст, избра за себе си напълно традиционен жанр на пейзажа, който дълго време не беше в полза на напредналите художници. С работата си Питър Дойг съживява затихващия интерес на публиката към фигуративната живопис. Творчеството му е високо оценено както от критици, така и от неспециалисти, а доказателство за това е бързото покачване на цените на произведенията му. Ако в началото на 90-те пейзажите му струваха няколко хиляди долара, сега сметката отива в милиони.

Работата на Дойг често се нарича магически реализъм. Въз основа на реални пейзажи той създава фантастични, загадъчни и често мрачни образи. Художникът обича да изобразява предмети, изоставени от хората: порутена сграда, построена от Льо Корбюзие насред гора или празно бяло кану на повърхността на горско езеро. Освен от природата и въображението, Дойг се вдъхновява от филми на ужасите, стари пощенски картички, снимки, любителски видеоклипове и т.н. Картините на Дойг са цветни, сложни, декоративни, а не провокативни. Хубаво е да притежаваш такава картина. Ниската производителност на автора също подхранва интереса на колекционерите: живеещият в Тринидад художник създава не повече от дузина картини годишно.

В началото на 2000-те години отделни пейзажи на художника бяха продадени за няколкостотин хиляди долара. По същото време работата на Дойг е включена в галерия Saatchi, на биеналето в музея Whitney и в колекцията на MoMA. През 2006 г. беше преодоляна аукционната лента от $1 милион, а на следващата година се случи неочакван пробив: произведението "Бялото кану", предложено на Sotheby's на 7 февруари 2007 г. с оценка от $0,8-1,2 милиона, надхвърли предварителната оценка пет пъти и беше продаден за £5,7 милиона ($11,3 милиона). По това време това е рекордна цена за творба на жив европейски художник.

През 2008 г. Дойг организира самостоятелни изложби в галерия Тейт и Музея за модерно изкуство в Париж. Многомилионни цени за работата на Дойг се превърнаха в норма. Личният рекорд на Peter Doig наскоро се актуализира няколко пъти в годината - имаме време само да променим снимката и мястото на този художник в нашата класация на живите автори.

Най-скъпата творба на Питър Дойг досега е снежният пейзаж от Роуздейл от 1991 г. Интересното е, че рекордът е поставен не на Sotheby's или Christie's, а на търга за съвременно изкуство Phillips. Това се случи на 18 май 2017 г. Изглед към покрития със сняг Rosedale, един от кварталите на Торонто, беше продаден на купувач на телефон за 28,81 милиона долара, което е с около 3 милиона долара повече от предишния рекорд (25,9 милиона долара за "Swallowed in the Mire"). Картината "Rosedale" участва в ключовата изложба на Doig в галерия Whitechapel в Лондон през 1998 г. и като цяло тази работа беше свежа за пазара и следователно рекордната цена е напълно заслужена.

9. FRANK STELLA Cape pines. 1959 г. 28 милиона долара

Франк Стела е ярък представител на пост-живописната абстракция и минимализма в изкуството. На определен етап се нарича стил на рисуване с твърд ръб. Отначало Стела противопоставя строгата геометричност, аскетичната монохромност и структурираност на своите картини със спонтанността и хаотичността на платната на абстрактни експресионисти като Джаксън Полок.

В края на 50-те години художникът е забелязан от известния галерист Лео Кастели и за първи път получава награда за изложба. На нея той представя т. нар. "Черни картини" - платна, изрисувани с успоредни черни линии с тънки празнини от нерисувано платно между тях. Линиите се оформят в геометрични фигури, донякъде напомнящи оптични илюзии, самите картини, които трептят, движат се, извиват се, създават усещане за дълбоко пространство, ако ги гледате дълго време. Стела продължи темата за успоредните линии с тънки разделителни ленти в своите работи върху алуминий и мед. Цветовете, живописната основа и дори формата на картините се променят (открояват се произведения във формата на буквите U, T, L). Но основният принцип на неговата живопис все още се състои в яснотата на контура, монументалността, простата форма, монохромността. През следващите десетилетия Стела се отдалечава от подобна геометрична живопис към гладки, естествени форми и линии и от монохроматични картини към ярки и разнообразни цветови преходи. През 70-те години Стела е пленена от огромните шарки, използвани за рисуване на кораби. Художникът ги използва за огромни картини с елементи на сглобяване - той включва парчета стоманени тръби или телена мрежа в своите творби.

В ранните си интервюта Франк Стела говори откровено за значенията, вложени в работата му, или по-скоро за липсата им: „Това, което виждате, е това, което виждате“. Картината е обект сама по себе си, а не репродукция на каквото и да било. „Това е плоска повърхност с боя върху нея и нищо друго“, каза Стела.

Е, подписана от Франк Стела, тази „повърхност с боя върху нея“ може да струва милиони долари днес. За първи път в класацията на живите артисти Франк Стела попадна през 2015 г. с продажбата на Делауеър Кросинг (1961) за 13,69 милиона долара, включително комисионна.

Четири години по-късно, на 15 май 2019 г., беше поставен нов рекорд от ранната (1959) работа „Cape of Pines”: цената на чука беше над 28 милиона долара, включително комисионната. Това е една от 29-те "черни картини" - точно тези, с които Стела дебютира на първата си изложба в Ню Йорк. Възпитаникът на Принстънския университет Франк Стела тогава е на 23 години. Често не му достигаха пари за маслени бои за художници. Младият художник работеше като ремонтна работа, много харесваше чистите цветове на боята и тогава се появи идеята да работи с тази боя върху платно. С черна емайл боя Стела рисува успоредни ивици, оставяйки тънки линии от негрундирано платно между тях. При това той пише без линии, на око, без предварителна скица. Стела никога не е знаела точно колко черни линии ще се появят в дадена картина. Например, в картината „Cape of Pines“ те са 35. Заглавието на произведението се отнася до името на нос в Масачузетския залив - Point of pines. В началото на 20-ти век е имал голям увеселителен парк, а днес е един от кварталите на град Ревере.

10. YOSHITOMO NARA Нож зад гърба. 2000 г. 24,95 милиона долара

Йошитомо Нара (1959) е една от ключовите фигури на японското нео-поп изкуство. Японски - защото въпреки световната известност и дългогодишната работа в чужбина, творчеството му все още се отличава с подчертана национална идентичност. Любимите герои на Нара са момичета и кучета в стила на японската манга и аниме комикси. Изображенията, които той измисля в продължение на много години, „отидоха при хората“: те се отпечатват върху тениски, с тях се правят сувенири и различни „мерчове“. Роден в бедно семейство, далеч от столицата, той е не само обичан заради таланта си, но и ценен като човек, изградил себе си. Художникът работи бързо и експресивно. Известно е, че някои от неговите шедьоври са завършени буквално за една нощ. Картините и скулптурите на Йошитомо Нара като правило са много лаконични и дори пестеливи в изразителни средства, но винаги носят силен емоционален заряд. Тийнейджърките в Нара често гледат зрителя с нелюбезен присвити очи. В очите им - наглост, предизвикателство и агресия. В ръцете - после нож, после цигара. Има мнение, че изобразените извращения на поведението са реакция на потискащия обществен морал, различни табута и възприетите от японците принципи на образование. Почти средновековната строгост и срам вкарват проблемите навътре, създават почва за забавен емоционален взрив. „Нож зад гърба“ просто отразява една от основните идеи на художника. В тази творба има мразещ поглед на момиче и заплашително навита ръка зад гърба. До 2019 г. картините и скулптурите на Йошитомо Нара вече са преминали границата от милион или дори няколко милиона повече от веднъж. Но двадесет милиона – за първи път. Нара е един от най-известните художници, родени в Япония. И сега най-скъпият от живите. На 6 октомври 2109 г. в Sotheby's в Хонконг той взе тази титла от Такаши Мураками и значително надмина 90-годишната авангардна художничка Яйои Кусама (максималните цени на търг за нейните картини вече наближават 9 милиона долара).

11. ЗЕНГ ФАНЧЖИ Тайната вечеря. 2001 г. 23,3 милиона долара

В Сотбис Хонконг 5 октомври 2013 гплатно в годишен мащаб "Тайната вечеря"Художник от Пекин Zeng Fanzhi (1964)беше продаден за рекордната сума от 160 милиона хонконгски долара - 23,3 милиона долараСАЩ. Окончателната цена на творбата на Фанджи, написана, разбира се, под влиянието на Леонардо да Винчи, се оказа два пъти по-висока от предварителната оценка от около $10 млн. Предишният ценови рекорд на Зенг Фанжи беше $ 9,6 милионаплатена на търга на Christie's в Хонг Конг през май 2008 г. за работата Серия Маски. 1996 г. бр. 6".

„Тайната вечеря“ е най-голямата (2,2 × 4 метра) картина на Фанджи от поредицата „Маски“, обхващаща периода от 1994 до 2001 г. Цикълът е посветен на еволюцията на китайското общество под влияние на икономическите реформи. Въвеждането на елементи на пазарна икономика от правителството на КНР доведе до урбанизация и разединение на китайците. Fanzhi изобразява жителите на съвременните китайски градове, които трябва да се борят за място под слънцето. Добре познатата композиция на фреската на Леонардо в прочита на Фанджи придобива съвсем различно значение: сцената се пренася от Йерусалим в класната стая на китайско училище с типични йероглифни дъски по стените. „Христос“ и „апостоли“ се превърнаха в пионери с алени вратовръзки, а само „Юда“ носи златна вратовръзка – това е метафора на западния капитализъм, проникващ и унищожаващ обичайния начин на живот в социалистическа страна.

Творбите на Зенг Фанджъ са стилово близки до европейския експресионизъм и са също толкова драматични. Но в същото време те са пълни с китайски символи и специфики. Тази гъвкавост привлича както китайски, така и западни колекционери към работата на художника. Пряко потвърждение за това е произходът на „Тайната вечеря“: произведението беше предложено на търг от известния колекционер на китайския авангард от 80-те и началото на 90-те години на миналия век, белгийския барон Ги Уленс.

12. РОБЪРТ РЕЙМАН Мост. 1980 г. 20,6 милиона долара

На търг Christie's, 13 май 2015 габстрактна работа "мост" 85-годишен американски художник Робърт Райман(Робърт Райман) беше продаден 20,6 милиона доларакато се вземе предвид комисионната - два пъти по-скъпо от долната оценка.

Робърт Райман(1930) не осъзнава веднага, че иска да стане художник. На 23-годишна възраст той се премества в Ню Йорк от Нашвил, Тенеси, искайки да стане джаз саксофонист. Междувременно той не стана известен музикант, трябваше да печели допълнителни пари като охрана в MoMA, където се запознава със Сол Леуит и Дан Флавин. Първият е работил в музея като нощен секретар, а вторият като охранител и асансьор. Вдъхновен от творбите на абстрактни експресионисти, които е видял в MoMA - Ротко, Де Кунинг, Полок и Нюман, Робърт Райман започва да рисува през 1955 г.

Райман често е определян като минималист, но той предпочита да бъде наричан "реалист", защото не се интересува от създаване на илюзии, той само демонстрира качествата на материалите, които използва. Повечето от творбите му са рисувани с бои във всички възможни нюанси на бялото (от сивкаво или жълтеникаво до ослепително бяло) на базата на лаконична квадратна форма. По време на кариерата си Робърт Райман изпробва много материали и техники: рисува с масла, акрил, казеин, емайл, пастели, гваш и др. върху платно, стомана, плексиглас, алуминий, хартия, велпапе, винил, тапети и др. приятел, професионален реставратор, Орин Райли, го посъветва за каустичността на материалите, които смята да използва. Както един художник веднъж каза: „Никога нямам въпроси Каквопиши, най-важното - какпиши". Всичко зависи от текстурата, естеството на щрихите, границата между цветната повърхност и ръбовете на основата, както и връзката между произведението и стената. От 1975 г. специална характеристика на работата му са телата, които Райман проектира сам и умишлено ги оставя видими, подчертавайки работата си „толкова реална, колкото са истински стените, на които висят“. Райман предпочита да дава на произведенията "имена", а не "заглавия". „Името“ е това, което помага да се разграничи една работа от друга, а Райман често назовава творбите си по марки бои, фирми и т.н., а „заглавието“ претендира за някакви алюзии и дълбоко скрити значения, присъствието на които в неговия творби, които художникът редовно отрича. Нищо освен материалите и техниката няма значение.

13. Деймиън Хърст Сънлива пролет. 2002 г. 19,2 милиона долара

английски художник На Деймиън Хърст (1965)беше предопределен да бъде първият, който заема първото място в тази класация в спор с живия класик Джаспър Джонс. Вече споменатата работа "Фалстарт" може да остане непотопим лидер за дълго време, ако 21 юни 2007 гинсталация по това време 42-годишният Хърст "Сънлива пролет"(2002) не беше продаден в Sotheby's за £ 9,76 милиона, тоест за 19,2 милиона долара. Работата, между другото, има доста необичаен формат. От една страна, това е витрина с манекени хапчета (6136 хапчета), всъщност класическа инсталация. И от друга страна, тази витрина е направена плоска (дълбочина 10 см), поставена в рамка и окачена на стената като плазмен панел, като по този начин напълно осигурява комфорта на притежание, присъщ на картините. През 2002 г. сестрата на инсталацията, Sleepy Winter, беше продадена за 7,4 милиона долара, повече от половината от цената. Някой "обясни" разликата в цената с факта, че таблетите са по-избелели през зимата. Но е ясно, че това обяснение е абсолютно безпочвено, тъй като механизмът на ценообразуване на такива неща вече не е свързан с техния декоративен ефект.

През 2007 г. мнозина признаха Хърст за автор на най-скъпата творба сред живите художници. Въпросът обаче е от категорията "зависи как се брои". Факт е, че Хърст беше продаден за скъпи лири, а Джоунс за долари, които сега са паднали в цената и дори преди двадесет години. Но дори ако броим по номинална стойност, без да вземаме предвид 20-годишната инфлация, тогава работата на Хърст е била по-скъпа в долари, а тази на Джоунс в лири. Ситуацията беше гранична и всеки беше свободен да реши кой да счита за най-скъп. Но Хърст се задържа на първо място не толкова дълго. През същата 2007 г. той беше изместен от първото място от Кунс с неговото "Hanging Heart".

Точно в навечерието на глобалния спад на цените на съвременното изкуство, Хърст предприе безпрецедентно начинание за млад художник - самостоятелен търг на негови творби, който се проведе на 15 септември 2008 г. в Лондон. Новината за фалита на Lehman Brothers, обявена предишния ден, не развали апетита на любителите на съвременното изкуство: от 223 произведения, предложени от Sotheby's, само пет не намериха нови собственици (един от купувачите, между другото, беше Виктор Пинчук ). работа "Златен Телец"- огромно изображение на бик във формалдехид, увенчано със златен диск, - донесено £10,3 милиона ($18,6 милиона). Това е най-добрият резултат на Хърст, ако се измерва в лири (във валутата, в която е направена сделката). Ние обаче се класираме по отношение на долари, така че (да ни прости Златният телец) ще приемем, че най-добрата продажба на Хърст е Sleepy Spring.

От 2008 г. Хърст не е имал продажби на Sleepy Spring и Golden Calf. Свежите записи от 2010 г. - за работата на Рихтер, Джоунс, Фанжи, Уол и Кунс - преместиха Деймиън на шестата линия на нашия рейтинг. Но нека не даваме категорична преценка за упадъка на епохата на Хърст. Според анализаторите, Хърст като "суперзвезда" вече е влязъл в историята, което означава, че те ще го купуват за много дълго време; но най-голяма стойност в бъдещето се предвижда за произведения, създадени в най-новаторския период от кариерата му, тоест през 90-те години.

14. Маурицио Кателан Него. 2001 г. 17,19 милиона долара

Италианецът Маурицио Кателан (1960) идва в изкуството след работа като охранител, готвач, градинар и дизайнер на мебели. Самоукият автор стана световно известен със своите иронични скулптури и инсталации. Пуснал е метеорит върху папата, превърнал е жената на клиент в ловен трофей, пробил е дупка в пода на музей на старите майстори, вдигнал е огромен среден пръст на борсата в Милано, довел е живо магаре на панаира Frieze . В близко бъдеще Кателан обещава да постави златна тоалетна в музея Гугенхайм. В крайна сметка лудориите на Маурицио Кателан бяха широко признати в света на изкуството: той е поканен на Венецианското биенале (инсталацията "Други" през 2011 г. - стадо от две хиляди гълъби, които гледат заплашително от всички тръби и греди към тълпите посетители минавайки по-долу), организира ретроспектива в музея Гугенхайм в Ню Йорк (ноември 2011 г.) и накрая се плащат големи пари за неговите скулптури.

От 2010 г. най-скъпата работа на Маурицио Кателан е восъчна скулптура на човек, надничащ от дупка в пода, външно подобен на самия художник („Без заглавие“, 2001 г.). Тази скулптурна инсталация, която съществува в размер на три копия плюс копие на автора, беше показана за първи път в музея Boijmans van Beuningen в Ротердам. Тогава този палав герой погледна от дупка в пода на залата с картини на холандски художници от 18-ти и 19-ти век. Маурицио Кателан в тази творба се свързва с дързък престъпник, който нахлува в свещеното пространство на музейната зала с картини на велики майстори. Така той иска да лиши изкуството от ореола на святост, който му придават музейните стени. Творбата, за излагането на която всеки път трябва да правите дупки в пода, беше продадена за 7,922 милиона долара в Sotheby's.

Рекордът остана до 8 май 2016 г., когато още по-провокативната творба на Кателан Той, изобразяваща коленичил Хитлер, беше продадена за $17,189 млн. Нещата са странни. Името е странно. Изборът на герои е рискован. Както всичко останало с Cattelan. Какво означава Той? „Неговото“ или „Негово адско величество“? Ясно е, че категорично не говорим за възпяване на образа на фюрера. В това произведение Хитлер се появява по-скоро в безпомощен, жалък вид. И абсурдно - въплъщението на Сатаната е направено с размерите на дете, облечено в ученически костюм и коленичило със смирено изражение на лицето. За Кателан този образ е покана за размисъл върху природата на абсолютното зло и начин да се отървем от страховете. Между другото, скулптурата „Той“ е добре позната на западната публика. Нейните братя от поредицата са били излагани повече от 10 пъти във водещи музеи по света, включително Център Помпиду и Музеят на Соломон Гугенхайм.

15. MARC GROTJAN Untitled (S III, издаден във Франция, лице 43.14). 2011. 16,8 милиона долара

На 17 май 2017 г. една от най-въздействащите картини на Марк Гротян, предлагани някога на търг, се появи на вечерния търг на Christie's в Ню Йорк. Картината „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“ беше изложена от парижкия колекционер Патрик Сегуин с оценка от 13-16 милиона долара и тъй като продажбата на партидата беше гарантирана от трета страна, никой не беше особено изненадан чрез установяването на нов личен рекорд на търга от 49-годишния художник. Цената на чука от 14,75 милиона долара (16,8 милиона долара с премията за купувача) надмина предишния рекорд на Гротджан на търг с повече от 10 милиона долара, поставяйки го в клуба на живите художници, чиито творби се продават за осемцифрени суми. Седемцифрени същите резултати (продажби над $1 милион, но не повече от $10 милиона) в аукционната касичка Марк Гротян за около тридесет.

Марк Гротян (1968), в чиято работа експертите виждат влиянието на модернизма, абстрактния минимализъм, поп и оп изкуството, стига до корпоративната си идентичност в средата на 90-те години, след като се премества с приятеля си Брент Питърсън в Лос Анджелис и отваря галерия там "Стая 702". Както самият художник си спомня, по това време той започва да мисли какво е на първо място за него в изкуството. Търсеше мотива, с който да експериментира. И разбрах, че той винаги се е интересувал от линия и цвят. Експериментите в духа на rayonism и минимализма с линейна перспектива, множество изчезващи точки и многоцветни абстрактни триъгълни форми в крайна сметка донесоха на Grotjan световна слава.

От абстрактни, цветни пейзажи с множество хоризонти и изчезващи точки, той стигна до триъгълни форми, напомнящи крила на пеперуда. Картини на Гротян 2001–2007 Наричат ​​го "Пеперуди". Днес преместването на точката на изчезване или използването на няколко точки на изчезване наведнъж, разположени една от друга в пространството, се смята за една от най-мощните техники на художника.

Следващата голяма поредица от творби се нарича "Лица"; в абстрактните линии на тази серия могат да се познаят чертите на човешко лице, опростено до състоянието на маска в духа на Матис, Явленски или Бранкузи. Говорейки за крайното опростяване и стилизиране на формите, за композиционното решение на картините, когато разпръснатите контури на очите и устата сякаш ни гледат от гъсталака, изследователите отбелязват връзката на Лицата на Гротян с изкуството на примитивното племена от Африка и Океания, докато самият художник просто „харесва изображението с очи, гледащи от джунглата. Понякога си представях лицата на павиани или маймуни. Не мога да кажа, че бях съзнателно или подсъзнателно повлиян от примитивното африканско изкуство, по-скоро бях повлиян от художници, които бяха повлияни от него. Пикасо е най-очевидният пример."

Творбите от поредицата "Лица" се наричат ​​брутални и елегантни, приятни за окото и приятни за ума. С течение на времето текстурата на тези произведения също се променя: за да създаде ефекта на вътрешно пространство, художникът използва широки щрихи плътна боя, дори пръски в стил Полок, но повърхността на картината е изравнена, така че при по-внимателно разглеждане изглежда напълно плосък. Рекордната на търга картина Untitled (S III Released to France Face 43.14) принадлежи към тази известна поредица на Марк Гротян.

16. ТАКАШИ МУРАКАМИ Моят самотен каубой. 15,16 милиона долара

японски Такаши Мураками (1962)влезе в нашата класация със скулптура "Моят самотен каубой", продаден на Sotheby's през май 2008 г. за $ 15,16 милиона. С тази продажба Такаши Мураками дълго време беше смятан за най-успешния жив азиатски художник - докато не беше засенчен от продажбата на Тайната вечеря от Зенг Фанджи.

Такаши Мураками работи като художник, скулптор, моден дизайнер и аниматор. Мураками искаше да вземе нещо наистина японско като основа на своята работа, без западни или други заеми. В студентските си години той е очарован от традиционното японско изкуство нихонга, по-късно то е заменено от популярното изкуство аниме и манга. Така се ражда психеделичният Mr DOB, мотиви от усмихнати цветя и ярки, лъскави скулптури от фибростъкло, сякаш току-що са излезли от страниците на японските комикси. Някои смятат изкуството на Мураками за бързо хранене и въплъщение на вулгарността, други наричат ​​художника японския Анди Уорхол - а в редиците на последния, както виждаме, има много много богати хора.

Мураками заимства името на своята скулптура от „Самотните каубои“ (1968) на Анди Уорхол, който японците, както сам признава, никога не са гледали, но комбинацията от думи много му харесва. Мураками с една скулптура зарадва феновете на еротичните японски комикси и им се присмя. Увеличен по размер, а освен това и триизмерен, аниме героят се превръща във фетиш на масовата култура. Това артистично изявление е съвсем в духа на класическия западен поп арт (спомнете си комплекта мебели на Алън Джоунс или Розовата пантера на Кунс), но с национален привкус.

17. KAWS. Албум KAWS. 2005 г. 14 784 505 долара

KAWS е псевдонимът на американския артист Brian Donelly от Ню Джърси. Той е най-младият участник в нашата класация, роден през 1974 г. Донели започва като аниматор в Disney (рисува фонове за анимационния филм "101 далматинци" и други). Интересувам се от графити от малък. Първоначално характерният му дизайн беше череп с "Х" на мястото на очните кухини. Работата на младия писател е обичана от хора от шоубизнеса и хора от модната индустрия: той направи корицата на албума на Kanye West, издаде колаборации за Nike, Comme des Garçons и Uniqlo. С течение на времето KAWS се превърна в добре позната фигура в света на съвременното изкуство. Фирмената му статуетка на Мики Маус намери своето място в музеи, обществени пространства и частни колекции. Веднъж KAWS пусна ограничено издание на винилова играчка с марката My Plastic Heart и те изведнъж станаха обект на голям колекционерски интерес. Един от страстните колекционери на тези "играчки" е основателят на Black Star, рапърът Timati: той почти напълно събра цялата поредица от "Cavs Companions".

Работата на KAWS постави рекорд за творчество на художник - 14,7 милиона долара - на търг на Sotheby's в Хонконг на 1 април 2019 г. Беше в колекцията на японския моден дизайнер Ниго. Metre canvas Албумът KAWS е почит към обложката на известния албум на The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" от 1967 г. Само че вместо хора има Kimpsons - стилизирани герои от анимационния сериал Simpsons с "X" вместо очи.

18. ДЖИН ШАН Таджикска булка. 1983 г. 13,89 милиона долара

Сред сравнително младите и съвременни китайски художници, които всички принадлежат към така наречената „нова вълна“ от края на 80-те години на миналия век в китайското изкуство, нашият рейтинг съвсем неочаквано включва представител на съвсем различно поколение и различна школа. Джин Шан (Jin Shangyi), който вече е над 80, принадлежи към ярките представители на първото поколение художници в комунистически Китай. Възгледите на тази група творци се формират до голяма степен под влиянието на най-близкия комунистически съюзник – СССР.

Официалното съветско изкуство, социалистическият реализъм, маслената живопис, която все още беше необичайна за Китай (за разлика от традиционната китайска живопис с мастило) през 50-те години, бяха на върха на популярността си и съветският художник Константин дойде в Пекинския художествен университет за три години ( от 1954 до 1957 г.) за преподаване на Методиевич Максимов. Джин Шани, който по това време беше най-младият в групата, влезе в неговия клас. Художникът винаги си спомняше своя учител с голяма топлина, казвайки, че Максимов го е научил правилно да разбира и изобразява модела. К. М. Максимов възпита цяла плеяда китайски реалисти, сега класици.

В творчеството на Джин Шан се усеща влиянието както на съветския "суров стил", така и на европейската живописна школа. Художникът посвети много време на изучаването на наследството на Ренесанса и класицизма, като смяташе за необходимо да запази китайския дух в творбите си. Картината "Таджикска булка", нарисувана през 1983 г., се счита за всеобщо признат шедьовър, нов крайъгълен камък в творчеството на Джин Шан. Именно тя беше изложена на търг на China Guardian през ноември 2013 г. и продадена няколко пъти по-скъпо от оценката - за 13,89 милиона долара, включително комисионна.

19. BANKSY The Decayed Parliament. 2008 г. 12,14 милиона долара

Стенописи с надпис Banksy започнаха да се появяват по стените на градове (първо в Обединеното кралство, а след това и по света) в края на 90-те години. Неговите философски и в същото време остри графити са посветени на проблемите на държавната атака срещу свободите на гражданите, престъпленията срещу околната среда, безотговорното потребление и нехуманността на системата за нелегална миграция. С течение на времето "упреците" на стената на Банкси придобиха безпрецедентна медийна популярност. Всъщност той се превърна в един от основните говорители на общественото мнение, осъждащо лицемерието на държавите и корпорациите, създаващи нарастваща несправедливост в капиталистическата система.

Значението на Банкси, усещането за "нерва на времето" и точността на неговите метафори бяха оценени не само от публиката, но и от колекционерите. През 2010 г. стотици хиляди или дори повече от милион долара бяха дадени за неговите творби. Стигна се дотам, че графитите на Банкси бяха разбити и откраднати заедно с парчета от стени.

В ерата на напреднало цифрово наблюдение Банкси все още успява да остане анонимен. Има версия, че това вече не е един човек, а група от няколко художници, начело с талантлива жена. Това би обяснило много. И външното различие на писателите, уловени в обективите на камерите на свидетели, и безличният метод на нанасяне на шаблон (дава висока скорост и не изисква прякото участие на автора), и трогателният романтизъм на темите на картините (топки, снежинки и др.). Както и да е, хората от проекта Banksy, включително неговите помощници, знаят как да си държат устата затворена.

През 2019 г. най-скъпата творба на Банкси неочаквано стана четириметровото платно Devolved Parliament („деградирал“, „разпаднал“ или „делегиран“ парламент). Шимпанзетата, спорещи в Камарата на общините, сякаш се подиграват на публиката в годината на скандалния Брекзит. Изненадващо е, че картината е нарисувана 10 години преди тази историческа повратна точка и затова някой я смята за пророческа. На търг на Sotheby's на 3 октомври 2019 г. неизвестен купувач купи маслото за 12 143 000 долара в ожесточено наддаване - шест пъти над цената на предварителната оценка.

20. ДЖОН КЪРЪН "Сладко и просто." 1999 г. 12,007 милиона долара

американски художник Джон Къран (1962)известен със своите сатирични фигуративни картини на провокативни сексуални и социални теми. Работата на Curren успява да съчетае техниките на рисуване на старите майстори (особено Лукас Кранах Стари и маниеристите) и модната фотография от лъскавите списания. Постигайки по-голяма гротеска, Карен често изкривява пропорциите на човешкото тяло, увеличава или намалява отделните му части, изобразява герои в разчупени, маниерни пози.

Curren започва през 1989 г. с портрети на момичета, прерисувани от училищен албум; продължава в началото на 90-те със снимки на едрогърди красавици, вдъхновени от снимки от Cosmopolitan и Playboy; през 1992 г. се появяват портрети на богати възрастни дами; и през 1994 г. Curren се жени за скулптора Rachel Feinstein, която се превръща в негова основна муза и модел в продължение на много години. До края на 90-те години техническата мощ на Кърин, съчетана с кича и гротескността на картините му, му донасят популярност. През 2003 г. Лари Гагосян пое промотирането на художника и ако такъв дилър като Гагосян се заеме с автора, успехът е гарантиран. През 2004 г. в музея на Уитни се проведе ретроспекция на Джон Кърън.

По това време творбите му започват да се продават за шестцифрени суми. Настоящият рекорд за картина на Джон Кърън принадлежи на „Сладко и просто“, продадена на 15 ноември 2016 г. в Christie's за 12 милиона долара. Сега над 50, това определено е пробив в кариерата. Предишният му рекорд през 2008 г. беше 5,5 милиона долара (платени, между другото, за същата работа „Сладко и просто“).

21. БРИС МАРДЪН Присъствали. 1996–1999 10,917 милиона долара

Друг жив американски абстрактен художник в нашата класация е Брайс Мардън (1938). Творбите на Марден в стила на минимализма, а от края на 80-те години на миналия век - жестовата живопис, се отличават с уникална авторска, леко приглушена палитра. Цветовите комбинации в творбите на Марден са вдъхновени от пътуванията му по света – Гърция, Индия, Тайланд, Шри Ланка. Сред авторите, повлияли върху формирането на Мардън, са Джаксън Полок (в началото на 60-те Мардън работи като охранител в Еврейския музей, където лично наблюдава „капките” на Полок), Алберто Джакомети (запознава се с работата му в Париж) и Робърт Раушенберг (известно време Мардън работи като негов асистент). Първият етап от работата на Марден е посветен на класически минималистични платна, състоящи се от цветни правоъгълни блокове (хоризонтални или вертикални). За разлика от много други минималисти, които търсят идеалното качество на творбите, сякаш са отпечатани от машина, а не нарисувани от човек, Марден запазва следи от работата на художника, комбинирайки различни материали (восък и маслени бои). От средата на 80-те години на миналия век, под влиянието на ориенталската калиграфия, геометричната абстракция е заменена от меандърови линии, чийто фон са същите монохромни цветни полета. Една от тези "криволичещи" творби - "The Attended" - беше продадена на Sotheby's през ноември 2013 г. за 10,917 милиона долара, включително комисионна.

22. Пиер Сулаж Картина 186 x 143 cm, 23 декември 1959 г. 10,6 милиона долара

23. ДЖАН СЯОГАН Вечна любов. 10,2 милиона долара

Друг представител на китайското съвременно изкуство е символист и сюрреалист Джан Сяоган (1958). В Сотбис Хонконг 3 април 2011 г, където се продаваше китайският авангард от колекцията на белгийския барон Гай Уленс, триптих на Джан Сяоган "Вечна любов"беше продаден за $ 10,2 милиона. По това време това е рекорд не само за художника, но и за цялото китайско съвременно изкуство. Твърди се, че творбата на Сяоган е била закупена от съпругата на милиардера Уанг Вей, която е на път да отвори собствен музей.

Джан Сяоган, който е любител на мистицизма и източната философия, е написал историята на „Вечната любов” в три части – живот, смърт и прераждане. Този триптих беше включен в емблематичната изложба Китай/Авангард от 1989 г. в Националния художествен музей. Също през 1989 г. студентските демонстрации бяха брутално потушени на площад Тянанмън от военните. След това трагично събитие винтовете започват да се затягат - изложбата в Народния музей е разпръсната, много художници емигрират. В отговор на наложения отгоре социалистически реализъм възниква едно направление на циничния реализъм, един от основните представители на което е Джан Сяоган.

24. БРЮС НАУМАН Безпомощен Хенри Мур. 1967 г. 9,9 милиона долара

американски Брус Науман (1941), носител на главната награда на 48-ото Венецианско биенале (1999), отдавна е в рекорда си. Науман започва кариерата си през шейсетте години. Познавачите го наричат, наред с Анди Уорхол и Йозеф Бойс, една от най-влиятелните фигури в изкуството от втората половина на ХХ век. Но богатата интелектуалност и абсолютната недекоративност на някои от творбите му очевидно са попречили на бързото му признание и успех сред широката публика. Науман често експериментира с езика, откривайки неочаквани значения на познати фрази. Думите стават централни герои на много от неговите творби, включително неонови псевдо-знаци и пана. Самият Науман нарича себе си скулптор, въпреки че през последните четиридесет години се е опитал в напълно различни жанрове - скулптура, фотография, видео изкуство, пърформанси, графики. В началото на 90-те години на миналия век Лари Гагосян изрича пророческите думи: „Истинската стойност на работата на Науман все още не е осъзната“. И така се случи: 17 май 2001 гв Christie's от Науман през 1967 г „Безпомощен Хенри Мур (изглед отзад)“(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) постави нов рекорд в сегмента на следвоенното изкуство. Отливка от ръцете на Науман, вързани на гърба, направена от гипс и восък, отиде под чука за $ 9,9 милионав колекцията на френския магнат Франсоа Пино (според други източници, американката Филис Ватис). Оценката на работата беше само $2-3 милиона, така че резултатът беше истинска изненада за всички.

Преди тази легендарна продажба само две от творбите на Науман са преминали границата от един милион долара. А в цялата му досегашна аукционна кариера само шест произведения, освен „Хенри Мур...“, са отишли ​​за седемцифрени суми, но резултатите им все още не могат да се мерят с девет милиона.

„Безпомощният Хенри Мур“ е една от поредицата полемични творби на Науман за фигурата на Хенри Мур (1898–1986), британски художник, смятан за един от най-големите скулптори на 20-ти век през 60-те години. Млади автори, попаднали в сянката на признат майстор, тогава го нападнаха с яростни критики. Работата на Науман е отговор на тази критика и в същото време размисъл върху темата за творчеството. Заглавието на творбата се превръща в каламбур, тъй като свързва две значения на английската дума bound – обвързан (в буквалния смисъл) и обречен на определена съдба.

внимание! Всички материали на сайта и базата данни с резултати от търгове на сайта, включително илюстрирана справочна информация за произведения, продадени на търгове, са предназначени за използване единствено в съответствие с чл. 1274 от Гражданския кодекс на Руската федерация. Използването за търговски цели или в нарушение на правилата, установени от Гражданския кодекс на Руската федерация, не е разрешено. сайтът не носи отговорност за съдържанието на материали, предоставени от трети лица. В случай на нарушаване на правата на трети лица, администрацията на сайта си запазва правото да ги премахне от сайта и от базата данни въз основа на искане на оторизирания орган.

"Картоиграчи"

Автор

Пол Сезан

Държава Франция
Години живот 1839–1906
стил постимпресионизъм

Художникът е роден в южната част на Франция в малкото градче Екс-ан-Прованс, но започва да рисува в Париж. Истински успех идва при него след самостоятелна изложба, организирана от колекционера Амброаз Волар. През 1886 г., 20 години преди заминаването си, той се премества в покрайнините на родния си град. Младите художници нарекоха пътуванията до него "поклонение в Екс".

130х97 см
1895 г
цена
250 милиона долара
продаден през 2012 г
на частен търг

Творчеството на Сезан е лесно за разбиране. Единственото правило на художника беше директното прехвърляне на обекта или сюжета върху платното, така че картините му да не предизвикват недоумение у зрителя. Сезан комбинира в своето изкуство две основни френски традиции: класицизъм и романтизъм. С помощта на цветна текстура той придаде на формата на предметите невероятна пластичност.

Серия от пет картини „Играчи на карти“ е написана през 1890-1895 г. Сюжетът им е един и същ - няколко души ентусиазирано играят покер. Творбите се различават само по броя на играчите и размера на платното.

Четири картини се съхраняват в музеи в Европа и Америка (Музеят д'Орсе, Музеят на изкуствата Метрополитън, Фондация Барнс и Институтът по изкуствата Курто), а петата доскоро беше украса на частната колекция на Гръцкият милиардер корабособственик Джордж Ембирикос. Малко преди смъртта си, през зимата на 2011 г., той решава да го пусне за продажба. Потенциални купувачи на "безплатната" работа на Сезан бяха търговецът на произведения на изкуството Уилям Аквавела и световноизвестният собственик на галерия Лари Гагосиан, които предложиха около 220 милиона долара за нея. В резултат на това картината отиде при кралското семейство на арабската държава Катар за 250 млн. Най-голямата сделка за изкуство в историята на живописта беше сключена през февруари 2012 г. Това съобщи пред Vanity Fair журналистката Александра Пиърс. Тя разбра цената на картината и името на новия собственик, а след това информацията проникна в медиите по света.

През 2010 г. в Катар бяха открити Арабският музей на модерното изкуство и Националният музей на Катар. Сега колекциите им растат. Може би петата версия на The Card Players е била придобита от шейха за тази цел.

Повечетоскъпа картинав света

Собственик
Шейх Хамад
бин Халифа ал-Тани

Династията ал-Тани управлява Катар повече от 130 години. Преди около половин век тук бяха открити огромни запаси от нефт и газ, което моментално превърна Катар в един от най-богатите региони в света. Благодарение на износа на въглеводороди тази малка страна регистрира най-големия БВП на глава от населението. Шейх Хамад бин Халифа ал Тани пое властта през 1995 г., докато баща му беше в Швейцария, с подкрепата на членове на семейството. Заслугата на сегашния управляващ, според експерти, е в ясната стратегия за развитие на страната, създаване на успешен имидж на държавата. Сега Катар има конституция и министър-председател, а жените са получили правото да гласуват на парламентарни избори. Между другото, именно емирът на Катар основа новинарския канал Al Jazeera. Властите на арабската държава обръщат голямо внимание на културата.

2

"номер 5"

Автор

Джаксън Полък

Държава САЩ
Години живот 1912–1956
стил абстрактен експресионизъм

Джак Пръскачката - такъв прякор беше даден на Полък от американската публика за неговата специална техника на рисуване. Художникът изоставя четката и статива и излива боята върху повърхността на платното или фазера при непрекъснато движение около и вътре в тях. От малък се увлича по философията на Джиду Кришнамурти, чието основно послание е, че истината се разкрива по време на свободно „изливане“.

122х244 см
1948 г
цена
140 милиона долара
продаден през 2006 година
на търга Сотбис

Стойността на работата на Полък не е в резултата, а в процеса. Авторът неслучайно е нарекъл своето изкуство „екшън живопис”. С неговата лека ръка той се превърна в основния актив на Америка. Джаксън Полок смесваше боя с пясък, счупено стъкло и пишеше с парче картон, мастило, нож, лопата. Художникът беше толкова популярен, че през 50-те години в СССР имаше дори имитатори. Картината "Номер 5" е призната за една от най-странните и най-скъпите в света. Един от основателите на DreamWorks, Дейвид Гефен, го купи за частна колекция и през 2006 г. го продаде на Sotheby`s за 140 милиона долара на мексиканския колекционер Дейвид Мартинес. Въпреки това адвокатската кантора скоро издаде прессъобщение от името на своя клиент, в което се посочва, че Дейвид Мартинез не е собственик на картината. Само едно нещо се знае със сигурност: мексиканският финансист наистина наскоро е колекционирал произведения на съвременното изкуство. Малко вероятно е той да пропусне такава "голяма риба" като "Номер 5" на Полък.

3

"Жена III"

Автор

Вилем де Кунинг

Държава САЩ
Години живот 1904–1997
стил абстрактен експресионизъм

Родом от Холандия, той емигрира в Съединените щати през 1926 г. През 1948 г. се провежда лична изложба на художника. Критиците на изкуството оцениха сложните, нервни черно-бели композиции, разпознавайки в техния автор голям художник-модернист. През по-голямата част от живота си страда от алкохолизъм, но радостта от създаването на ново изкуство се усеща във всяка творба. Де Кунинг се отличава с импулсивността на рисуването, широките щрихи, поради което понякога изображението не се вписва в границите на платното.

121х171 см
1953 г
цена
137 милиона долара
продаден през 2006 година
на частен търг

През 50-те години в картините на де Кунинг се появяват жени с празни очи, масивни гърди и грозни черти. „Жена III” беше последната творба от тази поредица, участвала в търга.

От 70-те години на миналия век картината се съхранява в Музея за модерно изкуство в Техеран, но след въвеждането на строги морални правила в страната те се стремят да се отърват от нея. През 1994 г. творбата е изнесена от Иран, а 12 години по-късно нейният собственик Дейвид Гефен (същият продуцент, който продаде „Номер 5“ на Джаксън Полък) продава картината на милионера Стивън Коен за 137,5 милиона долара. Интересно е, че след една година Гефен започва да продава колекцията си от картини. Това породи много слухове: например, че продуцентът е решил да купи Los Angeles Times.

На един от форумите за изкуство беше изразено мнение за приликата на "Жена III" с картината на Леонардо да Винчи "Дамата с хермелин". Зад зъбата усмивка и безформената фигура на героинята, познавачът на живописта различи благодатта на човек с кралска кръв. Това се доказва и от слабо проследената корона, увенчаваща главата на жена.

4

„Портрет на АделБлох-Бауер I"

Автор

Густав Климт

Държава Австрия
Години живот 1862–1918
стил модерен

Густав Климт е роден в семейството на гравьор и е второто от седем деца. Трима синове на Ърнест Климт станаха художници и само Густав стана известен по целия свят. Прекарва по-голямата част от детството си в бедност. След смъртта на баща си той отговаря за цялото семейство. По това време Климт развива своя стил. Преди неговите картини всеки зрител замръзва: под тънките щрихи на злато ясно се вижда откровената еротика.

138х136 см
1907 г
цена
135 милиона долара
продаден през 2006 година
на търга Сотбис

Съдбата на картината, която наричат ​​"австрийската Мона Лиза", лесно може да стане основа за бестселър. Работата на художника стана причина за конфликта между цялата държава и една възрастна дама.

И така, „Портретът на Адел Блох-Бауер I“ изобразява аристократка, съпругата на Фердинанд Блок. Последната й воля беше да прехвърли картината в Австрийската държавна галерия. Блок обаче отменя дарението в завещанието си и нацистите експроприират картината. По-късно галерията почти не откупи Златната Адел, но тогава се появи наследницата - Мария Алтман, племенницата на Фердинанд Блок.

През 2005 г. започна високопоставеният процес "Мария Алтман срещу Република Австрия", в резултат на което картината "замина" с нея в Лос Анджелис. Австрия предприема безпрецедентни мерки: договарят се заеми, населението дарява пари за закупуването на портрета. Доброто никога не побеждава злото: Алтман вдигна цената до 300 милиона долара. По време на процеса тя беше на 79 години и влезе в историята като човекът, променил завещанието на Блок-Бауер в полза на лични интереси. Картината е закупена от Роналд Лаудер, собственик на Новата галерия в Ню Йорк, където остава и до днес. Не за Австрия, за него Алтман намали цената на 135 милиона долара.

5

"Вик"

Автор

Едвард Мунк

Държава Норвегия
Години живот 1863–1944
стил експресионизъм

Първата картина на Мунк, станала известна по целия свят, "Болното момиче" (съществува в пет екземпляра) е посветена на сестрата на художника, починала от туберкулоза на 15-годишна възраст. Мунк винаги се е интересувал от темата за смъртта и самотата. В Германия тежката му маниакална живопис дори предизвика скандал. Но въпреки потискащите сюжети, картините му носят особен магнетизъм. Вземете поне "Писък".

73,5х91 см
1895 г
цена
119,992 милиона долара
продаден в 2012 г
на търга Сотбис

Пълното име на картината е Der Schrei der Natur (в превод от немски „викът на природата“). Лицето на човек или извънземно изразява отчаяние и паника - зрителят изпитва същите емоции, когато гледа картината. Едно от ключовите произведения на експресионизма предупреждава за наболелите теми в изкуството на 20 век. Според една от версиите художникът го е създал под влияние на психическо разстройство, от което е страдал през целия си живот.

Картината е крадена два пъти от различни музеи, но е връщана. Леко повреден след кражбата, Викът беше реставриран и беше готов да бъде показан отново в Музея на Мунк през 2008 г. За представителите на поп културата работата се превърна в източник на вдъхновение: Анди Уорхол създаде серия от нейни отпечатъци-копия, а маската от филма "Писък" беше направена по образ и подобие на героя на картината.

За един сюжет Мунк написва четири версии на творбата: тази в частна колекция е направена в пастел. Норвежкият милиардер Петер Олсен го пусна на търг на 2 май 2012 г. Купувач беше Леон Блек, който не пожали рекордна сума за "Писък". Основател на Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен с любовта си към изкуството. Блек е патрон на Dartmouth College, Музея за модерно изкуство, Lincoln Art Center и Metropolitan Museum of Art. Има най-голямата колекция от картини на съвременни художници и класически майстори от миналите векове.

6

„Голо на фона на бюст и зелени листа“

Автор

Пабло Пикасо

Държава Испания, Франция
Години живот 1881–1973
стил кубизъм

По произход той е испанец, но по дух и място на пребиваване е истински французин. Пикасо отваря собствено художествено студио в Барселона, когато е едва на 16 години. След това заминава за Париж и прекарва по-голямата част от живота си там. Ето защо във фамилното му име има двойно ударение. Стилът, изобретен от Пикасо, се основава на отричането на мнението, че обектът, изобразен на платното, може да се гледа само от един ъгъл.

130х162 см
1932 г
цена
106,482 милиона долара
продаден през 2010 година
на търга Кристи

По време на работата си в Рим художникът се запознава с танцьорката Олга Хохлова, която скоро става негова съпруга. Той сложи край на скитничеството, премести се с нея в луксозен апартамент. По това време признанието беше намерило герой, но бракът беше унищожен. Една от най-скъпите картини в света е създадена почти случайно – от голяма любов, която, както винаги при Пикасо, е краткотрайна. През 1927 г. той се интересува от младата Мари-Терез Валтер (тя е на 17 години, той на 45). Тайно от съпругата си той заминава с любовницата си за град близо до Париж, където рисува портрет, изобразяващ Мария-Терез в образа на Дафне. Картината е закупена от дилър от Ню Йорк Пол Розенберг и продадена през 1951 г. на Сидни Ф. Броуди. Семейство Броди показаха картината на света само веднъж и то само защото художникът беше на 80 години. След смъртта на съпруга си, г-жа Броуди пусна творбата на търг в Christie's през март 2010 г. За шест десетилетия цената се е повишила повече от 5000 пъти! Неизвестен колекционер го купи за 106,5 милиона долара. През 2011 г. във Великобритания се проведе „изложба на една картина“, където тя видя светлината за втори път, но името на собственика все още не е известно.

7

"Осем Елвиси"

Автор

Анди Уорхол

Държава САЩ
Години живот 1928-1987
стил
поп изкуство

„Сексът и партитата са единствените места, където трябва да се появиш лично“, каза култовият поп изпълнител, режисьор и един от основателите на списание Interview, дизайнерът Анди Уорхол. Работил е с Vogue и Harper's Bazaar, проектирал е обложки на плочи и е проектирал обувки за I.Miller. През 60-те години се появяват картини, изобразяващи символите на Америка: супата на Кембъл и Кока-Кола, Пресли и Монро - което го превръща в легенда.

358х208 см
1963 г
цена
100 милиона долара
продаден през 2008г
на частен търг

60-те години на Уорхол - така наречената ера на поп изкуството в Америка. През 1962 г. работи в Манхатън във Factory Studio, където се събира цялата бохема на Ню Йорк. Най-ярките му представители: Мик Джагър, Боб Дилън, Труман Капоти и други известни личности в света. В същото време Уорхол изпробва техниката на копринен печат - многократно повторение на едно изображение. Той също използва този метод при създаването на "Осем Елвис": зрителят сякаш вижда кадри от филм, където звездата оживява. Всичко, което художникът обича толкова много, е тук: печеливш публичен образ, сребрист цвят и предчувствие за смърт като основно послание.

Има двама търговци на изкуство, които рекламират работата на Уорхол на световния пазар днес: Лари Гагосян и Алберто Муграби. Първият през 2008 г. похарчи 200 милиона долара за закупуване на повече от 15 творби на Уорхол. Вторият купува и продава картините си като коледни картички, само че по-скъпо. Но не те, а скромният френски консултант по изкуството Филип Сегало помогна на ценителя на римското изкуство Анибале Берлингиери да продаде Осемте Елвиси на неизвестен купувач за рекордните за Уорхол 100 милиона долара.

8

„Портокал,червено жълто"

Автор

Марк Ротко

Държава САЩ
Години живот 1903–1970
стил абстрактен експресионизъм

Един от създателите на цветната полева живопис е роден в Двинск, Русия (сега Даугавпилс, Латвия), в голямо семейство на еврейски фармацевт. През 1911 г. емигрират в САЩ. Ротко учи в художествения факултет на Йейлския университет, получава стипендия, но антисемитските настроения го принуждават да напусне обучението си. Въпреки всичко, изкуствоведите идолизираха художника, а музеите го преследваха през целия му живот.

206х236 см
1961 г
цена
86,882 милиона долара
продаден през 2012 г
на търга Кристи

Първите художествени експерименти на Ротко са със сюрреалистична ориентация, но с течение на времето той опрости сюжета до цветни петна, лишавайки ги от всякаква обективност. Отначало имаха ярки нюанси, а през 60-те години бяха изпълнени с кафяво, лилаво, сгъстяване до черно до момента на смъртта на художника. Марк Ротко предупреди да не се търси смисъл в картините му. Авторът искаше да каже точно това, което каза: само цвета, който се разтваря във въздуха, и нищо повече. Той препоръча да се гледат творбите от разстояние 45 см, така че зрителят да бъде „увлечен” в цвета като във фуния. Внимание: гледането в съответствие с всички правила може да доведе до ефекта на медитация, тоест постепенно идва осъзнаването на безкрайността, пълно потапяне в себе си, релаксация, пречистване. Цветът в картините му живее, диша и въздейства силно емоционално (понякога се казва, че е лечебен). Художникът каза: "Зрителят трябва да плаче, като ги гледа" - и наистина имаше такива случаи. Според теорията на Ротко в този момент хората преживяват същото духовно преживяване, което той е имал в процеса на работа върху картината. Ако сте успели да го разберете на толкова фино ниво, тогава не се изненадвайте, че тези произведения на абстракционизма често се сравняват от критиците с икони.

Творбата "Оранжево, червено, жълто" изразява същността на живописта на Марк Ротко. Първоначалната му цена на търга на Christie's в Ню Йорк е 35-45 милиона долара. Неизвестен купувач предложи цена два пъти по-висока от прогнозната. Името на щастливия собственик на картината, както често се случва, не беше разкрито.

9

"Триптих"

Автор

Франсис Бейкън

Държава
Великобритания
Години живот 1909–1992
стил експресионизъм

Приключенията на Франсис Бейкън, пълен съименник и освен това далечен потомък на великия философ, започват, когато баща му се отказва от него, неспособен да приеме хомосексуалните наклонности на сина си. Бейкън отива първо в Берлин, после в Париж, а след това следите му се объркват в цяла Европа. Още приживе негови творби са излагани във водещи културни центрове по света, включително музея Гугенхайм и Третяковската галерия.

147,5x198 см (всеки)
1976 г
цена
86,2 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

Престижните музеи се стремяха да притежават картини на Бейкън, но пъргавата английска публика не бързаше да се раздели с такова изкуство. Легендарният британски премиер Маргарет Тачър каза за него: „Човекът, който рисува тези ужасяващи картини“.

Самият художник счита следвоенния период за начален период в творчеството си. Връщайки се от служба, той отново се заема с рисуване и създава основните шедьоври. Преди участието на "Триптих, 1976" в търга най-скъпата творба на Бейкън беше "Етюд за портрет на папа Инокентий X" (52,7 милиона долара). В "Триптих, 1976" художникът изобразява митичния сюжет за преследването на Орест от фуриите. Разбира се, Орест е самият Бейкън, а фуриите са неговите терзания. Повече от 30 години картината е била в частна колекция и не е участвала в изложби. Този факт му придава специална стойност и съответно увеличава себестойността. Но какво са няколко милиона за ценител на изкуството и дори щедър на руски? Роман Абрамович започва да създава своята колекция през 90-те години на миналия век, като в това той е значително повлиян от приятелката си Даша Жукова, която се превърна в модерен собственик на галерия в съвременна Русия. По неофициални данни бизнесменът притежава произведения на Алберто Джакомети и Пабло Пикасо, закупени за суми над 100 милиона долара. През 2008 г. той става собственик на Триптиха. Между другото, през 2011 г. е придобита друга ценна творба на Бейкън - "Три скици за портрет на Лучиан Фройд". Скрити източници казват, че Роман Аркадиевич отново става купувач.

10

"Езерце с водни лилии"

Автор

Клод Моне

Държава Франция
Години живот 1840–1926
стил импресионизъм

Художникът е признат за основоположник на импресионизма, който "патентова" този метод в своите платна. Първата значима работа е картината "Закуска на тревата" (оригиналната версия на работата на Едуард Мане). В младостта си рисува карикатури, а с истинска живопис се захваща по време на пътуванията си по крайбрежието и на открито. В Париж той води бохемски начин на живот и не го напуска дори след като служи в армията.

210х100 см
1919 г
цена
80,5 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Кристи

Освен факта, че Моне беше велик художник, той също се занимаваше ентусиазирано с градинарство, обожаваше дивата природа и цветята. В неговите пейзажи състоянието на природата е моментно, обектите изглеждат замъглени от движението на въздуха. Впечатлението се засилва от големи щрихи, от известно разстояние те стават невидими и се сливат в текстурирано, триизмерно изображение. В живописта на късния Моне специално място заема темата за водата и живота в нея. В град Живерни художникът имаше собствено езерце, където отглеждаше водни лилии от семена, специално донесени от него от Япония. Когато цветята им разцъфтяха, той започна да рисува. Серията „Водни лилии“ се състои от 60 творби, които художникът рисува в продължение на почти 30 години, до смъртта си. Зрението му се влоши с възрастта, но не спря. В зависимост от вятъра, сезона и времето, изгледът на езерото постоянно се променяше и Моне искаше да улови тези промени. Чрез внимателна работа до него дойде разбирането за същността на природата. Някои от картините от поредицата се съхраняват във водещи галерии в света: Национален музей на западното изкуство (Токио), Оранжерия (Париж). Версията на следващото "Езерце с водни лилии" отиде в ръцете на неизвестен купувач за рекордна сума.

11

Фалшива звезда T

Автор

Джаспър Джонс

Държава САЩ
Година на раждане 1930
стил поп изкуство

През 1949 г. Джоунс влиза в училището по дизайн в Ню Йорк. Заедно с Джаксън Полок, Вилем де Кунинг и други, той е признат за един от основните художници на 20 век. През 2012 г. той получи Президентския медал на свободата, най-високото гражданско отличие в Съединените щати.

137,2х170,8 см
1959 г
цена
80 милиона долара
продаден през 2006 година
на частен търг

Подобно на Марсел Дюшан, Джоунс работи с реални обекти, изобразявайки ги върху платно и в скулптура в пълно съответствие с оригинала. За творбите си той използва прости и разбираеми предмети за всеки: бутилка бира, знаме или карти. В картината на Фалстарт няма ясна композиция. Художникът сякаш си играе със зрителя, често „неправилно“ подписвайки цветовете в картината, обръщайки самата концепция за цвят с главата надолу: „Исках да намеря начин да изобразя цвета така, че да може да бъде определен от някой друг метод." Неговата най-експлозивна и "несигурна", според критиците, картина е придобита от неизвестен купувач.

12

„Седналголна дивана"

Автор

Амедео Модилиани

Държава Италия, Франция
Години живот 1884–1920
стил експресионизъм

Модилиани често боледуваше от детството си, по време на трескав делириум той разпозна съдбата си на художник. Учи рисуване в Ливорно, Флоренция, Венеция, а през 1906 г. заминава за Париж, където изкуството му процъфтява.

65х100 см
1917 г
цена
68,962 милиона долара
продаден през 2010 година
на търга Сотбис

През 1917 г. Модилиани се запознава с 19-годишната Жана Ебютерн, която става негов модел, а по-късно и съпруга. През 2004 г. един от нейните портрети беше продаден за 31,3 милиона долара, последният рекорд преди продажбата на „Седнало голо на диван“ през 2010 г. Картината е закупена от неизвестен купувач на максималната цена за Модилиани в момента. Активните продажби на произведения започват едва след смъртта на художника. Той умира в бедност, болен от туберкулоза, а на следващия ден Жана Ебютерн, която е бременна в деветия месец, също се самоубива.

13

"Орел на бор"

Автор

Ци Байши

Държава Китай
Години живот 1864–1957
стил гуохуа

Интересът към калиграфията накара Qi Baishi да рисува. На 28-годишна възраст става ученик на художника Ху Цинюан. Министерството на културата на Китай му присъжда титлата "Велик художник на китайския народ", през 1956 г. получава Международната награда за мир.

10х26 см
1946 г
цена
65,4 милиона долара
продаден през 2011
на търга China Guardian

Ци Байши се интересуваше от тези прояви на околния свят, на които мнозина не придават значение, и това е неговото величие. Човек без образование стана професор и изключителен творец в историята. Пабло Пикасо каза за него: „Страх ме е да отида във вашата страна, защото в Китай има Ци Байши“. Композицията "Орел на бор" е призната за най-мащабното произведение на художника. В допълнение към платното, той включва два йероглифни свитъка. За Китай сумата, за която е купен продуктът, е рекордна - 425,5 милиона юана. Само свитъкът на древния калиграф Хуанг Тинцзян беше продаден за 436,8 милиона долара.

14

"1949-A-#1"

Автор

Клифърд Стил

Държава САЩ
Години живот 1904–1980
стил абстрактен експресионизъм

На 20-годишна възраст той посещава Музея на изкуствата Метрополитън в Ню Йорк и остава разочарован. По-късно той се записа за курс на студентска лига по изкуства, но напусна 45 минути след началото на класа - оказа се, че „не е негов“. Първата лична изложба предизвика резонанс, художникът намери себе си, а с него и признание

79х93 см
1949 г
цена
61,7 милиона долара
продаден през 2011
на търга Сотбис

Всички негови творби, които са повече от 800 платна и 1600 произведения на хартия, все още са завещани на американския град, където ще бъде открит музей на неговото име. Денвър стана такъв град, но само строителството беше скъпо за властите и четири произведения бяха пуснати на търг, за да го завършат. Произведенията на Стил едва ли някога ще бъдат предлагани на търг, което вдигна цената им предварително. Картината "1949-A-No.1" беше продадена за рекордна за художника сума, въпреки че експерти прогнозираха продажбата на максимум 25-35 милиона долара.

15

"Супрематична композиция"

Автор

Казимир Малевич

Държава Русия
Години живот 1878–1935
стил Супрематизъм

Малевич учи живопис в Киевското художествено училище, след това в Московската художествена академия. През 1913 г. той започва да рисува абстрактни геометрични картини в стил, който нарича супрематизъм (от латински „господство“).

71 х 88,5 см
1916 г
цена
60 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

Картината се съхранява в градския музей на Амстердам около 50 години, но след 17-годишен спор с роднините на Малевич музеят я предава. Художникът рисува тази творба през същата година като Манифеста на супрематизма, така че Sotheby`s още преди търга обяви, че тя няма да отиде в частна колекция за по-малко от 60 милиона долара. Така и стана. По-добре е да го погледнете отгоре: фигурите на платното приличат на въздушен изглед на земята. Между другото, няколко години по-рано същите роднини експроприираха друга „супрематична композиция“ от музея MoMA, за да я продадат на Phillips за 17 милиона долара.

16

"Къпещи се"

Автор

Пол Гоген

Държава Франция
Години живот 1848–1903
стил постимпресионизъм

До седемгодишна възраст художникът живее в Перу, след което се завръща във Франция със семейството си, но спомените от детството постоянно го тласкат да пътува. Във Франция започва да рисува, приятелства с Ван Гог. Той дори прекара няколко месеца с него в Арл, докато Ван Гог не му отряза ухото по време на кавга.

93,4х60,4 см
1902 г
цена
55 милиона долара
продаден през 2005г
на търга Сотбис

През 1891 г. Гоген организира продажба на своите картини, за да използва приходите, за да отиде дълбоко в остров Таити. Там създава творби, в които се усеща тънката връзка между природата и човека. Гоген живееше в сламена колиба, а върху платната му цъфтеше тропически рай. Съпругата му беше 13-годишна таитянка Техура, което не попречи на художника да се занимава с промискуитет. След като се разболява от сифилис, той заминава за Франция. Там обаче на Гоген му беше тясно и той се върна в Таити. Този период се нарича "втори таитянски" - тогава е нарисувана картината "Къпещите се", една от най-луксозните в неговото творчество.

17

"Нарциси и покривка в синьо и розово"

Автор

Анри Матис

Държава Франция
Години живот 1869–1954
стил фовизъм

През 1889 г. Анри Матис получава пристъп на апендицит. Когато се възстанови от операцията, майка му му купи бои. Първо, от скука, Матис копира цветни пощенски картички, след това - произведения на велики художници, които вижда в Лувъра, а в началото на 20 век той измисля стил - фовизъм.

65,2х81 см
1911 г
цена
46,4 милиона долара
продаден през 2009г
на търга Кристи

Картината "Нарциси и покривка в синьо и розово" е принадлежала дълго време на Ив Сен Лоран. След смъртта на кутюрието цялата му колекция от произведения на изкуството преминава в ръцете на неговия приятел и любовник Пиер Бергер, който решава да я предложи на търг в Christie's. Перлата на продадената колекция беше картината "Нарциси и покривка в синьо и розово", рисувана върху обикновена покривка, вместо върху платно. Като пример за фовизъм, той е изпълнен с енергията на цвета, цветовете сякаш експлодират и крещят. От добре познатата поредица от картини на покривки, днес тази работа е единствената, която е в частна колекция.

18

"Спящо момиче"

Автор

РойЛий

Хтенщайн

Държава САЩ
Години живот 1923–1997
стил поп изкуство

Художникът е роден в Ню Йорк и след като завършва училище, заминава за Охайо, където посещава курсове по изкуство. През 1949 г. Лихтенщайн получава магистърска степен по изящни изкуства. Интересът към комиксите и способността да бъде ироничен го превърнаха в култов художник от миналия век.

91х91 см
1964 г
цена
44,882 милиона долара
продаден през 2012 г
на търга Сотбис

Веднъж в ръцете на Лихтенщайн попаднала дъвка. Той преначертава картината от вложката върху платното и става известен. Този сюжет от неговата биография съдържа цялото послание на поп изкуството: потреблението е новият бог, а в опаковката на дъвка има не по-малко красота, отколкото в Мона Лиза. Неговите картини напомнят комикси и анимационни филми: Лихтенщайн просто увеличава готовото изображение, рисува растери, използва ситопечат и копринен печат. Картината "Спящото момиче" е принадлежала на колекционерите Беатрис и Филип Герш почти 50 години, чиито наследници я продадоха на търг.

19

„Победа. Буги Вуги"

Автор

Пит Мондриан

Държава Холандия
Години живот 1872–1944
стил неопластизъм

Истинското си име - Корнелис - художникът променя на Мондриан, когато се премества в Париж през 1912 г. Заедно с художника Тео ван Дусбург основава неопластичното движение. Програмният език Piet е кръстен на Мондриан.

27х127 см
1944 г
цена
40 милиона долара
продаден през 1998г
на търга Сотбис

Най-„музикалният“ от художниците на 20-ти век се препитава с акварелни натюрморти, въпреки че се прочу като художник-неопластик. Той се премества в САЩ през 40-те години и прекарва остатъка от живота си там. Джаз и Ню Йорк – това го вдъхновява най-много! Картина „Победа. Boogie Woogie е най-добрият пример за това. "Брандирани" спретнати квадрати се получават чрез използването на тиксо - любимият материал на Мондриан. В Америка той беше наречен "най-известният имигрант". През шейсетте години Ив Сен Лоран произвежда световноизвестните рокли "Мондриан" с едро цветно каре.

20

"Композиция № 5"

Автор

босилекКандински

Държава Русия
Години живот 1866–1944
стил авангард

Художникът е роден в Москва, а баща му е от Сибир. След революцията той се опитва да сътрудничи на съветските власти, но скоро осъзнава, че законите на пролетариата не са създадени за него, и не без затруднения емигрира в Германия.

275х190 см
1911 г
цена
40 милиона долара
продаден през 2007г
на търга Сотбис

Кандински е един от първите, които напълно изоставят предметната живопис, за което получава титлата гений. По време на нацизма в Германия картините му са класифицирани като „изродено изкуство“ и не са излагани никъде. През 1939 г. Кандински приема френско гражданство, в Париж той свободно участва в художествения процес. Картините му „звучат“ като фуги, поради което много от тях се наричат ​​„композиции“ (първата е написана през 1910 г., последната през 1939 г.). „Композиция № 5“ е една от ключовите творби в този жанр: „Думата „композиция“ ми прозвуча като молитва“, каза художникът. За разлика от много последователи, той планира какво ще изобрази на огромно платно, сякаш пише бележки.

21

„Изследване на жена в синьо“

Автор

Фернан Леже

Държава Франция
Години живот 1881–1955
стил кубизъм-постимпресионизъм

Леже получава архитектурно образование, а след това е студент в Училището за изящни изкуства в Париж. Художникът се смята за последовател на Сезан, апологет на кубизма, а през 20 век има успех и като скулптор.

96,5х129,5 см
1912–1913 г
цена
39,2 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

Дейвид Норман, президент на Sotheby's International Impressionism and Modernism, смята, че огромната сума, платена за „Дамата в синьо“, е напълно оправдана. Картината принадлежи към известната колекция Леже (художникът е нарисувал три картини на един сюжет, последната от тях днес е в частни ръце. - Ред.), а повърхността на платното е запазена в оригиналния си вид. Самият автор даде тази работа на галерия Der Sturm, след това тя попадна в колекцията на Херман Ланг, немски колекционер на модернизма, и сега принадлежи на неизвестен купувач.

22

„Улична сцена. Берлин"

Автор

Ернст ЛудвигКирхнер

Държава Германия
Години живот 1880–1938
стил експресионизъм

За немския експресионизъм Кирхнер става забележителна личност. Местните власти обаче го обвиниха в привърженост към "изроденото изкуство", което трагично се отрази на съдбата на неговите картини и живота на художника, който се самоуби през 1938 г.

95х121 см
1913 г
цена
38,096 милиона долара
продаден през 2006 година
на търга Кристи

След като се премества в Берлин, Кирхнер създава 11 скици на улични сцени. Той беше вдъхновен от суматохата и нервността на големия град. В картината, продадена през 2006 г. в Ню Йорк, тревожността на художника е особено остра: хората на берлинска улица приличат на птици - грациозни и опасни. Тя беше последната творба от известната поредица, продадена на търг, останалите се съхраняват в музеи. През 1937 г. нацистите се отнасят брутално към Кирхнер: 639 негови творби са иззети от германски галерии, унищожени или продадени в чужбина. Художникът не можеше да преживее това.

23

„Почивамтанцьор"

Автор

Едгар Дега

Държава Франция
Години живот 1834–1917
стил импресионизъм

Историята на Дега като художник започва с факта, че той работи като копист в Лувъра. Мечтаеше да стане „известен и непознат“ и в крайна сметка успя. В края на живота си, глух и сляп, 80-годишният Дега продължава да посещава изложби и аукциони.

64х59 см
1879 г
цена
37,043 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

„Балерините винаги са били за мен само извинение да изобразявам тъкани и да улавям движение“, каза Дега. Сцените от живота на танцьорите изглеждат надникнати: момичетата не позират на художника, а просто стават част от атмосферата, уловена от погледа на Дега. Почиващата танцьорка е продадена за 28 милиона долара през 1999 г., а по-малко от 10 години по-късно е купена за 37 милиона долара - днес това е най-скъпата творба на художника, предлагана някога на търг. Дега обърна много внимание на рамките, сам ги проектира и забрани да ги променя. Чудя се каква рамка е монтирана на продадената картина?

24

"живопис"

Автор

Хуан Миро

Държава Испания
Години живот 1893–1983
стил абстрактно изкуство

По време на гражданската война в Испания художникът е на страната на републиканците. През 1937 г. той бяга от фашистката власт в Париж, където живее в бедност със семейството си. През този период Миро рисува картината "Помощ за Испания!", Привличайки вниманието на целия свят към господството на фашизма.

89х115 см
1927 г
цена
36,824 милиона долара
продаден през 2012 г
на търга Сотбис

Второто име на картината е "Синя звезда". Художникът го пише през същата година, когато обявява: „Искам да убия рисуването“ и безмилостно се подиграва с платната, драскайки боята с нокти, залепвайки пера върху платното, покривайки творбата с боклук. Неговата цел беше да развенчае митовете за мистерията на живописта, но след като се справи с това, Миро създаде свой собствен мит - сюрреалистична абстракция. Неговата „Живопис” се отнася към цикъла „картини-сънища”. Четирима купувачи се бориха за нея на търга, но едно инкогнито телефонно обаждане реши спора и "Картина" стана най-скъпата картина на художника.

25

"Синя роза"

Автор

Ив Клайн

Държава Франция
Години живот 1928–1962
стил монохромно рисуване

Художникът е роден в семейство на художници, но изучава ориенталски езици, навигация, занаят на позлатител на рамки, дзен будизъм и много други. Неговата личност и нахални лудории бяха в пъти по-интересни от монохромните картини.

153x199x16 см
1960 г
цена
36,779 милиона долара
продаден през 2012г
на търг на Christie's

Първата изложба на плътни жълти, оранжеви, розови творби не предизвика обществен интерес. Клайн се обиди и следващия път представи 11 еднакви платна, рисувани с ултрамарин, смесен със специална синтетична смола. Той дори патентова този метод. Цветът влезе в историята като "International Klein Blue". Художникът също така продава празнотата, създава картини, като излага хартията на дъжд, подпалва картон, прави отпечатъци на човешко тяло върху платно. С една дума, експериментирах, доколкото можах. За да създам "Синята роза" използвах сухи пигменти, смоли, камъчета и естествена гъба.

26

„В търсене на Мойсей“

Автор

Сър Лорънс Алма-Тадема

Държава Великобритания
Години живот 1836–1912
стил неокласицизъм

Самият сър Лоурънс добавя префикса "алма" към фамилията си, за да се появи първи в арт каталозите. Във Викторианска Англия неговите картини бяха толкова търсени, че художникът беше удостоен с рицарско звание.

213,4х136,7 см
1902 г
цена
35,922 милиона долара
продаден през 2011
на търга Сотбис

Основната тема на творчеството на Алма-Тадема е античността. В картините той се опитва да изобрази епохата на Римската империя в най-малкия детайл, за това дори се занимава с археологически разкопки на Апенинския полуостров, а в къщата си в Лондон възпроизвежда историческия интериор от онези години. Друг източник на вдъхновение за него стават митологичните истории. Художникът беше много търсен приживе, но след смъртта му бързо беше забравен. Сега интересът се съживява, както се вижда от цената на картината "В търсене на Моисей", седем пъти по-висока от оценката преди продажбата.

27

"Портрет на спящ гол чиновник"

Автор

Лучиан Фройд

Държава Германия,
Великобритания
Години живот 1922–2011
стил фигуративна живопис

Художникът е внук на Зигмунд Фройд, бащата на психоанализата. След установяването на фашизма в Германия семейството му емигрира във Великобритания. Творбите на Фройд са в колекцията Уолъс в Лондон, където никой съвременен художник не е излагал досега.

219,1х151,4 см
1995 г
цена
33,6 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Кристи

Докато модните художници на 20-ти век създаваха положителни „цветни петна по стената“ и ги продаваха за милиони, Фройд рисува изключително натуралистични картини и ги продаваше за още повече. „Улавям виковете на душата и страданието на изсъхващата плът“, каза той. Критиците смятат, че всичко това е "наследството" на Зигмунд Фройд. Картините бяха толкова активно изложени и успешно продадени, че експертите имаха съмнение: имат ли хипнотични свойства? Продаденият на търг "Портрет на спящ гол чиновник", според Sun, е бил придобит от ценител на красотата и милиардер Роман Абрамович.

28

"Цигулка и китара"

Автор

хедно гри

Държава Испания
Години живот 1887–1927
стил кубизъм

Роден в Мадрид, където завършва училище за изкуства и занаяти. През 1906 г. се премества в Париж и влиза в кръга на най-влиятелните художници на епохата: Пикасо, Модилиани, Брак, Матис, Леже, работи и със Сергей Дягилев и неговата трупа.

5х100 см
1913 г
цена
28,642 милиона долара
продаден през 2010 година
на търга Кристи

Грис, по собствените му думи, се е занимавал с "равнинна, цветна архитектура". Неговите картини са прецизно обмислени: той не е оставил нито един случаен щрих, което прави творчеството свързано с геометрията. Художникът създава своя собствена версия на кубизма, въпреки че изпитва голямо уважение към Пабло Пикасо, основателят на движението. Наследникът дори му посвети първата си кубистична творба, Tribute to Picasso. Картината "Цигулка и китара" е призната за изключителна в творчеството на художника. Приживе Грис беше известен, предпочитан от критици и изкуствоведи. Негови творби са изложени в най-големите световни музеи и се съхраняват в частни колекции.

29

"ПортретПолетата на Елюар»

Автор

Салвадор Дали

Държава Испания
Години живот 1904–1989
стил сюрреализъм

„Сюрреализмът съм аз“, каза Дали, когато беше изключен от групата на сюрреалистите. С течение на времето той става най-известният художник сюрреалист. Творбите на Дали са навсякъде, не само в галериите. Например, той измисли опаковката за Chupa-Chups.

25х33 см
1929 г
цена
20,6 милиона долара
продаден през 2011
на търга Сотбис

През 1929 г. поетът Пол Елюар и неговата руска съпруга Гала идват на гости на големия провокатор и кавгаджия Дали. Срещата е началото на една любовна история, продължила повече от половин век. Картината "Портрет на Пол Елюар" е нарисувана точно по време на това историческо посещение. „Почувствах, че ми е поверено задължението да уловя лицето на поета, от чийто Олимп откраднах една от музите“, каза художникът. Преди да срещне Гала, той беше девствен и се отвращаваше от мисълта, че ще прави секс с жена. Любовният триъгълник съществува до смъртта на Елюар, след което се превръща в дует Дали-Гала.

30

"Годишнина"

Автор

Марк Шагал

Държава Русия, Франция
Години живот 1887–1985
стил авангард

Мойше Сегал е роден във Витебск, но през 1910 г. емигрира в Париж, сменя името си и се сближава с водещите авангардни художници на епохата. През 30-те години на миналия век, когато нацистите завземат властта, той заминава за Съединените щати с помощта на американски консул. Завръща се във Франция едва през 1948 г.

80х103 см
1923 г
цена
14,85 милиона долара
продаден през 1990г
на търг на Sotheby's

Картината "Юбилей" е призната за една от най-добрите творби на художника. Има всички характеристики на неговото творчество: физическите закони на света са заличени, усещането за приказка е запазено в пейзажа на дребнобуржоазния живот, а любовта е в центъра на сюжета. Шагал не рисува хора от природата, а само по памет или фантазия. Картината "Юбилей" изобразява самия художник със съпругата си Бела. Картината е продадена през 1990 г. и оттогава не е наддавана. Интересното е, че Нюйоркският музей за модерно изкуство MoMA пази точно същото, само че под името „Рожден ден“. Между другото, тя е написана по-рано - през 1915 г.

изготвен проект
Татяна Паласова
съставен рейтинг
според списъка www.art-spb.ru
tmn списание №13 (май-юни 2013 г.)

) в своите експресивни широки творби успя да запази прозрачността на мъглата, лекотата на платното, гладкото люлеене на кораба върху вълните.

Нейните картини удивляват със своята дълбочина, обем, наситеност, а текстурата е такава, че е невъзможно да откъснете очи от тях.

Топла простота Валентина Губарева

Примитивен художник от Минск Валентин Губаревне гони слава и просто прави това, което обича. Творчеството му е безумно популярно в чужбина, но почти непознато за неговите сънародници. В средата на 90-те французите се влюбиха в ежедневните му скици и подписаха договор с художника за 16 години. Картините, които, изглежда, трябва да бъдат разбираеми само за нас, носителите на „скромния чар на неразвития социализъм“, бяха харесани от европейската публика и започнаха изложби в Швейцария, Германия, Великобритания и други страни.

Чувствен реализъм от Сергей Маршенников

Сергей Маршенников е на 41 години. Живее в Санкт Петербург и твори в най-добрите традиции на класическата руска школа за реалистичен портрет. Героините на неговите картини са нежни и беззащитни в своите полуголи жени. Много от най-известните картини изобразяват музата и съпругата на художника Наталия.

Късогледият свят на Филип Барлоу

В съвременната ера на изображения с висока разделителна способност и възхода на хиперреализма, работата на Филип Барлоу веднага привлича вниманието. От зрителя обаче се изисква известно усилие, за да се принуди да гледа размазани силуети и ярки петна върху платната на автора. Вероятно така хората, страдащи от късогледство, виждат света без очила и контактни лещи.

Слънчеви зайчета от Laurent Parcelier

Картините на Лоран Парселие са удивителен свят, в който няма нито тъга, нито униние. В него няма да намерите мрачни и дъждовни картини. В платната му има много светлина, въздух и ярки цветове, които художникът нанася с характерни разпознаваеми щрихи. Това създава усещането, че картините са изтъкани от хиляди слънчеви лъчи.

Градската динамика в произведенията на Джеръми Ман

Маслени бои върху дървени панели от американския художник Джереми Ман рисува динамични портрети на модерен метрополис. „Абстрактни форми, линии, контраст на светли и тъмни петна – всичко създава картина, която предизвиква усещането, което човек изпитва в тълпата и суматохата на града, но също така може да изрази спокойствието, което идва от съзерцаването на тиха красота“, казват от художник.

Илюзорният свят на Нийл Саймън

В картините на британския художник Нийл Симон (Neil Simone) всичко не е такова, каквото изглежда на пръв поглед. „За мен светът около мен е поредица от крехки и постоянно променящи се форми, сенки и граници“, казва Саймън. А в картините му наистина всичко е илюзорно и взаимосвързано. Границите се измиват и историите преливат една в друга.

Любовната драма на Жозеф Лорасо

Роденият в Италия съвременен американски художник Джоузеф Лорусо пренася върху платно сцени, които е виждал в ежедневието на обикновените хора. Прегръдки и целувки, страстни пориви, моменти на нежност и желание изпълват емоционалните му картини.

Селският живот на Дмитрий Левин

Дмитрий Левин е признат майстор на руския пейзаж, утвърдил се като талантлив представител на руската реалистична школа. Най-важният източник на неговото изкуство е привързаността му към природата, която той обича нежно и страстно и се чувства част от нея.

Светъл изток Валери Блохин

Изкуството на съвременната живопис е произведения, създадени в настоящето или в близкото минало. Ще минат определен брой години и тези картини ще станат част от историята. Картините, създадени в периода от 60-те години на миналия век до наши дни, отразяват няколко области на съвременното изкуство, които могат да бъдат класифицирани като постмодернизъм. Във времето на сецесиона работата на художниците е по-широко представена, а през 70-те години на ХХ век се наблюдава промяна в социалната ориентация на живописното изкуство.

Действително изкуство

Художниците на съвременната живопис представляват преди всичко нови тенденции в изобразителното изкуство. В културната терминология съществува понятието „съвременно изкуство“, което е донякъде свързано с понятието „съвременна живопис“. Под съвременно изкуство художниците най-често разбират иновациите, когато художникът се обръща към ултрамодерни теми, независимо от тяхната ориентация. Картината може да бъде нарисувана и изобразява всяко индустриално предприятие. Или на платното има пейзажен пейзаж с житно поле, ливада, гора, но в същото време в далечината със сигурност ще бъде нарисуван комбайн. Стилът на съвременната живопис предполага социална ориентация на картината. В същото време пейзажите на съвременни художници без социални нюанси се оценяват много по-високо.

Избор на посока

От края на 90-те години съвременните художници изоставят производствените теми и пренасят работата си в мейнстрийма на чистото изобразително изкуство. Има майстори на изящен портрет, пейзажни сцени, натюрморти в стила на фламандската рисунка. И постепенно в съвременната живопис започва да се появява истинско изкуство, което по нищо не отстъпва на картините, създадени от изключителни художници от 18-ти и 19-ти век, а в някои отношения дори ги превъзхожда. Днешните майстори на четката са подпомогнати от развита техническа база, изобилие от нови инструменти, които им позволяват да отразяват напълно своите планове върху платното. Така художниците на съвременната живопис могат да творят според възможностите си. Разбира се, качеството на боите или четките е важно в процеса на рисуване, но все пак най-важното е талантът.

абстрактен експресионизъм

Съвременните художници се придържат към методи на рисуване, които позволяват използването на негеометрични щрихи, нанесени в голям брой върху голямо платно. Използват се големи четки, понякога четки за рисуване. Такава живопис трудно може да се нарече изкуство в класическия смисъл на думата, но абстракцията е продължение на сюрреализма, който се появява през 1920 г. благодарение на идеите на Андре Бретон и веднага намира много последователи като Салватор Дали, Ханс Хофман, Адолф Готлиб. В същото време съвременните художници разбират експресионизма по свой начин. Днес този жанр се различава от своя предшественик по размерите на картините, които могат да достигнат три метра дължина.

Поп изкуство

Противовесът на абстракционизма беше концептуалният нов авангард, който насърчава естетическите ценности. Съвременните художници започнаха да включват изображения на известни личности като Мао Цзедун или Мерилин Монро в своите картини. Това изкуство се нарича "поп арт" - популярно, общопризнато направление в живописта. Масовата култура замени абстракционизма и породи специален вид естетика, която по колоритен, зрелищен начин представи на публиката това, което беше на устните на всички, някои скорошни събития или образи на известни хора в различни житейски ситуации.

Основатели и последователи на поп изкуството са Анди Уорхол, Том Веселман, Питър Блейк, Рой Лихтенщайн.

Фотореализъм

Модерното изкуство е многостранно, често в него се появява нова посока, съчетаваща два или повече вида изобразително изкуство. Фотореализмът стана такава форма на себеизразяване на художника. Тази посока в живописта се появява в САЩ през 1968 г. Изобретен е от авангардния художник Луис Мейзел и жанрът е представен две години по-късно в музея на Уитни по време на изложбата „Двадесет и двама реалисти“.

Рисуването в стила на фотореализма е свързано с фотографията, движението на обекта изглежда замръзнало във времето. Художникът фотореалист събира своя образ, който ще бъде уловен в картината, с помощта на снимки. От негатив или диапозитив изображението се прехвърля върху платното чрез проекция или с помощта на мащабна мрежа. След това се създава цялостна картина с помощта на технологии за боядисване.

Разцветът на фотореализма дойде в средата на 70-те години, след това имаше спад в популярността, а в началото на 90-те жанрът се възроди отново. Почитаемите художници са работили предимно в САЩ, сред тях има много скулптори, които също са създали своите творби с помощта на проекция на изображения. Най-известните майстори на живописта, основана на фотореализма, са Ричард Естес, Чарлз Белет, Томас Блекуел, Робърт Демекис, Доналд Еди, Дуейн Хансън.

Художници фотореалисти от по-младото поколение - Рафаела Спенс, Роберто Бернарди, Киара Албертони, Тони Брунели, Оливие Романо, Бертран Мениел, Клайв Хед.

Модерни художници на Русия

• Сергей Федулов (роден през 1958 г.), роден в Невинномисск, Ставрополски край. Участва в няколко изложби в Латинска Америка и Европа. Картините му се отличават с реализъм и контрастни цветови комбинации.
• Михаил Голубев (р. 1981 г.), завършва художествения клас на Омското училище по живопис. В момента живее в Санкт Петербург. Той се отличава с необичаен начин на творчество, всички негови творби са рефлексия с дълбоки философски нюанси.
• Дмитрий Аненков (р. 1965 г.) в Москва. Завършва Строгановския художествен институт. Популярен в чужбина, но предпочита руски изложби. Изкуството на Аненков е реалистично, художникът е признат майстор на натюрморта.

Руски импресионисти

• Алексей Чернигин, руски художник импресионист (роден през 1975 г.), е син на известния художник Александър Чернигин. Учи живопис и графичен дизайн в художественото училище в Нижни Новгород. Завършва Архитектурния институт в Нижни Новгород със специалност „Дизайн в промишлеността“. Член на Съюза на художниците на Русия от 1998 г. От 2001 г. е преподавател в НГАСУ към катедра Интериорен дизайн.
• Константин Лупанов, краснодарски художник (р. 1977 г.). Завършил Индустриалната академия към Държавния университет за култура и изкуства със специалност монументална живопис. Участник в много художествени изложби в и Санкт Петербург. Отличава се с рядък стил на маслена живопис с въртеливи щрихи. Картините на Лупанов са напълно лишени от контрастни комбинации от цветове, изображенията сякаш преливат едно в друго. Самият художник нарича творбите си "весела, безотговорна мазнина", но това изявление съдържа част от кокетството: картините всъщност са написани доста професионално.

Руски художници рисуват в гол стил

• Сергей Маршенников (роден през 1971 г.), един от най-известните съвременни руски художници. Завършва колеж по изкуства в Уфа. Картините му са пример за крещящ реализъм. Творбите създават усещане за художествена фотография, композицията е толкова точна и всеки щрих е изверен. Съпругата на художника Наталия най-често действа като модел и това му помага да създаде чувствена картина.
• Вера Василиевна Донская-Хилко (родена 1964 г.), внучка на известния оперен певец Лаврентий Дмитриевич Донской. Най-яркият представител на съвременната руска живопис. Рисува в стила на обекта голо. В творческата палитра на художника можете да намерите красавици от източния харем и голи селски момичета на брега на реката в нощта на празника Иван Купала, руска баня с горещи жени, които излизат в снега и плуват в дупката. Художникът рисува много и с талант.

Съвременните руски художници и тяхното творчество представляват все по-голям интерес за ценителите на изобразителното изкуство по целия свят.

Модерната живопис като световно изкуство

Днес визуалните изкуства са приели форми, различни от онези, които са били търсени през 18-ти и 19-ти век. Съвременните художници по света се обърнаха към авангарда в по-тясна интерпретация, платната придобиха изтънченост и станаха по-смислени. Обществото днес има нужда от обновено изкуство, нуждата обхваща всички видове творчество, включително и живописта. Картини на съвременни художници, ако са направени на достатъчно високо ниво, се изкупуват, стават обект на пазарлък или размяна. Някои платна са включени в списъците на особено ценни произведения на изкуството. Картините от миналото, рисувани от велики художници, все още са търсени, но съвременните художници набират все по-голяма популярност. Маслени, темперни, акварелни и други бои им помагат в творчеството и успешното осъществяване на плановете им. Художниците, като правило, се придържат към един стил. Може да бъде пейзаж, портрет, бойни сцени или друг жанр. Съответно за работата си художникът избира определен вид боя.

Съвременни художници по света

Най-известните съвременни художници се различават по начина на писане, четката им е разпознаваема, понякога дори не е нужно да гледате подписа в долната част на платното. Известни майстори на съвременната живопис - Филип Пърлщайн, Александър Исачев, Франсис Бейкън, Станислав Плутенко, Питър Блейк, Фройд Люсиен, Майкъл Паркс, Гай Джонсън, Ерик Фишл, Николай Блохин, Василий Шулженко.

Левитан, Шишкин, Айвазовски и много други имена са познати на всеки образован човек у нас и в чужбина. Това е нашата гордост. Днес има много талантливи художници. Просто имената им все още не са толкова широко известни.
Светлата странасъбра 10 съвременни руски художници (сигурни сме, че са много повече), които несъмнено ще запишат името си в класиката на живописта на 21 век. Разберете за тях днес.

Алексей Чернигин

Повечето от маслените картини върху платно на Алексей Чернигин изобразяват красота, романтика и моменти на истински чувства. Алексей Чернигин наследява таланта и страстта си към изкуството от баща си, известния руски художник Александър Чернигин. Всяка година те организират съвместна изложба в родния си Нижни Новгород.

Константин Лупанов

Млад и невероятно талантлив художник от Краснодар нарича картината си "забавна безотговорна мазилка". Константин Лупанов пише това, което обича. Главните герои на неговите картини са приятели, познати, роднини и любимата котка Филип. Колкото по-прост е сюжетът, казва художникът, толкова по-правдива е картината.

Станислав Плутенко

Креативното мото на Станислав Плутенко: „Виж необичайното и направи необичайното“. Московският художник работи в уникална техника на смесване на темпера, акрил, акварел и най-фина глазура AirBrash. Станислав Плутенко е включен в каталога на 1000 сюрреалисти от всички времена и народи.

Николай Блохин

Открийте един съвременен руски художник, който без съмнение векове по-късно ще бъде наравно със световната класика на живописта. Николай Блохин е известен предимно като портретист, но рисува и пейзажи, натюрморти и жанрови картини. Но именно в портрета най-ярко се проявява една от най-важните страни на неговия талант.

Дмитрий Аненков

Гледайки хиперреалистичните натюрморти на този руски художник, ви се иска просто да протегнете ръка и да вземете от платното или да докоснете това, което е нарисувано там. Те са толкова живи и душевни. Художникът Дмитрий Аненков живее в Москва и работи в различни жанрове. И във всичко необичайно талантлив.

Василий Шулженко

Работата на художника Василий Шулженко не оставя никого безразличен. Той е обичан или мразен, възхваляван за разбиране на руската душа и обвиняван в омраза към нея. В картините му - сурова Русия, без съкращения и гротескни сравнения, алкохол, разврат и застой.

Аруш Вотсмуш

Под псевдонима Аруш Вотсмуш се крие талантлив художник от Севастопол Александър Шумцов. „Има такава дума - „конфликт“: когато видите нещо невероятно, което кара вътрешните ви колела да се завъртят в правилната посока. Добър конфликт, „с настръхване“ е интересен. А настръхването може да е от всичко: от студена вода, от празник, от факта, че изведнъж сте почувствали нещо като в детството - когато сте били изненадани за първи път и е започнало да играе във вас ... Не се опитвам да да докажа нещо на някого с работата си. На първо място, радвам се. Това е чист наркотик на творчеството. Или чист живот – без допинг. Това е просто чудо“.

Александър Виноградов и Владимир Дубосарски

Виноградов и Дубосарски са основните хулигани и негодници на съвременната руска живопис. Творческият дует се формира в средата на 90-те години на ХХ век. И днес той придоби световна слава. Неслучайно писателят Виктор Пелевин оформя един от романите си с илюстрации от завършените произведения на Дубосарски и Виноградов.

Михаил Голубев

Младият руски художник Михаил Голубев живее и работи в Санкт Петербург. Неговите творби са мисловни картини, фантастични картини и философски размисли. Много интересен художник със собствен, но много познат на мнозина поглед върху този свят.

Сергей Маршенников