Pinturas de Rembrandt. Rembrandt: todo lo que necesita saber sobre el legado artístico del famoso artista holandés Rembrandt

Rembrandt Harmenszoon van Rijn nació en la ciudad holandesa de Leiden en 1606 el 15 de julio. El padre de Rembrandt era un rico molinero, su madre horneaba bien, era hija de un panadero. El apellido "van Rijn" significa literalmente "del Rin", es decir, del río Rin, donde los bisabuelos de Rembrandt tenían molinos. De los 10 hijos de la familia, Rembrandt era el más joven. Otros niños siguieron los pasos de sus padres, y Rembrandt eligió un camino diferente, uno artístico, y se educó en una escuela latina.

A la edad de 13 años, Rembrandt comenzó a aprender a dibujar y también ingresó a la universidad de la ciudad. La edad entonces no molestaba a nadie, lo principal en ese momento era el conocimiento en el nivel. Muchos estudiosos sugieren que Rembrandt fue a la universidad no para estudiar, sino para obtener un aplazamiento del ejército.

El primer maestro de Rembrandt fue Jacob van Swanenbürch.. en su taller futuro artista pasó unos tres años, luego se mudó a Amsterdam para estudiar con Peter Lastman. De 1625 a 1626 Rembrandt regresó a su ciudad natal y conoció a artistas y algunos de los estudiantes de Lastman.

Sin embargo, después de mucha deliberación, Rembrandt decidió que la carrera de un artista debía hacerse en la capital de Holanda, y nuevamente se mudó a Ámsterdam.

En 1634 Rembrandt se casó con Saskia. En el momento de su matrimonio, todos tenían una buena fortuna (Rembrandt tenía pinturas y los padres de Saskia dejaron un legado impresionante). Así que no fue un matrimonio arreglado. Realmente se amaban apasionadamente.

En 1635 - 1640s. esposa dio a Rembrandt tres hijos, pero todos murieron como recién nacidos. En 1641, Saskia dio a luz a un hijo, que se llamó Titus. El niño sobrevivió, pero, desafortunadamente, la madre misma murió a la edad de 29 años.

Después de la muerte de su esposa, Rembrandt no era él mismo, no sabía qué hacer, y encontró consuelo en el dibujo. Fue en el año en que murió su esposa que completó la pintura "La ronda de noche". Con Titus, el joven padre no pudo hacer frente y, por lo tanto, contrató a una niñera para el niño, Gertje Dirks, quien se convirtió en su amante. Han pasado unos 2 años y la niñera de la casa ha cambiado. Ella se convirtió en una niña hendrikje stoffels. ¿Qué pasó con Gertier Dirks? Ella demandó a Rembrandt, creyendo que violó el contrato de matrimonio, pero perdió la discusión y fue enviada a un correccional, donde pasó 5 años. Liberada, murió un año después.

La nueva niñera Hendrikje Stoffels le dio dos hijos a Rembrandt. Su primer hijo, un niño, murió en la infancia, y su hija Karnelia, la única que sobrevivió a su padre.

Pocas personas saben que Rembrandt tenía una colección muy peculiar, que incluía pinturas de artistas italianos, dibujos diferentes, grabados, bustos varios e incluso armas.

Ocaso de la vida de Rembrandt

Las cosas iban mal para Rembrandt. No había suficiente dinero, el número de pedidos disminuyó. Por lo tanto, el artista vendió parte de su colección, pero esto tampoco lo salvó. Estuvo a punto de ir a prisión, pero la corte estuvo a su favor, por lo que se le permitió vender todas sus propiedades y pagar sus deudas. Incluso vivió durante algún tiempo en una casa que ya no le pertenecía.

Mientras tanto, Titus y su madre organizaron una empresa que comerciaba con objetos de arte para ayudar de alguna manera a Rembrandt. En verdad, hasta el final de su vida, el artista nunca pagó muchos, pero esto no arruinó la reputación de Rembrandt, siguió siendo una persona digna a los ojos de la gente.

La muerte de Rembrandt fue muy triste. En 1663, murió la amada del artista, Hendrikje. Algún tiempo después, Rembrandt enterró a su hijo Titus y a su novia. En 1669, el 4 de octubre, él mismo dejó este mundo, pero dejó una huella para siempre en el corazón de las personas que lo amaban.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) fue un pintor, dibujante y grabador holandés. La creatividad está imbuida del deseo de una comprensión profunda y filosófica de la realidad y del mundo interior de una persona con toda la riqueza de sus experiencias espirituales.

Realista y humanista en su esencia, marcó el pináculo del desarrollo de los holandeses. arte XVII siglo, encarnando en un individuo brillante y perfecto forma de arte alto ideales morales fe en la belleza y la dignidad de la gente corriente.

Rembrandt. Dibujo "Chozas bajo un cielo que presagia tormenta" (1635)

patrimonio artístico Rembrandt se distingue por su excepcional diversidad: retratos, bodegones, paisajes, escenas de género, pinturas sobre temas bíblicos, mitológicos e históricos. Rembrandt fue maestro consumado dibujo y.

Rembrandt. Aguafuerte "El Molino" (1641)

Futuro gran artista nació en una familia de molineros. Tras un breve estudio en la Universidad de Leiden en 1620, se dedicó al arte. Estudió pintura con J. van Swanenbürch en Leiden (de 1620 a 1623) y con P. Lastman en Amsterdam en 1623. Entre 1625 y 1631 trabajó en Leiden. Un ejemplo de la influencia de Lastman en la obra del artista es la pintura " Alegoría de la música", pintado por Rembrandt en 1626.

Rembrandt "Alegoría de la música"

En fotos " Apóstol Pablo"(1629 - 1630 años) y" Simeón en el templo"(1631) Rembrandt fue el primero en utilizar el claroscuro como un medio para realzar la espiritualidad y la expresividad emocional de las imágenes.

Rembrandt "El Apóstol Pablo"

En los mismos años, Rembrandt trabajó mucho en el retrato, estudiando las expresiones faciales. cara humana. La búsqueda creativa del artista durante este período se expresa en una serie de autorretratos y retratos de familiares del artista. Así se retrataba Rembrandt a los 23 años.

Rembrandt "Autorretrato"

En 1632, Rembrandt se mudó a Amsterdam, donde pronto se casó con la rica patricia Saskia van Uylenbruch. Los años 30 del siglo XVII para el artista fueron años de felicidad familiar y gran éxito artístico. La pareja de la familia se muestra en la imagen » El hijo pródigo en la taberna"(1635).

Rembrandt "Hijo pródigo en una taberna" (1635)

Al mismo tiempo, el artista pinta el lienzo” Cristo durante una tormenta en el Mar de Galilea(1633). La pintura es única en el sentido de que es la única marina artista.

Rembrandt "Cristo en la tormenta en el mar de Galilea"

Pintura " Lección de anatomía por el Dr. Tulp"(1632), en el que el artista resolvió el problema de un retrato de grupo de una manera nueva, dando a la composición una vida fácil y uniendo a las personas en el retrato. acción unica trajo la fama de Rembrandt. Recibió muchos pedidos, numerosos alumnos trabajaron en su taller.

Rembrandt "La lección de anatomía del Dr. Tulp"

En retratos personalizados de burgueses adinerados, el artista transmitió cuidadosamente los rasgos faciales, los detalles más pequeños de la ropa y el brillo de las joyas de lujo. Esto se puede ver en el lienzo. retrato burgrave', escrito en 1633. Al mismo tiempo, los modelos a menudo recibieron una característica social bien definida.

Rembrandt "Retrato de un burgrave"

Más libres y variados en su composición son sus autorretratos y retratos de seres queridos:

• » Auto retrato', escrito en 1634. A este momento La pintura está expuesta en el Louvre.

Rembrandt "Autorretrato" (1634)

• » Saskia sonriente". El retrato fue pintado en 1633. Hoy se encuentra en la Galería de Arte de Dresde.

Rembrandt "Saskia sonriente"

Estas obras se destacan por su animada espontaneidad y composición elevada, manera libre de pintar, esquema de color dorado mayor, lleno de luz.

Un desafío audaz a los cánones y tradiciones clásicos en la obra del artista se puede rastrear en el ejemplo del lienzo » El rapto de Ganímedes', escrito en 1635. A este momento la obra se encuentra en la Galería de Arte de Dresden.

Rembrandt "El rapto de Ganímedes"

Pintura "Dánae"

Una vívida encarnación de las nuevas vistas estéticas del artista fue una composición monumental " Dánae(escrito en 1636), en el que entra en discusión con los grandes maestros Renacimiento italiano. El artista fue en contra de los cánones generalmente aceptados de la imagen, y creó hermosa foto que iba más allá de las ideas entonces de la verdadera belleza.

La figura desnuda de Dánae, alejada de los ideales clásicos de belleza femenina, Rembrandt la interpretó con una audaz espontaneidad realista, y belleza perfecta imágenes maestros italianos el artista contrastó la belleza sublime de la espiritualidad y la calidez de los sentimientos íntimos de una persona.

Rembrandt "Dánae" (1636)

El pintor expresó sutiles matices de experiencias emocionales en las pinturas " david y jonathan» (1642) y » Sagrada Familia"(1645). Las reproducciones de alta calidad de las pinturas de Rembrandt se pueden utilizar para la decoración en muchos estilos.

En 1656, Rembrandt se declaró en quiebra y todas sus propiedades se vendieron en una subasta pública. Se vio obligado a trasladarse al barrio judío de Ámsterdam, donde pasó el resto de su vida.

Rembrandt "La Sagrada Familia" (1645)

Cuadro "El Regreso del Hijo Pródigo".

Un frío malentendido de los burgueses holandeses rodeó a Rembrandt en últimos años su vida. Sin embargo, el artista siguió creando. Un año antes de su muerte, comenzó a crear su propia lienzo ingenioso » El regreso del hijo pródigo(1668 - 1669), en el que se plasmaron todas las cuestiones artísticas y morales y éticas.

En esta imagen, el artista crea toda una gama de complejos y profundos sentimientos humanos. La idea principal de la imagen es la belleza de la comprensión humana, la compasión y el perdón. El clímax, la tensión de los sentimientos y el momento de resolución de las pasiones que le siguen se plasman en poses expresivas y gestos mezquinos y lacónicos de padre e hijo.

Rembrandt "El regreso del hijo pródigo"

Rembrandt Harmenszoon van Rijn es el pintor, grabador y dibujante más famoso de la "Edad de Oro". Reconocimiento y fama universales, un fuerte declive y pobreza: así se puede caracterizar la biografía del gran genio del arte. Rembrandt buscaba transmitir el alma de una persona a través de los retratos; aún circulan rumores y conjeturas sobre muchas de las obras del artista, envueltas en misterio.

El comienzo del siglo XVII fue tranquilo para el estado holandés, que se independizó como república en el momento de la revolución. El país desarrolló la producción industrial, Agricultura y el comercio.

En la antigua ciudad de Leidin, ubicada en la provincia de Holanda Meridional, Rembrandt, que nació el 15 de julio de 1607, pasó su infancia en una casa en Wedeshteg.

El niño creció en una familia numerosa, en la que fue el sexto hijo. El padre del futuro artista Harmen van Rijn era un hombre rico que poseía un molino y una maltería. Entre otras cosas, Van Rein tenía dos casas más en su propiedad, y también recibió una importante dote de su esposa Cornelia Neltier, por lo que la familia numerosa vivía en abundancia. La madre del futuro artista era hija de un panadero y era versada en la cocina, por lo que la mesa familiar abundaba en deliciosos platos.

A pesar de su riqueza, la familia Harmen vivía modestamente, observando estrictas reglas católicas. Los padres del artista, incluso después de la Revolución Holandesa, no cambiaron su actitud hacia la fe.

Autorretrato de Rembrandt a los 23

Rembrandt fue amable con su madre durante toda su vida. Esto se expresa en un retrato pintado en 1639, que representa a una anciana sabia con una mirada amable y algo triste.

la familia era ajena eventos sociales y la vida lujosa de los ricos. Es razonable suponer que por las noches los van Rijn se reunían a la mesa y leían libros y la Biblia: esto era lo que hacían la mayoría de los ciudadanos holandeses durante la Edad de Oro.

El molino de viento propiedad de Harmen estaba ubicado a orillas del Rin: ante la mirada del niño se abría un hermoso paisaje de un río azul, que es iluminado por los rayos del sol, abriéndose paso a través de una pequeña ventana del edificio y pasando a través de las nieblas del polvo de harina. Quizás, debido a los recuerdos de la infancia, el futuro artista aprendió a dominar hábilmente los colores, la luz y la sombra.

De niño, Rembrandt creció como un niño observador. La inmensidad de las calles de Leidin proporcionaba fuentes de inspiración: en los mercados comerciales podías encontrarte con personas disímiles de diferentes nacionalidades y aprende a dibujar sus rostros en papel.

Inicialmente, el niño fue a una escuela de latín, pero no estaba interesado en estudiar. Al joven Rembrandt no le gustaban las ciencias exactas, prefiriendo el dibujo.

La infancia del futuro artista fue feliz, ya que los padres vieron los pasatiempos de su hijo, y cuando el niño tenía 13 años, lo enviaron a estudiar a artista holandés Jacob van Swanenburg. Poco se sabe de la biografía del primer maestro de Rembrandt, el representante del manierismo tardío no tenía una gran herencia artística, por lo que es casi imposible rastrear la influencia de Jacob en la formación del estilo de Rembrandt.

En 1623, el joven se dirigió a la capital, donde el pintor Peter Lastman se convirtió en su segundo maestro, quien enseñó pintura y grabado a Rembrandt durante seis meses.

Pintura

El entrenamiento con un mentor fue exitoso, impresionado por las pinturas de Lastman, el joven dominó rápidamente la técnica del dibujo. Brillante y colores saturados, el juego de sombras y luces, así como el estudio escrupuloso de incluso los detalles más pequeños de la flora: eso es lo que Peter transmitió al eminente estudiante.

En 1627, Rembrandt regresó de Amsterdam a su ciudad natal. Confiado en sus habilidades, el artista, junto con su amigo Jan Lievens, abre su propia escuela de pintura, que en poco tiempo ganó popularidad entre los holandeses. Lievens y Rembrandt estaban a la par, a veces los jóvenes trabajaban cuidadosamente en un lienzo, poniendo parte de su propio estilo en el dibujo.

El joven artista de 20 años ganó fama por sus primeros trabajos detallados, que incluyen:

• "La lapidación del santo apóstol Esteban" (1625),
• "Palamedea ante Agamenón" (1626),
• "David con la cabeza de Goliat" (1627),
• "El rapto de Europa" (1632),

El joven sigue inspirándose en las calles de la ciudad, caminando por las plazas para encontrarse con un transeúnte al azar y capturar su retrato con un cincel en una tabla de madera. Rembrandt también realiza una serie de grabados con autorretratos y retratos de numerosos familiares.

Gracias al talento de un joven pintor, Rembrandt fue notado por el poeta Konstantin Heygens, quien admiró los lienzos de van Rijn y Lievens, llamándolos artistas prometedores. “Judas devuelve treinta piezas de plata”, escrito por un holandés en 1629, lo compara con los famosos lienzos de los maestros italianos, pero encuentra fallas en el dibujo. Gracias a las conexiones de Constantino, Rembrandt pronto adquiere ricos admiradores del arte: debido a la mediación de Haygens, el Príncipe de Orange encarga varias obras religiosas al artista, como Ante Pilatos (1636).

El verdadero éxito del artista llega en Ámsterdam. 8 de junio de 1633 Rembrandt conoce a la hija de un rico burgués Saskia van Uylenbürch y gana una posición sólida en la sociedad. El artista pintó la mayoría de los lienzos mientras estuvo en la capital de los Países Bajos.

Rembrandt se inspira en la belleza de su amada, por lo que a menudo pinta sus retratos. Tres días después de la boda, van Rijn pintó a una mujer con un sombrero de ala ancha con lápiz plateado. Saskia apareció en las pinturas del holandés en un ambiente hogareño acogedor. La imagen de esta mujer de mejillas regordetas aparece en muchos lienzos, por ejemplo, la misteriosa niña en la pintura "Night Watch" se parece mucho a la amada del artista.

En 1632, Rembrandt fue glorificado por la pintura "La lección de anatomía del Dr. Tulp". El hecho es que van Rijn se apartó de los cánones de los retratos de grupo estándar, que se representaban con los rostros vueltos hacia el espectador. Extremadamente retratos realistas médico y sus alumnos hicieron famoso al artista.

En 1635, el famoso cuadro fue pintado por historia bíblica"El Sacrificio de Abraham", que fue apreciado en la sociedad secular.

En 1642, van Rijn recibió un encargo de la Shooting Society para un retrato de grupo para decorar el nuevo edificio con lienzo. La pintura se llamó erróneamente "Guardia nocturna". Estaba manchado de hollín, y solo en el siglo XVII, los investigadores llegaron a la conclusión de que la acción que se desarrolla en el lienzo tiene lugar durante el día.

Rembrandt retrató minuciosamente cada detalle de los mosqueteros en movimiento: como si en un momento determinado el tiempo se detuviera cuando la milicia abandonaba el oscuro patio para que van Rijn los plasmara en el lienzo.

A los clientes no les gustó que el pintor holandés se apartara de los cánones que se desarrollaron en el siglo XVII. Luego, los retratos grupales eran ceremoniales y los participantes eran retratados de cara completa sin estática.

Según los científicos, esta pintura fue el motivo de la quiebra del artista en 1653, ya que ahuyentó a los posibles clientes.

Técnica y pinturas

Rembrandt creía que el verdadero objetivo del artista es estudiar la naturaleza, por lo que todas las pinturas del pintor resultaron ser demasiado fotográficas: el holandés trató de transmitir todas las emociones de la persona representada.

Como muchos maestros talentosos de la era dorada, Rembrandt tiene motivos religiosos. En los lienzos de van Rijn se dibujan no solo rostros capturados, sino parcelas enteras con su propia historia.

En el cuadro “La Sagrada Familia”, que fue pintado en 1645, los rostros de los personajes son naturales, el holandés parece querer usar un pincel y pinturas para trasladar al público a un ambiente acogedor de un estilo sencillo. familia campesina. En las obras de van Rijn, no se puede rastrear una cierta pomposidad. dijo que Rembrandt pintó a la Virgen con la forma de una campesina holandesa. De hecho, a lo largo de su vida, el artista se inspiró en las personas que lo rodeaban, es posible que en el lienzo una mujer, copiada de una criada, esté arrullando a un bebé para que se duerma.

La Sagrada Familia de Rembrandt, 1646

Como muchos artistas, Rembrandt está lleno de misterios: tras la muerte del creador, los investigadores reflexionaron durante mucho tiempo sobre los secretos de sus pinturas.

Por ejemplo, en la pintura "Danae" (o "Egina") van Rijn trabajó durante 11 años, a partir de 1636. El lienzo representa a una joven doncella después de despertarse del sueño. La trama se basa en antiguo mito griego sobre Dánae, hija del rey de Argos y madre de Perseo.

Los investigadores del lienzo no entendieron por qué la doncella desnuda no se parecía a Saskia. Sin embargo, después de la radiografía, quedó claro que Danae fue pintada originalmente con la imagen de Eilenbürch, pero después de la muerte de su esposa, van Rijn volvió a la imagen y cambió los rasgos faciales de Danae.

También entre los críticos de arte hubo disputas sobre la heroína representada en el lienzo. Rembrandt no firmó el título de la pintura, y la interpretación de la trama se vio obstaculizada por la ausencia de una lluvia dorada, según la leyenda, en la forma en que Zeus se le apareció a Danae. Además, los científicos estaban avergonzados por el anillo de compromiso en el dedo anular de la niña, que no concordaba con la mitología griega antigua. La obra maestra de Rembrandt, "Danae", se encuentra en el Museo del Hermitage de Rusia.

La novia judía (1665) es otra pintura enigmática de van Rijn. Este nombre se le dio al lienzo a principios del siglo XIX, pero aún se desconoce quién está representado en el lienzo, porque una niña y un hombre están vestidos con trajes antiguos que recuerdan a la ropa bíblica. También es popular la pintura "El regreso del hijo pródigo" (1669), que tardó 6 años en crearse.

Fragmento de "El regreso del hijo pródigo" de Rembrandt

Si hablamos del estilo de escribir pinturas de Rembrandt, entonces el artista usó un mínimo de colores, mientras lograba hacer que las pinturas estuvieran "vivas", gracias al juego de luces y sombras.

Van Rijn también logra representar con éxito las expresiones faciales: todas las personas en los lienzos del gran pintor parecen estar vivas. Por ejemplo, en el retrato de un anciano, el padre de Rembrandt (1639), cada arruga es visible, así como una mirada sabia y triste.

Vida personal

En 1642, Saskia murió de tuberculosis, la amada tuvo un hijo, Titus (otros tres niños murieron en la infancia), con quien Rembrandt mantuvo relaciones amistosas. A finales de 1642, el artista se encuentra con un joven especial Gertier Dirks. Los padres de Saskia estaban molestos por la forma en que el viudo manejaba su dote mientras vivía en el lujo. Más tarde, Dirks demanda a su amante por romper su promesa de casarse con ella. De la segunda mujer, el artista tuvo una hija, Cornelia.

Pintura de Rembrandt "Saskia a imagen de la diosa Flora"

En 1656, debido a dificultades financieras, Rembrandt se declaró en bancarrota y se fue a vivir a una casa apartada en las afueras de la capital.

La vida de Van Rijn no siguió creciendo, sino que, por el contrario, entró en decadencia: una infancia feliz, la riqueza y el reconocimiento fueron reemplazados por clientes que se fueron y una vejez miserable. El estado de ánimo del artista se puede rastrear en sus lienzos. Entonces, viviendo con Saskia, pinta cuadros alegres y soleados, por ejemplo, "Autorretrato con Saskia de rodillas" (1635). En el lienzo, van Rijn ríe con una carcajada sincera, y una luz radiante ilumina la habitación.

Si antes se detallaron las pinturas del artista, entonces en el escenario creatividad tardía Rembrandt usa trazos gruesos y los rayos del sol son reemplazados por la oscuridad.

La pintura "La conspiración de Julius Civilis", escrita en 1661, no fue pagada por los clientes, porque los rostros de los participantes en la conspiración no se trabajaron escrupulosamente, a diferencia de los trabajos anteriores de van Rijn.

Cuadro de Rembrandt "Retrato del hijo de Tito"

Poco antes de su muerte, viviendo en la pobreza, en 1665 Rembrandt pintó un autorretrato a la imagen de Zeuxis. Zeukis es un pintor griego antiguo que tuvo una muerte irónica: el artista se divirtió con el retrato de Afrodita que pintó en forma de anciana, y murió de risa. En el retrato, ríe Rembrandt, el artista no dudó en poner una parte de humor negro en el lienzo.

Muerte

Rembrandt enterró a su hijo Titus, que murió de peste, en 1668. Este triste evento empeoró drásticamente el estado de ánimo del artista. Van Rijn murió el 4 de octubre de 1669 y fue enterrado en la iglesia Netherlandish Westerkerk en Ámsterdam.

Estatua de Rembrandt en Rembrandtplein en Amsterdam

Durante su vida, el artista pintó unos 350 lienzos y 100 dibujos. La humanidad tardó dos siglos en apreciar a este gran artista.

, pintura de historia y Auto retrato

Rembrandt Harmenszoon van Rijn(holandés. Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - Artista holandés, grabador, gran maestro del claroscuro, el mayor representante de la edad de oro de la pintura holandesa. Consiguió plasmar en sus obras toda la gama de experiencias humanas con tal riqueza emocional, que las bellas artes no conocían antes que él. Las obras de Rembrandt, extremadamente diversas en género, abren al espectador el mundo espiritual atemporal de las experiencias y sentimientos humanos.

Biografía

años de aprendizaje

Rembrandt Harmenszoon ("hijo de Harmen") van Rijn nació el 15 de julio de 1606 (según algunas fuentes, en 1607) en una familia numerosa del rico propietario de un molino Harmen Gerritszoon van Rijn en Leiden. La familia materna se mantuvo fiel a la fe católica incluso después de la Revolución Holandesa.

"Alegoría de la música" de 1626: un ejemplo de la influencia de Lastman en el joven Rembrandt

En Leiden, Rembrandt asistió a la escuela de latín en la universidad, pero su mayor interés fue la pintura. A la edad de 13 años, fue enviado a estudiar bellas artes con el pintor histórico de Leiden Jacob van Swanenbürch, católico de fe. Los investigadores no han podido encontrar obras de Rembrandt relacionadas con este período, por lo que la cuestión de la influencia de Swanenbürch en la formación de la forma creativa de Rembrandt sigue abierta: hoy en día se sabe muy poco sobre este artista de Leiden.

En 1623, Rembrandt estudió en Ámsterdam con Pieter Lastman, quien se había formado en Italia y se había especializado en temas históricos, mitológicos y bíblicos. Al regresar a Leiden en 1627, Rembrandt, junto con su amigo Jan Lievens, abrió su propio taller y comenzó a reclutar estudiantes. En pocos años ganó gran popularidad.

Influencia de Lastman y los caravagistas

La pasión de Lastman por el abigarramiento y el detalle en la ejecución tuvo un gran impacto en el joven artista. Se manifiesta claramente en sus primeras obras supervivientes: "La lapidación de St. Stephen" (1629), "Escena de historia antigua(1626) y "El bautismo de un eunuco" (1626). En comparación con sus obras maduras, son inusualmente coloridas, el artista se esfuerza por escribir cuidadosamente cada detalle del mundo material, con la mayor precisión posible para transmitir el escenario exótico de la historia bíblica. Casi todos los héroes aparecen ante el espectador ataviados con elegantes trajes orientales, resplandecientes de joyas, lo que crea una atmósfera de mayor esplendor, festividad (“Alegoría de la Música”, 1626; “David ante Saúl”, 1627).

Las obras finales del período, "Tobit y Anna", "Balaam y el burro", reflejan no solo la rica imaginación del artista, sino también su deseo de transmitir las experiencias dramáticas de sus héroes de la manera más expresiva posible. Al igual que otros maestros del barroco, comienza a comprender el significado del claroscuro nítidamente esculpido para transmitir emociones. Sus maestros en relación al trabajo con la luz fueron los caravagistas de Utrecht, pero más aún se guió por los trabajos de Adam Elsheimer, un alemán que trabajaba en Italia. Las pinturas más caravagistas de Rembrandt son “La parábola del rico insensato” (1627), “Simeón y Ana en el templo” (1628), “Cristo en Emaús” (1629).

Contiguo a este grupo se encuentra el cuadro “El artista en su estudio” (1628; quizás se trate de un autorretrato), en el que el artista se retrata a sí mismo en el estudio en el momento de contemplar su propia creación. El lienzo en el que se está trabajando se lleva al frente de la imagen; en comparación con él, el propio autor parece ser un enano.

Taller en Leiden

Uno de los problemas sin resolver biografia creativa Rembrandt es su parecido artístico con Lievens. Trabajando codo con codo, abordaron la misma trama más de una vez, como Sansón y Dalila (1628/1629) o La resurrección de Lázaro (1631). En parte, ambos se sintieron atraídos por Rubens, entonces conocido como mejor artista en toda Europa, a veces Rembrandt tomó prestados los hallazgos artísticos de Lievens, a veces era exactamente lo contrario. Por ello, la distinción entre las obras de Rembrandt y Lievens de 1628-1632 presenta ciertas dificultades para los historiadores del arte. Entre sus otras obras famosas se encuentra "El burro de Valaam" (1626).

En 1629, el secretario del Príncipe de Orange, Constantine Huygens (padre de Christian Huygens), un conocido poeta y mecenas de las artes en ese momento, notó al artista. En una de las cartas de esa época, Huygens ensalza a Lievens y Rembrandt como jóvenes artistas prometedores, y compara el cuadro de Rembrandt "Judas devolviendo treinta piezas de plata" con las mejores obras de Italia e incluso de la antigüedad. Fue Huygens quien ayudó a Rembrandt a ponerse en contacto con clientes adinerados y le encargó varias pinturas religiosas para el Príncipe de Orange.

Desarrollando tu propio estilo

Así se retrataba Rembrandt a los 23 años.

En 1631, Rembrandt se mudó a Amsterdam, donde el dinamismo inherente a la estética del barroco y el patetismo externo de los lienzos encontraron muchos admiradores adinerados que, como Huygens, lo vieron como un nuevo Rubens. Un año después, Lievens cerró el taller de Leiden y partió hacia Inglaterra, donde cayó bajo la influencia de van Dyck, luego, hasta regresar a su tierra natal en 1644, trabajó en Amberes.

El período de mudanza a Amsterdam estuvo marcado en la biografía creativa de Rembrandt por la creación de muchos estudios de cabezas masculinas y femeninas, en los que explora la originalidad de cada modelo, experimenta con expresiones faciales en movimiento. Estas pequeñas obras, luego confundidas con imágenes del padre y la madre del artista, se convirtieron en una verdadera escuela del retratista Rembrandt. Fue el retrato lo que permitió al artista en ese momento atraer pedidos de los burgueses ricos de Amsterdam y, por lo tanto, lograr el éxito comercial.

En los primeros años de Amsterdam, un lugar destacado en la obra de Rembrandt lo ocupa el género del autorretrato; representándose a sí mismo con atuendos fantásticos y poses intrincadas, describe nuevas formas para el desarrollo de su arte. A veces, los personajes ancianos de los bocetos, ataviados por el artista con lujosos trajes orientales, son transformados por su imaginación en personajes bíblicos; tal es el pensamiento "Jeremías lamentando la destrucción de Jerusalén" (1630). Para el estatúder Federico-Heinrich de Orange, crea lienzos emparejados "Exaltación de la cruz" (1633) y "Descendimiento de la cruz" (1632/1633), inspirados en los grabados de múltiples figuras de Rubens.

Éxito en Ámsterdam

La fama de Rembrandt como un maestro destacado se extendió por Ámsterdam después de que completó el retrato grupal "La lección de anatomía del Dr. Tulp" (1632), en el que los cirujanos atentos no se alinearon en filas paralelas de cabezas frente al espectador, como era costumbre. en pintura de retrato de aquella época, pero estrictamente distribuidas en una composición piramidal, que permitía unir psicológicamente a todos actores en un solo grupo. La riqueza de las expresiones faciales de cada rostro y el uso dramático del claroscuro resumen años de experimentación, atestiguando el inicio de la madurez creativa del artista.

Los primeros años en Ámsterdam fueron los más felices de la vida de Rembrandt. El matrimonio con Saskia van Uilenbürch, que tuvo lugar en 1634, abre las puertas de las mansiones de los burgueses adinerados a la artista, a la que pertenecía su padre, el burgomaestre de Leeuwarden. Las órdenes le llegan una tras otra; al menos cincuenta retratos datan de los primeros años de la estancia de Rembrandt en Ámsterdam. Los menonitas conservadores lo favorecieron especialmente. Mucho ruido hizo su doble retrato del predicador menonita Cornelis Anslo, que fue cantado en verso por el propio Vondel.

El bienestar material de Rembrandt le permitió adquirir su propia mansión (ver Museo Casa de Rembrandt), que llenó de objetos de arte que compró a los anticuarios. No se trataba solo de pinturas y grabados de maestros italianos, sino también de esculturas antiguas, armas, instrumentos musicales. Para estudiar a los grandes predecesores, no necesitaba salir de Ámsterdam, porque en la ciudad se podían ver obras maestras como el "Retrato de Gerolamo (?) Barbarigo" de Tiziano y el retrato de Baltazar Castiglione de Rafael.

Entre los retratos más significativos de esos años se encuentran las imágenes de Saskia, a veces en casa, acostada en la cama, a veces con túnicas lujosas (retrato de Kassel, 1634) y disfraces teatrales ("Saskia en forma de Flora", 1634). En 1641 nació su hijo Titus; tres niños más murieron en la infancia. El exceso de vitalidad del artista durante los años de matrimonio con Saskia se expresa con la mayor bravura en el cuadro El hijo pródigo en una taberna (1635). La iconografía de esta ilustre obra deriva de las representaciones moralistas de la depravación del hijo pródigo en la parábola bíblica.

Saskia murió un año después del nacimiento de su hijo y en la vida de Rembrandt comenzó un período de pérdida personal continua.

Diálogo con italianos

El diálogo creativo de Rembrandt con los grandes artistas italianos está indicado no solo por obras de retratos, sino también por pinturas de varias figuras sobre temas mitológicos y bíblicos, reflejando la preocupación del artista por los efectos externos y, en este sentido, en consonancia con las obras de los maestros de la Italia barroca.

Como en los años de trabajar con Lastman, imaginación creativa Rembrandt requiere temas bíblicos con una iconografía relativamente poco desarrollada. En La fiesta de Belsasar (1635), los rostros de los personajes de la imagen muestran un auténtico horror, la impresión de ansiedad se ve reforzada por la iluminación dramática de la escena. No menos dinámico es El sacrificio de Abraham (1635): un cuchillo congelado en el aire le da a la escena la inmediatez de una imagen fotográfica. Una versión posterior de esta composición de Munich es un ejemplo de lo bien que sus aprendices copiaron las pinturas de Rembrandt.

Rembrandt también desarrolló los efectos de luz y sombra en grabados (“Cristo ante Pilatos”, 1636), que a menudo iban precedidos de numerosos dibujos preparatorios. A lo largo de su vida posterior, los grabados le reportaron a Rembrandt no menos ingresos que la pintura misma. Como grabador, se destacó particularmente por su uso de la técnica de punta seca, trazo dinámico y soplo.

"La ronda de la noche"

Rembrandt. "Vigilancia nocturna" (1642)

En 1642, Rembrandt recibió el encargo de uno de los seis retratos de grupo de los mosqueteros de Ámsterdam para el nuevo edificio de la Shooting Society; otros dos encargos fueron para sus alumnos. Al crear esta pintura de cuatro metros, la más grande de sus obras, Rembrandt rompió con los cánones del retrato holandés, durante dos siglos predijo los hallazgos artísticos del siglo XIX, la era del realismo y el impresionismo. Los modelos fueron representados de forma muy directa, en movimiento, lo que no agradó en absoluto a los clientes, muchos de los cuales fueron relegados a un segundo plano:

La monumental creación de Rembrandt, que capta la repentina marcha de una compañía de fusileros dirigida por sus comandantes, es decidida por él como una escena de masas, impregnada del movimiento de una multitud de personajes específicos e innombrables y construida sobre un vacilante contraste de puntos de color muy iluminados. y áreas sombreadas. La aleatoriedad de la situación representada en el lienzo, que crea la impresión de discordia y tensión, está al mismo tiempo imbuida de solemnidad y entusiasmo heroico, y se acerca más en su sonido a la composición histórica.

Una combinación tan audaz de un retrato de grupo con recuerdos de guerra de la Revolución holandesa asustó a algunos clientes. Los biógrafos de Rembrandt discuten hasta qué punto influyó el fracaso de La ronda de noche (precisamente tan erróneo nombre recibió el cuadro, hasta la restauración de la década de 1940, oculto bajo barniz oscurecido y hollín) más carrera artista. Con toda probabilidad, la extendida leyenda sobre el fracaso de esta obra no tiene ningún fundamento serio. La versión de conspiración de la historia de Night Watch se da en las películas The Night Watch (2007) y Rembrandt. ¡Yo culpo! » (2008).

Cualesquiera que fueran las razones del enfriamiento del público de Amsterdam hacia Rembrandt, el resultado de un cambio en los gustos fue el desvanecimiento de su fama y el empobrecimiento gradual. Después de La ronda de noche, solo quedan unos pocos estudiantes en el estudio de Rembrandt. Sus antiguos aprendices, habiendo tomado prestado y desarrollado cualquier rasgo del primer Rembrandt, se convierten en artistas más exitosos y buscados que su maestro. Especialmente característico en este sentido es Govert Flinck, quien dominó a la perfección la bravura externa de las dinámicas pinturas de Rembrandt de la década de 1630. Leiden Gerard Dou, uno de los primeros alumnos de Rembrandt, permaneció bajo la influencia de la estética de pinturas de Lastman como la Alegoría de la música de 1626 durante toda su vida. Fabricius, que trabajó en el taller alrededor de 1640, experimentó de buena gana con la perspectiva y desarrolló fondos claros, lo que le valió un éxito extraordinario en Delft.

Periodo de transicion

Información sobre privacidad Rembrandt en la década de 1640, poco se ha conservado en los documentos. De los discípulos de este período, solo se conoce a Nicolás Mas de Dordrecht. Aparentemente, el artista siguió viviendo a lo grande, como antes. La familia de la difunta Saskia expresó su preocupación por cómo se deshizo de su dote. La niñera de Titus, Gertje Dirks, lo demandó por romper su promesa de casarse; para resolver este incidente, el artista tuvo que desembolsar.

A fines de la década de 1640, Rembrandt se hizo amigo de su joven doncella Hendrickje Stoffels, cuya imagen aparece en muchos retratos de este período: Flora (1654), Mujer bañándose (1654), Hendrickje en la ventana (1655). El consejo parroquial condenó a Hendrickje por "cohabitación pecaminosa" cuando, en 1654, nació su hija Cornelia con el artista. Durante estos años, Rembrandt se aleja de los temas que tienen un grandioso sonido nacional o universal. Las obras pintorescas de este período no son numerosas.

El artista trabajó durante mucho tiempo en retratos grabados del burgomaestre Jan Six (1647) y otros burgueses influyentes. Todas las técnicas y técnicas de grabado que él conocía se utilizaron en la fabricación del grabado cuidadosamente elaborado "Cristo curando a los enfermos", más conocido como la "Hoja de los cien florines", - fue por un precio tan alto para el 17 siglo que una vez fue vendido. Sobre este aguafuerte, que impacta con la sutileza del juego de luces y sombras, trabajó durante siete años, desde 1643 hasta 1649. En 1661 se continuó con el grabado “Tres Cruces” realizado en 1653 (no terminado).

En los años de adversidad de la vida, la atención del artista es atraída por paisajes con nubes que fruncen el ceño, fuertes vientos y otros atributos de naturaleza románticamente agitada en la tradición de Rubens y Seghers. El "Paisaje de invierno" de 1646 pertenece a las perlas del realismo de Rembrandt. Sin embargo, el pináculo de la habilidad de Rembrandt como paisajista no fue tanto pinturas cuántos dibujos y grabados, como "El molino" (1641) y "Tres árboles" (1643). Domina otros géneros nuevos por sí mismo: bodegones (con animales de caza y cadáveres desollados) y retratos ecuestres (aunque, según todos los informes, Rembrandt nunca tuvo éxito en los caballos).

Escenas de la vida doméstica cotidiana, como las dos "Sagradas familias" de 1645 y 1646, reciben una interpretación poética en estos años. Junto con La adoración de los pastores (1646) y Descanso en la huida a Egipto (1647), permiten hablar de la tendencia de Rembrandt a la idealización. modo de vida patriarcal vida familiar. Estas obras se calientan con cálidos sentimientos de cercanía familiar, amor, compasión. El claroscuro en ellos alcanza una riqueza de matices sin precedentes. La coloración es especialmente cálida, con predominio de rojos brillantes y marrones dorados.

Rembrandt tardío

En 1653, atravesando dificultades financieras, el artista transfirió casi todas sus propiedades a su hijo Titus, después de lo cual se declaró en bancarrota en 1656. Tras la venta de la casa y la propiedad en 1657-1658 (se conserva un interesante catálogo de la colección de arte de Rembrandt), el artista se trasladó a las afueras de Ámsterdam, al barrio judío, donde pasó el resto de su vida. La persona más cercana a él en esos años, aparentemente, siguió siendo Titus; son sus imágenes las más numerosas. En algunos, aparece como un príncipe de un cuento de hadas, en otros, un ángel tejido con los rayos del sol. La muerte de Titus en 1668 fue uno de los últimos golpes del destino para el artista; él mismo se había ido un año después.

"Mateo y el ángel" (1661). Quizás el modelo para el ángel fue Tito.

Una característica distintiva del trabajo de Rembrandt en la década de 1650 es la claridad y la monumentalidad de las composiciones de figuras grandes. Característica en este sentido es la obra “Aristóteles con un busto de Homero”, realizada en 1653 para el aristócrata siciliano Antonio Ruffo y vendida en 1961 por sus herederos en una subasta al Museo Metropolitano de Arte por una cantidad récord de más de dos millones dólares en ese momento. Aristóteles está inmerso en un pensamiento profundo; la luz interior parece provenir de su rostro y del busto de Homero, sobre el que puso la mano.

• Rembrandt viejos

Últimos trabajos

El genio artístico de Rembrandt se desarrolló en orden ascendente. Sus últimos trabajos son fenómeno único en la historia de la pintura. El secreto de sus colores pegajosos, como si fluyeran por el lienzo, aún no se ha descifrado. Las figuras son monumentales y deliberadamente cercanas al plano frontal del lienzo. El artista se detiene en temas bíblicos raros, la búsqueda de correspondencias en la Biblia todavía está ocupada por investigadores de su trabajo. Le atraen esos momentos de la vida en los que las experiencias humanas se manifiestan con mayor fuerza.

La profunda tensión dramática es característica de obras como Artajerjes, Amán y Ester" (1660) y "La negación del apóstol Pedro" (1660). En cuanto a la técnica de ejecución, están en consonancia con las últimas pinturas, unidas por un tema familiar: el inacabado Regreso del hijo pródigo (1666/1669), un retrato familiar de Braunschweig (1668/1669), etc. "Novia judía" (1665). La datación de todas estas obras es condicional, las circunstancias de su creación están rodeadas de misterio. A los investigadores les resulta difícil encontrar palabras para describir sus gruesos "colores iridiscentes y ardientes en una neblina dorada", aplicados al lienzo con una espátula o una espátula:

No hay acción activa, personajes estáticos, aparentemente sobrios, a veces envueltos en el resplandor de las ropas de brocado, sobresalen del espacio umbrío que los rodea. Los tonos dominantes de color marrón dorado oscuro dominan todos los colores, entre los cuales un papel especial pertenece a los tonos de rojo que arden desde el interior, como carbones ardientes. Densos trazos en relieve, impregnados del movimiento de una masa luminosa de pintura, se combinan en zonas de sombra con veladuras transparentes escritas en una fina capa. La textura de la superficie colorida de las obras del último Rembrandt parece ser una joya resplandeciente. La apasionante humanidad de sus imágenes está marcada por una misteriosa belleza.

En el autorretrato de Colonia de 1662, los rasgos del autor están distorsionados por una sonrisa amarga, y en los últimos autorretratos de 1669 (Galería de los Uffizi, Galería Nacional de Londres y Mauritshuis), a pesar de su conspicua debilidad física, mira serenamente al destino. la cara. Rembrandt murió el 4 de octubre de 1669 en Ámsterdam. Fue enterrado en la iglesia de Amsterdam Westerkerk. En total, durante su vida, Rembrandt creó unas 350 pinturas, más de 100 dibujos y unos 300 grabados. Los logros de Rembrandt como dibujante no son inferiores a sus logros en el campo de la pintura; especialmente apreciados son sus últimos dibujos realizados con pluma de caña.

Problemas de atribución

Hasta hace poco, uno de los problemas insolubles para el investigador de la obra de Rembrandt era la ingente cantidad de copias y réplicas de sus lienzos, que desde tiempos inmemoriales se encontraban en catálogos bajo su nombre. Entonces, por ejemplo, hay diez versiones de la pintura "Judas devuelve treinta piezas de plata", que no pueden atribuirse sin ambigüedades a un artista en particular.

En 1968, se lanzó el proyecto de investigación Rembrandt en Amsterdam, con el objetivo de compilar un registro verificado de las obras de Rembrandt utilizando los últimos métodos de atribución. El catálogo final del proyecto, publicado en 2014, contiene una lista de 346 pinturas, mientras que a principios del siglo XX se creía que unas 800 pinturas pertenecían a Rembrandt. Por ejemplo, de los 12 cuadros expuestos en la Colección Wallace bajo el nombre de un gran artista, el proyecto confirmó inicialmente la autoría de Rembrandt en uno solo, aunque luego su número aumentó a cinco. En cuanto a las pinturas de Rembrandt expuestas en los museos rusos, según el catálogo, solo hay tres obras de Rembrandt en el Museo Pushkin y 14 en el Hermitage.

Estudiantes

"Una choza bajo un cielo que presagia tormenta". Dibujo (1635)

gloria póstuma

La humanidad tardó dos siglos en apreciar plenamente la importancia de la obra de Rembrandt. Aunque Giovanni Castiglione y Giovanni Battista Tiepolo se inspiraron en sus grabados, la valentía de Rembrandt como pintor y la precisión de sus observaciones como dibujante ganaron reconocimiento por primera vez en el siglo XIX, cuando los artistas de la escuela realista de Courbet (y en Rusia - los Wanderers) se opuso a su sentida poesía de luces y sombras, a la claridad incuestionable ya la claridad del academicismo francés.

Hace cien años, el Hermitage Imperial podía presumir de la mayor colección de pinturas de Rembrandt, sin embargo, en el siglo XX, parte de esta colección fue vendida, algunas pinturas fueron trasladadas al Museo Pushkin, la autoría de otras fue disputada. A lo largo del siglo XX, los holandeses lideraron trabajo minucioso comprar cuadros de Rembrandt y devolverlos a su tierra natal; como resultado de estos esfuerzos numero mas grande Las pinturas de Rembrandt ahora se pueden ver en el Amsterdam Rijksmuseum. Una de las plazas centrales de Amsterdam, Botermarkt, en 1876 recibió nombre moderno Plaza Rembrandt (holandés. Rembrandtplein) en honor al gran artista. En el centro de la plaza hay un monumento a Rembrandt. También funciona un museo en la Casa de Artistas de Ámsterdam desde 1911, donde se exhiben principalmente grabados. En 2009, un cráter en el planeta Mercurio, uno de los más grandes del sistema solar, recibió su nombre del artista.

Al cine

• Rembrandt / Rembrandt - dir. Alexander Korda (Reino Unido, 1936). Protagonizada por Charles Lawton
• "Rembrandt: Retrato 1669" / Rembrandt fecit 1669 - dir. Jos Stelling (Países Bajos, 1977). Como Ton de Koff.
• "Rembrandt" / Rembrandt - dir. |Charles Matton (Alemania, Francia, Holanda, 1999)
• "Guardia nocturna" / Vigilancia nocturna - dir. Peter Greenaway (Gran Bretaña, Francia, Canadá, Alemania, Polonia, 2007). Como Martín Freeman
• "Rembrandt. ¡Yo culpo! » / J'accuse de Rembrandt - dir. Peter Greenaway (Reino Unido, 2008). Como Martín Freeman

ver también

notas

1. Biblioteca Nacional Alemana, Biblioteca Estatal de Berlín, Biblioteca Estatal de Baviera, etc. Registro #11859964X // Control Reglamentario General (GND) - 2012-2016.
2. Rembrandt
3. Diccionario de artistas Benezit - 2006. - ISBN 978-0-19-977378-7, 978-0-19-989991-3
4. Rembrandt Harmensz. van Rhijn - 2009.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

El mayor representante de la edad de oro, artista, grabador, gran maestro del claroscuro, y todo esto en un solo nombre, Rembrandt.

Rembrandt nació el 15 de julio de 1606 en Leiden. Este gran artista holandés logró plasmar en sus obras todo el abanico de experiencias humanas con una riqueza emocional tal que las bellas artes no habían conocido antes que él.

La vida

Creció en una familia numerosa del rico propietario de un molino Harmen Gerritszon van Rijn. Entre otras cosas, la propiedad de Van Rein tenía dos casas más, y también recibió una importante dote de su esposa Cornelia Neltier. La madre del futuro artista era hija de un panadero y sabía cocinar, incluso después de la Revolución Holandesa, la familia materna se mantuvo fiel a la religión católica.

En Leiden, Rembrandt asistió a la escuela de latín en la universidad, pero no le gustaban las ciencias exactas, mostró el mayor interés por la pintura. Al darse cuenta de este hecho, sus padres enviaron a Rembrandt a estudiar bellas artes a la edad de 13 años al pintor histórico de Leiden Jacob van Swanenbürch, quien era católico. Diversas en géneros y temas, las obras de Rembrandt están imbuidas de ideas de moralidad, belleza espiritual y dignidad de una persona común, comprensión de la incomprensible complejidad de su mundo interior, la versatilidad de su riqueza intelectual y la profundidad de sus experiencias emocionales. Nos ha llegado muy poca información sobre Jacob, por lo que tanto los historiadores como los críticos de arte no pueden decir con certeza sobre la influencia de Swanenbergh en la forma creativa de Rembrandt.

Luego, en 1623, estudió en Amsterdam con el entonces pintor de moda Pieter Lastman, después de lo cual, al regresar a Leiden, en 1625 abrió su propio taller junto con su compatriota Jan Lievens.

Pitera Lastman se formó en Italia y se especializó en temas históricos, mitológicos y bíblicos. Cuando Rembrandt abrió un taller y comenzó a reclutar estudiantes, se hizo bastante famoso en poco tiempo. Si observa las primeras obras del artista, puede comprender de inmediato que el estilo de Lastman, una pasión por la variedad y la mezquindad de la interpretación, tuvo un gran impacto en el joven artista. Por ejemplo, su obra “La lapidación de St. Stephen" (1629), "Una escena de la historia antigua" (1626) y "El bautismo de un eunuco" (1626), son muy brillantes, inusualmente coloridos, Rembrandt se esfuerza por escribir cuidadosamente cada detalle del mundo material. Casi todos los personajes aparecen ante el espectador ataviados con elegantes trajes orientales, resplandecientes de joyas, lo que crea un ambiente de mayoría, esplendor, fiesta.

En 1628, el artista de veintidós años fue reconocido como un maestro "muy famoso", un famoso retratista.

La pintura "Judas devuelve las piezas de plata" (1629) - provocó una crítica entusiasta conocedor famoso pintura de Konstantin Huygens, secretario del estatúder Frederick Hendrik de Orange: "... este cuerpo temblando con un temblor miserable, eso es lo que prefiero al buen gusto de todos los tiempos".

Gracias a las conexiones de Constantino, Rembrandt pronto adquiere ricos admiradores del arte: por mediación de Haygens, el Príncipe de Orange encarga al artista varias obras religiosas, como Cristo ante Pilatos (1636).

El verdadero éxito del artista llega en Ámsterdam. 8 de junio de 1633 Rembrandt conoce a la hija de un rico burgués Saskia van Uylenbürch y gana una posición sólida en la sociedad. El artista pintó la mayoría de los lienzos mientras estuvo en la capital de los Países Bajos.

Amsterdam: una bulliciosa ciudad portuaria e industrial, que atrajo bienes y curiosidades de todo el mundo, donde la gente se enriqueció con el comercio y las transacciones bancarias, donde los marginados de la Europa feudal se precipitaron en busca de refugio y donde el bienestar de los ricos Los burgueses convivieron con una pobreza deprimente, une fuertes lazos con el artista.

El período de Amsterdam del trabajo de Rembrandt comenzó con el éxito abrumador que le trajo la Lección de anatomía del Dr. Tulp (1632, La Haya, Mauritshuis), que cambió la tradición del retrato de grupo holandés. Demostración habitual de gente posando para el artista profesion general Rembrandt contrastó la dramaturgia de una escena libremente decidida, cuyos participantes, miembros del gremio de cirujanos, escuchando a su colega, están unidos intelectual y espiritualmente por la participación activa en el proceso de investigación científica.

Rembrandt se inspira en la belleza de su amada, por lo que a menudo pinta sus retratos. Tres días después de la boda, van Rijn pintó a una mujer con un sombrero de ala ancha con lápiz plateado. Saskia apareció en las pinturas del holandés en un ambiente hogareño acogedor. La imagen de esta mujer de mejillas regordetas aparece en muchos lienzos, por ejemplo, la misteriosa niña en la pintura "Night Watch" se parece mucho a la amada del artista.

Los años treinta en la vida de Rembrandt fueron un período de fama, riqueza y felicidad familiar. Recibió muchos encargos, se rodeó de estudiantes, se dejó llevar apasionadamente por coleccionar obras de italiano, flamenco y pintores holandeses, escultura antigua, minerales, plantas marinas, armas antiguas, objetos de arte oriental; en el trabajo sobre las pinturas, las exhibiciones de la colección a menudo sirvieron al artista como apoyo.

Las obras de Rembrandt de este período son extremadamente variadas; dan testimonio de la búsqueda incansable, a veces dolorosa, de una comprensión artística de la esencia espiritual y social del hombre y de la naturaleza y muestran tendencias que, paso a paso, ponen al artista en conflicto con la sociedad.

En retratos “para sí mismo” y autorretratos, el artista experimenta libremente con efectos de composición y claroscuro, cambia el tono del esquema de color, viste a sus modelos con ropas fantásticas o exóticas, varía poses, gestos, accesorios (“Flora”, 1634 , San Petersburgo, Museo Estatal del Hermitage).

En 1635 se pintó el famoso cuadro basado en el relato bíblico “El Sacrificio de Abraham”, que fue apreciado en la sociedad secular.

En 1642, van Rijn recibió un encargo de la Shooting Society para un retrato de grupo para decorar el nuevo edificio con lienzo. La pintura se llamó erróneamente "Guardia nocturna". Estaba manchado de hollín, y solo en el siglo XVII, los investigadores llegaron a la conclusión de que la acción que se desarrolla en el lienzo tiene lugar durante el día.

Rembrandt retrató minuciosamente cada detalle de los mosqueteros en movimiento: como si en un momento determinado el tiempo se detuviera cuando la milicia abandonaba el oscuro patio para que van Rijn los plasmara en el lienzo.

A los clientes no les gustó que el pintor holandés se apartara de los cánones que se desarrollaron en el siglo XVII. Luego, los retratos grupales eran ceremoniales y los participantes eran retratados de cara completa sin estática.

Según los científicos, esta pintura fue el motivo de la quiebra del artista en 1653, ya que ahuyentó a los posibles clientes.

Los trágicos cambios en el destino personal de Rembrandt (la muerte de los niños recién nacidos, madre, en 1642, la enfermedad y la muerte de Saskia, quien le dejó un hijo de nueve meses, Titus), el deterioro de su situación financiera debido a su la obstinada falta de voluntad para sacrificar la libertad de espíritu y la creatividad en favor de los gustos cambiantes de los burgueses, exacerbó y puso al descubierto el conflicto que maduraba gradualmente entre el artista y la sociedad.

Información sobre la vida privada de Rembrandt en la década de 1640. poco se ha conservado en los documentos. De los discípulos de este período, solo se conoce a Nicholas Mas de Dordrecht. Aparentemente, el artista siguió viviendo a lo grande, como antes. La familia de la difunta Saskia expresó su preocupación por cómo se deshizo de su dote. La niñera de Titus, Gertje Dirks, lo demandó por romper su promesa de casarse; para resolver este incidente, el artista tuvo que desembolsar.

A fines de la década de 1640, Rembrandt se hizo amigo de su joven sirvienta Hendrikje Stoffels, cuya imagen aparece en muchos retratos de este período: Flora (1654), Mujer bañándose (1654), Hendrikje en la ventana (1655)). El consejo parroquial condenó a Hendrickje por "cohabitación pecaminosa" cuando, en 1654, nació su hija Cornelia con el artista. Durante estos años, Rembrandt se aleja de los temas que tienen un grandioso sonido nacional o universal.

El artista trabajó durante mucho tiempo en retratos grabados del burgomaestre Jan Six (1647) y otros burgueses influyentes. Todos los métodos y técnicas de grabado que él conocía se utilizaron en la fabricación del grabado cuidadosamente elaborado "Cristo curando a los enfermos", más conocido como la "Hoja de los cien florines", - fue por un precio tan alto para el 17 siglo que una vez fue vendido. Sobre este aguafuerte, que impacta con la sutileza del juego de luces y sombras, trabajó durante siete años, desde 1643 hasta 1649.

En 1653, atravesando dificultades financieras, el artista transfirió casi todas sus propiedades a su hijo Titus, luego de lo cual se declaró en bancarrota en 1656. Después de la venta en 1657-58. casa y propiedad (se conserva un interesante catálogo de la colección de arte de Rembrandt), el artista se trasladó a las afueras de Ámsterdam, al barrio judío, donde pasó el resto de su vida.

La muerte de Titus en 1668 fue uno de los últimos golpes del destino para el artista; él mismo se había ido un año después.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn murió en octubre de 1669. Tenía 63 años. Era viejo, enfermo y pobre. El notario no tuvo que dedicar mucho tiempo a recopilar un inventario de los bienes del artista. El inventario fue breve: “tres jerseys gastados, ocho pañuelos, diez boinas, útiles de pintura, una Biblia”.

pinturas

El regreso del hijo pródigo

El famoso cuadro "El regreso del hijo pródigo", una de las últimas obras de Rembrandt. Fue escrito en el año de su muerte y se convirtió en el pináculo de su talento.

Esta es la pintura más grande de Rembrandt sobre un tema religioso. La pintura de Rembrandt sobre la trama de la parábola del Nuevo Testamento sobre hijo pródigo.

La parábola del hijo pródigo se encuentra en el Evangelio de Lucas. Ella habla de un joven que dejó la casa de su padre y despilfarró su herencia. En la ociosidad, el desenfreno y la borrachera, pasaba los días hasta acabar en un corral, donde comía del mismo abrevadero con los cerdos. Estando en una situación desesperada y de completa pobreza, el joven regresa con su padre, dispuesto a convertirse en su último esclavo. Pero en lugar de desprecio, encuentra una recepción real, en lugar de ira: amor paternal que perdona todo, profundo y tierno.

1669. Rembrandt representa un drama humano frente al espectador. Las pinturas yacen sobre el lienzo en trazos gruesos. son oscuros Al artista no le importan los personajes secundarios, aunque sean muchos. La atención vuelve a centrarse en el padre y el hijo. El anciano padre, encorvado por el dolor, está frente al espectador. En este rostro hay dolor, y ojos cansados ​​de tanto llorar, y la alegría de un encuentro anhelado. El hijo nos da la espalda. Se enterró como un niño en el atuendo real de su padre. No sabemos lo que expresa su rostro. Pero los tacones agrietados, el cráneo desnudo del vagabundo, el pobre atuendo dicen basta. Como las manos del padre, apretando los hombros del joven. A través de la tranquilidad de estas manos, perdonando y apoyando, Rembrandt ya está en ultima vez cuenta al mundo una parábola universal sobre la riqueza, las pasiones y los vicios, el arrepentimiento y el perdón. “... Me levantaré, iré donde mi padre y le diré: ¡Padre! He pecado contra el cielo y ante ti, y ya no soy digno de ser llamado hijo tuyo; acéptame como uno de tus jornaleros. Se levantó y fue con su padre. Y estando aún lejos, su padre lo vio y tuvo compasión; y, corriendo, se echó sobre su cuello y lo besó.

Además del padre y el hijo, en la imagen se representan 4 personajes más. Estas son siluetas oscuras que apenas se distinguen sobre un fondo oscuro, pero quiénes son sigue siendo un misterio. Algunos los llamaron "hermanos y hermanas" del protagonista. Es característico que Rembrandt evite el conflicto: la parábola habla de los celos de un hijo obediente, y la armonía de la imagen no se rompe de ninguna manera.

Van Gogh dijo con mucha precisión sobre Rembrandt: “Tienes que morir varias veces para dibujar así... Rembrandt penetra tan profundamente en el misterio que habla de objetos para los que no hay palabras en ningún idioma. Por eso se llama Rembrandt: el mago. Y esto no es un simple oficio”.

La guardia nocturna

Nombre con el que se conoce tradicionalmente el retrato de grupo de Rembrandt "Discurso de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenbürg", escrito en 1642.

El lienzo del maestro holandés está lleno de muchas "sorpresas". Comencemos con el hecho de que el nombre de la imagen que nos es familiar no corresponde a la realidad: la patrulla representada en ella no es en realidad toda la noche, sino lo más que es de día. Es solo que el trabajo de Rembrandt fue barnizado varias veces, por lo que se oscureció mucho. Además, casi 100 años (desde principios del XVIII hasta principios del siglo XIX) el lienzo adornaba uno de los salones del ayuntamiento de Ámsterdam, donde colgaba justo frente a la chimenea, cubierto de hollín año tras año. No es de extrañar que a principios del siglo XIX, el nombre "Guardia de la noche" se haya establecido firmemente detrás de la pintura: en ese momento, la historia de su creación se había olvidado por completo y todos estaban seguros de que el maestro representaba la oscuridad. hora del día. Solo en 1947, durante la restauración en el Rijksmuseum de Amsterdam, donde se encuentra la pintura hasta el día de hoy, resultó que su color era incomparablemente más claro de lo que comúnmente se creía. Además, las sombras cortas que proyectan los personajes indican que la acción se desarrolla entre el mediodía y las dos de la tarde. Sin embargo, los restauradores no eliminaron todas las capas de laca oscura, por temor a dañar la pintura, por lo que incluso ahora la Guardia Nocturna es más bien crepuscular.

El verdadero nombre del lienzo es "Discurso de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Wilhem van Reitenburg". Este es un retrato grupal de mosqueteros-milicias de uno de los distritos de Ámsterdam. De 1618 a 1648 se desarrollaba en Europa la Guerra de los Treinta Años, y los habitantes de las ciudades holandesas tomaron las armas para defender sus hogares. Se suponía que la creación de Rembrandt, junto con los retratos de otras compañías de fusileros, decoraría la sala principal de Kloveniersdolen, el cuartel general de los fusileros de la ciudad. Pero los clientes quedaron decepcionados: Rembrandt no resultó un monumental retrato oficial, a pieza de conversación, en el que luchaban por encontrar sus propios rostros, a menudo medio ocultos por otros personajes. ¡Todavía lo haría! Después de todo, el artista, además de 18 clientes (cada uno de los cuales pagó unos 100 florines de oro por su retrato, una cantidad muy impresionante en ese momento), ¡metió a otras 16 personas en el lienzo! Se desconoce quiénes son.

Museo – ¿Museo de Historia de Ámsterdam?

tres cruces

Uno de los grabados más famosos de Rembrandt, tiene cinco estados. Firmado y fechado sólo el tercero, por tanto, el resto Rembrandt lo consideró intermedio. La quinta condición es muy rara, solo se conocen cinco ejemplares.

El aguafuerte representa el momento dramático de la muerte de Cristo en la cruz del Calvario, descrito en los evangelios. En este grabado, Rembrandt, en una escala sin precedentes, utilizó la técnica de un cortador y una “aguja seca”, lo que aumentó el contraste de la imagen.

El 2 de diciembre de 2008, este grabado (estado IV) se vendió en Christie's por 421.250 libras esterlinas.

Descenso de la Cruz

En 1814, Alejandro I compró la Galería Malmaison a la emperatriz Josefina. Algunas de las pinturas procedían de la famosa Galería de Kassel, incluido el Descendimiento de la cruz. Anteriormente, estos lienzos eran propiedad de la Sra. de Ruwer en Delft y, junto con otras pinturas de su colección, fueron comprados por el Landgrave de Hesse-Kassel Ludwig VII. En 1806, Napoleón se hizo cargo de su galería y se la regaló a Josephine.

En 1815, el sucesor del Landgrave de Hesse-Kassel Ludwig VII, antiguo aliado de Alejandro I, presentó una demanda al emperador para la devolución de las pinturas incautadas por Napoleón. Esta demanda fue resueltamente rechazada por Alejandro I, quien pagó dinero por las pinturas y de todas las formas posibles mostró atención a Josephine y su hija Hortense. En 1829 Hortense, que en ese momento ostentaba el título de duquesa de Saint-Leu, compró treinta cuadros en la Galería Malmaison.
El tema “Descendimiento de la Cruz” tuvo una gran tradición iconográfica en el arte europeo. Su mayor logro fue la pintura del altar de Rubens en la Catedral de Amberes, ampliamente conocida por el grabado de Worsterman.

El pensamiento creativo de Rembrandt deambula por algún lugar cercano a esta tradición, utilizándola y al mismo tiempo eligiendo constantemente otros caminos. Inusuales para el desarrollo anterior del arte europeo, son muy característicos de la manera creativa personal de Rembrandt, y no es en vano que el "Descendimiento de la cruz" exteriormente se parezca tanto a "La incredulidad del apóstol Tomás".
Rubens representó el dolor sublime de un grupo de majestuosos y gente maravillosa oh héroe majestuoso y hermoso; Escena nocturna de masas inquietas de Rembrandt. Numerosas figuras se retiran a la oscuridad o caen en un rayo de luz, y parece que la multitud se mueve, vive, llora por el crucificado y se compadece de su madre. No hay nada ideal en la apariencia de las personas, muchas de ellas son groseras, feas. Sus sentimientos son muy fuertes, pero estos son sentimientos. la gente común, no iluminada por esa catarsis sublime que hay en el cuadro de Rubens.

El Cristo muerto es un hombre como ellos; es por la fuerza de su dolor que su sufrimiento y muerte adquieren un significado especial. La clave del contenido de la imagen es, quizás, no tanto Cristo, sino la persona que lo sostiene y presiona su mejilla contra él.
Desde un punto de vista artístico, una composición fraccionada e inquieta es inferior y pintura famosa Rubens, y algunas obras del propio Rembrandt, ejecutadas en los mismos años. Por ejemplo, la “Incredulidad del apóstol Tomás”, menos significativa en su contenido, parece exteriormente más armoniosa y holística. Sin embargo, en El Descendimiento de la Cruz, la comprensión inherente de Rembrandt del tema del evangelio bíblico se manifiesta con mayor claridad.

La obra del joven Rembrandt se diferencia de su prototipo en los rasgos más básicos. En primer lugar, no se creó formalmente ni en esencia como una imagen de altar de oración. Su tamaño de gabinete está dirigido no a la percepción de la multitud, sino a la experiencia individual. Esta apelación a los sentimientos y la conciencia de una persona, el establecimiento de un estrecho contacto espiritual con el espectador obligó al artista a crear un sistema completamente nuevo. medios artisticos y trucos Rembrandt vio la escena de la leyenda del evangelio como un evento real trágico, esencialmente privándolo de patetismo místico y heroico.

Luchando por la máxima sinceridad y veracidad de la imagen, Rembrandt mostró cerca de la cruz a una multitud cercana de personas, conmocionadas por el dolor, que buscaban la unidad familiar entre sí frente a una muerte terrible. La coloración tonal marrón-oliva unió toda la composición, y el flujo de luz resaltó su centro semántico principal de forma dramáticamente nítida. La mayor profundidad del sufrimiento se encarna en la imagen de la Madre de Dios que cayó inconsciente con su delgada cara demacrada Buenos trabajadores. El segundo grupo de dolientes se encuentra en el extremo izquierdo de la diagonal espacial: las mujeres colocan el sudario con reverencia, cumpliendo con su deber directo en relación con el difunto. El cuerpo caído de Cristo sostenido por el anciano -la encarnación de la carne humana torturada- evoca, ante todo, un sentimiento de profunda compasión.

novia judía

Una de las últimas y más enigmáticas pinturas de Rembrandt. El nombre le fue dado en 1825 por el coleccionista de Amsterdam Van der Hop. Creyó erróneamente que representaba a un padre dándole a su hija judía un collar para su boda. Tal vez este sea un retrato personalizado, pero las ropas de los personajes son claramente similares a las antiguas, bíblicas, por lo que se sugirió como nombre Artajerjes y Ester, Jacob y Raquel, Abram y Sara, Booz y Rut.

Saskia como Flora

Cuadro de Rembrandt, pintado en 1634, que probablemente representa a la esposa del artista, Saskia van Uylenbuch, en la forma de la antigua diosa italiana de las flores, la floración, la primavera y los frutos del campo Flora.

En 1633, Saskia van Uylenbürch se convirtió en la novia de Rembrandt van Rijn. Un encantador retrato de la joven Saskia vestida de Flora es un mudo pero elocuente testimonio de esta “temporada de primavera y amor” de la genial pintora.

El rostro pensativo, pero sin duda feliz, de la niña es bastante consistente con los sentimientos de la novia. Ya no es una niña juguetona que mira descuidadamente el mundo de Dios. Tiene una tarea seria por delante: ha elegido un nuevo camino, y tiene que cambiar de opinión y volver a sentir muchas, muchas cosas antes de entrar en la edad adulta. El tocado y la varita entrelazados con flores ciertamente apuntan a Flora, la antigua diosa romana de la primavera. El atuendo de la diosa está escrito con una destreza asombrosa, pero la verdadera grandeza del talento de Rembrandt se manifiesta en la expresión de ternura que el artista puso en su rostro.

La amada esposa trajo la luz de la felicidad y la alegría sincera a la vivienda solitaria del modesto artista. A Rembrandt le gustaba vestir a Saskia con terciopelo, seda y brocados, según la costumbre de la época, los colmaba de diamantes y perlas, mirando con amor cómo su hermoso y joven rostro ganaba a un brillante atuendo.

Museo - Hermitage estatal

Estilo

Profundamente humanista en su esencia y perfecta en su forma artística única, la obra de Rembrandt se ha convertido en uno de los pináculos del desarrollo de la civilización humana. Diversas en géneros y temas, las obras de Rembrandt están imbuidas de ideas de moralidad, belleza espiritual y dignidad de una persona común, comprensión de la incomprensible complejidad de su mundo interior, la versatilidad de su riqueza intelectual y la profundidad de sus experiencias emocionales. Escondidos en sí mismos, muchos misterios sin resolver, pinturas, dibujos y grabados de este notable artista cautivan con perspicaces características psicológicas de los personajes, aceptación filosófica de la realidad, justificación convincente de decisiones artísticas inesperadas. Su interpretación de las historias de la Biblia, los mitos antiguos, las leyendas antiguas y el pasado de su país natal como eventos realmente significativos en la historia del hombre y la sociedad, las colisiones de vida profundamente sentidas de personas específicas abrieron el camino para una interpretación libre y ambigua de la tradición. imágenes y temas.

amor rembrandt

La famosa musa de Rembrandt Saskia fue la hija más joven burgomaestre de la ciudad de Leeuwarden. Esta belleza pelirroja de piel blanca creció en una familia numerosa y muy rica. Cuando la niña tenía 12 años, la madre de la familia murió. Pero la niña aún no sabía nada que rechazar, y llegado el momento, se convirtió en una novia muy envidiable.

Un encuentro histórico entre el artista y la joven tuvo lugar en la casa del primo de la niña, el artista Hendrick van Uylenburg, quien también era anticuario. Rembrandt está literalmente enamorado de una chica: piel luminosa y delicada, cabello dorado ... Agregue a esto la capacidad de mantener una conversación informal. En broma, invitó a un pintor famoso a pintar su retrato. Y eso es todo lo que necesita: Saskia es un modelo ideal para los temas de Rembrandt en tonos oscuros y apagados.

Rembrandt comienza a pintar un retrato. Se encuentra con Saskia no solo en las sesiones. Cambiando su principio, trata de dar paseos de placer y fiestas. Cuando se completó el trabajo en el retrato y cesaron las reuniones frecuentes, Rembrandt entiende: esta es la persona con la que quiere casarse. En 1633, Saskia van Uylenburg se convirtió en la novia del artista, y el 22 de julio de 1634 tuvo lugar la tan esperada boda.

El matrimonio con Saskia abre el camino del artista a la alta sociedad. El padre del burgomaestre dejó a la amada una herencia colosal: 40.000 florines. Incluso con una pequeña parte de esta cantidad fue posible vivir cómodamente durante muchos, muchos años.

Cónyuges felices y amorosos comenzaron a equipar una casa común. Pronto comenzó a parecerse a un museo. Las paredes estaban decoradas con grabados de Miguel Ángel y pinturas de Rafael. Saskia estuvo de acuerdo con todo, amaba mucho a su esposo. Y él, a su vez, la colmó de joyas, pagó los baños más exquisitos. Y, por supuesto, trató de capturar su imagen favorita. Rembrandt, se podría decir, se convirtió en un cronista de su vida familiar. En dias tempranos Luna de miel esposos, se pintó el famoso "Autorretrato con Saskia de rodillas".

En 1635, nació el primer hijo en la familia, pero no vivió mucho, y esto fue un golpe terrible para la joven madre.

Durante mucho tiempo no quiso separarse del cuerpo de su hijo, alejó a todos de ella, sin soltar al niño muerto. La desdichada madre paseaba con él por la casa, arrullándolo y llamándolo con todos los tiernos nombres que ella y su marido solían llamar a Rembrantus en los primeros días felices.

Rembrandt era consciente de que, a excepción de las horas que pasaba en el caballete, solo podía vivir cerca de Saskia. Sólo con ella se siente hombre: el amor es la fuente de la vida, y sólo ama a Saskia ya nadie más.

Después de la muerte de Rembrantus, Saskia perdió dos hijos más al nacer. Sólo el cuarto hijo, Titus, que nació en 1641, pudo sobrevivir a los difíciles años de la infancia. El niño lleva el nombre de la difunta Tizia, la hermana de Saskia.

Sin embargo, los partos constantes tuvieron un efecto perjudicial en la salud de Saskia. La aparición de imágenes puramente paisajísticas del artista a fines de la década de 1630 a veces se explica por el hecho de que en ese momento, debido a la enfermedad de su esposa, Rembrandt pasaba mucho tiempo con ella fuera de la ciudad. En la década de 1640, el artista escribe relativamente pocos retratos.

Saskia van Uylenburg murió en 1642. Ella solo tenía treinta años. En el ataúd, parecía una viva...

En ese momento, Rembrandt estaba trabajando en la famosa pintura "La ronda de noche".

Museo Casa de Rembrandt

Museo de Arte en Jodenbreestraat en el Barrio Judío de Ámsterdam. El museo abrió sus puertas en 1911 en una casa que Rembrandt compró en el apogeo de su fama en 1639 y en la que vivió hasta su bancarrota en 1656.

Durante casi 20 años de vida (de 1639 a 1658) en Jodenbrestraat, Rembrandt logró crear muchas obras hermosas, hacerse famoso, coleccionar una colección única de pinturas y rarezas de todo el mundo, adquirir estudiantes, dilapidar la fortuna de su primera esposa, perder a sus principales clientes, contraer enormes deudas y poner la casa bajo el martillo.

Rembrandt también tuvo que vender mayoría su suntuosa colección de pinturas y antigüedades, incluidas obras del gran artistas europeos, bustos romanos de emperadores, e incluso armaduras de batalla japonesas, además de mudarse a una vivienda más modesta. Habiendo sobrevivido a ambas esposas e incluso a su propio hijo, Rembrandt murió en la pobreza y la soledad.

Dos siglos y medio más tarde, en 1911, por orden de la reina Guillermina, la casa se convirtió en un museo que, a diferencia, por ejemplo, del Museo Van Gogh, es, en primer lugar, no Galería de arte, y los apartamentos restaurados del gran artista: una enorme cocina en el primer piso, una sala de recepción, un dormitorio principal y un dormitorio de invitados en el segundo, la habitación más grande de la mansión -un estudio- en el tercero, y en el ático - los talleres de sus alumnos.

Fue posible restaurar el interior con la ayuda de un inventario de bienes elaborado por un notario al vender todas las propiedades del artista en una subasta, y dibujos del propio artista, en los que exhibía su casa.

Aquí puede ver sus pertenencias personales, muebles del siglo XVII y otras exhibiciones interesantes, como una hermosa máquina de grabado o rarezas en el extranjero.

El museo exhibe casi todos los grabados del gran Rembrandt: 250 de 280, magníficos autorretratos del artista, dibujos de sus padres, esposa e hijo Titus, maravillosas vistas de Ámsterdam y sus alrededores.

Incluso el baño del museo requiere una atención especial: allí se pueden ver dibujos de Rembrandt sobre el tema correspondiente: una mujer en cuclillas en los arbustos y un hombre de pie en una pose característica de esta institución.

Rembrandt - todo lo que necesitas saber sobre el famoso artista holandés actualizado: 13 de noviembre de 2017 por: sitio