Música y emociones. Aplicación de las TIC en las clases de música "El Mundo de los Sentidos Humanos"

MÚSICA Y OTRAS ARTES

Lección 13

Tema: Paz sentimientos humanos.

Objetivos de la lección: desarrollar la capacidad de resaltar y rastrear el mundo interior especial de las experiencias personales de una persona a través de la música de compositores románticos.

Materiales para la lección: material musical, retratos de compositores.

Durante las clases:

Organizar el tiempo.

Suena la pieza “La alondra” de M. I. Glinka.

Lea el epígrafe de la lección. ¿Cómo lo entiendes?

Escribe en la pizarra:

“Penetrando más profundamente en los secretos de la armonía, aprenda a expresar los matices más sutiles de los sentimientos”.
(R.Schumann)

Mensaje del tema de la lección.

Hoy en clase continuamos nuestra conversación sobre el romance.

Trabajar en el tema de la lección.

1. Repetición de lo aprendido.

Probablemente estarás de acuerdo en que hoy en día es difícil conocer a una persona que no sepa nada sobre romance. Genero musical, tan popular hoy en día. Recordemos qué es el romance. (La palabra romance nos traslada a la lejana Edad Media, a España. En románico significa en español, es decir, es lo mismo. Así se distinguía el canto en la lengua nativa española de los cánticos en latín de la iglesia. Posteriormente, el nombre “romance” se extendió por todo el mundo, las obras para voz acompañadas de piano o guitarra comenzaron a denominarse romances que revelan experiencias personales muy sutiles y profundas.

A diferencia de una canción, un romance utiliza medios de expresión más complejos y formas más complejas que el simple verso característico de una canción. El compositor se esfuerza por transmitir entonaciones precisas. discurso poético y reflejan toda la serie de imágenes y estados de ánimo líricos.

La canción se puede cantar con o sin acompañamiento. El romance no está completo sin acompañamiento musical, porque, junto con la melodía, no solo transmite el contenido, sino que también lo profundiza, participando en la creación de una imagen musical. El romance es un sistema sublime especial de sentimientos y una visión poética del mundo.

Escuchamos esto en la cultura moderna y viejos romances, a menudo interpretado por brillantes estrellas del pop, celebridades de la ópera, bardos con el acompañamiento de simples rasgueos de guitarra y varios grupos vocales. Cada uno de los intérpretes toca los hilos de un tema cercano a él.

2. Escuchar una pieza musical.

Romance - Trabajo original. Un romance debe tener un poeta que escriba los poemas y un compositor que les escriba la música. Pequeño pieza vocal, que une dos corrientes curativas, la poesía y la música, nos habla de los sentimientos de una persona, de su amor, alegría, felicidad, tristeza, tristeza.

El romance "Noche triste" es una obra poco común por la profundidad de su sentimiento poético y la sutileza de su encarnación musical. S. Rachmaninov fue el mayor maestro letras vocales; su obra está marcada por un enorme talento original y gusto artístico. Lo mismo puede decirse sobre herencia literaria I. Bunin, cuyo talento en el campo de la prosa y la poesía dio origen a muchas páginas verdaderamente grandiosas.

Unión creativa de dos maestros brillantes condujo a la creación de esta sentida declaración musical y poética. “La noche es triste, como mis sueños”, ya en las primeras líneas del poema de Bunin suena un motivo que se ha vuelto tradicional para el arte ruso, el motivo de la unidad de la naturaleza y alma humana. Pero en comparación con "Lark" de Glinka, se ha vuelto mucho más complicado: muestra no sólo un sentimiento lírico, sino una larga cadena de imágenes, comprensibles y al mismo tiempo alegóricas.

Lejos, en la estepa amplia y profunda
La luz parpadea sola.

La soledad del corazón es como una luz, el único punto vivo en medio de un paisaje sordo e inanimado.

Hay mucha tristeza y amor en mi corazón.

Esta línea inesperadamente trae una sensación dolorosamente cálida. Empezamos a comprender mejor al héroe, su tristeza viva, convertida en el silencio de la estepa nocturna. Y la música, que todavía suena rítmicamente, coloreada en una escala menor, de repente se ilumina y se llena de un nuevo aliento. El impulso hacia otra persona, el deseo de derramar el corazón, altera el movimiento rítmico de la música.

Pero ¿quién y cómo se lo dirás?
¿Qué te llama, de qué está lleno tu corazón?

La pregunta contenida en estas líneas sigue sin respuesta. La estepa todavía está vacía, no hay un alma alrededor. La soledad de una persona se fusiona con la tristeza de la noche, y todo esto encuentra un significado inusualmente sutil. encarnación musical. El impulso es reemplazado por el mismo sonido medido, y la repetición de la línea original en la parte del solista suena como una silenciosa resignación.

La frase vocal final queda inacabada, como si de ella pendiera la entonación de una pregunta. Sin embargo, el fluir de la música no se detiene, su fluir recoge esta última entonación, y luego, hasta el final, la música suena sola, sin voz humana, como si terminara lo que no se puede expresar con palabras.

Vemos cuán animada se vuelve la naturaleza, cercana a los sentimientos humanos, cuánto Significado oculto en cada paisaje. “La noche es triste”, ¿no es triste porque quien la contempla está triste? Y si estuviera alegre, ¿le parecería la estepa tan silenciosa y sorda?

Los poemas de muchos poetas son musicales en sí mismos. Tomemos, por ejemplo, la obra del maravilloso poeta alemán Heinrich Heine, uno de los más grandes líricos. poetas del siglo XIX siglo. No es de extrañar que Robert Schumann, perteneciente a la generación de artistas románticos que descubrieron los matices más sutiles de los estados de ánimo humanos y adoraran la riqueza. mundo interior hombre, recurrió a la obra de este gran poeta. Entre los mejores ciclos de canciones de Schumann se encuentra “El amor del poeta”, escrito con poemas de Heinrich Heine. El ciclo consta de dieciséis romances, en los que se desarrolla una apasionante historia de amor del poeta.

Ahora escucharemos la primera canción (romance) de este ciclo, “En el resplandor de los cálidos días de mayo”. ( Escuchando una pieza musical).

¿Qué nos puedes contar sobre este trabajo? ¿Qué sentimientos te provocó? ¿Cómo sonaba la música? ? (Se interpretó el romance "En el resplandor de los cálidos días de mayo" de R. Schumann con la letra de G. Heine del ciclo "El amor de un poeta". La música sonaba de alguna manera fresca y ligera en primavera, la obra habla de el despertar de la naturaleza, el canto de los pájaros.)

De hecho, este es un maravilloso romance primaveral, el primero del ciclo. El “despertar del alma”, la vida del corazón están próximos y en consonancia con los movimientos que ocurren en la naturaleza:

En el resplandor de los cálidos días de mayo
Cada hoja se abrió,
Después me desperté
Sed de amor y cariño.

Schumann transforma aromas poéticos, suspiros y anhelos en suaves sonidos de piano. Y confía a la voz melodías expresivas, como la poesía.

3. Trabajar con el libro de texto.

Abran sus libros de texto en la página 85. Verán frente a ustedes una reproducción del cuadro de Isaac Levitan “ Manzanos en flor", escrito en la técnica del impresionismo. Míralo con atención. ¿Crees que está en sintonía con el romance de Schumann? esta imagen? (Creemos que sí, al mirar esta imagen hay una sensación de frescura, luz, una ligera brisa, un ambiente primaveral).

El impresionismo también recibió su mayor desarrollo en el siglo XIX. Impresionismo (de la impresión francesa - impresión).

Artistas esta direccion Traté de capturar lo más natural. mundo real en su movilidad y variabilidad, para transmitir una impresión fugaz. Los artistas de esta dirección de pintura se caracterizan por la transmisión de estados de ánimo sutiles y matices psicológicos. Sientes lo cerca que está esto de entender el romance.

Estas pinturas son inusualmente transparentes y poéticas, al igual que los romances. Pasa la página, ¿qué ves? Pintura superior de Claude Monet, “Un rincón del jardín en Montgeron”, que representa el verano. A continuación se muestra una pintura de V. Polenov "Otoño en Abramtsevo", que transmite la belleza del cálido día de otoño. En la página siguiente hay una pintura de I. Grabar “ febrero azul", que representa abedules en un cálido y soleado día de invierno.

Podemos decir que cada estación, cada color, flor, olor lleva el mundo entero Imágenes cercanas y comprensibles para el hombre con su eterno deseo de felicidad, amor y belleza.

En las obras de los románticos surge toda una gama de tramas, motivos y entonaciones que profundizan el tema de los sentimientos humanos. Lea el texto en las páginas 87-88 de sus libros de texto. ¿Qué podemos concluir? (El romance "En el resplandor de los cálidos días de mayo", el primer romance del ciclo "El amor del poeta", habla de amor. Suena tímida esperanza de felicidad futura, las frases melódicas son algo vagas, las entonaciones son en su mayoría de naturaleza desequilibrada.)

¿Qué papel juega el acompañamiento? (El acompañamiento es parte inseparable de la obra y representa un movimiento continuo).

Es cierto que aquí, hasta el último acorde, persiste la inestabilidad de la armonía, que en su mayor parte equivale a disonancia. Disonancia traducida del latín significa "sueno desafinado". Este término musical Se llama combinación de dos o más sonidos que forman un sonido tenso y agudo. Quizás esta disonancia lleve consigo una premonición de la catástrofe final de la decepción: el difícil y doloroso camino del "amor del poeta", expresado en 16 romances del ciclo.

Chicos, la música de Robert Schumann es increíblemente pintoresca. Supo pintar un retrato, un paisaje, una escena cotidiana con sonidos para que se convirtieran en pequeñas historias. gran vida. No sólo fue un maravilloso compositor y pianista, sino también el creador de una revista musical y literaria, en la que hablaba de arte musical y cómo se debe escuchar la música de grandes maestros.

4. Trabajo vocal y coral.

La profesora interpreta "La alondra" de M. I. Glinka.

Chicos, ¿conocéis esta melodía? ¿De dónde es? (Este es el romance "Lark" basado en la letra de Kukolnik, música de M. I. Glinka). Bien. ¿Está este romance en consonancia con el romance "En el resplandor de los cálidos días de mayo"? (Tanto sí como no. Sí, porque la primavera es luz, frescura, alegría. No, porque la tristeza está presente en ambas obras. En Glinka la tristeza es ligera, pero en Schumann es de alguna manera vaga, una premonición de decepción, traición).

Hoy aprenderemos el primer verso del romance “Lark”.

Resumen de la lección.

¿En qué se diferencia un romance de una canción?

Tarea:

1. Intenta determinar la principal diferencia entre un romance y una canción.
2. ¿Por qué algunos romances existen de forma independiente, mientras que otros se combinan en un ciclo?
3. ¿Por qué es tan importante el papel del acompañamiento del piano en una novela?
4. En el “Diario de observaciones musicales”, escribe un poema al que le compondrías una novela si fueras compositor.

Presentación

Incluido:
1. Presentación - 15 diapositivas, ppsx;
2. Sonidos de la música:
Glinka. Alondra (en español BDH), mp3;
Rajmáninov. La noche es triste, mp3;
Schumann. En el resplandor de los cálidos días de mayo, mp3;
3. Artículo adjunto: notas de la lección, docx.

La influencia de la música en la esfera emocional de una persona.

Para la práctica de la educación estética, parece muy importante encontrar formas de formar una alta cultura emocional en los escolares. Cultivar la capacidad de responder a toda la gama de experiencias humanas es una de las tareas importantes de la educación musical. Para ello, el profesor de música debe tener información sobre los patrones a partir de los cuales las emociones humanas se reflejan en la música.

Todos los programas de educación musical y recomendaciones metodológicas existentes enfatizan que la música es un medio para desarrollar la esfera emocional de los estudiantes, pero el repertorio propuesto se construye de acuerdo con principios históricos, temáticos o de género. En ninguno de los programas de educación musical existentes ha sido posible encontrar principios para seleccionar obras musicales en función de su contenido emocional, así como aquellos fundamentos objetivos sobre los cuales una determinada obra musical puede atribuirse a la expresión de un determinado estado emocional. Los programas musicales no dicen nada sobre la relación entre la actitud valorativa hacia un objeto y la naturaleza de las experiencias vividas al mismo tiempo. Como regla general, se dice que si una persona ama algo, entonces de alguna manera debería excitarlo. La cuestión principal es identificar la conexión entre la esfera emocional de una persona y los patrones de su reflejo en la música, es decir, La traducción de las emociones cotidianas en estéticas aún no se ha revelado completamente en musicología.

La búsqueda de una solución al problema que nos ocupa tiene una larga historia. Los antiguos filósofos griegos, en cuyas obras encontramos el desarrollo de los principios de la influencia ética de la música en el hombre, partieron de su carácter imitativo. Al imitar tal o cual afecto con la ayuda del ritmo, la melodía, el timbre, el sonido de tal o cual instrumento musical, la música, según los antiguos, evoca en los oyentes el mismo afecto que imita. De acuerdo con esta posición, en la estética antigua se desarrollaron clasificaciones de modos, ritmos e instrumentos musicales, que deberían utilizarse para cultivar los rasgos de carácter apropiados en la personalidad de un ciudadano antiguo.

En la Edad Media este problema fue estudiado en el marco de la teoría de los afectos, que establece una conexión entre las manifestaciones emocionales de una persona en la vida y la forma en que se reflejan en la música. Esta teoría examinó en detalle la interacción de tiempos, ritmos, modos y timbres en la transmisión de estados emocionales, su efecto en personas con diferentes temperamentos, pero nunca se creó un concepto completo para modelar las emociones en la teoría de los afectos.

Entre los estudios modernos, destacan los trabajos de V.V. Medushevsky, quien señala que “el principio de modelado implica la presencia de una cierta correspondencia entre la estructura semántica de una obra musical y nuestras ideas intuitivas sobre las emociones”.

Experimento: Para identificar los parámetros más importantes para el reflejo de las emociones en la música, a un grupo de cinco músicos expertos se les ofrecieron 40 piezas musicales con la tarea de clasificarlas según los estados emocionales comunes que se expresaban en ellas. Fue necesario diferenciar las obras musicales según los parámetros “enfado”, “alegría”, “tristeza”, “tranquilidad”. Como resultado del experimento se seleccionaron 28 obras, las cuales fueron clasificadas por todos los expertos como que expresan emociones de una misma modalidad. El modelo propuesto para categorizar las emociones en función de dos parámetros (tempo y modo) obedece a la ley de los cambios cuantitativos y su transición a diferencias cualitativas. La misma melodía, interpretada en modo mayor o menor, en tempo rápido o lento, transmitirá, dependiendo de esto, una emoción diferente. Por tanto, si nos propusiéramos colocar varias obras musicales en la cuadrícula de coordenadas propuesta, entonces algunas de ellas, dependiendo de la intensidad de la emoción expresada, se ubicarían más cerca de uno de los ejes de coordenadas y otras más alejadas. Por ejemplo, muy pieza triste se ubicará más lejos del eje y que una obra que exprese una ligera tristeza elegíaca.

Como muestra la práctica de las observaciones pedagógicas, esta categorización de las emociones basada en dos componentes de los medios de expresión musical se manifiesta bastante claramente en la percepción de la música de la época barroca (A. Vivaldi, J.S. Bach), los clásicos vieneses (F. Haydn , W. Mozart, L. Beethoven ), compositores románticos (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, F. Liszt, E. Grieg, J. Brahms), ruso música clásica(P.I. Tchaikovsky, N.A. Rimsky-Korsakov, A.K. Glazunov), música contemporánea (S.S. Prokofiev, D.D. Shostakovich).

En las obras tradicionales de expresión musical se pueden identificar los siguientes patrones que conviene tener en cuenta a la hora de percibir la música para comprender las emociones inherentes a ella:

1. Tempo lento + coloración menor del sonido en forma generalizada simula la emoción de tristeza y transmite el estado de ánimo de tristeza, desaliento, dolor, arrepentimiento por el pasado maravilloso.

2. El ritmo lento + coloración importante simulan estados emocionales de paz, relajación y satisfacción. El carácter de la obra musical en este caso será contemplativo, equilibrado y pacífico.

3. Tempo rápido + coloración menor en forma generalizada modelan la emoción de la ira. La naturaleza de la música en este caso será intensamente dramática, excitante, apasionada y heroica.

4. El tempo rápido + coloración importante simula la emoción de la alegría. El carácter de la música es afirmativo de la vida, optimista, alegre, alegre, jubiloso.

Un análisis más detallado del modelo propuesto para reflejar las emociones en la música mostró que, en sus características, es en cierto sentido isomorfo a la conocida clasificación de temperamentos propuesta por Eysenck. Pero en lugar del parámetro "introversión-extroversión", nuestro modelo toma el tempo - lento-rápido, y en lugar de "estabilidad-inestabilidad" - el parámetro mayor-menor. En ambos modelos, para caracterizar tanto el temperamento de una persona como el estado de ánimo de una obra musical, resulta suficiente tener indicadores de dos variables: el tempo (ya sea actividad mental o una obra musical) y las características cualitativas de la experiencia emocional, reveladas. en un caso, en el concepto de “estabilidad-inestabilidad”, y en el otro, en un modo mayor o menor. Lo principal es que entre la vida emocional de una persona y su manifestación en el temperamento natural, por un lado, y el reflejo de sus características en la música, por el otro, existen ciertas dependencias y conexiones,

Se sabe que las personas coléricas y optimistas se distinguen por un ritmo rápido de actividad mental, mientras que las personas melancólicas y flemáticas son más lentas. Si las personas melancólicas y coléricas se distinguen por la inestabilidad, la inestabilidad del estado de ánimo, entonces las personas flemáticas y sanguíneas se distinguirán por la estabilidad, la mayoría general de la cosmovisión emocional.

En la teoría del afecto mencionada anteriormente, se postuló que a los oyentes les gusta más la música que en la mayor medida coincide con su temperamento natural. Se propuso comprobar esta posición en un experimento. Se pidió a 58 escolares de los grados VIII-IX que escucharan varias piezas musicales que expresaban diferentes emociones (tristeza, alegría, enfado, calma).

A los participantes en el experimento se les pidió que calificaran cada una de las obras escuchadas en una escala de cinco puntos, de -2 a +2 con gradaciones: "no me gusta en absoluto", "no me gusta", "indiferente". , “me gusta”, “me gusta mucho”. También fue necesario clasificar las obras escuchadas según su grado de preferencia.

El cuestionario de personalidad de Eysenck “Extraversión-neuroticismo” (Formulario A) permitió identificar el temperamento de los participantes del experimento. Durante el análisis, se excluyeron ocho cuestionarios por no ser fiables, ya que el número de puntos en la escala "Falso" superó las 5 unidades. De los 50 cuestionarios restantes, en 21 casos obtuvimos una coincidencia entre el temperamento del estudiante identificado mediante el cuestionario y la naturaleza de la música que más le gustaba. En 29 casos, a los escolares les gustaba la música que no se correspondía con las características de su temperamento. Por lo tanto, no se confirmó completamente la suposición de que a los escolares les debería gustar más la música que mejor se adapte a su temperamento natural. Descubrimos que la preferencia por obras musicales cuyo estado de ánimo corresponda a las características temperamentales de un escolar en particular se observa principalmente entre aquellos que tienen poca experiencia musical. Los estudiantes desarrollados musicalmente, que reaccionan vívidamente a la música, dieron altas calificaciones a todas las obras que escucharon y les resultó difícil elegir la que más les gustaba. Estos escolares parecían alejarse de sus preferencias naturales y podían valorar positivamente la música de carácter diferente a su temperamento. Se puede suponer que la vivacidad de reacción ante obras musicales de diferente naturaleza indica el desarrollo de la esfera emocional de los estudiantes. Sin embargo, es necesario seguir estudiando para encontrar correlaciones más sutiles entre el nivel de desarrollo de la esfera emocional del estudiante, el nivel de su capacidad de respuesta musical y las características de su temperamento natural.

La educación musical, al ofrecer a los estudiantes emociones de diversas modalidades en el contenido de las obras musicales, los hace al mismo tiempo más capaces de experimentar aquellos estados emocionales que no forman parte de la estructura de las emociones de su temperamento natural, ampliando y profundizando así los contactos con las personas. alrededor de ellos y la realidad.

……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………. RESPUESTA EMOCIONAL A LA MÚSICA

Un lugar especial para elevar el nivel de la cultura moral y estética de la generación más joven pertenece a la música, que, al influir activamente en la conciencia de una persona y su esfera emocional, es el medio más importante e indispensable. desarrollo espiritual personalidad. La percepción del significado expresivo del lenguaje musical, la penetración en el contenido de una obra, en su significado emocional, sólo es posible si existe la capacidad de responder emocionalmente a la música, por lo tanto, cultivar en los niños el amor por la música, la capacidad de empatizar. con el significado figurativo y emocional que encierra, es una de las principales tareas de la educación musical de los niños.

en psicología Se entiende la capacidad de respuesta emocional (receptividad, sensibilidad). :

como propiedad de un individuo para reaccionar emocionalmente de manera fácil, rápida y flexible a diversas influencias: eventos sociales, el proceso de comunicación, características de las parejas, etc.

como reacción emocional al estado de otra persona, como principal forma de manifestación de una actitud emocional efectiva hacia otras personas, incluida la empatía y la simpatía;

como indicador del desarrollo de sentimientos humanos y relaciones colectivistas.

Se entiende la capacidad de respuesta emocional ante las obras de arte. :

como la capacidad de responder a eventos, fenómenos, obras de diferentes géneros;

como la capacidad de empatizar con los personajes, de correlacionar hechos literarios con experiencias de vida;

como la capacidad de empatía emocional por la música;

como respuesta emocional a las obras de arte.

La capacidad de respuesta emocional es el punto de partida para el desarrollo de sentimientos, relaciones y necesidades estéticas, así como de los gustos e intereses estéticos del individuo.

Los sentimientos estéticos y las emociones estéticas constituyen la etapa más alta en el desarrollo de los sentimientos humanos y son un indicador del nivel de vida espiritual de una persona.

Según I. Kant, “la capacidad de respuesta emocional es un catalizador del pensamiento (más precisamente, de la inteligencia), ya que inicialmente ennoblece la mente, estetizándola”.

La edad preescolar es un período en el que predomina el conocimiento sensorial del mundo. Es a esta edad cuando es necesario enseñar al alma a trabajar: a empatizar con la otra persona, sus sentimientos, pensamientos, estados de ánimo.

La educación estética tiene como objetivo desarrollar las habilidades de los niños en edad preescolar para percibir, sentir y comprender lo bello, notar lo bueno y lo malo, actuar creativamente de forma independiente, involucrándose así en diversos tipos de actividades artísticas.

Uno de los medios de educación más brillantes es la música. La capacidad de respuesta emocional a la música es la base de la musicalidad. Se asocia con el desarrollo de la capacidad de respuesta emocional en las relaciones con las personas, con el cultivo de cualidades de personalidad como la bondad, la capacidad de simpatizar con otra persona (A.I. Katinene, M.L. Palavandishvili, O.P. Radynova).

La música es cognición emocional. Por tanto, el principal signo de la musicalidad de B.M. es Teplov llama a la experiencia de la música la experiencia en la que se comprende su contenido. "Dado que la experiencia musical en esencia es una experiencia emocional y el contenido de la música no puede entenderse excepto a través de una forma emocional, el centro de la musicalidad es la capacidad de una persona para responder emocionalmente a la música".

• Formar en los estudiantes una actitud hacia los valores morales y espirituales universales, prepararlos para la percepción del complejo, a veces contradictorio, mundo interior de una persona, recreado en la música de diferentes épocas.

Tareas:

Educativo:

• para formarse una idea de las características estilísticas de la obra del compositor ruso P.I. Tchaikovsky utilizando el ejemplo de la obertura fantástica "Romeo y Julieta" y
• la capacidad de la canción de un bardo para revelar mundo emocional persona.

De desarrollo:

• desarrollar la capacidad de respuesta emocional y el pensamiento musical;

Educativo:

• Inculcar en los estudiantes, a través de las obras de P.I. Tchaikovsky y Yu Vizbor, cualidades espirituales y morales: humanismo, comprensión mutua, devoción, capacidad de encontrar un compromiso, rechazo de la violencia contra el individuo, fe en la bondad y el amor.

Equipo: PC, proyector multimedia, identificación, presentación interactiva, presentación PowerPoint, piano.

Plan de estudios:

Entrar al aula, saludar, sentarse.

2. Actualización de conocimientos

U: Hoy continuaremos nuestra conversación contigo sobre música dedicada a tema eterno En arte. ¿Quizás recuerdes y nombras cuál es este tema?

D: Este tema es “El mundo de los sentidos humanos”.

W: Así es, pero ¿con qué frecuencia crees que los artistas, poetas, músicos y dramaturgos han recurrido y están recurriendo a este tema?

D: Muy a menudo.

U: Pasemos a la idea artística y pedagógica de nuestra lección, pensemos en su significado y díganme cómo puede funcionar en nuestra lección, ¿por qué la elegí para la lección de hoy? (Estoy leyendo).

D: Estas líneas esconden un significado muy amplio y profundo. Dicen que el hombre de hoy, nuestro contemporáneo, experimenta los mismos sentimientos que otras personas. Las nuevas generaciones no inventan nuevas relaciones y sentimientos, experimentan los mismos que pudieron experimentar personas que vivieron lejos de nosotros en el espacio y el tiempo.

W: Bien hecho, entendiste el significado de estas líneas con mucha precisión. Dime, ¿cómo podemos conectarlo con las obras de arte, en particular con la música que se tocará en la lección?

D: Cualquier obra de arte nos habla de las personas, de sus vivencias, de sus pasiones. ¡Y la música es precisamente el lenguaje que, como ningún otro arte, lo contará clara y claramente!

3. Escuchar

U: Es genial que hayas entendido el enfoque de nuestra lección de hoy y te invito a familiarizarte con una nueva pieza musical que nos revelará un mundo maravilloso: el mundo de los sentimientos humanos.

Echa un vistazo a la pantalla (Diapositivas 3,11 y 12, cm . Apéndice 3).

- Hoy lo descubriremos. historia triste, que le contó al mundo hace casi 4 siglos el gran dramaturgo, poeta y actor inglés, William Shakespeare. La persona que estaba más interesada. relaciones humanas, sentimientos y voluntad de defender sus puntos de vista y principios, incluso muriendo por ellos. Esta historia se cuenta en la tragedia “Romeo y Julieta”. Escuche su comienzo, el prólogo, y piense en cuál es la base de la trama. (Diapositiva 4)

D: La trama de esta obra se basa en el conflicto entre dos familias en guerra, que provocó la muerte de sus hijos.

W: ¿Por qué crees que murieron sus hijos? Se llamaban Romeo, el hijo de Montague, y Julieta, la hija de Capuleto.

D: Probablemente porque se enamoraron y querían estar siempre juntos, pero lo más probable es que sus padres no se lo permitieran, por lo que permanecieron juntos y resistieron una enemistad ciega e innecesaria.

T: Mira la tarea y piensa en ella. (Diapositiva 5)¿Hay lugar para los sentimientos humanos en esta difícil historia?

D: Sí, por supuesto, aquí pueden aparecer sentimientos muy diferentes, vívidos y contradictorios.

W: Bueno, ¿qué imágenes, en tu opinión, debería mostrar un compositor que escribiera música para esta historia?

D: Lo más probable es que sea el Amor de Romeo y Julieta y la Enemistad de los Padres.

U: ¡Así es, usted, como los verdaderos compositores, hizo frente a esta tarea! Has identificado y nombrado las imágenes principales. Pero aclaremos qué imagen mostrar primero: ¿Amor o Enemistad? ¿Lo que paso primero?

D: Enemistad. Pero, a pesar de ello, ¡apareció el Amor!

U: ¡Bien hecho! ¡Mira la pantalla para ver cómo lo hiciste exactamente! (Diapositivas 6 y 7).

Ahora intentemos “componer” la música de estas imágenes, recurriendo a medios expresivos musicales básicos y utilizando la presentación interactiva (o tablas de las diapositivas 15 y 16).

(Los estudiantes seleccionan medios musicales y expresivos para la imagen de la Enemistad y la imagen del Amor, creando así imágenes en su conjunto. Es recomendable asignar tareas en grupos (filas) o niños-niñas para acelerar el trabajo de diseño de imágenes. Anexo 1). Comprobamos el resultado y lo aclaramos.

U: Bueno, ustedes son verdaderos maestros, presentaron las imágenes de manera muy vívida. Y ahora quiero presentarles la música ya creada en base a esta tragedia. El autor de esta música es un conocido compositor: Pyotr Ilyich Tchaikovsky. (Diapositiva 8). Esta es la Obertura, una fantasía de "Romeo y Julieta".

¿Estás familiarizado con el género: obertura? ¿Lo que es?

D: La obertura es una introducción orquestal a una ópera, ballet, obra de teatro o película, que muestra brevemente las imágenes principales de la obra. A veces, una obertura puede ser una obra sinfónica independiente.

U: Una respuesta bastante completa, solo queda saber en qué tipo se debe clasificar nuestra obertura.

D: Lo más probable es que sea un trabajo independiente.

W: Sí, efectivamente, es así. Hoy escucharemos un fragmento de la obertura de P.I Tchaikovsky, mientras escuchamos la música, intentaremos responder estas preguntas: (Diapositiva 10).

Escuchando un fragmento de la obertura “Romeo y Julieta” de P.I.

respuestas de los niños a las preguntas nº 1 y 2 formuladas en diapositiva 10, marcando en la tabla con una matriz verde los elementos que coinciden con la elección del compositor y rojo - los elementos que son diferentes (en una tabla simple + y -).

Escuche el fragmento nuevamente y responda las tareas restantes. Comprobándolos.

W: Chicos, me gustaría que pensaran una y otra vez no solo en la música de este trabajo, sino también en las acciones de nuestros héroes. Escribe en casa en tus cuadernos tu reflexión sobre cómo te sientes ante las acciones de Romeo y Julieta, ¿consiguieron preservar sus sentimientos de esta manera o su amor murió con ellos? ¿Cómo puedes averiguar cuál es el final de esta obertura, con qué tema, Enemistad o Amor, terminará el autor su obertura y por qué?

(Registrar la tarea).

– Así, hoy hemos podido comprobar una vez más que la música puede transmitir muy claramente los sentimientos de las personas hasta los más mínimos matices y no sólo transmitir, sino también obligar al oyente, es decir, a ti y a mí, a empatizar con ellos.

“Me quitan el espíritu: ¡sonidos poderosos!
Contienen el arrobamiento de pasiones dolorosas,
En ellos está la voz del clamor de separación,
¡Contienen la alegría de mi juventud!

El corazón emocionado da un vuelco,
Pero no tengo poder para saciar mi anhelo;
El alma loca languidece y desea
¡Y canta, llora y ama!
(V. Krasov)

U: Chicos, hoy quiero presentarles otra pieza musical: una canción nacida en el siglo XX. bardo famoso Yuri Vizbor (diapositiva 10). Yuri Vizbor es poeta, bardo, periodista, guionista, creador de una emisora ​​de radio juvenil y ha protagonizado varias películas. La mayoría de sus canciones están relacionadas con temas montañeros. Escucha su canción y dime si puede música contemporánea expresar los sentimientos de las personas? ¿Tiene esta canción alguna similitud con la música de P. Tchaikovsky, qué dice y cómo suena?

Demostración de la canción de Yu Vizbor “Tú eres el único que tengo” y conversación al respecto.

La maestra resume las respuestas de los niños y concluye que en el siglo XX y en todas las demás épocas, la gente ama, sufre, lleva sus sentimientos a través de cualquier adversidad y prueba, como los héroes de William Shakespeare.

Aprender una canción, al aprenderla se utilizan las técnicas del “eco”, canto en cadena, etc.

Cuando trabaje en una canción, preste especial atención a la forma de interpretarla: un sonido tranquilo, cálido y conmovedor debe transmitir con sinceridad la atmósfera confidencial y amigable en la que normalmente se interpretan las canciones de bardo.

5. Consolidación y generalización de la lección.

U: ¿Qué tipo de música conocimos hoy en clase? ¿Cuándo se crearon estas obras? ¿Qué tienen estas obras en común? ¿Qué nos ha enseñado la música hoy?

Las respuestas de los niños.

– Vuelve a la idea artística y pedagógica de la lección de hoy y dime, ¿hemos encontrado en esta lección confirmación de su significado en la música y la conversación? Exprese brevemente su actitud ante la lección de hoy sobre syncwine.

(Distribuya plantillas de vino sincronizado preparadas previamente. Apéndice 2)

Bueno, bueno, es hora de decir adiós, la lección ha terminado, pero espero que la lección de hoy te haga pensar una y otra vez en los sentimientos y las relaciones de las personas, nos enseñe cómo construir estas relaciones y desarrollar sentimientos.

1. Kabalevsky D.B.“¿Cómo hablarles a los niños sobre la música?” M., “Ilustración” 1989.
2. "Música" - un programa para instituciones educativas, V.V Aleev, T.I. M., “Avutarda” 2003.
3. “Música” T.I. Naumenko, V.V. Libro de texto para educación general. Instituciones educacionales, Octavo grado. M., "Avutarda" 2002
4. “Gran enciclopedia Cirilo y Metodio”, versión 2004, recursos de Internet, www.KM.ru
5. Smolina E.A.“Lección de música moderna”. Técnicas creativas y tareas. Yaroslavl, Academia de Desarrollo, 2006.
6. “Exploro el mundo” Enciclopedia Infantil, volumen “Música”, M., “Astrel” 2002.
7. “...Y música y palabras...” (Poemas para obras musicales) compilado por N.V. Leshchova Institución Educativa Estatal de Educación Secundaria Profesional “Omsk Musical Pedagogical College”, Omsk, 2005.

El centro de cualquier obra lírica es una persona. Si no hay personas en una canción o historia, entonces cada objeto se describe a través del prisma de los sentimientos del autor o de un personaje de ficción.

Imagen lírica

En artístico pieza musical hay un personaje que el autor describe, dotándolo de algunos rasgos característicos. En el lirismo, un tipo de obra basada en la revelación emocional del propio narrador y de su personaje, desnuda completamente su alma y su corazón.

El lector u oyente puede identificar todos los sentimientos que esconden las imágenes líricas. Sólo un público atento leerá el mensaje del autor a través de su obra.

¿Qué son las letras?

Esta es una especie que proviene de Antigua Grecia. Lleva el nombre de instrumento de cuerda- liras. En estos conciertos, los artistas antiguos transmitían su lado sensible a través de la música. El error más común es que las letras se basan en motivos melancólicos. No es cierto. Puede centrarse en una emoción, pero suele reflejar todo el espectro: dolor, alegría, tristeza, diversión. Cualesquiera que sean los sentimientos que experimente una persona, si se ponen en primer plano en el arte, se vuelve lírico.

Los principales tipos de obras son poesía, música, mensajes. el mas antiguo textos líricos Se consideran el Cantar de los Cantares, que fue escrito por el legendario rey Salomón, y los Salmos de David. La primera obra es un poema, la segunda es poesía religiosa.

Este tipo de creación puede ser simplemente un segmento o una digresión en gran trabajo, durante el cual protagonista experimenta una serie de sentimientos y los comparte con el público.

¿Qué hace que una letra sea única?

La característica principal de este tipo de trabajos es que, aparte de los sentimientos y sensaciones personales derivados de algunos fenómenos, el autor no describe nada. Es como si desde el escenario se escuchara una confesión individual. No hay eventos activos en desarrollo.

Características principales:

• en acción,
• sentimientos y emociones,
• ánimo.

Tiempos antiguos

Las letras comenzaron su desarrollo en antigua Grecia. Estesichorus y Alcman, que glorificaban a los héroes y al estado, eran considerados representantes destacados de este estilo en ese momento. Las letras alcanzaron su mayor desarrollo en el siglo I, durante el período de actividad de Virgilio, el autor de la Eneida, y Ovidio con sus Metamorfosis. Los autores eligieron el amor como tema principal de las experiencias morales. Tenía una variedad de imágenes dramáticas: amor por su padre (como Eneas), amor por su tierra natal, por sus seres queridos.

Edad Media y Renacimiento

En la Edad Media, los principales letristas eran los trovadores. Deambularon por diferentes pueblos, cantaron, leyeron poesía y tocaron flautas. Los trovadores unidos con su creatividad diferentes tipos Letras en una. Incluso ofrecieron representaciones teatrales.

El Renacimiento trajo prosperidad letras de amor V arte mundial. De los poetas, los más famosos fueron Dante y Petrarca. Al mismo tiempo, aparecieron las baladas musicales. Un representante brillante el género se convirtió en Carlos de Orleans.

Las letras no eran sólo amor en este período. Para Ulrich von Hutten fue de naturaleza totalmente polémica. Imágenes líricas, cuyos ejemplos fueron tomados de filósofos y músicos. era clasica, había que hacerlo más moderno, menos emocional. Pero aún así, el infeliz amor del héroe de Petrarca por su encantadora Laura dominó en todas las obras posteriores. Se tomaron como base sus poemas.

En Inglaterra, el lirismo se desarrolló poco. Entre la gente surgió una canción sobre Robin Hood al estilo de una balada lírica. William Shakespeare como el descubridor de este tipo literario en su país puso en primer plano las dramáticas imágenes del sufrido y mártir Hamlet, ocultando la verdad sobre Macbeth y otros héroes.

El pasado reciente

El siglo XIX está repleto de nombres de letristas: Friedrich Schiller, Johann Wolfgang von Goethe, William Wordsworth, Percy Bysshe Shelley, Alfred de Musset...

En Rusia poetas famosos Quienes trabajaron en este estilo fueron Alexander Pushkin, Vasily Zhukovsky, Mikhail Lermontov, Kondraty Ryleev, Vladimir Odoevsky.

Descripción del héroe en la letra.

En una obra de este tipo lo principal no es necesariamente actor habrá una persona. El héroe lírico es un hombre, una mujer, un niño, un anciano, la naturaleza, un astro, una estación. Sólo el autor puede elegir el objeto que finalmente le dotará de emociones. El creador de la obra intenta poner sus propios pensamientos en boca de sus imágenes líricas. No se transfiere completamente al héroe, pero le transmite los sentimientos que experimenta.

Incluso si el autor no tenía la intención de exponer sus experiencias personales, no puede evitarlo. La imagen lírica principal reflejará la cosmovisión y la percepción de un músico o escritor. El personaje principal exhibe todos aquellos rasgos que son característicos de una persona de la actualidad, su clase social. En esta imagen, cada uno puede aprender por sí mismo la lección que esconde el autor dentro de la obra.

Imágenes líricas en la música.

Las letras se transmiten a través de la música. Ella es la más cercana a ella. La música sin palabras puede expresar todos los sentimientos que no son tan difíciles de entender para una persona atenta. Las imágenes líricas de una melodía se pueden transmitir mediante un instrumento o la voz.

entre los instrumentales obras líricas Destacan las obras clásicas de Mozart, Schubert, Debussy, Beethoven, Vivaldi, Tchaikovsky, Rachmaninov y otros. Con la ayuda de melodías formaron imágenes líricas. Un ejemplo sorprendente es la Novena Sinfonía de Beethoven. El compositor se centra en todo el pueblo, toda la etnia aparece líricamente. La música suena como un intento de reconciliar a los pueblos en guerra.

Beethoven a lo largo de su vida intentó traer características positivas a todas tus imágenes. Dijo: “Lo que viene del corazón debe conducir a él”. Muchos investigadores tienen en cuenta esta afirmación a la hora de formular una definición. imagen lírica generalmente. En “Spring Sonata” la melodía habla de la naturaleza, del despertar del mundo después del sueño invernal. Las imágenes líricas de la música del compositor se plasmaron en conceptos abstractos: primavera, alegría, libertad.

En el ciclo “Estaciones” de Tchaikovsky, la naturaleza también adquiere un papel central. La imagen lírica de Debussy se centra en la Luna en la composición "Ternura". Cada maestro encontró inspiración en la naturaleza, en el hombre, en algún momento. Todo esto se convirtió entonces tema principal en musica.

Entre los mas romances famosos con imágenes líricas se puede llamar:

• "La bella molinera", "Winter Reise" de Schubert,
• "A un amado lejano" de Beethoven
• "Romance sobre el romance" - letra de Akhmadulina, música de Petrov,
• “Te amaba” - letra de Pushkin, música de Sheremetyev,
• “Thin Rowan” de I. Surikov.

Imágenes líricas en la literatura.

Esto es más evidente en la poesía. Es en él donde las imágenes líricas de los personajes se revelan con mayor frecuencia al describir sus preocupaciones. Los poetas aportaron su propio "yo" a sus obras. El héroe se convirtió en el doble del autor de las líneas. Apareció una descripción del destino de una persona, su mundo interior, así como algunos rasgos característicos, hábitos. Esta poesía especial fue inmortalizada para siempre por Byron, Lermontov, Heine, Petrarca y Pushkin.

Estos grandes genios inventaron en secreto las reglas básicas del género elegido, según las cuales se formaban las imágenes líricas. Las obras se volvieron más suaves, más individuales, más íntimas. Los escritores llaman románticos a estos poetas, lo que una vez más enfatiza la sutil conexión con el estilo. Sin embargo, en poema lírico puede que no exista un yo. Así, un ejemplo serían los poemas de Blok, donde el autor no se transfiere a la obra. Lo mismo ocurre con Fet.

Pushkin en sus poemas "El carro de la vida" y "Para Chaadaev" no puso el énfasis en "yo", sino en "nosotros"; en ellos aparece a la par de sus personajes.

En la literatura rusa, un héroe puede incluso ser lo opuesto a un poeta en su cosmovisión espiritual. Ejemplos vívidos Tales tendencias estilísticas son imágenes de la literatura rusa en las obras de:

• “Borodino” de Mijail Yurievich Lermontov,
• "Mantón negro", "Estoy aquí, Inesilya...", "La página o el decimoquinto año", "Imitaciones del Corán" de Alexander Sergeevich Pushkin,
• "Filántropo", " hombre moral", "Jardinero" de Nikolai Alekseevich Nekrasov.

No es Lista llena obras. Las imágenes líricas que contienen se volvieron icónicas de la literatura rusa.

En los poemas de Sergei Yesenin, tal oleada de emociones se transfirió al caballo. Y Marina Tsvetaeva tiene héroes en forma de pájaros. Los poetas dotaron a los personajes de sus propios sentimientos, combinándolos en una sola imagen.

Muchos investigadores héroe lírico En Rusia, incluidos Gudkovsky, Ginzbursh, Rodnyanskaya, creen que el propio público lo complementa con su propia percepción. Cada uno puede imaginar a su manera los sentimientos que experimenta el héroe de la obra. Se guía por las emociones que le evoca la música, un poema, una balada o una representación teatral. Imágenes eternas La literatura confirma esta teoría. El autor de la imagen lírica intenta transmitir su visión, confiando en que el público la entenderá.