Se llama la obra más grande de Jan van Eyck. Hermanos Hubert y Jan van Eycky

Retrato de Giovanni Arnolfini. Jan van Eyck
1435. Museo Estatal, Berlín.
Madera, aceite. 29 X 20 cm.

Aquí, analizaremos las versiones de lo que está sucediendo. Tú - con mucho gusto, yo - superando un ligero disgusto personal.

Echemos un vistazo a lo que realmente vemos. Frente a nosotros, en una pequeña habitación con techo bajo, hay una pareja: un hombre y una mujer, son un poco extraños para nosotros, pero claramente vestidos con elegancia; y los rostros de ambos están lejos de ser ideales. El hombre tiene una cabeza desproporcionadamente grande, que se enfatiza aún más con el enorme sombrero ridículo, y la mujer tiene el mismo vientre desproporcionado, que también se enfatiza con pliegues especiales y pliegues en el vestido.

"EMBARAZADA" en las pinturas del propio van Eyck y sus contemporáneos:

Santa Catalina (Virgen) en el "Tríptico de Dresde" de Jan van Eyck

Eva del Retablo de Gante de Jan van Eyck, 1432 (fruta en mano, antes de la caída)

Santa Margarita y María Magdalena (derecha) sobre un fragmento del retablo de Portinari de Hugo van der Goes, 1474

"Magia de amor" (?) 1470

"Rueda de la fortuna", miniatura de Henry de Vulkope, segunda mitad. siglo 15

Hans Memling "Vanidad de vanidades"

Hans Memling "Betsabé" 1470

Hugo van Dur Hus "La Caída" 1467

¡Parece que la "barriga" de las damas estaba entonces de moda! Así que la esposa embarazada o "embarazada" de Arnolfini en la imagen depende de usted para decidir.

Se paran casi en línea en posturas ceremoniales; el hombre con esto de alguna manera extraña sostiene la mano de la mujer en su mano, con la palma hacia arriba. La habitación está decorada con austeridad, limpieza perfecta, incluso de alguna manera vacía, pero por alguna razón, un par de zapatos abandonados están tirados en el primer plano y en el fondo. El resto de pequeños detalles en esta sala "espartana" lucen extraños e incluso un poco fuera de lugar, por lo que surge involuntariamente la pregunta: ¿por qué están aquí? Es poco probable que todas estas figuras de madera tallada, un extraño espejo detrás de la pared, frutas en el alféizar de la ventana estén escritas por casualidad.

Glory: zapatillas de casa ordinarias, de mujer (en la profundidad de la imagen). Exactamente igual que ahora. Derecha - zapatillas protectoras para la calle.

Profundizamos en el análisis de lo que vemos. Los hombres de terciopelo lila con adornos de piel claramente no son un simple habitante de la ciudad, la mujer no ve ninguna joya, excepto la cadena y los anillos en su mano, pero el estilo del vestido es complejo e intrincado, su adorno también es de piel. (Lo más probable es que estas sean las "barrigas" blancas de las ardillas, estaba muy de moda en ese momento. Las pantuflas en primer plano son esos zapatos de seguridad, una especie de chanclos, para caminar por la calle para ahorrar botas y zapatos caros. Esto sugiere que las personas que los usaban se movían fuera de la casa por su cuenta, y no en un caballo o en un carruaje, es decir. no pertenecían a la aristocracia. Así, ante nosotros están representantes de la clase media, y muy no pobres. Lo más probable es que estos sean comerciantes ricos. Y así es.

Algunas palabras más sobre la vivienda. No os dejéis engañar por las reducidas dimensiones de la sala, sobre todo si la comparamos con las amplias zonas de tabernas y viviendas campesinas que veremos en las pinturas de los holandeses de los siglos XVI y XVII. Holanda todavía tiene una enorme escasez de espacio, especialmente en las ciudades; después de todo, los habitantes de las "tierras bajas" (como se traduce la palabra "Países Bajos") literalmente ganaron cada centímetro cuadrado de su país del mar. Los trabajos de "drenaje" todavía se están llevando a cabo y siempre se llevarán a cabo, de lo contrario, Holanda y Bélgica simplemente serán inundadas por el mar. Y si en el campo las casas no están tan abarrotadas, entonces en las ciudades superpobladas, cuyos barrios estrechos están literalmente encerrados entre canales, ¡una unidad de área de vivienda siempre ha costado una gran cantidad de dinero! Las casas generalmente se construían una cerca de la otra, además, los constructores tenían un secreto: las fachadas estrechas se inclinan ligeramente hacia adelante para aumentar el área de los pisos superiores al menos un par de centímetros (generalmente no hay más de tres). Así que la pareja de la foto tiene el apartamento más común para la clase media; lo más probable es que los encontremos en el dormitorio, la gente ya se ha quitado los zapatos, simplemente se desnudó, ¡y aquí estamos con van Eyck!
Quizás el primer piso del edificio estaba ocupado por una tienda u oficina, pero los vemos en el segundo o tercer piso.

Cereza fuera de la ventana, quizás un símbolo de fertilidad.

Las cerezas están madurando fuera de la ventana y las personas en la imagen están vestidas con ropa abrigada. Esto no debería sorprender, este es un verano tan extraño en Flandes. ¡El clima en Bélgica no es importante y siempre lo ha sido!

El apellido del hombre de hoy parece estar establecido: era de la familia Arnolfini, ricos comerciantes italianos que comerciaban con telas, cueros y pieles en Europa en el siglo XV. ¡Sí Sí! Es italiano, a pesar de la fisonomía blanquecina. Pero hay dudas sobre el nombre. Durante mucho tiempo se creyó que se trataba de Giovanni di Arrigio Arnolfini, un comerciante de telas de Lucca, y junto a él estaba su segunda esposa Giovanna Cenami (también de una familia de ricos comerciantes de telas de la misma Lucca), pero recientemente se encontraron documentos encontrado (hay un regalo para su boda), que dicen que la boda entre ellos tuvo lugar en 1447, 6 años después de la muerte de van Eyck. Entonces, si este es Giovanni di Argio, entonces esta es su primera esposa, quien murió poco después. ¿O es otro Arnolfini, su primo - Giovanni di Nicolao Arnolfini. Recientemente, se ha aceptado generalmente que todavía es Nicolao, por lo que un retrato separado, pintado después de los "Cuatro...", representa a Nicolao.

¿Quién es él, este Arnolfini? Nació alrededor de 1400, es decir. era un poco más joven que van Eyck. Lo más probable es que fueran amigos; después de todo, el artista sirvió en la corte del duque de Borgoña, Felipe el Bueno, y Arnolfini era comerciante y suministraba telas y artículos de lujo a la corte. Un comerciante nacido en Lucca, Italia, su familia tenía un comercio exitoso tanto en su Toscana natal como en el extranjero. Incluso en su juventud, Giovanni vino a Brujas y vivió allí hasta el final de su vida. El tema del comercio era la seda, otras telas caras, así como tapices. Se sabe que Arnolfini colocó en la corte del duque seis preciosos tapices dedicados a la Madre de Dios.

Este tapiz perteneció a Felipe el Bueno. (tomó). Puede haber sido vendido por Arnolfini. Abre una nueva pestaña y haz zoom: ¡es una obra maestra!

La pintura tiene más de 600 años, tuvo que "vagar" mucho por Europa: van Eyck la pintó para un comerciante italiano que vivía en Brujas, y ahora cuelga en Londres, en la National Gallery. Estuvo mucho tiempo en España, a finales del siglo XVIII fue llevada a Bélgica, y a principios del siglo XIX, durante la guerra con Napoleón, un oficial inglés la vio en Bruselas, la compró y la trajo. hogar. Naturalmente, a lo largo de los años de "pruebas" se perdieron documentos relacionados con la historia de la creación de la imagen y, además, su significado y simbolismo oculto se volvieron incomprensibles.

¡Estas personas solo fueron dueñas de la pintura durante los primeros cien años!
(El mismo Arnolfini, el noble Diego de Guevara, Margarita de Austria, María de Hungría, el rey español Felipe II, su hijo Don Carlos.

Como todas las obras de van Eyck, la imagen está llena de muchos detalles y objetos extraños, cuya presencia en el "Retrato de la Arnolfinia", como en ninguna otra obra, parece deliberada y no accidental. Quizás van Eyck simplemente pintó la imagen de esta manera, tratando de hacer que el interior de la habitación, las figuras y los rostros de los presentes, así como muchos detalles del hogar, se vean lo más naturales posible, y agregó todos estos elementos para animar la imagen. , pero no lo consiguió. Incluso con una mirada superficial a la imagen, la sensación de magia, la magia invisible no te deja.

Quizás por eso surgió una de las antiguas interpretaciones de la pintura: durante mucho tiempo se creyó que aquí se representa a una mujer embarazada, que vino a quiromántico para averiguar su destino futuro y el destino del niño por nacer.

Araña - como en la foto! Aquí también puedes ver la famosa inscripción: "Vasya van Eyck estuvo aquí". ¿Ves a Santa Margarita con el dragón?

Esta versión ahora es resueltamente rechazada: un "quiromántico" en precioso terciopelo y pieles - ¿no es un lujo demasiado desafiante para un simple adivino? Sí, y el embarazo de la dama de la imagen no se puede confirmar: no podrá pasar una prueba de embarazo debido a su muerte hace unos 550 años.

Que otras versiones. Hay una versión sublime.
Sus partidarios creen que van Eyck representó una alegoría del matrimonio, centrándose en su dualidad: la simetría enfatizada de la imagen, la pareja en el retrato, separados entre sí a una distancia “demostrativa”, dos pares de zapatos en el suelo, un par de rosarios colgados en la pared. La cama es símbolo de matrimonio, el perro es símbolo de fidelidad familiar, etc. Se podría considerar esta versión si la persona de la foto no se pareciera tanto... sí, sí, se parece a Putin, ¡déjenme en paz! ... y también para un hombre en un retrato separado. Es decir, este personaje no es ficticio, sino muy probablemente real. Cierto, los rasgos del rostro de la dama me parecen un tanto convencionales, generalizados. Vemos rostros femeninos similares en otras pinturas de van Eyck, pero volveremos a esto más adelante.

Grifón belga

El crítico de arte Erwin Panofsky propuso una vez una versión muy delgada, pero ahora discutida, supuestamente esta pintura. documento, Certificado de matrimonio. Por lo tanto, vemos una inscripción ornamentada en la pared: "Jan van Eyck estuvo aquí", y el artista también se pintó en el reflejo de un espejo convexo con otro testigo. Esta idea también es sugerida por la ceremonia extrema de las poses y la mano del novio levantada en un juramento.

En la pintura de fondo en rayos infrarrojos, se puede ver que la mano levantada del juramento estaba inicialmente aún más vuelta hacia el espectador.

No creo, sin embargo, que esta opción deba ser considerada como la única correcta. Si esto fuera una prueba, entonces difícilmente puede considerarse un documento serio, de lo contrario, esta práctica se habría arraigado y habríamos visto mucho trabajo de seguidores realizado en este sentido.

Sin embargo, la idea de Panofsky se hizo popular y muchos investigadores la desarrollaron. Por eso, dicen, en el espejo de la puerta se reflejan dos personas, porque se necesitaban dos testigos para un acta de matrimonio. Algunos creen que el matrimonio fue desigual”, matrimonio de la mano izquierda”, entonces Arnolfini sostiene la palma de su novia de clase baja en su mano izquierda. La imagen era evidencia de los lazos familiares y la especial confianza del comerciante en su esposa, lo que le permitía manejar los asuntos de su esposo en su ausencia. Por cierto, esta es otra opción: tal vez no se trate de una boda, ni de un certificado de matrimonio, sino de algo así como un poder notarial para la administración.

Otra versión, bastante mundano. Para ser honesto, yo también me quedo con eso. Quizás este sea solo un retrato ceremonial de los cónyuges que se han casado recientemente. La cama es símbolo del lecho familiar y el lugar del parto, Santa Margarita, abriendo el vientre del dragón (la vemos tallada en la cabecera de la cama) es la patrona del parto, la panoja es símbolo de la pureza del matrimonio y una vida ordenada, la única vela encendida en el candelabro es evidencia de la presencia de Dios. Las naranjas en el alféizar de la ventana, que obsesionan a los investigadores, no son un indicador de la riqueza de la familia (en Flandes en ese momento era una fruta exótica muy cara), de lo contrario, ¿por qué Van Eyck las representaría en el alféizar de la ventana en su famosa pintura "Madonna Lucca"? ?! Lo más probable es que los frutos aquí sean una alegoría de la fertilidad o una alusión al fruto del Árbol del Conocimiento, la nuez de Adán, la causa del pecado original. Esta es una especie de edificación y un recordatorio para los que se casan sobre el sacrificio infinitamente misericordioso de Cristo. Las escenas de las pasiones, la muerte y resurrección de Cristo representadas en el marco del espejo hacen eco de esto.

¡Es poco probable que Madonna Lucca se jacte de su riqueza!

Esta versión también incluye un perro. Por cierto, es una raza bien definida: este es el progenitor del Grifón de Bruselas (o belga), solo que por el momento con una nariz afilada. Los perros a menudo se representaban a los pies de las mujeres casadas para enfatizar su pureza y devoción por su cónyuge. Vemos un perro en el dobladillo de Isabel de Portugal en un cuadro que representa su boda con Felipe el Bueno, y perros también yacen a los pies de María de Borgoña en un grupo escultórico sobre la lápida de la duquesa. Curiosamente, el perro en el siglo XVII ya se interpretaba como algo opuesto, como un símbolo de lujuria. A menudo podemos verlo en las escenas de género de los artistas de la "Edad de Oro" de la pintura holandesa, cuando se representaban indultos, burdeles o citas con cortesanas.

Perro en el dobladillo de la novia en la imagen de la boda del patrón del artista Felipe el Bueno (pintura probablemente de van Eyck)

Un perro a los pies del difunto en la lápida de María de Borgoña (nieta del duque Felipe)

El perro a los pies de la novia en la escena de la boda del tríptico "Los siete sacramentos" de Rogier van der Weyden

¡DESPUÉS DE 150 AÑOS, EL PERRO SIMBOLIZÓ ALGO TOTALMENTE DIFERENTE!:

José Cornelis Drochslot, siglo XVII. "Escena en el burdel"

fantástico, ya que no hay evidencia de ello, supuestamente este es un autorretrato del propio van Eyck con su esposa Margaret. Si no hay autorretratos confirmados de van Eyck, entonces el retrato de su esposa ha sobrevivido hasta el día de hoy. Me parece que solo la indescriptibilidad flamenca la une con la heroína del retrato emparejado. Aunque, se parecen entre sí, por supuesto, lo que ya está allí.

Suficiente versión linda, y no sin fundamento, creo: la imagen es una especie de deseo de tener descendencia, la esperanza de un matrimonio exitoso. De ahí el estilo enfatizado del vestido de la mujer, las naranjas y las cerezas son frutas, Santa Margarita es la patrona de la "fertilidad", en las zapatillas de novia que aún se quitan: insinúa el hecho de que una mujer está de pie descalza en el suelo - este es un símbolo tan antiguo de fertilidad, apego a la tierra. No es casualidad que la solución compositiva de la imagen sea tan cercana a la popular y numerosa en ese momento "Anunciación", cuando el arcángel informa a María sobre el inminente embarazo.

Comparación con un retrato de Margaret van Eyck (1439)

Otra versión es muy gracioso, pero poco probable: supuestamente la familia Arnolfini era demasiado moderna, de espíritu libre, lo que escandalizaba a la comunidad católica. Los cónyuges se engañaron a diestra y siniestra y miraron a través de sus dedos a estos divertidos, y la pintura se ordenó como una burla de los lazos del matrimonio. En el marco de la imagen hay una inscripción: los versos de Ovidio: “No escatimes promesas: no valen nada. De hecho, todo hombre pobre es rico en esta riqueza. La pose ceremonial del cónyuge, la mano derecha levantada, como si estuviera haciendo algún tipo de voto, mientras mantiene una seriedad increíble en su rostro, es una burla de este voto. El embarazo de la esposa en la imagen también oculta una burla oculta, la única vela en el candelabro del lado del esposo es un símbolo obsceno y obvio, especialmente en presencia de una cama. Las zapatillas en primer plano, en el lugar más destacado, simbolizan "campañas a la izquierda". Lo grotesco y la burla se enfatizan con un monstruo decorativo tallado en madera, "sentado" directamente sobre las palmas unidas de los cónyuges. Y las frutas en el alféizar de la ventana, que insinúan el pecado original, en este contexto adquieren un significado completamente diferente.

Al mismo tiempo, vale la pena agregar que Ovidio ingresó al muelle solo en el siglo XVI-XVII, y la inscripción en el marco se aplicó al mismo tiempo.

Hay otra versión, un poco siniestro y místico.
Supuestamente, la imagen todavía muestra a Giovanni di Argio, pero esta no es su boda, sino un retrato con su esposa, que ya murió. Quizás la mujer murió durante el parto, por lo que la vemos embarazada, y Santa Margarita es apropiada de inmediato. Por lo tanto, las características del rostro de la mujer son condicionales y algo idealistas: el artista la pintó de memoria o de la descripción de un viudo. Algunas interpretaciones de símbolos pueden considerarse como evidencia de esta versión. Entonces, las imágenes en el espejo del lado del esposo representan la condenación y la pasión de Cristo, mientras que el lado de la esposa representa escenas posteriores a la muerte de Cristo. Una vela encendida en el costado del hombre muestra que está vivo, y los lugares vacíos para las velas en el costado de la dama indican que ella ya ha dejado el mundo de los vivos.

Las pantuflas simbolizan que después de la muerte de su esposa, Arnolfini jura "no salir", para permanecer fiel a ella.

Estas son las nueve versiones que he enumerado para usted (incluso diez). Elija cualquiera, ¡pero sepa que bien podría haber alguna otra versión de la que ni nosotros ni usted tenga idea!

Y con esto termino mi serie de relatos sobre Jan van Eyck. Para ser honesto, ya estoy bastante harto de eso, y creo que tú también. ¡Ya es hora de hablar de Rogier van der Weyden!

Tomo información de libros, Internet, conferencias.

Los retratos ocupan un lugar especial en la obra de Jan van Eyck. De hecho, fue van Eyck, junto con Robert Campin, Rogier van der Weyden, quienes convirtieron el retrato en un género independiente. Antes de esto, el retrato era una parte integral de las obras religiosas, como los retratos de los donantes. Las obras de los maestros de la pintura holandesa temprana "se distinguen por una mayor nitidez espiritual (en comparación con el retrato italiano), precisión subjetiva de la imagen ... El héroe de sus retratos a menudo aparece como una partícula inseparable del universo, incluida orgánicamente. en su sistema infinitamente complejo".

Los retratos de Jan van Eyck son de pequeño tamaño y están ejecutados al óleo sobre tabla de madera. Se distinguen por la estricta simplicidad y sofisticación de los medios. Las características externas de una persona se transmiten con mucho cuidado, se podría decir, con un realismo despiadado. Sus personajes son ensimismados, llenos de dignidad. Según los investigadores, Eyck fue el primero en intentar abrir una ventana al mundo interior de sus personajes.

Uno de los primeros retratos que se conservan de van Eyck es "Retrato de un hombre con carabina azul". Esta pequeña pintura (22,5 cm x 16,6 cm con marco) fue creada alrededor de 1430. El hombre está representado sobre un fondo oscuro, su figura está girada tres cuartos e inscrita en un espacio estrecho, típico del estilo del artista. La cara de la modelo está fuertemente iluminada desde la izquierda, lo que da un sorprendente juego de luces y sombras, atrayendo la atención del espectador. También hay que destacar el realismo y la precisión del joyero en la representación de los pequeños detalles de la apariencia. El hombre del retrato está representado con una barba de uno o dos días, escrita con mucho cuidado.

Los pintores de ese período no nombraron sus obras y se desconoce la identidad del hombre representado en el retrato. Como sostiene un anillo en sus manos, se asumió que se trata de un retrato de un joyero. Recientemente hubo una versión de que el anillo es un símbolo de compromiso. El pequeño tamaño de la pintura confirma esta suposición: el retrato podría enviarse con una propuesta de matrimonio a la novia y su familia.

En la esquina superior izquierda se puede ver el cartel con el que Albrecht Dürer firmaba sus cuadros. Pero se descubrió que el letrero fue pintado más tarde. Por quién y con qué propósito, no está establecido.

"Retrato de un hombre en una chaperona azul"

Alrededor de 1431, van Eyck pintó "Retrato del cardenal Niccolò Albergati". El cardenal era una persona muy famosa. A la edad de veinte años, se convirtió en monje de la orden de los cartujos, eventualmente ascendió a la cabeza de varias comunidades, en 1417 fue elegido obispo de Bolonia y en 1426 recibió el título de cardenal. Según los contemporáneos, Niccolò Albergati se distinguió por su gran saber y sencillez monástica en la vida cotidiana. Gozó de la especial confianza del Papa Martín V y con frecuencia llevó a cabo misiones diplomáticas. Fue apodado "el ángel de la paz". En el otoño de 1431 el cardenal pasaba por Gante. Fue entonces cuando Jan van Eyck hizo un dibujo que luego sirvió de base para el retrato, y en el reverso anotó el color de las cerdas y el color de los ojos.

"Retrato del Cardenal Niccolò Albergati"

La pintura "Leal souvenir" (fr. Para la memoria) fue pintada en 1432. La parte inferior del retrato es un parapeto de piedra amarillenta desportillada, pintada con precisión ilusionista, con una inscripción grabada y la palabra TγΜ.ωΟΕΟς garabateada, cayendo el final de esta palabra sobre una grieta de la piedra. No está claro si este es el nombre, o el apodo del personaje (Timothy), o el lema (Honrando a Dios). La inscripción más baja dice: "Actu[m] an[n]o dni.1432.10.die ocobris.a.ioh de Eyck (Esto fue hecho en el año de nuestro Señor 1432, en el día 10 de octubre, por John de Eyck )". No se sabe quién está representado en este retrato, ni cuál es su estado. Se supone que se trata de un humanista desconocido para nosotros o de un músico del séquito de Felipe el Bueno.

"Leal souvenir" o "Timofey"

"Retrato de un hombre con un turbante rojo" fue creado en 1433. La imagen está inscrita en un marco complejo, cuyos lados verticales y el panel central son en realidad una sola pieza de madera. En la parte superior del marco está la inscripción AlC IXH XAN (¿Cómo puedo?), una especie de juego de palabras con el nombre del maestro. Este lema se encuentra en otras pinturas de van Eyck. A continuación se muestra la inscripción en latín JOHES DE EYCK ME FECIT ANO MCCCC.33. 21. OCTOBRIS - Jan van Eyck me hizo el 21 de octubre de 1433. Las letras están escritas de tal manera que parecen talladas en madera.

Se supone que se trata de un autorretrato del artista. Esta versión se expresó por primera vez en 1655, pero todavía no hay consenso. La ropa es bastante adecuada para una persona de una posición social como Jan van Eyck. Por cierto, de hecho, la cabeza de un hombre no es un turbante, sino un tocado que estaba de moda en ese momento: un acompañante.

"Retrato de un hombre con un turbante rojo"

Hacia 1435, se pintó un retrato de Balduino de Lannoy, que sirvió en la corte de Felipe el Bueno, fue embajador ante Enrique V, gobernador de Lille. Cuando en 1430 Felipe el Bueno estableció la orden caballeresca del Toisón de Oro, Balduino de Lannoy estuvo entre los primeros veinticinco caballeros de la nueva orden. En el retrato, está representado con ricas ropas y con una cadena de orden alrededor del cuello.

Como en muchos de los retratos de este maestro, las proporciones del personaje están algo alteradas. La cabeza está dibujada demasiado grande para atraer la atención del espectador.

"Retrato de Balduino de Lannoy"

Giovanni di Nicolao Arnolfini fue objeto de dos retratos de Jan van Eyck. Fue representado por primera vez en un retrato de pareja con su esposa (el famoso "Retrato de los Arnolfini") en 1434, y el segundo retrato fue pintado en 1438.

Giovanni Arnolfini era un comerciante de Lucca en Italia. A una edad temprana, llegó a Brujas, entonces el centro comercial del norte de Europa, para administrar el negocio familiar y vivió allí el resto de su vida. Hizo una fortuna comerciando con sedas, tapices y telas, pero luego su negocio, muy probablemente, se tambaleó, ya que en 1442 Arnolfini firmó un acuerdo en virtud del cual, por una tarifa moderada, se convirtió en residente de la ciudad de Brujas, prometiendo no para dedicarse al comercio.

En el retrato, se le representa con una carabina roja con un burrelet superpuesto en la parte superior, convirtiendo el tocado en algo parecido a un turbante. Curiosamente, el tamaño del burrele correspondía al grado de nobleza de su propietario: cuanto más grande era el burrele, más alto estaba la persona en la escala social.

"Retrato de Giovanni di Nicolao Arnolfini"

Una de las últimas obras sobrevivientes del maestro es un retrato de Margaret van Eyck, la esposa del artista. En el marco hay una inscripción en griego: "Mi esposo Johannes me completó en 1439 el 17 de junio", y nuevamente el lema "Como puedo". Margaret está vestida con un elegante vestido rojo de lana con adornos de piel. El ennen "con cuernos" está decorado con encaje.

Desde un punto de vista moderno, Margaret no era una belleza, pero da la impresión de una personalidad brillante. Se desconoce su apellido de soltera, pero probablemente tenía un estatus social bastante alto. Se sabe que la pareja se casó en 1433 y tuvo varios hijos. Margaret sobrevivió a su esposo por quince años, pero no hay constancia de cómo pasó estos años.

"Retrato de su esposa Margarita"

J. Huizinga "Otoño de la Edad Media"

La primera información documentada sobre Jan van Eyck se remonta a principios de la década de 1420, cuando trabajaba en La Haya por orden del gobernante de Holanda, Juan de Baviera. A partir de 1425 se convirtió en pintor de la corte de Felipe el Bueno, duque de Borgoña. Por su parte, visita España y Portugal en 1427-1429, donde se suponía que allí pintaría retratos de princesas, posibles novias del duque. Desafortunadamente, estos retratos no han llegado hasta nosotros, pero el hecho mismo de tal tarea indica que el artista se estableció como un hábil retratista en la década de 1420.

Los retratos supervivientes de Jan van Eyck se remontan a la década siguiente. Nos permiten considerarlo el maestro retratista más significativo del norte de Europa en ese momento. En esencia, convirtió esta forma de arte de un arte secundario en un género independiente. Estas obras son de tamaño bastante pequeño y están ejecutadas al óleo sobre tabla de madera. La técnica de la pintura al óleo, conocida en los Países Bajos y antes, fue extraordinariamente mejorada por van Eyck. El famoso pintor e historiador del arte italiano del siglo XVI, Giorgio Vasari, incluso consideró al maestro holandés el inventor de las pinturas al óleo. De hecho, utilizó nuevas composiciones, consiguiendo una especial profundidad y luminosidad del color. Se superpusieron finas capas de colores transparentes sobre una base ligera, creando un efecto de sorprendente pureza y luminosidad del esquema de color.

En la mayoría de los casos, van Eyck da una imagen a la altura del pecho de la persona retratada, mostrándolo en un tranquilo giro de tres cuartos. El fondo del retrato suele ser oscuro, neutro, mientras que la figura, y especialmente el rostro, están iluminados por una luz difusa suave, en la que los rasgos característicos del aspecto del modelo adquieren una extraordinaria realidad viva. Tal, por ejemplo, es uno de los primeros de esta serie, "Retrato del cardenal Albergati" (1431-1432, Viena, Museo de Historia del Arte). También es interesante que solo se haya conservado un dibujo preparatorio del artista, claramente ejecutado de la naturaleza, con las notas más detalladas del maestro que determinan el esquema de color del retrato. Una comparación de un retrato pictórico con uno pictórico muestra que el artista, mientras se esfuerza por seguir con precisión la naturaleza, al mismo tiempo quiere revelar los rasgos más profundos del carácter del modelo.

Si en el dibujo el espectador percibe al héroe como un anciano de buen carácter, entonces en la pintura aparece como una persona contenida, retraída, inmersa en sus pensamientos. En busca de la monumentalidad y el significado de la imagen, el maestro utiliza las posibilidades del color. Casi la mitad de la superficie pictórica del retrato está ocupada por la mancha roja de las vestiduras del cardenal. Junto a otro acento plástico, el volumen luminoso de una cabeza grande, crea una sensación de estabilidad especial de la figura sentada. Una técnica similar, una combinación de un punto brillante de la ropa y un rostro resaltado por la luz, también es característica de otros retratos de busto del maestro ("Retrato de Margaret van Eyck, la esposa del artista", 1439, Brujas, Museo Groeninge).

Un lugar especial en el trabajo de retratos de Jan van Eyck es "Retrato de Arnolfini" (1434, Londres, National Gallery). La joven pareja está representada de cuerpo entero, en el interior de su propia habitación. Ante el espectador aparecen personas reales en su entorno cotidiano. Convincente, como siempre con Eick, la autenticidad de la apariencia se combina aquí con un sentido de la solemnidad de la acción en curso. La majestuosa tranquilidad de las poses, el gesto demostrativo de las manos tocándose de un hombre y una mujer indican que se representa el momento de celebrar un contrato matrimonial. La observación del artista es asombrosa, la capacidad de transmitir las experiencias emocionales íntimas del representado, como si no estuviera frente al artista, sino frente al altar. La joven novia, con tímida y dulce ingenuidad, pone su mano en la mano del novio. El mismo con toda su apariencia, postura tranquila y confiada, gesto de la otra mano levantada en juramento, inspira fe en la solidez y fiabilidad de la alianza que se concluye. Una nueva palabra en el arte del retrato es la exhibición de la persona retratada en un ambiente hogareño, lo que hace que la pintura se relacione con la pintura de género. Es cierto que muchos objetos, junto con características puramente cotidianas, tienen un significado simbólico de "habla" (por ejemplo, un par de zapatos de madera simbolizan la inseparabilidad y un batidor cerca de la pared: la pureza de la novia, un perro a los pies de la representado - una alegoría de la fidelidad, etc.). El espacio de la habitación no está cerrado: detrás de una estrecha banda de ventana, dada en una fuerte perspectiva, se ve una parte de la ciudad, y un espejo redondo convexo en el centro de la pared del fondo aumenta la profundidad de la habitación. reflejando a la gente que entra por las puertas. Muchos seguidores pronto adoptarán una técnica similar de juego espacial de van Eyck.

La obra más significativa de Jan van Eyck, que le dio la mayor fama, es el políptico monumental de varias partes, conocido como el "Altar de Gante" (llamado así por su ubicación: la Catedral de San Bavón en Gante).

Antes de continuar con la historia de esta creación única, vale la pena decir algunas palabras sobre la historia de la forma misma del altar pictórico. Comienza a desarrollarse en el norte de Europa solo a partir de finales del siglo XIV. Las bóvedas ojivales del templo gótico eran poco propicias para la pintura del espacio interior. Las barreras del altar generalmente estaban decoradas con esculturas, redondas o en relieve. El tipo de altar se desarrolla gradualmente a partir de varias alas de madera pintadas, que podían cerrarse para una mejor conservación de la parte central, que permaneció escultórica. El proceso posterior de desarrollo de la composición del altar condujo a principios del siglo XV a la creación de un altar puramente pintoresco. A menudo, al mismo tiempo, la pintura de las alas exteriores se realizó en grisalla (monocromo), como si imitara la escultura. El contenido principal comenzó a centrarse ahora en las partes internas del pliegue. Aquí el artista pudo revelar todo su talento compositivo y colorístico.

Según la inscripción en el marco del políptico de Gante, el trabajo en él comenzó a mediados de la década de 1420 por el hermano mayor de Jan, Hubert van Eyck. Se sabe auténticamente, sin embargo, que ya en 1426 murió Hubert. Así, todo el trabajo principal en la creación del majestuoso altar recayó en la parte del hermano menor, quien lo completó en 1432. Esta creación fue una nueva palabra en el arte del norte de Europa. En estos lugares, nada parecido se había creado antes en términos de tamaño, complejidad de composición, cobertura de lo representado, sin mencionar la cautivadora perfección de la habilidad pictórica. La complejidad de la construcción del altar es extraordinaria. Compuesto de muchas alas separadas con varias escenas de la vida celestial y terrenal, al mismo tiempo da una imagen completa del universo, tal como le parecía al hombre de ese tiempo. Los feligreses de la catedral podían ver el altar en dos estados: entre semana, su parte interior principal estaba cerrada con puertas; en vacaciones se revelaban, introduciendo al espectador en los secretos más profundos de la vida, y también mostrando al ojo la parte más preciada de la pintura.

Tanto la parte interior como la exterior del políptico están divididas horizontalmente en dos niveles, cada uno de los cuales, a su vez, consta de varias imágenes independientes. La pintura de las puertas exteriores es casi monocromática. En el nivel inferior se presentan figuras individuales: en el medio, imágenes de dos Juanes: el Bautista y el Evangelista, ejecutados en grisalla en forma de estatuas. A lo largo de los bordes hay figuras arrodilladas, retratos del cliente del altar y su esposa. Solo se destacan en color sus ropas escarlata de diferentes tonos. La grada superior está ocupada casi en su totalidad por la escena de la Anunciación, resuelta de forma muy poco convencional. Las figuras de María y el Arcángel están colocadas en las puertas exteriores, mientras que en las del medio domina el espacio desierto de luz de una habitación común y corriente, y en la ventana abierta se pueden ver las calles de una típica ciudad holandesa con casas altas muy cerca. el cielo despejado de la tarde. Por lo tanto, aquí se le presentó al espectador la vida que se desarrolla en la tierra.

Cuando se abrió el altar, el espectador se encontró en un mundo completamente diferente: el mundo celestial, que no se puede ver en la vida real, sino que solo puede ser imaginado por la imaginación del artista-creador. Pero esta imaginación se basó en impresiones vívidas de la realidad, lo que ayudó al maestro a crear un espectáculo que cautiva con un sentido de la riqueza inagotable de la existencia terrenal y celestial. Incluso sin mirar las composiciones individuales, el espectador se encontró atrapado por los colores radiantes, el color radiante y la armonía de la luz.

La composición principal y más grande del políptico se encuentra en el medio del nivel inferior. Aquí hay una escena de adoración del Cordero sacrificado, un símbolo de Cristo, quien murió en la cruz para expiar los pecados de la humanidad. Alrededor del altar están los santos y apóstoles, los justos y las vírgenes, en las alas laterales están los soldados de Cristo y los ermitaños, los justos jueces y los peregrinos. Todo ello se desarrolla en un paisaje soleado, en una hermosa pradera verde salpicada de flores, bordeada de arboledas, donde la vegetación del norte se combina con palmeras y naranjos. Las distancias se sumergen en una neblina azul, las siluetas de las torres de la ciudad y las iglesias se asoman sobre el fondo de un cielo despejado. Esta es la Jerusalén celestial, y todo el paisaje es la encarnación de las ideas sobre el paraíso. Pero estas ideas se basan en un conocimiento y un amor tan profundos por la realidad terrenal real, y la naturaleza y las personas se transmiten con tanta vitalidad y carácter, con una atención tan cercana y amorosa a cada rostro, a cada flor, que no estaba en el arte del norte. Europa antes de Jan van Eyck. .

Si el nivel inferior, con toda la idea mística básica, esencialmente glorifica la belleza de la existencia terrenal con toda su diversidad y variabilidad, entonces las imágenes principales del nivel superior representan la perfección eterna e inmutable de los celestiales. En el centro hay una imagen solemnemente majestuosa de Dios Padre, a los lados está la Madre de Dios como la encarnación de la belleza y la dignidad femenina, y Juan el Bautista es el precursor de Cristo. Son alabados por ángeles musicales y cantores. Las manchas de color sonoro de las túnicas coloridas tachonadas con piedras preciosas, el resplandor del oro y el brocado, los patrones de terciopelo crean una imagen deslumbrante, repentinamente cerrada en los bordes por las figuras desnudas de los progenitores de la humanidad: Adán y Eva. A pesar de la belleza de sus cuerpos, representados por el artista con una verosimilitud sin precedentes, el contraste de la desnudez naturalista y las magníficas vestiduras reales refuerza el sentimiento de inseguridad de las personas frente al pecado. Y al mismo tiempo, poniendo a los progenitores a la par del creador de todas las cosas, el maestro exalta a toda la humanidad.

En los años siguientes, Jan van Eyck se dedicó más de una vez a la creación de pinturas religiosas, aunque no tan grandiosas y monumentales como el Retablo de Gante. De estas obras, las más famosas son "Madonna of Chancellor Rolin" (c. 1435, París, Louvre) y "Madonna of Canon van der Pale" (1436, Brujas, Museo Groeninge). Como puede verse en los títulos, las pinturas representan clientes dirigiéndose a la Madre de Dios. Aquí el artista vuelve a demostrar su brillante habilidad como retratista. La apariencia de cada uno es profundamente individual. La autoridad y la confianza en sí mismo se pueden leer claramente en la persona del canciller de Borgoña, Nicolás Rolen. Proveniente de una familia humilde, alcanzó un alto cargo gracias a su inteligencia, conocimiento y destreza en los asuntos políticos y financieros. Otras características se enfatizan en canon van der Pale. Este es también un hombre de espíritu fuerte, pero está viejo y enfermo, su rostro está surcado de arrugas, hay venas escleróticas en su sien, pero en sus ojos se lee terquedad y firmeza de voluntad.

Las tareas espaciales se resuelven de manera diferente en estas dos pinturas, lo que también puede deberse a la diferencia en la posición y el estado de los clientes. Lleno de fuerza y ​​energía, el canciller está representado en una habitación, cuya pared trasera está atravesada por una arcada, detrás de ella se abre una vista de un paisaje lejano: un río caudaloso que se adentra en las profundidades del espacio pictórico, una ciudad en sus orillas, figuras de personas. Y aunque, como en el "Altar de Gante", los detalles individuales tienen un significado simbólico, en conjunto, el deleite del artista, y con él del espectador, prevalece frente a la grandeza, belleza y diversidad del mundo terrenal. Canon van der Pale aparece ante la Virgen, sentada en un trono en un espacio reducido. Mantiene con ella un diálogo interno concentrado y está completamente desprendido de los intereses y tentaciones de la realidad que lo rodea.

El arte de Jan van Eyck expresó con persuasión cautivadora la belleza natural del ser, la dignidad espiritual y el valor de la persona humana. Tuvo un gran impacto en el desarrollo posterior de la pintura tanto en su país natal como en otros países europeos.

Lilia Aleshina

Gráfico

El principal encanto de la imagen es que no podemos decir con absoluta certeza quién y en qué circunstancias se representa en ella. Si no se sumerge en los detalles de las investigaciones realizadas por numerosos críticos de arte, la versión principal, la que cuenta con más seguidores, Jan van Eyck retrata al comerciante Giovanni di Nicolao Arnolfini con su esposa.

"Retrato de los Arnolfini". (wikipedia.org)

Tampoco sabemos qué momento de la vida de la pareja se capta. Según una versión, matrimonio: Giovanni cruzó los dedos como sucedió durante la pronunciación del juramento; en el reflejo del espejo en la pared, dos son visibles: testigos del rito; un hombre y una mujer se visten festivamente y ricamente.

Según otra versión, el retrato fue pintado después de la muerte de la mujer. Giovanni di Nicolao se casó con Constanza Trenta, de 13 años, en 1426. Su madre Bartolomea, en carta fechada el 26 de febrero de 1433, dirigida a Lorenzo Medici, informa de la muerte de Constanza. La vela apagada en el candelabro sobre la mujer se interpreta como otra prueba de que la pintura fue pintada después de la muerte de la dama.

Quienes se oponen a la hipótesis de que la imagen representa un matrimonio señalan que los héroes tienen anillos en las manos y los dedos equivocados. Además, darse la mano no es típico de las ceremonias de boda.

Por cierto, existe la hipótesis de que en la imagen van Eyck se representó a sí mismo con su esposa Margarita. A favor de esto, los investigadores señalan la semejanza del retrato de la dama representada y la esposa del artista, así como la estatuilla de Santa Margarita (representada sobre la cama): supuestamente insinúa el nombre de la heroína. Además, la esposa de van Eyck dio a luz el mismo año en que se pintó la pintura.

Los héroes van ricamente vestidos, según la última moda del norte de Europa, que en el segundo cuarto del siglo XV se distinguía por una buena dosis de extravagancia. Llévate al menos los sombreros. No hace falta decir que la belleza es una fuerza terrible.

Parece que la mujer está embarazada: tiene el estómago agrandado, está de pie con el cuerpo inclinado hacia atrás y la mano en el estómago. Sin embargo, si miras a las damas en otros retratos de esa época, parecerá que, si no cada una, la mitad de ellas están embarazadas. Entonces estaba de moda tomar una pose, inclinando el cuerpo hacia atrás y empujando el estómago hacia adelante, la llamada curva gótica. Sí, y la mano sobre el estómago puede ser un símbolo de lo femenino.

Los héroes están representados con ropa festiva, pero en un interior simple. Este último, muy probablemente, fue inventado por van Eyck: lo ensambló a partir de fragmentos vistos en otras casas e inventado por él mismo. El resultado fue un espacio lleno de símbolos.

Un perro es un signo de prosperidad, un símbolo de lealtad y devoción. Las frutas (según una versión, naranjas, según otra, manzanas) pueden hablar tanto de la prosperidad de la familia como simbolizar la pureza y la inocencia. Cereza fuera de la ventana: un deseo de fertilidad en el matrimonio. La alcoba roja de la derecha es un símbolo de la cámara nupcial y un atributo clásico de las escenas de la Anunciación, la Natividad de Cristo y la Natividad de la Virgen. La mujer se encuentra cerca de la cama, lo que enfatiza su papel como guardiana del hogar. El hombre está representado en una ventana abierta, lo que indica su conexión con el mundo exterior.

La pareja son representantes de los burgueses adinerados, como lo demuestra su ropa. Un vestido con una cola tan impresionante era imposible de usar sin ayuda.

Contexto

Los Arnolfini eran una gran familia de comerciantes y banqueros, que en ese momento tenía una sucursal en Brujas. Y van Eyck, que vivía en el momento de escribir el cuadro, en la misma ciudad, bien podría haber recibido este pedido. Y podría dárselo como amigo. Después de todo, los burgueses ricos y un artista pueden ser amigos.

La precisión casi fotográfica es el resultado de experimentos con instrumentos ópticos. Presumiblemente, van Eyck, usando un espejo cóncavo, rodeó las proyecciones invertidas de los objetos representados sobre la base de la imagen, o incluso aplicó pintura sobre la proyección. Esta hipótesis tiene tanto partidarios (que señalan errores de perspectiva) como detractores (que señalan que en ese momento era extremadamente difícil encontrar un dispositivo óptico del diámetro requerido).

Domingo Lampson. Retrato de Jan van Eyck. (wikipedia.org)

El realismo también está respaldado por la tecnología. Van Eyck trabajó en óleos, lo que supuso una innovación para su época. Gracias a las propiedades de las pinturas al óleo, puedes aplicar varias capas y, junto con el juego de luces y sombras, crear la ilusión de un espacio tridimensional.

Van Eyck fue casi el primero en firmar su cuadro. Es cierto que había algunos misterios aquí. En primer lugar, la firma no se indica modestamente en la esquina inferior, sino en un lugar claramente visible entre la lámpara de araña y el espejo. En lugar de la clásica frase “el lienzo fue pintado por esto”, el artista escribió “Jan van Eyck estuvo aquí”, reforzando la versión de que él es uno de los testigos representados en el reflejo del espejo.

El destino del artista.

Se desconoce la fecha exacta de nacimiento de Jan van Eyck. Presuntamente, nació en el norte de Holanda a finales del siglo XIV. Su hermano le enseñó cómo sostener un pincel en sus manos y los conceptos básicos del oficio artístico. Cuando llegó el momento de ganarse el pan, Jan se fue a La Haya, donde comenzó a hacer carrera en la corte de los condes. Debo decir que fue muy apreciado y no se sentó sin órdenes. Entre 1425 y 1430, van Eyck viajó mucho por Europa, se reunió con colegas en la tienda, como dicen. Habiéndose familiarizado con la comunidad cultural europea, van Eyck se instaló en Brujas, donde pasó el resto de sus días.

"Retrato de los Arnolfinis" es una de las obras más replicadas del artista. Sin embargo, otra de sus creaciones se llama grande: el Altar de Gante. Imagínese la escala: 24 paneles, 258 figuras en ellos, la altura máxima es de 3,5 metros, el ancho cuando se abre es de 5 metros. Y todo se trata de la adoración de los apóstoles, profetas, antepasados, mártires y santos al Cordero, que simboliza a Cristo.

Jan van Eyck (holandés. Jan van Eyck, c. 1385 o 1390, Maaseik-1441 Brujas) - Pintor flamenco de principios del Renacimiento, maestro del retrato, autor de más de cien composiciones sobre temas religiosos. El hermano menor del artista y su maestro Hubert van Eyck (1370-1426).

Se desconoce la fecha exacta de nacimiento de Jan van Eyck. Nacido en el norte de los Países Bajos en Maaseik. Estudió con su hermano mayor Hubert, con quien trabajó hasta 1426. Inició su actividad en La Haya en la corte de los condes holandeses, fue mencionado por primera vez entre 1422 y 1426 como "Maestro Jan" en el rango de chatarrero de cámara con Conde Johann III También se sabe que solo tenía 2 hermanos: el mayor Hubert y el menor Lambert y su hermana Margaret. Desde 1425 fue artista y cortesano del duque de Borgoña, Felipe III el Bueno, quien lo valoró mucho como artista y pagó generosamente por su trabajo. En 1427-1428. como parte de la embajada ducal, Jan van Eyck fue a España, luego a Portugal. En 1427 visitó Tournai, donde fue recibido con honor por el gremio de artistas local. Probablemente se reunió con Robert Campin, o vio su trabajo. Trabajó en Lille y Gante, en 1431 compró una casa en Brujas y vivió allí hasta su muerte.

Van Eyck es considerado el inventor de las pinturas al óleo, aunque en realidad solo las mejoró. Pero fue después de él que el petróleo ganó reconocimiento general, la tecnología del petróleo se convirtió en tradicional para los Países Bajos; en el siglo XV vino a Alemania y Francia, de allí, a Italia

La obra más grande y famosa de Van Eyck es el Retablo de Gante, probablemente iniciado por su hermano Hubert. Jan van Eyck encargó al rico burgués gante Jodoc Veidt la capilla de su familia en 1422-1432. Este grandioso políptico de varios niveles de 24 pinturas que representan 258 figuras humanas se encuentra en la Catedral de San Bavón en Gante.

Entre las obras maestras de Jan van Eyck se encuentran la Virgen del canciller Rolin, así como el retrato de un comerciante, un representante de la casa bancaria Medici, Giovanni Arnolfini con su esposa, el llamado Retrato de la pareja Arnolfini.

Jan van Eyck murió en Brujas en julio de 1441 (fecha de entierro: 9 de julio de 1441). En el epitafio de van Eyck está escrito: “Aquí yace Juan, glorioso con extraordinarias virtudes, en quien el amor por la pintura era asombroso; pintó imágenes de personas que respiraban vida, y la tierra con hierbas en flor, y glorificó a todos los seres vivos con su arte ... "

Tuvo varios alumnos, incluido el posteriormente famoso pintor Petrus Christus.

“Según el reconocimiento universal, los descubrimientos más audaces que marcaron un punto de inflexión en el desarrollo artístico (de la humanidad) pertenecen al pintor Jan van Eyck (1385/90 - 1441). Su mayor creación es un altar de varias hojas (políptico) para la catedral de Gante.- E. Gombrich "Historia del Arte".

Ya que hasta el siglo XV no era costumbre firmar tus cuadros.

Un cráter en Mercurio y el asteroide (9561) van Eyck, que fue descubierto el 19 de agosto de 1987, llevan el nombre de Van Eyck.

Aparece en un sello postal belga de 1944.

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