Métodos de enseñanza al tocar un instrumento. "Una metodología integral para la enseñanza de los instrumentos de viento en la escuela primaria"

Plan de estudios:

1) Momento organizacional

2) Calentar. Ejercicios destinados a la libertad del aparato motor.

3) Trabajar con material musical (usando tecnología salvadora de salud).

4) Situación problema basada en material didáctico.

5) Consolidación del material tratado - medios expresivos en la música (uso de tecnología de juegos).

6) El resultado de la lección.

7) Tarea.

Descargar:

Avance:

Gestión del sistema educativo de la administración del distrito municipal de Lukhovitsky

MBOU DOD "Escuela rural de música infantil Krasnopoymovskaya"

Lección abierta en la especialidad.

(Departamento de instrumentos folklóricos)

Sobre el tema: "Las principales etapas del aprendizaje inicial de la guitarra"

Profesor: Romanova O.N.

P. Llanura aluvial roja 2012

tipo de lección : combinado (consolidación de conocimientos, aplicación compleja de conocimientos).

La lección incluye:

Configuración organizativa y de contenido.

Comprobación de la profundidad de la comprensión y la fuerza del conocimiento del estudiante

Interacción entre el maestro y el niño basada en el mensaje: la asimilación de nuevos conocimientos, habilidades.

Consolidación del material estudiado y ejercicios.

Diagnóstico de la fuerza de la asimilación del conocimiento.

Instrucción de tarea

Tipo de lección: tradicional

El propósito de la lección : fijar el concepto de medio de expresividad musical en el material de ejercicios, juegos didácticos y obras estudiadas.

Métodos de enseñanza :

1) Perspectiva: transmisión verbal y percepción auditiva. El maestro comunica información preparada usando demostraciones. El estudiante comprende y recuerda.

2) Reproductiva: el estudiante recuerda la información reportada por el docente. Promueve la formación de conocimientos, destrezas y habilidades a través de un sistema de ejercicios.

3) Práctico: juegos musicales y didácticos, acciones repetidas para mejorar la habilidad y desarrollar el oído musical.

Técnicas metodológicas:

verbal, visual, práctico

Activación auditiva, apelación a la percepción musical del alumno

Desarrollo del pensamiento, iniciativa creativa.

Técnicas de control y autocontrol: al realizar, escuchar el sonido reproducido; cantar correctamente la melodía y transmitir el patrón rítmico.

Condiciones psicológicas en la lección.:

La movilización de la atención, la actividad cognitiva, el ritmo óptimo de la lección, la flexibilidad, la capacidad de reconstruir compositivamente la lección, teniendo en cuenta la situación de plegado, el microclima psicológico en la lección.

Objetivos de la lección:

De forma interesante para el niño, consolidar el concepto de medios expresivos en la música y su influencia en el tono emocional y figurativo de la obra, con el fin de ampliar las posibilidades creativas del alumno en el proceso de aprendizaje del instrumento.

1) Educativo: para consolidar los conocimientos teóricos estudiados (golpes, modo, tempo, timbre, ritmo, melodía), continuar la formación de habilidades prácticas, trabajar con tonos dinámicos, realizar el trabajo en un tempo dado).

2) Desarrollo: desarrollo de la audición, coordinación de movimientos, pensamiento musical figurativo, actividad creativa a través de diversas actividades.

3) Educadores: educar el amor por la música, educar el gusto estético, educar la perseverancia, la diligencia, la compostura.

Medios de educación:

Instrumento (guitarra), silla, reposapiés, consola, partitura, dibujo, puzzles musicales.

Aplicación de tecnologías pedagógicas:

1. Ahorro de salud:

Se desarrollan los músculos de los dedos, lo que afecta positivamente la memoria. Las clases de música te enseñan a utilizar tu jornada laboral de forma más racional, estará más organizada.

Organización racional de la lección: pausa dinámica, inclusión de momentos de juego, ejercicios.

La alternancia de varios tipos de actividades educativas (tocar escalas, ejercicios se reemplaza por el análisis de material musical, repetición de piezas aprendidas y escuchar música).

En la lección, son importantes la comodidad psicológica, el estilo de comunicación entre el maestro y el alumno, la carga de emociones positivas y la manifestación de buena voluntad.

2.Tecnología de aprendizaje centrado en el estudiante:

El reconocimiento del estudiante como principal figura actuante en todo el proceso educativo es una pedagogía orientada al estudiante. Esta tecnología se basa en el reconocimiento de la individualidad, la originalidad de cada persona, su desarrollo, principalmente como individuo dotado de su propia experiencia subjetiva única. La lección crea condiciones para la autorrealización del estudiante, el desarrollo de habilidades cognitivas individuales, imaginación creativa.

Ejercicios "Dedos que caminan", "Hocus-pocus".

Esta tarea alienta al estudiante a elegir de forma independiente formas de resolver este problema; revela la experiencia subjetiva del estudiante; evalúa no sólo el resultado, sino principalmente el proceso de aprendizaje; estimula el autodesarrollo, la autoexpresión en el curso del dominio del conocimiento.

3.Tecnología de aprendizaje basado en problemas:

Esta tecnología implica una presentación consistente y decidida de los problemas educativos al estudiante. El estudiante participa en una actividad mental activa, expresa su propia opinión y adquiere conocimientos activamente.

4. Tecnología de formación de motivación o tecnología de juegos.:

La tecnología implica la organización de actividades de juego dirigidas a la búsqueda, procesamiento y asimilación de información educativa. Es bueno usarlo durante el período de entrenamiento inicial. La inclusión de momentos de juego en el proceso educativo aumenta el interés del alumno por tocar el instrumento, activa su actividad creativa. El profesor crea una llamada "situación de éxito" en la lección. El sentimiento de éxito aumenta la motivación por aprender, mantiene el interés y la pasión por tocar el instrumento y evoca emociones positivas.

Plan de estudios:

1) Momento organizacional

2) Calentar. Ejercicios destinados a la libertad del aparato motor.

3) Trabajar con material musical (usando tecnología salvadora de salud).

4) Situación problema basada en material didáctico.

5) Consolidación del material tratado - medios expresivos en la música (uso de tecnología de juegos).

6) El resultado de la lección.

7) Tarea.

Durante las clases:

1) Momento organizacional. Saludo, aterrizar en el instrumento, el estado de ánimo para el trabajo creativo activo.

2) Calentar. Ejercicios "Dedos que caminan"dirigido a la libertad de los dedos de la mano derecha. (Supervisamos la calidad de la producción de sonido y la libertad de los dedos de la mano derecha).

ejercicio de hocus pocus(toque el patrón rítmico del poema):

Foco - pocus, red de arrastre - Vali,

Un ratón monta en un camión volquete.

¿Qué eres, esto, ratón,

¿Nos miras con desdén?

Grita, calla, calla.

PPP PPP

1 1 2 2 1 1 3 3

PPP PPP

1 1 4 4 1 1 3 3

PPP |

1 1 2 2 1 1 3

PPP |

1 1 4 4 1 1 2

Consolidación de la habilidad non legato en el estudio de la escala fa mayor . Interpretación basada en el primer sonido, trabajo con dinámicas.

Repetición de escalas en do mayor y re mayor a un ritmo en movimiento, utilizando tonos dinámicos y varios patrones rítmicos (uso de duraciones - cuartos y octavos).

Estudio L. Panayotov (La menor).

3) Trabajar con material musicalusando tecnología que salva la salud. El alumno interpreta piezas previamente aprendidas.

N. Ponyaev "Otoño"(escuchar, trabajar la imagen, trabajar la dinámica), el uso de ayudas visuales (dibujo).

Canción popular ucraniana "Un cosaco cruzó el Danubio" (trabajar en lugares difíciles).

física calentamiento:

Ejercicio para los ojos: mueva los ojos hacia la derecha, izquierda, arriba, abajo, ciérrelos, ábralos.

Ejercicio "Ciempiés": cierre las manos en un anillo (la mano derecha está arriba), pase alternativamente los dedos de ambas manos en la superficie de las manos y pronuncie el texto: "Dos ciempiés corrieron por el camino". Corrieron y corrieron y se alcanzaron.

4) Situación problema basada en material educativo

Arreglado por V. Kalinin Canción popular rusa "Like a meadow"

(analizar el texto musical, ver partes individuales: el tema y el acompañamiento, tocar el tema con las palabras de la canción, conectar 2 partes).

5) Consolidación del material cubierto(notas de la primera y segunda octava, medios expresivos en la música) utilizando tecnología de juegos (dibujos, rompecabezas).

6) El resultado de la lección:

Los medios de expresividad musical afectan más directamente el carácter de una obra musical, su imagen. El desarrollo simultáneo de la audición, el sentido del ritmo, la capacidad de leer la notación musical, el juego expresivo aumenta la eficiencia de dominar cada habilidad por separado y proporciona un enfoque holístico y sistemático del aprendizaje. La experiencia activa de una pieza musical ayuda a la percepción de la música y tiene un efecto positivo en el proceso creativo. Encendiendo una chispa de interés por conocer el fascinante mundo de la música, despertamos en el alumno el amor por el arte, desde su gusto artístico y estético.

7) Tarea, calificación.

creación de música instrumental(tocar instrumentos musicales): un tipo de actividad musical en la que los niños tocan varios instrumentos musicales. La importancia de la creación de música instrumental para el desarrollo musical y general de los niños difícilmente puede sobreestimarse. Maestros como K.Orff, B.Teplov, T.Tyutyunnikova, E. Medvedeva y otros notaron que en el proceso de tocar instrumentos, se desarrollan habilidades musicales y, sobre todo, todo tipo de oído musical: tono, metrorítmico, armónico, timbre. , dinámico, un sentido de la forma musical. Además, la creación de música instrumental es una fuente importante de comprensión del sistema de medios de expresión musical, conocimiento de fenómenos y patrones musicales. Favorece el desarrollo de la sutileza y la emotividad de los sentimientos.

¿Dónde comienza el conocimiento y el desarrollo de este o aquel instrumento musical?

La teoría de la maestra-música Lyudmila Valentinovna Shkolyar se tomó como base de este trabajo, que dividió la actividad musical en los siguientes tipos:

• actividad del oyente (percepción);
• actividades del artista intérprete o ejecutante (interpretación),
• actividad del compositor (creatividad).

En las clases de música, este tipo de actividades musicales están presentes en una trinidad inseparable y se suelen realizar según el siguiente esquema: percepción - ejecución - creatividad, es decir, la percepción de la música precede a otros tipos. También acompaña el desempeño y la creatividad de los niños. La proporción de acciones reproductoras y creativas varía según la edad de los niños, el grado de retraso mental y el tipo mismo de actividad musical.

D. B. Kabalevsy argumentó que aquellos que no pueden escuchar música nunca aprenderán a ejecutarla (tocarla) realmente bien. Por lo tanto, inicialmente los estudiantes en las clases de música se convierten en oyentes. Primero, los niños escuchan los sonidos del mundo que los rodea: los sonidos de la naturaleza, las calles de la ciudad, las casas. Luego aprenden a distinguir entre los sonidos de madera, metal y vidrio hechos por objetos ordinarios. Luego hubo un conocimiento de los instrumentos musicales: sus tipos, apariencia, sonido, métodos de extracción de sonido. En esta etapa del trabajo, los niños estudiaron no solo herramientas hechas en fábrica, sino que también aprendieron a hacerlas con sus propias manos. Los muchachos crearon instrumentos de percusión caseros: tambores, ordinarios e indios. , palos de madera, xilófonos, batidores, campanas; instrumentos de ruido - mazos musicales, tirachinas musicales , instrumento japonés - bambusi, shamblers; instrumentos musicales de cuerda hechos en casa - salterio, guitarra (ver Figura 1). Los escolares los jugaron, escucharon los sonidos que hacen. Durante este período, hubo un conocimiento de las propiedades del sonido: tono (sonidos altos y bajos), ritmo (sonidos largos y cortos), dinámica (sonidos fuertes y bajos), timbre (diferente coloración de los sonidos). Para consolidar estas ideas musicales y auditivas de los estudiantes sobre los sonidos, se utilizaron varios juegos musicales y didácticos con instrumentos: "Acertijos musicales" (los niños adivinan el sonido de un instrumento musical), "Lotería musical" (los niños determinan la dirección de la melodía hasta o hacia abajo por el sonido del instrumento) se llevaron a cabo pequeños experimentos con sonidos: por ejemplo, se vertió agua en varios vasos a diferentes niveles. Con una varilla de vidrio, los niños golpeaban sucesivamente todos los vasos y escuchaban su sonido. Como resultado, se concluyó que cuanto más vacío estaba el vaso, más alto era el sonido. Sobre la base de esta experiencia, los muchachos tocaron melodías populares rusas en vasos "En el jardín, en el jardín", "Como debajo de una colina, debajo de una montaña", "Oh, tu dosel, mi dosel".

El siguiente tipo de actividad musical es actuación. Los niños tocaron instrumentos de ruido caseros y más tarde de verdad. Se utilizaron los juegos musicales y didácticos "Eco rítmico" (los niños repiten un patrón rítmico dado en un instrumento musical), "Eco melódico" (los niños repiten un patrón melódico dado en un instrumento musical).

Al aprender a tocar instrumentos musicales de percusión: bongs, sonajeros, un triángulo, se utilizaron varias figuras como notas: estrellas, rombos, rectángulos. Cada uno correspondía a un lote de un instrumento (ver Figura 2). Los muchachos miraron la partitura gráfica, determinaron en qué orden necesitaban tocar. Resultó ser una orquesta ruidosa muy bien coordinada.

Cuando se enseñaban otros instrumentos musicales, como campanas tintadas, se usaba sistema de notación de color, es decir, las notas fueron reemplazadas por triángulos de colores. La duración de los sonidos se indicó de la siguiente manera: sonidos largos, con triángulos grandes, cortos, con tamaños pequeños (ver Figura 3) Al aprender a tocar la armónica de viento, se pegaron cuadrados de colores en las teclas, así como en un hoja de cuaderno en una secuencia determinada. El niño miró este cuaderno y tocó el instrumento de acuerdo con las notas. Por lo tanto, los chicos aprendieron e interpretaron la melodía de Año Nuevo "Nació un árbol de Navidad en el bosque", la melodía popular rusa "Oh, me levanté temprano", la canción patriótica "Katyusha". Después de aprender a tocar instrumentos musicales acústicos, los muchachos se familiarizaron con un instrumento musical electrónico: un sintetizador MIDI (un sintetizador conectado a una computadora), que les permitió experimentar con sonidos electrónicos. Para los escolares, se abre una amplia gama de sonidos y combinaciones de varios instrumentos musicales. ¿Ayudó el editor de música con esto? GaragBand. Para el desarrollo de la notación musical también se utilizó el sistema de colores de grabación de notas + su nombre.

Al adquirir habilidades interpretativas para tocar instrumentos musicales acústicos y electrónicos, muchos estudiantes tienen la necesidad de improvisaciones creativas. Este es el nivel más alto de desarrollo de la actividad musical: actividad del compositor. Se pidió a los niños que crearan las canciones más simples de acuerdo con los textos dados, las marchas, canciones de cuna y canciones de baile más simples. Luego escribieron las melodías inventadas usando un sistema de notación de colores o usando varias imágenes gráficas (Ver Figura 4). En esta etapa, los niños jugaron juegos como "Nuestro viaje" (los niños suenan una historia inventada usando instrumentos musicales), "Suena un cuento de hadas, un poema". Por ejemplo, en el concurso de lectura "Tierra natal", los alumnos de cuarto grado expresaron un poema sobre la naturaleza con la ayuda de instrumentos musicales: los sonidos de la lluvia se representaron con la ayuda de palos de madera, el sonido de un arroyo con la ayuda de una rumba, el susurro de las hojas - con el susurro del papel corrugado. Algunos chicos intentaron componer música y grabarla en una computadora usando un sintetizador MIDI. Entonces, una estudiante de octavo grado, Evgenia Danilochkina, compuso y grabó en una computadora su composición llamada "Gust" (Apéndice 1).

En el proceso de actividad creativa, se manifestó la individualidad de cada niño, tuvo lugar su autoexpresión, los niños experimentaron el placer de su propia creación musical, por lo tanto, se formó una actitud emocionalmente positiva hacia la música.

Tal es el sistema de trabajo para enseñar a los estudiantes de un internado correccional a tocar varios instrumentos musicales.

DEL COMPILADOR
Los altos logros profesionales y artísticos de la interpretación de instrumentos populares rusos son bien conocidos.
Últimamente, las habilidades de interpretación de los conjuntos orquestales profesionales han crecido excepcionalmente, entre los cuales la Orquesta de Instrumentos Populares Rusos de la Radio y Televisión de toda la Unión, dirigida por el Artista del Pueblo de la RSFSR V. Fedoseyev, ha logrado resultados particularmente buenos. La concesión del Premio Estatal Glinka de la RSFSR a V. Fedoseev es la mejor prueba del reconocimiento universal de los destacados logros de este grupo, que es popular no solo entre los músicos profesionales, sino también entre el público aficionado más amplio.

El reconocimiento y la fama en nuestro país y mucho más allá de sus fronteras ha sido ganado por las habilidades interpretativas de nuestros acordeonistas, quienes han ganado lugares de honor en competencias internacionales durante muchos años seguidos y han realizado exitosas giras por Europa y Asia, Australia, América y África. continente.
Los intérpretes soviéticos de balalaika son muy populares y demuestran de manera convincente las enormes capacidades artísticas y virtuosas de este instrumento. Las actividades escénicas del ganador del Premio Estatal, Artista del Pueblo de la RSFSR P. Necheporenko elevaron la importancia de la balalaika a un nivel académico altamente profesional.
Otros instrumentos populares rusos continúan desarrollándose. Las posibilidades artísticas de domra como instrumento solista son cada vez más evidentes. Aparecieron varios solistas domristas jóvenes e interesantes. Se sentó el comienzo del renacimiento y desarrollo profesional del salterio sonoro. La fructífera actividad en el escenario del concierto del ganador del Concurso Guslar de toda Rusia V. Tikhov, que se graduó con éxito en el Conservatorio de Leningrado, convence de la gran promesa de este instrumento.
Todos estos éxitos se deben al desarrollo de la educación musical, la mejora de la enseñanza, la afluencia de nuevas fuerzas y personal joven con talento en la práctica de la interpretación y la enseñanza.
Sin embargo, a pesar de esto, hoy, lamentablemente, todavía no podemos decir que la formación de jóvenes músicos en las amplias masas, en todos los niveles, esté ya en un nivel artístico, interpretativo y organizativo suficiente.

Considerando las perspectivas para el desarrollo de la educación vocacional, uno no puede dejar de volver en primer lugar a sus orígenes, al estado de la educación en las actuaciones de aficionados, en las escuelas de música y en los colegios. Una seria preocupación es causada por una notable disminución en el interés de los amantes de la música en las clases en grupos musicales de aficionados. La experiencia en el campo de las actuaciones de aficionados nos permite concluir que los métodos y formas de organización de la actividad de los grupos orquestales que se desarrollaron hace muchos años ya no corresponden al mayor nivel de desarrollo estético de las amplias masas de amantes de la música, sus necesidades artísticas.

En la década de 1950, los grupos de música amateur eran casi el único canal para obtener educación musical primaria. En los años siguientes, cuando se inició el desarrollo intensivo de una red de escuelas de música infantiles y nocturnas, los grupos de aficionados comenzaron a ceder sus funciones a instituciones musicales profesionales. En estas condiciones, los grupos de arte amateur, aparentemente, tuvieron que reorientarse para atraer a su entorno a artistas ya en cierta medida calificados. Y para esto, por supuesto, es necesario promover activamente sus logros artísticos, profundizar las bases profesionales de la interpretación, desarrollar y mejorar las habilidades interpretativas de cada miembro de la orquesta.
Especialmente importante para nosotros es el estado de las actuaciones infantiles de aficionados en las casas de cultura, casas y palacios de pioneros, clubes y diversos círculos. El nivel de este trabajo determina el futuro del desempeño profesional y afecta directamente su futuro.
Los logros de las instituciones para niños fuera de la escuela en la educación estética de la generación más joven son bien conocidos, pero también existen serios problemas sin resolver en este trabajo. En particular, el nivel general de enseñanza insuficientemente satisfactorio y la ausencia de un trabajo serio para mejorar las calificaciones de los maestros y directores de grupos musicales infantiles son motivo de preocupación.

Es característico que, de los fondos recibidos de los estudiantes, las instituciones del club, por regla general, no prevén ningún gasto para brindar asistencia metodológica a sus maestros y prácticamente no muestran ninguna preocupación por esto. La situación se ve agravada por el hecho de que las medidas metodológicas que se llevan a cabo periódicamente en las organizaciones matrices, los palacios de los pioneros y las casas de arte de aficionados, se basan en principios puramente voluntarios y no cuentan con la asistencia de maestros poco calificados.
La interpretación de aficionados musicales para niños en su masa supera significativamente el contingente de estudiantes en las escuelas de música y atrae a un número considerable de niños superdotados. El nivel de trabajo con esta mejor parte de las actuaciones amateurs causa una preocupación particularmente seria, ya que la estructura organizativa en esta área, lamentablemente, no brinda las condiciones necesarias para el normal desarrollo de los jóvenes músicos. Incluso en los casos en que los niños superdotados estudian bajo la guía de maestros talentosos y experimentados, los resultados a menudo resultan ser significativamente más bajos de lo posible. La razón de esto no es solo la mitad de la duración de una lección en una especialidad en comparación con una escuela de música, sino también la ausencia de disciplinas como el solfeo y la literatura musical. Naturalmente, en tal situación, incluso los jóvenes músicos más prometedores no están lo suficientemente preparados para ingresar a una escuela de música y pierden la oportunidad de recibir una educación profesional.

En la actualidad, las escuelas de música para niños se enfrentan a serios problemas organizativos y metodológicos. Sus actividades en el momento actual están determinadas por las tareas de educación musical general y una sólida formación profesional inicial de niños especialmente superdotados, prometedores para su educación superior en una escuela de música. La escuela de música moderna aún no se enfrenta suficientemente a la solución de estas tareas en el campo de la interpretación con instrumentos populares. Para hacer música amateur, los estudiantes no adquieren las habilidades necesarias de lectura de una partitura, tocar de oído y la capacidad de acompañar. Profesionalmente, los estudiantes, por regla general, carecen de libertad técnica, significado y expresividad de desempeño.
El período de estudio más corto (en comparación con los pianistas y violinistas) en una escuela de música afecta negativamente la preparación de los estudiantes. Sería más conveniente inscribir a los niños en el departamento de instrumentos populares a la edad de ocho años y comenzar las clases en la especialidad después de una formación musical general preliminar, siempre que el desarrollo físico del estudiante sea suficiente. Estas medidas ayudarían a eliminar el desfase en la formación musical y teórica que, al finalizar la escuela de música, se forma entre los pianistas y violinistas, por un lado, y los estudiantes de vientos folklóricos y orquestales, por otro. El retraso de este último resulta tan significativo que en las instituciones de educación musical secundaria y superior el estudio de las disciplinas teóricas ya se lleva a cabo de acuerdo con un programa ligero, lo que crea la falsa impresión de que existe cierta fatalidad inevitable de un desarrollo limitado de intérpretes de instrumentos folclóricos y de viento.

El problema de la selección de estudiantes y la metodología para realizar los exámenes de ingreso también es urgente. Es característico que ahora no solo los niños que tienen los mejores talentos ingresan a las escuelas de música, sino también aquellos que accidentalmente escucharon y se interesaron por algún instrumento o, peor aún, quienes, en contra de sus deseos, fueron enviados a estudiar por sus padres. La ausencia de una conexión elemental con las escuelas de educación general y los jardines de infancia, la expectativa pasiva en lugar de una búsqueda activa de talentos priva actualmente a la escuela de música de muchos talentos brillantes.
No hay pérdidas pequeñas entre los que aún asisten a los exámenes en la escuela de música: debido al primitivo sistema de verificación de datos musicales y la prisa de su implementación. Pero es bastante posible eliminar o al menos reducir la cantidad de errores durante la admisión, por ejemplo, organizando clases con los solicitantes durante el último mes, prácticamente no académico, especialmente diseñado para el trabajo metódico de los maestros de las escuelas de música para niños.
Colectivos de profesores y directores de escuelas de música resultan observadores pasivos en cuestiones de especial orientación de los aspirantes, en la regulación de la admisión. La elección de uno u otro instrumento se basa en la mayoría de los casos en ideas aleatorias e influenciadas por la moda de los solicitantes, sin tener en cuenta sus capacidades y características individuales. Como resultado, hay una formación "flujo" del contingente: la gran mayoría de los niños estudia piano y acordeón.
La afluencia en las clases de piano probablemente se deba a la ignorancia de los padres, quienes no imaginan que el aprendizaje exitoso en este instrumento solo es posible con habilidades sobresalientes, requiere un trabajo arduo sistemático y a largo plazo. Pocas personas saben que el piano, en el sentido de hacer música en casa, no es tan accesible como muchos otros instrumentos.

En la actualidad, la apariencia atractiva y las cualidades sonoras del acordeón son de gran interés para los padres no iniciados. En el flujo de acordeonistas que ingresan a la escuela de música, un lugar significativo lo ocupan niños talentosos y profesionalmente prometedores, para quienes las limitadas habilidades de ejecución del acordeón se convierten en un obstáculo en el camino hacia el arte profesional.
Una de las tareas modernas más importantes es desarrollar la iniciativa y el interés de los profesores de las escuelas de música para atraer a los estudiantes a los instrumentos populares de cuerda. La creación de estas clases en todas las escuelas de música no es solo un deber profesional, sino también cívico y patriótico de los maestros.
Entre los muchos problemas mencionados y no mencionados aquí, el más urgente es el problema de la formación de educadores, la formación avanzada de profesores de escuelas de música.
Como saben, es aquí donde los graduados de escuelas muy jóvenes e inexpertos comienzan su camino pedagógico. Una parte de ellos, probablemente una menor, ingresa a los departamentos de correspondencia de las universidades y, así, continúa su educación. El otro, en su mayor parte, se contenta con los conocimientos adquiridos en la escuela de música. Durante 5-6 años, mientras los jóvenes especialistas adquieren una experiencia pedagógica elemental, se encuentran prácticamente sin apoyo ni asistencia.
El sistema de trabajo metodológico existente todavía es a menudo de naturaleza aleatoria y superficial y no cubre a los docentes que más necesitan ayuda. La "experiencia" de vez en cuando es intercambiada por maestros sin experiencia, a menudo se llevan a la tribuna juicios inmaduros y erróneos, los especialistas más talentosos y autorizados son débilmente atraídos.

Para mejorar aún más la educación, también es necesario aumentar la responsabilidad de los profesores de las escuelas de música. En este sentido, es recomendable, por ejemplo, realizar exámenes y conciertos didácticos no por cursos, sino por clases, cuando todos los alumnos de uno u otro profesor se presenten a audición. Aquí se destacan más las ventajas o desventajas del método, y los errores de cálculo del docente, la calidad de la educación es más visible y, en consecuencia, la responsabilidad por el desempeño tanto del alumno como del docente es mayor.
Un medio más fuerte para mejorar la eficiencia del trabajo podría ser una certificación social y profesional de un maestro, en la que después de un cierto período, el maestro no solo muestra el nivel de preparación de su clase, sino que también informa sobre sus actividades metodológicas y sociales.
También podría mejorar el estado de asuntos Las escuelas de música, directamente interesadas en mejorar la calidad de su propio contingente, formadas, como saben, casi en su totalidad a expensas de los graduados de las escuelas de música para niños.
Las impresiones de quienes ingresan al Conservatorio de Leningrado, las observaciones a largo plazo del desarrollo de los jóvenes músicos indican la presencia de deficiencias significativas en la enseñanza de un instrumento especial, en la formación teórico-musical y en el desarrollo general de los estudiantes en muchas escuelas de música no solo en la Federación Rusa, sino también en otras repúblicas.

En el campo de la tecnología de producción de sonido, la gran mayoría de los que ingresan al conservatorio se caracterizan por acciones escénicas caóticas, a veces por la ausencia de un orden elemental de los movimientos del juego. Demasiados alumnos y estudiantes en este sentido se dejan a su suerte y no prestan atención a la posición de los dedos y la mano, a su "postura de interpretación" en cada nueva situación de digitación, no controlan la naturaleza de los movimientos y el estado del aparato muscular. De ahí el escaso desarrollo técnico, la rigidez, la tensión del aparato ejecutivo. También se pueden hacer afirmaciones serias con respecto al desarrollo de habilidades de articulación, significado e imágenes de desempeño.
En el proceso de estudiar en una universidad, por ejemplo, a menudo se revela la falta de una cultura adecuada del trazo: el oído del intérprete no está preparado para proporcionar más o menos la misma combinación de sonidos dentro de una técnica: legato, non legato, staccato. Muchos solicitantes están mal orientados en cuestiones de forma de obras musicales, no sienten el desmembramiento natural de la estructura y no poseen las habilidades para su pronunciación y generalización competentes. A menudo, también se encuentran un desarrollo primitivo de las representaciones figurativas del intérprete, una posesión limitada de las habilidades para transmitir de manera confiable las características y los rasgos estilísticos de una obra, lo que conduce a la monotonía del sonido, la reproducción formal de la dinámica y, a menudo, a la falsedad estilística. No hay más que sorprenderse cuando, en una obra aprendida y ya interpretada en el examen final de la escuela, el ejecutante no puede señalar con certeza ni los clímax principales ni los parciales, y no imagina los rasgos característicos y estilísticos de la desempeñar.

Sin embargo, la mayor preocupación. provoca una perspectiva muy limitada de muchos solicitantes, un desarrollo general deficiente, a veces la ausencia de un mínimo de información cultural general necesaria para un especialista con educación secundaria. En los coloquios durante los exámenes de ingreso, resulta que una parte importante de los estudiantes de la escuela no muestran el debido interés en la vida de conciertos en su ciudad, no asisten a conciertos y actuaciones, escuchan poca música, no leen ficción. Aparentemente, ha llegado el momento en que un docente en la especialidad necesita comprender en toda su dimensión su responsabilidad no solo por la calidad de la formación profesional, sino también por la formación del alumno, la formación de sus horizontes y convicción ideológica.
Este es el verdadero estado de la cuestión en los niveles primario y secundario de la educación musical, que no sólo incide significativamente en la formación de un contingente de estudiantes universitarios, sino que determina actualmente su nivel de calidad.
En este sentido, las universidades se enfrentan a tareas particularmente complejas y responsables de formar especialistas verdaderamente altamente calificados que cumplan con los requisitos modernos.
Un intento de llamar la atención de los círculos pedagógicos, estudiantes de escuela y estudiantes de instituciones de educación superior sobre los problemas del desarrollo de un alto profesionalismo en la interpretación, para educar a músicos profundamente educados, es la colección propuesta de artículos preparados en el Departamento de Instrumentos Populares de Leningrado. Conservatorio.

En la estructura de la colección, se pueden distinguir tres direcciones: artículos relacionados con la metodología de enseñanza de domra, balalaika y acordeón de botones ("Características específicas de la extracción de sonido en domra" por el profesor asociado Shitenkov I. I. ("Designación de Balalaika Strokes" por Profesor asociado Shalov A. B. y "Desarrollo de fundamentos metodológicos de las habilidades interpretativas del bayanista" del autor de estas líneas); dedicado a problemas específicos de interpretación ("Algunas características de la interpretación de las obras de J. S. Bach en el acordeón de botones" por el maestro de la escuela de música en el Conservatorio de Leningrado Igonin V. A. y "Sobre las características de la interpretación de las obras de A. Repnikov", el maestro principal Matyushkov D. A.) y artículos destinados a resolver los problemas de la educación amplia de los intérpretes en instrumentos populares ("El tema de instrumentación en el proceso de formación profesional de los artistas intérpretes o ejecutantes” por el jefe del departamento de instrumentos folclóricos de la rama de Petrozavodsk del Conservatorio de Leningrado Borisov S. V. y “Clase orquestal como medio de educación músico intérprete, peda gog, director de orquesta ", profesor principal Preobrazhensky G. N.).

C.Borisov. El tema de la instrumentación en el proceso de formación profesional de los intérpretes

Descargar manual

El método de enseñar a los niños a tocar instrumentos depende de:

• - instrumento perteneciente a un determinado grupo y subgrupo de clasificación;
• - el principio de extracción de sonido;
• - la edad del artista intérprete o ejecutante y las tareas que le han sido asignadas;
• - el nivel de desarrollo físico, musical y emocional del intérprete;
• - disponibilidad de condiciones (materiales, temporales, organizativas) para aprender a tocar el instrumento.

La metodología para aprender a tocar cualquier instrumento musical popular debe incluir los siguientes pasos:

• 1. Conocimiento del instrumento: la historia de la creación, las características de diseño, las capacidades de rendimiento;
• 2. Montaje del aparato de ejecución - cuerpo, manos, embocadura, etc.;
• 3. Dominar las técnicas básicas de extracción de sonido;
• 4. Desarrollo de habilidades interpretativas: trabajo en la interpretación artística, expresiva, emocional, musicalmente competente y técnicamente perfecta de una obra musical;
• 5. Trabaja en una pieza musical.

Metodología para aprender a tocar instrumentos de percusión

Los instrumentos de percusión son especialmente atractivos para los jóvenes músicos. Aprender a tocar la mayoría de los instrumentos de percusión de la orquesta (rublo, sonajero, claqueta, etc.) no requiere mucho tiempo ni un entrenamiento especial, mientras que el desarrollo de habilidades de interpretación adecuadas permite en el futuro dominar instrumentos de percusión más complejos (campanario). , leña, etc.), técnicas de ejecución (en tres, cuatro o más cucharas), así como instrumentos musicales de otro grupo de la orquesta.

En el proceso de familiarización con el instrumento de percusión, los niños:

• · Conozca la historia de su creación;
• · Características del diseño del estudio, posibilidades de realización (incluidas las técnicas);
• · Asignar características que determinan los detalles de una herramienta en particular;
• Establecer la pertenencia a un subgrupo según el elemento generador de sonido:
  • - cuerpo de la herramienta - ruido;
  • - membrana, membrana - membranosa;
  • - placa - laminar;
  • - la presencia de varios elementos similares al sonido - tipo combinado;
• Aprende cómo se produce el sonido.
• - por el impacto de dedos, palmas, palos, martillos, mazos, instrumentos (similares y diferentes) o partes de instrumentos entre sí;
• - como resultado de sacudidas;
• - fricción (deslizamiento);
• - otros métodos de formación de sonido, incluidos los mixtos;
• · Aprender las propiedades del sonido (tono indefinido o definido, características del timbre, posibilidades dinámicas, etc.);
• · Adquirir conocimientos sobre las características del uso de los instrumentos de percusión (creación de un fondo rítmico de ostinato, efectos sonoro-visuales, imitaciones sonoras; interpretación solista, en conjunto, esfuerzo de matices dinámicos, etc.)

Porque Dado que la metodología propuesta está dirigida a niños en edad preescolar y primaria, incluye técnicas de juego. Por ejemplo, al aprender nakr, un niño puede "hablar" con un recipiente mágico que responde a la voz (vibración de la membrana del instrumento). La situación del juego en este caso permite conocer de forma figurada las características de la producción sonora de este instrumento, que pertenece al subgrupo de los instrumentos de percusión palmeados.

Estudiando la espadaña, los niños encuentran imágenes familiares en su configuración: un hongo, una campana, un erizo, etc. Caracterizando el sonido de la espadaña como largo, sonoro y persistente, llegan a la conclusión de que el sonido del instrumento depende de la material del que está hecho, así como de la presencia y el tamaño del resonador, el tamaño del instrumento, las características de producción de sonido en él, etc.

A la hora de tocar un instrumento de percusión, el papel principal corresponde a la mano, aunque también participan en mayor o menor grado el hombro y el antebrazo. Un cepillo móvil, flexible y elástico hace maravillas, realizando intrincadas figuras rítmicas ricas en colores de timbre. Los músculos de la mano no deben estar tensos, lo que ayudará a evitar la rigidez y tirantez de los movimientos al tocar el instrumento, así como el cansancio rápido.

El proceso de aprendizaje del juego debe comenzar con un especial calentamiento propedéutico de manos sin instrumento. Esto le permitirá preparar el aparato del usuario para el juego, formar y reflejar las sensaciones musculares necesarias para el juego y desarrollar la coordinación de las manos. Por ejemplo, antes de que los niños comiencen a jugar el sonajero Kursk (recepción del juego "Ola"), se juega con ellos el juego de calentamiento "Conductor": imitan los movimientos de las manos del conductor girando el volante de el coche. O antes de que los niños jueguen en la caja, se les invita, cambiando de mano, a “tamborear” sobre sus rodillas.

En varios instrumentos (caja, tambor de pastor, nakrah, leña) el músico toca con dos objetos (palos, cucharas o martillos). El orden de alternancia de las manos en este caso está determinado por la estructura métrica de la medida (los golpes de la mano derecha se hacen más fuertes o en tiempos relativamente fuertes, los golpes de la mano izquierda en tiempos débiles) o la conveniencia de digitar al realizar un trabajo en particular .

Agencia Federal para la Cultura y la Cinematografía

Conservatorio Estatal de Saratov llamado así por

Departamento de Piano Especial

programa de trabajo

"MÉTODO DE ENSEÑANZA DEL JUEGO

SOBRE EL INSTRUMENTO»

Especialidad 070101

"Interpretación instrumental" (piano)

Sarátov, 2006

El programa está diseñado de acuerdo con

El programa de trabajo se desarrolla sobre la base de un programa estándar,

aprobado por el Ministerio de Cultura de la URSS, 1977.

Compilado por:

Profesor del Departamento de Piano Especial en el Conservatorio Estatal de Saratov. , Doctorado en Historia de las Artes,

Revisores:

, Candidato a Historia del Arte, Profesor

, Candidato a Ciencias Pedagógicas, Profesor Asociado

Nota explicativa

Metas y objetivos del curso.

Metas del curso universitario, los métodos de enseñanza para tocar el piano en las condiciones modernas consisten en educar a un generalista capacitado para dirigir una clase especial en una escuela de música (colegio, liceo), clases de piano para vocalistas e instrumentistas, clases de concertino y de cámara, metodología , práctica pedagógica, para la enseñanza del piano en escuelas de música e instituciones culturales y educativas. Este curso está diseñado para dotar a los estudiantes de los conocimientos, destrezas y habilidades necesarias para esta labor, formar un sistema integral de puntos de vista sobre el proceso musical y pedagógico, promover el desarrollo del interés por la labor pedagógica, la necesidad de considerarla desde el punto de vista de los requisitos modernos para figuras culturales avanzadas.

El curso de metodología se conecta sucesivamente con otras disciplinas del ciclo pedagógico cursado en la universidad y el colegio y, sin duplicarlas, resuelve los problemas de teoría y práctica de la enseñanza en relación con la enseñanza del piano en un nivel superior. Al leer el curso, la experiencia adquirida por los estudiantes en una clase especial se generaliza y sistematiza, y su conocimiento en el campo de la historia y la teoría de la interpretación y la pedagogía, obtenido en el curso de la historia del arte del piano, continúa profundizándose. Se presta especial atención a lograr una unidad orgánica entre el curso de metodología y la práctica pedagógica de los estudiantes.

La pedagogía musical es un área compleja de la cultura moderna, donde la co-creación, cooperación profesor y alumnos. Las formas y métodos propuestos para organizar el proceso educativo se centran en identificar la posición independiente de los estudiantes. Se enfatiza la efectividad de las formas móviles de contacto entre un docente y los estudiantes, las cuales crean un campo potencial para la manifestación y desarrollo de las cualidades personales de los estudiantes. Los seminarios se construyen utilizando elementos de situaciones de juego, incluidas entrevistas preliminares, debates y resúmenes de control. El sistema de preguntas del test cumple el mismo propósito, permitiendo conocer la necesidad y suficiencia de los conocimientos adquiridos por los estudiantes en el proceso de aprendizaje. La información teórica obtenida se proyecta sobre una composición específica o sobre el proceso de lecciones individuales de los pianistas. La atención de los estudiantes se dirige al hecho de que deben aprender a operar con términos y conceptos modernos, introducirlos en la práctica del trabajo escénico y pedagógico.

Un medio efectivo para aumentar el contenido del proceso educativo es la saturación del curso de lectura de la metodología. elementos problemático, situaciones problema construidas sobre la contradicción, es decir, sobre el estudio de la “contradicción en la esencia misma de los objetos”. Esto tiene en cuenta el hecho de que los estudiantes no deben enfrentarse a un problema irresoluble. Es importante encontrar la manera de resolver la contradicción entre el conocimiento y la ignorancia, entre la experiencia individual del estudiante, que puede ser limitada, y la teoría, que es un concentrado general de conocimiento probado por la práctica, entre el conocimiento ordinario y el científico. Como resultado, el pensamiento del alumno participa activamente en el trabajo, se le exige que piense y razone con la ayuda del conocimiento existente para llegar a un nuevo conocimiento basado en la generalización del material ya conocido. Como resultado, los estudiantes desarrollan la capacidad de ver los problemas de forma independiente en la teoría y la práctica, para estar lo suficientemente preparados para resolverlos.

Casi cualquier tema del curso de metodología se puede presentar en oposición a varias posiciones teóricas y puntos de vista, en el choque de opiniones alternativas de destacados músicos-profesores. Esta forma de presentación del material anima a los estudiantes a buscar la solución óptima, aumenta su actividad individual en la determinación de la respuesta. En este caso, los jóvenes especialistas se forman por la forma misma de presentar la información, la riqueza y la ambigüedad del material en consideración. El futuro maestro no debe seguir sin pensar el camino estándar y estereotipado, que puede conducir a una situación de "callejón sin salida". El factor decisivo en la pedagogía musical es individual aspecto entrenamiento en habilidades profesionales. Esta declaración no significa un rechazo a los principios generales del arte pedagógico, sino que destaca un perfil personal, un enfoque personal para el desarrollo de los estudiantes. Las actitudes pedagógicas generalmente aceptadas y positivamente comprobadas deben refractarse a través del prisma de la individualidad, la disimilitud de los diferentes alumnos.

Este curso presenta una prioridad estilo aspecto en la educación musical de los alumnos. Aquí se actualiza la disposición sobre el significado determinante de la actividad interpretativa, que puede influir fructíferamente en la eficacia del futuro trabajo pedagógico de un egresado de una universidad de música. Con la comprensión de las pautas estilísticas y la orientación estilística del arte musical, las posibilidades de comprender y descifrar los métodos compositivos del desarrollo musical, la motivación y el razonamiento en el uso de medios expresivos de interpretación cambian cualitativamente.

Prestando atención al proceso pedagógico de educar a los jóvenes músicos, se destacan los problemas de comprensión y reproducción del estilo del autor, el trabajo con el texto del autor, la interpretación de la lectura de la notación musical, el análisis comparativo de las ediciones y las interpretaciones para que los estudiantes puedan trabajar deliberadamente en el desarrollo. de habilidades profesionales, al mismo tiempo que mejoran su "educación de estilo" y su nivel musical general. En algunos casos, los estudiantes dotados con intuición artística sienten las peculiaridades del estilo del autor en un nivel mental subconsciente. Por regla general, estos son pianistas que tienen una amplia erudición musical, que conocen bien la música de un determinado autor, que han "retocado" un número suficiente de sus composiciones. Pero tal propiedad de la percepción de la música en vivo por parte de un estudiante es rara. Por el contrario, más a menudo hay un malentendido cuando el intérprete piensa que toca todo lo que está escrito en el texto, cumple con el tempo, la dinámica, las prescripciones articulatorias del autor o (más a menudo) del editor y no entiende lo que cuestiona. puede tener sobre el estilo del compositor o la ejecución. El curso de metodología está diseñado para superar este malentendido y superar la inercia dependiente del pensamiento de los jóvenes músicos.

Recientemente, en la literatura especializada, Rviejo intuitivo comienzo en las artes escénicas y la enseñanza. De hecho, el aspecto personal en cualquier tipo de actividad creativa está predestinado. Entendiendo que, por un lado, el poder especial del impacto de la habilidad pedagógica reside en la singularidad del proceso, cuando a los presentes en la clase les parece que la obra “cobra vida” ante sus ojos sin ningún “efecto científico” especial. ” esfuerzos, sería un error pensar que la erudición artística por sí sola, la emotividad, la intuición y el temperamento son suficientes para transmitir el significado significativo de una obra musical. Es necesario no solo tener un conocimiento serio y profundo en varios campos de la creatividad artística, sino también dominar ciertos métodos, el sistema de educación y crianza, lo que permite resolver de manera óptima los problemas que surgen en el proceso de ejecución o creatividad pedagógica. .

El arte musical, por su emotividad directa e incluso irracionalidad, no permite aplicarse a sí mismo equivalentes verbales estrictos. Como acertadamente se ha señalado, “la música es precisamente ese “caso puro” que está enteramente diseñado, en primer lugar, para intuitivo comprensión” y “quienes se comunican con la música desarrollan un “órgano” especial que no solo responde adecuadamente a diversas características del sonido, no solo es capaz de decodificar su lenguaje, sino que también puede entender lo que dice, aunque esta comprensión se desarrolla sobre la base de operando no conceptual elementos» . En este caso, la intuición se forma en el campo del pensamiento artístico e imaginativo del músico, se alimenta de representaciones auditivas, que consisten en la memoria de interpretaciones memorables tradicionales e inusuales y el volumen total del conocimiento musical, se basa en los resultados de uno. propias búsquedas creativas, y se enriquece con impresiones emocionales y psicofisiológicas.

Al trabajar en una pieza musical, el maestro se comunica con el alumno, estando en un contexto cultural e histórico completamente diferente en relación con el autor de la composición. Están orientados a un sistema de valores diferente, tienen una educación artística y musical general diferente. Una obra creada por el autor en una época, pero interpretada en otro tiempo, es percibida por un músico moderno en un halo asociativo diferente. En las lecciones sobre la metodología, es poco apropiado hablar sobre la identidad o la adecuación de las posiciones del compositor y de la interpretación en el sentido de la imagen artística de una composición musical. El objetivo del curso es preparar y orientar a los futuros profesores en la solución de un doble problema: trasladar las coordenadas del estilo del autor y formar el estilo individual del pianista moderno.

Análisis y convirtiéndose nuevo ejecutando tradiciones esta es también la tarea del curso de metodología, y por lo tanto del maestro moderno. Trabajando en la mejora de las competencias profesionales de sus alumnos, el docente dirige y corrige este proceso. En cierto sentido, amplía los límites de comprensión del texto del autor, muestra su versatilidad, revela cada vez más nuevos significados de su existencia en el mundo moderno. Una de las tareas cardinales de la clase de piano es que los jóvenes músicos deben traer al texto del autor las características del contexto figurativo y semántico de la cultura moderna y la originalidad individual de la forma misma de interpretación. Como resultado, una composición musical creada en un pasado lejano o cercano se vuelve comprensible para el oyente moderno, enriquecida con una nueva capa de información, dotándose de una genuina inmortalidad artística.

El camino hacia la comprensión más profunda de una composición musical pasa por recurrir a todo lo valioso que se ha acumulado en la historia de la comprensión de la música: a los textos y ediciones, a las diversas lecturas interpretativas - "ediciones sonoras". El predominio de un punto de vista para crear una interpretación propia o cuando se trabaja con un alumno en la clase de piano es improductivo. Actitud negativa indeseable y excesivamente crítica hacia el deseo individual de músicos destacados de reflejar su propia comprensión de los problemas del trabajo pianístico de diferentes compositores. Existe una necesidad real de complementar el trabajo con el conocimiento de las tradiciones culturales generales y escénicas de diferentes épocas históricas ("ediciones verbales").

adquirir las habilidades de discusión colectiva de lecciones abiertas;

aprenda a trabajar con literatura especial, resumen, elabore un esquema del plan, elabore la documentación necesaria;

Formas y tipos de clases.

El curso de metodología se lleva a cabo en forma de conferencias y seminarios. Los primeros de ellos están dedicados principalmente a la consideración de problemas teóricos de la enseñanza, el segundo, a su estudio práctico y solución en el proceso de aprendizaje. Las lecciones abiertas y los debates se utilizan como formas activas de aprendizaje. Tipos de clases independientes: análisis del repertorio, resumen de literatura científica y metodológica, compilación de documentación de varios tipos, incluidos planes de repertorio según el nivel de desarrollo de los estudiantes, "modelado" del proceso de clase, elaboración de un plan de esquema, creando tus propias ediciones, asistiendo a clases de profesores del departamento de piano especial

Organización de la actual, intermedia y final

control del conocimiento.

durante un año cada estudiante está obligado a escribir un trabajo final, en el que los conocimientos teóricos deben combinarse orgánicamente con su propia experiencia escénica y pedagógica. Como temas para los resúmenes, se pueden recomendar los siguientes: análisis analítico y revisión de la literatura pedagógica del piano, trabajos metodológicos, escuelas y medios de enseñanza; análisis interpretativo y metodológico de una obra musical; registros de lecciones en la clase en la especialidad con comentarios metodológicos y generalizaciones. Para determinar la fuerza del conocimiento de los estudiantes, consolidar las habilidades educativas y metodológicas, probar la capacidad de trabajar de forma independiente con la literatura educativa, se llevan a cabo seminarios sobre temas relevantes. La duración de los seminarios está determinada por el currículo temático. A petición del profesor o alumno, el resumen del curso puede presentarse en forma de informe y leerse en uno de los seminarios.

Al finalizar el primer semestre, lección de control, donde el profesor da una valoración “preliminar” basada en la actividad o pasividad del trabajo de los alumnos durante los seis meses, que sirve de guía e incentivo para el trabajo posterior de los alumnos.

Resultados el trabajo anual de los estudiantes se resume en el examen. Los estudiantes responden en un boleto de examen, que incluye dos preguntas. El primero está dedicado al problema teórico del curso, el segundo, al tema relacionado con el desarrollo práctico del repertorio pedagógico y la literatura metodológica. Al contestar la segunda pregunta, el estudiante debe hacer un análisis interpretativo y metodológico de una de las obras del repertorio pedagógico de la escuela de música, escuela de música o universidad, ilustrando lo dicho interpretando fragmentos de la composición o la obra completa.

A la hora de derivar la nota final se tiene en cuenta la calidad del trabajo y el grado de actividad de los alumnos en el aula durante el curso.

La estructura del plan temático de la disciplina académica.

ESQUEMA TEMÁTICO DEL CURSO