Artistas japoneses famosos. Arte contemporáneo: Japón

Si crees que todos los grandes artistas pertenecen al pasado, entonces no tienes idea de lo equivocado que estás. En este artículo aprenderás sobre los más famosos y artistas talentosos modernidad. Y créanme, sus obras permanecerán en su memoria no menos profundamente que las obras de maestros de épocas pasadas.

Wojciech Babski

Wojciech Babski es un artista polaco contemporáneo. Completó sus estudios en el Instituto Politécnico de Silesia, pero se asoció con él. EN Últimamente atrae principalmente a mujeres. Se centra en la expresión de emociones, se esfuerza por obtener el mayor efecto posible utilizando medios sencillos.

Le encanta el color, pero a menudo utiliza tonos de negro y gris para lograrlo. la mejor experiencia. Sin miedo a experimentar con diferentes técnicas nuevas. Últimamente ha ido ganando popularidad en el extranjero, principalmente en el Reino Unido, donde vende con éxito sus obras, que ya se pueden encontrar en muchas colecciones privadas. Además del arte, le interesan la cosmología y la filosofía. Escucha jazz. Actualmente vive y trabaja en Katowice.

Warren Chang

Warren Chang - moderno artista americano. Nacido en 1957 y criado en Monterey, California, se graduó con honores en el Art Center College of Design de Pasadena en 1981, donde recibió un BFA. Durante las siguientes dos décadas trabajó como ilustrador para varias empresas en California y Nueva York antes de embarcarse en una carrera como artista profesional en 2009.

Sus pinturas realistas se pueden dividir en dos categorías principales: pinturas biográficas de interiores y pinturas que representan a personas trabajando. Su interés por este estilo de pintura se remonta a la obra del artista del siglo XVI Johannes Vermeer y se extiende a sujetos, autorretratos, retratos de familiares, amigos, estudiantes, interiores de estudios, aulas y hogares. Su objetivo es pinturas realistas cree estado de ánimo y emoción mediante la manipulación de la luz y el uso de colores apagados.

Chang se hizo famoso después de pasarse a las bellas artes tradicionales. Durante los últimos 12 años, ha obtenido numerosos premios y honores, el más prestigioso de los cuales es el Master Signature de Oil Painters of America, la comunidad de pintura al óleo más grande de los Estados Unidos. Sólo una persona entre 50 tiene la oportunidad de recibir este premio. Warren actualmente vive en Monterey y trabaja en su estudio, y también enseña (conocido como un maestro talentoso) en la Academia de Arte de San Francisco.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni – artista italiano. Nacido en Blair, el 15 de octubre de 1955. Se licenció en escenografía en el Instituto de Arte de Spoleto. Como artista, es autodidacta, ya que de forma independiente “construyó una casa de conocimiento” sobre los cimientos de la escuela. Comenzó a pintar al óleo a los 19 años. Actualmente vive y trabaja en Umbría.

Las primeras pinturas de Bruni tienen sus raíces en el surrealismo, pero con el tiempo comienza a centrarse en la proximidad del romanticismo lírico y el simbolismo, potenciando esta combinación con la exquisita sofisticación y pureza de sus personajes. Los objetos animados e inanimados adquieren la misma dignidad y parecen casi hiperrealistas, pero al mismo tiempo no se esconden detrás de una cortina, sino que te permiten ver la esencia de tu alma. Versatilidad y sofisticación, sensualidad y soledad, reflexión y fecundidad son el espíritu de Aurelio Bruni, alimentado por el esplendor del arte y la armonía de la música.

Aleksander Balos

Alkasander Balos es un artista polaco contemporáneo especializado en pintura al óleo. Nacido en 1970 en Gliwice, Polonia, pero desde 1989 vive y trabaja en Estados Unidos, en Shasta, California.

De niño estudió arte de la mano de su padre Jan, un artista y escultor autodidacta, por lo que temprana edad, actividad artística recibió pleno apoyo de ambos padres. En 1989, a la edad de dieciocho años, Balos dejó Polonia hacia los Estados Unidos, donde su maestra de escuela y artista a tiempo parcial, Kathy Gaggliardi, animó a Alkasander a matricularse en escuela de Arte. Luego, Balos recibió una beca completa para la Universidad de Milwaukee, Wisconsin, donde estudió pintura con el profesor de filosofía Harry Rozin.

Después de graduarse en 1995 con una licenciatura, Balos se mudó a Chicago para asistir a la escuela. Artes visuales, cuyos métodos se basan en el trabajo de Jacques-Louis David. Realismo figurativo y pintura de retrato formó la mayor parte del trabajo de Balos en los años 90 y principios de los 2000. Hoy, Balos utiliza la figura humana para resaltar las características y carencias de la existencia humana, sin ofrecer ninguna solución.

Las composiciones temáticas de sus pinturas están destinadas a ser interpretadas de forma independiente por el espectador, sólo entonces las pinturas adquirirán su verdadero significado temporal y subjetivo. En 2005, el artista se mudó al norte de California, desde entonces el tema de su trabajo se ha expandido significativamente y ahora incluye métodos de pintura más libres, incluida la abstracción y varios estilos multimedia que ayudan a expresar ideas e ideales de existencia a través de la pintura.

Alyssa Monjes

Alyssa Monks - moderno artista americano. Nacido en 1977, en Ridgewood, Nueva Jersey. Empecé a interesarme por la pintura cuando aún era un niño. Estudió en la New School de Nueva York y Universidad Estatal Montclair y se graduó de Boston College en 1999 con un B.A. Al mismo tiempo estudió pintura en la academia. Lorenzo Medici en Florencia.

Luego continuó sus estudios en el programa de maestría de la Academia de Arte de Nueva York, en el departamento de Arte Figurativo, graduándose en 2001. Se graduó de Fullerton College en 2006. Durante algún tiempo dio conferencias en universidades y Instituciones educacionales En todo el país, enseñó pintura en la Academia de Arte de Nueva York, así como en la Universidad Estatal de Montclair y la Academia de Arte Lyme.

“Usando filtros como vidrio, vinilo, agua y vapor, distorsiono cuerpo humano. Estos filtros le permiten crear grandes áreas diseño abstracto, con islas de color asomando: partes del cuerpo humano.

mis cuadros cambian aspecto moderno a las posturas y gestos tradicionales ya establecidos de las mujeres que se bañan. Podrían decirle mucho a un espectador atento sobre cosas aparentemente evidentes como los beneficios de nadar, bailar, etc. Mis personajes se presionan contra el cristal de la ventana de la ducha, distorsionando sus propios cuerpos, dándose cuenta de que así influyen en la notoria mirada masculina sobre una mujer desnuda. Se mezclan gruesas capas de pintura para imitar el vidrio, el vapor, el agua y la carne desde lejos. Sin embargo, de cerca, lo sorprendente propiedades físicas pintura de aceite. Al experimentar con capas de pintura y color, encuentro un punto en el que las pinceladas abstractas se convierten en algo más.

Cuando comencé a pintar el cuerpo humano, inmediatamente quedé fascinado e incluso obsesionado con él y creí que tenía que hacer mis pinturas lo más realistas posible. “Profesé” el realismo hasta que empezó a desmoronarse y revelar contradicciones en sí mismo. Ahora estoy explorando las posibilidades y el potencial de un estilo de pintura donde la pintura representacional y la abstracción se encuentran; si ambos estilos pueden coexistir al mismo tiempo, lo haré”.

Antonio Finelli

Artista italiano – “ Observador del tiempo”- Antonio Finelli nació el 23 de febrero de 1985. Actualmente vive y trabaja en Italia entre Roma y Campobasso. Sus obras han sido expuestas en varias galerías de Italia y del extranjero: Roma, Florencia, Novara, Génova, Palermo, Estambul, Ankara, Nueva York, y también se pueden encontrar en colecciones públicas y privadas.

Dibujos a lápiz " Observador del tiempo"Antonio Finelli nos lleva en un viaje eterno a través mundo interior la temporalidad humana y el análisis escrupuloso asociado de este mundo, cuyo elemento principal es el paso del tiempo y las huellas que deja en la piel.

Finelli pinta retratos de personas de cualquier edad, género y nacionalidad, cuyas expresiones faciales indican el paso del tiempo, y el artista también espera encontrar evidencia de la crueldad del tiempo en los cuerpos de sus personajes. Antonio define sus obras con un título general: “Autorretrato”, porque en sus dibujos a lápiz no sólo representa a una persona, sino que permite al espectador contemplarla. resultados reales el paso del tiempo dentro de una persona.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni es una artista italiana de 37 años, hija de un diplomático. Ella tiene tres niños. Vivió en Roma durante doce años y tres años en Inglaterra y Francia. Se licenció en historia del arte en la BD School of Art. Luego se graduó como restauradora de arte. Antes de encontrar su vocación y dedicarse por completo a la pintura, trabajó como periodista, colorista, diseñadora y actriz.

La pasión de Flaminia por la pintura surgió desde pequeña. Su principal medio es el óleo porque le encanta “peinar la paté” y también jugar con el material. Reconoció una técnica similar en las obras del artista Pascal Torua. Flaminia se inspira en grandes maestros de la pintura como Balthus, Hopper y François Legrand, así como en diversos movimientos artísticos: street art, realismo chino, surrealismo y realismo renacentista. El favorito de ella artista caravaggio. Su sueño es descubrir el poder terapéutico del arte.

Denis Chernov

Denis Chernov - talentoso artista ucraniano, nacido en 1978 en Sambir, región de Lviv, Ucrania. Después de graduarse de Jarkov escuela de Arte en 1998 permaneció en Jarkov, donde vive y trabaja actualmente. También estudió en Jarkov. academia estatal diseño y artes, departamento de gráfica, graduado en 2004.

Participa regularmente en exhibiciones de arte, en este momento Más de sesenta de ellos tuvieron lugar tanto en Ucrania como en el extranjero. La mayoría de las obras de Denis Chernov se conservan en colecciones privadas en Ucrania, Rusia, Italia, Inglaterra, España, Grecia, Francia, Estados Unidos, Canadá y Japón. Algunas de las obras se vendieron en Christie's.

Denis trabaja en una amplia gama de gráficos y técnicas de pintura. Los dibujos a lápiz son uno de sus métodos de pintura favoritos, una lista de sus temas. dibujos a lapiz también es muy diverso, pinta paisajes, retratos, desnudos, composiciones de género, ilustraciones de libros, literario y reconstrucciones históricas y fantasías.

La pintura monocromática de Japón es uno de los fenómenos únicos del arte oriental. Se ha dedicado mucho trabajo e investigación a ello, pero a menudo se percibe como algo muy convencional y, a veces, incluso decorativo. No es así. El mundo espiritual del artista japonés es muy rico y no le importa tanto el componente estético como el espiritual. El arte de Oriente es una síntesis de lo externo y lo interno, lo explícito y lo implícito.

En este post me gustaría prestar atención no a la historia de la pintura monocromática, sino a su esencia. De esto es de lo que hablaremos.

biombo "Pinos" Hasegawa Tohaku, 1593

Lo que vemos en las pinturas monocromáticas es el resultado de la interacción del artista con la tríada básica: papel, pincel, tinta. Por lo tanto, para comprender correctamente la obra, es necesario comprender al propio artista y su actitud.

"Paisaje" Sesshu, 1398

Papel Para maestro japonés no es fácil material improvisado, que subordina a su capricho, sino todo lo contrario: es un "hermano" y, por lo tanto, la actitud hacia ella se ha desarrollado en consecuencia. El papel es parte de la naturaleza circundante, que los japoneses siempre han tratado con reverencia y han tratado de no subyugar, sino de coexistir pacíficamente con ella. El papel es en el pasado un árbol que se encontraba en un área determinada, tiempo específico, “vio” algo a su alrededor y lo conserva todo. Así percibe el material el artista japonés. A menudo, antes de empezar a trabajar, los artesanos miraban durante mucho tiempo Hoja en blanco(lo contemplaron) y sólo entonces comenzaron a pintar. Incluso ahora, los artistas japoneses modernos que practican la técnica Nihon-ga (pintura tradicional japonesa) seleccionan cuidadosamente el papel. Lo compran por encargo a las fábricas de papel. Cada artista tiene un cierto grosor, permeabilidad a la humedad y textura (muchos artistas incluso llegan a un acuerdo con el propietario de la fábrica para no vender este papel a otros artistas); por lo tanto, cada pintura se percibe como algo único y vivo.

"Lectura en un bosque de bambú" Xubun, 1446

Hablando de la importancia de este material, cabe mencionar lo siguiente monumentos famosos Literatura japonesa como “Notas al lado de la cama” de Sei Shonagon y “Genji Monogotari” de Murasaki Shikibu: tanto en “Notas” como en “Genji” puedes encontrar tramas en las que cortesanos o amantes intercambian mensajes. El papel en el que se escribieron estos mensajes era de la época del año, el tono y la forma de escribir el texto correspondían a su textura.

"Murasaki Shikibu en el Santuario Ishiyama" Kyosen

Cepillar- el segundo componente es una continuación de la mano del maestro (nuevamente, esto es materiales naturales). Por lo tanto, los pinceles también se fabricaban por encargo, pero la mayoría de las veces el propio artista. Seleccionó los pelos de la longitud requerida, eligió el tamaño del cepillo y el mango más cómodo. El maestro pinta sólo con su propio pincel y ningún otro. (De experiencia personal: asistió a una clase magistral artista chino Jiang Shilun, el público le pidió que mostrara lo que podían hacer sus alumnos que estaban presentes en la clase magistral, y cada uno de ellos, tomando el pincel del maestro, dijo que el resultado no sería el que esperaban, ya que el pincel no era suyo. , no estaban acostumbrados y no saben utilizarlo correctamente).

Boceto en tinta "Fuji" de Katsushika Hokusai

Máscara- tercero elemento importante. El rímel sucede diferentes tipos: puede dar un efecto brillante o mate después del secado, tal vez con una mezcla de tonos plateados u ocres, por lo tanto Buena elección El rímel tampoco deja de ser importante.

Yamamoto Baitsu, finales del XVIII- Siglo XIX.

Los temas principales de la pintura monocromática son los paisajes. ¿Por qué no tienen colores?

Pantalla emparejada "Pines", Hasegawa Tohaku

En primer lugar, al artista japonés no le interesa el objeto en sí, sino su esencia, un cierto componente común a todos los seres vivos y que conduce a la armonía entre el hombre y la naturaleza. Por tanto, la imagen es siempre una pista; está dirigida a nuestros sentidos y no a la visión. La subestimación es un estímulo para el diálogo y, por tanto, la conexión. Las líneas y los puntos son importantes en una imagen: forman lenguaje artístico. Esta no es la libertad del maestro, que dejó una marca audaz donde quería, sino que, por el contrario, en otro lugar, dejó una marca audaz: todo en la imagen tiene su propio significado y significado, y no es aleatorio.

En segundo lugar, el color siempre tiene algún tipo de connotación emocional y se percibe de forma diferente. Gente diferente Por lo tanto, en diferentes estados, la neutralidad emocional permite al espectador entablar un diálogo más adecuado, posicionarlo para la percepción, la contemplación y el pensamiento.

En tercer lugar, esta es la interacción del yin y el yang; cualquier pintura monocromática es armoniosa en términos de la proporción de tinta al área intacta del papel.

Por qué La mayoría de¿No se utiliza ningún espacio de papel?

"Paisaje" Xubun, mediados del siglo XV.

En primer lugar, el espacio vacío sumerge al espectador en la imagen; en segundo lugar, la imagen se crea como si por un momento flotara hacia la superficie y estuviera a punto de desaparecer; esto está relacionado con la cosmovisión y la cosmovisión; En tercer lugar, en aquellas zonas donde no hay tinta, se destaca la textura y el tono del papel (esto no siempre es visible en las reproducciones, pero en realidad siempre es la interacción de dos materiales: papel y tinta).

Seshu, 1446

¿Por qué paisaje?

"Contemplación de una cascada" Gayami, 1478

Según la cosmovisión japonesa, la naturaleza es más perfecta que el hombre, por lo que éste debe aprender de ella, protegerla de todas las formas posibles y no destruirla ni subyugarla. Por lo tanto, en muchos paisajes se pueden ver pequeñas imágenes de personas, pero siempre son insignificantes, pequeñas en relación con el paisaje mismo, o imágenes de cabañas que encajan en el espacio que las rodea y ni siquiera siempre se notan: todos estos son símbolos de una cosmovisión.

"Estaciones: Otoño e Invierno" Sesshu. "Paisaje" Sesshu, 1481

En conclusión, quiero decir que la pintura japonesa monocromática no es tinta caóticamente salpicada, no es un capricho del ego interior del artista: es todo un sistema de imágenes y símbolos, es un depósito de pensamiento filosófico y, lo más importante, una forma de comunicación y armonización de uno mismo y del mundo que nos rodea.

Aquí, creo, están las respuestas a las principales preguntas que surgen en el espectador ante la pintura japonesa monocromática. Espero que os ayuden a comprenderlo más correctamente y a percibirlo cuando os encontréis.

Que abarca muchas técnicas y estilos. A lo largo de la historia de su existencia, ha sufrido un gran número de cambios. Se agregaron nuevas tradiciones y géneros y se mantuvieron los principios japoneses originales. Junto con historia asombrosa La pintura japonesa también está dispuesta a presentar muchos hechos únicos e interesantes.

Japón antiguo

Los primeros estilos aparecen en los más antiguos. Período histórico países, incluso BC. mi. Entonces el arte era bastante primitivo. Primero, en el año 300 a.C. e., varios figuras geometricas, que se realizaban sobre cerámica utilizando palos. El descubrimiento por parte de los arqueólogos de la ornamentación de campanas de bronce se remonta a una época posterior.

Un poco más tarde, ya en el año 300 d.C. e., aparecer dibujos rupestres, que son mucho más diversos ornamento geométrico. Estas ya son imágenes completas con imágenes. Fueron encontrados dentro de criptas y, probablemente, las personas que están pintadas en ellos fueron enterradas en estos cementerios.

En el siglo VII d.C. mi. Japón adopta una escritura que proviene de China. Por la misma época surgieron de allí las primeras pinturas. Entonces la pintura aparece como una esfera separada del arte.

Edo

Edo está lejos de ser la primera y no la última pintura, pero aportó muchas cosas nuevas a la cultura. En primer lugar, es el brillo y el colorido que se sumaron a la técnica habitual, realizada en tonos negros y grises. Mayoría un artista destacado Este estilo se considera Sotasu. Creó pinturas clásicas, pero sus personajes eran muy coloridos. Más tarde se dedicó a la naturaleza y la mayoría de sus paisajes los pintó sobre fondos dorados.

En segundo lugar, durante el período Edo apareció el exotismo, el género namban. Utilizó los modernos europeos y tecnicos chinos, que se entrelazó con los estilos tradicionales japoneses.

Y en tercer lugar aparece la escuela Nanga. En él, los artistas primero imitan por completo o incluso copian las obras de los maestros chinos. Luego aparece una nueva rama, que se llama bunjing.

Período de modernización

El periodo Edo da paso a Meiji, y ahora pintura japonesa obligado a ir a nueva fase desarrollo. En esa época, géneros como el western y similares se estaban volviendo populares en todo el mundo, por lo que la modernización del arte se convirtió en una situación común. Sin embargo, en Japón, un país donde todas las personas veneran las tradiciones, tiempo dado la situación era significativamente diferente de lo que estaba sucediendo en otros países. Aquí la competencia entre los técnicos europeos y locales es feroz.

El gobierno en esta etapa da preferencia a los artistas jóvenes que presenten grandes esperanzas para mejorar las habilidades en los estilos occidentales. Entonces los envían a escuelas en Europa y América.

Pero esto fue sólo al comienzo del período. El hecho es que críticos famosos El arte occidental fue criticado con bastante fuerza. Para evitar mucho alboroto sobre este tema, estilos europeos y las técnicas comenzaron a ser prohibidas en las exposiciones, cesó su exhibición, al igual que su popularidad.

El surgimiento de los estilos europeos.

Luego viene el período Taisho. En esta época, los jóvenes artistas que partieron para estudiar en escuelas extranjeras regresan a su tierra natal. Naturalmente, traen consigo nuevos estilos de pintura japonesa, muy similares a los europeos. Aparecen el impresionismo y el postimpresionismo.

En En este punto Se están formando muchas escuelas en las que se están reviviendo los antiguos. estilos japoneses. Pero es imposible deshacerse por completo de las tendencias occidentales. Por ello, tenemos que combinar varias técnicas para poder complacer tanto a los amantes de los clásicos como a los aficionados a la pintura europea moderna.

Algunas escuelas están financiadas por el estado, gracias al cual es posible preservar muchas de las tradiciones nacionales. Los propietarios privados se ven obligados a seguir el ejemplo de los consumidores que querían algo nuevo y estaban cansados ​​de los clásicos.

Pintura de la Segunda Guerra Mundial

Después del inicio de la guerra, la pintura japonesa permaneció al margen de los acontecimientos durante algún tiempo. Se desarrolló por separado e independientemente. Pero esto no podía continuar para siempre.

Con el tiempo, cuando la situación política en el país empeora, figuras altas y respetadas atraen a muchos artistas. Algunos de ellos comenzaron a crear estilos patrióticos incluso al comienzo de la guerra. El resto inicia este proceso sólo por orden de las autoridades.

En consecuencia, las bellas artes japonesas no pudieron desarrollarse, especialmente durante la Segunda Guerra Mundial. Por tanto, para pintar se le puede llamar estancado.

Suibokuga eterna

La pintura japonesa sumi-e, o suibokuga, significa literalmente "pintura con tinta". Esto determina el estilo y la técnica. de este arte. Proviene de China, pero los japoneses decidieron considerarlo propio. E inicialmente la técnica no tenía ningún aspecto estético. Fue utilizado por los monjes para la superación personal mientras estudiaban Zen. Además, primero hicieron dibujos y luego entrenaron su concentración mientras los veían. Los monjes creían que las líneas estrictas, los tonos borrosos y las sombras, todo lo que se llama monocromo, ayudan a mejorar.

La pintura con tinta japonesa, a pesar de la gran variedad de pinturas y técnicas, no es tan compleja como podría parecer a primera vista. Se basa en sólo 4 tramas:

1. Crisantemo.
2. Orquídea.
3. Rama de ciruelo.
4. Bambú.

Un número reducido de tramas no hace que dominar la técnica sea rápido. Algunos maestros creen que el aprendizaje dura toda la vida.

A pesar de que el sumi-e apareció hace mucho tiempo, siempre tiene demanda. Además, hoy en día es posible conocer a los maestros de esta escuela no sólo en Japón, sino que está muy extendida más allá de sus fronteras.

Periodo moderno

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, el arte en Japón floreció sólo en las grandes ciudades, y los aldeanos ya tenían bastante de qué preocuparse; En su mayor parte, los artistas intentaron alejarse de las pérdidas de la guerra y representar en lienzos la vida urbana moderna con todos sus adornos y características. Las ideas europeas y americanas se adoptaron con éxito, pero esta situación no duró mucho. Muchos maestros comenzaron a alejarse gradualmente de ellos hacia las escuelas japonesas.

El estilo tradicional siempre ha estado de moda. Por lo tanto, la pintura japonesa moderna sólo puede diferir en la técnica de ejecución o en los materiales utilizados en el proceso. Pero la mayoría de los artistas no perciben bien diversas innovaciones.

Es imposible no mencionar la moda. subculturas modernas, como anime y estilos similares. Muchos artistas intentan difuminar la línea entre los clásicos y lo que se demanda hoy en día. Esta situación se debe en gran medida al comercio. Clásicos y géneros tradicionales de hecho, no compran, por lo tanto, no es rentable trabajar como artista en tu género favorito, debes adaptarte a la moda.

Conclusión

Sin duda, la pintura japonesa es un tesoro escondido de bellas artes. Quizás el país en cuestión fue el único que no siguió las tendencias occidentales y no se adaptó a la moda. A pesar de los muchos golpes sufridos por la aparición de nuevas técnicas, los artistas japoneses todavía pudieron defenderse. tradiciones nacionales en muchos géneros. Probablemente por esta razón las pinturas realizadas en estilos clásicos son tan valoradas en las exposiciones de hoy.

Cada país tiene sus propios héroes del arte contemporáneo, cuyos nombres son bien conocidos, cuyas exposiciones atraen a multitudes de aficionados y curiosos y cuyas obras se venden a colecciones privadas.

En este artículo te presentaremos los más populares. artistas contemporáneos Japón.

Keiko Tanabe

Nacida en Kioto, Keiko ganó muchos concursos de arte cuando era niña, pero educación más alta No lo entendí en absoluto en el campo del arte. Ha trabajado en el departamento de relaciones internacionales de la Organización Municipal de Comercio de Japón en Tokio, en una gran firma de abogados en San Francisco y en una empresa privada. empresa de consultoría En San Diego, viajé mucho. A partir de 2003 dejó su trabajo y, tras estudiar los conceptos básicos de la pintura con acuarela en San Diego, se dedicó exclusivamente al arte.

Ikenaga Yasunari

El artista japonés Ikenaga Yasunari pinta retratos mujeres modernas en la antigua tradición japonesa pintando utilizando pincel Menso, pigmentos minerales, negro de humo, tinta y lino como base. Sus personajes son mujeres de nuestro tiempo, pero gracias al estilo de Nihonga da la sensación de que nos llegaron desde tiempos inmemoriales.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki es un artista realista que domina tecnica de acuarela. A Abe se le puede llamar un artista-filósofo: fundamentalmente no pinta monumentos famosos, prefiriendo composiciones subjetivas que reflejan estados internos la persona que los está observando.

Hiroko Sakai

La carrera del artista Hiroko Sakai comenzó a principios de los años 90 en la ciudad de Fukuoka. Después de graduarse de la Universidad Seinan Gakuin y escuela francesa Nihon interior design en el campo del diseño y la visualización, fundó "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." y administré exitosamente este estudio durante 5 años. Muchas de sus obras decoran vestíbulos de hospitales, oficinas de grandes corporaciones y algunos edificios municipales de Japón. Después de mudarse a los Estados Unidos, Hiroko comenzó a pintar al óleo.

Riusuke Fukahori

Las obras tridimensionales de Riusuki Fukahori parecen hologramas. Ya terminaron pintura acrilica, aplicado en varias capas, y una resina líquida transparente: todo esto, sin excluir los métodos tradicionales como dibujar sombras, suavizar los bordes, controlar la transparencia, permite a Riusuki crear pinturas escultóricas y otorga profundidad y realismo a las obras.

Natsuki Otani

Natsuki Ohtani es una talentosa ilustradora japonesa que vive y trabaja en Inglaterra.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu eligió como base para su creatividad un tema en el que todos ganan: dibuja gatos. Sus imágenes son populares en todo el mundo, especialmente en forma de rompecabezas.

Tetsuya Mishima

La mayoría de las pinturas son modernas. artista japonés Mishima se elabora en aceite. Pinta profesionalmente desde los años 90 y tiene varios exposiciones personales y un gran número de exposiciones colectivas, tanto japonesas como extranjeras.