Основните музикални жанрове на Ренесанса. Музикална култура на Ренесанса

Назад напред

внимание! Визуализациите на слайдове са само за информационни цели и може да не представят всички характеристики на презентацията. Ако си заинтересован тази работа, моля, изтеглете пълната версия.

Урокът се провежда за ученици от 5 клас от 2 година на изучаване на музикална литература.

Цел на урока: обучение естетическа култураученици чрез излагане на музикаВъзраждане.

Цели на урока:

• Да даде представа за ролята на музиката и музицирането в живота на хората от Ренесанса;
• Запознаване с музикални инструменти, жанрове, композитори от епохата на Възраждането;
• Въведение в музикалните произведения на европейския Ренесанс;
• Развитие на основни умения за слухов анализ на музика;
• Развиване на разбиране на връзката различни видовеизкуства;
• Възпитаване на емоционално възприемане на произведения на изкуството;
• Развитие на мисленето и речта на учениците;
• Разширяване на хоризонтите ви.

Тип урок:урок за изучаване на нова тема.

Оборудване на урока:мултимедийна презентация, компютър.

Музикален материал:

• Пиеса на В. Бърд за девствена "Волта";
• Ф. да Милано “Фантазия” № 6 за лютня;
• Сцена от филма "Елизабет": Кралицата танцува волта (видео);
• И. Алберти „Павана и галиард” (видео);
• Английски народна песен"Зелени ръкави";
• J.P. Палестрина "Меса на папа Марчело", част от "Agnus Dei";
• О. Ласо „Ехо”;
• G. di Venosa мадригал “Moro, lasso, al mio duolo”;
• Дж. Пери Сцена от операта “Евридика”.

По време на часовете

I. Организационен момент

II. Актуализиране на знанията

В миналия урок говорихме за културата и живописта на Ренесанса.

– Какво е другото име на тази епоха („Ренесанс“ на френски)?
– Кои векове обхваща Ренесансът? Коя епоха замени?

– Откъде идва това име на епохата? Какво искаха да „съживят“?

– В коя страна Ренесансът започва по-рано от други?

– Кой италиански град е наричан „люлката на Ренесанса“? Защо?

– Какви велики художници са живели във Флоренция? Спомнете си работата им.

– С какво техните творения се различават от средновековното изкуство?

III. Учене на нова тема

Днес се връщаме към епохата на Възраждането. Ще разберем каква е била музиката по това време. Нека се запознаем с музикалните инструменти на Възраждането, да ги видим и чуем автентичния им звук. Ще се срещнем и с изключителни композитори от епохата на Ренесанса и техните шедьоври.

IV. Работа с презентация

Слайд 1.Заглавна страница.

Слайд 2.Темата на нашия урок е „Музиката на Ренесанса“. Времева рамка: XIV–XVI век.

Слайд 3.Епиграф на урока. Как разбирате тези думи?

... На земята няма живо същество
Толкова твърд, готин, адски зъл,
Така че не можах дори за един час
В него музиката прави революция.
(Уилям Шекспир)

Слайд 4.През Ренесанса ролята на изкуството в културен животобщество. Художественото образование се признава като важен аспект от развитието на благороден човек, условие за добро възпитание.

Църковният контрол върху обществото е отслабен, музикантите получават по-голяма свобода. Личността на автора става все по-очевидна в неговите писания. творческа индивидуалност. През Ренесанса самата концепция за „ композитор».

Това стана много важно за развитието на музиката изобретение на нотния печатв края на 15 век. През 1501 г. италианският издател Ottaviano Petrucci публикува първата колекция за пускане на домашна музика. Много бързо бяха публикувани и разпространени нови произведения. Сега всеки градски жител със средни доходи можеше да си купи ноти. В резултат градското музициране започва да се развива бързо, достигайки до все повече хора.

Слайд 5. Музикални инструментиВъзраждане. Духови, струнни, клавишни.

Слайд 6. Лютня- най-обичаният инструмент на Ренесанса. Отнася се за низове щипкови инструменти. Първоначално на лютнята се свирило с плектър, но през 15 век започнали да свирят с пръсти.

Слайд 7.Тялото му прилича на разполовена круша. Лютнята има къса шийка с ладове, огънати под прав ъгъл.

Слайд 8.Лютнята дойде от арабски инструментнаречен Ал-уд (на арабски „дърво“). През 8 век уд навлиза в Европа от Северна Африкапо време на арабското завоевание на Испания и пуска корени в двора на много испански благородници. С течение на времето европейците добавят ладове (разделения на грифа) към уда и го наричат ​​„лютня“.

Слайд 9.И мъжете, и жените свиреха на лютня.

Слайд 10.Лютнята беше компактна, лека и можеше да се носи със себе си навсякъде.

Слайд 11.Музиката на лютнята е записана не с ноти, а с помощта на табулатура. Вижте: табулатурата на лютнята се състои от 6 реда, обозначаващи струни. Числата показват праговете, продължителността е в горната част.

Слайд 12. Струни лъкови инструменти . Ако лютнята е свирена от хора от различни класи, тогава само много богат човек може да си позволи инструмент от семейството на виолите. Виолите бяха скъпи; те бяха направени от ценно дърво и украсени с елегантен дизайн и бижута. Виолите бяха с различни размери. В тази картина ангелите свирят на най-популярните видове виоли - да гамба и да брачия.

Слайд 13. Виолана италиански - „виолетов“. Звукът на виолата беше много приятен: мек, нежен и тих.

Слайдове 14, 15.Името viola da braccia се превежда от италиански език"ръка, рамо". Това е името, дадено на малки виоли, които се държат на рамото, когато се свирят.

Слайд 16.Виола да гамба - „крак“. Той беше с големи размери и трябваше да се държи между коленете или да се постави на бедрото при игра. Тези виоли обикновено се свиреха от мъже.

Слайд 17.Забелязали ли сте кои класически инструментиВиолите много ли си приличат? Цигулка, виолончело. Нека сравним виола да гамба с виолончелото.

Малко по-късно ще чуем звука на виолите.

Слайд 18.Виргинел. Правоъгълен клавишен инструмент, обикновено без крака. Според принципа на устройството, това беше един от предшествениците на пианото. Но по отношение на качеството на звука беше по-близо до арфата и лютнята. Тембърът му се отличаваше с мекота и нежност.

Слайд 19.Кой знае какво означава английската дума? девствена? Дева, момиче. Познайте защо този инструмент е наречен "момичешки"?Най-често виргинелът се играеше от млади момичета от благороден произход. Известно е, че дори английската кралица Елизабет I много обичаше виржинела и го свиреше добре.

Слайд 20. Уилям Бърд- най-големият английски композитор, органист и клавесинист от времето на Елизабет. Роден през 1543 г., починал през 1623 г. Служил като придворен органист. Композира много сакрални произведения, мадригали и пиеси за виргиналии.

нека слушаме: W. Bird парче за девствена "Volta"

Слайд 21-24.Ренесансовите художници често изобразяват в своите картини ангели, свирещи музика. Защо? Какво означава това? Защо ангелите имат нужда от музика? Ами хората?

Слайд 25.Вижте колко голяма е групата музиканти. Какво играят? Как се чувстват? Добре ли са заедно? Подхождат ли думите на У. Шекспир на тази картина? Който ключова думав тези стихове? Единство, съгласие.

Чуйте колко приятелски са струните
Те влизат в формация и дават своя глас, -
Като майка, баща и младо момче
Те пеят в щастливо единство.
Съгласието на струните в концерта ни казва,
Че самотният път е като смъртта.

Слайд 26. Инструментални жанровеРенесансът се дели на 3 вида: преписи вокални произведения, виртуозни пиеси с импровизационен характер (рисеркар, прелюдия, фантазия), танцови пиеси (павана, галиард, волта, мореска, салтарела).

Слайд 27. Франческо да Милано- известен италиански лютенист и композитор от 16 век, когото съвременниците му наричат ​​„Божествения“. Притежава множество пиеси за лютня, обединени в три колекции.

нека слушаме:Ф. да Милано “Фантазия” за лютня

Слайд 28. Танци на Възраждането. През Ренесанса самото отношение към танца се променя. От греховно, недостойно занимание танцът се превръща в задължителен аксесоар. социален животи се превръща в едно от най-необходимите умения на един благороден човек. Баловете са твърдо установени в живота на европейската аристокрация. Какви танци бяха на мода?

Слайд 29. Волта– Популярен танц от 16 век от италиански произход. Името волта идва от италианската дума voltare, което означава „завой“. Темпото на волтата е бързо, размерът е тритактов. Основното движение на танца: кавалерът рязко вдига високо и завърта танцуващата с него дама във въздуха. Освен това това движение трябва да се извършва ясно и грациозно. И само обучени мъже можеха да се справят с този танц.

Нека видим:фрагмент от видео филма "Елизабет"

Слайд 30. Павана– тържествено бавен танцот испански произход. Името павана идва от латинското pavo - паун. Размерът на паваната е двутактов, темпото е бавно. Те го танцуваха, за да демонстрират на другите своето величие и луксозен костюм. Народът и буржоазията не са изпълнявали това хоро.

Слайд 31.Галиард(от италиански - весел, весел) - активен танц. Характерът на галяра пази спомена за народния произход на танца. Тя се характеризира със скачане и резки движения.

Павана и галиард често се изпълняват един след друг, образувайки един вид сюита.

Сега ще видите фрагмент от концерта на ансамбъла ранна музика"Хесперион XXI". Негов лидер е Жорди Савал- Испански виолончелист, комарджия и диригент, един от най-авторитетните музиканти днес, изпълняващ автентично старинна музика (както е звучала по време на нейното създаване).

Слайд 32. Вижте:И. Алберти "Павана и галиард".

Изпълнение на ансамбъла за старинна музика “Hespèrion XXI” с реж. Ж. Савал.

Слайд 33. Вокални жанровеРенесансът е разделен на църковен и светски. Какво означава "светски"? В църквата имаше литургия и мотет. Извън църквата - какия, балата, фротола, виланела, шансон, мадригал.

Слайд 34.Църковното пеене достига върха на своето развитие. Това е времето на полифонията на “строгото писане”.

Най-забележителният композитор-полифонист на Ренесанса е италианецът Джовани Пиерлуиджи да Палестрина. Той получава прякора си - Палестрина - от името на града, в който е роден. Работил е във Ватикана и е заемал високи музикални позиции под папския престол.

маса – музикална композициясъстоящ се от молитви за латински, свирейки по време на служба в католическа църква.

нека слушаме: J.P. da Palestrina "Меса на папа Марчело", част от "Agnus Dei"

Слайд 35.Светски песни. Английски балада "Зелени ръкави"– много популярен днес. Думите на тази песен се приписват на английския крал Хенри VIII. Той адресира тези стихове към своята любима Ан Болейн, която по-късно става негова втора съпруга. Знаете ли за какво е тази песен?

Слайд 36.Текст на песента „Зелени ръкави“ в превод на С. Я. Маршак.

нека слушаме:Английска балада "Greensleeves"

Слайд 37. Орландо Ласо- един от най-ярките представители на холандската полифонична школа. Роден в Белгия, живял в Италия, Англия и Франция. През последните 37 години от живота си, когато името му вече е известно в цяла Европа, той ръководи придворния параклис в Мюнхен. Създава повече от 2000 вокални произведения от религиозен и светски характер.

Слайд 38.Шансонът „Ехо” е написан за два четиригласни хора. Първият хор задава въпроси, вторият му отговаря като ехо.

нека слушаме:О. Ласо Шансон „Ехо“

Слайд 39. Мадригал(от италианската дума madre - „майка“) - песен на родния, майчин език. Мадригал е полифонична (4-5-гласова) песен с лирично съдържание и възвишен характер. Този вокален жанр процъфтява през 16 век.

Слайд 40.Джезуалдо ди Веноза – италиански композитор XVI век, един от най-големите майсторисветски мадригал. Той беше мистериозна личност. Богат принц, владетел на град Веноза. След като хванал красивата си съпруга в изневяра, Джезуалдо, в пристъп на ревност, отне живота й. Периодично изпадаше в меланхолия и се криеше от всички в замъка си. Умира на 47 години, в помрачен ум...

Приживе издава 6 сборника с петгласни мадригали. Отличителна черта на стила на Г. ди Веноза е наситеността на музиката, уникална за времето си, с хроматизъм и цветни съпоставки на дисонантни акорди. Така Джезуалдо преведе своя ужасен сърдечна болкаи угризения на съвестта.

Неговите съвременници не разбираха музиката му, смятаха я за ужасна и сурова. Музикантите от 20-ти век го оценяват, заснет е филм за Г. ди Веноза, написани са книги, а композиторът А. Шнитке му посвещава операта „Джезуалдо“.

Слайд 41.Мадригал „Moro, lasso, al mio duolo” е едно от най-новите творения на Г. ди Веноз. Той притежава както музиката, така и текста:

о! Умирам от мъка
Този, който обещаваше щастие
Той ме убива със силата си!
О, зъл вихър на скръб!
Този, който обещаваше живот
Смъртта ми даде.

нека слушаме: G. di Venosa “Moro, lasso, al mio duolo”

Слайд 42.В края на 16 век възниква във Флоренция Флорентинска камерата- кръг от музиканти и поети, които искаха да съживят древногръцката трагедия с присъщия й специален начин на произнасяне на текста (нещо между реч и пеене).

Слайд 43. Раждането на операта.В резултат на тези експерименти се ражда операта. На 6 октомври 1600 г. във Флоренция е премиерата на първата опера, оцеляла до наши дни – „Евридика“. Негов автор е композиторът и певец Якопо Пери.

нека слушаме:Дж. Пери Сцена от операта “Евридика”

V. Обобщение на урока

– Какво ново научихте днес за Възраждането?

– Звукът на кой инструмент ви хареса? как?

- Кои? модерни инструментиПодобни ли са лютнята, виолата и девствената?

– Какво са пели през Възраждането? Където? как?

– Защо ренесансовите художници толкова често изобразяват музиканти?

– Каква музика, свирена в клас днес, ви хареса и запомнихте?

VI. Домашна работа (по избор):

• Изпейте песента „Зелени ръкави” от нотите, желаещите могат да изберат съпровод за нея;
• намирам музикални картиниРенесансови художници и разговор за тях.

ера Висок Ренесанс.

(Из историята на италианската музика от 1500 г.)

Ренесансът е период на промяна във всички области на изкуството – живопис, архитектура, скулптура, музика. Този период бележи прехода от Средновековието към модерността. Периодът между 1500 и 1600 г., наречен Висок Ренесанс, е най-революционният период в историята европейска музика, това е векът, в който се развива хармонията и се ражда операта.

През 16-ти век нотният печат се разпространява за първи път; през 1501 г. венецианският печатар Отавиано Петручи публикува „Harmonice Musices Odhecaton“ - първата голяма колекция светска музика. Това беше революция в разпространението на музиката и също така допринесе за доминирането на френско-фламандския стил музикален езикЕвропа през следващия век, тъй като, като италианец, Петручи включва предимно музиката на френско-фламандски композитори в колекцията си. Впоследствие той публикува много произведения от италиански композитори, както светски, така и духовни.

Италия става център за създаване на клавесини и цигулки. Откриват се много работилници за производство на цигулки. Един от първите майстори беше известната АндреаАмати от Кремона, която поставя началото на династията производители на цигулки. Той допринесе значителни променив дизайна на съществуващи цигулки, което подобрява звука и го доближава до съвременния му вид.
Франческо Канова да Милано (1497 - 1543) - изключителен италиански лютенист и композитор от епохата на Ренесанса, създал репутацията на Италия като страна на виртуозни музиканти. Той все още се смята за най-добрият лютнист на всички времена. След упадъка в края на Средновековието музиката става важен елементкултура.
През Ренесанса мадригалът достига върха на своето развитие и се превръща в най-популярния музикален жанр на епохата. Мадригалистите се стремяха да създават високо изкуство, често използвайки рециклирана поезия от великите италиански поети от късното Средновековие: Франческо Петрарка, Джовани Бокачо и др. Най-характерната черта на мадригала беше липсата на строги структурни канони; основният принцип беше свободното изразяване на мисли и чувства.
Композитори като венецианската школа, Cipriano de Rore, и френско-фламандската школа, Roland de Lassus, експериментират с увеличаване на хроматизма, хармонията, ритъма, текстурата и други средства за музикално изразяване. Техният опит ще продължи и ще достигне кулминация в маниеристичните времена на Карло Джезуалдо.
През 1558 г. Джозефо Зарлино (1517-1590), най-големият музикален теоретик от времето на Аристотел до бароковата епоха, създава „Основи на хармониката“, в това най-голямо творение на музикалната наука от 16-ти век, той съживява древната концепция на звучен номер, обоснова теоретичната и естетическа обосновка на големи и малки тризвучия. Неговото учение върху музиката има значително влияние върху западноевропейците музикална наукаи формира основата за множество по-късни характеристики на мажор и минор.

Раждането на операта (Флорентинска камерата)

Краят на Ренесанса е белязан от най-важното събитие V музикална история- раждането на операта.
Група хуманисти, музиканти и поети се събират във Флоренция под патронажа на своя лидер граф Джовани де Барди (1534 - 1612). Групата е наречена "camerata", основните й членове са Джулио Качини, Пиетро Строци, Винченцо Галилей (баща на астронома Галилео Галилей), Гилорамо Мей, Емилио де Кавалиери и Отавио Ринучини в младите му години.
Първата документирана среща на групата се провежда през 1573 г., а най-активните години на Флорентинската камерата са 1577 - 1582 г.
Те вярваха, че музиката се е "развалила" и се стремяха да се върнат към формата и стила древна Гърция, като се има предвид това музикално изкуствоможе да се подобри и съответно обществото също ще се подобри. Камерата критикува съществуващата музика за прекомерното използване на полифония за сметка на разбираемостта на текста и загубата на поетичния компонент на произведението и предлага създаването на нов музикален стил, в който текстът в монодичен стил е придружен от инструментална музика. Техните експерименти доведоха до създаването на нова вокална и музикална форма - речитатив, използван за първи път от Емилио де Кавалиери, който впоследствие беше пряко свързан с развитието на операта.
В края на 16 век композиторите започват да разширяват границите на ренесансовите стилове, отстъпвайки място на бароковата епоха със своите характеристики и нови открития в музиката. Един от тях беше Клаудио Монтеверди.

Монтеверди. Presso in Fiume Tranquillo.

Клаудио Джовани АнтониоМонтеверди (15.05.1567 - 29.11.1643) - италиански композитор, музикант, певец. Най-важният композитор на барока, произведенията му често се възприемат като революционни, бележещи прехода в музиката от Ренесанса към Барока. Той живя в епоха на големи промени в музиката и самият той беше човек, който я промени.

Монтеверди.Вените,Вените.

Монтеверди. Из операта "Орфей"

Първата официално призната опера, която отговаря на съвременните стандарти, е „Дафне“, представена за първи път през 1598 г. Авторите на „Дафне“ са Якопо Пери и Якопо Корси, либрето на Отавио Ринучини. Тази опера не е оцеляла. Първата оцеляла опера е “Евридика” (1600) от същите автори - Якопо Пери и Отавио Ринучини. Този творчески съюз създава и много произведения, повечето от които са изгубени.

Якопо Пери. Tu dormi, e I dolce sonno.

Якопо Пери. Hor che gli augelli.

Църковна музика от 16 век.

16 век се характеризира с много силно влияние католическа църкваи нейната инквизиция за развитието на изкуствата и науките в Европа. През 1545 г. се събира Трентският събор, един от най-важните събори в историята на католическата църква, чиято цел е да отговори на реформаторското движение. На този събор се обсъждаше между другото и църковната музика.
Някои делегати се опитаха да се върнат към едногласовия григориански песнопение и да премахнат контрапункта от песнопения; вече имаше мълчалива забрана за използването на полифоничен стилв сакралната музика, включително, почти всички секвенции бяха забранени. Причината за тази позиция беше убеждението, че полифоничната музика, поради контрапунктично преплитане, измества текста на заден план, а също така се нарушава музикалната еуфония на произведението.
Създадена е специална комисия за разрешаване на спора. Тази поръчка поверява Джовани Пиерлуиджи да Палестрина (1514-1594), един от най-великите композитори църковна музика, създават пробни маси, като вземат предвид всички изисквания на страните. Палестрина създава три меси с шест гласа, включително най-известната си „Меса на папа Марцел“, посветена на папа Марцел II, негов покровител през тийнейджърски години. Тези произведения оказаха силно влияние върху духовенството и сложиха край на спора, протестите срещу използването на контрапункт в църковната музика престанаха.
Творчеството на Джовани Пиерлуиджи Палестрина е върхът в развитието на контрапунктичната сакрална музика a capella, съчетаваща всички възможни комбинации от полифония и яснота на текстовете.

Палестрина. Sicut Cervus.

Палестрина. Глория

Няколко определящи новаторски характеристики могат да бъдат идентифицирани в музикалната култура на Ренесанса.

Първо, бързото развитие на светското изкуство, изразено в широкото разпространение на много светски песенни и танцови жанрове. Това са италианскифротола („народни песни, от думи frottola - тълпа), виланели („селски песни“),Какия , канцона (буквално - песни) и мадригали, испВиланчико (от вила - село), ​​френски шансони, немИзлъга , Английски балади и други. Всички тези жанрове, прославящи радостта от това да бъдеш, се интересуват от вътрешен святхората, стремящи се към истината на живота, пряко отразяват чисто ренесансов мироглед. За техните изразни средствахарактерно е широкото използване на интонации и ритми на народната музика.

Кулминацията на светската линия в изкуството на Ренесанса -мадригал . Името на жанра означава „песен на майчиния (т.е. италиански) език“. Той подчертава разликата между мадригала и сакралната музика, изпълнявана на латински. Развитието на жанра върви от обикновена едногласна овчарска песен до 5-6-гласова вокално-инструментална пиеса с изтънчен и изтънчен лирически текст. Сред поетите, които се обръщат към жанра мадригал са Петрарка, Бокачо, Тасо. Забележителни майстори на мадригала са композиторите А. Уиларт, Дж. Аркаделт, Палестрина, О. Ласо, Л. Маренцио, К. Джезуалдо, К. Монтеверди. Произхождайки от Италия, мадригалът бързо се разпространява в други западни страни европейски държави.

Френската разновидност на полифоничната песен се наричашансон . От мадригала се отличава с по-голямата си близост до реалния, битов живот, тоест с жанровия си характер. Сред създателите на шансона -Клеман Жанекен , един от най-известните Френски композиториВъзраждане.

Второ, най-високият разцвет на хоровата полифония, която се превърна във водещ музикален стил на епохата. Величествен и звучен, той идеално пасваше на тържествеността на църковната служба. В същото време полифонична полифонияе доминираща форма на изразяване не само в духовните жанрове, но и в светските.

Развитието на хоровата полифония е свързано преди всичко с творчеството на композитори от холандското (френско-фламандско) училище: Гийом Дюфе, Йоханес Окегем, Якоб Обрехт, Жоскен Депре, Орландо Ласо.

Орландо Ласо (около 1532-1594) работи в много европейски страни. Талантът му, наистина феноменален, плени и възхити всички. Всеки е представен в огромното творчество на Орландо Ласо музикални жанровеРенесанс (с преобладаване на светската музика над свещената). Сред най-популярните му произведения е „Ехо“, написана в жанра на италианска битова песен. Произведението се основава на колоритно съпоставяне на два хора, създаващи ефект на ехо. Текстът му принадлежи на самия композитор.

Наред с Орландо Ласо, най-големият представител на Високия Ренесанс в музиката е италианецътПалестрина (пълно имеДжовани Пиерлуи да Палестрина, около 1525-1594). По-голямата част от живота на Палестрина е прекарана в Рим, където той постоянно е свързан с работа в църквата, по-специално той оглавява параклиса на катедралата Св. Петра. По-голямата част от музиката му са свещени произведения, предимно меси (има повече от сто от тях, сред които се откроява известната „Меса на папа Марчело“) и мотети. Палестрина обаче с желание композира и светска музика - мадригали, канцонети. Произведения на Палестрина за хор a sarrellaсе превърна в класически пример за ренесансова полифония.

Творчеството на полифоничните композитори играе водеща роля в развитието на основния жанр музика на Ренесанса -маси . Възникнал през Средновековието, жанрът на месата вXIV- XVIвекове, той бързо се трансформира, преминавайки от образци, представени в отделни, различни части, към произведения с хармонична циклична форма.

Зависи от църковен календарв музиката на масата някои части бяха пропуснати и други части бяха вмъкнати. Има пет задължителни части, които постоянно присъстват в църковните служби. INазИ V - « Кайриeleison» („Господи помилуй“) и« АгнусДей» (« Агнец Божий“) – изразена е молба за прошка и помилване. вIIИ IV - « Глория"("Слава") и " Санктус» (« Свят") - хвала и благодарност. В централната част "Кредо» (« Вярвам"), излага основните принципи на християнската доктрина.

Трето, нарастващата роля инструментална музика(с ясно изразено преобладаване на вокалните жанрове). Ако Европейско средновековиене знаеше почти никакъв професионален инструментализъм, след това през Ренесанса бяха създадени много произведения за лютня (най-често срещаните музикален инструментот онова време), орган, виола, вихуела, девствена, надлъжни флейти. Те все още следват вокални модели, но интересът им към инструменталното свирене вече е определен.

Четвърто, по време на Ренесанса имаше активно формиране на национални музикални школи (холандски полифонисти, английски виржиналисти, испански вихуелисти и други), чието творчество се основаваше на фолклора на тяхната страна.

И накрая, музикалната теория направи крачка напред, поставяйки напред цяла линияпрекрасни теоретици. Това е френскиФилип де Витри , автор на трактата " Арснова» (« Ново изкуство”, където е дадена теоретична обосновка на новия полифоничен стил); ИталианскиДжоузефо Зарлино , един от създателите на науката за хармонията; швейцарскиGlarean , основател на учението за мелодията.

Министерство на образованието на Руската федерация

Московски държавен отворен педагогически университет

тях. М. А. Шолохова

Катедра по естетическо възпитание

РЕЗЮМЕ

"Музика на Ренесанса"

Студенти от 5 курс

Редовно - кореспондентски отдел

Полегаева Любов Павловна

Учител:

Зацепина Мария Борисовна

Москва 2005 г

Ренесансът е ерата на разцвета на културата на Западна и Централна Европа по време на прехода от Средновековието към новото време (XV-XVII век). Културата на Ренесанса няма тесен класов характер и често отразява настроенията на широките маси, в музикалната култура представлява няколко нови влиятелни творчески школи. Основното идейно ядро ​​на цялата култура от този период е хуманизмът - нова, безпрецедентна идея за човека като свободно и всестранно развито същество, способно на неограничен прогрес. Човекът е основен предмет на изкуството и литературата, дело на най-големите представители на ренесансовата култура - Ф. Петрарка и Д. Бокачо, Леонардо да Винчи и Микеланджело, Рафаело и Тициан. Повечето от културните дейци от тази епоха сами са били хора с различни таланти. И така, Леонардо да Винчи не беше само изключителен художник, но и скулптор, учен, писател, архитект, композитор; Микеланджело е известен не само като скулптор, но и като художник, поет и музикант.

Развитието на светогледа и цялата култура от този период е повлияно от следването на древни модели. В музиката наред с новото съдържание се развиват и нови форми и жанрове (песни, мадригали, балади, опери, кантати, оратории).

Въпреки цялата цялост и завършеност на ренесансовата култура като цяло, тя се характеризира с характеристики на непоследователност, свързани с преплитането на елементи от новата култура със старата. Религиозните теми в изкуството от този период не само продължават да съществуват, но и да се развиват. В същото време тя е толкова трансформирана, че произведенията, създадени на нейна основа, се възприемат като жанрови сцени от живота на знатни и обикновени хора.

Италианската култура на Ренесанса преминава през определени етапи на развитие: възникнала в края на 14 век, тя достига своя връх в средата на 15 - началото на 16 век. През втората половина на 16в. настъпва дълготрайна феодална реакция, поради икономическия и политически упадък на страната. Хуманизмът е в криза. Упадъкът в изкуството обаче не се забелязва веднага: в продължение на десетилетия италиански художници и поети, скулптори и архитекти създават произведения с най-високо художествено значение, развитието на връзките между различни творчески школи, обменът на опит между музиканти, които се местят от страна в страна , работейки в различни параклиси, се превръща в знаково време и ни позволява да говорим за тенденции, общи за цялата епоха.

Ренесансът е една от блестящите страници в историята на европейската музикална култура. Плеяда от велики имена Жоскен, Обрехт, Палестрина, О. Ласо, Джезуалдо, открили нови хоризонти пред музикалното творчество в изразните средства, богатството на полифонията, мащаба на формите; разцветът и качественото обновяване на традиционните жанрове – мотет, меса; установяването на нови образи, нови интонации в областта на полифоничните песни, бързото развитие на инструменталната музика, която излиза на преден план след почти пет века подчинено положение: други форми на музициране, растеж на професионализма във всички области на музикалното творчество: промяна на възгледите за ролята и възможностите на музикалното изкуство, формирането на нови критерии за красота: хуманизмът като реално проявяваща се тенденция във всички сфери на изкуството - всичко това е свързано с нашите представи за Ренесанса. Художествената култура на Ренесанса е лично начало, основано на науката. Необичайно сложното умение на полифонистите от 15-16 век, тяхната виртуозна техника съжителства с блестящото изкуство на ежедневните танци и изтънчеността на светските жанрове. Лирико-драматизмът все повече се проявява в творбите му. Освен това те по-ясно разкриват личността на автора и творческата индивидуалност на художника (това е характерно не само за музикалното изкуство), което ни позволява да говорим за хуманизацията като водещ принцип на ренесансовото изкуство. В същото време църковната музика, представена от т.ч основни жанрове, подобно на меса и мотет, до известна степен продължава "готическата" линия в изкуството на Ренесанса, насочена преди всичко към пресъздаване на вече съществуващ канон и чрез това прослава на Божественото.

Произведенията от почти всички основни жанрове, както светски, така и свещени, са изградени на базата на известен преди това музикален материал. Това може да бъде едногласов източник в мотети и различни светски жанрове, инструментални аранжименти; това могат да бъдат два гласа, заимствани от тригласова композиция и включени в ново произведение от същия или друг жанр, и накрая, цели три или четири гласа (мотет, мадригал, играещи ролята на вид предварителен " модел” на произведение от по-голяма форма (маса).

Първоизточникът е еднакво популярна, добре позната мелодия (хорал или светска песен) и някаква авторска композиция (или гласове от нея), обработена от други композитори и съответно надарена с други звукови характеристики, различна художествена идея.

В жанра мотет например почти няма произведения, които да нямат някакъв оригинален оригинал. Повечето меси на композитори от 15-16 век също имат първоизточници: например в Палистрина от общо над сто меси откриваме само шест, написани на основа, свободна от заеми. Отец Ласо не е написал нито една меса (от 58) въз основа на оригинален материал.

Може да се отбележи, че кръгът от първоизточници, на чиито материали разчитат авторите, е достатъчно ясно определен. G. Dufay, I. Ockeghem, J. Obrecht, Palestrina, O. Lasso и други сякаш се състезават помежду си, отново и отново се обръщат към едни и същи мелодии, черпейки от тях всеки път нови артистични импулси за своите творби, разбирайки в нови мелодии като начални интонационни прототипи за полифонични форми.

При изпълнението на творбата е използвана техника полифония. Полифонията е полифония, при която всички гласове имат равни права. Всички гласове повтарят една и съща мелодия, но по различно време, като ехо. Тази техника се нарича имитативна полифония.

До 15-ти век се оформя така наречената полифония на „строгото писане“, чиито правила (норми за гласово ръководство, формиране и т.н.) са записани в теоретични трактати от онова време и са неизменен закон за творението на църковната музика.

Друга комбинация, когато изпълнителите произнасят различни мелодии и различни текстове едновременно, се нарича контрастна полифония. Като цяло, "строгият" стил задължително предполага един от двата вида полифония: имитативна или контрастна. Това беше имитативната и контрастна полифония, която направи възможно композирането на полифонични мотети и меси за църковни служби.

Мотетът е малка хорова песен, която обикновено е композирана на някаква популярна мелодия, най-често на един от древните църковни песнопения („Григориански песнопения“ и други канонични източници, както и народна музика).

С началото на XV век чертите, присъщи на Ренесанса, започват да се проявяват все по-ясно в музикалната култура на редица европейски страни. Най-видният сред ранните полифонисти на холандския Ренесанс, Гийом Дюфе (Дюфе) е роден във Фландрия около 1400 г. Неговите произведения всъщност представляват повече от половин век история в историята на холандската музикална школа, възникнала през втората четвърт на 15 век.

Дюфе ръководи няколко параклиса, включително папския в Рим, работи във Флоренция и Болоня и прекарва последните години от живота си в родния си Камбре. Наследството на Дюфе е богато и изобилно: включва около 80 песни (камерни жанрове - вирели, балади, рондо), около 30 мотета (както духовно съдържание, така и светски, "песни"), 9 пълни меси и техните отделни части.

Отличен мелодист, постигнал лирическа топлина и експресивност на мелодиите, рядко срещани в епохата на строгия стил, той охотно се обръща към народните мелодии, подлагайки ги на най-изкусна обработка. Дюфе въвежда много нови неща в масата: той разширява композицията на цялото по-широко и използва контрастите на хоровото звучене по-свободно. Едни от най-добрите му творби са месите „Бледото лице“ и „Въоръженият мъж“, които използват заимствани мелодии от едноименен песенен произход. Тези песни, в различни версии, образуват широко разширена интонационна и тематична основа, която държи заедно единството на големи хорови цикли. В полифоничното развитие на един забележителен контрапунктист те разкриват непознати досега красоти и изразителни възможности. Мелодията на Dufay хармонично съчетава тръпчивата свежест на холандската песен с омекотяващата италианска мелодичност и френската грация. Имитативната му полифония е лишена от изкуственост и претрупаност. Понякога рядкостта става прекомерна и се появяват празнини. Това отразява не само младостта на изкуството, което все още не е намерило идеалния баланс на структурата, но и характерното желание на камбрийския майстор да постигне артистичен и изразителен резултат с най-скромните средства.

Творчеството на по-младите съвременници на Дюфе - Йоханес Окегем и Якоб Обрехт - вече се нарича т. нар. втора холандска школа. И двамата композитори са основни фигури на своето време, определящи развитието на холандската полифония през втората половина на 15 век.

Йоханес Окегем (1425 - 1497) работи по-голямата част от живота си в параклиса на френските крале. В лицето на Окегем пред Европа, омагьосана от меката, мелодична песенна лирика на Дюфе, от наивно кротката и архаично светла благозвучност на неговите меси и мотети, се появява съвсем различен творец – „рационалист с безстрастен поглед” и изтънчен техническо перо, което понякога избягва лиризма и се стреми бързо да улови в музиката някои изключително общи закони на обективното съществуване. Той открива удивително умение да развива мелодични линии в полифонични ансамбли. Музиката му има някои готически черти: образност, неиндивидуална изразителност и др. Той създава 11 пълни меси (и редица техни части), включително една на тема „Въоръженият човек“, 13 мотета и 22 песни. На първо място за него са големите полифонични жанрове. Някои от песните на Ockeghem печелят популярност сред неговите съвременници и многократно служат като основа за полифонични аранжименти в по-големи форми.

Творческият пример на Ockeghem като велик майстор и чист полифонист имаше страхотна ценаза неговите съвременници и последователи: неговата безкомпромисна насоченост към специалните проблеми на полифонията вдъхва респект, ако не и възхищение, то ражда легенда и обгражда името му с ореол.

Сред тези, които свързват XV век със следващия не само хронологически, но и по същност на творческо развитие, първото място без съмнение принадлежи на Якоб Обрехт. Роден е през 1450 г. в Берген оп Зоом. Обрехт работи в параклиси в Антверпен, Камбре, Брюж и др., а също така служи в Италия.

IN творческо наследствоОбрехт – 25 меси, около 20 мотета, 30 полифонични песни. От своите предшественици и по-възрастни съвременници той наследява високо развита, дори виртуозна полифонична техника, подражателни и канонични техники на полифонията. В музиката на Обрехт, която е изцяло полифонична, понякога чуваме особена сила на поне нелични емоции, смелост на контрастите в големи и малки граници, напълно „земни“, почти ежедневни връзки в природата на звуците и особеностите на формирането . Мирогледът му престава да бъде готически. Той се насочва към Жоскин Депре, истински представител на Ренесанса в музикалното изкуство.

Стилът на Обрехт се характеризира с индивидуални черти, включително отклонение от готическата откъснатост, предизвикване на контрасти, сила на емоциите и връзки с ежедневните жанрове.

Първата третина на 16 век в Италия е периодът на Високия Ренесанс, време на творчески растеж и безпрецедентно съвършенство, въплътени в великите творби на Леонардо да Винчи, Рафаело, Микеланджело. Очертава се определен социален слой, чрез който се организират театрални представления и музикални фестивали. Развива се дейността на различни художествени академии.

Малко по-късно започва период на висок разцвет на музикалното изкуство не само в Италия, но и в Германия, Франция и други страни. Изобретяването на нотния печат беше от голямо значение за разпространението на музикални произведения.

Традициите на полифоничната школа остават силни (в частност, разчитането на модел остава толкова важно, колкото и преди), но се променя отношението към избора на теми, нараства емоционалното и образно богатство на произведенията, а личното, засилва се авторският елемент. Всички тези характеристики вече са очевидни в творчеството на италианския композитор Josquin Despres, който е роден около 1450 г. в Бургундия и е един от най-великите композитори на холандската школа от края на 15-ти - началото на 16-ти век. Надарен с прекрасен глас и слух, от юношеството си той служи като певец в църковни хорове в родината си и в други страни. Този ранен и близък контакт с високото хорово изкуство, активното и практическо усвояване на големите художествени съкровища на култовата музика определят до голяма степен посоката, в която тогава се оформят индивидуалността на бъдещия блестящ майстор, неговият стил и жанрови интереси.

В младостта си Депре изучава изкуството на композицията при И. Окегем, с когото се усъвършенства и в свиренето на различни музикални инструменти.

Впоследствие Жоскен Депре пробва ръката си във всички музикални жанрове, съществуващи по това време, създавайки псалми, мотети, меси, музика за Страстите Господни, композиции в чест на Света Богородица и светски песни.

Първото нещо, което хваща окото в творбите на Депре, е удивителната контрапунктична техника, която ни позволява да считаме автора за истински виртуоз на контрапункта. Но въпреки пълното си владеене на материала, Депре пише много бавно, разглеждайки произведенията си много критично. По време на пробното изпълнение на своите композиции той прави много промени в тях, опитвайки се да постигне безупречна благозвучност, която никога не е жертвал на контрапунктичните текстури.

Използвайки само полифонични форми, композиторът в някои случаи придава на горния глас необичайно красива течаща мелодия, благодарение на която произведението му се отличава не само с благозвучие, но и с мелодичност.

Без да иска да надхвърли строгия контрапункт, Депре, за да смекчи дисонансите, ги подготвя, така да се каже, като използва дисонантна нотка в предишния съзвучие под формата на съзвучие. Депре също много успешно използва дисонансите като средство за засилване на музикалния израз.

Трябва да се отбележи, че J. Despres с право може да се счита не само за талантлив контрапунктист и чувствителен музикант, но и за великолепен художник, способен да предаде в творбите си най-фините нюанси на чувства и различни настроения.

Жоскен е технически и естетически по-силен от италианските и френските полифонисти от 15 век. Ето защо в чисто музикалната област той им е повлиял много повече, отколкото той е бил повлиян от тях. Преди смъртта си Депре ръководи най-добрите параклиси в Рим, Флоренция и Париж. Той винаги е бил еднакво отдаден на работата си за насърчаване на разпространението и признаването на музиката. Той си остана холандец, „майстор от Конде“. И колкото и блестящи да са били задграничните постижения и почести, дадени на „повелителя на музиката” (както го наричат ​​съвременниците му) приживе, той, подчинявайки се на неустоимия „зов на земята”, се завръща на бреговете на Шелда в своя запада годините и скромно завършва жизнения си път като каноник.

В Италия по време на Високия Ренесанс процъфтяват светските жанрове. Вокалните жанрове се развиват в две основни посоки – едната е близка до битовите песни и танци (фротоли, виланели и др.), другата е свързана с полифоничната традиция (мадригал).

Мадригалът като особена музикално-поетична форма дава изключителни възможности за изява на композиторската индивидуалност. Основното му съдържание са текстове и жанрови сцени. IN Венецианска школажанровете на сценичната музика процъфтяват (опит за възраждане антична трагедия). Инструменталните форми (пиеси за лютня, вихуела, орган и други инструменти) придобиват самостоятелност.

Библиография:

Ефремова Т.Ф. Нов речникРуски език. Обяснително - словообразуващо - М.: Рус. яз., 2000 –Т. 1: А-О – 1209 с.

Кратък речник на естетиката. М., Политиздат, 1964. 543 с.

Популярна история на музиката.

Тихонова А. И. Възраждане и барок: Книга за четене - М .: Издателство ООО "РОСМЕН - ПРЕС", 2003. - 109 с.

Ренесансът или Ренесансът е период в историята на Запада и Централна Европа, обхващащи приблизително XIV-XVI век. Този период получи името си във връзка с възраждането на интереса към древно изкуство, който се е превърнал в идеал за културните дейци на съвремието. Композитори и музикални теоретици - Й. Тинкторис, Г. Царлино и др. - изучават древногръцки музикални трактати; в творбите на Жоскен Депре, който е сравняван с Микеланджело, според съвременниците „изгубеното съвършенство на музиката на древните гърци е възродено“: което се появява в края XVI-нач XVII век операта се ръководеше от законите на античната драма.

Часове по теория на музиката. От гравюра от 16 век.

Дж. П. Палестрина.

Развитието на ренесансовата култура е свързано с възхода на всички аспекти на обществото. Ражда се нов светоглед - хуманизъм (от латинското humanus - „човешки“). Еманципация творчески силидоведе до бурно развитие на науката, търговията, занаятите, оформиха се нови, капиталистически отношения в икономиката. Изобретяването на печата допринесе за разпространението на образованието. Страхотен географски откритияи хелиоцентричната система на света на Н. Коперник промени представите за Земята и Вселената.

Достигнал невиждан просперитет изкуство, архитектура, литература. Новото отношение се отразява в музиката и трансформира нейния облик. Тя постепенно се отдалечава от нормите на средновековния канон, стилът се индивидуализира и за първи път се появява самото понятие „композитор“. Текстурата на творбите се променя, броят на гласовете се увеличава до четири, шест или повече (например, известен е канонът с 36 гласа, приписван на най-големия представител на холандската школа, J. ​​Ockeghem). В хармонията доминират консонансните съзвучия; използването на дисонанси е строго ограничено от специални правила (вижте Консонанс и дисонанс). Формират се мажорни и минорни ладове и тактова система от ритми, характерни за по-късната музика.

Всички тези нови средства са използвани от композиторите, за да предадат особената структура на чувствата на ренесансовия човек - възвишени, хармонични, спокойни и величествени. Връзката между текст и музика става по-тясна, музиката започва да предава настроението или, както тогава се казваше, афектите на текста; отделни думи като „живот“, „смърт“, „любов“ и др. често илюстрирани със специални музикални средства.

Музиката на Ренесанса се развива в две посоки – църковна и светска. Основните жанрове на църковната музика - меса и мотет - полифонични полифонични произведенияза хор без съпровод или с акомпанимент инструментален ансамбъл(виж Хорова музика, Полифония). Сред инструментите предпочитание беше дадено на органа.

Развитието на светската музика се улеснява от разрастването на аматьорското музициране. Музиката звучеше навсякъде: по улиците, в къщите на гражданите, в дворците на благородни благородници. Първите концертиращи виртуози се появяват на лютня, клавесин, орган, виола и различни видове надлъжни флейти. В полифоничните песни (мадригал в Италия, шансон във Франция) композиторите говорят за любовта и всичко, което се случва в живота. Ето и заглавията на някои от песните: “Stag Hunt”, “Echo”, “Battle of Marignano”.

През XV-XVI век. Значението на танцовото изкуство нараства, множество трактати и практически ръководствапо хореография, колекции танцувална музика, който включва популярни танци от онова време - бас денс, бранле, павана, галиард.

През Възраждането се формират национални музикални школи. Най-голямата от тях е холандската (френско-фламандска) полифонична школа. Нейни представители са Г. Дюфе, К. Джанекин, Ж. Окегем, Ж. Обрехт, Жоскен Депре, О. Ласо. Други национални училища включват италиански (J.P. Palestrina), испански (T.L. de Victoria), английски (W. Bird) и немски (L. Senfl).