Изключителни скулптори на древна Гърция. docx - Курс лекции

Скопас с право може да се нарече един от най-великите скулптори на Древна Гърция. Създадената от него посока в древното пластично изкуство надживява художника за дълго време и оказва огромно влияние не само върху неговите съвременници, но и върху майсторите на следващите поколения.

Известно е, че Скопас е от остров Парос в Егейско море, остров, известен със своя чудесен мрамор, и е работил между 370-330 г. пр.н.е. Баща му Аристандрос беше скулптор, в чиято работилница очевидно се формира талантът на Скопас.

Художникът изпълнява поръчки от различни градове. В Атика имаше две творби на Скопас. Едната, изобразяваща богините-отмъстители Еринии, е в Атина, другата, Аполон-Фиби, в град Рамнунте. Две произведения на Скопас украсяват град Тива в Беотия.

Една от най-емоционално богатите творби на Скопас е група от три фигури, изобразяващи Ерос, Потос и Химерос, тоест любов, страст и желание. Групата беше в храма на богинята на любовта Афродита в Мегарис, държава, разположена на юг от Беотия.

Образите на Ерос, Химерос и Потос според Павзаний са толкова различни един от друг, колкото се различават чувствата, които въплъщават в себе си.

„Композиционното изграждане на статуята на Потос е много по-сложно, отколкото в по-ранните произведения на Скопас“, пише А. Г. Чубова. - Ритъмът на плавно меко движение преминава през протегнатите настрани ръце, повдигнатата глава, силно наклоненото тяло. За да предаде емоцията на страстта, Скопас не прибягва до силни изражения на лицето тук. Лицето на Потос е замислено и съсредоточено, меланхоличен вял поглед е насочен нагоре. Всичко около него сякаш не съществува за младия мъж. Както всяка гръцка скулптура, статуята на Потос е боядисана и цветът играе важна роля в цялостния художествен дизайн. Наметалото, висящо от лявата ръка на младия мъж, беше ярко синьо или червено, което добре подчертаваше белотата на голото тяло, оставено в цвета на мрамор. На фона на наметалото ясно се открояваше бяла птица с крила, леко оцветени в сиво. Косата, веждите, очите, бузите и устните на Потос също са изрисувани.

Вероятно статуята на Потос, подобно на статуята на Химерос, стои на нисък пиедестал, а статуята на Ерос - на по-висок. Това обяснява обръщането на фигурата на Потос и посоката на неговия поглед. Задачата, поставена от Скопас в това произведение, е нова и оригинална за пластичните изкуства от онова време. След като въплъщава в статуите на Ерос, Потос и Химерос нюансите на великите човешки чувства, той разкрива на пластичното изкуство възможностите за предаване на различни други емоции.

Работейки в храма на пелопонеския град Тегей, Скопас става известен не само като скулптор, но и като архитект и строител.

Древният храм в Тегея е изгорял през 395 г. пр.н.е. Павзаний казва, че „сегашният храм, по своето величие и красота, превъзхожда всички храмове, колко много има в Пелопонес ... Неговият архитект беше парианът Скопас, същият, който построи много статуи в древна Елада, Йония и Кария .”

На източния фронтон на храма на Атина Алея в Тегея майсторът представи лова на калидонския глиган.

„На западния фронтон е показана сцена от мит“, пише Г. И. Соколов, „също далеч от участието на върховните олимпийски божества, популярни през V век, но със сложен сблъсък и драматична развръзка. Гърците не разпознаха сина на Херкулес Телеф, който отиде на война с Троя и започна битка, завършила със смъртта на много от участниците в нея. Трагични са не само сюжетите, избрани за тези фронтони, но и самите изображения.

Майсторът показва главата на единия от ранените леко отметната назад, сякаш изпитва неистова болка. Рязко извитите линии на веждите, устата, носа предават вълнение и огромно напрежение на чувствата. Вътрешните ъгли на очните кухини, дълбоко врязани в дебелината на мрамора, засилват контрастите на светлотеницата и създават мощни драматични ефекти. Релефът на лицето с подути мускули на суперцилиарните дъги, подути ъгли на устата е неравен, неравен, изкривен от скрито страдание.

Най-значимото от творенията на Скопас в кръгла пластмаса може да се счита за статуята на Вакханката (Менада) с дете.

Оцеляло е само отлично копие на статуята, съхранявано в Дрезденския музей. Но писателят от 4-ти век Калистрат е оставил подробно описание на статуята:

„Скопас създаде статуя на Вакханката от парийски мрамор, тя можеше да изглежда жива ... Можете да видите как този камък, твърд по природа, имитиращ женска нежност, сам стана сякаш лек и ни дава женски образ ... Лишен от природата на способността да се движи, под ръцете на художника той научи какво означава да се втурваш във вакхически танц ... Безумният екстаз беше толкова ясно изразен на лицето на вакханката, въпреки че проявлението на екстаза е не е характерно за камък; и всичко, което обхваща душата, ранена от жилото на лудостта, всички тези признаци на тежко душевно страдание бяха ясно представени тук от творческия дар на художника в тайнствена комбинация. Косата, така да се каже, беше дадена на волята на Зефир, за да си играе с нея, а самият камък сякаш се превърна в най-малките кичури великолепна коса ...

Същият материал служи на художника за изобразяване на живота и смъртта; Той представи вакханката пред нас жива, когато тя се стреми към Киферон, а тази коза вече е мъртва ...

Така Скопас, създавайки изображения дори на тези безжизнени същества, беше художник, изпълнен с правдивост; в телата той успя да изрази чудото на духовните чувства ... "

Много поети написаха стихове за това произведение. Ето един от тях:

Парийски вакхански камък, Но скулпторът даде на камъка душа. И като опиянена скочи и се хвърли на хорото. Създавайки тази фиада в лудост с мъртва коза Длето на поклонение, ти направи чудо, Скопас.

Известните творения на Скопас също бяха в Мала Азия, където той работи през петдесетте години на 4 век пр. н. е., по-специално той украси храма на Артемида в Ефес.

И най-важното, заедно с други скулптори, Скопас участва в проектирането на мавзолея в Халикарнас, завършен през 352 г. и украсен с истинско ориенталско великолепие. Имаше статуи на боговете, Мавсол, съпругата му, предците, статуи на конници, лъвове и три релефни фриза. На един от фризовете е изобразено състезание с колесници, от друга - борбата на гърците с кентаври (фантастични получовеци, получове коне), на третата - Амазономахия, тоест битката на гърците с Амазонки. От първите два релефа са оцелели само малки фрагменти, от третия - седемнадесет плочи.

Фриз с амазономахия с обща височина 0,9 метра, с фигури, равни на около една трета от човешкия ръст, опасва цялата конструкция и ако не можем да кажем точно в коя част е поставена, то все пак можем да определим дължината й, приблизително равно на 150-160 метра. Вероятно върху него са били поставени повече от 400 фигури.

Легендата за амазонките - митично племе от жени воини - беше една от любимите теми на гръцкото изкуство. Според легендата те са живели в Мала Азия на река Фермодон и, предприемайки далечни военни кампании, дори са стигнали до Атина. Те влизали в битки с много гръцки герои и се отличавали с храброст и ловкост. Една от тези битки е изобразена на халикарнаския фриз. Битката е в разгара си и е трудно да се каже кой ще е победителят. Действието се развива в забързано темпо. Амазонки и гърци пеши и конни нападат яростно и се защитават смело. Лицата на бойците са уловени от патоса на битката.

Характеристика на композиционната конструкция на фриза е свободното разполагане на фигури върху фон, който някога е бил боядисан в ярко синьо. Сравнението на оцелелите плочи показва общата художествена концепция, общата композиционна структура на фриза. Много е възможно композицията да принадлежи на един художник, но едва ли авторът сам е подредил всички отделни фигури и групи. Той можеше да очертае общото разположение на фигурите, да даде техните размери, да измисли общия характер на действието и да остави други майстори да довършат релефа в детайли.

Върху плочите на този най-добре запазен фриз доста ясно се отличава „почеркът” на четиримата майстори. Три плочи с десет фигури на гърци и амазонки, открити от източната страна на руините, се отличават с изключителни художествени качества; те се приписват на Скопас. На плочите, считани за дело на Леохар и Тимотей, бързината на движението е подчертана не само от позите на бойците, но е подсилена и от развяващите се наметала и хитони. Скопас, напротив, изобразява амазонките само в къси тесни дрехи, а гърците напълно голи и постига израз на сила и скорост на движение главно чрез смели и сложни завои на фигури и израз на жестове.

Една от любимите композиционни техники на Скопас беше техниката на сблъсък на противоположно насочени движения. И така, млад войн, падайки на коляното си, поддържа равновесие, докосвайки земята с дясната си ръка и избягвайки удара на Амазонка, се защитава, като протяга напред лявата си ръка с щит. Амазонката, хвърляйки се от воина, в същото време замахна с брадвата си към него. Хитонът на Амазонка плътно прилепва към тялото, добре очертавайки формите; линиите на сгъване подчертават движението на фигурата.

Още по-трудно е местоположението на фигурата на Amazon на следващата плоча. Младият воин, оттегляйки се от бързо атакуващия брадат грък, все пак успява да го удари с енергичен удар. Скулпторът се справи добре с предаването на сръчните движения на Амазонка, бързо избягвайки атака и веднага се превръща в атака. Постановката и пропорциите на фигурата, дрехите, които се отварят, така че половината от тялото на Амазонка се разкрива - всичко много прилича на известната статуя на вакханката. Особено смело Скопас използва техниката на противоположни движения във фигурата на конна амазонка. Умелият ездач пуснал добре обучения кон в галоп, обърнал я с гръб към главата си и стрелял с лък по враговете. Късият й хитон се отвори, разкривайки силна мускулатура.

В композициите на Скопас впечатлението за интензивността на борбата, бързия темп на битката, светкавичната скорост на ударите и атаките се постига не само чрез различния ритъм на движение, свободното разположение на фигурите в равнината, но също и от пластичното моделиране и майсторското изпълнение на облеклото. Всяка фигура в композицията на Скопас е ясно "разчетена". Въпреки ниския релеф навсякъде се усеща дълбочината на пространството. Вероятно Скопас също е работил върху сцената на състезанието с колесници. Запазен е фрагмент от фриз с фигура на колесничар. Изразително лице, плавна извивка на тялото, дълги дрехи, плътно прилепнали към гърба и бедрата - всичко прилича на амазонките на Скопас. Интерпретацията на очите и устните е близка до тегейските глави.

Ярката личност на Скопас, неговите новаторски методи за разкриване на вътрешния свят на човек, за предаване на силни драматични преживявания не можеха да не засегнат всички, които работиха с него. Особено силно влияние Скопас оказва върху младите майстори – Леохар и Бриаксис. Според Плиний именно скулпторите Скопас, Тимотей, Бриаксис и Леохар са направили тази сграда толкова забележителна със своите произведения, че е включена в Седемте чудеса на света.

„Владеейки различни скулптурни техники, Скопас работи както в мрамор, така и в бронз“, пише А. Г. Чубова. - Неговите познания по пластична анатомия бяха перфектни. Изображението на най-сложните позиции на човешката фигура не беше трудно за него. Фантазията на Скопас е изключително богата, той създава цяла галерия от ярко характеризирани образи.

Реалистичните му творби са пропити с висок хуманизъм. Улавяйки различни аспекти на дълбоки преживявания, изобразявайки тъга, страдание, страст, вакхически екстаз, борчески плам, Скопас никога не интерпретира тези чувства по натуралистичен начин. Той ги поетизира, принуждавайки зрителя да се възхищава на духовната красота и сила на своите герои.

Скопас е известен древногръцки скулптор от късния класически период.
Той е роден на остров Парос и създава творбите си в различни региони на Гърция: Беотия, Атика, Мала Азия, Аркадия между 370 и 330 г.
Неговите паметници се отличават с патос и вълнение на чувствата.
Древните автори споменават повече от двадесет произведения на Скопас, въпреки че много по-малко от тях са достигнали до нашето време.
Скопас, наред с други майстори, украсява релефните фризове на мавзолея в Халикарнас. Промяната на чувствата, изразена в Менада от пластичността на кръгла скулптура, която се усеща при ходене около скулптурата, се разгръща тук върху плоска фризова лента.
Разнообразието от ъгли в релефите се допълва от майсторско съпоставяне на леки момичешки тела и тежки мъжки тела, които са изобразени в безпощадна и жестока борба.
Скопас играе комбинации от две или три фигури, като ги показва от различни страни и в различни моменти на движение. Силата на емоционалния интензитет тук е несъизмеримо по-голяма, отколкото в творбите от пети век пр.н.е.
Красотата на новия свят, показан от Скопас в изкуството, е в развитието на драмата, в проблясъци на човешки страсти, в преплитането на сложни чувства. И в същото време се забелязва загубата на монументалната яснота на високата класика. В края на краищата именно в творбите от този период човешкият ум победи като най-висш принцип в сблъсъка с вилнеещите стихии.
В релефите от късния класически период доминира не хармоничното и цялостно, както в Зофората на Партенона, а развълнуван и остър мироглед, защото те са създадени в периода на разрушаване на идеите, познати от времето на класицизъм. Според тези идеи човек е призван към разумно господство в света около себе си. Така че дори на примера на един паметник можем да видим слабостта и силата на възможностите, присъщи на късното класическо изкуство.
Това изкуство открива много нови неща в природата на човешките чувства и емоции, но това постижение е постигнато за сметка на загубата на мира и хармонията на високата класика.
Праксител е известен древногръцки скулптор, по-млад съвременник на Скопас. Роден около 390 г. пр.н.е. Той изразява в творбите си съвсем различни настроения от Скопас.
Праксител произхожда от семейство на скулптори. Дядо му Праксител Стари е бил скулптор. Баща - Кефисодот Старши - беше известен майстор в Гърция, автор на статуята на Ейрен с Плутос.

Билет 19.

1. Изкуството на Византия от 6 век (ерата на Юстиниан)

Дълбоко особената култура на Византия започва своя път, така да се каже, веднага от кулминационната точка: нейният първи разцвет пада на 6 век, „ерата на Юстиниан“ (527-565). По това време Византийската империя достига своята крайна мощ, сравнима с величието на императорския Рим. Тя заемаше огромна територия, имаше огромен международен престиж. Чужденците бяха поразени от внушителния вид на византийската столица Константинопол, блясъка и лукса на императорския двор, тържествеността на църковните служби.

Основните сили, на които разчита император Юстиниан, са армията и църквата, които намират в него ревностен покровител. При Юстиниан се формира специфичен за Византия съюз на духовна и светска власт, основан на първенството на василевсите - императори,

В епохата на Юстиниан византийската архитектура достига своя най-висок възход. По границите на страната се издигат множество укрепления, в градовете се строят храмове и дворци, отличаващи се с грандиозност на мащаба и имперски блясък. По това време са основани две главни светини на Константинопол - Патриаршеската катедрала Св. София и църквата Св. Апостоли.

Света София е най-високото постижение на византийската архитектура: през всичките следващи векове от историята на Византия не е създаден храм, равен на това. Гигантската сграда, дело на малоазийските архитекти Анфимий от Трал и Исидор от Милет, се превърна в олицетворение на мощта на византийската държава и триумфа на християнската религия.

По своя план църквата Св. София е трикорабна базилика, тоест правоъгълна сграда, но правоъгълното пространство тук е увенчано с огромен кръгъл купол (така наречената куполна базилика). Този купол се поддържа от две страни от два долни полукупола, всеки от които от своя страна е в съседство с три по-малки полукупола. Така цялото издължено пространство на централния кораб образува система от полукуполи, нарастващи нагоре, към центъра.

Четирите масивни носещи стълба, които носят главния купол, се маскират от зрителя, докато четиридесетте прозореца, обграждащи основата му в почти непрекъснат светещ венец, създават зашеметяващ ефект. Изглежда, че огромната чаша на купола се носи във въздуха като светеща корона. Не е изненадващо, че църквата Св. София изглеждаше създадена „не с човешка сила, а с Божие позволение“.

Външен изглед на църквата Св. София с гладките си стени се отличава със строга простота. Но вътре в стаята впечатлението се променя драстично. Юстиниан планира да построи сграда не само най-голямата, но и най-богатата на вътрешна украса. Църквата е украсена с повече от сто колони от малахит и порфир, специално донесени от различни древни храмове, плочи от многоцветен мрамор от най-ценните породи, прекрасни мозайки, с техния блясък на златен фон и великолепие от цветове, хиляди масивни сребърни канделабри. Над амвона - платформата, на която се произнася проповедта - имаше навес от благородни метали, увенчан със златен кръст. От злато имаше купи, съдове, подвързии на свещени книги. Безпрецедентният лукс на тази катедрала толкова изуми посланиците на киевския княз Владимир, който посети Константинопол през 10 век (както се наричаше главният град на Византия в Русия), че те, както разказва хрониката, не можаха да разберат дали са на земята или на небето.

Света София не се превърна в образец за последващото развитие на византийската архитектура, но й даде мощен тласък: в продължение на много векове тук се утвърди типът на куполната църква.

В повечето византийски църкви куполът, символизиращ небесния свод, се издига в центъра на сградата. Каквото и да е оформлението - кръгло, квадратно, многостранно - всички такива сгради се наричат ​​центрични. Най-разпространени сред тях от 7 век насам са кръстокуполните църкви, в план наподобяващи равновърх (гръцки) кръст, вписан в квадрат?

Централната композиция привлича византийските архитекти с уравновесеност и усещане за мир, а оформлението (кръст) отговаря най-вече на изискванията на християнската символика.

Ако изразителността на античния храм се състоеше главно във външния му облик (тъй като всички ритуали и празненства се провеждаха отвън, на площада), то основното съдържание и красота на християнската църква е съсредоточена във вътрешността, тъй като християнският храм е място, където вярващите се събират, за да участват в тайнството. Желанието да се създаде специална среда вътре в църквата, сякаш отделена от външния свят, предизвика специално внимание към вътрешната украса, свързана с нуждите на християнското богослужение.

Богатството на вътрешната украса е създадено преди всичко от мозайки, които украсяват сводовете и горната част на стените. Мозайката е един от основните видове монументално изкуство, което представлява изображение или модел от отделни, много плътно прилепнали многоцветни парчета стъкло, цветни камъни, метали, емайл и др.

Във Византия мозайките са били ценени заради тяхната скъпоценност, заради възможността за постигане на неочаквани оптически ефекти. Малки кубчета от мозаечна зидария, положени под леки ъгли едно спрямо друго, отразяват светлината в напречни лъчи, което създава преливащ магически блясък. По-големите кубчета смалт, поставени в равномерни редове, напротив, създават "огледална" повърхност и мозайката придобива ефект на силно сияние.

Църквите и мавзолеите на Равена, град в Северна Италия, близо до Адриатическо море, пазят уникални образци на византийски мозайки. Най-ранната сред тях е украсата на мавзолея на византийската царица Гала Плацидия (средата на V век). Вътре в мавзолея, над входа, има чудесна композиция, представяща Христос, добрият пастир в хълмист пейзаж. Той е млад и голобрад: така е изобразяван Христос в първите векове на християнството, когато все още са живи древните представи за вечната младост като атрибут на божество. С тържествен жест Исус издига кръст, основният символ на християнството.

По-късен цикъл от мозайки се намира в църквите на църквата Сан Витале (Свети Витали) в Равена (6 век). Наред с библейските сцени тук са представени и две „исторически” сцени – тържественото излизане на император Юстиниан и съпругата му императрица Теодора със свитата им в храма. Те уловиха богатството и лукса на византийския двор, свръхземното величие на монарха. Фронталните замръзнали фигури са подредени в плътен ред на златист фон. Цари строга тържественост, във всички лица, подобни едно на друго, се чете сурова непривързаност и сила на духа.

Сред най-забележителните произведения на византийската монументална живопис са изгубените днес мозайки от църквата "Успение Богородично" в Никея (VII век), изобразяващи "ангели на небесните сили". Лицата на тези ангели са удивителни, с тяхната отчетлива чувствена привлекателност. Но тази чувственост е безплътна, тя е свързана с екстатично вътрешно вдъхновение. Желанието да се предаде огромна духовна концентрация, до окончателното одухотворяване на художествената форма остава идеалът за византийското изкуство в продължение на векове.

Особено място в ансамбъла на християнската църква заема иконата. Ранните християни наричали така всяко изображение на светец, противопоставяйки го на „идол“, езически образ. По-късно думата "икона" започва да се нарича само стативни произведения, опитвайки се да ги разграничи от произведения на монументалното изкуство (мозайки, стенописи).

За разлика от обикновената стативна картина, иконата е обект на молитва. Тя се смята от църквата за специален символ, тайнствено свързан с "божествения", свръхсетивния свят. Съзерцавайки образа на иконата, човек може духовно да се приобщи към този свят.

Произходът на иконите обикновено се свързва с древноегипетските погребални живописни портрети, предназначени за "прехода" на човек в другия свят. Според мястото на първото голямо откриване на тези паметници във Фаюмския оазис (1887 г.) те са наречени фаюмски (Фаюмски) портрети. Изображенията, изпълнени върху дървени дъски с восъчни бои приживе на клиента, след смъртта му служат като погребална маска.

Най-старите оцелели икони, близки до фаюмските портрети, датират от 6 век. Те обикновено изобразяват един светец, най-често до кръста или бюста, строго отпред или три четвърти. Погледът на светеца, пълен с духовна дълбочина, е насочен директно към зрителя, защото трябва да възникне някаква мистична връзка между него и молитвата.

Три икони от манастира Св. Екатерина на Синай: „Христос“, „Апостол Петър“ и „Богородица между Св. Федор и Св. Георги“.

Периодът на блестящ просперитет (VI-VII век) е заменен от трагично време за византийското изкуство. През VIII - IX век в страната бушува иконоборческото движение, свързано със забраната на изображения на християнска тематика. Иконоборците, подкрепяни от императора и неговия двор, патриарха и висшия кръг на духовенството, се разбунтуват срещу изобразяването на Бог и светиите в човешки образ, въз основа на теологични аргументи за невъзможността да се възпроизведе божествената същност на Христос в материална форма.

През периода на иконоборството иконите са официално забранени и много от тях са унищожени. Църквите са били украсени предимно с изображения на християнски символи и орнаментална живопис. Култивира се светско изкуство: живописни пейзажи, изображения на животни и птици, сюжети от древни митове и дори състезания на хиподрума. Тези стенописи са почти напълно унищожени от привържениците на иконопочитанието (предимно широки слоеве от обикновените хора, нисшето духовенство, свикнали да се покланят на икони), след като са били възстановени.

След победата над иконоборството, заклеймено като ерес през 843 г., във византийското изкуство се случват най-важните явления за неговото по-нататъшно развитие. Те са свързани с началото на формирането на иконографския канон - постоянни иконографски схеми, от които не трябва да се отклонява при изобразяване на свещени предмети. Стенописите на храмовете са приведени в стройна система, всяка композиция придобива строго определено място.

Христос Пантократор (Вседържител) е изобразен в купола на храма, заобиколен от ангели. Между прозорците в барабана - горната част на сградата, която служи за основа на купола - са били поставени пророци или апостоли. На платната, в горната част на стълбовете, поддържащи купола, бяха поставени евангелистите, четирите "стълба" на евангелското учение. В апсидата, олтарния перваз, има изображение на Божията майка, най-често в типа на Оранта, тоест молеща се с вдигнати ръце. Архангелите Михаил и Гавраил кръжат около него. В горната част на стените на храма са представени епизоди от живота на Христос, които задължително включват изображения на 12 празника (Благовещение, Коледа, Сретение, Богоявление и др.). В долната част на храма има фигури на отци на църквата, първосвещеници, свети мъченици. Веднъж открита, тази живописна система в основните си характеристики остава непроменена в продължение на много векове във всички страни на православния свят.

В следиконоборческия период, особено през XI-XII в., византийското изкуство намира своите най-съвършени типове и най-идеални форми както в мозайките, така и в иконите и книжните миниатюри. Дълбока одухотвореност на лицата, леки „плаващи“ фигури, плавна плавност на линиите, заоблени контури, блясък на златото, насищане на образа с неземна светлина, липса на каквото и да е напрежение - всичко това създава много специален фигуративен свят, пълен с възвишен мир, хармония и божествено вдъхновение.

XIII и XIV век - ерата на късновизантийската култура. Въпреки най-силното икономическо и политическо отслабване на Византия, която губи повечето от своите територии, изкуството от това време е белязано с най-високи постижения, преди всичко в живописта. Забележителни паметници от началото на XIV век, когато изкуството е привлечено към по-голяма изразителност и свобода, към предаване на движение, са иконата на „12-те апостоли“, мозайките от църквата Кахрий Джами в Константинопол, представящи живота на Христос и Богородица.

На новите художествени идеали обаче не им е било съдено да се затвърдят наистина на почвата на замиращата Византия. Очевидно не е случайно, че най-талантливият константинополски майстор от втората половина на XIV век Теофан Гръцки напуска империята, предпочитайки Русия пред нея.

През 1453 г. завладяната от турците Византия престава да съществува, но нейната култура оставя дълбока следа в историята на човечеството. Запазвайки древната традиция жива, византийците първи в средновековния свят развиват художествена система, която съответства на новите духовни и социални идеали и действа като своеобразни учители и наставници по отношение на другите народи на средновековна Европа.

Скулптура на Леохара

Леохар - древногръцки скулптор от средата на 4 век пр.н.е. д. Представител на академичното направление в изкуството на късната класика. Като атинянин, той работи не само в Атина, но и в Олимпия, Делфи, Халикарнас (заедно със Скопас). Той извая от злато и слонова кост няколко портретни статуи на членове на семейството на македонския цар Филип (използвайки техниката на хризоелефантинната скулптура), беше, подобно на Лизип, придворен господар на сина си Александър Македонски („Александър на лов на лъвове“, бронз ). Създава изображения на боговете („Артемида от Версай“, копие от римски мрамор, Лувъра) и митологични сцени.

Разцветът на изкуството на Леохара датира от 350-320 г. пр.н.е. д. По това време той изля група, много популярна в древността, изобразяваща красивия млад мъж Ганимед, който е отнесен на Олимп от орел, изпратен от Зевс, както и статуя на Аполон, станала световно известна с името „Аполон“. Белведере“ (името е от ватиканския дворец Белведере, където е изложена статуята) – и двете творби са запазени в римски мрамор
копия (Музей Пио-Клементино, Ватикана). В статуята на Аполон Белведере, най-добрата творба на Леохар, достигнала до нас в римско копие, пленява не само съвършенството на изображението, но и майсторството на техниката. Статуята, открита през Ренесанса, дълго време се смяташе за най-доброто произведение на античността и беше възпята в множество стихотворения и описания. Творбите на Леохар са направени с изключително техническо умение, работата му е високо оценена от Платон.
„Диана ловецът“ или „Диана от Версай“, скулптура, направена от Леохар около 340 г. пр.н.е. Не е запазена. Скулптури от този тип са известни на археолозите от разкопки в Лептис Магна и Анталия. Едно от копията е в Лувъра.
Артемида е облечена в дорийски хитон и химатион. С дясната си ръка тя се готви да извади стрела от колчана си, докато лявата й ръка лежи върху главата на елена, който я придружава. Главата е обърната надясно, към вероятната плячка.
„Аполон Белведерски“, бронзова статуя, изработена от Леохар около 330 г. пр.н.е. н. д. Статуята не е оцеляла, но е запазена в римски мраморни копия. Една от мраморните статуи е в Белведере, една от сградите на Ватиканския музей. Намерен е в руините на вилата на Нерон в Антия някъде в началото на 16 век.
Статуята изобразява Аполон, древногръцкия бог на слънцето и светлината, под формата на красив млад мъж, стрелящ от лък. Бронзова статуя на Леохар, изпълнена ок. ., по времето на късната класика, не е запазен.
Монторсоли, ученик на Микеланджело, възстанови ръцете, но го направи погрешно: в дясната си ръка Аполон трябваше да държи лавров венец, в лявата му ръка имаше лък, както показва колчанът зад гърба на Аполон. Тези атрибути в ръцете на божество означават, че Аполон наказва грешниците и пречиства каещите се.

Скопас

СКОПАС (разцвет 375-335 пр.н.е.), гръцки скулптор и архитект, роден на остров Парос ок. 420 пр.н.е., вероятно син и ученик на Аристандър. Първата известна на нас творба на Скопас е храмът на Атина Алея в Тегея, в Пелопонес, който трябваше да бъде възстановен, тъй като първият изгоря през 395 г. пр.н.е. Проектът има интересно решение: необичайно тънки дорийски колони около периметъра и коринтски полуколони вътре в целата. На източния фронтон е изобразен ловът на калидонския глиган, на западния - двубоят на местния герой Телеф с Ахил; на метопите са възпроизведени сцени от мита за Телефос. Запазени са глави на Херкулес, воини, ловци и глиган, както и фрагменти от мъжки статуи и женски торс, вероятно Аталанта.

Скопас е бил част от група от четирима скулптори (и може би е бил най-възрастният сред тях), на които е възложено от вдовицата на Мавзол Артемизия да създадат скулптурната част на Мавзолея (едно от седемте чудеса на света) в Халикарнас, гробницата на съпруга си. Завършен е ок. 351 пр.н.е Скопас притежава скулптурите от източната страна, плочите на източния фриз се характеризират със същия стил като статуите от Тегея. Страстта, присъща на творбите на Скопас, се постига преди всичко с помощта на нова интерпретация на очите: те са дълбоко засадени и заобиколени от тежки гънки на клепачите. Живостта на движенията и смелите позиции на тялото изразяват интензивна енергия и демонстрират изобретателността на майстора.

Най-известната творба на Скопас е група от морски божества в светилището на Нептун в Рим, които може би са придружавали Ахил по пътя му към Островите на блажените. Вероятно фризът с Посейдон, Амфитрита, Тритони и Нереиди, яздещи на морски чудовища (сега в Мюнхен) и жертвената сцена (сега в Лувъра) са били основата, върху която тази група е била разположена в Рим през 1 век пр.н.е. AD Статуя на Аполон с цитара от Скопас стоеше в храм на Римския Палатин между Артемида от Тимотей и Лето по-младия Кефисодот. И трите са копирани на пиедестал от Соренто, а Аполон също е копиран в статуя (в Мюнхен) и в торс (в Палацо Корсини в Рим). Други произведения, приписвани на Скопас, са Афродита Пандемос, яздеща коза (в Елида има изображения на монети), Афродита и Потос (от остров Самотраки), Потос с Ерос и Химера (от Мегара), както и три статуи в Рим - колосална фигура на Арес, седналата Хестия и голата Афродита, която някои познавачи поставят над известната Афродита от Книд, собственост на Праксител.

Лизип

ЛИЗИП (ок. 390 - ок. 300 пр.н.е.), древногръцки скулптор, е роден в Сикион (Пелопонес). В древността се твърди (Плиний Стари), че Лизип е създал 1500 статуи. Дори това да е преувеличено, ясно е, че Лизип е бил изключително плодовит и многостранен художник. По-голямата част от неговите творби са предимно бронзови статуи, изобразяващи богове, Херкулес, атлети и други съвременници, както и коне и кучета. Лизип е придворен скулптор на Александър Велики. Колосална статуя на Зевс от Лизип стоеше в агората на Тарент. Според същия Плиний височината му била 40 лакти, т.е. 17,6 м. Други статуи на Зевс са издигнати от Лизип в агората на Сикион, в храма в Аргос и в храма на Мегара, като последната творба представя Зевс, придружен от музите. Изображението на бронзова статуя на Посейдон, стоящ в Сикион с един крак на подиум, е върху оцелелите монети; копие от него е статуя, наподобяваща изображение върху монети в Латеранския музей (Ватикана). Фигурата на бога на слънцето Хелиос, създадена от Лизипос на Родос, изобразява бога на четири теглена колесница, този мотив е използван от скулптора в други композиции. Копия в Лувъра, Капитолийските музеи и Британския музей, показващи Ерос, разхлабващ тетивата на лъка си, могат да бъдат проследени до Ерос от Лизип в Теспия. Също така в Сикион статуя изобразява Кайрос (богът на късмета): богът в крилати сандали седеше на колело, косата му висеше напред, но тилът му беше плешив; копия на статуята са запазени върху малки релефи и камеи.

Скопас Скопас

(Скупас), древногръцки скулптор и архитект от 4 век. пр.н.е д. Представител на късната класика. Роден на остров Парос, той работи в Тегея (сега Пиали, Гърция), Халикарнас (сега Бодрум, Турция) и други градове на Гърция и Мала Азия. Участва в изграждането на храма на Атина Алей в Тегея (350-340 г. пр. н. е.) и на мавзолея в Халикарнас (средата на IV в. пр. н. е.). Сред оригиналните скулптурни творби на Скопас, достигнали до нас, най-важен е фризът на мавзолея в Халикарнас, изобразяващ Амазономахия, тоест битката на амазонките (средата на 4 век пр.н.е.; заедно с Бриаксис, Леохар и Тимотей ; фрагменти - в Британския музей). Много произведения на Скопас са известни от римски копия - статуите Pothos (Usrfitsi), Young Hercules (преди в колекцията Lansdowne, Лондон), Meleager (Ватиканските музеи; Вила Медичи, Рим), Менада (Колекция скулптури, Дрезден). Отхвърляйки характеристиката на древногръцкото изкуство от 5 век. пр.н.е д. хармонично спокойствие на образите, Скопас се обърна към прехвърлянето на силни емоционални преживявания, драматичната борба на страстите. За да ги реализира, Скопас използва динамиката на композицията и нови методи за интерпретиране на детайли: дълбоко поставени очи, бръчки на челото, отворена уста, както и интензивния ритъм на гънките на дрехите. Работата на Скопас, наситена с трагичен патос, оказа голямо влияние върху скулпторите от елинистическата епоха ( см.елинистическо изкуство), по-специално върху майсторите, работили през III-II век. пр.н.е д. в град Пергамон.

"Амазономахия". Фрагмент от фриза на Мавзолея на Халикарнас. Мрамор. Около 350 г. пр.н.е Британски музей. Лондон.
Литература:А. П. Чубова, Скопас, Л.-М., 1959; Ариас П. Е., Скопас, Рома, 1952 г.

(Източник: „Енциклопедия за популярно изкуство“. Под редакцията на Полевой В.М.; М.: Издателство „Съветска енциклопедия“, 1986 г.)

(Скопас), гръцки скулптор и архитект от 4-ти век. пр.н.е д. Вероятно син и ученик на Аристандър. Работил е в Тегея (сега Пиали), Халикарнас (сега Бодрум) и други градове на Гърция и Мала Азия. Той ръководи изграждането на храма на Атина в Тегея (Пелопонес), който е оцелял само в руини. На изток фронтонхрамът изобразява митичния лов на калидонския глиган, на запад - двубоят на героя Телеф с Ахил. Запазени са главата на Херкулес, воини, ловци и глиган, както и фрагменти от мъжки статуи и женски торс, вероятно част от лов на Аталанта. В един от фрагментите - главата на ранен воин - за първи път в гръцката скулптура са въплътени болка и страдание, объркване на чувствата.

Скопас, заедно с други изключителни скулптори на своето време (Леохар, Бриаксис, Тимотей), работи върху украсата на известния мавзолей на Халикарнас (завършен около 351 г. пр. н. е.), който се счита за един от седемте чудеса на света. Плочи с релефиопасваха сградата с непрекъсната лента фриз. Може би Скопас е авторът на най-добрите оцелели фрагменти, които изобразяват битката на гърците с амазонките. Сцените на битката са пропити с яростта на битката, с бурно движение; изглежда, че чуват звън на мечове, свирене на стрели, войнствени викове. д-р произведенията на Скопас са известни само от римски копия ("Младият Херкулес", "Мелеагр"). Най-известната сред изчезналите скулптури на Скопас беше "Менада" - фигурка на момиче, спътница на бог Дионис, втурнала се в неистов танц. Тялото на танцьорката е сякаш усукано в спирала, главата й е отметната назад, дрехите й се веят, разкривайки красиво тяло. В изкуството на Скопас за първи път намират израз емоция, драматичен патос, бурно движение - всичко, което гръцката скулптура не е познавала преди. Творбите на Скопас оказват значително влияние върху скулпторите от епохата Елинизъм.

(Източник: „Изкуство. Съвременна илюстрована енциклопедия“. Под редакцията на проф. А. П. Горкин; М.: Росмен; 2007.)

Вижте какво е "Scopas" в други речници:

Скопас- Скопас. Менада. Мрамор. Римско копие. колекция от скулптури. Дрезден. СКОПАС, старогръцки скулптор и архитект (4 в. пр. н. е.). Изкуството на Скопас се отличава с драматичния патос на борбата, страстта, изразителността на позите и жестовете. ... ... Илюстрован енциклопедичен речник

Тесалийският Скопас, когато го попитали за някоя излишна и безполезна вещ от украсата на дома му, отговорил: „Но именно това излишно ни прави щастливи, а не това, от което всеки има нужда“. (Източник: „Афоризми. Златен фонд ... ... Консолидирана енциклопедия на афоризмите

СКОПАС, старогръцки скулптор и архитект (4 в. пр. н. е.). Изкуството на Скопас се отличава с драматичен патос на борба, страст, изразителност на пози и жестове. Запазен е фризът на мавзолея в Халикарнас, изобразяващ битката на гърците с амазонките ... ... Съвременна енциклопедия

Древногръцки скулптор и архитект от 4 век. пр.н.е д. Запазен е фризът на мавзолея в Халикарнас (сега Бодрум в Турция), изобразяващ битката на гърците с амазонките (мрамор, около 350 г. пр. н. е., заедно с Бриаксис, Леохар и Тимотей). Изкуството на Скопас... Голям енциклопедичен речник

- (Скопас, Σχόπας). Гръцки скулптор от о. Парос, живял около 380 г. пр. н. е. Той прави няколко барелефа на мавзолея в Халикарнас. Най-известната му творба е група, изобразяваща предлагането на Ахил на оръжие, изковано от Хефест. Енциклопедия на митологията

Древногръцкият скулптор от така наречената неоатическа школа, първоначално от Парос, работи през първата половина на 4 век. към R. Chr. Една от първите му по отношение на времето работа е подновяването на разрушеното през 395 г. пожарът на тегейския храм на Атина Алея, за ... ... Енциклопедия на Брокхаус и Ефрон

Този термин има други значения, вижте Скопас (значения). Арес Лудовисий ... Уикипедия

- (Скопас) древногръцки скулптор и архитект от 4 век. пр.н.е д., представител на късната класика. Роден на остров Парос, той работи в Тегес (сега Пиали), Халикарнас (сега Бодрум) и други градове на Гърция и Мала Азия. Как един архитект приема... Велика съветска енциклопедия

Скопас- (гръцки Скопас) (IV в. пр.н.е.) гръцки скулптор и архитект от остров Парос. Участва в изграждането на храма на Атина в Тегея (Пелопонес) и на мавзолея в Халикарнас; автор на редица скулптурни изображения, например Мелеагър, младият Херкулес ... Античен свят. Справка към речника.

СКОПАС- (4 век пр.н.е.) гръцки архитект и скулптор от остров Парос. Ръководи строежа на храма на Атина в Тегея (Пелопонес), работи върху фриза на мавзолея в Халикарнас. Сред произведенията, които му се приписват, е статуетка на танцуваща вакханка, намалена ... Речник-справочник по Древна Гърция и Рим, по митология

Книги

• Разузнавачи на първа линия. „Отидох зад фронтовата линия“, Артьом Драбкин, „Бих отишъл на разузнаване с него“ - казват за човек, на когото може да се разчита. Просто във времето, изминало след войната, първоначалното значение на тази фраза е изтрито и обезценено. Какво е истинско... Категория:

Леохар

Леохарес, гръцки късен класически скулптор.

Диана от Версай "Отвличането на Ганимед" Аполон Белведере

Праксител

Праксител(др. гръцки Πραξιτέλης) - древногръцки скулптор от 4 век пр.н.е. д. Предполагаемият автор на известните композиции "Хермес с бебето Дионис" и "Аполон, убиващ гущера". Повечето от произведенията на Праксител са известни от римски копия или от описания на древни автори. Скулптурите на Праксител са рисувани от атинския художник Никиас. Праксител е първият скулптор, който изобразява гола жена възможно най-реалистично: скулптура на Афродита от Книд, където гола богиня държи паднала роба с ръка. Впоследствие много скулптори изобразяват богинята в подобна поза. Афродита Праксител става толкова популярна, че дава началото на специален тип в женската скулптура: тип Афродита от Книд (към този тип принадлежи например Венера Милоска).Кратер на Меркурий е кръстен на Праксител.

Афродита от Книд, Аполон убива гущера "Хермес с бебето Йонис"

350-330 г. сл. Хр пр.н.е д. Мрамор. Лувър, Париж

Лувър, Париж

Скопас

Скопас (на гръцки Σκόπας, Skopas; ок. 395 г. пр. н. е., Парос - 350 г. пр. н. е.) - древногръцки скулптор и архитект от късната класическа епоха, представител на неоатическата школа. Един от първите майстори на гръцката класика, който предпочита мрамора, на практика изоставяйки използването на бронз, любимия материал на предишните майстори, по-специално Мирон и Поликлет.

Сътрудничи на Праксител. Участва в изграждането на храма на Атина в Тегея (350-340 г. пр. н. е.) и мавзолея в Халикарнас (средата на IV в. пр. н. е.), като се изявява и като архитект, и като скулптор.

Сред произведенията на Скопас, достигнали до нас, се счита за най-значимото фриз на мавзолея в Халикарнас, изобразяващ Амазономахия(създадено съвместно с Бриаксис, Леохар и Тимотей; фрагменти в Британския музей).

Много от творбите на Скопас са известни от римски копия ("Потос", "Младият Херкулес", "Мелеагр", "Менада"). Отхвърляйки традиционния гръцки класически стил, основан на идеята за хармония и спокойствие, Скопас въвежда темата за емоционалните преживявания, борбата на страстите във визуалните изкуства.За да направи това, той използва динамична композиция и иновативни експресивни техники за скулптуриране на портрети (дълбоко поставени очи, бръчки и др.).

Произведенията на длетото Скопас, великият скулптор, живял през 4 век пр. н. е., са малко, останали са само древноримски копия и дори те са достигнали до нас на фрагменти. Но останките говорят много. Скопас беше художникът на бурята, страстен, пламенен, а неговата Менада е бурята на дионисиевия танц.

Скопас и неговата луда "Менада"

Всички скулптури на Скопас са уловени в момента на движение, движенията на фигурите са стремителни, те почти губят равновесие. Неговата Менада напряга цялото си тяло, извива конвулсивно торса си и отмята главата си назад. Човек не може да не си помисли: оргиите на гърците трябва да са били сериозни - не просто забавление, а наистина "луди игри". Очевидно въпросът не се ограничава до енергичния танц, александрийският граматик Калистрат описва това произведение на Скопас под заглавието „Менада, разкъсваща коза“.

Но защо това привлече Скопас? Неистовите танци на менадите бяха много древен обичай, но по-рано дионисиевият елемент не проби с такава сила в изкуството - яснотата и хармонията спечелиха изкуството.

Но Скопас отхвърли хармоничното спокойствие, с което обикновено се свързват представите ни за древността. И предпочиташе – страст: луди очи, отворена уста, изкривени черти на лицето. Това оказва влияние върху следващите поколения скулптори и изкуството като цяло.

Статуята на Менада може да се гледа от различни страни - всяка гледна точка разкрива нещо ново: или тялото е оприличено на опънат лък с арката си, или изглежда извито в спирала, като огнен език. И това беше още една крачка напред. Наистина, в старите времена скулптурата е била проектирана да се възприема само от една гледна точка.