Импресионизмът във френската живопис. История на импресионизма в живописта и неговите основни майстори

Импресионизмът се появява за първи път във Франция в края на 19 век. Преди появата на тази тенденция натюрморти, портрети и дори пейзажи са рисувани предимно от художници в ателиета. Картините на импресионистите, от друга страна, често са създавани на открито и техни сюжети стават реални мимолетни сцени от съвременния живот. И въпреки че първоначално импресионизмът беше критикуван, той скоро събра голям брой последователи и постави основите на подобни движения в музиката и литературата.

Известни френски художници импресионисти

Не е изненадващо, че импресионизмът в живописта се превърна в една от най-известните области на изобразителното изкуство: художниците, които са работили в този стил, оставят след себе си платна с невероятна красота, леки като глътка свеж въздух, пълни със светлина и цветове. Много от тези красиви творби са написани от следните майстори на импресионизма, които всеки уважаващ себе си познавач на световната живопис знае.

Едуард Мане

Въпреки факта, че цялото творчество на Едуард Мане не може да се постави само в рамките на импресионизма, художникът до голяма степен повлия на появата на това течение, а други френски художници, работещи в този стил, го смятат за основател на импресионизма и техен идеологически вдъхновител. Други известни френски импресионисти са били добри приятели на майстора: Едгар Дега, Пиер Огюст Реноар, както и художник импресионист с подобно фамилно име, което озадачава начинаещите в света на живописта, Клод Моне.

След срещата с тези художници в творчеството на Мане настъпват импресионистични промени: той започва да предпочита да работи на открито, в картините започват да преобладават светли, ярки цветове, изобилие от светлина и фракционна композиция. Въпреки че все още не отказва тъмните цветове и предпочита да рисува в домашния жанр пред пейзажите - това може да се проследи в творбите на художника "Бар във Фоли Бержер", "Музиката в Тюйлери", "Закуска на тревата", "Papa's Lathuille", "Argenteuil" и др.

Клод Моне

Името на този френски художник, може би, поне веднъж в живота си всеки е чувал. Клод Моне е един от основателите на импресионизма и именно неговата картина Импресия: Изгряващо слънце дава името на движението.

През 60-те години на 19 век художникът импресионист е един от първите, които проявяват голям интерес към рисуването на открито, а много по-късно създава нов експериментален подход към работата. Състоеше се в наблюдение и изобразяване на един и същ обект в различни часове на деня: така беше създадена цяла поредица от платна с изглед към фасадата на Руанската катедрала, срещу която художникът дори се настани, за да не изгуби сградата от поглед.

Докато изучавате импресионизма в живописта, не пропускайте Поле с макове на Моне в Аржантьой, Разходка до скалата в Пурвил, Жени в градината, Дама с чадър, Булевард де Капуцини и Водните лилии.

Пиер Огюст Реноар

Този художник импресионист имаше уникално виждане за красотата, което направи Реноар един от най-известните представители на това течение. На първо място, той е известен със своите картини на шумния парижки живот и свободното време от края на 19 век. Реноар отлично знаеше как да работи с цвят и chiaroscuro, по-специално се отбелязва изключителната му способност да рисува голи тела, с уникално предаване на тонове и текстури.

Още от 80-те години импресионистът започва да клони повече към класическия стил на рисуване и се интересува от ренесансовата живопис, което го принуждава да включи по-остри линии и ясна композиция в зрелите си творби. През този период Пиер-Огюст Реноар създава някои от най-непреходните творби на своята епоха.

Обърнете специално внимание на такива картини на Реноар като "Закуска на гребците", "Бал в Moulin de la Galette", "Танц в селото", "Чадъри", "Танц в Bougival", "Момичета на пианото".

Едгар Дега

В историята на изкуството Едгар Дега остава като художник импресионист, въпреки че самият той отрича този етикет, предпочитайки да се нарича по-скоро независим художник. Наистина той имаше известен интерес към реализма, което отличаваше художника от другите импресионисти, но в същото време той използваше много импресионистични техники в работата си, по-специално той „играеше“ със светлината по същия начин и обичаше да изобразява сцени от градския живот.

Дега винаги е бил привлечен от човешката фигура, той често е изобразявал певци, танцьори, перачки, опитвайки се да изобрази човешкото тяло в различни позиции, например върху платната „Клас по танци“, „Репетиция“, „Концерт в кафене Ambassador“ , “Оркестър на Операта”, “Танцьори в синьо.

Камил Писаро

Писаро е единственият художник, участвал във всичките осем изложби на импресионисти от 1874 до 1886 г. Докато импресионистичните картини са известни със своите градски и селски сцени, картините на Писаро показват на зрителя ежедневието на френските селяни, изобразявайки селската природа в различни условия и при различни условия на осветление.

Запознавайки се с картините, които този художник импресионист рисува, преди всичко си струва да видите творбите „Булевард Монмартър през нощта“, „Жътва в Ерани“, „Жътварите почиват“, „Градина в Понтоаз“ и „Вход към селото Вуазен”.

Импресионизмът е посока в живописта, възникнала във Франция през 19-20 век, която е художествен опит да се улови всеки момент от живота в цялата му променливост и подвижност. Картините на импресионистите са като качествено измита фотография, съживяваща във фантазията продължението на видяната история. В тази статия ще разгледаме 10 от най-известните импресионисти в света. За щастие има повече от десет, двадесет или дори сто талантливи артисти, така че нека се съсредоточим върху тези имена, които трябва да знаете със сигурност.

За да не обидим нито артистите, нито техните почитатели, списъкът е даден по азбучен ред на руски език.

1. Алфред Сисли

Този френски художник от английски произход се смята за най-известния пейзажист от втората половина на 19 век. В колекцията му има повече от 900 картини, от които най-известните са „Селска алея“, „Слана в Лувесиен“, „Мост в Аржантьой“, „Ранен сняг в Лувесиен“, „Тревни площи през пролетта“ и много други.

2. Ван Гог

Известен на целия свят с тъжната история за ухото си (между другото, той не отряза цялото ухо, а само лобчето), Ван Гон стана популярен едва след смъртта си. И през живота си успя да продаде една-единствена картина, 4 месеца преди смъртта си. Говори се, че той е бил едновременно предприемач и свещеник, но често е попадал в психиатрични болници поради депресия, така че цялото бунтарство на неговото съществуване е довело до легендарни произведения.

3. Камил Писаро

Писаро е роден на остров Свети Тома, в семейство на буржоазни евреи и е един от малкото импресионисти, чиито родители насърчават хобито му и скоро го изпращат в Париж да учи. Художникът най-много харесваше природата и я изобразяваше във всички цветове, и по-точно Писаро имаше специален талант да избира мекотата на цветовете, съвместимостта, след което в картините сякаш се появяваше въздух.

4. Клод Моне

От детството си момчето реши, че ще стане художник, въпреки забраните на семейството. След като се премести сам в Париж, Клод Моне се потопи в сивото ежедневие на тежък живот: две години служба във въоръжените сили в Алжир, съдебни спорове с кредитори поради бедност, болест. Човек обаче има чувството, че трудностите не са потискали, а по-скоро са вдъхновили художника да създаде такива ярки картини като „Импресия, изгрев“, „Сградата на парламента в Лондон“, „Мост към Европа“, „Есен в Аржантьой“, „ On the Shore Trouville и много други.

5. Константин Коровин

Хубаво е да се знае, че сред французите, родоначалници на импресионизма, с гордост можем да поставим нашия сънародник - Константин Коровин. Страстната любов към природата му помогна интуитивно да придаде невъобразима жизненост на статична картина, благодарение на комбинацията от подходящи цветове, ширина на щрихи, избор на тема. Невъзможно е да се мине покрай картините му „Кей в Гурзуф“, „Риба, вино и плодове“, „Есенен пейзаж“, „Лунна нощ. Зима” и поредица от негови творби, посветени на Париж.

6. Пол Гоген

До 26-годишна възраст Пол Гоген дори не си е помислял да рисува. Той беше предприемач и имаше голямо семейство. Въпреки това, когато за първи път видях картините на Камий Писаро, реших, че със сигурност ще започна да рисувам. С течение на времето стилът на художника се променя, но най-известните импресионистични картини са "Градина в снега", "При скалата", "На плажа в Диеп", "Голо", "Палми в Мартиника" и други.

7. Пол Сезан

Сезан, за разлика от повечето си колеги, става известен още приживе. Той успя да организира собствена изложба и да спечели значителни приходи от нея. Хората знаеха много за неговите картини - той, както никой друг, се научи да комбинира играта на светлина и сянка, направи силен акцент върху правилни и неправилни геометрични форми, строгостта на темите на неговите картини беше в хармония с романтиката.

8. Пиер Огюст Реноар

До 20-годишна възраст Реноар работи като декоратор на ветрила за по-големия си брат и едва след това се премества в Париж, където се запознава с Моне, Базил и Сисли. Това запознанство му помогна в бъдеще да поеме по пътя на импресионизма и да стане известен по него. Реноар е известен като автор на сантиментален портрет, сред най-забележителните му творби са "На терасата", "Разходка", "Портрет на актрисата Жана Самари", "Хижата", "Алфред Сисли и неговата съпруга", " На люлката“, „Жабата“ и много други.

9. Едгар Дега

Ако не сте чували нищо за „Сините танцьорки“, „Балетни репетиции“, „Балетна школа“ и „Абсент“ – побързайте да научите повече за творчеството на Едгар Дега. Изборът на оригинални цветове, уникални теми за картини, усещането за движение на картината - всичко това и много повече направиха Дега един от най-известните художници в света.

10. Едуард Мане

Не бъркайте Мане с Моне – това са двама различни хора, работили по едно и също време и в една и съща художествена посока. Мане винаги е бил привличан от ежедневни сцени, необичайни изяви и типове, сякаш случайно "уловени" моменти, впоследствие запечатани в продължение на векове. Сред известните картини на Мане: "Олимпия", "Закуска на тревата", "Бар в Folies Bergère", "Флейтист", "Нана" и др.

Ако имате и най-малката възможност да видите на живо картините на тези майстори, ще се влюбите в импресионизма завинаги!

Александра Скрипкина,

Френско впечатление): художествено движение, възникнало във Франция през 60-те и 70-те години на 19 век. и получи най-яркото въплъщение в стативното изобразително изкуство. Импресионистите разработват нови техники за рисуване - цветни сенки, смесване на цветовете, осветляващо оцветяване, както и разлагане на сложни тонове в чисти тонове (налагането им върху платното в отделни щрихи поражда оптичното им смесване в очите на зрителя). Те се стремяха да предадат красотата на мимолетните състояния на природата, променливостта и мобилността на заобикалящия живот. Тези техники помогнаха да се предаде усещането за искряща слънчева светлина, вибрациите на светлината и въздуха, създадоха впечатлението за празнично същество, хармонията на света. Импресионистичните техники се използват и в други форми на изкуството. В музиката например те допринасят за предаването на най-фините духовни движения и мимолетни настроения.

Страхотна дефиниция

Непълна дефиниция ↓

Импресионизъм

от французите впечатление - впечатление) Направление в изкуството, възникнало във Франция през последната третина на 19 век. Основните представители на I.: Клод Моне, Огюст Реноар, Камий Писаро, Алфред Сисли, Берта Моризо, както и Едуард Мане, Едгар Дега и някои други художници, съседни на тях. Развитието на нов стил на I. се състоя през 60-70-те години и за първи път като нова посока, която се противопостави на академичния салон, импресионистите се обявиха на първата си изложба през 1874 г. По-специално, C. Картината на Моне „Впечатление. Soleil levant“ (1872). Официалната художествена критика реагира негативно на новото направление и подигравателно "кръщава" неговите представители "импресионисти", припомняйки картината на Моне, която особено ги раздразни. Името обаче отразява същността на посоката и нейните представители го приемат като официално наименование на своя метод. Импресионизмът не просъществува дълго като интегрална тенденция - от 1874 до 1886 г., когато са организирани 8 съвместни изложби на импресионистите. Официалното признание от ценителите на изкуството и художествената критика дойде много по-късно - едва в средата на 90-те години. И. имаше, което стана очевидно още през следващия век, огромно влияние върху цялото последващо развитие на изобразителното изкуство (и художествената култура като цяло). Всъщност с него започва принципно нов етап на художествената култура, който води до средата. ХХ век към ПОСТ-културата (виж: ПОСТ-), т.е. към прехода на културата в някакво фундаментално различно качество. О. Шпенглер, който разшири концепцията за И. до културата, го смята за един от типичните признаци на "упадъка на Европа", т.е. разрушаването на целостта на мирогледа, унищожаването на традиционно установената европейска култура. Напротив, авангардистите (виж: Авангард) от началото на 20 век. виждат в И. техен предтеча, който открива нови хоризонти за изкуството, освобождава го от нехудожествени задачи, от догмите на позитивизма, академизма, реализма и др., с които човек не може да не се съгласи. Самите импресионисти, като чисти художници, не са мислили за такова глобално значение на своя експеримент. Те дори не се стремяха към специална революция в изкуството. Те просто виждаха света около себе си по малко по-различен начин, отколкото го виждаха официалните представители на салона, и се опитваха да консолидират тази визия с чисто изобразителни средства. В същото време те разчитаха на художествените открития на своите предшественици - предимно френски художници от 19 век. Делакроа, Коро, Курбе, "Барбизон". На К. Моне, който посети Лондон през 1871 г., беше силно впечатлен от работата на У. Търнър. В допълнение, самите импресионисти посочват сред своите предшественици френските класици Пусен, Лорен, Шарден и японската цветна гравюра от 18 век, а историците на изкуството виждат черти на близост с импресионистите в английските художници Т. Гейнсбъроу и Дж. Констабъл, да не говорим за U .Turner. Импресионистите абсолютизираха редица техники за рисуване на тези много различни художници и на тази основа създадоха цялостна стилова система. За разлика от "академиците", импресионистите изоставиха тематичната предопределеност (философска, морална, религиозна, социално-политическа и т.н.) на изкуството, от обмислени, предварително обмислени и ясно проследени сюжетни композиции, тоест започнаха да се борят срещу доминиране на "литературното" в живописта, съсредоточаване върху специфично изобразителните средства - върху цвета и светлината; те напуснаха работилниците на открито, където се опитаха да започнат и завършат работа върху конкретно произведение в една сесия; те изоставят тъмните цветове и сложните тонове (земни, "асфалтови" цветове), характерни за изкуството на Новото време, преминавайки към чисти ярки цветове (тяхната палитра е ограничена до 7-8 цвята), често положени върху платното в отделни щрихи, съзнателно разчитането на тяхното оптично смесване е вече в психиката на зрителя, което постига ефекта на особена свежест и непосредственост; следвайки Дьолакроа, те усвояват и абсолютизират цветната сянка, играта на цветни отражения върху различни повърхности; дематериализираха обекта на видимия свят, разтваряйки го в светлинно-въздушната среда, която беше основен обект на тяхното внимание като чисти живописци; те всъщност изоставиха жанровия подход във визуалните изкуства, съсредоточавайки цялото си внимание върху живописното предаване на субективното си впечатление от случайно видян фрагмент от реалността - по-често пейзаж (както при Моне, Сисли, Писаро), по-рядко сюжетни сцени ( както при Реноар, Дега). В същото време те често се опитват да предадат впечатлението с почти илюзионистична точност за съвпадение на цветно-светлинно-въздушната атмосфера на изобразения фрагмент и момента на видимата реалност. Случайността на зрителния ъгъл върху фрагмент от природата, осветена от художествено виждане, вниманието към изобразителната среда, а не към обекта, често ги водеше до смели композиционни решения, остри неочаквани ъгли на видимост, разрези, които активират възприемането на зрител и др. ефекти, много от които впоследствие са използвани от представители на различни авангардни движения. I. се превръща в едно от направленията на "чистото изкуство" в края на 19 век, чиито представители смятат художествено-естетическия принцип за основното в изкуството. Импресионистите усетиха неизразимата красота на светло-цветно-въздушната среда на материалния свят и се опитаха да я уловят на своите платна с почти документална точност (за това понякога ги обвиняват в натурализъм, което като цяло едва ли е оправдано). В живописта те са своеобразни оптимистични пантеисти, последните певци на безгрижната радост на земното съществуване, слънцепоклонници. Както пише с възхищение неоимпресионистът П. Сигнак, те „слънчевата светлина изпълва цялата картина; въздухът в него се люлее, светлината обгръща, гали, разпръсква форми, прониква навсякъде, дори в областта на сянката. Стилистичните характеристики на И. в живописта, особено желанието за изтънчено художествено изобразяване на мимолетни впечатления, фундаменталната схематичност, свежестта на прякото възприятие и т.н., се оказаха близки до представители на други видове изкуство от онова време, което доведе до разпространението на това понятие в литературата, поезията, музиката. В тези видове изкуство обаче няма специално направление на И., въпреки че много от неговите характеристики се намират в произведенията на редица писатели и композитори от последната третина на 19 - началото на 19 век. 20-ти век Такива елементи на импресионистичната естетика като неяснота на формата, фиксиране на вниманието върху ярки, но случайни мимолетни детайли, намеци, неясни намеци и др., Са присъщи на творчеството на Г. де Мопасан, А. П. Чехов, ранния Т. Ман, Р.- М. Рилке, но особено - на братята Ж. и Е. Гонкур, представители на т. нар. "психологически Аз", отчасти - на К. Хамсун. М. Пруст и писателите на „потока на съзнанието“ разчитат на импресионистични техники, като ги развиват значително. В музиката френските композитори К. Дебюси, М. Равел, П. Дюк и някои други, които използват стила и естетиката на И. в творчеството си, се считат за импресионисти. Тяхната музика е изпълнена с непосредствени преживявания на красотата и лиричността на пейзажа, почти имитация на играта на морските вълни или шумоленето на листата, буколичното очарование на древните митологични сюжети, радостта от моментния живот, ликуването на земното битие, насладата от безкрайната игра на звуковата материя. Подобно на художници, те размиват много традиционни музикални жанрове, изпълват ги с различно съдържание, засилват вниманието към чисто естетическите въздействия на музикалния език, значително обогатяват палитрата от изразни и визуални средства на музиката. „Това се отнася преди всичко“, пише музикологът И. В. Нестиев, - към сферата на хармонията с нейната техника на паралелизми и причудливо нанизване на нерешени цветни хармонии-петна. Импресионистите значително разширяват съвременната тонална система, проправяйки пътя за много хармонични иновации на 20-ти век. (въпреки че те значително отслабиха яснотата на функционалните връзки). Усложняването и подуването на комплексите от акорди (неакорди, ундецимакорди, алтернативни четвърти хармонии) се съчетават с опростяване, архаизиране на модалното мислене (естествени режими, пентатоника, комплекси от цели тонове). Оркестрацията на композиторите импресионисти е доминирана от чисти цветове, причудливи акценти; често се използват сола на дървени духови инструменти, пасажи за арфа, сложни струнни разделения и консордино ефекти. Типични и чисто декоративни, равномерно преливащи остинатни фонове. Ритъмът понякога е нестабилен и неуловим. Мелодията се характеризира не със заоблени конструкции, а с кратки изразителни фрази-символи, наслоявания на мотиви. В същото време в музиката на импресионистите значението на всеки звук, тембър и акорд беше изключително засилено и бяха разкрити неограничени възможности за разширяване на режима. Специална свежест на музиката на импресионистите беше дадена от честото привличане към песенни и танцови жанрове, финото изпълнение на модални, ритмични елементи, заимствани от фолклора на народите на Изтока, Испания, в ранните форми на негърския джаз ” (Музикална енциклопедия. Том 2, М., 1974. St. 507). Поставяйки вниманието на художника върху образно-изразителните средства на изкуството и фокусирайки се върху хедонистичната и естетическата функция на изкуството, И. отваря нови перспективи и възможности за художествена култура, от които тя се възползва напълно (и дори понякога прекомерно) през 20-те години век. Лит .: Вентури Л. От Мане до Лотрек. М., 1938; Rewald J. История на импресионизма. Л.-М., 1959; Импресионизъм. Писма на художници. Л., 1969; Serullaz M. Encyclopedie de limpressionisme. П., 1977; Montieret S. Limpressionisme et son epoque. Т. 1-3. П., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus in der Musik. Лайпциг. 1957. Л.Б.

„Изложба на импресионистите“, по името на картината на Клод Моне „Импресия. Изгряващо слънце“ (фр. Impression, soleil levant). Първоначално този термин беше донякъде пренебрежителен, показвайки съответното отношение към художници, които пишат по нов "небрежен" начин.

Импресионизъм в живописта

произход

До средата на 1880-те импресионизмът постепенно престава да съществува като единна посока и се разпада, давайки забележим тласък на еволюцията на изкуството. До началото на 20-ти век тенденцията на отдалечаване от реализма набира скорост и ново поколение художници се отвръщат от импресионизма.

Появата на името

Минаха десетилетия. И едно ново поколение художници ще стигне до истински колапс на формите и обедняване на съдържанието. Тогава и критиците, и публиката видяха в осъдените импресионисти - реалисти, а малко по-късно и класиците на френското изкуство.

Спецификата на философията на импресионизма

Френският импресионизъм не повдига философски проблеми и дори не се опитва да проникне в цветната повърхност на ежедневието. Вместо това, импресионизмът, бидейки изкуство до известна степен лагерно и маниеристично, се фокусира върху повърхностността, плавността на момента, настроението, осветлението или зрителния ъгъл.

Подобно на изкуството на Ренесанса (Ренесанса), импресионизмът се основава на характеристиките и уменията за възприемане на перспектива. В същото време ренесансовата визия експлодира с доказаната субективност и относителност на човешкото възприятие, което превръща цвета и формата в автономни компоненти на образа. За импресионизма не е толкова важно какво е показано на фигурата, а как е показано.

Картините на импресионистите не носят социална критика, не засягат социални проблеми като глад, болести, смърт, представяйки само положителните страни на живота. Това по-късно води до разцепление сред самите импресионисти.

Импресионизъм и общество

Импресионизмът се характеризира с демократизъм. По инерция изкуството през 19 век се смята за монопол на аристократите, висшите слоеве на населението. Именно те са били основните клиенти на стенописи, паметници, именно те са били основните купувачи на картини и скулптури. Парцелите с тежкия труд на селяните, трагичните страници на нашето време, срамните аспекти на войните, бедността, социалните сътресения бяха осъдени, не одобрени, не купени. Критиката на богохулния морал на обществото в картините на Теодор Жерико, Франсоа Миле намери отговор само от поддръжници на художници и няколко експерти.

Импресионистите по този въпрос заемат доста компромиси, междинни позиции. Бяха изхвърлени библейски, литературни, митологични, исторически сюжети, присъщи на официалния академизъм. От друга страна, те горещо желаеха признание, уважение, дори награди. Показателна е дейността на Едуар Мане, който години наред търси признание и награди от официалния Салон и неговата администрация.

Вместо това се появи визия за ежедневието и модерността. Художниците често рисуват хора в движение, по време на забавление или почивка, представят си изглед към определено място в определена светлина, природата също е мотивът на тяхната работа. Те взеха теми като флирт, танци, престой в кафенета и театри, разходки с лодка, по плажовете и в градините. Съдейки по картините на импресионистите, животът е поредица от малки празници, партита, приятни забавления извън града или в приятелска среда (редица картини на Реноар, Мане и Клод Моне). Импресионистите са сред първите, които рисуват във въздуха, без да завършват работата си в ателието.

Техника

Новата тенденция се различава от академичната живопис както технически, така и идеологически. На първо място, импресионистите изоставят контура, заменяйки го с малки отделни и контрастни щрихи, които прилагат в съответствие с теориите за цвета на Chevreul, Helmholtz и Rude. Слънчевият лъч се разделя на компонентите си: виолетово, синьо, синьо, зелено, жълто, оранжево, червено, но тъй като синьото е разновидност на синьото, техният брой е намален до шест. Два цвята, поставени един до друг, се подсилват взаимно и обратно, когато се смесят, губят интензитета си. Освен това всички цветове са разделени на първични, или основни, и двойни, или производни, като всяка двойна боя е допълнителна към първата:

• Синьо - Оранжево
• Червено зелено
• Жълто - лилаво

Така стана възможно да не се смесват боите върху палитрата и да се получи желаният цвят чрез правилното им нанасяне върху платното. Това по-късно стана причина за отхвърлянето на черното.

Тогава импресионистите спряха да концентрират цялата работа върху платната в работилниците, сега предпочитат открито, където е по-удобно да грабнат мимолетни впечатления от това, което са видели, което стана възможно благодарение на изобретяването на стоманени тръби за боя, които за разлика от кожените чанти можеха да се затварят, за да не изсъхне боята.

Освен това художниците са използвали непрозрачни бои, които не пропускат добре светлината и са неподходящи за смесване, защото бързо посивяват, това им позволява да създават картини не с " вътрешни", a " външен» светлина, отразяваща се от повърхността.

Техническите разлики допринесоха за постигането на други цели, на първо място, импресионистите се опитаха да уловят мимолетно впечатление, най-малките промени във всеки обект в зависимост от осветлението и времето на деня, най-високото въплъщение беше циклите на картини на Моне "Копи сено", "Руанската катедрала" и "Лондонският парламент".

Като цяло много майстори са работили в стила на импресионизма, но в основата на движението са Едуард Мане, Клод Моне, Огюст Реноар, Едгар Дега, Алфред Сисли, Камил Писаро, Фредерик Базил и Берта Моризо. Въпреки това Мане винаги се е наричал „независим художник“ и никога не е участвал в изложби, и въпреки че Дега е участвал, той никога не е рисувал своите творби на пленер.

Хронология по художник

Импресионисти

Изложби

• Първа изложба(15 април - 15 май)

• Втора изложба(Април )

Адрес: ул. Lepeletier, 11 (галерия Durand-Ruel). Членове: Базил (посмъртно, художникът умира през 1870 г.), Белиар, Бюро, Дебютен, Дега, Кайбот, Калс, Левер, Легрос, Лепик, Миле, Моне, Моризо, Л. Отен, Писаро, Реноар, Руар, Сисли, Тило, Франсоа

• Трета изложба(Април )

Адрес: ул. Лепелетие, 6. Членове: Гийомен, Дега, Кайбот, Калс, Кордей, Левер, Лами, Моне, Моризо, Алфонс Моро, Пиет, Писаро, Реноар, Руар, Сезан, Сисли, Тило, Франсоа.

• Четвърта изложба(10 април - 11 май)

Адрес: Opera Avenue, 28. Членове: Bracquemont, Madame Bracquemont, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cals, Cassatt, Lebourg, Monet, Piette, Pissarro, Rouart, Somm, Tillo, Forain.

• Пета изложба(1 април - 30 април)

Адрес: ул. Пирамидите, 10. Членове: Bracquemont, Mrs.

• Шеста изложба(2 април - 1 май)

Адрес: Boulevard des Capucines, 35 (студио на фотографа Надар). Членове: Видал, Виньон, Гийом, Гоген, Дега, Зандоменеги, Касат, Моризо, Писаро, Рафаели, Руар, Тило, Форен.

• Седма изложба(Март )

Адрес: Faubourg-Saint-Honoré, 251 (At Durand-Ruel). Членове: Виньон, Гийом, Гоген, Кайбот, Моне, Моризо, Писаро, Реноар, Сисли.

• Осма изложба(15 май - 15 юни)

Адрес: ул. Лафит, 1. Членове: Мадам Бракмон, Виньон, Гийомен, Гоген, Дега, Зандоменеги, Касет, Моризо, Камий Писаро, Люсиен Писаро, Редон, Руар, Сьора, Синяк, Тило, Форейн, Шуфенекер.

Импресионизмът в литературата

В литературата импресионизмът не се развива като отделна тенденция, но неговите характеристики са отразени в натурализма и символизма.

На първо място, той се характеризира с изразяването на личното впечатление на автора, отхвърлянето на обективна картина на реалността, изобразяването на всеки момент, което трябваше да доведе до липса на сюжет, история и замяна на мисълта с възприятие, и разум с инстинкт. Основните характеристики на импресионистичния стил са формулирани от братята Гонкур в тяхната работа "Дневник", където известната фраза " Да видиш, да почувстваш, да изразиш - всичко това е изкуствосе превърна в централна позиция за много писатели.

В натурализма основният принцип беше истинността, верността към природата, но тя е обект на впечатление и следователно появата на реалността зависи от всеки отделен човек и неговия темперамент. Това е най-пълно изразено в романите на Емил Зола, неговите подробни описания на миризми, звуци и зрителни възприятия.

Символизмът, напротив, изисква отхвърляне на материалния свят и връщане към идеала, но преходът е възможен само чрез мимолетни впечатления, разкриващи тайна същност във видимите неща. Ярък пример за поетичен импресионизъм - сборник

Импресионизмът е течение в изкуството, възникнало през втората половина на 19 век. Основната му цел беше да предаде мимолетни, променливи впечатления.

Появата на импресионизма е свързана с науката: с най-новите открития на оптиката и теорията на цвета.

Тази посока засяга почти всички видове изкуство, но най-ясно се проявява в живописта, където прехвърлянето на цвят и светлина е в основата на работата на художниците импресионисти.

Значение на термина

Импресионизъм(фр. Impressionnisme) от впечатление - впечатление). Този стил на рисуване се появява във Франция в края на 1860-те години. Той беше представен от Клод Моне, Огюст Реноар, Камий Писаро, Берта Моризо, Алфред Сисли, Жан Фредерик Базил. Но самият термин се появява през 1874 г., когато картината на Моне „Впечатление. Изгряващо слънце (1872). В заглавието на картината Моне е имал предвид, че той предава само мимолетното си впечатление от пейзажа.

К. Моне „Впечатление. Изгрев" (1872). Музей Мармотан Моне, Париж
По-късно терминът "импресионизъм" в живописта започва да се разбира по-широко: внимателно изследване на природата по отношение на цвета и осветлението. Целта на импресионистите беше да изобразят мигновени, така да се каже, „случайни“ ситуации и движения. За да направят това, те използват различни техники: сложни ъгли, асиметрия, фрагментиране на композиции. Картината на художниците импресионисти се превръща в замръзнал момент на един постоянно променящ се свят.

Художественият метод на импресионистите

Най-популярните жанрове на импресионистите са пейзажи и сцени от градския живот. Винаги са били писани „на открито“, т.е. директно от природата, в природата, без скици и предварителни скици. Импресионистите забелязаха и успяха да предадат цветове и нюанси върху платно, обикновено невидими за невъоръжено око и невнимателен зрител. Например изобразяване на синьо в сенките или розово при залез слънце. Те разложиха сложните тонове на съставните им чисти цветове на спектъра. От това тяхната картина се оказа лека и трепереща. Художниците импресионисти нанасят боя в отделни щрихи, по свободен и дори небрежен начин, така че техните картини се гледат най-добре от разстояние - именно с този поглед се създава ефектът на живо трептене на цветове.
Импресионистите изоставиха контура, заменяйки го с малки отделни и контрастни щрихи.
К. Писаро, А. Сисли и К. Моне предпочитат пейзажи и градски сцени. О. Реноар обичаше да изобразява хора в лоното на природата или в интериора. Френският импресионизъм не повдига философски и социални проблеми. Те не се обръщат към библейски, литературни, митологични, исторически теми, които са присъщи на официалния академизъм. Вместо това върху живописните платна се появи образът на ежедневието и съвременността; изображение на хора в движение, докато релаксират или се забавляват. Основните им теми са флирт, танци, хора в кафенета и театри, разходки с лодка, плажове и градини.
Импресионистите се опитаха да уловят мимолетно впечатление, най-малките промени във всеки обект, в зависимост от осветлението и времето на деня. В това отношение циклите от картини на Моне „Купа сено“, „Руанската катедрала“ и „Лондонският парламент“ могат да се считат за най-високо постижение.

К. Моне "Катедралата в Руан на слънце" (1894). Musee d'Orsay, Париж, Франция
„Руанската катедрала“ е поредица от 30 картини на Клод Моне, които представят изгледи на катедралата в зависимост от времето на деня, годината и осветлението. Този цикъл е написан от художника през 1890 г. Катедралата му позволи да покаже връзката между постоянната, солидна структура на сградата и променящата се, лесно игрива светлина, която променя нашето възприятие. Моне се концентрира върху отделни фрагменти от готическата катедрала и избира портала, кулата на Свети Мартин и кулата на Албан. Интересува го само играта на светлина върху камък.

К. Моне „Руанската катедрала, западен портал, мъгливо време“ (1892 г.). Музей д'Орсе, Париж

К. Моне „Руанската катедрала, портал и кула, сутрешен ефект; бяла хармония“ (1892-1893). Музей д'Орсе, Париж

К. Моне „Руанската катедрала, портал и кула на слънце, хармония на синьо и злато“ (1892-1893). Музей д'Орсе, Париж
След Франция художници импресионисти се появяват в Англия и САЩ (Джеймс Уислър), в Германия (Макс Либерман, Ловис Коринт), в Испания (Хоакин Сорола), в Русия (Константин Коровин, Валентин Серов, Игор Грабар).

За творчеството на някои художници импресионисти

Клод Моне (1840-1926)

Клод Моне, снимка 1899 г
Френски художник, един от основоположниците на импресионизма. Роден в Париж. Той обичаше да рисува от детството си, на 15-годишна възраст се оказа талантлив карикатурист. Йожен Буден, френски художник, предшественик на импресионизма, го въвежда в пейзажната живопис. По-късно Моне постъпва в университета във Факултета по изкуствата, но се разочарова и го напуска, записвайки се в живописното студио на Чарлз Глейр. В студиото той се запознава с художниците Огюст Реноар, Алфред Сисли и Фредерик Базил. Те бяха практически връстници, имаха сходни възгледи за изкуството и скоро формираха гръбнака на импресионистичната група.
Славата на Моне е донесена от портрета на Камил Донсие, написан през 1866 г. („Камил, или портрет на дама в зелена рокля“). Камила през 1870 г. става съпруга на художника.

К. Моне "Камила" ("Дамата в зелено") (1866). Кунстхале, Бремен

К. Моне "Разходка: Камил Моне със сина си Жан (Жена с чадър)" (1875). Национална художествена галерия, Вашингтон
През 1912 г. лекарите диагностицираха К. Моне с двойна катаракта, той трябваше да претърпи две операции. След като загуби лещата на лявото си око, Моне възвърна зрението си, но започна да вижда ултравиолетовата светлина като синя или лилава, поради което картините му придобиха нови цветове. Например, когато рисува известните "Водни лилии", Моне вижда лилиите синкави в ултравиолетовия диапазон, за други хора те са просто бели.

К. Моне "Водни лилии"
Художникът умира на 5 декември 1926 г. в Живерни и е погребан в местното църковно гробище.

Камий Писаро (1830-1903)

К. Писаро "Автопортрет" (1873)

Френски художник, един от първите и най-последователни представители на импресионизма.
Роден на остров Сейнт Томас (Западна Индия), в буржоазно семейство на сефарадски евреин и родом от Доминиканската република. До 12-годишна възраст живее в Западна Индия, на 25-годишна възраст се премества в Париж с цялото си семейство. Тук той учи в Училището по изящни изкуства и в Академията на Суис. Негови учители са Камий Коро, Гюстав Курбе и Шарл-Франсоа Добини. Започва със селски пейзажи и гледки към Париж. Писаро има силно влияние върху импресионистите, като независимо развива много от принципите, които са в основата на техния стил на рисуване. Бил е приятел с художниците Дега, Сезан и Гоген. Писаро е единственият участник във всичките 8 импресионистични изложби.
Умира през 1903 г. в Париж. Погребан е в гробището Пер Лашез.
Още в ранните си творби художникът обръща специално внимание на изобразяването на осветени обекти във въздуха. Оттогава светлината и въздухът се превърнаха във водеща тема в творчеството на Писаро.

К. Писаро „Булевард Монмартър. Следобед, слънчев" (1897)
през 1890 г. Писаро се интересува от техниката на поантилизма (отделно нанасяне на щрихи). Но след известно време се върна към обичайния си начин.
През последните години от живота си зрението на Камий Писаро се влошава значително. Но той продължава да работи и създава поредица от изгледи от Париж, изпълнени с артистични емоции.

К. Писаро "Улица в Руан"
Необичайният ъгъл на някои от картините му се обяснява с факта, че художникът ги рисува от хотелски стаи. Тази серия е едно от най-високите постижения на импресионизма в предаването на светлина и атмосферни ефекти.
Писаро също рисува с акварел и създава серия от офорти и литографии.
Ето някои от интересните му изказвания за изкуството на импресионизма: „Импресионистите са на прав път, тяхното изкуство е здравословно, основано е на усещания и е честно“.
„Щастлив е този, който може да види красотата в обикновените неща, където другите не виждат нищо!“

C. Pissarro "Първата слана" (1873)

Руски импресионизъм

Руският импресионизъм се развива от края на 19 до началото на 20 век. Повлиян е от творчеството на френските импресионисти. Но руският импресионизъм има ярко изразена национална специфика и в много отношения не съвпада с учебникарските представи за класическия френски импресионизъм. Обективността и материалността преобладават в живописта на руските импресионисти. Има по-голямо значение и по-малко динамизиране. Руският импресионизъм е по-близо до реализма от френския. Френските импресионисти подчертават впечатлението от видяното, а руснаците добавят и отражение на вътрешното състояние на художника. Работата трябваше да бъде завършена за една сесия.
Някаква незавършеност на руския импресионизъм създава характерното за тях „благоговение пред живота“.
Импресионизмът включва творчеството на руски художници: А. Архипов, И. Грабар, К. Коровин, Ф. Малявин, Н. Мещерин, А. Мурашко, В. Серов, А. Рилов и др.

В. Серов "Момиче с праскови" (1887)

Тази картина се счита за стандарт на руския импресионизъм в портрета.

Валентин Серов "Момиче с праскови" (1887). Платно, масло. 91×85 cm Държавна Третяковска галерия
Картината е нарисувана в имението на Сава Иванович Мамонтов в Абрамцево, което той придобива от дъщерята на писателя Сергей Аксаков през 1870 г. На портрета е изобразена 12-годишната Вера Мамонтова. Момичето е нарисувано седнало на масата; тя носи розова блуза с тъмносин лък; на масата има нож, праскови и листа.
„Всичко, което исках, беше свежест, онази специална свежест, която винаги усещаш в природата и не виждаш на снимките. Писах повече от месец и я изтощих, бедната, до смърт, наистина исках да запазя свежестта на рисуването с пълна пълнота - така старите майстори ”(В. Серов).

Импресионизмът в други форми на изкуството

В литературата

В литературата импресионизмът като отделна тенденция не се оформи, но неговите характеристики бяха отразени в натурализъми символика .

Едмон и Жул Гонкур. снимка
Принципи натурализъмможе да се проследи в романите на братя Гонкур и Джордж Елиът. Но Емил Зола е първият, който използва термина "натурализъм", за да обозначи собственото си творчество. Писателите Ги дьо Мопасан, Алфонс Доде, Хюисманс и Пол Алексис са групирани около Зола. След публикуването на сборника „Медански вечери“ (1880 г.) с откровени истории за бедствията на френско-пруската война (включително разказа на Мопасан „Кнедли“), им е присвоено името на групата „Медан“.

Емил Зола
Натуралистичният принцип в литературата често е критикуван заради липсата на артистичност. Например, И. С. Тургенев пише за един от романите на Зола, че "има много копаене в камерни саксии". Гюстав Флобер също беше критичен към натурализма.
Зола поддържа приятелски отношения с много художници импресионисти.
Символистиизползвани символи, подценяване, намеци, мистерия, мистерия. Основното настроение, уловено от символистите, е песимизмът, достигащ до отчаяние. Всичко „естествено” изглеждаше само „привидност”, която нямаше самостоятелна художествена стойност.
По този начин импресионизмът в литературата се изразява в личното впечатление на автора, отхвърлянето на обективна картина на реалността, образа на всеки момент. Всъщност това доведе до липсата на сюжет и история, замяната на мисълта с възприятие и разума с инстинкт.

Г. Курбе "Портрет на П. Верлен" (около 1866 г.)
Ярък пример за поетичен импресионизъм е сборникът на Пол Верлен „Романси без думи“ (1874). В Русия влиянието на импресионизма е изпитано от Константин Балмонт и Инокентий Аненски.

В. Серов "Портрет на К. Балмонт" (1905 г.)

Инокентий Аненски. снимка
Тези настроения се отразяват и на драматургията. В пиесите има пасивно светоусещане, анализ на настроения, душевни състояния. Диалозите концентрират мимолетни разнородни впечатления. Тези черти са характерни за творчеството на Артур Шницлер.

В музиката

Музикалният импресионизъм се развива във Франция през последната четвърт на 19 век. - началото на ХХ век. Той се изразява най-ярко в творчеството на Ерик Сати, Клод Дебюси и Морис Равел.

Ерик Сати
Музикалният импресионизъм е близък до импресионизма във френската живопис. Те имат не само общи корени, но и причинно-следствени връзки. Композиторите импресионисти търсят и намират не само аналогии, но и изразни средства в произведенията на Клод Моне, Пол Сезан, Пюви дьо Шаван и Анри дьо Тулуз-Лотрек. Разбира се, средствата на живописта и средствата на музикалното изкуство могат да бъдат свързани помежду си само с помощта на специални, фини асоциативни паралели, които съществуват само в съзнанието. Ако погледнете неясния образ на Париж "в есенния дъжд" и същите звуци, "заглушени от шума на падащи капки", тогава тук можете да говорите само за свойството на художествения образ, но не и за реалния образ.

Клод Дебюси
Дебюси пише "Облаци", "Отпечатъци" (най-фигуративният от които, акварелна звукова скица - "Градини в дъжда"), "Образи", "Отражения върху водата", които предизвикват директни асоциации с известната картина на Клод Моне "Импресия: Изгрев". Според Маларме композиторите импресионисти са се научили да „чуват светлината“, да предават в звуци движението на водата, трептенето на листата, дъха на вятъра и пречупването на слънчевата светлина във вечерния въздух.

Морис Равел
Пряка връзка между живописта и музиката има М. Равел в звуко-изобразителната си „Играта на водата”, цикъла от пиеси „Размисли”, клавирната колекция „Шумоленето на нощта”.
Импресионистите създадоха произведения на изтънчено изкуство и в същото време ясни в изразните средства, емоционално сдържани, безконфликтни и строги по стил.

В скулптурата

О. Роден "Целувката"

Импресионизмът в скулптурата се изразява в свободната пластичност на меките форми, което създава сложна игра на светлина върху повърхността на материала и усещане за незавършеност. В позите на скулптурните персонажи е уловен моментът на движение и развитие.

О. Роден. Снимка 1891 г
Тази посока включва скулптурните творби на О. Роден (Франция), Медардо Росо (Италия), П.П. Трубецкой (Русия).

В. Серов "Портрет на Паоло Трубецкой"

Павел (Паоло) Трубецкой(1866-1938) - скулптор и художник, работил в Италия, САЩ, Англия, Русия и Франция. Роден в Италия. Незаконен син на руски емигрант княз Пьотр Петрович Трубецкой.
От дете скулптурирам и рисувам сама. Нямаше образование. В началния период на творчеството си създава портретни бюстове, произведения на малката пластика, участва в конкурси за създаване на големи скулптури.

П. Трубецкой "Паметник на Александър III", Санкт Петербург
Първата изложба на творбите на Паоло Трубецкой се провежда в САЩ през 1886 г. През 1899 г. скулпторът идва в Русия. Той участва в конкурса за създаване на паметник на Александър III и неочаквано за всички получава първа награда. Този паметник предизвика и продължава да предизвиква противоречиви оценки. Трудно е да си представим по-статичен и тежък паметник. И само положителната оценка на императорското семейство позволи на паметника да заеме подходящото място - те откриха прилики с оригинала в скулптурния образ.
Критиците смятат, че Трубецкой работи в духа на "остарял импресионизъм".

Образът на Трубецкой на брилянтния руски писател се оказа по-„импресионистичен“: тук има ясно движение - в гънките на ризата, течащата брада, завъртането на главата, дори има усещане, което скулпторът успя да улови напрежението на мисълта на Л. Толстой.

П. Трубецкой "Бюст на Лев Толстой" (бронз). Държавна Третяковска галерия