ความไม่สอดคล้องกันในงานศิลปะ ศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดของสหภาพโซเวียตกลายเป็นศิลปินคลาสสิก

ในวันที่ 11 กุมภาพันธ์ Victoria Gallery เปิดนิทรรศการ "Nonconformism as a beginning point" ซึ่งจะรวมผลงานศิลปะรัสเซียอย่างไม่เป็นทางการในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 จากการรวบรวมของพิพิธภัณฑ์มอสโก ศิลปะร่วมสมัย- นิทรรศการ Samara ในระดับที่ไม่เคยมีมาก่อนจะรวมนักเขียนมากกว่า 30 คนซึ่งจะเป็นตัวแทนของสารคดีรัสเซียทุกประเภท ศิลปะอย่างเป็นทางการตั้งแต่ปี 1950 จนถึงปัจจุบัน ภัณฑารักษ์แกลเลอรี Sergei Balandin ได้รวบรวมโปรแกรมการศึกษาสำหรับนิทรรศการใหม่ตามคำขอของ Big Village

พวกที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดพูดถึงอะไร?

ที่สุด ทำงานช่วงแรกนิทรรศการจัดแสดงภาพวาด “ฤดูใบไม้ผลิ” จากปี พ.ศ. 2493 บอริส สเวชนิคอฟ- เขาเขียนมันเมื่ออายุ 23 ปี ตอนที่เขารับใช้อยู่ในค่าย สำหรับ Sveshnikov เช่นเดียวกับผู้ที่ไม่ใช่รูปแบบส่วนใหญ่สิ่งสำคัญคือต้องดึงดูดแก่นแท้ทางจิตวิญญาณของมนุษย์ ในสภาวะแห่งความไร้พระเจ้าของสหภาพโซเวียตพวกเขาได้คิดค้นรูปเคารพของตนเองซึ่งมอบให้ ความหมายอันศักดิ์สิทธิ์: การวาดภาพนั้นคล้ายกับคำปฏิญาณอันลึกลับสำหรับพวกเขา ผู้ที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดเป็นชื่อที่มอบให้กับกลุ่มศิลปินที่เป็นตัวแทนของศิลปะที่ไม่เป็นทางการของสหภาพโซเวียต: การเรียนรู้ด้วยตนเอง ผู้ไม่เห็นด้วย นักปรัชญา - พวกเขาเป็นที่สุด ในทางที่แตกต่างมาถึงงานศิลปะ แต่พวกเขารวมกันเป็นหนึ่งด้วยความปรารถนาที่จะค้นหาภาษาศิลปะที่ไม่เป็นทางการของตนเอง

บอริส สเวชนิคอฟ

ตัวแทนของความไม่เป็นไปตามข้อกำหนด ได้แก่ Mikhail Shvartsman, Marlene Spindler, Dmitry Krasnopevtsev, Vladimir Yakovlev

ศิลปินที่ "ไม่เป็นทางการ" หลายคนได้รับอิทธิพลจากคาเซมีร์ มาเลวิช เช่น วลาดมีร์ สเตอร์ลิกอฟ ซึ่งเป็นลูกศิษย์โดยตรงของเขา ไม่ใช่เรื่องยากที่จะเห็นการเรียบเรียง Suprematist ในผลงานของ Eduard Steinberg ใน "Family" โอเล็ก เซลโควาต้องมองเห็น "ชาวนา" ของ Malevich: ใบหน้าแบนร่างที่ดูโค้งเหมือนแผ่นโลหะหรือฟอยล์สีสวรรค์สดใสตาเล็ก - ศิลปินทำทุกอย่างเพื่อสร้างนรกที่น่าเบื่อหน่ายอย่างเจ็บปวดจากยูโทเปียคอนสตรัคติวิสต์ของโซเวียต ในปี 1977 ศิลปินเดินทางออกนอกประเทศและใช้ชีวิตไร้สัญชาติเป็นเวลา 38 ปี

โอเล็ก เซลคอฟ. ตระกูล. 1985

นิทรรศการยังนำเสนอผลงานของ Grisha Bruskin, Pyotr Belenok และ Evgeny Rukhin

อเล็กซานเดอร์ โรกินสกี้บางคนคิดว่าเขาเป็นตัวแทนของป๊อปอาร์ตเพียงคนเดียวในรัสเซีย นานก่อนศิลปะสังคมเขาเริ่มพรรณนาถึงชีวิตชุมชนของชาวโซเวียต: "ประตูสีแดง" ที่แขวนอยู่บนผนัง, "กำแพงสีแดง" ที่มีดอกกุหลาบ, "พื้น" ที่ปูด้วยกระเบื้องเป็นผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา เขาไม่หัวเราะหรือล้อเลียนตัวเองเหมือนศิลปิน Sots เขามองว่าความยากจนของอาหารโซเวียตเป็นปรัชญาพิเศษและความลับของชีวิตชาวรัสเซีย

อเล็กซานเดอร์ โรกินสกี้. มอสกาซ. 1964

Lianozovites และ "ชายร่างเล็ก" ของพวกเขา

นิทรรศการนี้ประกอบด้วยผลงานของ Vladimir Nemukhin ซึ่งเป็นสมาชิกของ Lianozovites ด้วย

นี่คือชื่อที่มอบให้กับกวีและศิลปินเพื่อนของครอบครัว Kropivnitsky ซึ่งรวมตัวกันในอพาร์ตเมนต์ของพวกเขาในบ้านประเภทค่ายทหารหมายเลข 2 ที่สถานี Lianozovo ชานเมืองมอสโก พวกเขาโดดเด่นด้วยความสนใจต่อความเป็นจริงในชีวิตประจำวันซึ่งพวกเขาสร้างขึ้นด้วยคำพูดโดยตรง โลกที่ไร้สาระและไร้สาระของสิ่งใหม่” ผู้ชายตัวเล็ก ๆ- ผู้ที่กระตือรือร้นที่สุดและมีชื่อเสียงที่สุดในเวลาต่อมา ออสการ์ ราบิน- เขาเป็นผู้จัดงาน "Bulldozer Exhibition" ที่ฉาวโฉ่ซึ่งถูกทำลายโดยเจ้าหน้าที่จากนั้นบังคับให้พวกเขาอนุมัตินิทรรศการใน Izmailovsky Park ตัวละครที่เข้มแข็งและเอาแต่ใจของศิลปินซึ่งเขาแสดงในฐานะทูตของศิลปินอิสระดูเหมือนจะไม่สะท้อนให้เห็นเลยในผลงานของเขา: ไร้ความสุขดำมืดราวกับภูมิทัศน์ที่ไหม้เกรียมพร้อมทิวทัศน์ของชานเมือง

ออสการ์ ราบิน

โลกสมมุติของนักมโนทัศน์แห่งมอสโก

นักแนวคิดยังรวมถึงผลงานของ Viktor Pivovarov, Igor Makarevich, Andrei Monastyrsky

แนวความคิดในรัสเซีย นักวิจารณ์ชื่อดัง Boris Groys เรียกสิ่งนี้ว่า "โรแมนติก" เพราะตัวแทนไม่ได้ทำอะไรนอกจากเพ้อฝัน พวกเขาหนีจากความเป็นจริงของสหภาพโซเวียตไปสู่โลกแห่งการเก็งกำไรซึ่งพวกเขาอาศัยอยู่ด้วยตัวละครที่ไม่ธรรมดาโดยสิ้นเชิง

ผู้มีวิสัยทัศน์ที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะคือ อิลยา คาบาคอฟ- เขามาพร้อมกับ "Primakov ที่กำลังนั่งอยู่ในตู้เสื้อผ้า", "มัณฑนากร Malygin" ซึ่งวาดเฉพาะในระยะขอบแม้ว่าแผ่นงานจะว่างเปล่า "ชายที่บินไปในอวกาศจากอพาร์ตเมนต์ของเขา" และเรื่องราวและปริศนาอื่น ๆ อีกมากมาย สำหรับผู้ชม ในที่สุดเขาก็เข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะโลกในฐานะผู้ประดิษฐ์ "ศิลปะจัดวางโดยรวม" ซึ่งก็คือศิลปะจัดวางที่บุคคลพบว่าตัวเองถูกรายล้อมอย่างสมบูรณ์ มากจนเขาสามารถลืมได้ว่าเขาอยู่ที่ไหนกันแน่ และฮีโร่ของ Kabakov ทุกคนก็เหมือนกับตัวเขาเองคือผู้คนที่ต้องการหลบหนีจากความเป็นจริง

อิลยา คาบาคอฟ. วัลยากำลังจะมา 1972

นักคิดอีกคนหนึ่ง - มิทรี ปรีกอฟ - ผู้ชายที่แท้จริงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: ศิลปิน กวี นักคิด ในฐานะนักแสดงภาพยนตร์ บทบาทจี้ที่ลุงกินและเยอรมัน ของเขา วงจรที่มีชื่อเสียงบทกวีเกี่ยวกับ “ทหารอาสา” เป็นลัทธิในแวดวงผู้ไม่เห็นด้วยและในกราฟิกที่เขาวาด ปากกาลูกลื่นและในโครงการจัดวางขนาดใหญ่ ภาพที่สำคัญที่สุดภาพหนึ่งก็คือ "ดวงตาที่มองเห็นทุกสิ่ง" พี่ใหญ่ที่นี่ถูกถักทอเป็นปมลึกลับ ถักทอจากสัตว์ประหลาดและสัญลักษณ์ตามแบบฉบับ ซึ่งก็เหมือนกับ Bosch ที่ไม่มีวันแตกหัก

มิทรี ปรีกอฟ

คิดใหม่เกี่ยวกับชีวิตของผู้อยู่อาศัย Sretensky

ศิลปินคนอื่น ๆ ของขบวนการ: Oleg Vasiliev, Sergei Shablavin, Eduard Steinberg

กลุ่ม Sretensky Boulevard รวมศิลปินซึ่งมีเวิร์กช็อปตั้งอยู่ใกล้ๆ มักจะรวบรวมและพูดคุยเรื่องศิลปะ พวกเขามีอิทธิพลซึ่งกันและกัน ทดสอบเทคนิคเดียวกัน แต่ได้รับผลลัพธ์ที่แตกต่างกัน ประการแรก จุดเน้นของกลุ่มนี้คือการทำงานกับพื้นที่ ทั้งพื้นที่ของบ้านและพื้นที่ของภูมิทัศน์ เริ่มต้นจากการเป็นนักเหนือจริงประเภทจุนเกียน วลาดิมีร์ ยานคิเลฟสกี้ในงานของเขาเขาผสมผสานชิ้นส่วนของชีวิตประจำวัน: รถไฟใต้ดิน, ลิฟต์, โถงทางเดิน, ห้องน้ำ ฯลฯ - ด้วยสัญลักษณ์ตามแบบฉบับหรือนามธรรม ดังนั้นหากตัวละครของเขาเคลื่อนที่ไปที่ไหนสักแห่ง ปรากฎว่าการเคลื่อนไหวนี้เกิดขึ้นในวงล้อแห่งสังสารวัฏ

วลาดิมีร์ ยานคิเลฟสกี้. อุทิศให้พ่อแม่ของข้าพเจ้า 1972

อีวาน ชุยคอฟเล่นกับองค์ประกอบของสภาพแวดล้อมภายในบ้าน: หน้าต่าง ประตู ปลั๊กไฟ ตู้ - เปลี่ยนให้เป็นผลงานแนวคลาสสิก: ภาพบุคคล ทิวทัศน์ หุ่นนิ่ง วัตถุที่เชื่อมต่อกัน ชีวิตประจำวันด้วยภาพแห่งความเป็นจริงทางศิลปะ

อีวาน ชุยคอฟ. หน้าต่าง LXIV 2545

ความสนุกของศิลปินคลื่นลูกใหม่

ตัวแทนของทิศทางอีกคนคือ Vadim Zakharov

"คลื่นลูกใหม่" ซึ่งมาแทนที่นักมโนทัศน์รุ่นเก่ามักเรียกว่า "นักฝัน" ซึ่งภาพจากปรัชญาและความฝันกลายเป็นเรื่องหลอกลวงอย่างเปิดเผย ไร้สาระและร่าเริง แทนที่จะเป็น "เรื่องราว" พวกเขาเสนอ "ภาพหลอน" แก่ผู้ชม อีกหนึ่ง คุณลักษณะเฉพาะมีความคิดสร้างสรรค์ร่วมกัน กลุ่มศิลปะที่มีชื่อเสียงที่สุดกลุ่มหนึ่งคือ "Mushrooms" ซึ่งศิลปินได้ปรากฏตัวในเวลาต่อมา คอนสแตนติน ซเวซโดเชตอฟ- ในตัวเขา ภาพวาดที่สดใสตัวละครในนิตยสารตลกขบขัน "Crocodile" และรูปภาพของรัสเซีย จิตรกรรมคลาสสิกฮีโร่ของ Repin และ Serov เสียงหัวเราะของศิลปินควรเปิดโปงและบ่อนทำลายความจริงจังที่ครอบงำอยู่ในโลก

คอนสแตนติน ซเวซโดเชตอฟ พวกคอสแซคเขียนจดหมาย 2548

การเสียดสีโลกแห่งการบริโภคโดยศิลปินสังคมนิยม

ตัวแทนคนอื่น ๆ ของทิศทาง ได้แก่ Boris Orlov และ Alexander Kosolapov

ศิลปินที่ตัดสินใจโอนศิลปะป๊อปอาร์ตอเมริกันไปสู่ความเป็นจริงของโซเวียตกลายเป็นผู้ก่อตั้งทิศทางใหม่ "sots art" ซึ่งไม่ได้เกี่ยวข้องกับความเข้าใจเชิงปรัชญาของลัทธิบริโภคนิยมมากนัก แต่ด้วยการเสียดสีเกี่ยวกับความงามอันเสื่อมทรามของวัฒนธรรมมวลชนและ การนำเสนอเนื้อหาทางอุดมการณ์ในสหภาพโซเวียต ผลงานของศิลปินสังคมนิยมมักใช้รูปภาพ คนดังโดยเฉพาะภาพลักษณ์ของผู้นำ ประติมากร เลโอนิด โซคอฟทำซ้ำหลักการของรัสเซีย ของเล่นพื้นบ้านโดยมีชายคนหนึ่งและหมีกำลังเลื่อยท่อนไม้ตั้งไว้ ตัวละครในเทพนิยายสตาลินและฮิตเลอร์ - เผด็จการทุบตีโลก Sokov โดดเด่นด้วยความชัดเจนและความตรงไปตรงมาของข้อความของเขา การสอนเชิงแดกดัน และการเลือกรูปแบบทางศิลปะที่เหมาะสม

เลโอนิด โซคอฟ. ฮิตเลอร์และสตาลิน 2549

เลนินกราดสำเร็จรูปแห่งชาติ "ศิลปินใหม่"

"ศิลปินหน้าใหม่" - กาแล็กซีของศิลปินที่เรียนรู้ด้วยตนเองซึ่งนำโดย ติมูร์ โนวิคอฟและผู้ที่จงใจทำงานสกปรกและแสดงออก ในขณะเดียวกัน ความคิดสร้างสรรค์ของ Novikov มุ่งมั่นในการกลั่นกรอง พูดน้อย และสีที่บริสุทธิ์ ศิลปินทำงานหนักเป็นพิเศษกับผ้า ซึ่งในการตีความของเขากลายเป็นทั้งผ้าม่าน ผ้าม่าน หรือแบนเนอร์ ในเวลาเดียวกัน เขาใช้ลวดลายหรือพื้นผิวของผ้าจากโรงงาน รวบรวมภาพจากนิตยสารและอัลบั้ม กลายเป็น Duchamp ของรัสเซีย และประดิษฐ์เสื้อผ้าสำเร็จรูประดับชาติ

ติมูร์ โนวิคอฟ. จากซีรีส์ “อุดมคติที่ถูกลืมในวัยเด็กที่มีความสุข” 2000

งานภูมิทัศน์ร่วมกับศิลปินบนบก

ทัศนคติของรัฐบาลโซเวียตต่อศิลปะร่วมสมัยไม่ได้เป็นเชิงลบเสมอไป พึงระลึกไว้ว่าในช่วงปีแรกหลังการปฏิวัติ ศิลปะแนวหน้าเกือบจะเป็นเจ้าหน้าที่ของรัฐ ตัวแทนเช่นศิลปิน Malevich หรือสถาปนิก Melnikov มีชื่อเสียงไปทั่วโลกและในเวลาเดียวกันก็ได้รับการต้อนรับที่บ้าน อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้าในประเทศแห่งสังคมนิยมที่ได้รับชัยชนะ ศิลปะขั้นสูงก็ไม่เข้ากับอุดมการณ์ของพรรค “นิทรรศการรถปราบดิน” อันโด่งดังในปี 1974 กลายเป็นสัญลักษณ์ของการเผชิญหน้าระหว่างเจ้าหน้าที่และศิลปินในสหภาพโซเวียต

ผู้ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดจากใต้ดิน

Nikita Sergeevich Khrushchev ไปเยี่ยมชมนิทรรศการของศิลปินแนวหน้าใน Manege ในปี 1962 ไม่เพียงแต่วิพากษ์วิจารณ์งานของพวกเขาเท่านั้น แต่ยังเรียกร้องให้ "หยุดความอับอายนี้" เรียกภาพวาดว่า "แต้ม" และคำอื่น ๆ ที่ไม่เหมาะสมยิ่งกว่านั้น

หลังจากความพ่ายแพ้ของครุสชอฟ ศิลปะที่ไม่เป็นทางการก็เกิดขึ้นจากงานศิลปะอย่างเป็นทางการ ซึ่งไม่เป็นไปตามข้อกำหนด เป็นทางเลือก และใต้ดิน ม่านเหล็กไม่ได้ขัดขวางศิลปินไม่ให้เป็นที่รู้จักในต่างประเทศ และภาพวาดของพวกเขาถูกซื้อโดยนักสะสมชาวต่างชาติและเจ้าของแกลเลอรี แต่ที่บ้าน การจัดงานนิทรรศการเล็กๆ น้อยๆ ในศูนย์วัฒนธรรมหรือสถาบันบางแห่งไม่ใช่เรื่องง่าย

เมื่อศิลปินชาวมอสโก Oscar Rabin และเพื่อน กวี และนักสะสม Alexander Glezer เปิดนิทรรศการของศิลปิน 12 คนที่สโมสร Druzhba บนทางหลวง Entuziastov ในมอสโก นิทรรศการดังกล่าวถูกปิดในอีกสองชั่วโมงต่อมาโดยเจ้าหน้าที่ KGB และพนักงานปาร์ตี้ Rabin และ Glazer ถูกไล่ออกจากงาน สองสามปีต่อมาคณะกรรมการพรรคเมืองมอสโกได้ส่งคำสั่งไปยังศูนย์วัฒนธรรมของเมืองหลวงโดยห้ามมิให้จัดนิทรรศการศิลปะอิสระ

ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ Rabin มีความคิดที่จะจัดแสดงภาพวาดของเขาบนถนน เจ้าหน้าที่ไม่สามารถสั่งห้ามอย่างเป็นทางการได้ - ที่ว่างและแม้แต่ที่ไหนสักแห่งในที่ว่างก็ไม่ได้เป็นของใครเลยและศิลปินก็ไม่สามารถฝ่าฝืนกฎหมายได้ อย่างไรก็ตาม พวกเขาไม่ต้องการแสดงผลงานต่อกันอย่างเงียบๆ พวกเขาต้องการความสนใจจากสาธารณชนและนักข่าว ดังนั้นนอกเหนือจากการพิมพ์คำเชิญให้เพื่อนและคนรู้จักแล้ว ผู้จัดงาน "ชมภาพวาดกลางแจ้งครั้งแรกในฤดูใบไม้ร่วง" ยังเตือนสภาเทศบาลเมืองมอสโกเกี่ยวกับการดำเนินการดังกล่าว

นิทรรศการต่อต้านซับบอตนิก

เมื่อวันที่ 15 กันยายน พ.ศ. 2517 ไม่เพียงแต่ศิลปินที่ได้รับการประกาศทั้ง 13 คนเท่านั้นที่มายังพื้นที่ว่างในพื้นที่ Belyaevo (ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา จริงๆ แล้วอยู่ชานเมืองมอสโก) นิทรรศการนี้รอคอยโดยนักข่าวและนักการทูตชาวต่างชาติที่พวกเขามารวมตัวกัน เช่นเดียวกับตำรวจ รถปราบดิน นักดับเพลิง และทีมงานจำนวนมาก เจ้าหน้าที่ได้ตัดสินใจที่จะป้องกันไม่ให้มีการจัดนิทรรศการโดยจัดให้มีวันทำความสะอาดในวันนั้นเพื่อปรับปรุงอาณาเขต

โดยธรรมชาติแล้วไม่มีการจัดแสดงภาพวาดเกิดขึ้น บางคนที่มาไม่มีเวลาแกะด้วยซ้ำ เครื่องจักรกลหนักและผู้ที่มีพลั่ว คราด และคราดเริ่มขับไล่ศิลปินออกจากสนาม บางคนต่อต้าน: เมื่อผู้เข้าร่วมในการทำความสะอาดที่จัดขึ้นใช้พลั่วแทงผ้าใบของ Valentin Vorobyov ศิลปินก็ตีเขาที่จมูกหลังจากนั้นก็เกิดการต่อสู้ขึ้น นักข่าวของเดอะนิวยอร์กไทม์ส ฟันกรามจนฟันแตกจากการทะเลาะวิวาทด้วยกล้องของเขาเอง

สภาพอากาศเลวร้ายทำให้เรื่องแย่ลง เนื่องจากฝนตกในเวลากลางคืน พื้นที่รกร้างจึงเต็มไปด้วยโคลน ภาพวาดที่นำมาถูกเหยียบย่ำ Rabin และศิลปินอีกสองคนพยายามรีบไปที่รถปราบดิน แต่ก็ไม่สามารถหยุดมันได้ ในไม่ช้าผู้เข้าร่วมนิทรรศการส่วนใหญ่ก็ถูกนำตัวไปที่สถานีตำรวจ และตัวอย่างเช่น Vorobyov ก็เข้าไปหลบภัยในรถของเพื่อนชาวเยอรมัน

วันรุ่งขึ้นความนิยมอันอื้อฉาวเริ่มได้รับมาซึ่งตำนาน งานอื่นๆ เริ่มถูกส่งต่อว่าเป็น "รถปราบดิน" เนื่องจากภาพวาดจาก "นิทรรศการรถปราบดิน" เริ่มถูกเรียกว่า และชาวต่างชาติก็เต็มใจที่จะจ่ายเงินจำนวนมากให้กับพวกเขา มีข่าวลือแพร่สะพัดว่าไม่ใช่ 13 คน แต่มี 24 คนเข้าร่วมในนิทรรศการ บางครั้งจำนวนศิลปินในการสนทนาดังกล่าวก็เพิ่มขึ้นเป็นสามร้อย!

“ปรากสปริง” สำหรับงานศิลปะ

การประเมินคุณค่าทางศิลปะของนิทรรศการเป็นเรื่องยาก - จริงๆ แล้วใช้เวลาไม่เกินหนึ่งนาที แต่ความสำคัญทางสังคมและการเมืองมีมากกว่ามูลค่าของภาพเขียนที่ถูกทำลาย การรายงานข่าวของงานในสื่อตะวันตกและจดหมายรวมจากศิลปินที่จัดแสดง อำนาจของสหภาพโซเวียตก่อนความเป็นจริง: ศิลปะจะคงอยู่โดยไม่ได้รับอนุญาต

ภายในสองสัปดาห์ นิทรรศการริมถนนที่ได้รับการอนุมัติอย่างเป็นทางการก็จัดขึ้นที่สวนสาธารณะ Izmailovsky ในมอสโก ในปีต่อๆ มา ศิลปะที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดค่อย ๆ ซึมเข้าไปในศาลา "การเลี้ยงผึ้ง" ที่ VDNKh เข้าสู่ "ร้านเสริมสวย" บน Malaya Gruzinskaya และสถานที่อื่น ๆ การถอยอำนาจถูกบังคับและจำกัดอย่างยิ่ง รถปราบดินกลายเป็นสัญลักษณ์ของการปราบปรามและการปราบปรามเช่นเดียวกับรถถังในกรุงปรากในช่วงฤดูใบไม้ผลิของกรุงปราก ผู้เข้าร่วมนิทรรศการส่วนใหญ่ต้องอพยพภายในไม่กี่ปี

ในที่สุดพวกเขาก็ได้รับการยอมรับ: ตัวอย่างเช่นภาพวาด "Passats" ของ Evgeny Rukhin ถูกขายในการประมูลของ Sotheby ผลงานของ Vladimir Nemukhin ไปอยู่ที่พิพิธภัณฑ์ Metropolitan ในนิวยอร์กและ Vitaly Komar และ Alexander Melamid กลายเป็นตัวแทนของศิลปะสังคมที่มีชื่อเสียงมากที่สุดในโลก - ขบวนการที่ล้อเลียนทางการโซเวียต

การทำซ้ำผลงานบางส่วนของศิลปิน "รถปราบดิน" มีดังต่อไปนี้ บางทีพวกเขาบางคนอาจจบลงที่ดินแดนรกร้าง Belyaevsky ในเช้าเดือนกันยายนปี 1974

การไม่เป็นไปตามข้อกำหนด- นี่ไม่เป็นทางการ ศิลปะโซเวียต- มีสิทธิ ความไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของสหภาพโซเวียต รวบรวมตัวแทนของขบวนการทางศิลปะต่างๆ ในช่วงทศวรรษ 1950-1980 ซึ่งถูกบังคับให้ออกจากชีวิตศิลปะสาธารณะด้วยเหตุผลของการเซ็นเซอร์ทางการเมืองและอุดมการณ์ ในเวลานี้วิจิตรศิลป์ของสหภาพโซเวียตถูกแบ่งออกเป็น สอดคล้องและไม่เป็นไปตามข้อกำหนด แนวคิดเรื่องความสอดคล้องและความไม่เป็นไปตามข้อกำหนดถูกยืมมาจากจิตวิทยาเพื่อแสดงถึงการยอมรับแบบพาสซีฟและประท้วงต่อลำดับของสิ่งต่าง ๆ ที่มีอยู่ ความไม่เป็นไปตามข้อกำหนดในศิลปะโซเวียตสะท้อนสภาพจิตใจและสังคมในปัจจุบัน ตัวอย่างของการไม่ปฏิบัติตามข้อกำหนดในชีวิตของชาวโซเวียตแสดงให้เห็นว่าแรงกดดันในระยะยาวของการกดขี่เผด็จการเผด็จการเป็นไปไม่ได้ กำลังมองหา ความเป็นจริงใหม่วิจิตรศิลป์เอาชนะอุปสรรคของศีลในอดีตอย่างกล้าหาญ ในด้านศิลปะอย่างไม่เป็นทางการ สหภาพโซเวียตไม่มีกฎหมายมีผลบังคับใช้ ระเบียบราชการกระบวนการทางศิลปะ การพัฒนาศิลปะถูกปล่อยให้เป็นไปตามกฎหมายของตัวเอง ความไม่เป็นไปตามข้อกำหนดโดยทั่วไปมักถูกมองว่าเป็น "การผสมผสานอย่างบ้าคลั่งระหว่างชาวรัสเซียและชาวตะวันตก ร้านเสริมสวย และความรอบคอบของศิลปินที่ทำงานในรูปแบบต่างๆ มากมาย รวมเป็นหนึ่งเดียวกันโดยการอยู่ฝั่งเดียวกันของเครื่องกีดขวาง"

ความไม่เป็นไปตามข้อกำหนดได้รับการยอมรับ ปรากฏการณ์ที่ไม่เหมือนใครในประวัติศาสตร์วิจิตรศิลป์ตัวอย่างมากมายของ "ศิลปะที่ไม่เป็นทางการ" รวมอยู่ในคอลเลกชันและนิทรรศการของ State Tretyakov Gallery, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่มอสโกและอื่น ๆ อีกมากมาย

ซื้อภาพวาดที่ไม่เป็นไปตามแบบแผน ขายภาพวาดที่ไม่เป็นไปตามข้อกำหนด นี่เป็นคำขอยอดนิยมที่เรามักได้รับบนเว็บไซต์ของเรา แกลเลอรีของเรารับซื้อภาพวาดและกราฟิกจากศตวรรษที่ 20 สำหรับคอลเลกชัน ผลงานที่สำคัญศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใด การถือครองแกลเลอรีของเรามีประมาณ 300 ผลงานที่โดดเด่นนักเขียนต่าง ๆ พวกเขารวมตัวกันในคอลเลกชันศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใด
ความไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของสหภาพโซเวียตรวมถึงสมาคมที่ไม่เป็นทางการหลายแห่ง รวมถึง "Lianozov Group" (Oscar Rabin, Nikolai Vechtomov, Lydia Masterkova, Vladimir Nemukhin, Lev Kropivnitsky), "Moscow Conceptualism" (Ilya Kabakov, Andrei Monastyrsky และกลุ่มศิลปะ Collective Actions, Eric Bulatov, Dmitry Prigov , Viktor Pivovarov, Pavel Pepperstein, Nikita Alekseev และคนอื่น ๆ กลุ่ม "Nest"), Sots Art (Vitaly Komar และ Alexander Melamid), "Mitki"
ซื้อผลงานของผู้ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใด ในแกลเลอรีของเรา คุณสามารถซื้อผลงานของศิลปินที่ไม่เป็นทางการของสหภาพโซเวียตเหล่านี้และคนอื่นๆ ได้

เมื่อวันที่ 1 กันยายน พ.ศ. 2555 ในวัย 75 ปี ศิลปินที่โดดเด่นไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดมากที่สุดคนหนึ่ง ตัวแทนที่มีชื่อเสียงศิลปะอย่างไม่เป็นทางการของโซเวียต Dmitry Plavinsky เพื่อรำลึกถึงเขา “Voice of Russia” นำเสนอบทใหม่ของ “ประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียใน 15 รูปภาพ”
การไม่เป็นไปตามข้อกำหนด ภายใต้ชื่อนี้ เป็นเรื่องปกติที่จะรวมตัวแทนของขบวนการทางศิลปะต่างๆเข้าด้วยกัน ศิลปกรรมสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษ 1950-1980 ซึ่งไม่สอดคล้องกับกรอบของสัจนิยมสังคมนิยม - ทิศทางเดียวที่ได้รับอนุญาตอย่างเป็นทางการในงานศิลปะ

ศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดถูกบังคับให้ออกจากชีวิตศิลปะสาธารณะของประเทศ: รัฐแสร้งทำเป็นว่าพวกเขาไม่มีอยู่จริง สหภาพศิลปินไม่รู้จักงานศิลปะของพวกเขา พวกเขาขาดโอกาสในการแสดงผลงานในห้องนิทรรศการ นักวิจารณ์ไม่ได้เขียนเกี่ยวกับพวกเขา พนักงานพิพิธภัณฑ์ไม่ได้เยี่ยมชมเวิร์คช็อปของพวกเขา

“การสร้างสรรค์ความคิดและมือของมนุษย์ไม่ช้าก็เร็วจะถูกดูดซับโดยองค์ประกอบนิรันดร์ของธรรมชาติ: แอตแลนติส - โดยมหาสมุทร, วิหารแห่งอียิปต์ - ด้วยทรายแห่งทะเลทราย, วัง Knossos และเขาวงกต - โดยลาวาภูเขาไฟ, แอซเท็ก ปิรามิด - โดยเถาวัลย์ป่า สำหรับฉัน สิ่งที่น่าสนใจที่สุดไม่ใช่การเบ่งบานของอารยธรรมนั้นหรืออารยธรรมนั้น และการตายของมัน และช่วงเวลาแห่งการเกิดของอารยธรรมถัดไป..."

มิทรี พลาวินสกี้ ศิลปิน

“ยิ่งฉันไปไกลเท่าไหร่ ฉันยิ่งรู้สึกรุนแรงมากขึ้นว่าฉันทำไม่ได้หากไม่มีการทาสี ไม่มีอะไรสำหรับฉันเลย งดงามกว่าโชคชะตาศิลปิน. อย่างไรก็ตาม เมื่อพิจารณาจากภาพทางการแล้ว ศิลปินโซเวียตฉันรู้สึกโดยไม่รู้ตัวเลยว่าจะไม่สามารถเขียนแบบนั้นได้ และไม่ใช่เลยเพราะฉันไม่ชอบพวกเขา - ฉันชื่นชมงานฝีมือและบางครั้งก็อิจฉาพวกเขาอย่างเปิดเผย - แต่โดยรวมแล้วพวกเขาไม่ได้แตะต้องฉันพวกเขาก็ทิ้งฉันไม่แยแส มีบางสิ่งที่สำคัญหายไปจากพวกเขาสำหรับฉัน”

“ฉันไม่ได้มีอิทธิพลใดๆ ต่อตัวเอง ฉันไม่ได้เปลี่ยนสไตล์ของฉัน ความเชื่อในการสร้างสรรค์ของฉันก็ยังคงไม่เปลี่ยนแปลง ชีวิตชาวรัสเซียฉันสามารถถ่ายทอดมันผ่านสัญลักษณ์ - ปลาแฮร์ริ่งในหนังสือพิมพ์ปราฟดา, วอดก้าหนึ่งขวด, หนังสือเดินทาง - นี่เป็นสิ่งที่ทุกคนเข้าใจได้ หรือฉันวาดภาพสุสาน Lianozovsky และเรียกภาพนี้ว่า "สุสานที่ตั้งชื่อตาม Leonardo da Vinci" ในงานศิลปะของฉัน ในความคิดของฉัน ไม่มีอะไรใหม่ แปลกใหม่ หรือผิวเผินปรากฏขึ้น ฉันยังคงเหมือนเดิมดังที่เพลงกล่าวไว้ ฉันไม่มีแกลเลอรีของตัวเองที่คอยเลี้ยงดูและชี้แนะความคิดสร้างสรรค์ของฉัน ฉันไม่อยากเป็นกระต่ายบ้าน ฉันชอบที่จะเป็นกระต่ายอิสระ ฉันจะวิ่งไปทุกที่ที่ฉันต้องการ!”

ออสการ์ ราบิน ศิลปิน

“การวาดภาพแบบนามธรรมทำให้สามารถเข้าใกล้ความเป็นจริงได้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ เพื่อเจาะลึกแก่นแท้ของสิ่งต่าง ๆ เพื่อเข้าใจทุกสิ่งที่สำคัญซึ่งประสาทสัมผัสทั้งห้าของเราไม่ได้รับรู้ ฉันรู้สึกถึงความทันสมัยเป็นการผสมผสานระหว่างความสำเร็จอันน่าทึ่ง ความตึงเครียดทางจิตวิทยา และสติปัญญา ความอิ่มตัวมากเกินไป ฉันพยายามและพยายามสร้างรูปแบบภาพที่สอดคล้องกับจิตวิญญาณแห่งกาลเวลาและจิตวิทยาแห่งศตวรรษโดยใช้ประสบการณ์และความรู้สึกของฉัน"

เลฟ โครปิฟนิตสกี้ ศิลปิน

“ ภาพวาดก็เป็นลายเซ็นต์เช่นกัน ซับซ้อนกว่า เชิงพื้นที่ หลายชั้น และถ้าจากลายเซ็นต์จากลายมือพวกเขาจะกำหนด (และไม่สำเร็จ) ลักษณะนิสัยสภาพและความเจ็บป่วยของนักเขียนหากแม้แต่นักอาชญาวิทยาก็ไม่ทำ ละเลยการถอดรหัสนี้จากนั้นภาพวาดก็ให้เนื้อหาที่ไม่มีใครเทียบได้สำหรับการเดาและข้อสรุปเกี่ยวกับบุคลิกภาพของผู้แต่ง เป็นที่ทราบกันมานานแล้วว่าภาพวาดที่ศิลปินวาดนั้นเป็นภาพเหมือนตนเองในเวลาเดียวกัน - สิ่งนี้ขยายออกไปอีก - ถึงใด ๆ การจัดองค์ประกอบภาพ ทิวทัศน์ หุ่นนิ่ง ทุกประเภท ตลอดจนเนื้อหาที่ไม่ใช่วัตถุประสงค์ ศิลปะนามธรรม- สำหรับสิ่งที่ศิลปินนำเสนอ และไม่คำนึงถึงความเป็นกลาง ความไม่แยแสของเขา หากเขาต้องการหลีกหนีจากตัวเอง กลายเป็นไม่มีตัวตน เขาจะไม่สามารถซ่อนได้ การสร้างของเขา ลายมือของเขาจะทรยศต่อจิตวิญญาณของเขา จิตใจของเขา หัวใจของเขา และใบหน้าของเขา”

มิทรี คราสโนเปฟต์เซฟ ศิลปิน

"รายการองค์ประกอบของภาษาที่เป็นรูปเป็นร่างประกอบด้วยวัตถุเป็นหลัก ซึ่งเคยมีมาก่อน - ต้นไม้ ธนาคาร กล่อง หน้าต่างพีวีซี หนังสือพิมพ์ เช่น วัตถุที่ดูเรียบง่ายและจดจำได้ ในช่วงปลายยุค 50 ทั้งหมดนี้กลายเป็นสิ่งที่เป็นนามธรรม และ ในไม่ช้ารูปแบบนามธรรมนี้ก็เริ่มทำให้ฉันเบื่อ นี่คือสภาวะที่ดึงความสนใจในตัวแบบขึ้นมาใหม่ และในทางกลับกัน ฉันเชื่อว่าตัวแบบมีความสำคัญมากสำหรับการมองเห็น เพราะผ่านทางนั้น การมองเห็นเองก็สามารถมองเห็นได้"

"ในปี 1958 ฉันเริ่มสร้างผลงานนามธรรมชิ้นแรก ศิลปะนามธรรมคืออะไร มันทำให้สามารถทำลายความเป็นจริงของโซเวียตทั้งหมดนี้ได้ทันที คุณกลายเป็นคนที่แตกต่างออกไป ในด้านหนึ่งนามธรรมก็เหมือนกับศิลปะแห่งจิตใต้สำนึก และอีกประการหนึ่ง - นิมิตใหม่ ศิลปะต้องเป็นนิมิต ไม่ใช่การให้เหตุผล"

วลาดิมีร์ เนมูคิน ศิลปิน

“ชีวิตของฉันคือการสร้างของตัวเอง พื้นที่ศิลปะซึ่งฉันพยายามทำให้ดีขึ้นและพยายามอย่างมากเพื่อให้บรรลุเป้าหมายนี้ ฉันตระหนักว่าเราแต่ละคนมักจะอยู่ตามลำพังกับหายนะแห่งศตวรรษที่ 20"

“เราอาศัยอยู่ในความมืดและคุ้นเคยกับมันแล้ว เราสามารถแยกแยะวัตถุได้อย่างเต็มที่ แต่เรายังดึงแสงจากที่นั่น จากแสงของจักรวาลพระอาทิตย์ตกดิน สิ่งนี้เองที่ทำให้เราได้รับพลังแห่งการมองเห็น ไม่ใช่วัตถุที่มีความสำคัญ แต่เป็นภาพสะท้อน เพราะในนั้นบรรจุลมหายใจขององค์ประกอบต่างดาวไว้”

นิโคไล เวคโตมอฟ ศิลปิน

“ Anatoly Zverev เป็นหนึ่งในจิตรกรภาพบุคคลชาวรัสเซียที่โดดเด่นที่สุดที่เกิดบนโลกนี้ซึ่งสามารถแสดงออกถึงความมีชีวิตชีวาในช่วงเวลานั้นและพลังภายในอันลึกลับของผู้คนที่วาดภาพบุคคลของเขา Zverev เป็นหนึ่งในศิลปินที่แสดงออกและเป็นธรรมชาติมากที่สุด ในยุคสมัยของเรา สไตล์ของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะตัว จนใครๆ ก็สามารถจดจำลายมือของผู้เขียนได้ในทันที

วลาดิมีร์ ดลูกี ศิลปิน

"Zverev เป็นนักแสดงออกชาวรัสเซียคนแรกของศตวรรษที่ 20 และเป็นสื่อกลางระหว่างศิลปะรัสเซียเปรี้ยวจี๊ดตอนต้นและตอนปลาย ฉันคิดว่าสิ่งนี้ ศิลปินที่ยอดเยี่ยมหนึ่งในผู้มีความสามารถที่สุดใน โซเวียต รัสเซีย."

เกรกอรี คอสตาคิส นักสะสม

“ความไม่เป็นไปตามข้อกำหนด” เป็นคุณลักษณะที่เป็นส่วนประกอบของงานศิลปะที่แท้จริง เนื่องจากมันต่อต้านความซ้ำซากจำเจและการประทับตราของความสอดคล้องโดยให้ ข้อมูลใหม่และสร้างวิสัยทัศน์ใหม่ของโลก ชะตากรรมของศิลปินที่แท้จริงมักจะเป็นเรื่องน่าเศร้าไม่ว่าเขาจะอาศัยอยู่ในสังคมใดก็ตาม นี่เป็นเรื่องปกติเนื่องจากชะตากรรมของศิลปินคือชะตากรรมของความเข้าใจของเขาคำพูดของเขาเกี่ยวกับโลกซึ่งทำลายแบบแผนของการรับรู้และการคิดที่สร้างขึ้นโดย " วัฒนธรรมสมัยนิยม“และความหัวสูงทางปัญญา การเป็นผู้สร้างและเป็น “วีรบุรุษ” ของสังคม “ในเวลาอันสมควร” ถือเป็นความขัดแย้งที่แทบจะเอาชนะไม่ได้คือหนทางสู่อาชีพที่ยึดถือแนวทางเดียวกัน

Vladimir Yankilevsky ศิลปิน

“ตลอดเวลาด้วยความแข็งแกร่งที่ไม่ลดน้อยลง องค์ประกอบที่เป็นนามธรรมของเธอจะเผาไหม้หรือเป็นประกายหรือวูบวาบด้วยไฟที่กำลังจะตาย สีมหัศจรรย์- ดูเหมือนเธอจะขึ้นมาตลอดเวลา ด้านที่แตกต่างกันสู่พื้นผิวอันมหัศจรรย์ของผืนผ้าใบ บางครั้งความสดใสร่าเริงของเสียงเพลิง รูปร่างที่บิดเบี้ยวและพุ่งทะยานทำให้ใครๆ นึกถึงคอร์ดออร์แกนของ Bach และบางครั้งระนาบที่พันกันเป็นสีเทาอมเขียวที่เกี่ยวข้องกับรูปแบบทางชีววิทยาก็เกี่ยวข้องกับ "การสร้างโลก" ของ Milhaud ภาพวาดของ Masterkova พูดได้มากมาย ช่วยจัดระเบียบจุดบนเครื่องบินและลักษณะของสำเนียงหลากสีสัน มันมีเอกลักษณ์และสื่ออารมณ์ของผู้เขียนได้ดีมาก”

เลฟ โครปิฟนิตสกี้ ศิลปิน

“ศิลปะเป็นวิธีการเอาชนะความตาย”

วลาดิมีร์ ยาโคฟเลฟ ศิลปิน

"ภาพวาดของ Vladimir Yakovlev เปรียบเสมือนท้องฟ้ายามค่ำคืนที่เต็มไปด้วยดวงดาว ไม่มีแสงสว่างในตอนกลางคืน แสงคือดวงดาว สิ่งนี้มองเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษเมื่อ Yakovlev พรรณนาดอกไม้ ดอกไม้ของเขามักจะเป็นดวงดาว ดังนั้นความโศกเศร้าและความสุขเป็นพิเศษเมื่อเรา พิจารณามันเป็นภาพวาด"

อิลยา คาบาคอฟ ศิลปิน

"ฉันแบ่งปัน กิจกรรมทางศิลปะ(และการเขียน ดนตรี และภาพ) ออกเป็นสองประเภท: ความปรารถนาในผลงานชิ้นเอกและความปรารถนาในการไหล ความปรารถนาที่จะได้ผลงานชิ้นเอกคือเมื่อศิลปินเผชิญกับแนวคิดเรื่องความงามบางอย่าง ซึ่งเขาต้องการจะรวบรวมไว้ เพื่อสร้างผลงานชิ้นเอกที่สมบูรณ์และกว้างขวาง ความปรารถนาในการไหลคือความต้องการความคิดสร้างสรรค์ที่มีอยู่เดิม เมื่อมีความคล้ายคลึงกับการหายใจ การเต้นของหัวใจ และการทำงานของบุคลิกภาพทั้งหมด สำหรับ Flow Artists ศิลปะคือการมีอยู่จริง เคลื่อนไหว เกิดขึ้น และดับไปทุกวินาที และเมื่อฉันต้องการสร้าง "ต้นไม้แห่งชีวิต" ฉันก็ตระหนักดีถึงความเป็นไปไม่ได้ทางคลินิกและทางพยาธิวิทยาของแผนนี้ แต่ฉันต้องการมันเพื่อที่จะทำงาน และความหลากหลายไม่ได้ทำให้ฉันกลัว เพราะมันถูกยึดไว้ด้วยกันโดยเอกภาพทางคณิตศาสตร์ มันถูกปิดตัวเอง ทั้งหมดนี้คือความพยายามที่จะรวมหลักการหลายประการเข้าด้วยกัน ซึ่งเป็นความพยายามที่จะรวมเข้าด้วยกัน รากฐานอันเป็นนิรันดร์ศิลปะและเนื้อหาชั่วคราว ฐานที่น่าสงสารและไม่มีนัยสำคัญจะรวมเป็นหนึ่งเดียวในศรัทธาอย่างต่อเนื่องและตลอดไปเพื่อที่จะกลายเป็นผู้สูงศักดิ์สง่างามและมีความหมาย”

เอิร์นส์ เนซเวสท์นี ศิลปิน

“ฉันไม่สามารถพูดได้ว่าฉันกำลังทำอะไรอยู่ บนเส้นทางที่ถูกต้อง- แต่ความจริงคืออะไร? นี่คือคำ, รูปภาพ Camus มี "ตำนานของ Sisyphus" ที่ยอดเยี่ยม เมื่อศิลปินลากก้อนหินขึ้นไปบนภูเขาแล้วมันก็ตกลงมา เขาก็หยิบมันขึ้นมาอีกครั้ง ลากอีกครั้ง - นี่คือประมาณลูกตุ้มในชีวิตของฉัน "

“ฉันค้นพบว่าไม่มีอะไรใหม่เลย ฉันแค่ให้มุมมองที่แตกต่างออกไปแก่ชาวรัสเซีย คนไหนที่มีแนวโน้มว่าจะเป็นศาสนามากกว่า

เอดูอาร์ด สไตน์เบิร์ก ศิลปิน

"ฉันบังคับตัวเองให้สร้างความเป็นจริงขึ้นใหม่ตามความคิดของฉัน ฉันยังคงทำเช่นนี้"

มิคาอิล โรจินสกี ศิลปิน

"ประตูสีแดง" เป็นผลงานโดดเด่นที่มีบทบาทพลิกผันในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 20 เมื่อรวมกับวงจรของชิ้นส่วนและรายละเอียดภายในที่ตามมา (ผนังพร้อมเต้ารับ สวิตช์ รูปถ่าย ตู้ลิ้นชัก พื้นกระเบื้อง) งานชิ้นนี้เป็นจุดเริ่มต้นของความสมจริงตามวัตถุใหม่ “ ลัทธิสารคดี” (ตามที่ Roginsky ชอบเรียกทิศทางของเขา) กำหนดไว้ล่วงหน้าถึงการเกิดขึ้นของศิลปะป๊อปอาร์ตไม่เพียง แต่ยังเป็นเปรี้ยวจี๊ดใหม่โดยทั่วไปในงานศิลปะ "ใต้ดิน" ของโซเวียตที่มุ่งเน้นไปที่โลก กระบวนการทางศิลปะ- "ประตูสีแดง" ทำให้ศิลปินโซเวียตหลายคนกลับมาสู่โลกอีกครั้ง โดยถูกพาตัวไปกับภารกิจยูโทเปียและอภิปรัชญาที่รายล้อมไปด้วยชีวิตในชุมชน งานนี้ผลักดันให้ศิลปินวิเคราะห์และอธิบายแง่มุมสุนทรียศาสตร์ในชีวิตประจำวันอย่างรอบคอบ ชีวิตโซเวียต- นี่คือขีดจำกัดของภาพลวงตา ซึ่งเป็นสะพานเชื่อมจากภาพไปยังวัตถุ

Andrey Erofeev ภัณฑารักษ์ นักวิจารณ์ศิลปะ

“ตอนนี้ฉันไม่จำเป็นต้องแสดงผลงานอีกต่อไปแล้ว ในอีกครึ่งศตวรรษข้างหน้า ฉันจะได้ชมผลงานของฉันมากขึ้น” มือของศิลปินไม่ได้ขับเคลื่อนด้วยความปรารถนาที่จะแสดง แต่ความปรารถนาที่จะเล่าถึงประสบการณ์นั้น เมื่อภาพวาดนั้นถูกวาดขึ้น ฉันก็ไม่สามารถควบคุมมันได้ เธอจะมีชีวิตอยู่หรือตายไปก็ได้”

Oleg Tselkov ศิลปิน

"ในมุมมองของเขาเกี่ยวกับธรรมชาติ ไม่มีความเป็นธรรมชาติ ไม่มีความประหลาดใจ ไม่มีความชื่นชม แต่เป็นมุมมองของนักวิทยาศาสตร์ที่พยายามเจาะลึกความลึกลับของสิ่งต่าง ๆ ดูเหมือนว่าศิลปินกำลังมองหาสูตรในอุดมคติของธรรมชาติ ความเป็นศูนย์กลางของมัน ความ สูตรที่สมบูรณ์และซับซ้อนพอ ๆ กับรูปแบบไข่"

วันที่ 20 ธันวาคม การประชุม-บรรยายจัดขึ้นที่ศูนย์เยลต์ซินร่วมกับผู้มีชื่อเสียง Georgy Kiesewalter ศิลปินแนวความคิดชาวรัสเซีย ผู้แต่งวัตถุทางศิลปะและศิลปะจัดวาง นักเขียน หนึ่งในผู้ก่อตั้ง กลุ่มสร้างสรรค์“Collective Actions” ผู้เข้าร่วมขบวนการ “Apt-art” การบรรยายจัดขึ้นภายใต้กรอบ โปรแกรมการศึกษาซึ่งอุทิศให้กับนิทรรศการที่นำเสนอโดยพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่มอสโกซึ่งรวบรวมผลงานของศิลปินที่อยู่ในกระแสอย่างไม่เป็นทางการ

Kiesewalter อธิบายรายละเอียดว่างานศิลปะอย่างไม่เป็นทางการมีพัฒนาการมาอย่างไรนับตั้งแต่ทศวรรษ 1950 ความแตกต่างที่น่าสังเกต: ตั้งแต่ปี 1996 ถึง 2006 Kiesewalter อาศัยอยู่ในแคนาดา แต่กลับมา ตามที่เขาพูดเขามีชีวิตอยู่หลายชีวิต: เต็มไปด้วยกระแสทางศิลปะ แต่มีข้อจำกัด” ม่านเหล็ก"โซเวียต รัสเซีย ในแคนาดาที่เจริญรุ่งเรืองแต่น่าเบื่อ และชีวิตที่สามของเขาเริ่มต้นในรัสเซียใหม่ ดังนั้นการประเมินการพัฒนาแนวความคิดของรัสเซียผ่านสายตาของศิลปินที่มีชะตากรรมที่ซับซ้อนและหลายแง่มุมจึงมีคุณค่าและน่าสนใจเป็นสองเท่า Kiesewalter สรุปความประทับใจของเขาเกี่ยวกับ "ชีวิตแรก" ของเขาในหนังสือ รวมถึง "These Strange Seventies, or the Loss of Innocence" และ "The Crucial Eighties in the Unofficial Art of the USSR"

ภาพถ่ายโดย Lyubov Kabalinova

01 /07

บรรยายโดย Georgy Kiesewalter

“ หนึ่งใน “ผู้บุกเบิก” ของขบวนการศิลปะอย่างไม่เป็นทางการคือกลุ่ม Lianozovo (ปลายทศวรรษ 1950 - กลางทศวรรษ 1970) Kiesewalter กล่าว – ชื่อนี้เกิดจากการที่สมาชิกศิลปินหลายคนในกลุ่มอาศัยอยู่ใน Lianozovo แก่นแท้ของกลุ่มคือกวีและศิลปิน Lev Kropivnitsky รวมถึง Genrikh Sapgir, Vsevolod Nekrasov, Igor Kholin, Yan Satunovsky, Oscar Rabin, Lydia Masterkova และคนอื่นๆ ขนานกันก็มี กลุ่มใหญ่ศิลปินเดี่ยวที่เป็นเพื่อนกับ Lianozovites นอกจากนี้ยังมีกลุ่ม Unofficial Outcasts ศิลปินดั้งเดิมที่ไม่เข้ากลุ่มใดกลุ่มหนึ่งไม่เป็นทางการ แต่ไม่ได้เป็นของ Lianozovo นอกจากนี้ยังสามารถแยกแยะกลุ่มของฝ่ายซ้ายอย่างเป็นทางการและได้ ศิลปินหนังสือ- เป็นพวกเขาเองที่ก่อให้เกิดขบวนการในช่วงทศวรรษ 1970 และ 1980 ในที่สุด

ผลงานของศิลปินในทศวรรษ 1960 มีความโดดเด่นด้วยคุณภาพของสิ่งที่พวกเขาวาด แต่ในขณะเดียวกัน มันก็เป็นงานศิลปะที่เหนือกาลเวลาในแบบของตัวเองซึ่งก่อตัวขึ้นจากกระบวนการที่เกิดขึ้นในโลกตะวันตก

ในช่วงทศวรรษ 1970 แนวความคิดและศิลปะสังคมได้ปรากฏขึ้น วันหนึ่ง ศิลปิน Ivan Chuikov ได้เข้าร่วมนิทรรศการของ Ilya Kabakov ฉันไม่เข้าใจอะไรเลยและจากไป อย่างไรก็ตาม เขาจำความจริงที่ว่าเขาไม่เข้าใจอะไรเลย และสิ่งนี้ทำให้เขา “ติดงอมแงม” อย่างไรก็ตาม เมื่อการรณรงค์การเก็บถาวรเริ่มต้นขึ้น Kabakov ต้องการโอนผลงานของเขาไปต่างประเทศฟรี แต่... ไม่มีใครรับไป

แม้แต่ช่วงทศวรรษ 1970 ก็ยังโดดเด่นด้วยประเด็นเรื่องการอพยพ หากศิลปินไม่อพยพ เขาก็คิดถึงเรื่องนี้อยู่ตลอดเวลา นอกจากนี้ยังมีผู้อพยพภายในและ "ผู้อยู่ที่นี่" ที่ไม่เคยจากไป ในช่วงครึ่งแรกของทศวรรษนี้ ไม่มีอะไรน่าสังเกตเกิดขึ้น: ศิลปินวาดภาพ ผู้ที่มีความเกี่ยวข้องขายภาพวาดของตน ในปี 1975 กอร์คอมปรากฏตัว - สหภาพการค้าอิสระของศิลปิน ศิลปินกราฟิก และช่างภาพ ประกอบด้วยศิลปินที่มีความสำคัญที่จะต้องระบุไว้ในที่ใดที่หนึ่งเพื่อที่พวกเขาจะได้ไม่ถูกกล่าวหาว่าเป็นปรสิต

ในปี 1974 มีการจัดงาน "นิทรรศการ Bulldozer" อันโด่งดัง: ศิลปินแนวหน้าได้จัดแสดงผลงานของพวกเขาในที่โล่ง แต่ภาพวาดถูกบดขยี้โดยคนงานที่ถูกกล่าวหาว่าโกรธแค้นโดยใช้รถปราบดิน สิ่งนี้ทำให้เกิดการตอบรับอย่างกว้างขวางดังนั้นในไม่ช้าศิลปินก็ได้รับอนุญาตให้จัดนิทรรศการในอิซไมโลโวซึ่งมีผู้คนมากมายมา จากนั้นมีการจัดนิทรรศการขนาดใหญ่ในศาลาเลี้ยงผึ้ง

ในเวลาเดียวกัน มีศิลปินหนังสือกลุ่มหนึ่งที่มีลักษณะเฉพาะคือพวกเขาพูดคุยกันเรื่องภาษาศิลปะอย่างแข็งขันซึ่งไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน เราร่วมกับ Alexander Monastyrsky และ Lev Rubinstein เราได้จัดงานเล็กๆ น้อยๆ และเริ่มสนใจพุทธศาสนานิกายเซน สถิตยศาสตร์ก็ได้รับความนิยมในชุมชนศิลปะเช่นกัน การรวมตัวในครัวเป็นที่นิยมและความฝันของ ศิลปะการซิงโครไนซ์- ไม่เพียงแต่ศิลปินเท่านั้นที่ได้รับความนิยม แต่ยังรวมถึงนักเขียนด้วย - Lev Sorokin, Dmitry Prigov, Lev Rubinstein ซึ่งเป็นเพื่อนกับศิลปิน (ในวันที่ 7 มกราคม Yeltsin Center จะเป็นเจ้าภาพจัดงานสร้างสรรค์ยามเย็นของกวี Lev Rubinstein, Mikhail Aizenberg, Sergei Gandlevsky, Yuli Gugolev, Viktor Koval - เอ็ด)

ในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2518 มีการจัดนิทรรศการผลงานของศิลปิน 150 คนที่ VDNKh ซึ่งมีการต่อคิวยาว มีกลุ่มศิลปินหน้าใหม่เกิดขึ้น เช่น “เนสท์” ลัทธิแอ็คชั่นปรากฏขึ้น ตัวอย่างเช่น มีงาน "Sell the Soul" ซึ่งในระหว่างนั้นได้มีการติดต่อกับนิวยอร์ก และบางคนก็ต้อง "ซื้อ" จิตวิญญาณของผู้อื่น ตัวอย่างเช่น มีการกระทำในระหว่างที่ผู้เข้าร่วมเผาธงของศัตรูและวางธงของผู้ชนะไว้ในกองหิมะ

ฉันเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่ม "Collective Actions" ซึ่งมักจัดกิจกรรมโดยธรรมชาติ สิ่งเหล่านี้เป็นความพยายามที่จะแยกตัวออกจากการดำรงอยู่ที่น่าเบื่อหน่ายและสร้างความเป็นจริงที่สวยงาม ดังนั้นเหตุการณ์เล็กๆ น้อยๆ ธรรมดาๆ จึงกลายมาเป็นงานศิลปะ ตัวอย่างเช่น เราดำเนินการแคมเปญ "ลูกบอล": เราเติมลูกบอลผ้าดิบ วางกระดิ่งลงไปแล้วส่งลงแม่น้ำ หรือการกระทำอื่น - "สโลแกน": ในป่าเราแขวนแบนเนอร์ไว้ระหว่างต้นไม้พร้อมสโลแกน "ฉันไม่บ่นเกี่ยวกับสิ่งใด ๆ และฉันชอบทุกอย่างแม้จะมีความจริงที่ว่าฉันไม่เคยมาที่นี่และฉันไม่ได้ รู้อะไรเกี่ยวกับสถานที่เหล่านี้” ฉันจำได้ว่าสโลแกนถูกคลุมไว้ด้วยผ้าขี้ริ้ว และฉันก็ฉีกสายเบ็ดที่ยึดป้ายออก

จากนั้นก็มีการเปลี่ยนแปลงจากช่วงที่สงบเงียบในทศวรรษปี 1960 และ 1970 ไปสู่ลัทธิหลังสมัยใหม่ หนึ่งในเหตุการณ์ที่สว่างที่สุดคือการนำเสนอรูปปั้นครึ่งตัวของโสกราตีสที่ปิดทองในกลุ่ม "รัง"

ในช่วงทศวรรษ 1970 กลุ่ม Mukhomor บุกเบิกงานศิลปะ สมาชิกของกลุ่มรีบเข้าสู่หัวข้อ "ร้อนแรง" และพูดต่อต้านระเบิดนิวตรอน ส่งผลให้ “มุกโฮมอร์” ถูกแบน กิจกรรมคอนเสิร์ตซึ่งทางกลุ่มไม่ได้จัดการด้วย “Nest” และ “Amanita” กลายเป็นพื้นฐานของแกลเลอรี Apt-Art ในเวลาเดียวกันศิลปินจากโอเดสซา คาร์คอฟ และเมืองอื่น ๆ มาที่มอสโกว

การติดตั้งกลายเป็นปรากฏการณ์สำคัญของทศวรรษ 1980 ห้องในอพาร์ทเมนท์ถูกปูด้วยกระดาษทาสีด้วยวิธีพิเศษเช่นจากสีดำเป็นสีขาว ฉันถ่ายภาพนักเขียนโดยถือร่ม หนึ่งในนั้นคือ Vladimir Sorokin

มีแนวโน้มไปสู่การเก็บถาวรทุกสิ่ง เราเริ่มรวบรวมสารานุกรมเกี่ยวกับงานศิลปะใหม่ๆ จากนั้นศิลปินก็เริ่มตั้งถิ่นฐานในบ้านและสถาบันต่างๆและจัดนิทรรศการที่นั่นเช่นสมาคม "อนุบาล" ก็เกิดขึ้น

ผ่านไปในช่วงปี 1980 ทั้งบรรทัดนิทรรศการในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2529 มีการจัดนิทรรศการเยาวชนครั้งที่ 17 ที่ Kuznetsky Most ซึ่งมีการเชิญศิลปินเสรีนิยมฝ่ายซ้าย ดนตรียามเย็น- โดยทั่วไปมีเรื่องมากมายเกิดขึ้น เป็นไปไม่ได้ที่จะแสดงรายการทุกอย่าง

บรรยายโดยศิลปิน Georgy Kiesewalter "ชีวิตศิลปะนอกระบบของมอสโกในยุค 70 และ 80"

วิดีโอ: Alexander Polyakov

หลังจากการบรรยาย Georgy Kiesewalter ตอบคำถามหลายข้อ

– ในฐานะสมาชิก สมาคมสร้างสรรค์คุณหาเพื่อนเจอไหม? ความสัมพันธ์ของคุณเป็นไปในทางที่ดีหรือคุณทะเลาะวิวาทกัน?

– ศิลปินส่วนใหญ่มักรวมตัวกันตามอายุ หากคุณอายุ 20 ปี คุณก็จะพยายามเป็นเพื่อนกับคนที่มีอายุ 20-30 ปีเช่นกัน แน่นอนว่าการจัดนิทรรศการโดยคนรุ่นก่อนทำให้เกิดความเคารพ แต่ความรู้สึกว่านี่คือเมื่อวานนี้ แต่ในช่วงทศวรรษ 1980 ฉันกลายเป็นเพื่อนกับศิลปินรุ่นเก่า และบางครั้งก็มีความรู้สึกว่าคุณ "อยู่ใต้ฝากระโปรง" ทุกคนกลัวอะไรบางอย่าง แต่เมื่อรวมกันเป็นกลุ่มก็ไม่น่ากลัว

– คุณรู้จักศิลปิน “ของคุณ” ที่มีใจเดียวกันได้อย่างไร?

– ในสมัยนั้น ด้วยเหตุผลบางประการที่ทุกคนมาพบกันที่เอสโตเนีย ฉันจำช่วงปี 1970 ได้ Lev Rubinstein ยืนอยู่ในกลุ่มคนหนุ่มสาว ฉันเดินผ่านเขาไปและฉันก็ไม่สนใจ แต่แล้วเราก็พบกันและเริ่มสื่อสารกัน และในทางกลับกันเขาก็บอกว่าเขากำลังเดินไปตามถนนและพบกับ Gerlovins โดยบังเอิญ แล้วบอกว่าถ้าปล่อยกาน้ำชาสองใบในงานจากทั้งสองฝ่ายคงได้พบกันแน่นอน แม้แต่ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ระบบ Samizdat ก็ทำงานอย่างแข็งขัน หนังสือก็ถูกส่งต่อให้เพื่อนอ่าน ส่วนใหญ่มักจะในเวลากลางคืน นี่คือวิธีที่เราอ่านทั้ง "เกมลูกแก้ว" และ "100 ปีแห่งความสันโดษ"

– ทำไมทุกวันนี้ ในยุคแห่งอิสรภาพ เมื่อหนังสือใด ๆ ถูกตีพิมพ์ รวมถึงหนังสือที่เคยถูกห้าม ในเมื่อคุณสามารถชมภาพยนตร์และเยี่ยมชมนิทรรศการใด ๆ ได้ งานศิลปะจึงถูกลดคุณค่าลง? และคงไม่มีใครเอาหนังสือไปอ่านตอนกลางคืนแน่นอน?

– คุณค่าพิเศษของศิลปะเกิดขึ้นเมื่อมันดำรงอยู่ “ทั้งๆ ที่” และเมื่อเกิดการอนุญาต เกณฑ์การประเมินงานศิลปะก็จะถูกลบไป มีช่วงหนึ่งที่บรรทัดถูกลบออกจนหมด ฝรั่งก็พูดง่ายๆ ว่า “รูปนี้มาจากรัสเซียเหรอ? ใช่? โอเค ฉันจะรับมัน" ไม่ได้รับการประเมินคุณภาพ โดยทั่วไปแล้ว ความสามัคคีของศิลปินบางประเภทดำรงอยู่จนถึงปี 1988 จากนั้นเงินก็เริ่มจ่ายเพื่องานศิลปะ และเพื่อน ๆ ก็กลายเป็นคู่แข่งกัน การล่มสลายนี้เกิดขึ้นในปี 1974 โดยภรรยาคนหนึ่งของเออร์เนสต์ เฮมิงเวย์ Shklovskaya อธิบายสิ่งนี้: ในห้องครัวของ Nadezhda Mandelstam พวกเขาคุยกันเรื่องการซื้อกาโลเช่และเนื้อสัตว์ และผู้หญิงที่อยู่ในระหว่างการสนทนากล่าวว่า “ตอนนี้คุณมีความรักและความอบอุ่นแล้ว แต่จะจบลงเมื่อคุณมีทุกอย่าง”

– แล้วศิลปินคงจะหิวใช่ไหม?

“เขาไม่ควรหิว แต่ก็ไม่ควรอิ่มเช่นกัน” ในช่วงทศวรรษ 1970 และ 1980 ศิลปินวาดภาพสิ่งใหม่อย่างสิ้นเชิง เมื่อพวกเขาเริ่มเรียกร้องงานจากเขาในต่างประเทศ 2-3 งานต่อเดือน และเขาพบว่าตัวเองอยู่ในสภาพที่ทุกอย่างถูกเผยแพร่ ปรากฎว่าศิลปินของเราไม่พร้อมสำหรับตลาดและสูญเสียการติดต่อกับภาคพื้นดิน ดังนั้น Oscar Rabin หนึ่งในผู้ก่อตั้ง Lianozovo จึงคุ้นเคยกับการวาดภาพค่ายทหารของ Lianozovo ดังนั้นเขาจึงได้รับอนุญาตให้ทำงานในยุโรป แต่ยังคงทาสี... บ้านที่มืดมนเดิมๆ - เฉพาะครั้งนี้ที่ปารีสเท่านั้น