Šokujúce majstrovské diela klasickej maľby. Ilustrácie Valdemara Cossacka Kresby a maľby v nahom štýle

V umení existujú večné témy. Jednou z nich je téma žien, téma materstva. Každá doba má svoj ideál ženy, celá história ľudstva sa odráža v tom, ako ľudia videli ženu, aké mýty ju obklopovali a pomáhali pri jej stvorení. Jedno je isté – vo všetkých storočiach a dobách Ženská postava lákala, láka a bude pútať mimoriadnu pozornosť umelcov.

Obrazy žien vytvorené v portrétnom umení nesú poetický ideál v jeho harmonickej jednote duchovné vlastnosti a vzhľad. Z portrétov môžeme usúdiť, ako sú vzhľad ženy a jej mentálne zloženie ovplyvnené spoločenskými udalosťami, módou, literatúrou, umením a maľbou samotnou.

Predstavujeme vám rôzne obrázky žien v obrazoch rôznych smerov

REALIZMUS

Podstatou smeru je čo najpresnejšie a najobjektívnejšie zachytiť realitu. Zrod realizmu v maľbe sa najčastejšie spája s kreativitou francúzsky umelec Gustave Courbet, ktorý otvoril svoju osobnú výstavu „Pavilón realizmu“ v Paríži v roku 1855. Opakom romantizmu a akademizmu. V 70. rokoch 19. storočia sa realizmus rozdelil na dva hlavné smery – naturalizmus a impresionizmus. Prírodovedci boli umelci, ktorí sa snažili čo najpresnejšie a fotograficky zachytiť realitu.

Ivan Kramskoy „Neznámy“

Serov "Dievča s broskyňami"

AKADEMIZMUS

Akademicizmus rástol nasledovaním vonkajších foriem klasického umenia. Akademiizmus stelesňoval tradície staroveké umenie, v ktorej sa idealizuje obraz prírody. Ruský akademizmus prvej polovice 19. storočia sa vyznačuje vznešenou tematikou, vysokým metaforickým štýlom, všestrannosťou, mnohopočetnosťou a pompéznosťou. Obľúbené boli biblické výjavy, salónne krajinky a slávnostné portréty. Napriek obmedzenému námetu malieb sa diela akademikov vyznačovali vysokou technickou zručnosťou.

Bouguereau "Plejády"

Bouguereau "Nálada"

Cabanel "Narodenie Venuše"

IMPRESSIONIZMUS

Zástupcovia štýlu sa snažili zachytiť čo najprirodzenejšie a najnestrannejšie reálny svet vo svojej mobilite a variabilite, aby sprostredkovala vaše prchavé dojmy. Francúzsky impresionizmus nezvýšil filozofické problémy. Namiesto toho sa impresionizmus zameriava na povrchnosť, plynulosť okamihu, náladu, osvetlenie alebo uhol pohľadu. Ich obrazy predstavovali len pozitívne stránky života, nenarúšali sociálne problémy a vyhýbali sa problémom ako hlad, choroby a smrť. Biblické, literárne, mytologické, historické predmety, vlastnému oficiálnemu akademizmu. Boli preberané predmety flirtovania, tanca, pobytu v kaviarni a divadle, plavby loďou, na plážach a v záhradách. Súdiac podľa obrazov impresionistov, život je séria malých prázdnin, večierkov, príjemných zábav mimo mesta alebo v priateľskom prostredí.

Boldini "Moulin Rouge"

Renoir "Portrét Jeanne Samary"

Manet "Raňajky v tráve"

Mayo "RosaBrava"

Lautrec "Žena s dáždnikom"

SYMBOLIZMUS

Symbolisti sa radikálne zmenili nielen rôzne druhy umenie, ale aj samotný postoj k nemu. Ich experimentálny charakter, túžba po inováciách a kozmopolitnosť sa stali vzorom pre väčšinu moderných umeleckých hnutí. Používali symboly, podceňovanie, narážky, tajomstvo, záhadu. Hlavnou náladou bol často pesimizmus, siahajúci až do zúfalstva.Na rozdiel od iných hnutí v umení symbolizmus verí vo vyjadrenie „nedosiahnuteľných“, niekedy až mystických predstáv, obrazov Večnosti a Krásy.

Redon "Ophelia"

Franz von Stuck "Salome"

Watt "Nádej"

Rosseti "Persephone"

MODERNÝ

Secesia sa snažila spojiť umeleckú a úžitkovú funkciu vytvorených diel a do sféry krásy zapojiť všetky sféry ľudskej činnosti. V dôsledku toho je záujem o úžitkové umenie: interiérový dizajn, keramika, knižná grafika. Secesní umelci čerpali inšpiráciu z umenia starovekého Egypta a starovekých civilizácií. Najvýraznejšou črtou secesie bolo upustenie od pravých uhlov a línií v prospech hladších, zakrivených línií. Secesní umelci si často za základ svojich kresieb brali ornamenty zo sveta rastlín.

Klimt "Portrét Adele Bloch-Bauer I"

Klimt "Danae"

Klimt „Tri veky ženy“

Fly "Ovocie"

EXPRESSIONIZMUS

Expresionizmus je jedným z najvplyvnejších umeleckých hnutí 20. storočia. Expresionizmus vznikol ako reakcia na najakútnejšiu krízu prvej štvrtiny 20. storočia, 1. svetová vojna a následné revolučné hnutia, škaredosť buržoáznej civilizácie, ktorá vyústila do túžby po iracionalite. Boli použité motívy bolesti a kriku, nad obrazom začal prevládať princíp výrazu.

Modigliani. Pomocou tiel a tvárí žien sa snaží preniknúť do duší svojich postáv. „Zaujímam sa o ľudskú bytosť. Tvár je najväčším výtvorom prírody. Neúnavne ho používam,“ zopakoval.

Modigliani "Spiaci akt"

Schiele "Žena v čiernych pančuchách"

KUBIZMUS

kubizmus - modernistické hnutie vo výtvarnom umení (hlavne maliarstve) 1. štvrtiny 20. storočia, čím sa do popredia dostala formálna úloha konštruovať trojrozmernú formu na rovine, minimalizujúcu vizuálne a kognitívne funkcie umenia. Vznik kubizmu sa tradične datuje do rokov 1906-1907 a spája sa s dielom Pabla Picassa a Georgesa Braquea. Vo všeobecnosti bol kubizmus prelomom s tradíciou realistického umenia, ktoré sa vyvinulo počas renesancie, vrátane vytvorenia vizuálnej ilúzie sveta v rovine. Tvorba kubistov bola výzvou pre štandardnú krásu salónneho umenia, nejasné alegórie symbolizmu a nestálosť impresionistickej maľby. Kubizmus, ktorý vstúpil do kruhu rebelských, anarchistických, individualistických hnutí, medzi nimi vynikal svojou príťažlivosťou k asketizmu farieb, k jednoduchým, ťažkým, hmatateľným formám a elementárnym motívom.

Picasso "Plačúca žena"

Picasso "Hra na mandolínu"

Picasso "Les Demoiselles d'Avignon"

SURREALIZMUS

Základný koncept surrealizmu, surrealita- spojenie sna a reality. Na dosiahnutie tohto cieľa navrhli surrealisti absurdnú, protirečivú kombináciu naturalistických obrazov prostredníctvom koláže a presunu objektu z neumeleckého priestoru do umeleckého, vďaka čomu sa objekt odhalí z neočakávanej strany, vlastnosti, ktoré si nikto nevšimol. objavuje sa v ňom umelecký kontext. Surrealisti sa inšpirovali radikálnou ľavicovou ideológiou, no navrhli začať revolúciu s vlastným vedomím. Umenie považovali za hlavný nástroj oslobodenia. Tento smer sa vyvinul pod veľkým vplyvom Freudovej teórie psychoanalýzy. Surrealizmus mal korene v symbolizme a spočiatku bol ovplyvnený symbolistickými umelcami ako Gustave Moreau a Odilon Redon. Veľa z populárnych umelcov boli surrealisti, vrátane René Magritte, Max Ernst, Salvador Dalí, Alberto Giacometti.

.
Tento umelec, ktorý v roku 1994 absolvoval umeleckú školu v Tveri v odbore grafický dizajn, udivuje predstavivosť svojim nevšedným štýlom a nádhernými kompozíciami.

Je tvorcom skutočne jedinečných ilustrácií s retro nádychom. Waldemar Kazak je umelec so zmyslom pre humor, má osobitý pohľad na každodenný život, vie sa smiať na každodennosti a často si robí srandu z významu detských rozprávok, politikov a modernej mládeže.

Moderný ilustrátor pracuje v každodennom žánri s dôrazom na karikatúru. Postavy z Kazakových diel je ťažké nevšimnúť si a zapamätať si ich. Všetky sú veľmi farebné, výrazné a svetlé.

Jeho dychberúce kompozície sú naplnené štýlom povojnovej estetiky, ktorý sa presadil v 50. rokoch dvadsiateho storočia, retro brilantnosť sa prejavuje doslova vo všetkom: od výberu námetu obrazu až po výber farieb.

Toto hovorí o svojom štýle samotný Waldemar Kazak:

Ako každý človek (alebo umelec) mám svoj rukopis. Ale nevychovávam ho, pretože sa bojím upadnúť do manierov. Okrem toho je na trhu žiadané jasné individuálne písanie. Áno, v skutočnosti to už každý vie.

Úžasne jasné, vzrušujúce, pútavé umelecké kresby v retro štýle Waldemara Kazaka nenechajú nikoho ľahostajným!

Žánre maľby sa objavovali, získavali na popularite, zanikali, objavovali sa nové a začali sa rozlišovať podtypy v rámci existujúcich. Tento proces sa nezastaví, kým človek existuje a snaží sa zachytiť svet okolo seba, či už ide o prírodu, budovy alebo iných ľudí.

Predtým (do 19. storočia) existovalo delenie maliarskych žánrov na tzv. „vysoké“ žánre (francúzsky veľký žáner) a „nízke“ žánre (francúzsky žáner petit). Toto rozdelenie vzniklo v 17. storočí. a bol založený na tom, aký námet a zápletka boli zobrazené. V tomto smere medzi vysoké žánre patrili: bojový, alegorický, náboženský a mytologický a medzi nízke žánre portrét, krajina, zátišie, animalizmus.

Rozdelenie do žánrov je dosť ľubovoľné, pretože v obraze môžu byť súčasne prítomné prvky dvoch alebo viacerých žánrov.

Animalizmus alebo živočíšny žáner

Animalizmus, alebo animalistický žáner (z lat. animal – zviera) je žáner, v ktorom je hlavným motívom obraz zvieraťa. Dá sa povedať, že ide o jeden z najstarších žánrov, pretože... kresby a postavy vtákov a zvierat už boli prítomné v živote primitívnych ľudí. Napríklad na známom obraze I.I. Shishkinovo „Ráno v borovicovom lese“, prírodu zobrazuje samotný umelec a medvede zobrazuje úplne iný umelec, ktorý sa špecializuje na zobrazovanie zvierat.

I.I. Shishkin „Ráno v borovicovom lese“

Ako možno rozlíšiť poddruh? Hippo žáner(z gréckeho hrochy - kôň) - žáner, v ktorom je stredom obrazu obraz koňa.

NIE. Sverchkov „Kôň v stajni“

Portrét

Portrét (z francúzskeho slova portrét) je obraz, na ktorom je ústredným obrazom osoba alebo skupina ľudí. Portrét vyjadruje nielen vonkajšiu podobnosť, ale aj odráža vnútorný svet a vyjadruje pocity umelca k osobe, ktorej portrét maľuje.

I.E. Repin Portrét Mikuláša II

Portrétny žáner sa delí na individuálne(obrázok jednej osoby), skupina(obrázok niekoľkých ľudí), podľa povahy obrázku - k predným dverám, keď je človek zobrazený v plnom raste na výraznom architektonickom alebo krajinnom pozadí a komora, keď je osoba zobrazená po hrudník alebo pás na neutrálnom pozadí. Skupina portrétov, spojených nejakou charakteristikou, tvorí súbor, čiže portrétnu galériu. Príkladom môžu byť portréty členov kráľovskej rodiny.

Vyniká samostatne autoportrét, v ktorej umelec zobrazuje sám seba.

K. Bryullov Autoportrét

Portrét je jedným z najstarších žánrov - prvé portréty (sochárske) boli prítomné už v r staroveký Egypt. Takýto portrét pôsobil ako súčasť kultu o posmrtnom živote a bol „dvojníkom“ človeka.

Scenéria

Krajina (z franc. paysage - krajina, oblasť) je žáner, v ktorom je ústredným obrazom obraz prírody - rieky, lesy, polia, more, hory. V krajine je hlavným bodom, samozrejme, dej, ale nemenej dôležité je sprostredkovať pohyb a život okolitej prírody. Príroda je na jednej strane krásna a vzbudzuje obdiv, no na druhej strane je dosť ťažké premietnuť to do obrazu.

C. Monet „Pole maku v Argenteuil“

Poddruh krajiny je prímorská krajina alebo prístav(z francúzštiny marine, taliansky marina, z latinčiny marinus - more) - obraz námornej bitky, mora alebo iných udalostí odohrávajúcich sa na mori. Svetlý predstaviteľ námorní maliari – K.A. Aivazovský. Je pozoruhodné, že umelec napísal veľa detailov tohto obrazu z pamäti.

I.I. Aivazovsky "Deviata vlna"

Umelci sa však často snažia maľovať more zo života, napríklad W. Turner pre svoj obraz „Blizzard. Parník pri vstupe do prístavu dáva núdzový signál po tom, čo sa dostane do plytkej vody,“ strávil 4 hodiny pripútaný na kapitánskom mostíku lode plaviacej sa v búrke.

W. Turner „Blizzard. Parník pri vstupe do prístavu dáva núdzový signál po tom, čo sa dostane do plytkej vody."

Vodný živel je zobrazený aj v riečnej krajine.

Samostatne prideľovať panoráma mesta, v ktorej sú hlavným námetom snímky mestské ulice a budovy. Typ mestskej krajiny je Veduta– obraz mestskej krajiny vo forme panorámy, kde mierka a proporcie sú určite zachované.

A. Canaletto „Piazza San Marco“

Existujú aj iné typy krajiny - vidiecke, priemyselné a architektonické. V architektonickej maľbe je hlavnou témou obraz architektonickej krajiny, t.j. budovy, stavby; zahŕňa obrazy interiérov (vnútorná výzdoba priestorov). Niekedy Interiér(z franc. intérieur - vnútorný) rozlišuje ako samostatný žáner. Ďalší žáner sa vyznačuje architektonickou maľbou — Capriccio(z talianskeho capriccio, rozmar, rozmar) - architektonická fantazijná krajina.

Zátišie

Zátišie (z francúzskeho nature morte - mŕtva príroda) je žáner venovaný zobrazovaniu neživých predmetov, ktoré sú umiestnené v spoločnom prostredí a tvoria skupinu. Zátišie sa objavilo v 15. – 16. storočí, no ako samostatný žáner vzniklo v 17. storočí.

Napriek tomu, že slovo „zátišie“ sa prekladá ako mŕtva príroda, na obrazoch sú kytice kvetov, ovocia, rýb, diviny, jedál – všetko vyzerá „ako živé“, t.j. ako skutočný. Od okamihu jeho vzhľadu až do dnešného dňa bolo zátišie dôležitý žáner v maľbe.

K. Monet „Váza s kvetmi“

Ako samostatný poddruh môžeme rozlíšiť Vanitas(z lat. Vanitas - márnosť, márnosť) je maliarsky žáner, v ktorom ústredné miesto na obraze zaujíma ľudská lebka, ktorej obraz má pripomínať márnosť a krehkosť ľudského života.

Obraz F. de Champagne prostredníctvom obrazov tulipánu, lebky, presýpacích hodín predstavuje tri symboly krehkosti existencie - Život, Smrť, Čas.

Historický žáner

Historický žáner je žáner, v ktorom obrazy zobrazujú dôležité udalosti a spoločensky významné javy minulosti alebo súčasnosti. Je pozoruhodné, že obraz môže byť venovaný nielen skutočným udalostiam, ale aj udalostiam z mytológie alebo napríklad opísaným v Biblii. Tento žáner je pre históriu ako príbeh veľmi dôležitý jednotlivé národyštáty aj ľudstvo ako celok. V obrazoch je historický žáner neoddeliteľný od iných druhov žánrov – portrét, krajina, bojový žáner.

I.E. Repin „Kozáci píšu list tureckému sultánovi“ K. Bryullov „Posledný deň Pompejí“

Bojový žáner

Bojový žáner (z francúzskeho bataille - bitka) je žáner, v ktorom obrazy zobrazujú vrchol bitky, vojenské operácie, okamih víťazstva, výjavy z vojenského života. Bojová maľba je charakteristická obrazom na obrázku veľká kvantita z ľudí.

A.A. Deineka "Obrana Sevastopolu"

Náboženský žáner

Náboženský žáner je žáner, v ktorom je hlavná dejová línia na obrazoch biblická (scény z Biblie a evanjelia). Téma sa týka náboženskej a ikonomaľby, rozdiel medzi nimi je v tom, že maľby náboženského obsahu sa nezúčastňujú bohoslužieb a pre ikonu je to hlavný účel. Ikonografia preložené z gréčtiny. znamená „modlitebný obraz“. Tento žáner bol obmedzený prísnym rámcom a zákonmi maľby, pretože nemá odrážať realitu, ale sprostredkovať myšlienku Božieho princípu, v ktorom umelci hľadajú ideál. V Rusku dosahuje ikonomaľba svoj vrchol v 12.-16. storočí. Najznámejšie mená maliarov ikon sú Theophanes the Greek (fresky), Andrei Rublev, Dionýsius.

A. Rublev „Trojica“

Ako vyniká prechodné štádium od maľby ikon k portrétu Parsuna(skreslené z lat. persona - osoba, osoba).

Parsun Ivana Hrozného. autor neznámy

Každodenný žáner

Obrazy zobrazujú výjavy každodenného života. Umelec často píše o momentoch života, ktorých je súčasníkom. Charakteristické rysy Tento žáner je o realizme obrazov a jednoduchosti zápletky. Obrázok môže odrážať zvyky, tradície, systém každodenný život toho či onoho ľudu.

Domáce maľby zahŕňajú také slávne obrazy ako „Barge Haulers on Volga“ od I. Repina, „Trojka“ od V. Perova, „ Nerovné manželstvo» V. Pukireva.

I. Repin „Nákladné lode na Volge“

Epicko-mytologický žáner

Epicko-mytologický žáner. Slovo mýtus pochádza z gréčtiny. „mythos“, čo znamená tradícia. Obrazy zobrazujú udalosti legiend, eposov, tradícií, starovekých gréckych mýtov, starých príbehov, sprisahaní folklórnych diel.

P. Veronese "Apollo a Marsyas"

Alegorický žáner

Alegorický žáner (z gréckeho alegoria - alegória). Obrazy sú maľované tak, aby mali skrytý význam. Nepodstatné myšlienky a koncepty, neviditeľné pre oči (sila, dobro, zlo, láska), sa prenášajú prostredníctvom obrazov zvierat, ľudí a iných živých bytostí s takými prirodzenými vlastnosťami, ktoré majú symboliku už zafixovanú v mysliach ľudí a pomáhajú pochopiť. všeobecný význam Tvorba.

L. Giordano „Láska a neresti odzbrojujú spravodlivosť“

Pastoračný (z francúzskeho pastorale - pastoračný, vidiecky)

Žáner maľby, ktorý oslavuje a poetizuje jednoduchý a pokojný vidiecky život.

F. Boucher „Jesenná pastorácia“

Karikatúra (z talianskeho caricare - preháňať)

Žáner, v ktorom sa pri vytváraní obrazu vedome uplatňuje komický efekt zveličovaním a vyostrovaním čŕt, správania, oblečenia a pod. Účelom karikatúry je uraziť, na rozdiel napríklad od karikatúry (z francúzskeho náboja), ktorej účelom je jednoducho zosmiešniť. S pojmom „karikatúra“ úzko súvisia pojmy ako populárna tlač a groteska.

Nahý (z francúzskeho nu - nahý, vyzlečený)

Žáner, v ktorom obrazy zobrazujú akt Ľudské telo, najčastejšie ženského pohlavia.

Tizian Vecellio "Urbinská Venuša"

Podvod alebo trompe l'oeil (z franc. trompe-l'œil - optická ilúzia)

žáner, charakterové rysy ktorý - špeciálne pohyby, vytvárajúci optickú ilúziu a umožňujúci vymazať hranicu medzi realitou a obrazom, t.j. zavádzajúci dojem, že objekt je trojrozmerný, keď je dvojrozmerný. Niekedy sa blende rozlišuje ako podtyp zátišia, no niekedy sú v tomto žánri zobrazovaní aj ľudia.

Per Borrell del Caso „Utekanie pred kritikou“

Na dotvorenie vnímania vábničiek je vhodné uvažovať o nich v origináli, pretože reprodukcia nie je schopná plne vyjadriť efekt, ktorý umelec zobrazil.

Jacopo de Barberi "Jarabica a železné rukavice"

Tematický obrázok

Zmes tradičných žánrov maľby (domáca, historická, bitka, krajina atď.). Iným spôsobom sa tento žáner nazýva figuratívna kompozícia, jeho charakteristické znaky sú: hlavnú úlohu hrá osoba, prítomnosť akcie a spoločensky významnej myšlienky, nevyhnutne sa prejavujú vzťahy (konflikty záujmov/postáv) a psychologické akcenty. .

V. Surikov „Boyaryna Morozova“

Čínsky umelec a fotograf Dong Hong-Oai sa narodil v roku 1929 a zomrel v roku 2004 vo veku 75 rokov. Zanechal po sebe neuveriteľné diela vytvorené v štýle piktorializmu - úžasné fotografie podobné dielam tradičných Čínska maľba.

Dong Hong-Oai sa narodil v roku 1929 v Guangzhou, provincia Guangdong, Čína. Z krajiny odišiel ako sedemročný po nečakanej smrti svojich rodičov.

Ako najmladší z 24 detí odišiel Dong žiť do čínskej komunity v Saigone vo Vietname. Neskôr Čínu niekoľkokrát navštívil, no už v nej nikdy nežil.

Po príchode do Saigonu sa Dong stal učňom vo fotografickom štúdiu čínskych prisťahovalcov. Tam sa naučil základy fotografie. Zamiloval sa aj do fotografovania prírody, čomu sa často venoval pomocou jedného z fotoaparátov z ateliéru. V roku 1950 ako 21-ročný vstúpil na Vietnamskú národnú umeleckú univerzitu.

V roku 1979 sa otvorila krvavá hranica medzi Vietnamskou socialistickou republikou a Čínskou ľudovou republikou. Vietnamská vláda začala s represívnou politikou voči etnickým Číňanom žijúcim v krajine. V dôsledku toho sa Dong stal jedným z miliónov „člnkových ľudí“, ktorí koncom 70. a začiatkom 80. rokov utiekli z Vietnamu.

Vo veku 50 rokov, keď nevedel po anglicky a nemal rodinu ani priateľov v Spojených štátoch, prišiel Dong do San Francisca. Dokonca si mohol kúpiť malú miestnosť na vyvolávanie fotografií.

Predajom svojich fotografií na miestnych pouličných veľtrhoch dokázal Dong zarobiť dostatok peňazí na to, aby sa pravidelne vracal do Číny fotografovať.

Navyše mal možnosť nejaký čas študovať pod vedením Long Chin-San na Taiwane.

Long Chin-San, ktorý zomrel v roku 1995 vo veku 104 rokov, vyvinul fotografický štýl založený na tradičnom čínskom zobrazení prírody.

Čínski umelci po stáročia vytvárali majestátne monochromatické krajiny pomocou jednoduchých štetcov a atramentu.

Tieto maľby nemali presne zobrazovať prírodu, mali sprostredkovať emocionálnu atmosféru prírody. V posledných rokoch Song Empire a začiatkom Yuanskej ríše začali umelci na jednom plátne spájať tri rôzne umelecké formy... poéziu, kaligrafiu a maľbu.

Verilo sa, že táto syntéza foriem umožnila umelcovi plne sa vyjadriť.

Long Chin-San, narodený v roku 1891, študoval práve túto klasickú tradíciu maľby. V určitom bode svojej dlhej kariéry začal Luhn experimentovať s prenosom impresionistického štýlu umenia do fotografie.

Pri zachovaní vrstveného prístupu k mierke vyvinul metódu vrstvenia negatívov, ktorá zodpovedala trom úrovniam vzdialenosti. Lung naučil túto metódu Donga.

V snahe napodobniť tradičný čínsky štýl ešte viac, Dong pridal k fotografiám kaligrafiu.

Dongove nové diela, založené na starých čínskych maľbách, začali priťahovať kritickú pozornosť v 90. rokoch.

Svoje fotografie už nemusel predávať na pouličných veľtrhoch; teraz ho zastupoval agent a jeho dielo sa začalo predávať v galériách po celých Spojených štátoch, Európe a Ázii.

Už sa nemusel spoliehať na individuálnych klientov; jeho dielo teraz vyhľadávali nielen súkromní zberatelia umenia, ale aj korporátni nákupcovia a múzeá. Mal asi 60 rokov, keď prvýkrát v živote dosiahol určitú úroveň finančného úspechu.

Piktorializmus je pohyb vo fotografii, ktorý sa objavil okolo roku 1885 po rozsiahlej prezentácii fotografického procesu na mokrých tlačových platniach. Hnutie dosiahlo svoj vrchol na samom začiatku 20. storočia a obdobie úpadku nastalo v roku 1914, po vzniku a šírení modernizmu.

Po roku 1900 sa výrazy „piktorializmus“ a „piktorialista“ začali používať.

Piktorializmus sa zaoberá myšlienkou, že umelecká fotografia by mala napodobňovať maľbu a rytinu toho storočia.

Väčšina týchto fotografií bola v čiernobielych alebo sépiových tónoch. Medzi použité techniky patrili: nestabilné zaostrenie, špeciálne filtre a povrchová úprava šošoviek, ako aj exotické tlačové procesy.

Cieľom takýchto techník bolo dosiahnuť „osobné vyjadrenie autora“.

Napriek tomuto cieľu sebavyjadrenia najlepšie z týchto fotografií prebiehali skôr paralelne s impresionistickým štýlom než v súlade s modernou maľbou.

Pri pohľade späť možno vidieť aj úzku paralelu medzi kompozíciou a obrazovým námetom piktorialistických žánrových malieb a fotografií.

Tvoje nahé telo by malo patriť len tomu, kto miluje tvoju nahú dušu.

Charlie Chaplin

„Krásne ženské nohy obrátili viac ako jednu stránku histórie," hovoria Francúzi. A majú pravdu: veď nehovoríme len o veľkosti štátu. V osobnej histórii výnimočného Španiela Francisca José de Goyu y Lucientes, presne to sa stalo. Umelcovi súčasníci, ktorí vedeli o jeho láske a nestálosti, ubezpečovali: všetko sa zmenilo, keď maestro stretol krásnu vojvodkyňu Mariu Teresiu Cayetana del Pilar de Alba, dedičku starobylého šľachtického rodu. Niektorí ju obdivovali nadpozemská kráska, nazývaná madridskou kráľovnou, porovnávala ju s Venušou a uisťovala: "Každý ju chcel." muži Španielska!" "Keď kráčala po ulici, všetci pozerali z okien, dokonca aj deti opustili svoje hry, aby sa na ňu pozreli. Každý chlp na jej tele vzbudzoval túžbu," prizvukoval im francúzsky cestovateľ. Iní žiarlili na jej krásu a bohatstvo a nadávali. ju pre jej slobodu mravov.Ale vojvodkyňa radšej nevenovala pozornosť všetkému tomu vzrušeniu. Sama si vyberala priateľov a nepriateľov, najmä milencov, vôbec sa nehanbila prítomnosťou manžela. Manžel sa zrejme nepripútal. veľkú dôležitosť pre milostné aféry jeho manželky. Svoju novú vášeň pre dvorného maliara preto považovala za obyčajný rozmar. Mimochodom, manželia spoločne sponzorovali Goyu, keďže sa okrem rušného osobného života venovali aj filantropii a charita. Bolo to prostredníctvom umenia Cayetany, že spoznali Francisca.

Ich vzťah odolal skúške času aj umelcovej vážnej chorobe, ktorá vyústila do straty sluchu. Maľoval jej portréty, pričom svoju milovanú ženu zachytával z rôznych uhlov a outfitov. Jednou z nich je „Vovodkyňa z Alby v čiernom“ – podľa niektorých jasný dôkaz ich blízkeho vzťahu. Faktom je, že po reštaurovaní maľby, vykonanej v šesťdesiatych rokoch dvadsiateho storočia, bola na prsteňoch krásy objavená rytina s menami Alba a Goya. Pôvabný prst vojvodkyne ukazuje na piesok, kde je viditeľný výrečný nápis: „Iba Goya“. Predpokladá sa, že autor mal tento obraz doma „pre osobné použitie“ a nikdy ho nevystavoval. Rovnako ako samotná Alba, aj ďalšie dve, ešte pikantnejšie, sa narodili po smrti jej zákonitého manžela. Existuje názor, že po pochovaní svojho manžela odišla „smutná“ vdova do jedného zo svojich panstiev v Andalúzii, aby bola smutná. A aby sa vôbec necítila osamelá, pozvala k sebe Goyu. Vtedy boli napísané „Makha Naked“ a „Makha Dressed“. (V tom čase sa všetci koketne volali Mahami oblečené dievčatá z nižších vrstiev spoločnosti.)

Francisco Goya. Autoportrét.

Je pravda, že skutočnosť, že osoba zobrazená na oboch plátnach je samotná šokujúca vojvodkyňa, je medzi mnohými stále na pochybách. Verí sa, že nádherná dáma v nahom štýle je jednou z mileniek predsedu vlády kráľovnej Marie Louise Manuela Godoya: „Machs“ skončil v jeho zbierke v roku 1808. Iné zdroje tvrdia, že tento obraz je kolektívny a len ďalší nepochybujú o tom, že Goyovou múzou je Cayetana, ktorú namaľoval nahú, aby ho naštval, keď si uvedomil, že Alba je vášnivá pre niekoho iného. Nech je to akokoľvek, zobrazovanie aktov v Španielsku 18. storočia mohlo stáť život kohokoľvek iného: keď tieto plátna v roku 1813 objavila mravnostná polícia, reprezentovaná neustále ostražitou inkvizíciou, okamžite ich označila za „obscénne“. Autora, ktorý sa postavil pred súd, poslali do väzenia, meno svojej modelky však nikdy neprezradil. Ktovie, aký by bol jeho osud, nebyť príhovoru vysokopostaveného mecenáša...

Alba by to, samozrejme, ocenila statočný čin, však ona sama bola v tom čase už dlhé roky na druhom svete. Cayetanova smrť, neočakávaná pre všetkých, a najmä pre Goyu, šokovala Madrid. Vojvodkyňu našli v jej paláci Buena Vista v lete 1802 po veľkolepej recepcii, ktorá sa konala deň predtým na počesť zasnúbenia jej mladej netere (Alba nemala žiadne vlastné deti). Francisco bol medzi hosťami. Počul Cayetanu rozprávať o farbách, rozprávať o najjedovatejších z nich, žartovať o smrti. A ráno sa šírila smutná správa. Vtedy si každý, kto vojvodkyňu osobne poznal, spomenul na jej slová, že chce zomrieť mladá a krásna, ako ju zachytil Goyov magický štetec.

Potom mesto dlho diskutovalo o príčinách Albovej smrti. Predpokladalo sa, že bola otrávená: bohužiaľ, táto žena mala veľa nepriateľov. Povedali tiež, že jed užila sama. Ale pre Goyu na tom už nezáležalo. Svojho veľkolepého milovaného prežil takmer o štvrťstoročie a vzal so sebou tajomstvo „Makha“. Ani Albovi potomkovia to nedokázali vyriešiť. Aby očistili Cayetanovo meno, vykonali štúdiu v nádeji, že veľkosťou kostí dokáže, že na plátne bola zobrazená iná dáma. Počas „operácie“ sa však ukázalo iba to, že hrobka vojvodkyne bola opakovane otvorená počas napoleonského ťaženia, a preto je takéto preskúmanie absolútne bezvýznamné...

Tí, ktorí uverili Dalího nadšeným príbehom o jeho múze, kráľovnej, bohyni - Gale, ho nazvali očarujúcim a nepochopiteľným. Tí menej dôverčiví ju aj dnes považujú za dravú Valkýru, ktorá uchvátila génia. Existuje len jedna skutočnosť, ktorá nenechá nikoho na pochybách: záhada, ktorá obklopovala život tejto ženy, nebola nikdy vyriešená.

Salvador Dali "Atómová Leda", 1947–1949 Dalího divadlo-múzeum, Figueres, Španielsko

Odkedy ju umelec Salvador Dali prvýkrát videl v roku 1929, začala sa jeho osobná história Nová éra menom Gala. O mnoho rokov neskôr maestro opísal dojmy z toho dňa v jednom z nich autobiografické romány. Slová vytlačené typografickým písmom na bielych listoch kníh vydaných v tisíckach výtlačkov však nevyjadrovali ani stotinu vášní, ktoré zúrili v jeho duši toho slnečného dňa: „Podišiel som k oknu, ktoré hľadelo von. pláž. Už tam bola... Gala, Eluardova manželka. Bola to ona! Spoznal som ju podľa odhaleného chrbta. Jej telo bolo nežné, ako detské. Línia ramien bola takmer dokonale okrúhla a svaly pása, navonok krehké, boli atleticky napäté ako u tínedžera. Ale krivka spodnej časti chrbta bola skutočne ženská. Pôvabná kombinácia štíhleho, energického trupu, osieho pásu a nežných bokov ju urobila ešte žiadanejšou.“ Ani po desaťročiach ho nikdy neunavilo opakovať samotnej Gale, že je jeho božstvo, Galatea, Gradiva, Svätá Helena... A ak pojmy svätosť a bezhriešnosť nemali nič spoločné so Salvadorovou milovanou, meno Helena malo priamu súvislosť. s ňou. Faktom je, že tak dostala meno už pri narodení. Ale, ako hovorí rodinná legenda, viac ako raz prerozprávaná v biografiách Eleny Dyakonovovej - budúcej Madame Dali - od detstva sa dievča radšej volalo... Galina.

Takto sa predstavila nádejnému francúzskemu básnikovi Paulovi Eluardovi, keď ich náhoda spojila v jednom zo švajčiarskych letovísk. "Ach, Gala!" - zdalo sa, že zvolal, skrátil meno a vyslovoval ho po francúzsky s dôrazom na druhú slabiku. S ním ľahká ruka všetci ju začali volať presne tak – „triumf, dovolenka“, ako znie v preklade Gala. Po štyroch rokoch korešpondencie a zriedkavých stretnutí sa proti vôli Paulových rodičov vydali a dokonca sa im narodila dcéra Cecile. Ako však viete, voľná morálka, ktorá tvorí základ rodinných vzťahov, nie je najlepším spôsobom, ako zachrániť manželstvo. Uplynuli ďalšie štyri roky a umelec Max Ernest sa objavil v živote manželov Eluardovcov, ktorí sa usadili v ich dome ako Galin oficiálny milenec. Hovorí sa, že nikto z nich sa nesnažil utajiť milostný trojuholník. A potom stretla Dalího.

"Chlapče môj, už sa nikdy nerozlúčime," jednoducho povedala Gala Eluard a navždy vstúpila do jeho života. „Vďaka svojej jedinečnej, bezodnej láske ma vyliečila z... šialenstva,“ povedal a skandoval meno a podobu svojej milovanej všetkými spôsobmi – v próze, poézii, maľbe, sochách. Rozdiel desiatich rokov - podľa oficiálnej verzie sa ona narodila v roku 1894 a on v roku 1904 - ich netrápil. Táto žena sa pre neho stala matkou, manželkou, milenkou – alfou a omegou, bez ktorej si umelec už nevedel predstaviť svoju existenciu. "Gala som ja," ubezpečil seba a svoje okolie, keď v nej videl svoj odraz a podpísal dielo ako "Gala - Salvador Dalí." Je ťažké povedať, aké bolo tajomstvo jej magickej moci nad týmto mužom: pravdepodobne sa sám nikdy nepokúšal analyzovať, ponorený do pocitu, ako v nekonečnom mori. Rovnako ako je nemožné pochopiť, kto v skutočnosti je a odkiaľ pochádza: údaje, ktoré boli doteraz uvedené vo všetkých referenčných knihách, boli nedávno spochybnené výskumníkmi - a existuje na to dôvod. Ale je to naozaj také dôležité? Koniec koncov, Gala je mýtus vytvorený Daliho predstavivosťou a jej vlastnou túžbou zachovať ho.

Gala je moja jediná múza, môj génius a môj život, bez Gala nie som nič.

Salvador Dalí

V jednom z desiatok svojich portrétov, urobených v nahom štýle, umelkyňa zobrazila svoju milovanú ako mýtickú hrdinku, ktorá vdýchla nový význam príbehu starému ako svet. Tak sa zrodila jeho „atómová Leda“.

Podľa legendy bola Leda, dcéra kráľa Thestia, vydatá za vládcu Sparty Tyndarea. Zeus, uchvátený jej krásou, zviedol ženu a prišiel k nej v podobe... Labute. Porodila dvojičky Castora a Polydeucesa a dcéru, krásnu Helenu, známu ako Helena Trójska. Čarodejník Dali týmto prirovnaním pripomenul ostatným nadpozemský šarm svojej milovanej Gala-Eleny: Sám Salvador ani minútu nepochyboval o exkluzivite jej externých údajov, keďže svoju manželku považoval za najkrajšiu medzi smrteľníkmi. Pravdepodobne preto bol tento n-tý portrét Galy vytvorený v súlade s „božským podielom“ Fra Luca Paccioliho a na majstrovskú žiadosť urobil matematik Matila Ghika niekoľko výpočtov pre obraz. Na rozdiel od tých, ktorí verili, že exaktné vedy sú mimo umeleckého kontextu, Dali si bol istý: každý významnú prácu umenie musí byť založené na kompozícii, a teda na výpočte. Za zmienku stojí, že dôsledne overoval nielen vzťah predmetov na plátne, ale aj vnútorný obsah kresby, zobrazujúcej vášeň v súlade s modernou teóriou... „bezkontaktnosti“ vnútroatómovej fyziky. Jeho Leda sa nedotýka Labute, nespočíva na sedadle vznášajúcom sa vo vzduchu: všetko pláva nad morom, čo sa nedotýka pobrežia... „Atómová Leda“ bola dokončená v roku 1949, podľa Dalího pozdvihla Gala, na úroveň „bohyne mojej metafyziky“ Následne už nikdy nevynechal príležitosť oznámiť jej výnimočnú rolu v jeho živote.

V neskorších rokoch však ich vzťah ochladol. Gala sa rozhodla usadiť oddelene a daroval jej zámok v španielskej dedine Pubol, ktorý sa neodvážil navštíviť bez toho, aby predtým získal písomné povolenie od svojej manželky. A v roku, keď zomrela, zomrel aj Dali: hoci po jej odchode zostal na Zemi sedem dlhé roky, existencia stratila zmysel, pretože oslava jeho života sa skončila.

Karl Bryullov „Bathsheba“ 1832 Štátna Treťjakovská galéria, Moskva

Príbeh o spletitosti osudu pôvabnej Batsheby už po stáročia priťahuje pozornosť historikov, básnikov a dokonca aj astronómov: na jej počesť je pomenovaný asteroid. Tak či onak, boli to práve jej mimoriadne vonkajšie vlastnosti, ktoré sa stali príčinou všetkých jej strastí i radostí. Niektorí obvinili Bathshebu z nevhodného správania, iní verili, že jediným zločinom tejto ženy bolo, že bola neprijateľne krásna.

A začal sa tento príbeh, ktorý úplne zmenil hrdinkin život, okolo deväťsto pred Kristom... „Raz večer, kráľ Dávid vstal z postele, vyšiel na strechu kráľovského domu a uvidel... kúpajúcu sa ženu; a tá žena bola veľmi krásna. A Dávid poslal, aby zistil, kto je táto žena. A povedali mu: Toto je Batšeba, dcéra Eliama, manželka Chetejca Uriáša. Dávid poslal sluhov, aby ju vzali; a prišla k nemu...“ – takto opisuje Kniha kníh moment, keď sa stretli. Správa o tom, že osoba, ktorá sa mu páčila, bola vydatá za jeho veliteľa, kráľa zrejme netrápila. Aké city opantali samotnú Bathshebu, história mlčí. Aby Dávid odstránil jej manžela, nariadil „umiestniť Uriáša tam, kde bude najsilnejší boj, a ustúpiť od neho, aby bol porazený a zomrel“. Len čo sa povie, tak urobí. Čoskoro veľvyslanec Davidovi oznámil, že jeho vôľa sa splnila. To znamená, že nič iné mu nebráni v tom, aby si Batshebu vzal za svoju zákonitú manželku.

Po termíne porodila kráľovi syna. Obozretný vládca všetko vypočítal a starostlivo uvoľnil cestu k manželskému šťastiu. Nebral do úvahy len jednu vec: porušenie prikázaní malo za následok trest. On a jeho milovaná plne odpovedali za svoje hriechy - ich prvorodený žil len niekoľko dní. Druhým dedičom páru bol Šalamún, ktorého meno je spojené s mnohými mýtmi a legendami. Ale to je úplne iný príbeh.

Maliari si dali záležať aj na zápletke a osudný okamih žene všemožne prihrali. Medzi nimi je „ Veľký Karol“, ako Bryullova nazývali jeho súčasníci. Pravda, majstra „svetla a vzduchu“ nelákalo ani tak biblické rozprávanie, ako skôr možnosť predviesť svoj „dekoratívny dar“. Osvetlená silueta, voda pri jej pôvabných nohách, pri ruke sotva viditeľná vážka s priehľadnými krídlami... „Mramorovú belosť pokožky podčiarkuje postava čiernej slúžky, ktorá prináša obraz svetla chuť erotiky,“ píšu o nej kritici umenia. A pamätajú si zmyselnosť...

Existuje predpoklad, že modelom pre tento obraz, ktorý zostal nedokončený, bola umelcova krásna milenka Julia Samoilova, šokujúca grófka, o ktorej nie sú o nič menej legiend ako o účastníkoch tohto historického eposu. „Boj sa jej, Karl! Táto žena nie je ako ostatné. Mení nielen svoju lojalitu, ale aj paláce, v ktorých žije. Ale súhlasím a budete súhlasiť, že sa z nej môžete zblázniť, “hovoria, že princ Gagarin, v ktorého dome sa zoznámenie stalo, varoval Bryullov: mal čo do činenia s ohňom. Plameň Julie Pavlovny, ktorý pálil srdcia iných, sa však v prípade Karla ukázal ako životodarný. V priebehu rokov sa navzájom podporovali, zostali okrem iného blízkymi priateľmi. „Milujem ťa viac, ako dokážem vysvetliť, objímam ťa a budem ti duchovne oddaný až do hrobu. Julia Samoilova“ - takéto správy poslal excentrický milionár „drahému Brishkovi“ z rôznych krajín, kde bol v tom čase on sám. A dal večnosti vzhľad svojej milovanej, obdaril ju črtami najkrajších žien na svojich početných plátnach. Možno len Samoilovej sa podarilo obmedziť maestrov drsný temperamentný temperament - zdá sa, že pre neho neexistovali žiadne iné zákony. „Za zjavením mladého helénskeho boha sa skrýval vesmír, v ktorom sa miešali nepriateľské princípy a buď vybuchli v sopku vášní, alebo tiekli sladkým leskom. Bol celý vášňou, nič nerobil pokojne, ako to robia obyčajní ľudia. Keď v ňom vreli vášne, ich výbuch bol hrozný a kto stál bližšie, dostal sa viac,“ napísal o Bryullovovi súčasník. Samotnému Karlovi bolo jedno, čo hovoria o jeho postave, pretože jeho talent bol nepochybný.

Mimochodom, pani Samojlová je jedna z mála, ktorá ho podporila vo chvíli zúfalstva, keď sa po absurdnom sobáši ocitol štyridsaťročný umelec v centre pozornosti všetkých a nevľúdnej zvedavosti. Jeho manželkou bola osemnásťročná Emilia Timm, dcéra rigského purkmistra. „Vášnivo som sa zamiloval... Rodičia nevesty, najmä môj otec, okamžite plánovali vydať ma za ňu... Dievča hralo rolu milenky tak šikovne, že som nemal podozrenie na podvod...“ neskôr povedal. A potom ma „ohovárali na verejnosti...“ Skutočným dôvodom „hádky“ s mojou novou manželkou bol špinavý príbeh, do ktorého bola zapletená. „Pocítil som tak silno svoje nešťastie, hanbu, zničenie mojich nádejí na domáce šťastie... že som sa bál, že prídem o rozum,“ napísal o dôsledkoch manželstva, ktoré trvalo len niekoľko mesiacov. V tej chvíli sa objavila Júlia, ktorá opäť vytrhla „Brichku“ zo svojich pochmúrnych myšlienok a vtiahla ju do víru plesov a maškarných sprievodov, ktoré gróf Slavyanka usporadúval na svojom milovanom panstve. Neskôr predala „Slavyanku“ a vydala sa v ústrety novej láske a novým dobrodružstvám. Bryullov tiež nezostal dlho vo svojej vlasti: Poľsko, Anglicko, Belgicko, Španielsko, Taliansko - veľa cestoval a maľoval, maľoval, maľoval... Pri ďalšej ceste zomrel - v mestečku Manziana pri Ríme.

Julia prežila Karla o dvadsaťtri rokov, pochovala dvoch manželov - bývalú manželku grófa Nikolaja Samoilova a mladý spevák Peri. „Očití svedkovia, ktorí ju videli v tomto období jej života, povedali, že vdovský smútok jej veľmi pristal, zdôrazňoval jej krásu, no použila ho veľmi originálnym spôsobom. Samojlová posadila deti do najdlhšieho vlaku smútočných šiat a ona sama... kotúľala deti smejúce sa od rozkoše po zrkadlových parketách svojich palácov.“ Po nejakom čase sa opäť vydala.

Nie je známe, čo legendárna kráska Bathsheba, ktorej meno sa prekladá ako „dcéra prísahy“, sľúbila nebo alebo ľudí, ale môžeme s istotou povedať: Julia Samoilova si v mladosti sľúbila, že nestratí odvahu a dodržal to.

Rembrandt Harmens van Rijn „Danae“ 1636 Ermitáž, Petrohrad

Staroveká grécka kráska Danae už po stáročia priťahuje pozornosť umelcov. Bokom nezostal ani Holanďan Rembrandt van Rijn, ktorý dal mýtickej princeznej črty dvoch svojich obľúbených žien.

Tento príbeh sa začal v nepamäti, keď starogréckych bohov Vo všetkom boli podobní ľuďom a ľahko s nimi komunikovali a niekedy dokonca začali romantické vzťahy. Pravda, často, keď si užili rozkoše pozemského čarodejníka, nechali ju napospas osudu a vrátili sa na vrchol Olympu, aby obklopení božskými priateľmi navždy zabudli na svoju prchavú zamilovanosť. Presne to sa stalo Danae, dcére kráľa Argive Acrisius.

Následne si najtalentovanejší muži považovali za povinnosť povedať svetu o vzostupoch a pádoch jej života: dramatici Aischylos, Sofokles, Euripides jej venovali drámy a tragédie, dokonca sa o nej zmienil aj Homér v Iliade. A Tizian, Correggio, Tintoretto, Klimt a ďalší maliari to zobrazili na svojich plátnach. A nie je prekvapujúce: nie je možné byť ľahostajný k osudu dievčaťa, ktoré sa stalo obeťou osudu. Faktom je, že jedného dňa orákulum predpovedalo smrť jej otca z rúk jeho vnuka - syna, ktorého Danae porodí. Aby sa Acrisius ochránil, vzal všetko pod prísnu kontrolu: nariadil, aby svoju dcéru uväznili v žalári a pridelil jej slúžku. Rozumný kráľ bral do úvahy všetko, až na jednu vec – že sa do nej nezamiluje obyčajný smrteľník, ale sám Zeus, hlavný z olympských bohov, pre ktorého sa všetky prekážky ukázali ako ničotné. Mal podobu zlatého dažďa a do miestnosti vošiel cez malý otvor... Moment jeho návštevy bol pre umelcov v tomto komplikovanom príbehu najpríťažlivejší. Dôsledkom stretnutia medzi Zeusom a Danae bol syn Persea, ktorého tajomstvo narodenia bolo čoskoro odhalené: starý otec Acrisius počul plač prichádzajúci z podzemných komôr... Potom prikázal vložiť svoju dcéru a dieťa do suda a hodiť ich do otvorené more... To mu však nepomohlo vyhnúť sa predpovedi: Perseus vyrástol, vrátil sa do svojej vlasti a počas účasti na súťaži v hode diskom ich náhodou zasiahol v Acrisius... „Osud...“ - povzdychol si svedkov toho, čo sa stalo. Keby len vedeli, že osud samotnej „Danae“, zrodenej Rembrandtovým štetcom, nebude o nič menej dramatický!...

Portrét Rembrandta Harmensa van Rijna. 1648

"Ktorý z obrazov vo vašej zbierke je najcennejší?" Hovorí sa, že to bola otázka, ktorú jeden návštevník ráno 15. júna 1985 položil správcovi jednej zo sál Ermitáže. „Danae“ od Rembrandta,“ odpovedala žena a ukázala na plátno zobrazujúce luxusnú nahú dámu. Kedy a ako muž vytiahol fľašu a nastriekal tekutinu na obraz, nevedela: všetko sa stalo náhle. Zamestnanci, ktorí pribehli, aby počuli krik, videli iba bublinu farby a zmenu farby: kvapalina sa ukázala ako kyselina sírová. Útočníkovi sa navyše podarilo obraz dvakrát bodnúť nožom... To, že štyridsaťosemročného Litovčana Broniusa Maigisa neskôr uznali za psychicky labilného a poslali na liečenie, nezmiernilo závažnosť jeho zločinu. „Keď som to prvýkrát videl počas procesu reštaurovania, nedokázal som zadržať slzy,“ priznal riaditeľ Ermitáže Michail Piotrovskij. - Predovšetkým preto, že to bolo iné „Danae“. Hoci po reštaurovaní, ktoré trvalo dvanásť rokov, sa plátno vrátilo do múzea, 27 percent obrazu muselo byť úplne obnovených: celé fragmenty vytvorené maestrovým štetcom boli nenávratne stratené. Ale práve tento portrét namaľoval so zvláštnou láskou: ako model mu slúžila jeho zbožňovaná žena, manželka Saskia. Ich manželstvo trvalo niečo vyše osem rokov: po narodení manželovi štyri deti, z ktorých len jedno prežilo - Titus - zomrela. O niekoľko rokov neskôr sa Rembrandt zaľúbil do guvernantky svojho syna Gertje Dirks. Existuje predpoklad, že „Danae“ získala nové črty, ktoré prežili dodnes, aby ju potešila, zmenila sa tvár a póza, „hlavná postava“ zápletky, zlatý dážď, zmizla. Ale táto okolnosť bola odhalená až v polovici dvadsiateho storočia, keď sa pomocou fluoroskopie pod vrstvou farby našiel skorší obraz Saskie. Umelec tak spojil portréty oboch žien. Toto uklonenie sa Gertierovi však nepomohlo zachrániť vzťah s ňou: čoskoro podala na Rembrandta žalobu, v ktorej ho obvinila z porušenia manželskej povinnosti (údajne sa s ňou v rozpore so svojimi sľubmi neoženil). Verí sa, že skutočný dôvod Prestávkou bol mladý Hendrikje Stoffels, jeho nová slúžka a milenka. V tom čase sa záležitosti niekdajšieho úspešného, ​​obľúbeného a bohatého maliara pokazili: zákaziek bolo stále menej a menej, jeho majetok sa roztopil a dom sa predal pre dlhy. „Danae“ s ním zostala až do predaja v roku 1656, potom sa jej stopa stratila...

Stratu objavili až v 18. storočí – v zbierke slávneho francúzskeho zberateľa Pierra Croza. Po jeho smrti v roku 1740 ho spolu s ďalšími majstrovskými dielami zdedil jeden z troch synovcov znalca umenia. A potom ho na radu filozofa Denisa Diderota získala ruská cisárovná Katarína II., ktorá v tom čase vyberala obrazy do Ermitáže.

„Bol to výstredník prvej triedy, ktorý pohŕdal všetkými... Pracovne zaneprázdnený, nesúhlasil by s prijatím úplne prvého panovníka na svete a musel by odísť,“ napísal o Rembrandtovi Talian Baldinucci. ktorého meno sa v dejinách zachovalo len vďaka tomu, že sa stal náhodou životopiscom „excentrického“ Rembrandta.

Amedeo Modigliani „Nahý sediaci na pohovke“ („Krásna rímska žena“), 1917, súkromná zbierka

Tento obraz, vystavený takmer pred storočím v parížskej galérii medzi inými Modiglianiho dielami zobrazujúcimi nahé krásky, vyvolal obrovský škandál. A v roku 2010 sa stal jedným z najdrahších žrebov na najprestížnejšej aukcii.

"Prikazujem vám, aby ste okamžite odstránili všetky tieto odpadky!" - týmito slovami stretol komisár Rousslot slávnu galeristku Berthu Weilovú, ktorú si na stanicu zavolal 3. decembra 1917. „Sú však odborníci, ktorí nezdieľajú váš názor,“ poznamenala Bertha, v ktorej galérii je niekoľko Pred hodinami sa otvorila prvá výstava tridsaťtriročného Amedea Modiglianiho, ktorá už prilákala množstvo ľudí. Hlavným lákadlom pre návštevníkov boli nahé obrázky dám umiestnených vo výklade. V skutočnosti to povedal Poliak Leopold Zborowski, Modiho priateľ a objaviteľ, ktorý sa stal jeho novým umeleckým agentom a iniciátorom tejto vernisáže, rátal s tým, že akokoľvek nahý dokáže upútať zvedavú pozornosť?! Leo nerátal s tým, že v dome oproti bola polícia. stanice a že jej obyvateľov by veľmi zaujímal dôvod takého davu ľudí. „Ak okamžite nesplníte môj rozkaz, nariadim svojim policajtom, aby všetko skonfiškovali!“ - skríkol rozhorčene komisár. A Berta s ťažkosťami zadržiavajúc úsmev si pomyslela: "Aká idylka: každý policajt s krásnym aktom v rukách!" Neodvážila sa však polemizovať a galériu okamžite zatvorila a tamojší hostia jej pomáhali odstraňovať „neslušné“ obrazy zo stien. V rokoch 1916 – 1917 bolo na objednávku Zborowskiho asi tridsať plátien, ale uplynulo veľa času. sofistikovaní znalci a znalci maľby ich uznávali ako majstrovské diela a nazývali ich „triumfom nahoty.“ O výstave však už vtedy hovoril celý Paríž a niektorí francúzski a zahraniční zberatelia sa začali vážne zaujímať o prácu „bezdomovcov“. tulák“ Dodo, ako ho volali kamaráti.

Aj keď spravodlivo treba povedať, že v tom čase už nebol bezdomovec: v lete 1917 Amedeo a jeho milovaná mladý umelec Jeanne Hebuterne, s ktorou sa stretol krátko pred opísanými udalosťami, si prenajala malý byt - dve prázdne izby. „Čakám na jediného, ​​ktorý sa stane mojou večnou láskou a ktorý ku mne často prichádza v mojich snoch,“ priznal raz umelec jednému zo svojich priateľov. Tí, ktorí Modi osobne poznali, povedali, že po stretnutí so Zhannou sa pre Amedea spojili sen a realita. Portrét v klobúku, na pozadí dverí, v žltom svetri – za štyri roky, čo sme spolu žili, bolo viac ako dvadsať obrazov s jej podobizňou. Sám Dodo ich nazval „vyhláseniami lásky na plátne“. „Je to ideálna modelka, vie sedieť ako jablko, bez pohybu a tak dlho, ako to potrebujem,“ napísal bratovi.

Jeanne sa do Amedea zamilovala za to, aký bol – hlučný, neviazaný, smutný, búrlivý, nepokojný – a rezignovane ho nasledovala, kamkoľvek zavolal. Rovnako ako Modi následne bez váhania urobil akékoľvek rozhodnutie: mal by namaľovať tri tucty nahých čarodejníc, pričom by s každou z nich zostal celé dni v tete-a-tete? Takže takto to má byť! „Predstavte si, čo sa stalo dámam, keď videli pekného Modiglianiho kráčať po bulvári Montparnasse so skicárom, ktorý mal k dispozícii, oblečeného v sivom velúrovom obleku s laťkovým plotom z farebných ceruziek vyčnievajúcim z každého vrecka, s červenou šatkou a veľkým čierny klobúk. Nepoznám jedinú ženu, ktorá by odmietla prísť do jeho ateliéru,“ zaspomínala si maliarova kamarátka Lunia Czechowska. Poslúžili ako modely pre šokujúcu výstavu.

Neskôr sa Amedeo neraz vrátil k svojej obľúbenej téme – portrétom priateľov a náhodných modeliek, ktoré mu pózovali v Eviných kostýmoch –, za čo mu obyčajní ľudia vyčítali jeho vášeň. Neprikladal tomu však žiadnu dôležitosť, pretože samotnému Modimu sa zdalo, že je zrejmé, že ho nepriťahuje povrch „telesnej štruktúry“, ale jej vnútorná harmónia. Môže byť krása nehanebná? Mimochodom, na tomto základe mal Dodo konflikt so starším géniom Augustom Renoirom, ktorý sa ako majster zaviazal radiť svojmu mladému bratovi: „Keď maľuješ nahú ženu, musíš... jemne, jemne pohybujte štetcom po plátne, akoby ste ho hladili.“ V tom Modigliani vzplanul a ostro hovoril o zmyselnosti starého muža a odišiel bez rozlúčky.

O „jedinečnom malátnom pokušení“ a „erotickom obsahu“ jeho obrazov sa budú rozprávať neskôr, keď už spevák nahého tela nebude nažive. Po prenesení autora do iného sveta sa vďační potomkovia konečne pozrú na diela „žobráka Doda“ a začnú ich oceňovať na milióny dolárov, pričom budú viesť aukčné bitky o právo platiť viac ako konkurenti. Podobný rozruch vyvolala aj „Sediaci akt na pohovke“ („Krásna Rimanka“). Bol daný na predaj v New Yorku 2. novembra 2010 v slávnom Sotheby’s a dostal sa do súkromnej zbierky za takmer šesťdesiatdeväť miliónov dolárov, čím „stanovil absolútny cenový rekord“. „Ako obvykle, nepropagujem meno nového majiteľa

"Prečo sa ho nesnažíš nejako ovplyvniť, keď umiera na opitosť a progresívnu tuberkulózu?" - spýtal sa jeden z blízkych priateľov páru Hebuterne, uvedomujúc si, aký je Amedeo chorý. "Modi vie, že musí zomrieť." Bude to pre neho lepšie. Len čo zomrie, každý pochopí, že je génius,“ odpovedala. Deň po Modiglianiho smrti ho Jeanne nasledovala do večnosti a vystúpila z okna. A jeden z tých, ktorí sa prišli rozlúčiť s umelcom a jeho múzou, si spomenul na slová majstra: "Šťastie je krásny anjel so smutnou tvárou." „Áno,“ sucho informovali médiá, ktoré sledovali elitnú aukciu.

Pierre Auguste Renoir „Nahý“ Štátne múzeum z roku 1876 výtvarné umenie pomenovaná po A. S. Puškinovi, Moskva

„Spevák žien, nahota, vládca kráľovstva dám“ - takto nazval umelca jeden z životopiscov pre jeho majstrovskú schopnosť sprostredkovať akty na plátne. Nie všetkým jeho súčasníkom sa však páčila obľúbená téma maestra.

"Ešte som nevedel chodiť, ale už som rád maľoval dámy," často opakoval Auguste. "Ak Renoir povedal: "Milujem ženy," toto vyhlásenie neobsahovalo ani najmenšiu hravú narážku, ktorú si ľudia začali klásť. slovo „láska“ XIX. storočie. Ženy všetkému dokonale rozumejú. S nimi sa svet stáva úplne jednoduchým. Privádzajú všetko k jeho pravej podstate a veľmi dobre vedia, že ich umývanie nie je o nič menej dôležité ako ústava Nemeckej ríše. Cítite sa viac nebolo pre neho ťažké dať mi predstavu o pohodlí a sladkosti teplého hniezda svojho detstva: sám som vyrastal v rovnakom láskyplnom prostredí,“ napísal vo svojich spomienkach slávny francúzsky režisér Jean Renoir. svojho otca, uisťujúc, že ​​jeho bohaté milostné skúsenosti viedli jeho otca k tomu, že si na sklonku života vytvoril svoj vlastný pôvodný „koncept lásky“. Jeho podstata sa scvrkla do nasledovného: „Robíš hlúposti, kým si“ Nezáleží na tom, ak nemáte žiadne záväzky.“

Renoir starší vedel, čo hovorí: on sám sa prvýkrát oženil ako štyridsaťdeväťročný a odvtedy sa podľa rozprávania svojich blízkych stal najvzornejším manželom a starostlivým otcom troch synov. ktorého porodila jeho milovaná žena Alina Sherigo. Keď sa stretli, dievča malo niečo cez dvadsať a umelec sa pripravoval na oslavu svojich štyridsiatich narodenín. Pekná krajčírka Alina, s ktorou sa každý deň stretával v kaviarni neďaleko svojho domova, sa ukázala byť úplne podľa jeho vkusu: svieža mladá pleť, ružové líca, trblietavé oči, krásne vlasy, zvodné pery. A hoci Sherigo nerozumel maľbe a samotný maestro nebol ani bohatý, ani pekný a na oficiálny návrh musel čakať takmer desať rokov, kráske to nebránilo, aby v ňom videla svojho budúceho manžela - jediného. A samotný Renoir v nej našiel nielen oddanú manželku, ale aj najlepšiu modelku na svete - často pózovala pre Augusta a priznala: „Ničomu som nerozumela, ale rada som ho sledovala pri písaní.“ „Renoira priťahovali ženy typu „mačka“. Alina Sherigo bola dokonalosť v tomto žánri,“ napísal ich syn Jean. A mizogýn Edgar Degas, ktorý ju videl na jednej z výstav, povedal, že vyzerá ako kráľovná na návšteve potulných akrobatov.

Model tam musí byť, aby ma zapálil, prinútil vymyslieť niečo, čo by ma bez neho nenapadlo, aby ma udržal v medziach, ak sa nechám príliš uniesť.

Pierre Auguste Renoir

„Je mi ľúto mužov, ktorí dobývajú ženy. Ich práca je ťažká! Deň a noc v službe. Poznal som umelcov, ktorí nevytvorili nič hodné pozornosti: namiesto toho, aby maľovali dámy, zvádzali ich,“ „sťažoval sa“ kedysi svojim kolegom usadený Renoir. O vzťahoch, ktoré ho v mladosti spájali s početnými Palettes, Cosettes a Georgettes, radšej mlčal. Napriek tomu to boli práve oni, nezaťažení prílišnou škrupulóznosťou obyvateľa Montmartru, ktorí maliarovi často pózovali. Jednu z nich, Annu Leberovú, priviedol do svojho ateliéru priateľ a o nejaký čas neskôr ľahko rozpoznal známe črty obrazu „Nahé v slnečnom svetle“: umelec tento obraz vystavil na druhej výstave impresionistov. Niektorí historici umenia sa domnievajú, že Anna sa stala modelom slávneho „Nude“ – nazýva sa aj „Bather“ a vďaka svojmu špeciálnemu farebnému prevedeniu „Pearl“. Ak sú odhady odborníkov správne, potom sa osud tejto luxusnej ženy „vo svojej podstate“ ukázal ako nezávideniahodný: nakazila sa kiahňami a zomrela v rozkvete života a krásy...

V roku 1876 však ani Anna, ani Auguste, ktorí sa s Alinou ešte nestretli, nevedeli, čo ich v budúcnosti čaká. Preto mohol celý deň bez rozpakov hľadieť na krivky jej tela, aby dodal portrétu (tak sa toto dielo volá) hmatateľnosť. Niet divu, že sa priznal: „Pokračujem v práci na aktoch, až kým nebudem chcieť priškrtiť plátno.“

Mimochodom, jeho obrazy sa začali nazývať „malebné symfónie“ a „majstrovské diela impresionizmu“, medzi ktoré patrili aj „akty“, až o niekoľko rokov neskôr. Na vernisáži tých rokov umelecký kritik Albert Wolff, ktorý videl jeden z Renoirových aktov, prepukol na stránkach novín Le Figaro do nahnevanej tirády: „Vštepte pánovi Renoirovi, že ženské telo- toto nie je hromada rozkladajúceho sa mäsa so zelenými a fialovými škvrnami, ktoré naznačujú, že mŕtvola je už v plnom prúde!" Sám majster, obdarený šťastnou charakteristikou vnímania sveta v pestrých farbách, neprikladal svojmu útoku veľký význam a pokračoval v písaní spôsobom, ktorý je charakteristický len pre neho, na radosť svojich obdivovateľov – súčasných i budúcich. Jeho dušu napokon okrem lásky k rodine ovládala až do konca jeho dní jediná vášeň – maľovanie. A aj keď v dôsledku choroby jeho prsty neudržali štetec, pokračoval v maľovaní a priviazal si ho k ruke.

"Dnes som si niečo uvedomil!" - hovoria, že tieto slová povedal sedemdesiatosemročný Renoir predtým, ako šiel do posledný spôsob- stretnúť sa so svojou milovanou Alinou, ktorá zomrela pred štyrmi rokmi.

Diego Velazquez Venuša so zrkadlom (Rokeby Venuša) 1647-1651 Národná galéria, Londýn

Súčasníci Diega Velazqueza ho považovali za miláčika osudu: umelec mal nielen šťastie vo všetkých svojich snahách, ale mal aj to šťastie, že sa vyhol požiaru inkvizície za zobrazovanie ženskej nahoty. Jeho škandalóznemu obrazu sa však nepodarilo uniknúť „odplate“...

"Kde je obrázok?!" - zvolal francúzsky romantický básnik Théophile Gautier obdivujúc jeden z obrazov Španiela Diega Rodrigueza de Silva y Velazquez A pápež Inocent X. poznamenal: „Príliš pravdivé.“ Avšak odvaha a schopnosť neprikrášľovať realitu, ktorá sa časom stala Majstrovská vizitka, nie každému sa páčila: sprievod kráľa Filipa IV., ktorý si vážil Diegov božský dar, ho považoval za arogantného a narcistického povýšenia. Velazquez, zanietený pre svoje umenie, však neplytval energiou na verbálne hádky, a preto kvalita jeho práce len prospela a jeho vzdelanie vzbudzovalo obdiv obdivovateľov. Napríklad jeden zo životopiscov, Antonio Palomino, napísal, že ešte v mladosti sa Diego „venoval štúdiu krásnej literatúry a znalosti jazykov a filozofia prekonala mnohých ľudí svojej doby.“ Už prvý portrét, na ktorý kráľa presvedčil mocný dvoran a vojvoda de Olivares, rodák zo Sevilly, si panovníka natoľko obľúbil, že pozval dvadsaťštyriročného Velazquez, aby sa stal dvorným umelcom. A on, samozrejme, súhlasil. Čoskoro sa medzi nimi vytvorili priateľské vzťahy. Maliar a teoretik umenia Francisco Pacheco, ktorého študent Diego bol v mladosti, neskôr napísal, že „veľký panovník sa ukázal byť prekvapivo veľkorysý a podporoval Velazqueza. Umelcov ateliér sa nachádzal v kráľovských apartmánoch, kde bolo inštalované kreslo pre Jeho Veličenstvo. Kráľ, ktorý mal kľúč, sem chodil takmer každý deň, aby dohliadal na prácu.“ História mlčí o tom, ako Pacheco reagoval na skutočnosť, že jeho talentovaný zverenec začal na dlhú dobu opúšťať svoju rodinu a odišiel do iných krajín ako dvoran. Aj keď sa o Velazquezovej manželke Juane Mirande vie len veľmi málo - a len fakt, že bola Pachecovou dcérou, je nepopierateľný. Juana dala svojmu manželovi dcéry Francisco a Ignacia. Mimochodom, Francisca zopakovala osud svojej matky - vydala sa aj za obľúbeného študenta svojho otca Juana Batistu del Mazo. Je pravda, že Diego sa zjavne oveľa menej podieľal na životoch svojich blízkych ako na štátnych záležitostiach.

„Výborne vzdelaný a dobre vychovaný človek„, ktorý mal pocit vlastnej hodnoty,“ povedal o ňom benátsky umelec a spisovateľ Marco Boschini. Takýmto vyslancom bol vynikajúci predstaviteľ španielskeho dvora mimo vlasti. Hoci Philip svojho miláčika len neochotne pustil, Velazquez mal možnosť vydať sa na dlhé cesty do zahraničia viackrát. Prvýkrát sa vydal na výlet do Talianska v roku 1629 a s potešením objavil celý svet talianskeho maliarstva. Druhá cesta do tejto krajiny trvala od roku 1648 do roku 1650: v mene Philipa sa Diego zaoberal výberom umeleckých diel do kráľovskej zbierky. Verí sa, že vzhľad jedného z najslávnejších a najúžasnejších Velázquezových obrazov je spojený s týmto výletom: vytvorenie „nehanebného“ majstrovského diela bolo údajne inšpirované obrazmi veľkých Talianov Michelangela, Tiziana, Giorgioneho, Tintoretta, ktorí ich neodmysliteľná odvaha zachytila ​​rozkoš nahých mýtických krások.

„Venuša a Amor“, „Venuša so zrkadlom“, „Venuša Rokeby“ – nech už je názov plátna po stáročia akýkoľvek! Jeho jedinečnosť však nespočíva len v šikovnosti autora: je to jediný zachovaný Velazquez akt. Ako je známe, veľkí inkvizítori, ktorých krutosť a nekompromisný postoj k tým, ktorí porušovali zákony, ktoré zaviedli, získali smutnú slávu, považovali takéto slobody za neprijateľné. „Vytváraním zmyselných nahých postáv na plátne sa maliari stávajú sprievodcami diabla, zásobujú ho nasledovníkmi a obývajú kráľovstvo pekla,“ povedal jeden zo zanietených kazateľov viery José de Jesus Maria. V tomto prípade bola krása - so zrkadlom alebo bez neho najlepšia ilustráciačo bolo povedané. A Diego by spálil, ak nie v pekle, tak určite na hranici, keby všetci účastníci „zločinu“ nezatajovali všetko, čo sa týkalo tohto obrazu. Je možné, že jeho tvorcu zachránilo pred trestom najvyššie patronát. Práca bola pravdepodobne objednaná jedným z najušľachtilejších ľudí v Španielsku a prvá zmienka o nej pochádza z roku 1651: bola objavená pri inventarizácii zbierky príbuzného vplyvného Olivaresa, markíza del Carpio. O tom, ktorá z dám slúžila ako modelka, sa stále vedú debaty. Podľa jednej verzie Diega pózovala slávna madridská herečka a tanečnica Damiana, ktorá bola milenkou Markízy, vášnivá zberateľka, znalkyňa umenia a pekných žien. Podľa iného predpokladu dal Talian svoje telo Venuši. Možno bola Velazquezovou tajnou milenkou: hovoria, že aféra sa skutočne odohrala, na čo údajne existujú dôkazy. Rovnako ako dôkaz, že krátko po tom, čo umelec odišiel do Španielska, mal syna, na ktorého údržbu Diego posielal prostriedky.

A toto nie je posledné tajomstvo „Venuše“. Milovníci mystiky tvrdia, že každý nasledujúci majiteľ skrachoval a bol nútený dať obraz do predaja. Takto putovala z ruky do ruky, až sa ocitla na anglickom panstve Rokeby Park v grófstve Yorkshire, ktoré mu dalo jedno z jeho mien. A v roku 1906 obraz získala londýnska Národná galéria: tam sa 10. marca 1914 odohral nasledujúci príbeh...

kde je obraz? Na vašom obrázku sa všetko zdá skutočné, ako na zrkadlovom skle.

Francisco de Quevedo

Do sály, kde sa nachádzalo plátno, vstúpilo neobyčajné dievča. Keď sa priblížila k majstrovskému dielu, schmatla nôž zo svojho lona a skôr, ako ju stráže stihli zastaviť, udrela sedemkrát. Počas vyšetrovania Mary Richardson vysvetlila svoj čin takto: „Venuša so zrkadlom“ sa stala predmetom túžby mužov. Títo sexisti sa na ňu pozerajú ako na pornografickú pohľadnicu. Ženy na celom svete sú mi vďačné, že som to ukončil!“ Neskôr sa ukázalo, že slečna Richardsonová bola sufražetka – účastníčka hnutia za udelenie volebných práv ženám. A takýmto neoriginálnym spôsobom sa snažila upozorniť verejnosť na osud Emmeline Pankhurst, šéfky tohto hnutia, ktorá bola opäť vo väzení, kde držala hladovku.

A „Venuša“ bola obnovená: o tri mesiace neskôr sa vrátila do galérie. A tam, ako pred storočiami, obdivuje svoj odraz.

Edouard Manet „Olympia“ 1863 Múzeum Orsay, Paríž

Tento obraz namaľovaný presne pred 150 rokmi je dnes považovaný za majstrovské dielo impresionizmu a mnohí zberatelia snívajú o tom, že ho budú mať vo svojej zbierke. Jej prvé vystúpenie na prestížnom otváracom dni v 19. storočí však spôsobilo jeden z najväčších škandálov v dejinách umenia.

Édouard Manet, ktorý pravdepodobne očakával zlý príjem, sa neponáhľal, aby svoje dielo vystavil verejnosti. V tom istom roku 1863 sa mu už podarilo odlíšiť sa tým, že pred porotou predstavil „Raňajky v tráve“, ktorá bola okamžite ostrakizovaná: jeho model bol obvinený z vulgárnosti a nazval ho nahým pouličným dievčaťom, nehanebne umiestneným medzi dvoch švihákov. Sám autor bol obvinený z nemravnosti a nič hodné sa od neho neočakávalo. Ale priatelia, medzi ktorými bol aj slávny francúzsky básnik a kritik Charles Baudelaire, presvedčili majstra, že jeho nový výtvor nebude mať obdobu. A básnik Zachary Astruc, obdivujúci Venušu (verí sa, že dielo bolo napísané pod vplyvom Tizianovej „Venuše z Urbina“ a pôvodne bolo pomenované po bohyni lásky), okamžite pomenoval krásu Olympia a venoval básni „Dcéra of ostrov." Čiary z neho boli umiestnené pod plátno, keď sa ho o dva roky neskôr, v roku 1865, Manet konečne rozhodol ukázať na výstave Parížskeho salónu – jednej z najprestížnejších vo Francúzsku. Ale čo tu začalo!...

"Len čo sa Olympia stihne prebudiť zo spánku,

Čierny posol s náručou jari pred ňou;

To je posol otroka, na ktorého nemožno zabudnúť,

Premena noci lásky na kvitnúce dni,“ -

prví návštevníci čítali popisok k maľbe. No len čo sa pozreli na obraz, rozhorčene odišli. Žiaľ, poetická čipka, ktorá vzbudila ich priazeň, ani v najmenšom neovplyvnila ich postoj k samotnému dielu. „Práčovňa Batignolles“ (dielňa Edouarda sa nachádzala v štvrti Batignolles), „znamenie pre stánok“, „odaliska so žltým bruchom“, „špinavé zákruty“ - takéto epitetá sa ukázali ako najmiernejšie zo všetkých, ktoré urazili. dav ocenený Olympia. Ďalej - viac: „Táto brunetka je nechutne škaredá, jej tvár je hlúpa, jej pokožka je ako pokožka mŕtvoly“, „Gorila vyrobená z gumy a zobrazená úplne nahá“, „Zdá sa, že jej ruka je v obscénnom kŕči, “ ozvalo sa zo všetkých strán. Kritici sa stali sofistikovanejšími vo svojom vtipe a tvrdili, že „umenie, ktoré kleslo tak nízko, nie je ani hodné odsúdenia“. Manovi sa zdalo, že celý svet sa obrátil proti nemu. Dokonca aj tí, ktorí boli dobre naladení, neodolali komentáru: „Dám vám piky z balíčka kariet, práve teraz

Umelec Edouard Manet.

„vynoril sa z kúpeľa“ pomenoval jej kolega Gustave Coubret. „Tón tela je špinavý a nie je tam žiadny model,“ zopakoval básnik Théophile Gautier. Ale umelec len nasledoval príklad milovaného maliara, ktorého uznávajú všetci Diego Velazquez, a sprostredkoval ho rôzne odtienečierna... Avšak farebné úlohy, ktorú si sám stanovil a bravúrne vyriešil, verejnosť len málo znepokojila: fáma o tom, kto slúžil ako model pre jeho prácu, vyvolala takú vlnu všeobecného hnevu, že Olympii museli prideliť ochranku. O niečo neskôr bolo vedenie výstavnej siene nútené zdvihnúť ju do výšky, kam nedosiahli ruky ani palice „cnostnej verejnosti“. Umeleckí kritici a maliari boli pobúrení odklonom od kánonov - bývalo zvykom zobrazovať dámy v nahom štýle výlučne ako mýtické bohyne a v Edwardovom modeli bola jasne rozpoznateľná ich súčasníčka, navyše si autor dovolil voľne používať farbu a zasahovať o estetických normách. Francúzski obyvatelia sa obávali niečoho iného: po meste sa totiž šírila zvesť, ktorú s radosťou zachytil dav, že Olympii dala podobu slávna parížska kurtizána a milenka cisára Napoleona III., Marguerite Bellanger. Mimochodom, samotný Napoleon, znalec umenia, získal v tom istom roku 1865 „hlavný obraz salónu“ - „Narodenie Venuše“ od majstra a akademika Alexandra Cabanela. Ako sa ukázalo, jeho model nepomýlil cisára ničím viac ako ľahkomyseľnou pózou či rozmazanými formami, pretože plne vyhovoval zákonitostiam žánru. Na rozdiel od zahanbenej „Olympie“ s jej škandalóznou „biografiou“.

Podľa oficiálnej verzie to nebola Margarita, kto pózoval na obraze, ale Manetova obľúbená modelka, Quiz-Louise Meurand: neváhala sa vyzliecť na „Raňajky v tráve“ a objavila sa na iných jeho plátnoch. Ako modelku si ju často pozývali aj iní umelci, vďaka čomu bola Victorina vyobrazená na obrazoch Edgara Degasa a Norberta Gonetteho. Je pravda, že toto dievča sa nevyznačovalo dobrým správaním a cudnosťou: nie bezdôvodne ju jeden z jej známych nazval „nesvojprávnou bytosťou, ktorá hovorila ako parížske pouličné ženy“. Postupom času sa rozlúčila so snom stať sa herečkou a potom umelkyňou (niekoľko z jej talentovaných diel prežilo), prepadla alkoholu, začala si románik s istou Marie Pellegri a v neskorších rokoch si zaobstarala papagája. , s ktorou chodila po uliciach mesta a spievala piesne s gitarou za almužnu - pre to žila.

Kto ťa vytesal z temnoty noci, Aký druh domorodého Fausta, diabol savany? Voniaš pižmom a tabakom Havany, polnočného dieťaťa, môjho osudového idolu...

Charles Baudelaire

A zosmiešňovaná, obvinená z vulgárnosti a nehanebnosti, „Olympia“ začala nezávislý život. Po zatvorení Salónu strávil takmer štvrťstoročie v Manetovom ateliéri, kde ho mohli obdivovať len Edwardovi známi, pretože múzeá, galérie a zberatelia nevideli jeho umeleckú hodnotu a rázne ho odmietli kúpiť. Verejnú mienku neovplyvnila ani obhajoba významného umeleckého kritika a novinára Antonína Prousta, ktorý ako priateľ svojej mladosti napísal: „Edwardovi sa nikdy nepodarilo stať sa vulgárnym – bolo z neho cítiť plemeno.“ Ani presvedčenie spisovateľa Emile Zolu, ktorý v jednom z článkov uverejnených v parížskych novinách poznamenal, že osud jej pripravil miesto v Louvri. Napriek tomu sa jeho slová naplnili, no kráska si musela počkať takmer polstoročie. V tom čase už bol samotný autor dávno preč z tohto sveta a jeho milované dieťa takmer išlo spolu s ďalšími dielami americkému milovníkovi umenia. Situáciu zachránil majstrov priateľ Claude Monet: aby majstrovské dielo - a o tom nepochyboval - navždy neopustilo Francúzsko, zorganizoval predplatné, vďaka ktorému sa vyzbieralo dvadsaťtisíc frankov. Táto suma stačila na odkúpenie plátna od Manetovej vdovy a jeho darovanie štátu, ktorý takúto akvizíciu toľko rokov odmietal. Predstavitelia umenia dar prijali a boli nútení ho vystaviť, no nie v Louvri (ako je to možné!), ale v jednej zo sál Luxemburského paláca, kde obraz zostal šestnásť rokov. Do Louvru bol presunutý až v roku 1907. Presne o štyridsať rokov neskôr, v roku 1947, keď bolo v Paríži otvorené Múzeum impresionizmu (na jeho základe bola následne vytvorená zbierka múzea Orsay), sa tam usadila „Olympia“. A teraz labužníci stoja zamrznutí v obdive pred ženou, ktorú podľa slov Zola umelec „hodil na plátno v celej svojej mladistvej kráse“.

Rafael Santi „Fornarina“ 1518-1519 Galleria Nazionale d'Arte Antica. Palazzo Barberini, Rím

Verí sa, že to bol Raphael, ktorý ju zachytil v podobe slávnej „Sixtínskej Madony“. Je pravda, že hovoria, že Margarita Luti nebola v živote vôbec bez hriechu...

V čase, keď sa táto žena objavila v živote Rafaela Santiho, bol už slávny a bohatý. Umeleckí kritici a historici sa stále nedohodli na presnom dátume stretnutia, no legendy sa sprostredkúvajú písomne ​​aj ústne, ktoré boli v priebehu minulých storočí doplnené mnohými detailmi. Niektorí z umelcových životopiscov tvrdia, že sa stretli úplnou náhodou, keď sa Raphael jedného večera prechádzal po brehoch Tiberu. Stojí za zmienku, že práve v tomto období pracoval na objednávku Agostina Chigiho, vznešeného rímskeho bankára, ktorý významného maliara pozval, aby maľoval steny jeho paláca Farnesino. Pozemky „Tri Grácie“ a „Galatea“ ich už vyzdobili. A s tretím - „Apollo a Psyche“ - vznikol problém: Raphael nemohol nájsť model na zobrazenie starovekej bohyne. A potom sa naskytla príležitosť. "Našiel som ju!" - zvolal umelec, keď videl, ako k nemu prichádza dievča. Verí sa, že práve týmito slovami sa začal jeho osobný život. Nová éra. Ukázalo sa, že mladá kráska sa volala Margarita a bola dcérou pekára Francesca Lutiho, ktorý sa pred mnohými rokmi presťahoval z malej slnečnej Sieny do Ríma. "Ach, ty si úžasná fornarina, pekár!" - povedal Raphael (v preklade z taliančiny fornaro alebo fornarino - pekár, pekár) a okamžite ju vyzval, aby zapózovala pre budúce majstrovské dielo. Margarita sa však neodvážila dať súhlas bez súhlasu svojho otca. A on je zasa ženíchom Tomasovej dcéry. Ako ukázala skúsenosť, značná suma, ktorú dal Raphael pátrovi Lutimu, mala výrečnejší účinok než akékoľvek slová: keď dostal tritisíc zlatých, s radosťou dovolil svojmu dievčaťu slúžiť umeniu dňom i nocou. Samotná Margarita-Fornarina sa s radosťou podriadila vôli svojich rodičov, pretože hoci bola veľmi mladá (predpokladá sa, že mala sotva sedemnásť), ženská intuícia podnietila: slávny a bohatý umelec bol do nej zamilovaný. A čoskoro sa dievča presťahovalo do vily (pravdepodobne na Via di Porta Settimiana), ktorú Raphael prenajal špeciálne pre ňu. Odvtedy sa vraj nerozišli. Mimochodom, na tejto adrese sa teraz nachádza hotel Relais Casa della Fornarina, ktorého webová stránka tvrdí, že tu v 16. storočí býval Raphaelov milenec. Pravda, nie dlho: keďže túžba tráviť čas v jej spoločnosti zasahovala do práce, Chigi pozvala majstra, aby usadil Margaritu vedľa neho vo Farnesine. Tak to urobil.

Amor, zastav oslepujúce svetlo

Dve úžasné oči, ktoré si poslal.

Sľubujú buď chlad, alebo letné horúčavy,

Ale nie je v nich ani malá kvapka súcitu.

Sotva som poznal ich čaro,

Ako som stratil slobodu a pokoj.

Rafael Santi

Dnes je ťažké povedať, čo je na tomto príbehu pravda a čo fikcia, pretože podľa niektorých zdrojov sa začal v roku 1514, teda takmer pred pol tisícročím. Neexistuje ani potvrdenie, či je táto žena zobrazená na iných maľbách umelca, napríklad „Donna Valeta“. Hoci pri tvorbe mnohých monumentálne diela Zúčastnili sa Rafaelovi žiaci, dá sa predpokladať, že Fornarinu, podobne ako Sixtínsku madonu, napísal osobne. Pravdepodobne preto ruský básnik Vasilij Žukovskij, stojac pred „Madonou“ o mnoho rokov neskôr v sále drážďanskej galérie umenia, poznamenal: „Ľudská duša mala také zjavenie raz, nemôže sa to stať dvakrát. Dá sa len hádať, že obraz bol napísaný od Margherity Luti, ako hovoria mnohé zdroje: v „Biografiách“, ktoré zostavil autoritatívny renesančný životopisec Giorgio Vasari, sa toto meno neuvádza. Existuje iba táto veta: „Marcantonio urobil pre Raphaela oveľa viac rytín, ktoré dal svojmu študentovi Bavierovi, pridelenému žene, ktorú miloval až do svojej smrti, ktorej najkrajší portrét, kde sa zdá byť živá, teraz vlastní. najušľachtilejšieho Mattea Bottiho, florentského obchodníka; S týmto portrétom zaobchádza ako s relikviou, z lásky k umeniu a najmä k Raphaelovi.“ A ani slovo viac. O stáročia neskôr jeden z Vasariho čitateľov napísal na okraj oproti týmto riadkom, že sa volala Margherita: táto dáma bola v 18. storočí pokrstená ako Fornarina.

Ale ústne sa nedá zastaviť. "Krásna, ako Raphaelova Madonna!" - a teraz hovoria tí, ktorí chcú opísať skutočnú krásu. Raphaelovi súčasníci však ubezpečili, že táto očarujúca žena sa nevyznačovala cudnosťou: v tých dňoch, keď bol maestro pracovne zaneprázdnený, si za neho ľahko našla náhradu a strávila čas v náručí jedného zo svojich študentov alebo bankára. sám. Majstrovi spoluobčania boli presvedčení a potom ubezpečili celý svet, že Raphael zomrel priamo v jej náručí na zlyhanie srdca. Stalo sa tak 6. apríla 1520, umelec mal práve tridsaťsedem rokov.

Či je to pravda alebo nie, sa pravdepodobne nedozvieme. S istotou je ale známe, že Raphael nereagoval na návrh svojho priateľa kardinála Bernarda Divizio di Bibbiena, ktorý ho podľa Vasariho dlhé roky žiadal o sobáš s jeho neterou. Raphael však „bez toho, aby priamo odmietol splniť kardinálove želania, záležitosť oddialil. Medzitým sa pomaly oddával milostným radovánkam vo väčšej miere, ako sa patrilo, a potom sa jedného dňa, keď prekročil hranice, vrátil domov v krutej horúčke. Lekári si mysleli, že je prechladnutý a neopatrne ho vykrvácali, v dôsledku čoho veľmi zoslabol.“ Medicína bola bezmocná.

„Fornarina“ sa vydala na vlastnú cestu: po prvý raz je dielo zobrazujúce nahú ženu spomenuté zo slov človeka, ktorý ho videl v kolekcii Sforza Santa Fiora. Na ľavom ramene má náramok s nápisom „Rafael z Urbina“, ktorý dal podnet k stotožneniu modelky s legendárnym milencom. Od roku 1642 je v zbierkach Palazzo Barberini. Röntgenové štúdie ukázali, že tento obraz neskôr „opravil“ Raphaelov študent Giulio Romano.

„Raphael by dosiahol skvelý úspech vo farbení, keby mu jeho ohnivá konštitúcia, ktorá ho neustále priťahovala k láske, nespôsobila predčasnú smrť,“ napísal jeden z obdivovateľov jeho diela. „Tu leží veľký Rafael, počas ktorého života sa príroda bála, že bude porazená, a po jeho smrti sa bála zomrieť,“ hovorí epitaf vytesaný na jeho náhrobnom kameni v Panteóne.

Gustav KLIMT „Legenda“ 1883 Wien Museum Karlsplatz, Viedeň

Gustav Klimt je známy svojimi bizarnými zobrazeniami nahých dám: na začiatku dvadsiateho storočia jeho maľby, ktoré sa vyznačujú úprimnou erotikou, šokovali rafinovanú viedenskú verejnosť a mravní strážcovia ich nazývali pornografickými.

Nebolo to však vždy tak: jednou z prvých zákaziek, ktoré ctižiadostivý umelec dostal od vydavateľa Martina Gerlacha, bola tvorba ilustrácií pre knihu „Alegórie a emblémy“ - mladý Gustav ju dokončil samostatne a pravdepodobne v plnom súlade s jeho požiadavky a predstavy o kráse. V každom prípade nie sú informácie o reklamáciách z Gerlachu. Hoci v strede pozemku je krása v nahom štýle. Kritici označili túto nahotu za takmer cudnú. „Aj vo svojich raných maľbách dal Klimt žene čestné miesto: odvtedy ju neprestal oslavovať. Poslušné zvieratká sú umiestnené na ozdobu k nohám úžasnej zmyselnej hrdinky, ktorá ich poslušnosť považuje za samozrejmosť,“ vyžívali sa vo vlastnej výrečnosti. A objasnili, že autor potreboval zvieratá len na to, aby ukázal túto prvú zmyselnú Evu v tom najpriaznivejšom svetle. Fable – to je názov filmu v origináli. V ruskom preklade je známy ako rôzne mená: „Legenda“, „Rozprávka“, „Bájka“. Nezmenená zostáva reakcia publika, pre ktorú je ťažké uveriť, že patrí do štetca toho istého Gustava Klimta – šokujúceho erotomana, génia a „zvráteného dekadenta“, ako ho nazývali jeho spoluobčania. Odvtedy sa však veľa zmenilo – vrátane jeho umeleckého štýlu.

„On sám vyzeral ako nemotorný obyčajný človek, ktorý nevie spojiť dve slová. Jeho ruky však dokázali premeniť ženy na vzácne orchidey vynárajúce sa z hlbín magického sna,“ spomínal jeden z umelcových priateľov. Je pravda, že jej názor nezdieľali všetci Klimtovi súčasníci. Veď práve „obscénne“ zobrazenie ženskej nahoty spôsobilo jeden z najhlasnejších škandálov v umení. Uskutočnil sa vo Viedni sedem rokov po vytvorení Fable, v predvečer roku 1900, keď mladý maliar predstavil verejnosti, a čo je najdôležitejšie, zákazníkom - ctihodným profesorom Viedenskej univerzity - obrazy „Filozofia“, „Medicína“ a „Jurisprudencia“: mali zdobiť strop hlavnej budovy Chrámu vied. Pri pohľade na obrazy boli experti šokovaní „škaredosťou a nahotou“ a okamžite obvinili autora z „pornografie, nadmernej zvrátenosti a demonštrácie víťazstva temnoty nad svetlom“. O nehoráznej kauze sa dokonca hovorilo aj v parlamente! Nikto nepočúval napomenutia profesora umenia Franza von Wickhoffa, jediného človeka, ktorý sa snažil obhajovať Klimta v legendárnej prednáške „Čo je škaredé? V dôsledku toho obrazy neboli vystavené v budove univerzity. Tento príbeh však pomohol Gustavovi urobiť dôležitý záver: kreatívna nezávislosť je jediný spôsob, ako zachovať originalitu. „Dosť bolo cenzúry. Vystačím si sám. Chcem byť slobodný. Chcem sa zbaviť všetkých týchto nezmyslov, ktoré ma brzdia, a získať späť svoju prácu. Odmietam akúkoľvek vládnu pomoc a príkazy. Vzdávam sa všetkého,“ povedal o niekoľko rokov neskôr v rozhovore. A obrátil sa na vládu so žiadosťou, aby mu umožnila odkúpiť zneuctené diela. „Všetky útoky kritiky sa ma v tom čase takmer nedotkli a okrem toho nebolo možné vziať mi šťastie, ktoré som zažil pri práci na týchto dielach. Vo všeobecnosti nie som veľmi citlivý na útoky. Ale stanem sa oveľa vnímavejší, ak pochopím, že ten, kto si objednal moju prácu, je s ňou nespokojný. Ako v prípade zakrývania obrazov,“ vysvetlil v rozhovore s viedenským novinárom. Jeho žiadosti vláda vyhovela. Neskôr obrazy skončili v súkromných zbierkach, no na konci 2. svetovej vojny ich ustupujúce jednotky SS spálili na zámku Immerhof, kde ich potom uchovávali. Samotný Klimt o tom nevedel, pretože to všetko sa stalo, keď už pán nebol nažive.

Každé umenie je erotické.

Adolf Loos

Našťastie, v 20. storočí reakcia verejnosti jeho zápal neochladila: spoliehal sa na dámy – práve ony mu priniesli vytúženú slobodu. Hoci túžba „odvážne maľovať Evu – prototyp všetkých žien – vo všetkých mysliteľných pózach, pre ktorú nie je predmetom pokušenia jablko, ale jej telo“, sa z neho nikdy nevytratila, Gustáv si radšej privyrábal vytváranie portrétov životných partnerov viedenských magnátov. Takto sa objavila slávna „Galéria manželiek“, ktorá Klimtovi priniesla nielen peniaze, ale aj slávu: Sonya Knieps, Adele Bloch-Bauer, Serena Lederer - maestro vedel, ako potešiť prosperujúcich obyvateľov Viedne. Ich blízkych vykreslil ako nekonečne šarmantných, no s istým nádychom arogancie. Keď raz dal tieto črty dáme z vysokej spoločnosti, zopakoval túto techniku ​​viac ako raz. Takže „femme fatales, erotika a estetika“ sa stali Klimtovou vizitkou.

Našťastie, umelkyňa nemala núdzu o modelky – nahé či oblečené v luxusných šatách. Hoci sa o jeho láskyplnej povahe kolovali legendy, dvadsaťsedem rokov bola Gustavovou vernou spoločníčkou Emilia Flöge, módna návrhárka a majiteľka módneho domu. Je pravda, že povedali, že ich spája iba dojemné priateľstvo a vzťah páru bol výlučne platonický. A napriek tomu sa verí, že to bola ona a on, koho zachytil v slávnom „Bozk“.

Kto inšpiroval črty krásky z Fable, zostane pravdepodobne záhadou - jednou z tých, ktoré Klimt rád tvoril. „Každý, kto chce o mne ako umelcovi niečo vedieť – a to je všetko, čo ma zaujíma – by si mal pozorne prezrieť moje obrazy,“ poradil. Možno sú v nich naozaj ukryté odpovede na všetky otázky.

Dante Gabriel Rossetti „Venus Verticordia“ 1864-1868 Umelecká galéria a múzeum Russell-Cotes, Bournemouth

Dante Gabriel Rossetti sa preslávil ako jeden zo zakladateľov Prerafaelského bratstva, originálny básnik a umelec, ktorý vytvoril sériu erotických portrétov žien. A tiež so šokujúcimi kúskami, ktoré explodovali puritánsku spoločnosť.

"Keby ste ho poznali, milovali by ste ho a on by miloval vás - každý, kto ho poznal, bol ním unesený. Bol úplne iný ako ostatní ľudia," povedala Jane Burden Morris o Rossetti, ktorá sa dlhé roky živila. miesto Danteho milovanej ženy a modelky.Ale nielen ona...

Tento príbeh sa začal v októbri 1857, keď Jane a jej sestra Elizabeth išli do londýnskeho divadla Drury Lane. Tam si ju všimol Rossetti a jeho kolega Edward Burne-Jones. Súčasníci poznamenali, že Jenny - ako ju začali volať jej prerafaelskí priatelia - sa nevyznačovala tradičnou krásou, ale priťahovala pozornosť svojou odlišnosťou od ostatných. „Čo je to za ženu! Je krásna vo všetkom. Predstavte si vysokú chudú dámu v dlhých šatách z látky tlmenej fialovej farby, z prírodného materiálu, s kučeravými čiernymi vlasmi padajúcimi vo veľkých vlnách pozdĺž spánkov, s malou a bledou tvárou, veľkými tmavými očami, hlboký... s hustým čiernym klenutým obočím . Vysoký otvorený krk pokrytý perlami a nakoniec úplná dokonalosť,“ obdivoval jeden z jeho známych. Nápadne sa odlišovala od „klasických“ sekulárnych mladých dám – práve to vzrušovalo predstavivosť prerafaelitov, ktorí deklarovali svoju neochotu dodržiavať zákony akademickej maľby. Hovorí sa, že keď si ju Rossetti všimol, zvolal: „Úžasný pohľad! Nádherné!" A potom vyzval dievča, aby zapózovalo. Iní umelci ocenili jeho výber a začali medzi sebou súťažiť, kto pozve Jane, rodenú Burden, na svoje stretnutia. Ako sa k tomu postavila oficiálna múza Prerafaelitov Elizabeth Siddal, ktorá dlhé roky nosila tento titul, nie je ťažké uhádnuť. Koniec koncov, Lizzie bola tiež Rossettiho zákonná manželka: sľúbil, že legitimizuje ich vzťah. Každý vedel o tejto vášnivej a bolestivej romantike pre oboch. Rovnako ako to, že milujúci Dante sa celé tie roky „inšpiroval“ v náručí iných modeliek. Tieto skúsenosti podkopali Siddalin zlý zdravotný stav, ktorý obetovala v plnom zmysle slova umeniu. Povedali to, pózujúc v roku 1852 pre slávny obraz„Ofélia“ od Johna Milleta, strávila veľa hodín v rade vo vodnom kúpeli a zobrazovala utopenú Oféliu. Stalo sa to v zime a lampa ohrievajúca vodu zhasla. Dievčatko prechladlo a vážne ochorelo. Predpokladá sa, že jej na liečbu predpísali liek na báze ópia. K cti Danteho stojí za to povedať, že dodržal slovo a v máji 1860 sa oženil s Lizzie. A vo februári 1862 bola preč. Elizabeth zomrela na predávkovanie ópiom, ktoré užívala na utlmenie bolesti: krátko predtým prišla o dieťa a jej vzťah s Rossettim sa prerušil. Nikdy sa nepodarilo zistiť, či jej smrť bola len smrteľnou nehodou.

Ale čas plynul: Jane Burden bola nablízku. A hoci už bola manželkou Williama Morrisa, jej „nežné“ priateľstvo s Rossettim pokračovalo. Zákonný manžel bol nad konvenciami a do vzťahu nezasahoval. Možno ich sám „prorokoval“? Koniec koncov, jediný obraz, ktorý dokončil Morris, je Jane v obraze „kráľovnej Ginevry“: ako viete, táto dáma bola manželkou kráľa Artuša, ktorý sa podľa jednej verzie stal milovaným jeho rytierom Lancelotom. Nech je to akokoľvek, bola to Jane, ktorá priviedla Danteho späť k životu a prebudila v ňom túžbu tvoriť. O niekoľko rokov neskôr sa rozhodol publikovať svoje rané básnické výtvory. Žiaľ, zo sonetov nezostali žiadne návrhy a potom spáchal čin, o ktorom už dlho hovoril celý Londýn: exhumoval a vyniesol na svetlo sveta kedysi stratené rukopisy. „Jeho sonety sú presiaknuté mystickým a erotickým obsahom,“ odpovedali kritici a čitatelia ich prijali s potešením.

Život šiel ďalej a teraz sa Jane, podobne ako kedysi Elizabeth, objavila takmer na každom plátne, vďaka čomu sa zapísala do dejín maľby. Či si však slávna „Venus Verticordia“ – „Venuša, ktorá obracia srdcia“ – stále zachováva svoje črty, zostáva záhadou. V tom čase mala Rossetti ďalší obľúbený model: dievča sa volalo Alexa Wildingová, hoci ju všetci volali Alice. Predpokladá sa, že v januári 1868 bol tento obraz prepísaný s Wildingovou tvárou, hoci umelcova domáca Fanny Cornforth pôvodne pózovala pre „Venušu“. Je to tak - záhada, jedna z tých, ktoré si Rossetti vzal so sebou. Ďalšia vec je prekvapujúca: Venus Verticordia je názov starovekého rímskeho kultu a obrazov bohyne Venuše, ktoré „premieňajú“ srdcia ľudí „zo žiadostivosti k cudnosti“. A rovnomenné dielo je takmer jediným príkladom nahoty v Rossettiho diele. Mimochodom, slečna Alexa Wilding je tiež jednou z mála múz Danteho, s ktorou maestro nemal milostný vzťah.

Tizian Vecellio Venuša z Urbina 1538 Galéria Uffizi, Florencia

Venus Pudica - „Chaste Venuša“, „ostýchavá“, „skromná“ - Titianovi súčasníci nazývali podobné obrazy bohyne lásky. „Dievča, ktoré nosí len prsteň, náramok a náušnice, ak je trochu v rozpakoch, si svoju krásu plne uvedomuje,“ hovoria o kráske dnes. A tento príbeh sa začal pred 475 rokmi.

Keď na jar 1538 vojvoda Guidobaldo II della Rovere poslal kuriéra do Benátok, dostal jasné inštrukcie: nevracať sa bez plátien objednaných u Tiziana. Z vojvodovej korešpondencie je známe, že hovorili o portréte samotného Guidobalda a istej la donna nuda, „nahej žene“. Ako vidíte, sluha sa s úlohou vyrovnal dobre - Guidobaldo, ktorý sa neskôr stal vojvodom z Urbina, získal plátna a nahá milosť na obraze dostala nové meno: „Venuša z Urbina“.

V Benátkach - všetka dokonalosť krásy! Na prvé miesto dávam jej obraz, ktorého vlajkou je Titian.

Diego Velazquez

V tom čase bol Titian Vecellio, ktorý mal asi päťdesiat rokov, už dlho známy ako slávny majster a niesol titul prvého umelca Benátskej republiky. Slávni spoluobčania sa postavili do radu, ktorí chceli vlastniť svoj vlastný portrét na jeho poprave. „Umelec s úžasným prehľadom zobrazil svojich súčasníkov a zachytil najrozmanitejšie, niekedy protichodné črty ich postáv: sebavedomie, hrdosť a dôstojnosť, podozrievavosť, pokrytectvo, podvod,“ poznamenali kritici umenia 19. „Keď sa pokúsite predstaviť Tiziana, uvidíte šťastného muža, najšťastnejšieho a najprosperujúceho, aký kedy bol medzi jeho druhmi, ktorý dostával len priazeň a šťastie z neba... ktorý hostil kráľov, dóžov, pápeža Pavla III. Talianski panovníci, bombardovaní objednávkami, široko platení, poberajúci dôchodky a obratne využívajúci svoje šťastie. Vo veľkom vedie svoj dom, veľkolepo sa oblieka, pozýva k stolu kardinálov, šľachticov, najväčších umelcov a najtalentovanejších vedcov svojej doby,“ napísal o ňom francúzsky historik Hippolyte Taine v r. začiatkom XIX storočia. To bol pravdepodobne názor bohatých Benátčanov. Asi sa čudovali, prečo má tento miláčik osudu tak málo ľúbostných afér. Počas Titianovho dlhého života sú s ním skutočne spojení iba traja ženské mená. A aj tak dvaja z nich s najväčšou pravdepodobnosťou vytvorili krásny romantický príbeh. Je známe, že jeho jedinou manželkou bola Cecilia Soldano, s ktorou sa oženil v roku 1525 a pred svadbou s ňou žil niekoľko rokov v „civilnom manželstve“. A v roku 1530 zomrela a zanechala svojho manžela s deťmi. Ťažko povedať, či portréty Cecílie maľoval skutočné alebo v podobe mýtických krások, no pamiatku na túto ženu si zachoval. Vojvoda Guidobaldo sa obrátil na neho, slávneho a slávneho Vecellia, milovníka života, múdreho zo skúseností víťazstiev a prehier...

Za takmer pol tisícročia, ktoré uplynulo od narodenia Tizianovej bohyne, historici umenia pravdepodobne študovali každý ťah na jej luxusnom tele, no nikdy nezistili, kto slúžil ako model. Niektorí veria, že plátno zobrazuje Guidobaldovu mladú manželku Juliu Varano. Iní nepochybujú: maestro pózoval... vojvodova matka Eleanor Gonzaga. Vo svojich domnienkach sa odvolávajú na podobnosť medzi „Venušou“ a portrétom Eleanor od Tiziana a na skutočnosť, že obe plátna zobrazujú „rovnakého psa stočeného do klbka“. Niektorí z nich triedia každý prvok v okolí dámy a to všetko podľa ich názoru zosobňuje manželské zväzky. Kytica ruží v ruke je atribútom Venuše, pes pri nohách je symbolom oddanosti a slúžky v blízkosti hrudníka s oblečením a kvetom v okne - na vytvorenie atmosféry intimity a tepla. S radosťou nazvali dielo „alegorickým portrétom slávneho aristokrata – „domácej bohyne“, sprostredkujúcim benátsky luxus a zmyselnosť. Pravdepodobne chcel Tizian vo svojej maľbe hovoriť o sexualite, spájajúcej vzrušujúcu erotiku s prednosťami manželstva a predovšetkým s vernosťou, ktorú zobrazuje pes,“ argumentujú. Iní cynicky tvrdia, že na posteli v interiéri vojvodských komnát je dáma z polosveta: kurtizána. Predstavitelia tohto povolania v 16. storočí obsadzovali vysoko sociálny status a úsilím maliarov často zostali vo večnosti. Ale teraz je to už jedno. Ďalšia vec je dôležitá: Titianova práca porodila talentovaných nasledovníkov - Alberti, Tintoretto, Veronese. Samotná „Venuša z Urbina“ o 325 rokov neskôr – v roku 1863 – inšpirovala svojho mladšieho kolegu Edouarda Maneta k vytvoreniu úžasnej „Olympie“. A zvyšok – aj o päťsto rokov neskôr – obdivuje talent Bohom pobozkaného génia.