Ruska umjetnost prve polovice 19. stoljeća. Ruski umjetnici prve polovice 19. stoljeća

Jesi li ovdje: Idealan dom

Put ruske umjetničke kulture, počevši od klasicizma, vodio je u prvoj polovici 19. stoljeća preko romantizma do realizma. Oni slikari koji su išli utabanim stazama klasicizma, koji je početkom 19. stoljeća u slikarstvu dobio akademsku konotaciju, nisu dostigli velike visine. Istina, njihovi suvremenici visoko su cijenili njihovu umjetnost; povijesni žanr u kojem su radili smatrao se najvišim na Akademiji. Istina, u povijesnom slikarstvu dogodile su se neke promjene. One su se sastojale u tome što su nacionalne teme sve više dobivale na težini.

Jedan od najpoznatijih povijesnih slikara s početka stoljeća Andrej Ivanov - otac velikog Aleksandra Ivanova - svoja je djela najčešće posvećivao junacima iz drevne povijesti Rusije - Mstislavu Odvažnom ili mladom Kijevljaninu. Još jedan umjetnik s početka 19. stoljeća Dmitrij Ivanov posvetio je svoju sliku Marfi Posadnici, koja je tada, u glavama progresivnih ljudi s početka 19. stoljeća, bila dosljedni borac za novgorodske slobodnjake. Povijesni likovi u svim tim djelima djelovali su kao istinski junaci. Njihovi podvizi trebali su poslužiti kao razlog za usporedbu povijesti sa suvremenošću.

Pa ipak, povijesno slikarstvo nije značajnije napredovalo u odnosu na majstore s kraja 18. stoljeća.

Klasicizam kao smjer u ruskoj umjetničkoj kulturi sada poprima snažan građanski odjek. U znanstvenoj literaturi ovo se razdoblje obično naziva visokim klasicizmom.

Visoki klasicizam odrazio se i na slikarstvo, ali je ovdje želja umjetnika da umjetnost približe životu bila plodonosnija. Za slikare ovoga vremena karakteristična je romantična afirmacija ljepote jedinstvenog, individualnog i neobičnog.

Jedan od umjetnika koji je stajao na početku umjetnosti 19. stoljeća bio je Orest Adamovič Kiprenski (1782.-1836.) . Ako na vagu povijesti stavimo, s jedne strane, sve slike povijesnih slikara, a s druge nekoliko portreta Kiprenskog, onda će potonji nedvojbeno prevagnuti. Oni su ti koji nam govore o tom vremenu; sadrže dušu tih godina. Sadrže ljepotu uzbuđenja i impulsa, želju za dinamikom unutarnjeg života. Kiprenski nije bio zadovoljan stvarnošću oko sebe; tražio je uzvišeno načelo u čovjeku, prikazujući svoje junake u njihovim najboljim trenucima, prenoseći njihovu sposobnost osjećanja, njihovu želju da žive duhovnim životom. Likovi Kiprenskog vire u svijet i povjeravaju se sugovorniku. Nije slučajno da se ovi portreti ponekad uspoređuju s pjesničkim porukama prijatelju - s žanrom lirske poezije koji je bio raširen u predpuškinsko i puškinsko doba.

Kiprenski je otkrio ne samo nove ljudske kvalitete, već i nove mogućnosti slikarstva. Svaki njegov portret ima svoju posebnu slikovnu strukturu. Neki su izgrađeni na oštrom kontrastu svjetla i sjene. U drugima, glavno slikovno sredstvo je suptilna gradacija boja koje su bliske jedna drugoj. Ova raznolikost manifestacija umjetnikova stvaralačkog lica također pripada novom dobu - romantičarskom stvaralačkom konceptu.

Ruski romantizam u svojoj prvoj fazi predstavlja pejzažist Silvestar Ščedrin (1791.-1830.) . Počeo je u vrijeme stagnacije ruskog krajolika: dekorativni krajolik 18. stoljeća dovršavao je svoj razvoj, a novonastale trendove u lirskoj interpretaciji prirode istisnula je protokolarna strogost i suhoća videoslikarstva i klasike. shematizam. Više od deset godina umjetnik je proveo u Italiji, koju su tada ruski umjetnici i pjesnici zamišljali kao “obećanu zemlju”. Tu je doživio procvat svoje kreativnosti; ondje je i umro prije povratka u domovinu. Bile su to najbolje godine njegova kratkog života i pune tragačke kreativnosti. Ščedrin je slikao talijanske vedute. Italija, sa svojom slikovitom, veličanstvenom prirodom, činila mu se upravo mjestom gdje bi pejzažist mogao i trebao stvarati. Ščedrinova je priroda uvijek uzvišena, sjaji radosnim bojama; opija čovjeka, donosi mu sladak osjećaj sreće. Čini se da predisponira čovjeka za onaj "dolce far niente" ("lijepa besposlica"), koji je u očima Rusa bio prava osnova talijanskog života. Put takvom shvaćanju prirode umjetniku su otvorile nove romantičarske ideje o odnosu čovjeka i okoline. prirodno okruženje; pokazalo se da je priroda sposobna potisnuti čovjeka svojom golemom veličinom ili mu otvoriti svoj unutarnji život za zajedničko postojanje.

V.A. Tropinin (1776.-1857.) pokazao je svojim radom postupan, a ne nagao prijelaz iz 18. u 19. stoljeće, poput Kiprenskog. Tropinin je usvojio tradiciju sentimentalizma Borovikovskog i općenito koristio nasljeđe 18. stoljeća, što je posebno vidljivo u njegovim ranim djelima ("Djevojka s Podola").

No, umjetnik je ubrzo uspostavio vlastiti princip tumačenja čovjeka. Njegovi portreti 20-30-ih, tj. procvata, već ukazuju na posve samostalan figurativni pojam. Tropinin se može smatrati antipodom Kiprenskog. Portreti moskovskog majstora uvijek su jednostavni, "domaći". U njegovim junacima nema posebnog unutarnjeg uzbuđenja. Ali ponašaju se opušteno i smireno. Umjetnik s velikom spontanošću uočava i prenosi značajke modela i sredine u kojoj taj model boravi. U tim portretima postoji istina likova i istina okoline. Pokazuju interes za specifičnu okolinu osobe, za njegovu odjeću, za točno označeni trenutak u kojem se otkriva to određeno stanje osobe. U isto vrijeme, ovi se portreti odlikuju visokim slikovnim zaslugama: meko modeliranje volumena, popraćeno tonskim jedinstvom, ne sprječava Tropinina da vidi vrijednost neovisnih kvaliteta boje i ljepote teksture. Sve te značajke mogu se uočiti na portretima njegovog sina (oko 1818), Bulakhova (1823), Raviča (1825), Zubove (1834) itd.

Umjetnikov interes za okolinu, za sredinu u kojoj ljudi žive, doveo ga je do posebne vrste slikarstva u kojoj se portret spaja sa žanrom. U brojnim "Čipkaricama", "Zlatnim krojačicama", "Gitaristicama" u pravilu postoji tipična portretna slika, a istodobno umjetnik rekreira određenu radnju, iako nedvosmislenu i jednostavnu. U tim djelima posebno je jasna veza Tropinjina sa sentimentalističkim nasljeđem prethodnih slikara, ali Tropinjinove slike više gravitiraju prema žanru, prema svakodnevnom principu.

Kreativnost Tropinskog uvelike je odredila specifične moskovske značajke slikarstva. Tropinin je bio središnja figura moskovskog slikarstva. Iako on sam nije predavao, učitelji i učenici Moskovske škole bili su vođeni Tropininovim iskustvom i njegova se tradicija nastavila sve do kraja 19. stoljeća.

Pravi utemeljitelj svakodnevnog žanra u ruskom slikarstvu bio je Aleksej Gavrilovič Venecianov (1780.-1847.) . Portreti olovkom, pastelima i uljem koje je izradio Venetsianov u prvom desetljeću stoljeća imaju ranoromantičarski karakter. Tada se umjetnik okreće karikaturi i svakodnevnim skicama.

Na prijelazu iz 10-ih u 20-e godine 19. stoljeća Venetsianov se našao u svakodnevnom žanru. Njegova najbolja djela nastala su 20-ih godina (“Gumno”). Kao teme za svoje slike počeo je uzimati najobičnije životne pojave: seljake koji gule repu, zemljoposjednika koja svojim kmetkinjama daje "lekciju" za taj dan, pastira koji zaspi kraj drveta, prizor oranja, žetve i kosidba. Konačno, stvorio je portrete seljaka - dječaka Zakharka, starijeg čovjeka, djevojke s različcima. Umjetnik je pjevao obični ljudi, ne razmišljajući o proturječnostima seljačkog života, nastojeći, prije svega, pronaći poeziju u samim temeljima života svog suvremenog sela.

Suvremenici su pridavali veliku važnost povijesnom slikarstvu. Slika “Posljednji dan Pompeja” (1830-1833) bila je nadaleko poznata. Karl Pavlovič Brjulov (1799.-1852.) ; Gogolj ju je pozdravio, Puškin joj je posvetio nekoliko redaka. U odsjaju munja koje probijaju guste oblake, u intenzivnim kontrastima svjetla i sjene, umjetnik je zamislio smrt stanovnika drevni Pompeji tijekom erupcije Vezuva. Uzvišena ljepota čovjeka i neizbježnost njegove smrti ovdje su u tragičnoj kontradikciji. Romantični karakter također je karakterističan za većinu Bryullovljevih portreta ("Autoportret" 1848).

Najveći majstor povijesno slikarstvo bio je Aleksandar Andrejevič Ivanov (1806.-1858.) , umjetnik u kojem je, prema Černiševskom, “duboka žeđ za istinom” bila spojena s “djetinjom čistoćom duše”. Čovjek izvanredne inteligencije, Ivanov je bio gorljivo uvjeren u veliku povijesnu budućnost ruskog naroda. U svojim je djelima nastojao shvatiti elemente narodnih pokreta u povijesti, anticipirajući mnoge potrage ruskog realističkog slikarstva sljedećih desetljeća.

Sredinom stoljeća, u doba Belinskog i Gogolja, u likovnim je umjetnostima došlo do izražaja razotkrivanje poroka društvenog života. Ruska grafika - podrugljive i zajedljive ilustracije knjiga i časopisa - prva je pokrenula taj pokret. Uslijedilo je slikanje. Satirični smjer u slikarstvu bio je najsjajniji predstavio Pavel Andrejevič Fedotov (1815.-1852.) . Njegove slike, koje su prikazivale mračne strane ruske stvarnosti, postavile su temelje umjetnosti druge polovice 19. stoljeća.

E. KUKINA

RUSKO SLIKARSTVO PRVE POLOVICE 19. STOLJEĆA ROMANTIZAM, AKADEMIZAM I BIEDERMAJER

Nemojte umjetniku pripisivati nezdrave sklonosti:

njemu je dopušteno sve prikazati.

Oscar Wilde

Humanistička poezija A.S. dokaz je visokog duhovnog potencijala ovog doba. Puškina, djelo cijele plejade izvrsnih ruskih arhitekata, kipara i slikara. Pročitajte članak o razvoju ruskog slikarstva poznati umjetnici tom razdoblju.

Umjetnički život na početku stoljeća

Prva desetljeća 19. stoljeća. protekla u znaku društvenog i domoljubnog uzleta izazvanog odjecima Velikog Francuska revolucija, neuspješno sudjelovanje Rusije u “Napoleonskim ratovima”, a zatim (i iznad svega) pobjednički Domovinski rat.

Umjetnički život u glavnom gradu bio je u punom jeku. Godine 1800. počelo je djelovanje "Društva za poticanje umjetnika", koje je imalo za cilj poduprijeti i promicati rusku umjetnost. Godine 1801. nastaje “Slobodno društvo ljubitelja književnosti, znanosti i umjetnosti”. Pojavila se umjetnička kritika: 1807. u Moskvi je počeo izlaziti “Časopis za likovne umjetnosti”.
Stvoreni su prvi umjetnički muzeji: “Ruski muzej” poznatog putnika i kolekcionara P. Svinina, “Ruska galerija” u Ermitažu. Po uzoru na Umjetničku akademiju nastaju lokalni umjetnički obrazovni centri.

U slikarstvu prve trećine stoljeća jasno su se ocrtala dva glavna stilska pravca - romantizam i akademizam. Na prvi pogled one su suprotne jedna drugoj, no u djelima umjetnika često su bile na nedokučiv način objedinjene i „radile“ zajedno tvoreći realistički stil, koji se oblikovao i cvjetao u drugoj polovici stoljeća u jedinstvo oblika i sadržaja.

Romantizam

Romantizam se u zapadnoeuropskoj umjetnosti razvio na prijelazu iz 18. u 19. stoljeće, na vrhuncu uspona oslobodilačkog pokreta u Grčkoj, Italiji i Poljskoj. Romantični junak - slobodoljubiv, ponosan i neovisan ljudska osobnost, jedinstven i značajan zbog vlastitih, a ne klasnih zasluga; sreću nalazi u borbi, a uzore u junačkom epu ili stvarnoj povijesti.

Lajtmotiv djela romantičara je nezadovoljstvo okolnom stvarnošću. I ako se u zapadnoj Europi radilo o razočaranju društva u rezultate buržoaske revolucije i ideale prosvjetiteljstva, onda je u Rusiji romantičarski prosvjed bio usmjeren protiv feudalizma i kmetstva, a prosvjetiteljske ideje o napretku, razumnoj strukturi društva, prava i dostojanstva pojedinca bili su vrlo bliski ruskom romantičarskom pokretu. Zahvaljujući tome, u jednom su se djelu često kombinirale romantične značajke umjetničke slike s klasičnom stilistikom.

Najznačajniji portretist prve trećine XIX V. bio je Orest Adamovič Kiprenski (1782-1836). Već 1804. godine stvara jedno od svojih najzanimljivijih djela - portret svog očuha Adama Schwalbea. U njoj je mladi umjetnik razotkrio nesvakidašnji karakter čovjeka koji je, usprkos ovisnom položaju kmeta, zadržao visoko dostojanstvo, pa čak i osobine samovolje i autoriteta.
Kiprenski je vrlo ekspresivno prikazao složenost ljudske prirode u kojoj se tamne i svijetle strane, okrutnost i dobrota stapaju u jednu proturječnu cjelinu. Po načinu crno-bijelog oblikovanja lica, po koloritu održanom u općem smećkastom tonalitetu, po dubini psiholoških karakteristika slike, ovo djelo gravitira djelu starih nizozemskih majstora, posebice Rembrandta. (Strast prema europskom slikarstvu XVII stoljeće a renesansa je općenito karakteristična za romantičare.)

U djelu Kiprenskog formiran je jedinstveni tip komornog portreta koji s prodornom dubinom otkriva duhovni život osobe. Većina junaka Kiprenskog nositelji su najviše dobrote, visokomoralnih, humanističkih načela. Također ih karakterizira "duhovna žeđ" (o čemu je pisao A. S. Puškin), povezana s očekivanjem velikih društvenih promjena, iščekivanjem i strahom od razočarenja.

U tom smislu vrlo je karakterističan portret dječaka A.A. Chelishchev (1810/1811) - budući sudionik Domovinskog rata i dekabrist. Ovdje su spontanost i žar prirode, vidljivi na još djetinje slatkom licu, dodatno naglašeni jarko crvenom mrljom prsluka, kao da plameni jezik bježi iz grudi.

Zenit grafička umjetnost Kiprenski je rođen 1812.-1815., kada je stvorio nezaboravnu galeriju portreta svojih suvremenika, branitelja domovine. Ovi realistični, neslužbeni portreti prikazuju ljude visoke plemenitosti, postojanosti i čvrste odlučnosti, one koji su kasnije okrenuli novu stranicu na Senatskom trgu ruska povijest(portreti E.I. Chaplitsa, A.N. Olenjina, A.R. Tomilova, A.P. Bakunjina, N.M. Muravjeva, P.A. Olenjina, 1813.).

Crteži Kiprenskog su nevjerojatno slikoviti: u tehnici olovke on je u stanju odraziti svu plastičnost živog oblika, uhvatiti karakteristične detalje, oponašati nijanse boja i raznolikost tekstura.

Godine 1816. Kiprenski je posjetio Italiju, koju su romantičari smatrali “obećanom zemljom”. Njihov interes za umjetnost prošlosti dobio je prirodan poticaj u Italiji. Portreti Kiprenskog imali su veliki uspjeh među sofisticiranim Talijanima. Nakon smrti umjetnika A.A. Ivanov ga je nazvao prvim od slikara koji je "rusko ime učinio poznatim u Europi".

U impresivnoj pojavi mladog aristokrata A.M. Golitsyn (oko 1819.) pokazuje duboku unutarnju napetost, naglašenu nervozno sklopljenim prstima. Ekspresivnost portreta izgrađena je na kontrastu uzbuđenog stanja osobe i veličanstvene smirenosti krajolika s klasično skladnom kupolom Katedrale sv. Petra.

Na portretu E.S. Avdulina (1822.), izvedena pod utjecajem djela renesansnih majstora viđenih u Italiji, umjetnica je stvorila filozofsku i pesimističnu sliku prolazne mladosti, upotpunjenu simboličnim motivom - raspadajućim cvijetom na prozoru.

Glavni glumac romantična umjetnost postala je kreativna osobnost – samostalna i smislena. Na poznatom portretu A.S. Puškina (1827.), umjetnik je uspio prenijeti visoku duhovnost, živost uma, snagu karaktera i emocionalni temperament velikog pjesnika. Portret se jako svidio i samom Puškinu, koji je napisao da se na njemu vidi kao u ogledalu (“Vidim se kao u ogledalu, ali ovo mi ogledalo laska...”).

Tijekom života Kiprenski je stvorio mnoge autoportrete - gorljivog mladića (oko 1808.), očajnog buntovnika, ostarjelog čovjeka koji je izgubio smisao života (1828.). Priča o njegovom životu je priča o smrti romantičnih ideala.
Ni prije ni poslije Kiprenskog nijedan ruski umjetnik nije u svom djelu postigao tako skladan spoj romantične emocionalne strukture i realistične interpretacije slike.

Romantični krajolik

Slobodoljubivi ideali romantizma i njemu svojstvene uzvišeno poetične predodžbe o svijetu i čovjeku odrazile su se i na krajolik prve trećine 19. stoljeća, koji je prenosio poetsku i emotivnu sliku prirode. Najznačajniji pejzažist romantičarskog pokreta, kojem nisu bila strana realistička traženja, bio jeSylvester Feodosijevič Ščedrin (1791-1830).

Ščedrina možemo smatrati i ruskim i europskim umjetnikom, ne samo zato što je glavni dio njegova života i rada bio vezan za Italiju, već i zato što je istovremeno bio s Englezima, Talijanima i francuski slikari počeo razvijati progresivnu, realističnu metodu slikovnog utjelovljenja prirode - plenerizam.
Plenerističko (iz prirode) slikanje prenosi prirodno svjetlo, zrak i prirodne boje.

Umjetnost romantizma izgrađena je na kontrastu i interakciji temperamentno aktivnih i lirski kontemplativnih slika. Tema mirnog, odmjerenog života, radosnog, lakog rada na pozadini spokojne prirode živopisno je utjelovljena u umjetnikovim napuljskim krajolicima: seriji "Luke u Sorrentu", pogledima na otok Capri. U serijama “Verande” i “Terase” (1825.-1828.) tema dolce far niente (u prijevodu s talijanskog “slatko opuštanje”) utjelovljuje idealan svijet sklada i sreće za kojim tragaju romantičari.

Među majstorima romantičnog pejzaža ističu se i:

Maksim Nikiforovič Vorobjev (1787-1855) - tvorac poetske slike Sankt Peterburga, koja sadrži veličanstvenost arhitekture, prirodnu snagu "suverenog toka" Neve i duševnu melodiju bijelih noći;

Mihail Ivanovič Lebedev (1811.-1837.) - majstor "pejzaža raspoloženja", čiji su omiljeni motivi bili zabačeni kutovi šuma, gudure, zarasle obale močvara i bara, stoljetna stabla i kamenje obraslo mahovinom koje zadržavaju dah stoljeća.

Karl Bryullov

U portretima rada Karl Pavlovič Bryullov (1799.-1852.), prema V.G. Belinsky, otkriva se "skriveni život srca" osobe. Njegovo stvaralaštvo spaja različite tipove portreta: intimno-lirski, svakodnevni i reprezentativni (svečani).

Bryullov je bio pravi inovator na polju ceremonijalnog portretiranja. Svjetlina, naglašena vanjska raskoš lika, bogatstvo likovnih motiva i kompozicijska perfekcija čine njegove “reprezentativne” skladbe monumentalnima. Istodobno, brojni žanrovski detalji i živahna pejzažna pozadina približavaju ih realizmu ("Jahačica" - portret Giovanne Pacini, 1832.).

Psihološke karakteristike nisu strane Bryullovljevim reprezentativnim portretima. Na portretu E.P. Saltykova (1838.), snimljena u luksuznom okruženju, s lepezom paunovog perja, glavna stvar nije svijetlo okruženje, već nježna krotkost, mekoća, ženstvenost lirske heroine. Na portretu sestara A.A. i O.A. Shishmarev (1839) umjetnik je zainteresiran za usporedbu likova živahne, aktivne i koketne starije sestre i suzdržane i skromne mlađe. Njegov dugogodišnji voljeni Yu.P. Bryullov je prikazao Saltykovu u kratkoj sceni na maskenbalu sa svojom učenicom Amalicijom Pacini (1839./1840.). Vedro i dekorativno u boji, monumentalno u kompoziciji, portret u potpunosti prenosi bit slike ponosne, neovisne žene koja se osjeća samouvjereno u "maškaradi života".

Komorni portreti tog vremena obilježeni su pečatom refleksije. Ovo su portreti N.V. Lutkar (1836) s bolnom, poetskom egzaltiranošću; A.N. Strugovshchikov (1840) sa svojim suptilnim umom i ironičnim odnosom prema životu. Na portretu I.A. Krylov (1839), naturalizam prenošenja karakterističnih značajki izgleda starog fabulista kombinira se s istinskim psihologizmom slike, koja nosi svjetlo dobrote i snagu razuma.

Jedan od najboljih portreta Sankt Peterburga Bryullova je autoportret iz 1848. godine. Nervozan i brz ritam poteza, "vruća" oker boja, tjeskoban i bolan izraz njegova lica otkrivaju stalno kreativno uzbuđenje umjetnika. , čiji je cijeli život u borbi sa službenim preprekama, s nezadovoljavajućom stvarnošću, i na kraju, s teškom bolešću. Ovo je slika ogromne emocionalne snage.

Bryullov dramatični svjetonazor kao romantičar utjelovljen je u velikom povijesnom platnu "Posljednji dan Pompeja" (1830.-1833.). Umjetnik je značajan dio života proveo u Italiji, zbog čega ga je njezina povijest toliko zabrinjavala. Zahvaljujući romantizmu, sadržaj povijesne slike nije postao podvig usamljenog junaka, nego sudbina mase ljudi; umjetnika ne zanima didaktika, nego sama povijest, a još više povijesne asocijacije na suvremenost. Snimivši strašnu prirodnu kataklizmu - erupciju Vezuva 79. godine nove ere, koja je pretvorila grad Pompeje u pepeo i nagovijestila skori kraj drevne civilizacije, Bryullov je gorko podsjetio svoje suvremenike na tragične proturječnosti okolne stvarnosti (nije za ništa što je umjetnik prikazao i sebe).

U isto vrijeme, Bryullovljevo platno ispunjava sve zahtjeve akademskog slikarstva.

Akademizam

Početak akademizma vezan je uz pojavu u 16.-18.st. u Europi, prve umjetničke akademije, čiji je cilj bio učvrstiti izvanredna dostignuća umjetnosti antike i talijanske visoke renesanse, te na njihovom iskustvu razviti sustav umjetničkog obrazovanja. Godine 1757. u Petrogradu je nastala Akademija triju najznačajnijih umjetnosti.

Sustav obuke u akademijama bio je strogo reguliran; Njihovo djelovanje bilo je usmjereno na stvaranje i uspostavljanje tzv. velikog stila službene dvorske umjetnosti. Umjetnička metoda akademika temeljio se na odabiru pojedinačnih, najpovoljnijih svojstava prave klasične umjetnosti i njihovom proizvoljnom spajanju u novu umjetničku sliku.

Veliki talijanski kipar L. Bernini ovako je opisao rad akademskog umjetnika: „... od manire deset ili dvanaest najvećih umjetnika stvorio je svoju, kao da je prolazio kroz kuhinju, gdje je svaki od njih bio u poseban lonac, stavljao je od svakoga po jednu žlicu u svoju, koju je držao pri ruci.”

No, akademizam nije samo konzervativno razmišljanje i oponašanje forme. To je, prije svega, vječna, klasična tradicija, koju svaki umjetnik upija i implementira u svoj rad u skladu sa svojim talentom i dubinom promišljanja. Značajke akademizma obilježavaju stvaralaštvo velikih ruskih umjetnika – K.P. Bryullov i A.I. Ivanova.

“Jedan od najsjajnijih fenomena 19. stoljeća”

Bryullovljeva slika "Posljednji dan Pompeja" predstavlja veliku raznolikost ljudskih karaktera, otkrivenih kroz govor tijela i poze. Uz svu teatralnost, njihov tragični patos vrlo je prirodan. Lajtmotiv platna je manifestacija u ekstremnoj situaciji najbolja svojstva ljudska priroda: spašavajući jedni druge, Brjulovljevi junaci kršćanski pobjeđuju smrt.
Bryullov je nenadmašni majstor modeliranja volumena: uz pomoć chiaroscura uspijeva postići iluziju potpune trodimenzionalnosti. Akademski čuvajući zakulisnu strukturu kompozicije i glavne "trobojne" planove (prva, crna, je zemlja, druga, zelena, je vegetacija, treća, plava, je nebo), Bryullov je uspio postići nevjerojatna izražajnost boje, plamteće tragično crveno; umirući u smeđezelenim sjenama. A pozadinski polutonovi - svijetloplava, blijedozelena, zlatnožuta - daju iluzornu nadu. Intenzitet boja i svjetla daje dodatnu dinamiku akciji koja se već brzo razvija.
Bryullovljevo slikarstvo s pravom je nazvano "jednim od najsjajnijih fenomena 19. stoljeća".

K.P. Bryullov i A.A. Ivanov je, naime, majstor jedne slike.

Aleksandar Ivanov

Za Aleksandar Andrejevič Ivanov (1806.-1858.), životno djelo bilo mu je veliko djelo “Ukazanje Krista narodu” (1837.-1857.). Poput Bryullova, Ivanov je proveo mnogo godina u Italiji proučavajući antičku umjetnost. Lajtmotiv umjetnikova djela zauvijek je postao san o idealno lijepoj osobi, koju su slavili majstori antike i renesanse.

Sadržaj slike, jasno čitljiv u njenoj kompoziciji, je globalan. Skupina apostola predvođena Ivanom Krstiteljem suprotstavljena je svjetini koju predvode farizeji, a između njih je niz ljudi iznenađenih pojavom Spasitelja, kao na prijelazu duhovnog izbora između poganstva i poganstva. i kršćanstva, odnosno prikazan je najvažniji prijelazni trenutak u povijesti čovječanstva, kada je pokretačka snaga Snage povijesnog napretka moralno samousavršavanje ljudi.

Ivanov je majstor psihološke karakterizacije: u svakom od nekoliko desetaka likova duboko je analizirao karakter, prikazao individualno stanje osobe zadivljene onim što vidi, a pritom je stvorio određenu tipično generaliziranu sliku. Zajedničko upoznavanje različitih ljudi društveni status(patriciji, lutalice, robovi), Ivanov je utjelovio poznatu romantičarsku tezu o iskonskoj duhovnoj jednakosti.

Za Ivanova je asocijativna povezanost bila vrlo važna biblijska priča sa suvremenošću. Strastveno očekivanje društvene promjene od strane ruske inteligencije simbolizirano je autoportretom i portretna slika N.V. Gogol, s kojim je umjetnik bio vrlo prijateljski raspoložen. Ivanov je korelirao emocionalnu i duhovno značajnu sliku proroka - Ivana Krstitelja - s mnogim modernim slikama ruske umjetnosti i književnosti, posebno s "Prorokom" A.S. Puškina.

Platno bilježi veliku raznolikost motiva pokreta, gesta i grupnih "faza". Skulpturalni volumen figura postiže se ekspresivnom konturom i svjetlosnom zasićenošću tonova kojima je ljudsko tijelo "obloženo" na platnu. Svijetle točke draperija dodaju oživljavajući naglasak kompoziciji, pridonoseći dodatnom otkrivanju likova.

Ivanov je majstorski prenio perspektivnu dubinu krajolika, čiji se daleki planovi tope u jutarnjoj magli, dajući izgledu Spasitelja na obalama Jordana mističnu nijansu.
Svoju filozofiju beskonačnosti svemira umjetnik je utjelovio u krajoliku “Apijev put na zalasku” (1845.), koji nosi simboličnu sliku drevne ceste koja se proteže u vječnost.
Dok je radio na "Ukazanju Krista narodu", Ivanov je imao ideju napraviti seriju slika na biblijske teme. Sanjao je da u Moskvi sagradi veliku javnu zgradu - neku vrstu muzeja povijesti religija - i ukrasi je freskama.

U poznatom akvarelu "Biblijske crtice" (kasne 1840-ih - 1850-ih) interpretacija vječnih tema dobila je realističan karakter. Oblici ocrtani generaliziranim, isprekidanim konturama, slobodnim mrljama u boji objedinjenim zajedničkim tonom, posvijetljenim bojama i velikim kontrastima stvaraju monumentalni učinak koji je iznenađujuće organski u malim akvarelima. Tome, naravno, pridonosi epska snaga sadržaja sadržanog u skicama i vještina zidara koji se oslanjao na najbolje tradicije staroruskog i svjetskog fresko slikarstva.

bidermajer

Biedermaier (Biedermaier) (od njemačkog Biedermaier - "uvaženi gospodin Mayer", junak popularne pjesme njemačkog pjesnika J. von Scheffela) - stil u likovnim i dekorativnim umjetnostima Europe 1820-ih-1840-ih. Razvio se u Njemačkoj i Austriji, odražavajući umjetnički ukus građanstva - gradske sitne buržoazije i filistarstva. Osnova bidermajerske estetike bila je želja za jednostavnošću oblika, žudnja za domaćom udobnošću i poetizacija svijeta stvari; obiteljski život"čovječuljak" Povijesno gledano, razdoblje nastanka bidermajer pokreta poklopilo se s razdobljem političke reakcije i pada društvene aktivnosti kako u Europi tako iu Rusiji.

Bidermajer slikarstvo odlikuje naturalizam oblika, zanimanje za detalje, temeljitost tehnike i glatki način. Najpopularniji žanrovi slikarstva bili su obitelj i dječji portret, interijer, mrtva priroda i, naravno, svakodnevni žanr.

Možda je najdosljednija bidermajeru umjetnost ruskih akvarelista – majstora komornog portreta: P.D. Sokolova, V.I. Gau, kao i manji umjetnici svakodnevnog žanra: F.A. Moller, A.A. Neff, P.N. Orlov, F.Y. Kapkov, čiji su se “salon”, slatki zapleti i akademski konvencionalne slike spojili s naturalističkim tumačenjem forme.
Tako izvanredni majstori slikarstva kao što je A.G. radili su u stilu bliskom bidermajeru. Venetsianov, V.A. Tropinin, P.I. Fedotov, međutim, njihov rad sadržajno je mnogo širi od okvira "građanskog stila".

Aleksej Gavrilovič Venecianov (1780-1847) odabrao je žanr seljačke svakodnevice kao glavnu temu svog rada. Njegovi radovi nose karakteristična obilježja bidermajera, sklon sentimentalnosti i idealizaciji seljačkog života. To su prije svega lijepe kazališne scene u narodnim nošnjama – pastorale. Međutim, umjetnikova želja za životnom sličnošću je tolika da je iza sve te ljepote lako iščitati duboke misli. U filmu “Na oranicama. Proljeće" (prva polovica 1820-ih) seljanka u narodna nošnja s drljačom na širokom oranom polju personificira sliku skromne, ali ruskom srcu drage, domaće prirode, vitalnog značenja seljačkog rada.

Želja za sintetičkom slikom prirode (kao kozmosa) i čovjeka (kao njegova dijela) očitovala se neočekivanom snagom u jednom od najbolje slike Venetsianova - “U žetvi. Ljeto" (sredina 1820-ih), gdje se iza prednjeg plana blizu gledatelja - šetnice na kojoj sjedi seljanka i beba - lako razotkriva prostor koji se proteže u beskraj.

Ova tehnika, koju su izmislili majstori renesanse, bila je vrlo voljena i često korištena od strane romantičara. Međutim, Venetsianovljeva je priroda lišena tajanstvenosti i nevjerojatne neizvjesnosti karakteristične za romantične krajolike; Nije to harmoničan svijet snova u koji romantični junak bježi od stvarnih zemaljskih iskustava. Venetsianovljeva priroda je konkretna i humanizirana.
Važno mjesto u stvaralaštvu Venetsianova zauzimala je potraga za ruskim nacionalnim tipom ("Zaharka", 1825; "Pelageja"; "Starica u šeširu", 1829; "Djevojka s razlicima" i druga djela).

Osobitost umjetnikova slikovnog načina je svjetlina boje, koja mu omogućuje, prije svega, da stvori dojam zasićenosti prostora zrakom; u njemu predmeti gube svoje jasne obrise i kao da se rastvaraju u prozirnoj izmaglici.
Venecianovljeva škola, koju je održavao u vlastitoj radionici o vlastitom trošku, bila je prva umjetnička obrazovna ustanova u Rusiji koja je temelj obrazovanja postavila rad iz života. Umjetnici venecijanskog kruga stvorili su tipologiju slika koja je spajala obilježja portreta, interijera i žanrovsko slikarstvo(“U stolarskoj radionici” L. Platova, 1845.; “Radionica černjecovskih umjetnika” A. Tyranova, 1828.; “Pogled na dvoranu pravnog fakulteta sa skupinama nastavnika i studenata” S. Zaryanka, 1840. /1841; “Ured u Ostrovki” G. Soroka, 1844).

Prema suvremenicima, Vasilij Andrejevič Tropinin (1776.-1857.) naslikao je ukupno oko 3000 portreta. Tropinin je bio kmet; izvedena na posjedu grofa I.I. Morkovljeve dužnosti umjetnika uz rad lakeja i slastičara. Nije uspio završiti svoje akademsko obrazovanje, ali ustrajno samousavršavanje omogućilo mu je da postigne najviše umjetničko majstorstvo, dobije titulu "imenovanog" (kandidat akademik), a potom i akademik.

Jedan od najboljih Tropininovih portreta je portret njegovog sina (1818.) - apsolutno romantična slika. Iznimnom, živom spontanošću predstavlja sliku razigranog djeteta u čijem se izrazu očiju krije djetinjasti um. Posebnost Tropininovog slikarskog stila su svijetle sjene koje daju živahnu vibraciju površini platna.

Značaj stvaralaštva V.A Tropinjinov rad sastoji se u želji za istinito određenom, realističkom karakterizacijom modela, s elementima žanrovske detaljizacije. U poznatoj Čipkarici (1823.) jednostavnost, prirodnost i skromnost djevojke jednako su uvjerljive kao i naturalistički točan prikaz figure, fizionomskih obilježja i detalja veza na karici. Duboko suosjećajući sa svojom junakinjom, umjetnik idealizira sliku (to je sasvim u duhu bidermajera - stil lijepih sitnica), ali nimalo ne ometa spontanost percepcije.

Jedno od njegovih najboljih djela zrelih godina je portret Bulakhova (1823.) - tipičnog predstavnika moskovske plemićke mladeži, veselog, oporbenog i istodobno umjereno aristokratskog. Još jedan tip Moskovljanina - osoba koja je otvoreno dobrodušna, gostoljubiva i prezire prim bonton - personificiran je portretom K.G. Ravič (1825).
Na svom kasnom autoportretu (1846.), koji prikazuje sebe na pozadini večernjeg Kremlja, umjetnik naglašava svoju pripadnost Moskvi i neraskidivu povezanost s njezinom duhovnom aurom.

Pavel Andrejevič Fedotov (1815-1852) - Veliki majstor kućanski žanr. Djelovao je u vrijeme procvata bidermajera, ali je u “kazališne” žanr-scene karakteristične za slikarstvo ovog stila unio dramatični sukob i psihologiju ljudskih odnosa. Njegovo je slikarstvo po mnogočemu srodno dramaturgiji A.N. Ostrovski. Kao i djela Gogolja, Ostrovskog, mladog Dostojevskog, Fedotovljeva su platna oštra društvena satira na trgovačko-filistarski moral. Istodobno, umjetnik je utjelovio slike običnih ljudi s njihovom teškom sudbinom s velikim osobnim suosjećanjem, često ih obdarujući autobiografskim elementima.

Na slici “Svježi kavalir” (1846.) arogancija sitnog pijanog činovnika koji na svoj prljavi kućni ogrtač zakači tek primljeni orden istovremeno je smiješna i zastrašujuća, poput manične samouvjerenosti ništarija. Interpretacija jednostavnih svakodnevnih detalja upečatljiva je karakterističnim bidermajerskim naturalizmom. Svaki Fedotovljev predmet dodatni je dodir u karakterizaciji junaka; njegov život istinitije govori o njemu nego njegovo razmetljivo ponašanje.

Jedan od najbolji radovi Fedotov, za koji je dobio titulu akademika, - "Spajanje majora" (1848). U njemu je, iza za to vrijeme sasvim običnog događaja - provodadžisanja plemićkog časnika s kćeri bogatog trgovca - umjetnik sagledao gorući društveni problem povezan s materijalnim i duhovnim osiromašenjem plemstva. Slike na slici duboko su realistične, a svaka od njih ističe najizrazitije karakterne osobine: učinkovitost trgovca i provodadžije, pokornu ravnodušnost sluškinje, cinizam mladoženje, grubu spontanost trgovčeve majke, afektiranost mladenke. Fedotov režira mise-en-scene kao u kazalištu (izvedba komedije N. V. Gogolja "Ženidba" 1842. na pozornici Carskog kazališta imala je značajan utjecaj na koncept filma).

U kasnom razdoblju svog stvaralaštva, koje dolazi u vrijeme žestoke političke reakcije, Fedotov je kao teme svoje umjetnosti učinio, s jedne strane, suosjećanje s "malim čovjekom" potisnutim okrutnom stvarnošću, as druge, dramatično , poguban sukob pojedinca s okolinom.

Na slici "Udovica" (1851./1852.), čija se radnja temelji na obiteljskoj tragediji umjetnikove sestre, on gledatelju govori o gorkoj sudbini bespomoćne žene koja je ostala bez sredstava za život.
Druga tema našla je svoj izraz u skladbi “Sidro, još sidro!” (oko 1851.), gdje je riječ o sudbini časnika, ostavljenog s pukom u divljini i besciljno ubija vrijeme dresurom pudla. Ovdje se gorčina zbog bezizlazne sudbine osobe koja nema priliku adekvatno ostvariti u suvremenim društvenim uvjetima uzdigla na razinu društvenog protesta. U ovoj se slici promijenio majstorov kreativni stil: nestali su jasni obrisi kontura likova i predmeta, forma je isklesana mrljama boje, a kompozicija je izgrađena na slikovitim odnosima tame i svjetla. Njegovo semantičko središte je prigušeni svijećnjak, koji također igra ulogu kompozicijskog "seta".

Najnoviji rad P.A. Fedotov - "Igrači" (1852.) razvio je i doveo do izuzetne oštrine temu duhovne smrti čovjeka. Fluktuirajuća, raspršena svjetlost svijeće, neobične poze likova koji bacaju jezive sjene na zidove, izobličeni, naizgled suludi izrazi njihovih lica stvaraju alarmantnu, krajnje napetu atmosferu. Suština tragedije misleće osobe u uvjetima društveno-političkog ugnjetavanja, šifrirana u Fedotovljevim djelima, formulirana je strastvenim riječima A.I. Hercen: ... Kakvo je to, konačno, čudovište zvano Rusija, koje treba toliko žrtava i koje svojoj djeci daje samo tužan izbor da moralno propadnu u okruženju neprijateljskom prema svemu ljudskom ili da umru u praskozorju svog života? To je bezdan bez dna u kojem se utapaju najbolji plivači, u kojem najveći napori, najveći talenti, najveće sposobnosti nestaju prije nego što išta postignu..."

Tragedija, koju je demokratski mislilac proglasio nacionalnom, postala je osobna za umjetnika Fedotova. Život mu je završio u duševnoj bolnici. Kao i njegovi junaci, nije mogao podnijeti neslogu sa svijetom oko sebe; život u sredini u kojoj je sve napredno bilo potisnuto za njega se pokazao nemogućim.

Fedotovljeva umjetnost, realistična u obliku i sadržaju, društveno kritična usmjerenja, postala je jedna od tradicija na koju su se izravno oslanjali ruski realisti drugog razdoblja. polovica 19. stoljeća V.

"Povijest i društveni predmeti za školarce". - 2013. (prikaz). - Broj 3-4

Početkom 19. stoljeća dolazi do naglog uspona kulturnog razvoja Rusije. Za likovnu umjetnost početak 19. stoljeća je zlatno doba (kako su ga nazivali suvremenici i kako se nepobitno smatra do danas). Upravo su u to vrijeme ruski umjetnici, kipari i arhitekti dostigli najvišu vještinu, što im je omogućilo da stanu u rang s najbolji majstori Europska umjetnost.

Krajem 18. - početkom 19. stoljeća vodeći stil ruske likovne umjetnosti bio je klasicizam. Pojam “klasicizam” dolazi, kao što je poznato, od latinske riječi “classicus”, odnosno “uzoran”. Kao idealan primjer klasicizma uzeta je baština antičke umjetnosti - starogrčke i rimske. Glavna tema klasicizma je trijumf moralni ideali, primat javnog nad osobnim (“dužnost iznad svega”).

Uporište klasicizma u Rusiji bila je Umjetnička akademija, koja je zahtijevala obvezno pridržavanje strogih kanona klasicizma i poticala slikanje na povijesne, biblijske i mitološke teme. Nije slučajno što se u povijesti ruskog slikarstva klasicizam često naziva "akademizmom".

Umjetnost je u Rusiji uvijek bila državna stvar. Akademija je dijelila državne narudžbe, potpore i odobravala mirovine. Stoga se akademskim umjetnicima oduvijek odavalo priznanje - njihova su platna bila visoko cijenjena i hvaljena na službenoj razini i posljedično dobro plaćena, a povijesni žanr, u kojemu su pretežno radili akademici, smatran je "najvišim ” žanra na Umjetničkoj akademiji.

Međutim, većina umjetnika koji su radili u tako cijenjenom "visokom" žanru nije dosegla posebne visine. To se objašnjava prije svega činjenicom da su povijesni slikari u pravilu izvršavali službene vladine naloge i radili u okviru kanona, zbog čega je individualnost umjetnika često odlazila u drugi plan ili čak posve nestajala.

Ipak, stvarni stvaratelji, čak iu strogim okvirima klasicizma, uspjeli su ne samo izraziti sebe, već i ostvariti estetske ideale koji su bili novi za te godine (da ne govorimo o nadahnutom odrazu patriotskog patosa epohe, rođenog iz pobjeda u Domovinskom ratu 1812).

Jedan od najtalentiranijih slikara tog vremena bio je Andrej Ivanovič Ivanov (1776.-1848.) - otac slavnog Aleksandra Ivanova. Svoje kreacije uglavnom je posvetio junacima drevne ruske povijesti. Njegove najuspješnije slike su "Podvig mladog Kijevljanina tijekom opsade Kijeva od strane Pečenega 968. godine" i "Borba kneza Mstislava Vladimiroviča Udala s kosoškim knezom Rededejem" (zanimljivo, umjetnik ju je dovršio u danima kada Moskvu je zauzeo Napoleon).

Njegov imenjak Dmitrij Ivanovič Ivanov (1782. - nakon 1810.) također je napisao djela tipična za klasicizam: likovi na njegovim slikama nalikuju skulpturama, kompozicija je geometrijski provjerena. Ovo je platno "Marta Posadnica": pustinjak Theodosius Boretsky predaje mač Miroslavu da se bori za neovisnost Novgoroda. Ovaj svijetlo djelo visoki klasicizam.

Nemoguće je ne primijetiti povijesnu sliku Vasilija Kondratijeviča Sazonova (1789.-1870.) "Prvi susret Igora s Olgom", koja je u svoje vrijeme bila vrlo uspješna. Film jasno pokazuje zanimanje za svakodnevne detalje; likovi su prikazani na lirski način.

VASILIJE ŠEBUEV. Predviđanje. Autoportret. 1805. Ulje na platnu 91,5×73,5 cm. Državna Tretjakovska galerija

VASILIJE ŠEBUEV. Podvig trgovca Igolkina. 1839. Ulje na platnu. 283,5 x 213 cm Državni ruski muzej VASILIJ ŠEBUEV. Podvig trgovca Igolkina. 1839. Ulje na platnu. 283,5 x 213 cm

Najistaknutiji predstavnici akademske umjetnosti početkom XIX stoljeća bili su A.E. Egorov i V.K. Shebuev, najveličanstveniji majstori crtež (opet u čisto klasičnom stilu).

Vasilij Kuzmič (Kozmič) Šebujev (1777.-1855.), vršnjak Andreja Ivanova na studiju na Akademiji umjetnosti, privukao je pozornost još u godini diplome na Akademiji slikom “Hipolitova smrt”, radnjom koju je posudio iz Racineove tragedije “Fedra”. Njegovi rani radovi vrlo su dinamični, ali vrlo brzo dinamičnost ustupa mjesto određenoj smirenosti. Upečatljiv primjer "mirnosti" u Shebuevljevom slikarstvu je sepija "Povratak razmetni sin" Također V.K. Šebujev je dovršio nekoliko skladbi na teme ruske povijesti: “Izbor Mihaila Fedoroviča Romanova za carstvo”, “Knez Požarski”, “Petar I u bitci kod Poltave” (posljednja slika, nažalost, nije sačuvana, samo entuzijastična osvrt na to iz suvremenika: “...talent i velika sloboda kista iskusnog umjetnika...”).

Godine 1811. V.K. Shebuev je napravio skicu na temu "Podvig trgovca Igolkina", a zatim je počeo raditi na slici pod istim imenom. Karakteristično je da je Shebuev nastojao detaljno prenijeti okus vremena, koji su zanemarivali umjetnici prethodnog razdoblja. Na primjer, Šveđani u filmu "Podvig trgovca Igolkina" odjeveni su u povijesno točne uniforme.

Aleksej Jegorovič Egorov (1776.-1851.) još se na Akademiji proslavio kao prvoklasni crtač. Njegovi crteži na antičke teme odlikuju se mekoćom i lirizmom. Umjetnikovi najbolji crteži uključuju "Ivanovo rođenje" i "Susanna". Od kasnijih posebno se ističe “Apostol Andrija Prvozvani”. Najznačajnija slika A.E. Egorova - "Muke Spasitelja." Ovoj slici prethodio je veliki pripremni rad: mnogo skica i crteža.

U portretima nastalim majstorovim kistom najviše je došla do izražaja njegova želja za bliskim proučavanjem prirode. Vrlo izražajan i poetičan, na primjer, "Portret mladića", naslikan u ulju.

Značajne su i Egorovljeve zasluge kao nastavnika na Akademiji umjetnosti. Egorov je bio strog prema svojim učenicima, ali pravedan, privržen, ali zahtjevan. Cilj je isti - usaditi učenicima ljubav prema umjetnosti i naučiti ih toj umjetnosti. Nije iznenađujuće da su mnogi Egorovljevi učenici kasnije postali izvrsni ruski slikari. Dovoljno je navesti samo jedno ime - Karl Bryullov. I iako je Bryullov krenuo "drugim putem", cijeli je život poštovao zapovijedi svog učitelja i nije zaboravio njegove lekcije.

Karl Pavlovič Bryullov (1799.-1852.) 1822. godine, nakon završene Akademije (i diplomirao je sa zlatnom medaljom), odlazi s bratom Aleksandrom u Italiju. (Inače, pravo prezime braće je Brullo. Prije odlaska u Italiju promijenili su prezime svojih predaka, doseljenika iz Francuske, na ruski način.) Stariji brat “velikog Karla”, Aleksandar, iako nije bio toliko "velik", ali je ostavio zamjetan trag u ruskoj likovnoj umjetnosti. Procvat njegova stvaralaštva kao umjetnika (a uz to je bio i prvorazredni arhitekt) poklopio se s procvatom ruskog akvarelnog portreta koji je zamijenio portret olovkom i minijaturu na kosti. Portret Puškinove žene Natalije Nikolajevne sasvim je tipičan za Aleksandra Brjulova. Brojni akvareli A. Bryullova izvedeni su više nego majstorski, ali su donekle hladni u boji.

ALEKSANDAR BRJULOV. Portret M. O. Smirnove. Ranih 1830-ih. Bristol ploča, akvarel, olovka, bijelo, lak
21,5 x 17 cm (prozirno). Državni muzej KAO. Puškin, Moskva

ALEKSANDAR BRJULOV. Portret A.D. Baratynskaja. 1830-ih. Papir, akvarel. 19,2 x 16 cm Nižnji Novgorod Država
Muzej umjetnosti

Vraćajući se djelu Karla Bryullova, bilježimo njegovu najkarakterističniju značajku - skladan suživot značajki akademske škole, značajki romantizma i želje za povijesnom istinom. Mnogi suvremenici (i potomci) zamjerali su Bryullovu što je navodno napravio nekakav kompromis. Zapravo, to uopće nije bio kompromis, već umjetnička vizija: Bryullov je svoj put u umjetnosti shvaćao upravo tako, a ne drugačije.

Karl Bryullov, moglo bi se reći, imao je fantastičnu sreću: za života je doživio punu slavu (a nije svaki ruski umjetnik uspio i uspijeva u tome). Povijesna slika "Posljednji dan Pompeja" postala je pravi događaj u umjetničkom životu tih godina. Procjene Bryullovljevog rada, a prije svega istog "Posljednjeg dana Pompeja", promijenile su se više od jednom ili dvaput tijekom vremena - od olujnog entuzijazma do skeptičnog osmijeha, pa čak i potpunog poricanja. Ali ono u što nitko (ni njegovi suvremenici ni njegovi potomci) nikad nije sumnjao jest njegov talent portretista. Dovoljno je prisjetiti se "Jahačice" - slikarevog neosporivog remek-djela.

KARL BRYULLOV. Portret pisca Nestora Vasiljeviča Kukolnika. 1836. Ulje na platnu 117×81,7 cm. Državna Tretjakovska galerija

Karl Bryullov također je bio virtuozni akvarelist. No, za razliku od djela "profesionalnih" akvarelista (na primjer, P.F. Sokolova, o kojem će biti riječi u nastavku), u Bryullovljevim akvarelima uvijek je prepoznatljiva ruka majstora velikih oblika. Bryullovljeve akvarelne portrete možemo podijeliti u dvije skupine. Prvi su akvarelne skice budućih uljanih portreta (jedan od njih je akvarelni portret basnopisca I.A. Krylova). A druga skupina su akvarel portreti kao takvi.

Jednom riječju, Bryullov je bio umjetnik, kako kažu, "od Boga". Čime god se bavio, bilo da je riječ o povijesnim slikama, portretima ili akvarelima, sva su njegova djela nesumnjivo postala umjetnička djela u doslovnom smislu riječi.

Međutim, uz sav Bryullovljev talent, virtuoznost i sreću, mnogi su umjetnikovi planovi ostali nedovršeni. Umjetnika je, primjerice, oduvijek privlačila ruska povijest. Duge godine rodio je ideju o epskoj slici pod nazivom “Opsada Pskova od strane poljskog kralja Stefana Batorija 1581. godine”. Da je taj plan ostvaren, sada bismo možda mogli govoriti o istinskom nacionalnom remek-djelu u povijesnom žanru. Ali, nažalost, slika nije naslikana...

Jednako mirno i plodonosno kao u djelu Karla Bryullova, klasicizam i romantizam koegzistirali su u djelu još jednog izuzetnog umjetnika, kao i jednako izuzetnog kipara, medaljera, gravera, autora crteža silueta i minijaturnih voštanih portreta, Fjodora Petroviča Tolstoja ( 1783-1873). Jednako su ga inspirirale ruševine antičke Helade, grane jorgovana, kanarinci i noći obasjane mjesečinom. (Ljubav prema noćima obasjanim mjesečinom, inače, bila je jedan od najčešćih znakova romantizma. Tajanstvenoj noćnoj rasvjeti umjetnici romantičari odavali su neizostavnu počast – sjetimo se M. N. Vorobjova i njegove “Jesenje noći”. A što može biti romantičnije od noć obasjana mjesečinom?)

No, “kompromisno” sjecište klasicizma i romantizma u djelima K.P. Brjulova, F.P. Tolstoj nije služio kao primjer drugim umjetnicima. Naprotiv, mnogi talentirani slikari nisu priznavali nikakve kompromise: izravno opterećeni zahtjevima visoke klasične umjetnosti, jednako su izravno gravitirali romantizmu.

Romantizam (od francuskog romantisme) je, kao što znate, umjetnički pokret u europska kultura kraj 18. - prva polovica 19. stoljeća. U likovnoj umjetnosti romantizam se formirao u borbi protiv službenog akademskog klasicizma. I ruska likovna umjetnost tu nije bila iznimka. Vjeruje se da se upravo zahvaljujući romantizmu rusko pejzažno slikarstvo oslobodilo okova klasicizma.

Međutim, ovdje su potrebna neka pojašnjenja.

U umjetnosti, a posebno u likovnoj, nije sve tako jednostavno i jednoznačno kako se ponekad na prvi pogled čini. Okovi su okovi, ali jedno od najkarakterističnijih obilježja ruskog romantizma s početka 19. stoljeća bila je njegova bliska povezanost s klasicizmom. Druga je stvar što je uloga klasičnog nasljeđa u romantizmu vrlo kontradiktorna. S jedne strane, vidimo da je romantizam apsorbirao etiku i estetiku klasicizma (drugim riječima, vjeru u sve lijepo i plemenito što je svojstveno čovjeku) i "posudio" visoku profesionalnost od klasicizma. S druge strane, isti je klasicizam svojim krutim granicama sputavao mogućnosti umjetnika romantičara.

FEDOR TOLSTOJ. Draga se divi sama sebi u ogledalu. 1821. Papir, akvarel. Državna Tretjakovska galerija FEDOR TOLSTOJ. Draga se divi sama sebi u ogledalu. 1821. Papir, akvarel. Državna Tretjakovska galerija

FEDOR TOLSTOJ. Buket cvijeća, leptir i ptica. 1820. Smeđi papir, akvarel, bjelilo. 49,8 x 39,1 cm
Državni ruski muzej

U ruskom pejzažnom slikarstvu romantizam je bio uglavnom optimističan, svijetle prirode (za razliku od, recimo, francuskog romantizma). Ruski romantizam je elegičan, melankoličan, kontemplativan... Pritom nimalo ne zanemaruje objektivnu sliku svijeta. Naprotiv, u romantičnom pejzažnom slikarstvu neobično je vidljiva surova stvarnost. Možete ići "obrnuto" i reći da je rusko realističko slikarstvo imalo naglašene romantične prizvuke.

Sve do početka 19. stoljeća pejzažno slikarstvo bilo je uglavnom ograničeno na prikazivanje polja i potoka, te pastira i pastirica koji promatraju stada koza i ovaca (usput, na Umjetničkoj akademiji takve su pastorale nazivane bez naznake humor, “pejzaži sa stokom” - zato je to ipak Akademija). Ali do početka 19. stoljeća stanje
postupno se počinje mijenjati. Na primjer, platno F.M. Matveevljev "Pogled na rimsku Campagnu" još je napisan u tradiciji akademskog klasicizma, ali već u njegovom "Talijanskom krajoliku" jasno su vidljiva potpuno drugačija raspoloženja. To se još više odnosi na pejzaže A.A. Ivanova. Također vrijedi istaknuti krajolike N.G. Černecova. Iako Černecovljeva djela nisu toliko slobodna i nesputana kao Ivanovljeva, Černecov je slikao upravo rusku prirodu, dok je Ivanov radije slikao talijansku prirodu.

Ali nije Ivanov, ni Matvejev, ni Černjecov ni drugi vrlo vrijedni umjetnici imali čast otkriti nove načine razvoja ruskog krajolika. Semjona Fedoroviča Ščedrina (1745.-1804.) s pravom nazivamo utemeljiteljem ruskog pejzažnog slikarstva. Prvi je u ruskoj umjetnosti otkrio suštinsku vrijednost običnih motiva običan krajolik, bio je prvi slikar pejzaža priznat od Akademije, bio je prvi profesor pejzažnog slikarstva, prvi voditelj posebne klase pejzaža. Jednom riječju, Ščedrin je utemeljitelj i pionir.

Utemeljiteljem žanra ruskog gradskog pejzaža smatra se Fjodor Jakovlevič Aleksejev (1753(4?) - 1824). Krajem 18. - početkom 19. stoljeća slikao je vedute Petrograda i Moskve. U 1810-ima umjetnik se ponovno okrenuo u svom radu slici svog voljenog Sankt Peterburga. S ljubavlju i izvanrednim lirizmom, umjetnik prenosi ljepotu Neve, nasipa, palača, povijesne građevine... Kasno slikarstvo Fjodora Aleksejeva blisko je Puškinovoj poeziji. Tijekom tih godina umjetnik se udaljio od hladnog klasicizma i unio žanrovski element u pejzaž. “U Aleksejevljevom slikarstvu definitivno se osjeća ona slatka, iskrena nota koja je, dvadesetak godina kasnije, postala tipičan znak vremena...” zapisao je Igor Grabar.

U Aleksejevljevim djelima ovog vremena sve se jasnije čuje buka grada. Cijeli prvi plan njegovih platna sada zauzimaju ljudi sa svojim svakodnevnim poslovima i brigama. Pred očima gledatelja je obična gradska svakodnevica: trgovci i službenici žure za svojim poslom... ribari love... prijevoznici prevoze... Zapamtite, kao u Puškinovim pjesmama: „Trgovac ustaje, trgovac ide. .. Fijaker vuče na burzu...” Odnosno, odvija se najsvakodnevniji život. Nekako posebno, “na aleksejevski” sunce sija, “na aleksejevski” zrak je proziran... To su “Pogled na engleski nasip s Vasiljevskog otoka”, “Pogled na Kazansku katedralu u St. . Petersburg”, “Pogled na pljusak Vasiljevskog otoka s Petropavlovske tvrđave.”

I neka vas riječ "pogled" u naslovima slika ne zavara. Umjetnik ne piše "tipove" zgrada i ansambala - u svakoj slici, kao u kapi vode, odražava se cijeli Sankt Peterburg.

Mlađi suvremenik G.R. Deržavin i stariji suvremenik A.S. Puškin, Aleksejev je sliku grada uzdigao u rang punopravne umjetnosti,

i neka idealizacija izgleda ruske prijestolnice bila je za umjetnika način da izrazi svoju ljubav prema ljepoti, čije je utjelovljenje za Aleksejeva bio briljantni Petersburg.

Najveću etapu u razvoju ruskog pejzaža predstavlja djelo Silvestera Feodosijeviča Ščedrina (1791.-1830.). U njihovom rani radoviŠčedrin je razvio iste teme urbanog (pa čak i petrogradskog) pejzaža kao F.Ya. Aleksejev. No, njegovo slikarstvo petrogradskog razdoblja ipak je bliže S.F. Ščedrina (koji je bio ujak Silvestera Ščedrina). Sylvester Shchedrin jasno je i jasno formulirao svoj zadatak: stvaranje portreta područja. Najvažnija mu je bila želja da što dublje dočara karakter prirode. Njegova brojna ponavljanja i varijacije iste teme govore o ustrajnosti u ostvarenju ciljeva. Osam puta (!) umjetnik je ponovio svoju sliku „Novi Rim. Dvorac svetog anđela”, a svaka nova verzija bila je bolja od prethodne, obogaćena novim suptilnim opažanjima. Možete nasumce uzeti bilo koju Ščedrinovu sliku i odmah će biti očigledna razlika između Ščedrina i bilo kojeg drugog slikara pejzaža. Prije svega, ovo je, naravno, slika ljudi - na Ščedrinovim slikama to nisu obični statisti, ne "stanovništvo", već potpuno žive slike: preplanula lica, prirodni pokreti ...

Radu Silvestra Ščedrina prethodila je (i dijelom bila popraćena) djelatnost umjetnika tzv. “drugog reda”, koja definicija, međutim, ni na koji način ne umanjuje važnost njihova rada u umjetničkom procesu, a svakako ne govori o njihovoj prosječnosti. Bili su to vrlo daroviti slikari, jednostavno, iz niza subjektivnih i objektivnih razloga, trendovi novoga vremena nisu se tako snažno očitovali u njihovu stvaralaštvu kao u djelu Silvestera Ščedrina. Ipak, ti su umjetnici odigrali progresivnu ulogu u razvoju ruskog pejzažnog slikarstva, jer su svojom kreativnošću pripremili teren za rađanje "nove" umjetnosti.

Ti su se majstori nazivali likovnim umjetnicima. Iako bi ih ispravnije bilo nazvati putopiscima. Neki od njih su putovali po Rusiji (A.E. Martynov, T.A. Vasiliev), drugi - oko Grčke i Italije (N.F. Alferov, E.M. Korneev), drugi su sudjelovali u kružnim plovidbama (P.N. . Mikhailov), netko je posjetio Ameriku (P.P. Svinin). Ali to nije glavno. Iako su inspiraciju crpili putujući okolo različite zemlje pa čak i na različitim kontinentima, sve te umjetnike ujedinila je činjenica da su njihove kreacije, u biti, bile “video-pisanje”, odnosno poput zapažanja s putovanja - i ništa više.

Međutim, nisu svi likovni umjetnici svoja djela stvarali putujući. Bilo je i onih koji su se zadovoljili samo prikazom Sankt Peterburga. (Početkom 20-ih godina 19. stoljeća prilično su se redovito pojavljivali čitavi nizovi veduta ruske prijestolnice.) Pišući svoje “sanktpeterburške” slike, video slikari nisu sebi postavljali druge zadatke osim savjesnog opisa Sankt Peterburga. Jedan od najistaknutijih majstora ove vrste likovne umjetnosti bio je M.N. Vorobjov (1787-1855). Kad je tek započinjao svoj stvaralački put, već je bio svrstan među umjetnike “poznate po svom talentu”. A kada je Vorobjov život završio, prozvali su ga "najslavnijim ruskim slikarom" i čak su ga počeli poštovati kao "oca ruskog pejzažnog slikarstva".

No, sve teče i sve se mijenja, a sljedeća generacija likovnih kritičara nije osjećala takvo poštovanje prema Vorobjovu, te je njegov rad ocjenjivan mnogo skromnije, naime: “naš najbolji videoslikar”.

Kao i većina romantičara s početka 19. stoljeća, M.N. Vorobjev je imao sklonost vanjskim umjetničkim efektima, ali je u svojim najboljim pejzažima dosegao velike emocionalne visine. To se posebno odnosi na pogled na Sankt Peterburg noću. Ovdje je Vorobiev slijedio stope istog Sylvestera Shchedrina, koji je u djelima 1820-ih njegovao romantični učinak noćne rasvjete. I iz škole F.Ya. Alekseeva Vorobiev razvila je ljubav prema gradskom krajoliku. U svojim pejsažima Sankt Peterburga Vorobyov je uspio prenijeti pravu romantiku grada.

Značaj Vorobjova kao učitelja nije ništa manje važan za rusko slikarstvo. Na Umjetničkoj akademiji vodio je “klasu pejzažnog i perspektivnog slikarstva”. Među njegovim učenicima bio je jedan od najtalentiranijih pejzažista M.M. Lebedev, koji je tijekom svog, nažalost, kratkog života stvorio niz izvrsnih djela. Lebedevljevi pejzaži, naslikani u Italiji (kamo je otišao kao umirovljenik Akademije), kao da nastavljaju potragu Silvestera Ščedrina. Najviše od svega, Lebedev je volio slikati predgrađa Rima, s njihovim ogromnim parkovima i starim drvećem. Ponekad je na Lebedevljevim slikama prisutna arhitektura, ponekad se pojavljuju ljudske figure, ali one nikada ne dobivaju onaj značaj koji su imale u Ščedrinovim pejzažima. Lebedevu nije bilo suđeno da u potpunosti otkrije svoj talent - 1837. kolera je 26-godišnjeg slikara odvela u drugi svijet.

Osim navedenih umjetnika, u ruskoj likovnoj umjetnosti postojao je još jedan krug slikara romantičara koji su se u svom stvaralaštvu fokusirali na temu ruske provincije. A ako je utemeljitelj ruskog pejzažnog slikarstva S.F. Ščedrina, a utemeljiteljem žanra ruskog urbanog pejzaža smatra se F.Ya. Aleksejev, zatim se, bez sumnje, Aleksej Gavrilovič Venecianov (1780-1847) može smatrati “ocem” ruskog svakodnevnog žanra. Bio je to A.G. Venetsianov je uzdigao svakodnevni žanr u rang punopravne vrste slikarstva. Najbolji radovi umjetnik (“Ambar”, “Na oranici. Proljeće”, “Seljanka s razlicima” i drugi) nastali su 1820-ih. Teme njegovih platna bile su krajnje obične: seljaci koji gule repu, oru, žetvu, kose... I u tome je izražen umjetnikov kreativni kredo. Smatrao je da je glavna zadaća slikara “ne prikazati ništa drugo osim u prirodi...”, drugim riječima, “...bez ikakve primjese manire bilo kojeg umjetnika”.

ALEKSEJ VENECIJANOV. Medicinska sestra s djetetom. Ranih 1830-ih. Platno, ulje. 66,7 x 53 cm Državna Tretjakovskaja
galerija

Kad je u St. Petersburgu održana izložba radova A.G. Venetsianova, bio je to zapanjujući uspjeh. “Napokon smo dočekali umjetnika koji je svoj prekrasan talent okrenuo liku jednoga od nas, prikazivanju predmeta oko sebe, njemu bliskih i nama...” napisala je o ovoj izložbi P.P. Svinin.

Međutim, Venetsianovljeva kreativna stremljenja naišla su na toplu podršku isključivo naprednog dijela ruskog društva. U službenim krugovima, Venetsianovljev rad percipiran je "upravo suprotno" - kategorički je odbijen. Umjetnička akademija nije skrivala svoj negativan stav prema umjetniku zbog činjenice da je slikao samo "obične ljude".

Venetsianov je bio duboko uznemiren takvim odnosom prema svom radu, ali nimalo jer nije imao priliku postati miljenik Akademije. Majstor je smatrao svojom dužnošću prenijeti znanje i iskustvo mladim ambicioznim umjetnicima. “Međutim, potpuno sam zauvijek uskraćen za bilo kakve dužnosti na samoj Akademiji umjetnosti...”, tužno je napisao Venetsianov.

Venetsianovljeva želja da podučava "tisuće žednih ljudi" ostvarena je tek kada je o svom trošku stvorio umjetničku školu. I tu mu nikakva Akademija nije mogla smetati. U svojoj je školi učenike poučavao onako kako je sam smatrao potrebnim i ispravnim, odlučno odbacujući akademski sustav, po
u kojoj je umjetnik, prije nego što je počeo slikati iz života, morao provoditi duge sate i dane u Akademijinoj radionici i učiti slikati iz “originala”. U Venetsianovoj školi, već u ranim fazama školovanja, majstor je prisiljavao svoje učenike da pišu iz života. Tako je Venetsianovljeva škola bila prva umjetnička obrazovna ustanova u Rusiji koja je sebi postavila cilj proučavanje stvarnog života, a ne antičkih modela. Mnogi Venetsianovljevi učenici - a bilo ih je sedamdesetak - kasnije su postali divni umjetnici, potpuno opravdavajući svog učitelja.

Jedan od Venetsianovljevih prvih i najomiljenijih učenika bio je A.V. Tyranov, koji je počeo, kao i većina "venecijanista", slikanjem interijera, portreta u interijeru i "seljačkih" žanr slika. U tinejdžerske godine Tyranov se bavio ikonopisom. Venetsianov je slučajno vidio njegov rad i odveo ga u svoju školu zbog njegovih “izvanrednih sposobnosti”. U venecijanskom duhu napisane su “Dvije seljanke iza Krosnyja” (“Tkalci”), “Autoportret”, kao i jedini pejzaž u Tyranovljevom djelu, “Pogled na rijeku Tosnu kod sela Nikolskoje”, iznenađujuće skladan, prožet sunčevom svjetlošću. Tijekom života Tyranov je stekao veliku slavu. Prema suvremeniku, na izložbama ovog umjetnika "oko njegovih slika bila je takva gomila ljudi da je bilo nemoguće proći." Tyranov je niz godina bio najpopularniji portretist u St. Petersburgu.

Drugi učenik Venetsianova, S.K., također je puno radio na polju portreta. Zaryanko, koji je kasnije postao akademik i nastavnik na Moskovskoj školi slikarstva, kiparstva i arhitekture. Kao i Tyranov, Zaryanko je u ranoj fazi svog stvaralačkog života posvetio veliku pozornost grupnim portretima u interijeru. Primjer je njegova slika “Pogled na dvoranu Pravnog fakulteta sa skupinama profesora i studenata”. I “Portret F.P. Tolstoj" je takoreći Zarjankov sljedeći korak u razvoju načela na kojima se temeljila Venetsianovljeva škola, koja je proklamirala da umjetnost treba biti što bliža istini života.

G.V. je također bio učenik Venetsianova. Soroka (Soroka je umjetnikov pseudonim, pravo ime mu je Vasiljev), umjetnik kmet koji je počinio samoubojstvo. Bio je to svijetli, originalni talent. Pejzaži su mu jednostavni, lakonski i jasni. Sorokin razvoj kao umjetnika bio je gotovo munjevit. Sačuvano je pismo Venecianova, gdje daje ocjenu kreativnost svrake. Venetsianov ga uspoređuje sa svojim drugim učenikom, Plakhovom. Plakhov, koji je diplomirao na Umjetničkoj akademiji i stažirao u Berlinu, već je bio etablirani majstor. I za samo nekoliko mjeseci treninga, pa čak iu seoskim uvjetima, Soroka je, prema Venetsianovu, prerastao etabliranog majstora Plakhova. Ova procjena je dokaz Sorokinog golemog prirodnog talenta i jednako tako ogromnog truda. Sorokino prvo veliko platno bila je slika "Štagalj" - u svojoj radnji i kompoziciji jasno odjekuje Venetsianovljevu sliku istog imena. Ali postojale su i - jednako očite - razlike. Venetsianov je poetizirao seljački rad; Soroka je, za razliku od svog učitelja, pisao seljački život, imajući najizravniju vezu s njim, a to se odrazilo na autorov način prikazivanja stvarnosti (osobito u tamnim tonovima zemlje i seljačkih koliba). Sorokin kreativni put nije trajao više od deset godina. Poznato je samo dvadesetak njegovih slika, a gotovo sve imaju približnu dataciju. Soroka je najveće uspjehe postigao u pejzažnom slikarstvu. Najboljim pejzažima Soroke smatraju se: “Pogled na imanje Spaskoye u Tambovskoj pokrajini”, “Pogled na branu u imanju Spasskoye u Tambovskoj guberniji”, “Pogled na jezero Moldino”. Sve ove slike karakterizira epski domet u prikazu prirode. A pejzaži kao što su „Kapela u parku” i „Pogled na otocima”, naprotiv, vrlo su intimni i naglašeno lirski.

Još jedan talentirani umjetnik kmet, u čijoj je sudbini Venetsianov igrao važnu ulogu, bio je F.M. slavenski. Venetsianov je skrenuo pozornost na umjetničke sposobnosti Fyodora Mikhailova (ovo je umjetnikovo pravo ime) i otkupio ga iz ropstva. Budući da nije imao sinova, Venetsianov je želio svoje prezime prenijeti na jednog od svojih učenika. Ponovno je pokušao s Fedorom Mikhailovim, ali ovaj put nije uspio dobiti dopuštenje od službenih vlasti. Stoga Fjodor Mihajlov, dobivši slobodu, nije postao Venecianov, već Slaven. No Venetsianov je uspio ishoditi dopuštenje da Slavyansky pohađa nastavu na Umjetničkoj akademiji kao gostujući student. Slavjanski je studirao kod profesora Varneka i istovremeno kod Venecianova. Među djelima Slavjanskog najzanimljiviji su “Portret A.G. Venetsianova", "Starica sa štapom". Slavjanski je u Tverskoj guberniji napisao “Pogled na Venecianovljevo imanje”, a slikao je i portrete seljaka i seljanki. Ali (kao što se, nažalost, često događa u umjetnosti), unatoč visokoj razini vještine i nedvojbenom talentu, rad Slavjanskog još uvijek nije stekao široku popularnost.

Venetsianovljev učenik N.S. pokazao je svoj talent na polju pejzaža. Krilov. “Ruska zima” Krilova jedna je od prvih “zimi” u ruskom slikarstvu: obala rijeke prekrivena sivo-plavkastim snijegom, pojas tamne šume u daljini, golo crno drveće u prvom planu (usput, A.V. Tiranov je također naslikao ovu istu rijeku).

U REDU. Plakhov, jedan od Venetsianovljevih najtalentiranijih učenika, uspio je spojiti sve u svojoj slici "Stolarska radionica Akademije umjetnosti" tipične karakteristike Venecijanska škola: prirodnost, jednostavnost, točnost u detaljima. Međutim, Plakhov nije bio jedini koji je to prakticirao. Ova vrsta slikanja (kombinacija portreta i interijera) bila je vrlo česta među umjetnicima ovog kruga. Članovi obitelji, ili prijatelji, ili oboje sjede, piju čaj, razgovaraju. Ovo je, na primjer, slika K.A. Zelentsov “Radionica umjetnika P.V. Bazen" (između ostalih djela Zelencova, vrlo su zanimljive skice naslikane uljanim bojama: "Dječak s vrčem", "Starac", "Mlada seljanka", crtež olovkom"Prodaja mlijeka i sbitnya").

Drugi majstor venecijanskog kruga, E.F. Krendovski, radio je puno u Ukrajini. Jedno od njegovih najpoznatijih djela je “Trg provincijskog grada”. Kritičari su primijetili "temeljitost karakterizacije svih likova, slično opisu izgleda osobe kroz usne provincijalca".

Blizu slikama “mletačkih umjetnika” (osobito interijera) I.T. Hrutski. U njegovim platnima postoji ista pažnja prema detaljima svakodnevnog života i namještaja. Radovi P.E. također su povezani s radom Venetsianova. Zabolotsky, u kojem vidimo istu mješavinu svakodnevnog žanra i portreta.

Dakle, značaj Venecianova, “Venecijanovaca”, kao i njima po duhu bliskih umjetnika, prije svega je u tome što su stvarnost oko sebe počeli slikati onakvom kakva jest, što je bilo u temeljnoj suprotnosti s estetskim kanonima akademska umjetnost. Tako su Venetsianov i “Venecijanovci” skrenuli pozornost javnosti i drugih umjetnika na činjenicu da je u Svakidašnjica bila svima pred očima, ali do sada nije bila tema umjetnosti – o svakodnevnim temama, privatnom životu. Tako je slikarstvo Venetsianova i njegovih sljedbenika postalo datost, izborivši pravo građanstva u ruskoj likovnoj umjetnosti.

Osim Venecianovljeve škole, u Rusiji su početkom 19. stoljeća postojale i druge umjetničke škole. Najveća od njih bila je umjetnička škola koju je 1802. godine osnovao umjetnik A.V. Stupin u pokrajinskom gradu Arzamasu. O nekom napretku ili novim putovima u umjetnosti ne treba govoriti. Za razliku od škole Venetsianov, pedagoški sustav škole Arzamas podudarao se jedan prema jedan s akademskim. Međutim, i ovdje je život napravio svoje izmjene i prilagodbe. Provincijski ljubitelji umjetnosti naručivali su umjetnike uglavnom za slikanje portreta sebe ili članova svoje obitelji, stoga su se u praksi arzamaske škole najviše razvili portreti, što je zauzvrat neizravno pridonijelo razvoju realističkih portreta u ruskom slikarstvu.

Početkom 19. stoljeća veliki uspjeh postižu komorne forme portreta, njegujući posebnost i individualnost duhovnog svijeta svake osobe. A tvorac ove temeljno nove koncepcije portreta bio je Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836).

Postoji čak mišljenje da kada bi se na vagi povijesti sve slike povijesnih slikara stavile na jednu vagu, a portreti Kiprenskog na drugu, onda bi potonji prevagnuo. Nemojmo osporavati ovu izjavu. Napomenimo samo da ako se kratkoća smatra sestrom talenta, onda je ekstremnost sestra pogreške. No, kako god bilo, ponavljamo još jednom: Kiprenski je bio tvorac temeljno novog koncepta portreta.

Na Umjetničkoj akademiji O.A. Kiprenski je studirao u klasi povijesnog slikarstva. A u filmu "Dmitrij Donskoy na Kulikovskom polju" samouvjereno je pokazao poznavanje kanona akademskog povijesnog slikarstva. Ali već u ovoj ranoj slici moralizirajuće značenje slike pomalo se povlači i dolazi do izražaja njena nevjerojatna emotivnost.

Ali ne povijesni žanr, već portretni žanr od samog početka postaje vodeći u djelu Kiprenskog. Kao slikar portreta, Kiprensky je započeo s romantično djelo- portret A.K. Schwalbe, njegov posvojitelj. Portret je naslikan u pomalo “rembrandtovskoj” maniri (dramatični chiaroscuro i dr.). Gledajući ovo djelo, nemoguće je točno odrediti kojem društvenom krugu pripada osoba prikazana na platnu. Sva pozornost umjetnika usmjerena je na unutarnji svijet lika, čiji je odraz izgled portretirane osobe. Drugim riječima, u prvi plan dolazi sama osoba, a ne profesija ili pripadnost jednoj ili drugoj klasi.

Nakon što je jednom krenuo ovim putem - interesom za unutarnji svijet osobe, Kiprensky se nikada nije okrenuo od njega. Za njega je glavna stvar u kreativnosti stvaranje individualno karakterističnih slika. To su, posebice, “Portret A.A. Chelishchev”, uparene slike supružnika F.V. i E.P. Rostopchinykh i drugi, čak i svečane portrete čini lirskim i opuštenim. Upečatljiv primjer toga je „Portret doživotnog husarskog pukovnika E.V. Davidov." I naknadno, u nizu portreta olovkom sudionika rata 1812., iako je herojsko u prvom planu, ono ima posve “dušetvornu konotaciju”.

Godine koje su prošle između završetka Akademije i odlaska u inozemstvo 1816. bile su vrlo plodne za Kiprenskog. Priroda portreta naslikanih u to vrijeme je romantična. Glavna pažnja posvećena je svijetu osjećaja prikazanih ljudi. Duhovni svijet osobe na portretima Kiprenskog je svijetao i jasan.

Godine 1810. započeo je procvat portreta olovkom u radu Kiprenskog. Među njegovim crtežima možete pronaći i brze skice i gotove kompozicije. U svojim crtežima umjetnik prenosi individualne karakteristike modela još izravnije nego u portretima u ulju.

Jedan od najboljih romantičnih portreta Kiprenskog je portret A.S. Puškina. Umjetnik, vjerno prenoseći pjesnikov izgled, u isto vrijeme odbija sve obično. Puškin je prikazan s rukama prekriženim na prsima, zamišljeno gleda u daljinu, mimo gledatelja, pokriva ga romantični plašt moderno odijelo. S jedne strane, ovo je nedvojbeno Puškin, as druge - kolektivna slika kreativna osobnost.

Poznate su dvije recenzije samog A.S. Puškin o ovom portretu - poetičan i prozaičan. Ovaj poetski osvrt može se postaviti kao epigraf cjelokupnom djelu Kiprenskog, koje karakterizira kombinacija portretne sličnosti i romantične idealizacije lika:

“Vidim sebe kao u ogledalu, ali ovo ogledalo mi laska...”

Prozaični osvrt bio je jednostavniji i kraći (suština je ipak ostala ista). Veliki pjesnik je rekao velikom umjetniku: "Laskaš mi, Oreste."

Istaknuti portretist, suvremenik Kiprenskog, bio je Aleksandar Grigorjevič Varnek (1782.-1843.). Posebnost njegova rada je vjerno prikazivanje prirode. To odmah upada u oči, na primjer, u umjetnikovim djelima kao što su "Portret nepoznatog muškarca u stolici" ili "Autoportret u starosti". Odajući počast umjetnikovoj umjetnosti, suvremenici su Varnekova djela ocijenili jednako visoko kao i Kiprenskog. Međutim, kasnije je djelo Varneka dobilo skromnije mjesto u ruskoj likovnoj umjetnosti od djela Kiprenskog.

I to je točno, budući da su Varnekova djela očito inferiorna remek-djelima Kiprenskog i po dubini sadržaja i po bogatstvu oblika.

Početkom stoljeća u Rusiji se pojavila litografija (plošni tisak s kamena) koja je vrlo brzo zamijenila graviranje dlijetom na metalu. Litografijom se bavio već spomenuti A.E. Martynov (1768-1826). Imao je čak i svoju litografsku radionicu. Martynov je napravio litografiranu seriju "Pogledi Sankt Peterburga i njegove okolice". Radovi iz ove serije pripadaju najvišim majstorovim dostignućima.

Želio bih nešto posebno reći o Andreju Efimoviču Martinovu. Bio je najpoznatiji predstavnik talentirana obitelj(i njegov sin i njegov su bili umjetnici mlađi brat). Diplomirao slikarstvo pejzaža na Umjetničkoj akademiji. Učitelj mu je bio S.F. Ščedrina. Zajedno su radili na stvaranju zidnih slika palače Pavlovsk. S vremenom je Martynov počeo davati prednost grafici. Tome je pridonijela činjenica da je umjetnik puno putovao, a tijekom tih putovanja pronašao je nove teme za svoja djela. Godine 1804. Martynov je "pregledao cijelu južnu regiju Rusije i pogledao sve gradove." A 1805. godine on je, kao glavni umjetnik ruskog veleposlanstva, otputovao iz Moskve u Urgu - mongolski nomadski kamp u stepi Gobi. Na tom je putu prikupio bogatu građu koja mu je poslužila kao osnova za grafičke cikluse.

Kraj njegove kreativne karijere također se pokazao vrlo produktivnim za umjetnika. Dvadesetih godina 19. stoljeća Martynov je stvorio najbolju grafičku seriju, koja ga je postavila na jedno od počasnih mjesta u povijesti ruske umjetnosti. Također bih želio primijetiti Martynovljev neosporan primat u opisivanju ruskog životinjskog svijeta. Na samom početku 19. stoljeća stvorio je veličanstvena platna "Sibirski pogled na rijeku Selenge" i "Bajkal" (kasnije je ovu tradiciju nastavio I.I. Levitan).

Jedan od najvećih ruskih portretista "romantičarskog" vremena bio je Vasilij Andrejevič Tropinin (1776-1857). Čak je i Tropinjinova biografija bila u skladu sa zakonima romantične ere. Ovo je biografija pravi talent, koji se zahvaljujući svom trudu, ustrajnosti i ustrajnosti uspio probiti do uspjeha unatoč nepovoljnim životnim okolnostima. A nepovoljne okolnosti pratile su Tropinina od rođenja - rođen je u kmetskoj obitelji. I ta ga je okolnost poput tužnog traga pratila gotovo kroz cijeli život.

Kmetovi su smjeli pohađati Umjetničku akademiju, ali samo kao “autsajderi”, odnosno slobodni studenti. Tropinin je uspješno prošao satove crtanja i ušao u radionicu portretnog slikarstva. Prema jednom od biografa, mlada umjetnica“Blagošću svog karaktera i postojanom ljubavlju prema umjetnosti, ubrzo je stekao prijateljsku naklonost i poštovanje najboljih studenata Akademije koji su u to vrijeme bili na vidiku: Kiprenskog, Varneka, Skotnikova...” Tropinin je sjajno studirao i uskoro dobio srebrne i zlatne medalje.

Već u ranim djelima umjetnik nastoji stvoriti narodne likove. Iako su slike seljaka bile poznate još u 18. stoljeću, one su bile čisto epizodne prirode, au još većoj mjeri egzotične. Tek početkom 19. stoljeća seljačke su teme postale punopravni pravac ruske likovne umjetnosti. To je, dakako, prvenstveno povezano s radom Venetsianova i njegovih učenika. Ali treba napomenuti da su Tropininovi "seljaci" prethodili Venetsianovljevim "seljacima". I ako je zasluga Venetsianova što je otkrio ruski život i ruski nacionalni karakter, onda se Tropinjinovom zaslugom može smatrati to što je gledatelju otkrio ljude i prirodu Male Rusije („ruske Italije“, kako su je zvali njegovi suvremenici).

Tragovi aktivnog rada na ukrajinskim temama nalaze se ne samo u slikarstvu, već iu Tropininovoj grafici. Na njegovim akvarelima i crtežima iz 1810-ih godina 19. stoljeća mogu se vidjeti žene u ukrajinskoj odjeći, pastiri i momci. Uz Ukrajinu su vezane i njegove najbolje skice: “Žeteoci”, “Na sudu mira”.

Možemo reći da je Tropinin utemeljitelj čitavog pokreta u ruskoj umjetnosti povezanog s analizom narodnog karaktera. Sve njegove “sluge”, “lutalice” i “stari vojnici” u konačnici su u drugoj polovici 19. stoljeća “prešle” na rad Putnika.

Poput Venecianova i Venecijanovaca, Tropinin je široko prakticirao "miješanje žanrova", što je bila nedvojbena inovacija za to vrijeme, odnosno stvorio je poseban tip slika u kojima se portret organski spaja sa svakodnevnim okruženjem (u tom stilu on naslikao npr. "Čipkarica" i "Zlatarica"). Sve ove slike, bez iznimke, odišu mirom, spokojem, udobnošću... Tropinin nas podsjeća na vrijednost svake minute našeg prolaznog postojanja. Tropinin je naslikao dosta sličnih slika. Sve su donekle slične; kod svih vidimo mlade žene kako ruče: prelje, vezilje, zlatare. I lica su im također vrlo slična, i to nije slučajno - umjetnik demonstrira svoj ženski ideal: nježno ovalno lice, tamne oči, prijateljski osmijeh... Dakle, na Tropininovim slikama posvuda je tip, u kombinaciji s određenim radnja, obično jednostavna i nedvosmislena.

Najpopularniji od gore navedenih radova bila je slika “Čipkarica”: djevojka, zauzeta tkanjem čipke, podigla je pogled sa svog rada na minutu i pogledala gledatelja, koji je tako postao nehotični sudionik radnje, ali na isto je vrijeme bilo "izvan okvira slike".

Tropinjinove slike karakterizira iznimna jednostavnost. Umjetnik je vjerovao da bi portret trebao biti neumjetan, jednostavan i što bliži stvarnom izgledu osobe.

Priroda Tropininovog talenta bila je takva da je na svojim platnima život odražavao poetski, a ne kritički. Kasnije će se pojaviti kritički odnos prema stvarnosti, ali ne u Tropininu, već u slikama drugih umjetnika. U međuvremenu, estetski ukusi epohe podudaraju se s estetskim ukusima umjetnika. Čak ni rad na Tropininovim platnima nije naporan, već ugodan i lagan. Tropinina su također privlačile svijetle dječje slike. Prikazivao je djecu s pticama, igračkama i glazbenim instrumentima. Sva ova djela jasno su obojena sentimentalizmom.

Što se tiče muških portreta, Tropinin je stvarnost tumačio nešto realističnije nego u portretima žena i djece. To su njegovi “Kočijaš naslonjen na bič”, “Starac šiba štakom” itd.
Tropinin je s pravom smatran (i smatra se) najboljim portretistom svog doba. A jedan od njegovih najboljih portreta je (i bio je) čuveni portret A.S. Puškina. Puškin je naručio portret od Tropinina kao dar svom prijatelju Sobolevskom. U ovom portretu umjetnik je uspio najsnažnije izraziti svoj ideal duhovno slobodne osobe. Puškin je prikazan u kućnom ogrtaču, ovratnik košulje mu je otkopčan, a kravata i šal prilično ležerno vezani. Uz sve to, Tropinjinov Puškin nije nimalo prizemljen, on je veličanstven, čak monumentalan, o čemu svjedoči njegovo ponosno držanje, a kućni ogrtač je gotovo poput starorimske toge. Ovaj portret ima prilično zanimljivu sudbinu. Od njega je napravljeno nekoliko kopija, ali sam original je izgubljen i pronađen je tek mnogo, mnogo godina kasnije. Tropinin je zamoljen da obnovi portret, jer je bio jako oštećen. Ali umjetnik je to odlučno odbio, rekavši da se "ne usuđuje dirati crte nacrtane iz života i, štoviše, mladom rukom".

Treba napomenuti još jednu stvar karakteristična značajka Talent Tropininskog: umjetnik je uvijek vrlo prijateljski raspoložen prema svojim modelima. Tropininove portrete lako je prepoznati upravo po prijateljskim izrazima lica karakterističnim za njegove likove. I sam Tropinin bio je prijateljski nastrojen i ljubazan prema svima u životu. To su bili i njegovi pogledi na umjetnost: uostalom, portreti se slikaju da traju vječno, zašto im pokazivati nečije mane kada možete pokazati njegove zasluge. Tropinin je rekao ovo: “Tko u životu voli gledati ljutita, sumorna lica? Zašto prenijeti nešto neugodno na platno, što će ostati nepromijenjeno, zašto ostaviti težak dojam, probuditi teška sjećanja u onima koji vole tu osobu? Neka ga vide i neka ga se sjećaju u sretnom dobu života.”

U svom kasnijem radu Tropinin je težio dubljem razumijevanju ljudske osobnosti. I na samom kraju svog života umjetnik se približio kritički realizam druga polovica 19. stoljeća. Ali ovaj dio njegova rada nadilazi okvir promatranog razdoblja.

U prvim desetljećima 19. stoljeća pojavljuju se portreti u akvarelu. I tu prije svega treba spomenuti Petra Fedoroviča Sokolova (1791-1848), koji nam je opet ostavio jedan od najbolji portreti Puškina, a uz to i opsežnu galeriju slika Puškinovih suvremenika. Lakoća, let, prozračnost - to su karakteristične značajke Sokolovljevih akvarelnih poteza.

Početkom 19. stoljeća počela se razvijati takva žanrovska formacija kao album. Naravno, ne može se svrstati u istu ravan s visokom umjetnošću, ali bilo bi nepravedno zanemariti je. Uostalom, ovo je sastavni dio ruske kulture tog vremena.

Pejzažna grafika proizašla je iz plemićkog života i stoga u potpunosti pripada plemićkom životu. Kao što znate, Puškin je mnogo crtao u albumima svojih prijatelja. A grafičku kulturu albuma u to doba opisali su Puškinovi suvremenici.

U biti, riječ je, naravno, o amaterskoj ili, kako bismo sada rekli, amaterskoj umjetnosti. Ali mora se imati na umu da se pejzažna grafika tog vremena odlikovala vrlo visokom razinom vještine. Karakteristično obilježje kulture zlatnog doba je upravo “preljev” iz profesionalne sfere u amatersku sferu raznih umjetnosti. Početkom 19. stoljeća sposobnost korištenja olovke i kista (kao i poznavanje stranih jezika) bila je sasvim prirodna za obrazovanu osobu. Raširena strast za slikanjem i crtanjem datira još od dvadesetih godina 19. stoljeća, ali sredinom stoljeća pejzažna grafika slabi i s vremenom dolazi do nule.

Početkom 19. stoljeća raširen je i tzv. obiteljski portret. U to vrijeme pojavljuju se mnogi dječji i obiteljski portreti. Svi su oni, uz rijetke iznimke, imali čisto primijenjeni značaj. Naime, obiteljski je portret u određenom smislu ispunjavao (i anticipirao) funkcije fotografije u nedostatku iste. Obično su to bila jednostavna, bezumna platna koja su slikali provincijski umjetnici. Ali ove slike nam nisu vrijedne zbog svojih umjetničkih vrijednosti, kojih ima samo jedna ili dvije. U njima nalazimo vrijedne svakodnevne detalje, zahvaljujući kojima možemo osjetiti aromu vremena: tintarnice, vrpce, detalji nošnje, kućice od karata, uskrsna jaja... Iako su obiteljski portreti bili rašireni, vrlo, vrlo malo ih je preživjelo do danas. Fenomen obiteljskih portreta s početka pretprošlog stoljeća za sada je slabo proučen, još uvijek čeka svog promišljenog i mukotrpnog istraživača.

Dakle, rezimiramo neke rezultate.

Razvoj kulture je kontinuiran. Iz stoljeća u stoljeće proteže se “vezna nit” i svaka nova generacija stvaratelja shvaća i promišlja postignuća svojih prethodnika, nadovezuje se na već postignuto i nadovezujući se na to ide dalje. Ovo je napredak.

Za uzor je uzet klasicizam koji je nastao u ruskom slikarstvu u 18. stoljeću antička umjetnost i počeo ga marljivo oponašati. U Rusiji je klasicizam dobio službeni status "državnog smjera" u likovnoj umjetnosti. Ruska akademija umjetnosti je klasične forme postavila na pijedestal, učinivši ih nepromjenjivim i nepromjenjivim zakonom.

Ali početkom 19. stoljeća, u "lijepom početku Aleksandrovih dana", u ruskoj likovnoj umjetnosti razvija se novi pravac - romantizam.

Romantizam je brzo zahvatio sve europske zemlje, uhvativši ondje duboke korijene i izdavši obilne izdanke, koji, međutim, nisu spriječili klasicizam da nastavi razvijati svoje klasične tendencije, dijelom i zato što romantizam, uza svu svoju inovativnost, nije raskinuo s tradicijama klasicizma. .

U likovnoj umjetnosti Rusije romantične tendencije prve polovice 19. stoljeća uspješno su ostvarene u svim žanrovima bez iznimke, a najviše u žanru portreta i krajolika. Ruski su umjetnici radije slikali stvarnu prirodu s njezinim poljima i šumama, rijekama i jezerima, gradovima i selima nego drevnim ruševinama... Pejzaž se postupno oslobađao kanona klasičnog slikarstva. Priroda se počela shvaćati ne kao nešto dekorativno, već kao životni prostor i sfera izražavanja osobnih osjećaja čovjeka. To je označilo početak romantičnog smjera u ruskom pejzažnom slikarstvu. Pritom treba posebno istaknuti vrlo karakterističnu osobinu koja je bila svojstvena ruskom romantizmu s početka 19. stoljeća: romantična percepcija prirode ni u čemu nije proturječila pomnom proučavanju njezine specifične pojave.

I u portretnoj umjetnosti nalazimo aktivan razvoj različitih oblika prenošenja stvarnosti. Čovjek se više ne prikazuje samo na antički, klasni ili profesionalni način. Portretirani se pred nama pojavljuju u jedinstvenosti svog duševnog sklopa, u svom svakodnevnom izgledu, u svakodnevnom okruženju... U svemu tome bila je izražena želja umjetnika za približavanjem prirodi, za izravnijim prikazom stvarnog života. manifestiran. Život ne samo moderan, već i dalek u dubini vremena.

Tako, razlikovna obilježja Ruska likovna umjetnost prve trećine 19. stoljeća može se smatrati kombinacijom načela klasicizma i romantizma (K.P. Bryullov i drugi), formiranje svakodnevnog žanra (A.G. Venetsianov i drugi), razvoj žanrovskog portreta ( V.A. Tropinin i dr.), Kombinacija romantične percepcije stvarnosti s realističnim traganjima (O.A. Kiprensky i dr.).

I već da sredinom 19 stoljeća u ruskoj likovnoj umjetnosti nastaje novi pravac – realizam.

Prva polovica 19. stoljeća bila je svijetla stranica ruske kulture. Svi pravci - književnost, arhitektura, slikarstvo ovog doba obilježeni su cijelom plejadom imena koja su ruskoj umjetnosti donijela svjetsku slavu.
Kultura se razvijala u pozadini sve veće nacionalne samosvijesti ruskog naroda i, s tim u vezi, imala je izražen nacionalni karakter. Domovinski rat 1812. značajno je utjecao na književnost, kazalište, glazbu i likovnu umjetnost, što je do neviđenih razmjera ubrzalo rast nacionalne samosvijesti ruskog naroda i njegovu konsolidaciju.

Klasicizam

Na samom početku 19. stoljeća klasicizam igra značajnu ulogu u ruskom slikarstvu.
Jedan od poznata djela početak stoljeća na povijesnu temu - slika Dmitrija Ivanoviča Ivanova (1782. - nakon 1810.) "Martha Posadnitsa", naslikana 1808. Umjetnik se okreće povijesti drevna Rusija, razdoblje borbe Novgorodske kneževine s rastućom Moskovskom kneževinom.
Na slici je prikazan Miroslav koji se sprema predvoditi Novgorodce u borbi protiv Moskve i prima Ratmirov mač od pustinjaka Teodozija Boretskog. Miroslava je pustinjaku dovela Teodozijeva kći Marta, koja je na čelu novgorodske opozicije. I priroda zapleta i umjetnički jezik slike.

Romantizam

Romantizam, europski pokret koji se pojavio na prijelazu iz 18. u 19. stoljeće, donio je nove poglede u rusku umjetnost. S modom za ruševine, masonske sakramente, viteški romani a romanse su povezane s razvojem romantizma u ruskom slikarstvu.
U Rusiji je romantizam dobio svoju posebnost: početkom stoljeća imao je herojsku konotaciju, au godinama Nikoljdanske reakcije tragičnu konotaciju. Istodobno, romantizam je u Rusiji uvijek bio oblik umjetničkog mišljenja, blizak po duhu revolucionarnim i slobodoljubivim osjećajima.

Portreti Oresta Kiprenskog

Romantizam se najjasnije očitovao u portretnoj umjetnosti. Romantični portret afirmira jedinstvenu individualnost čovjekova duhovnog svijeta; odlikuje ga spontanost izraza, točnost i oštrina fizionomskih karakteristika, živa emotivnost.
Najznačajniji portretist prve trećine 19. stoljeća. bio je Orest Adamovič Kiprenski (1782-1836). Već 1804. godine stvara jedno od svojih najzanimljivijih djela - portret svog očuha Adama Schwalbea.
U djelu Kiprenskog formiran je jedinstveni tip komornog portreta koji s prodornom dubinom otkriva duhovni život osobe. Većina junaka Kiprenskog nositelji su najviše dobrote, visokomoralnih, humanističkih načela.

Aleksej Gavrilovič Venecianov

Izvanredan slikar, tvorac jedinstvenog nacionalno-romantičarskog pokreta u ruskom slikarstvu, bio je Aleksej Gavrilovič Venecianov (1780-1847), omiljeni učenik Borovikovskog. Venetsianov je stvorio jedinstveni stil, kombinirajući u svojim djelima tradiciju kapitalnog akademizma, ruskog romantizma s početka 19. stoljeća. i idealizacija seljačkog života. Postao je utemeljitelj ruskog svakodnevnog žanra.

Aleksandar Osipovič Orlovski

Još poznati predstavnik Rusko slikarstvo s početka stoljeća - Aleksandar Osipovič Orlovski (1777.-1832.). U djelu Orlovskog, kao i Kiprenskog, jasno su izražene romantične tendencije. Umjetnika su zanimali slobodni, jaki ljudi, nacionalne karakteristike razne nacionalnosti. Na svojim je slikama Orlovsky ponekad prikazivao karakteristične, potresne scene. Umjetnikova omiljena romantična slika je čovjek na konju. Jahači i konjički prizori okruženi emotivnim krajolikom prisutni su u mnogim njegovim umjetničkim djelima.

Vasilij Andrejevič Tropinin

Slavni ruski portretist Vasilij Andrejevič Tropinin (1776.-1857.) nastavio je stvaralačku djelatnost više od pola stoljeća, dok je veći dio života ostao kmet. Najbolje godine umjetnikova rada poklopile su se s procvatom talenta Kiprenskog. Oba su umjetnika bila bliska u želji za jednostavnošću i lakoćom u slici osobe. No, Tropinjinovi likovi su svakodnevniji i jednostavniji, što govori da je umjetnik slijedio nove trendove demokratizacije umjetnosti karakteristične za to vrijeme.
Do 47. godine bio je u zarobljeništvu. Vjerojatno su zato lica običnih ljudi na njegovim platnima tako svježa, tako nadahnuta. A mladosti i šarmu njegove “Čipkarice” nema kraja.

Jedan od najpoznatijih i najrealističnijih portreta A. S. Puškina je portret V. Tropinina 1827. godine.
Pjesnikova je odjeća vrlo simbolična: umjetnik ga je prikazao u širokoj haljini prebačenoj preko bijele košulje s podignutim ovratnikom. Svileni šal ležerno vezan preko ovratnika i blago raščupana kosa upotpunjuju izgled. Pravi ruski Byron u halji! Nije uzalud Tropinin odabrao ovu odjeću za prikaz Puškina: kao nijedna druga, ona točno prenosi glavne osobine pjesnika, njegovu ljubav prema slobodi i slobodnom razmišljanju.
Portret ne prikazuje Puškina pjesnika, već Puškina čovjeka. Cijelo njegovo držanje govori o njegovoj neukrotivoj energiji; može se činiti da će za koji trenutak ustati i otići.
Umjetnik je majstorski uspio kroz portret prenijeti duhovnost i bogati unutarnji svijet Aleksandra Sergejeviča, zahvaljujući čemu rezultirajuća slika izaziva oduševljenje i ljubav publike.

Karl Pavlovič Bryullov

Karl Pavlovič Bryullov (1799.-1852.) bio je jedan od najsjajnijih i ujedno kontroverznih umjetnika u Rusiji slike 19. stoljeća stoljeća. Bryullov je imao briljantan talent i neovisan način razmišljanja. Unatoč trendovima vremena (utjecaj romantizma), umjetnik se nije uspio potpuno osloboditi klasicističkih kanona. Možda je zato njegov rad visoko cijenila daleko napredna peterburška Akademija umjetnosti: u mladosti je bio njezin student, a kasnije postao profesor emeritus.

Umjetnička i ideološka potraga ruske društvene misli i očekivanje promjene ogleda se u slikarstvu K.P. Bryullov "Posljednji dan Pompeja".
Godine 1830. Bryullov je posjetio iskopine drevnog grada Pompeja. Hodao je starim pločnicima, divio se freskama, au mašti mu je nastala ta tragična noć kolovoza 79. godine. e., kada je grad bio prekriven vrelim pepelom i plovućcem probuđenog Vezuva. Tri godine kasnije, slika "Posljednji dan Pompeja" trijumfalno je putovala od Italije do Rusije.

Aleksandar Andrejevič Ivanov

U prvoj polovici 19.st. Živio je i radio umjetnik Aleksandar Andrejevič Ivanov (1806.-1858.). Cijeli svoj stvaralački život posvetio je ideji duhovnog buđenja naroda, utjelovljujući je u filmu “Ukazanje Krista narodu”. Na ovoj slici radio je više od 20 godina, u koju je uložio svu snagu i svjetlinu svog talenta. U prvom planu njegova grandioznog platna upada u oči hrabri lik Ivana Krstitelja koji ljudima ukazuje na Krista koji se približava. Njegov se lik prikazuje u daljini. Još nije stigao, dolazi, sigurno će doći, kaže umjetnica. I razvedre se i razbistre lica i duše onih koji čekaju Spasitelja. Na ovoj slici prikazao je, kako je I. E. Repin kasnije rekao, "potlačeni narod koji čezne za riječju slobode."

Pavel Andrejevič Fedotov

Povezano s imenom Pavla Andrejeviča Fedotova (1815.-1852.) važna faza formiranje ruskog realističkog slikarstva 19. stoljeća. Fedotov je imao snažnu moć zapažanja i bio je osjetljiv na nedostatke društveni poredak. Posjedujući talent satiričara, umjetnik je prvi put u ruskom slikarstvu dao svakodnevnom žanru društveni, kritički izraz. Slikar je na svojim slikama prikazivao život građana: među likovima njegovih djela bili su trgovci, časnici, službenici, siromasi. Fedotov je pridavao veliku važnost promatranju života oko sebe, te je napravio mnogo crtica iz života. Često se djelovanje njegovih slika temelji na sukobu, gdje društvena karakteristika od ljudi.
Scenarij za film “Majorovo provodadžisanje” temelji se na običnom braku iz interesa između kćeri bogatog trgovca i bankrotiranog plemića majora. U to vrijeme takve su transakcije bile posao kao i obično: jedni su tražili novac, drugi položaj u društvu, a obitelj je jednostavno trebala preživjeti; bankrot je bio neizbježan kolaps.

Godine 1848. njegova je slika "Svježi kavalir" predstavljena na akademskoj izložbi. Slika prikazuje dužnosnika koji je dan ranije dobio svoju prvu nagradu - orden - a sada se u svojim snovima već uspinje ljestvicom karijere do samog vrha, zamišljajući sebe ili kao gradonačelnika ili kao guvernera.
Bilo je to drsko ruganje ne samo glupoj, samozadovoljnoj birokraciji, već i akademskim tradicijama. Prljava halja u koju je bio odjeven glavni lik slike vrlo je podsjećala na antičku togu. Bryullov je dugo stajao pred platnom, a zatim je rekao autoru, polu u šali, poluozbiljno: "Čestitam, porazili ste me."

Unatoč raznolikosti kreativnih pojedinaca i razlikama u specifičnim umjetničkim zadaćama, opći trend u ruskom slikarstvu prve polovice 19. stoljeća bio je približavanje života svim žanrovima umjetnosti. Ta se tendencija ogleda u obraćanju većine umjetnika suvremenim temama i problemima, u pozornosti na unutarnji svijet čovjeka, na iskustva samog umjetnika. Zato upoznavanje s radom majstora prve polovice 19. stoljeća u gledatelju izaziva živopisan osjećaj ere i daje ideju o mislima i osjećajima ruskog društva.

Kriza kmetstva usporava razvoj kapitalističkog sustava. U svjetovnim krugovima pojavljuju se slobodoljubive ideje, u tijeku je Domovinski rat 1812., sudjelovanje ruskih trupa u oslobađanju europskih država od Napoleona, ustanak dekabrista 1825. protiv carizma, sve to ima utjecaja na slikarstvo.

Koja je razlika između slikarstva u doba genija A.S. Puškin?

Vjerojatno utjelovljenje svijetlih i humanih ideala slobodoljubivog naroda...

Usporedo s klasicizmom razvija se romantičarski pokret, formira se realizam.

Romantični smjer ruskog slikarstva postao je početak razvoja realizma u narednim desetljećima. Ovako ide zbližavanje ruski umjetnici, romantičari sa stvaran život, što je bila bit umjetničkog pokreta tog vremena. Široka rasprostranjenost izložbi ujedno govori o zbližavanju ruskog naroda sa svijetom umjetnosti; ljudi svih klasa teže posjećivanju izložbi. Vjeruje se da je slika K.P. Bryulovljev “Posljednji dan Pompeja” poslužio je kao takvo približavanje. Petrogradski ljudi svih klasa pokušavali su je vidjeti.

Rusko slikarstvo postaje multinacionalno, slike dobivaju nacionalne nijanse, studenti različitih nacionalnosti primaju se na Akademiju. Ovdje studiraju domorodci Ukrajine, Bjelorusije, baltičkih država, Zakavkazja i središnje Azije.

U prvoj polovici 19. stoljeća slikarstvo je zastupljeno u svim žanrovima: portret, pejzaž, mrtva priroda, povijesno slikarstvo.

Poznati ruski umjetnici prve polovice 19. stoljeća:

Remek-djela ruskog slikarstva

Slika Bryullova K.P. "Posljednji dan Pompeja"

Slika Aivazovskog I.K. "Deveti val"

Slika Brunija F.A. "Bakrena zmija"

Slika Venetsianova A.G. "Gumno"

Slika Tropinina V.A. "Čipkarica"

Izbor urednika

O čelnicima izabranog vijeća

“Izabrana Rada” je termin koji je uveo knez A.M.Kurbsky kako bi označio krug ljudi koji su činili neformalnu vladu pod Ivanom...

Postupak i rokovi plaćanja PDV-a Plaća PDV 4. kvartal

Postupak plaćanja PDV-a, podnošenje porezne prijave, PDV novosti u 2016. godini, kazne za prekršaje, kao i detaljan kalendar podnošenja...

Čečenska jela. Jela čečenske kuhinje. Čečenski somuni s bundevom

Čečenska kuhinja jedna je od najstarijih i najjednostavnijih. Jela su hranjiva i kalorična. Brzo pripremljeno od najdostupnijih proizvoda. Meso -...

Brza pizza u tavi sa kobasicama i sirom

Pizzu s kobasicama lako je pripremiti ako imate kvalitetne mliječne kobasice ili barem normalnu kuhanu kobasicu. Bila su vremena,...

Torta od kupina Potrebni sastojci za pripremu tijesta:

Za pripremu tijesta trebat će vam sljedeći sastojci: Jaja (3 kom.) Sok od limuna (2 žličice) Voda (3 žlice) Vanilin (1 vrećica) Soda (1/2...

Astrološki simboli u horoskopu

Planeti su signifikatori ili pokazatelji kvalitete energije, jednog ili drugog područja našeg života. Ovo su repetitori koji primaju i...

Ahnenerbe: Tajni institut okultnih znanosti, Supervojnici i zombiji Trećeg Reicha

Zatvorenici Auschwitza oslobođeni su četiri mjeseca prije kraja Drugog svjetskog rata. Do tada ih je malo ostalo. Skoro umro...

Pica bolest i kako je ne zamijeniti sa simptomima Alzheimerove Pica bolesti

Varijanta senilne demencije s atrofičnim promjenama lokaliziranim prvenstveno u temporalnom i frontalnom režnju mozga. Klinički...

Nježne žene Tarasa Osobni život Tarasa Ševčenka

Međunarodni dan žena, iako izvorno dan ravnopravnosti spolova i podsjetnik da žene imaju ista prava kao i muškarci...

Novi

Popularan