Шедьоври на световната класика. Насоки на модерния танц

Закриването на Платоновския фестивал ще бъде отбелязано със спектакъл "Шедьоври на съвременната хореография",състоящ се от едноактни балети Sharpening to a Sharpness от Йорма Ело, In the Forest от Начо Дуато, A Little Death и Six Dances от Иржи Килиан.

„Изостряне до острота“ (Slice to Sharp)

Музика - А. Вивалди, Г. Бийбър

Хореограф - Йорма Ело

Дизайнер на осветлението - Марк Стенли
Художник на костюмите - Холи Хайнс
Диригент - Феликс Коробов

"На Флореста" (В гората)

Музика - Е. Вила-Лобос, В. Тисо
Хореограф - Начо Дуато
Художник - Валтер Нобе
Художник на костюмите - Начо Дуато

"малка смърт"(Petite Mort) "Шест танца"(Sechs Tanze)

През април 2011 г. спектакълът е удостоен с Националната награда театрална награда "златна маскакато най-доброто балетно представление за сезона.

Музика - В. А. Моцарт

Хореограф - Иржи Килиан

Сценограф - Иржи Килиан
Дизайнери на костюми - Иржи Килиан, Йоук Висер
Музикален ръководител на постановката и диригент - Феликс Коробов

Балет "Изостряне до точката"по музика от композиторите от 17-18 век Антонио Вивалди и Хайнрих Бийбър. Шеметна каскада от виртуозни танци, рискована игра на ръба на възможното – така финландският хореограф Йорма Ело въплъщава света на барока в танца.

Балет "На Флореста"- хореографска композиция, която прославя красотата на амазонската селва. Енергията на страстта изпълва балета, прави хореографията му материално осезаема и в същото време безтегловна. Успехът на пиесата, поставена за първи път от Начо Дуато през 1990 г. в Хага, беше феноменален. Безсюжетната продукция по музика на Хейтор Вила-Лобос съчетава финес човешки чувстваи възхищение от величието на природата, с която сме свързани с неразривни връзки.

И двата балета на Иржи Килиан ( "Малката смърт", "Шест танца") отдавна са смятани за шедьоври. "Малка смърт" - любовна лирикаповечето висок стандарт. За безсмъртието на изкуството "Малката смърт" говори не по-малко от сексуалността и еротиката.

„Шест танца” е своеобразен комичен балет, чийто хумор се основава не на сюжетни колизии, а на чиста хореография. Спектакълът е близък до духа на театъра, който отдавна се слави с комедийните си балети и скечове. Изпращайки ни в галантната епоха на кринолини, перуки и пудра, Килиан лавира с виртуозност между фарса и изтънчената изтънченост.

Йорма Ело- един от най-известните хореографи на наши дни. Анна Киселгоф, балетна колумнистка за New York Times, нарече работата му модел за подражание. Като редовен участник в Бостънския балет, Йорма Ело също изпълнява продукции в много страни по света.

Йорма Ело е роден във Финландия. Учи във Финландското национално балетно училище и Академията за руски балет. Ваганова в Санкт Петербург. Като хореограф си сътрудничи с Базел Базел, Алберта Балет, Норвежкия национален балет, Финландския национален балет, Холандския танцов театър, Датския Кралски балет. Той също така активно си сътрудничи с New York City Ballet, American Ballet Theatre, Hubbard Street Dance Chicago, San Francisco Ballet и други американски танцови компании.

От 2005 г. Йорма Ело е постоянен хореограф на Бостънския балет (САЩ). Тук поставя спектаклите "Sharp Sideo fDark" (2002), "Planto B" (2004), "Carmen" (2006), "Hold your eyes" (2008), "In On Blue" (2008), "The Rite на пролетта“ (2009). Йорма Ело сам създава костюми, осветление, видеоклипове за своите продукции.

Изключителен хореограф Начо Дуатое роден във Валенсия (Испания). Учи танци в Rambert School в Лондон, след което продължава обучението си в Брюксел в Mudra School на Maurice Béjart и в Alvin Ailey American Dance Center в Ню Йорк. Първата работа на Дуато като хореограф "Jardi Tancat" ("Оградена градина") му носи голям успех и печели първа награда на Международните хореографски семинари в Кьолн. Без да спира да се изявява като танцьор, Дуато създава над десет постановки, сред които "Танц и ритуал", "Птици", "Синафай", "Болеро" и др. Надежден съюзник на хореографа в почти всички тези произведения беше художникът Валтер Нобе.

Хореографските произведения на Начо Дуато са включени в репертоара на Kuhlberg Ballet (Швеция), NDT, Bolshoi Ballet of Canada, Deutsche Oper Ballet Company, Finnish National Opera Ballet, San Francisco Ballet, American Ballet Theatre, Щутгарт Балет, Австралийският балет и други театри. През 1990 г. Начо Дуато оглавява Националния танцов театър на Испания, където създава десетки представления. През 1995 г. Начо Дуато получава титлата Кавалер на Френския орден на изкуствата и литературата. През 1998 г. испанското правителство го награждава със Златен медал за заслуги в изкуствата. През 2000 г. Начо Дуато получава международната балетна награда Benois de la danse като най-добър хореограф на годината за постановката на балета "Вариете. Форми на тишина и пустота". От 2010 г. е ръководител на балетната трупа на Михайловския театър (Санкт Петербург).

Изключителен съвременен хореограф Иржи Килиан- Възпитаник на Националното балетно училище в Прага. През 1967 г. Килиан получава стипендия за обучение в Кралското балетно училище в Лондон, където се запознава с хореографа Джон Кранко, който му предлага договор като танцьор с Щутгартския балет. Скоро Килиан оглавява специално създаден в театъра танцова компаниязанимава се изключително със съвременна хореография. През 1974 г. Килиан е поканен в Холандския танцов театър (NDT). За да реализира своите идеи, Килиан създава хореографски работилници в театъра, а също така активно провежда майсторски класове по целия свят. От средата на 80-те стилът на Килиан гравитира към абстракция и сюрреалистични изображения. Така се появяват балетите Черно и бяло, Няма повече игра, Малката смърт, Сарабанда, Падането на ангелите, Арчимболдо и др. Kilian и NDT започват излитане танцова култураХоландия и определи нейното лидерство в жанра модерен танц.

История на балета

Балетът е доста младо изкуство. Той е на малко повече от четиристотин години, въпреки че танцът украсява човешкия живот от древни времена. Балетът е роден в Северна Италия през Ренесанса. Италианските принцове обичаха великолепните дворцови празненства, в които се играеше танцът важно място. Селските танци не били подходящи за придворни дами и господа. Техните дрехи, както и залите, където танцуваха, не позволяваха неорганизирано движение. Специални учители - майстори на танците - се опитаха да подредят нещата в съдебните танци. Те предварително репетираха отделни фигури и движения на танца с благородниците и водеха групи от танцьори. Постепенно танцът става все по-театрален. Терминът "балет" се появява в края на 16 век (от италианския balletto - танцувам). Но тогава това не означаваше представление, а само танцов епизод, който предава определено настроение. Такива "балети" обикновено се състоят от малко свързани "изходи" на герои - най-често героите на гръцките митове. След такива „изходи“ започна общ танц - „ голям балет". Първият балетен спектакъл е комедийният балет на кралицата, поставен във Франция през 1581 г. от италианския хореограф Балтазарини ди Белджойозо. Именно във Франция се случи по-нататъшното развитие на балета. Първоначално това бяха маскарадни балети, а след това помпозни мелодраматични балети на рицарски и фантастични сюжети, където танцовите епизоди бяха заменени от вокални арии и рецитиране на стихове. Не се изненадвайте, по това време балетът не беше само танцово изпълнение. По време на управлението на Луи XIV представленията на придворния балет достигат особен блясък. Самият Луис обичал да участва в балети и получил известния си прякор „Кралят Слънце“, след като изиграл ролята на Слънцето в „Балета на нощта“. През 1661 г. той създава Кралската академия за музика и танци, която включва 13 водещи майстори на танците. Тяхно задължение беше да запазят танцовите традиции. Директорът на академията, кралският учител по танци Пиер Бошан, идентифицира петте основни позиции на класическия танц. Скоро беше открита Парижката опера, чийто хореограф беше същият Бошан. Под негово ръководство е създадена балетна трупа. Отначало се състоеше само от мъже. Жените на сцената Парижката операсе появява едва през 1681 г. Театърът поставя опери-балети от композитора Люли и комедии-балети от драматурга Молиер. Отначало в тях участваха придворни, а представленията почти не се различаваха от дворцовите представления. Танцуваха се вече споменатите бавни менуети, гавоти и павани. Маски, тежки рокли и обувки с високи токчета затрудняваха жените да изпълняват сложни движения. Ето защо мъжки танцисе отличаваха тогава с по-голяма благодат и благодат. ДА СЕ средата на осемнадесетивек балетът добива голяма популярност в Европа. Всички аристократични дворове в Европа се стремят да имитират лукса на френския кралски двор. В градовете се откриват опери. Много танцьори и учители по танци лесно си намираха работа. Скоро повлиян от женската мода балетен костюмстана много по-лек и свободен, под него се отгатваха линиите на тялото. Танцьорите изоставиха обувките с токчета, заменяйки ги с леки обувки без токчета. Мъжкият костюм също стана по-малко обемист. Всяко нововъведение прави танците по-смислени, а танцовата техника по-висока. Постепенно балетът се отделя от операта и се превръща в самостоятелно изкуство. Въпреки че френската балетна школа беше известна със своята грация и пластичност, тя се характеризираше с известна студенина и формалност на изпълнението. Затова хореографите и художниците търсели други изразни средства.

IN края на XVIIIвек се заражда ново направление в изкуството - романтизъм, което оказва силно влияние върху балета. Опитвайки се да направят танца си по-ефирен, изпълнителите се опитаха да застанат на върха на пръстите си, което доведе до изобретяването на пантофи. В бъдеще техниката на пръстите на женския танц се развива активно. Първата, която използва танца pointe като изразно средство, е Мария Талиони. Мария Талиони(ит. Мария Талиони; 23 април 1804 г., Стокхолм - 22 април 1884 г., Марсилия) - известната италианска балерина, централната фигура в балета на епохата на романтизма. Мария е родена в семейството на хореограф и хореограф Филип Талиони. Момичето нямаше нито балетна фигура, нито специален външен вид. Въпреки това баща й решава да я направи балерина. Мария учи във Виена, Стокхолм, а след това в Париж при Франсоа Кулон. По-късно самият баща учи при Мария, през 1822 г. той поставя балета „Посрещане на млада нимфа в двореца на Терпсихора“, с който Мария дебютира във Виена. Танцьорката изостави тежките тоалети, присъщи на балета, перуки и грим, танцувайки само в скромна лека рокля. Мария завладява парижката публика през 1827 г. на Венецианския карнавал, оттогава често танцува в Парижката Гранд Опера. На същото място през март 1832 г. се състоя премиерата на балета "Силфида", която бележи началото на ерата на балетния романтизъм. Тогава именно тя въвежда пачката и пантофките в балета.Преди Мария Талиони красивите балерини завладяваха публиката с виртуозната си танцова техника и женствен чар. Taglioni, в никакъв случай красота, създадена нов типбалерини - вдъхновени и загадъчни. В „Силфида“ тя въплъти образа на неземно същество, олицетворяващо идеал, непостижима мечта за красота. В развяваща се бяла рокля, излитаща в леки скокове и замръзваща на върховете на пръстите си, Талиони стана първата балерина, която използва пантофи и ги превръща в неразделна част от класически балет. Всички столици на Европа й се възхищаваха. В напреднала възраст Мария Талиони, самотна и бедна, преподава танци и добри обноскидеца на лондонски благородници. На надгробния камък има следната епитафия: Ô terre ne pèse pas trop sur elle, elle a si peu pesé sur toi(Земя, не я натискай много, защото толкова леко те е стъпила). По това време се появиха много прекрасни балети, но, за съжаление, романтичният балет стана последен периодпроцъфтяващо танцово изкуство на Запад. От втория половината на XIXвек балетът, загубил предишното си значение, се превърна в придатък на операта. Едва през 30-те години на миналия век, под влиянието на руския балет, започва възраждането на този вид изкуство в Европа.

В Русияпървото балетно представление - "Балетът на Орфей и Евридика" - е поставено на 8 февруари 1673 г. в двора на цар Алексей Михайлович в село Преображенское край Москва. Приготвен е от чужденец Николай Лима (или Лим). Не е известно точно кой е по произход - най-вероятно шотландец, емигрирал във Франция и след това дошъл в Русия като офицер в инженерните войски. Но е напълно достоверен факт, че познанията му по балет са били много големи. Става ръководител на зараждащата се балетна трупа, неин учител, хореограф и първи танцьор. Десет „дребни буржоазни деца“ са дадени на обучение в Лима, а година по-късно броят им се удвоява. През 1673 г. на сцената на Кремълския театър Лима изпълнява "френския танц" от "Балета на Орфей и Евридика". Беше балет френски стил, сред декори, които са движещи се пирамиди, и първото професионално балетно представление, поставено на руска сцена. По-късно със специален указ на император Петър Велики танците стават интегрална частсъдебен етикет. През 1730г в Санкт Петербург, в двора на Анна Ивановна, бяха организирани редовни представления на оперни и балетни представления. Танцовите сцени в оперите са хореографирани от Ж. Б. Ланде и А. Риналди (по прякор Фосано). Благородната младеж е била задължена да научи танци, така че в Санкт Петербург бални танцистава задължителна дисциплина в дворянския кадетски корпус. С откриването на летния театър в лятна градина, зима - в крилото на Зимния дворец кадетите започват да участват в балетни танци. Инструкторът по танци в сградата беше Жан-Батист Ландет. Той добре знаеше, че благородниците няма да се посветят на балетното изкуство в бъдеще, въпреки че танцуваха в балети заедно с професионалисти. Ланде, както никой друг, видя необходимостта от руски балетен театър. През септември 1737 г. той подаде петиция, в която успя да обоснове необходимостта от създаване на ново специално училище, където момичета и момчета от прост произход да учат хореографско изкуство. Скоро такова разрешение беше дадено. Така през 1738 г. е открито първото балетно танцово училище в Русия (сега Академията за руски балет А. Я. Ваганова). Дванадесет момичета и дванадесет стройни младежи бяха избрани от слугите на двореца, които Ланде започна да учи. Ежедневната работа даде резултати, публиката беше възхитена от видяното. От 1743 г. бившите ученици на Ланде започват да получават заплати като балетисти. Училището много бързо успя да даде на руската сцена отлични кордебалетисти и отлични солисти. Имена, останали в историята най-добрите учениципърви набор: Аксиня Сергеева, Авдотя Тимофеева, Елизавета Зорина, Афанасий Топорков, Андрей Нестеров. IN началото на XIXвек руското балетно изкуство достига творческа зрялост. Руските танцьори донесоха изразителност и духовност на танца. Усещайки това много точно, А. С. Пушкин посвещава следните редове на своята съвременна руска балерина Авдотя Истомина:

Брилянтен, полувъздух,
покорен на магическия лък,
Заобиколен от тълпа нимфи
Уърт Истомин; тя,
Единият крак докосва пода
Друг бавно обикаля
И изведнъж скок, и изведнъж лети,
Лети като пух от устата на Еол;
Сега лагерът ще стане съветски, после ще се развие
И той бие крака си с бърз крак.

Балетът по това време заема привилегировано място сред другите видове театрално изкуство. Властите обърнаха голямо внимание на това, предоставиха държавни субсидии. Балетните трупи на Москва и Санкт Петербург се представят в добре оборудвани театри, а завършилите театрални училища ежегодно попълват персонала на танцьори, музиканти и декоратори. В историята на нашата балетен театърчесто има имена на чуждестранни майстори, изиграли значителна роля в развитието на руския балет. На първо място, това са Шарл Дидело, Артър Сен-Леон и Мариус Петипа. Те помогнаха за създаването на руската балетна школа. Но талантливите руски художници също направиха възможно разкриването на таланта на своите учители. Това неизменно привлича най-големите хореографи на Европа в Москва и Санкт Петербург. Никъде по света не можеха да срещнат толкова голяма, талантлива и добре обучена трупа, както в Русия. IN средата на деветнадесетивек реализмът идва в руската литература и изкуство. Хореографите трескаво, но безуспешно, се опитваха да създадат реалистични представления. Те не са взели предвид, че балетът е условно изкуство и реализмът в балета се различава значително от реализма в живописта и литературата. Започна кризата на балетното изкуство. Съдържанието на представленията беше примитивно, неусложнените сюжети служеха само като извинение за зрелищни танци, в които артистите демонстрираха своите умения. За танцьорите основното беше усъвършенстването на формата и техниката на класическия танц и в това те постигнаха виртуозност. Нов етапв историята на руския балет започва, когато великият руски композитор П. Чайковски за първи път композира музика за балета. Беше " Лебедово езеро". Преди това балетната музика не се приемаше сериозно. Тя се смяташе за най-ниската форма на музикално творчество, просто акомпанимент към танците. Благодарение на Чайковски балетната музика се превръща в сериозно изкуство наред с оперната и симфоничната музика. Преди музиката беше изцяло зависима от танца, сега танцът трябваше да се подчинява на музиката. Необходими бяха нови изразни средства нов подходза създаване на представление. По-нататъчно развитиеРуският балет се свързва с името на московския хореограф А. Горски, който, изоставяйки остарелите техники на пантомимата, използва техниките на съвременната режисура в балетно представление. даване голямо значениеживописен дизайн на представлението, той привлече към работа най-добрите артисти. Но истинският реформатор на балетното изкуство е Михаил Фокин, който се разбунтува срещу традиционната конструкция на балетния спектакъл. Той твърди, че темата на представлението, неговата музика, епохата, в която се развива действието, изискват всеки път различни танцови движения, различен танцов модел. При постановката на балета "Египетски нощи" Фокин е вдъхновен от поезията на В. Брюсов и древните египетски рисунки, а образите на балета "Петрушка" са вдъхновени от поезията на А. Блок. В балета „Дафнис и Хлоя“ той изоставя танца на пуант и със свободни, пластични движения съживява античните фрески. Неговата "Шопениана" съживи атмосферата на романтичния балет. Фокин пише, че "мечтае да създаде балет-драма от балет-забавление, от танц - разбираем, говорещ език". И той успя.

През 1908 г. започват годишните представления на руските балетисти в Париж, организирани от театрална фигураС. П. Дягилев. Руски сезоние балетна трупа, основана през 1911 г. от руския театрален деец и историк на изкуството Сергей Дягилев. Израства от "Руските сезони" през 1909 г., функционира в продължение на 20 сезона до смъртта на Дягилев през 1929 г. и се радва на голям успех в чужбина, особено във Франция и Великобритания. Антрепризата на Дягилев оказа голямо влияние върху развитието не само на руския балет, но и на световното хореографско изкуство като цяло. Като талантлив организатор, Дягилев имаше усет към талантите, подхранвайки цяла плеяда талантливи танцьори и хореографи - Васлав Нижински, Леонид Мясин, Михаил Фокин, Серж Лифар, Джордж Баланчин - и предоставяйки възможност за усъвършенстване на вече признати артисти. По декорите и костюмите на постановките на Дягилев са работили неговите сътрудници в "Светът на изкуството" Леон Бакст и Александър Беноа. По-късно Дягилев, със своята страст към новаторството, привлича водещите европейски художници - Пабло Пикасо, Андре Дерен, Коко Шанел, Анри Матис и много други - и руските авангардни художници - Наталия Гончарова, Михаил Ларионов, Наум Габо, Антоан Певзнер като декоратори. Не по-малко плодотворно беше сътрудничеството на Дягилев с известни композиторитези години – от Рихард Щраус, Ерик Сати, Морис Равел, Сергей Прокофиев, Клод Дебюси – и особено с открития от него Игор Стравински. От самото начало основната насока на хореографията на неговите сезони е желанието да разшири границите на класическия балет. Експериментите с танцовите форми на Нижински изпревариха времето си и затова не бяха приети веднага от публиката. Фокин придава „богата пластичност” на движенията, а приемникът на заложените от него принципи Мясин обогатява хореографията с „разчупени и претенциозни форми”. Баланчин най-накрая се отклони от правилата академичен танц, придавайки на балетите си по-стилизирано и експресионистично звучене. Сезоните на Дягилев - особено първите сезони, които включват балетите "Жар птица", "Петрушка" и "Пролетта свещенодействаща" - изиграха значителна роля в популяризирането на руската култура в Европа и помогнаха за установяването на мода за всичко руско. Например английските танцьори Патрик Хили-Кей, Алис Маркс и Хилда Мунингс взеха руски псевдоними (съответно Антон Долин, Алисия Маркова и Лидия Соколова), под които се представиха в трупата на Дягилев. Популярността на неговите сезони доведе до страстта на европейците към традиционната руска носия и даде началото на нова мода - дори съпругата на краля на Великобритания Джордж VI се омъжи в "рокля, перифразираща руските фолклорни традиции".

Имената на танцьори от Русия - Васлав Нижински, Тамара Карсавина, Адолф Болм - станаха известни по целия свят. Но първо в този ред е името на несравнимата Анна Павлова. Павлова - лирична, крехка, с издължени линии на тялото, огромни очи - предизвика гравюри, изобразяващи романтични балерини. Нейните героини предават чисто руска мечта за хармоничен, одухотворен живот или копнеж и тъга за неизпълнен. "Умиращият лебед" велика балеринаПавлова, е поетичен символ на руския балет в началото на 20 век. Тогава, под влиянието на майсторството на руските артисти, западният балет се разтърси и придоби втори вятър.

След Октомврийската революция от 1917 г. много фигури от балетния театър напускат Русия, но въпреки това школата на руския балет оцелява. Патосът на движението към нов живот, революционните теми и най-вече възможността за творчески експеримент вдъхновяват балетмайсторите. Тяхната задача беше да доближат хореографското изкуство до хората, да го направят по-жизнено и достъпно. Така възниква жанрът драматичен балет. Това бяха изпълнения, обикновено базирани на сюжетите на известни литературни произведения, които бяха изградени според законите драматично изпълнение. Съдържанието в тях беше представено с помощта на пантомима и изобразителен танц. В Русия балетът не губи своето значение в годините след Първата световна война и по време на нея съветска власт, дори когато изглеждаше, че политическата и икономическа ситуация заплашва самото съществуване на Болшой и Мариински (наречени на Октомврийската революция Държавен театъропера и балет, GOTOB, а от 1934 г. - на името на С. М. Киров) театри. 20-те години на миналия век са период на интензивно експериментиране както във формата, така и в съдържанието на балетното представление. Има и постановки на Пролеткулт на политически и социални теми, а в Москва произведенията на Касян Голейзовски (1892-1970), а в Петроград (през 1924 г. преименуван на Ленинград) различни постановки на Фьодор Лопухов (1886-1973), включително неговото „Величие“. на Вселената“ (1922) по музиката на Четвъртата симфония на Бетовен.
„Червен мак“ по музика на Р. М. Глиер, балет, поставен през 1927 г. от Василий Тихомиров (1876-1956) и Лев Лащилин (1888-1955) в Москва, послужи като прототип за много следващи съветски балети: това е мулти- актово изпълнение, чиято тема са благородни страсти и героични дела, а специално написаната музика е симфонична по природа. Такива балети като през 1932 г. "Пламъците на Париж" от Василий Вайнонен (1901-1964), и през 1934 г. "Бахчисарайският фонтан" от Ростислав Захаров (1907-1984) - и двата по музика на Борис Асафиев, както през 1939 г. "Лауренсия" " (музика на Александър Крейн) Вахтанг Чабукиани (1910-1992) и през 1940 г. "Ромео и Жулиета" на Леонид Лавровски (1905-1967) (музика на Прокофиев), могат да служат като пример за онези естетически принципи, които са следвани не само от основните трупи – Театр. С. М. Киров в Ленинград и Болшой театър в Москва - но и всичките около 50 театри, работили в страната.

Въпреки че са запазени отделни находки от 20-те години на миналия век, преобладават изпълненията, ориентирани към съветската епоха. политическа идеология, а начинът на изпълнение се отличаваше с кантилена при изпълнение на движенията и гъвкавост (функции в ръцете и гърба), като едновременно с това се развиваха високи скокове, акробатични повдигания (например високо повдигане на едната ръка на джентълмен) и бързи завъртания, които придават на съветските балети особен драматичен израз.

Един от учителите, допринесли за развитието на този стил, е Агрипина Ваганова (1879-1951). бивша танцьорка Мариински театърТя започва да преподава в края на изпълнителската си кариера. Ставайки преподавател в Ленинградското хореографско училище, Ваганова разработва програма и учебник по класически танц и подготвя своите ученици, така че да могат да изпълняват както големите романтични балети от миналото, така и новите съветски, с виртуозната си техника. В целия Съветски съюз, както и в Източна Европаосновата на обучението беше системата Ваганова.
Зрителите в Западна Европаи Съединените щати практически не бяха запознати със съветския балет до средата на 50-те години, когато балетните трупи на Театъра. Киров и Болшой театърза първи път отиде на турне на Запад. Интересът към него беше предизвикан от удивителното майсторство на балерините на Болшой театър Галина Уланова (1910-1998), която предаде чувствата на Жизел и Жулиета с проникновен лиризъм, и Мая Плисецкая, която порази с брилянтната си техника в ролята на Одета-Одилия в Лебедово езеро. Докато Болшой театър въплъщава най-зрелищните черти на съветския стил, класическата чистота на танцьорите от Кировския театър намира израз в артисти като Наталия Дудинская и Константин Сергеев, които допринасят за възраждането на традицията на Петипа. голям успехпостигнати следващите поколенияартисти: Екатерина Максимова, Владимир Василев, Наталия Бессмертнова и Вячеслав Гордеев в Болшой театър, Ирина Колпакова, Алла Сизова и Юрий Соловьов в Кировския театър. През 1961 г. Нуреев, един от водещите танцьори на Кировския театър, остава на Запад по време на турнето на трупата във Франция. Същото правят и други двама видни артисти от същия театър - Наталия Макарова и Михаил Баришников (Макарова - в Лондон през 1970 г., Баришников - в Канада през 1974 г.).
През 80-те години административният и политически натиск върху изкуството в Съветския съюз отслабва, Олег Виноградов, който ръководи балетната трупа на театъра. Киров от 1977 г. започва да въвежда балетите на Баланчин, Тюдор, Морис Бежар и Робинс в репертоара. По-малко склонен към иновации беше Юрий Григорович, който от 1964 г. беше начело на Болшой балет. Ранните му продукции са " Каменно цвете"(музика на Прокофиев, 1957) и "Спартак" (музика на А. И. Хачатурян, 1968) - типични съветски изпълнения. Григорович залага на зрелищни ефекти, управлява уверено голяма маса от енергично движещи се танцьори, използва широко народния танц, предпочита героичните сюжети.

В продължение на много години сцената на Болшой театър включваше почти изключително балети на Григорович или негови адаптации на стари пиеси като Лебедово езеро. До края на 80-те години Ирек Мухамедов и Нина Ананиашвили от Болшой театър, както и Алтинай Асълмуратова и Фарух Рузиматов от театъра. Киров получава разрешение да играе с водещи балетни трупи на Запад, след което става част от тези групи. Дори Виноградов и Григорович започват да търсят възможности да покажат таланта си извън Русия, където държавното финансиране на театрите е значително намалено след разпадането на СССР през 1991 г. През 1995 г. Григорович е заменен от директора на Болшой балет от Владимир Василиев.
Други трупи в Санкт Петербург са балетът на Малкия театър за опера и балет. М. П. Мусоргски (до 1991 г. се нарича Мали театър за опера и балет), Санкт Петербургски "Балетен театър Борис Ейфман", който се ръководи от хореографа Борис Ейфман (р. 1946 г.), трупата "Хореографски миниатюри", създадена от Леонид Якобсон ( 1904-1975), който работи в театъра. Киров през 1942-1969 г., чиято работа става известна на Запад. Трупа в Москва музикален театъртях. К.С. Станиславски и В. И. Немирович-Данченко, Театър за класически балет. Трупата "Експеримент", създадена в Перм от Евгений Панфилов, заслужава внимание.
Разпад съветски съюзи последвалата икономическа криза донесе огромни трудности балетни компании, които дотогава бяха щедро субсидирани от държавата. Много танцьори и учители напускат страната, за да се установят в САЩ, Англия, Германия и други западни страни.

Модерен танц

Модерен танц - посока в танцово изкуство, който се появява в началото на 20 век в резултат на отклонението от строгите норми на балета, в полза на творческа свободахореографи.
От балета свободният танц беше отблъснат, чиито създатели се интересуваха не толкова от нова танцова техника или хореография, а от танца като специална философия, която може да промени живота. Това движение, възникнало в началото на 20-ти век (Айседора Дънкан се счита за негов прародител), послужи като източник на много тенденции в съвременния танц и даде тласък на реформата на самия балет.

Накрая бих искал да цитирам думите на нашия изключителна балеринаМая Плисецкая, каза от нея в интервю: „Мисля, че балетът е изкуство с голямо и вълнуващо бъдеще. Той със сигурност ще живее, ще търси, ще се развива. Той определено ще се промени. Но как точно, в каква посока ще тръгне, е трудно да се предвиди с пълна точност. не знам Знам едно: всички ние - и изпълнители, и хореографи - трябва да работим много, сериозно, без да се щадим. Хората, тяхната вяра в изкуството, тяхната отдаденост на театъра могат да направят чудеса. А в какво ще се окажат тези „чудеса” на балета на бъдещето, ще реши самият живот.”

Околна среда: Метод на заявка: GET URL адрес на заявка: http://website/smi/russian_masterpiece/ Версия на Django: 1.11 Версия на Python: 3.5.6 Инсталирани приложения: ["app", "redactor", "django.contrib.admin", " django.contrib.auth", "django.contrib.contenttypes", "django.contrib.sessions", "django.contrib.messages", "django.contrib.staticfiles", "досадно", "imagekit", "safedelete" , "froala_editor", "webpack_loader"] Инсталиран междинен софтуер: ["django.middleware.security.SecurityMiddleware", "django.contrib.sessions.middleware.SessionMiddleware", "django.middleware.common.CommonMiddleware", "django.middleware. csrf.CsrfViewMiddleware", "django.contrib.auth.middleware.AuthenticationMiddleware", "django.contrib.auth.middleware.SessionAuthenticationMiddleware", "django.contrib.messages.middleware.MessageMiddleware", "django.middleware.clickjacking.XFrameOptionsMiddleware" ] Проследяване: Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/exception.py" във вътрешен 41. response = get _response(request) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/base.py" в _legacy_get_response 249. response = self._get_response(request) Файл "/usr/local/ lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/base.py" в _get_response 187. отговор = self.process_exception_by_middleware(e, заявка) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages /django/core/handlers/base.py" в _get_response 185. отговор = wrapped_callback(request, *callback_args, **callback_kwargs) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/annoying/decorators.py " в обвивка 67. изход = функция (заявка, *args, **kwargs) Файл "/opt/shkt/app/views.py" в mass_media 166. article = obj_404(SMI, id=page) Файл "/usr/ local/lib/python3.5/site-packages/django/shortcuts.py" в get_object_or_404 85. върне queryset.get(*args, **kwargs) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages /django/db/models/query.py" в get 370. clone = self.filter(*args, **kwargs) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/dj ango/db/models/query.py" във филтър 781. return self._filter_or_exclude(False, *args, **kwargs) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models /query.py" в _filter_or_exclude 799. clone.query.add_q(Q(*args, **kwargs)) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/ query.py" в add_q 1260. клауза, _ = self._add_q(q_object, self.used_aliases) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py " в _add_q 1286. allow_joins=allow_joins, split_subq=split_subq, Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" в build_filter 1220. условие = self.build_lookup(търсеня, кол , стойност) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" в build_lookup 1114. return final_lookup(lhs, rhs) Файл "/usr/local/ lib/python3.5/site-packages/django/db/models/lookups.py" в __init__ 24. self.rhs = self.get_prep_lookup() Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/ django/db/models/lookups.py" в get_prep_lookup 74. върнете self.lhs.output_field.get_prep_value(self.rhs) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/ fields/__init__.py" в get_prep_value 962. return int(value) Тип изключение: ValueError при /smi/russian_masterpiece/ Стойност на изключение: невалиден литерал за int() с база 10: "russian_masterpiece"