Руската живопис от края на XIX - началото на XX век.

Края на 19 - началото на 20 век. - важен период в развитието на руското изкуство. Съвпада с етапа на освободителното движение в Русия, който В.И. Ленин го нарича пролетарски.

Какво е голяма картинаразвитието на руското изкуство през този период? Плодотворно работиха и водещи майстори критичен реализъм- Т.Е. Репин, В.И. Суриков, В.М. Васнецов, В.Е. Маковски... През 1890-те години техните традиции намират своето развитие в редица произведения на по-младото поколение странстващи художници, напр. Абрам Ефимович Архипов (1862-1930) , чието творчество също е свързано с бита на народа, с бита на селяните. Неговите картини са правдиви и прости, ранните са лирични („Покрай река Ока“, 1890 г., „Реверс“, 1896 г.), в по-късните, ярко живописни, има буйна жизнерадост („Момиче с кана“, 1927 г. ). През 80-те години Архипов рисува картината „Перачки“, която разказва за изтощителния труд на жените, служейки като ярък уличаващ документ за автокрацията.

По-младото поколение на пътуващите също включва Сергей Алексеевич Коровин (1858-1908) и Николай Алексеевич Касаткин (1859-1930) . Коровин работи десет години върху централната си картина „За света“ (1893). В него той отразява сложните процеси на разслоение на селячеството в столичното село по негово време. Касаткин също успя да идентифицира най-важните аспекти на Русия в работата си. Той повдигна напълно нова темасвързано със засилването на ролята на пролетариата. В миньорите, изобразени в известната му картина „Въглищни миньори. Смена” (1895), може да се познае мощната сила, която в близко бъдеще ще разруши прогнилата система. Царска Русияи изграждане на ново, социалистическо общество.

Но в изкуството от 1890 г. се появява друга тенденция. Сега много художници се стремяха да намерят в живота преди всичко неговите поетични страни, така че дори включиха пейзажа в жанрови картини. Те често се обръщат към древната руска история. Тези тенденции в изкуството могат ясно да се видят в произведенията на такива художници като A.P. Рябушкин, Б.М. Кустодиев и М.В. Нестеров.

Любим жанр Андрей Петрович Рябушкин (1861-1904) е исторически жанр, но той рисува и картини от своя съвременник селски живот. Художникът обаче беше привлечен само от определени аспекти народен живот: ритуали, празници. В тях той видя проявление на изконно руския, национален характер(„Московска улица от 17 век“, 1896 г.). Повечето от персонажите са не само за жанр, но и за исторически картиниса написани от Рябушкин от селяни - художникът прекарва почти целия си живот в селото. Рябушкин въвежда някои характерни черти на древноруската живопис в историческите си картини, сякаш по този начин подчертава историческата автентичност на изображенията („Сватбен влак в Москва (XVII век)“).

Друг голям артист от това време - Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) изобразява панаири с разноцветни лъжици и купища цветни стоки, руска Масленица с езда на тройки, сцени от търговския живот.

IN ранна работа Михаил Василиевич Нестеров Най-пълно се разкриха лиричните страни на неговия талант. Пейзажът винаги играе голяма роля в неговите картини: художникът се стреми да намери радост в тишината на вечно красивата природа. Той обичаше да изобразява брезови дървета с тънки стволове, крехки стъбла на трева и ливадни цветя. Неговите герои са слаби младежи, обитатели на манастири или мили старци, които намират мир и спокойствие сред природата. Картини, посветени на съдбата на руска жена („В планините“, 1896 г., „Голяма тонзура“, 1897-1898 г.), са изпълнени с дълбоко съчувствие.

Оттогава датира творчеството на пейзажиста и анималиста. Алексей Степанович Степанов (1858-1923) . Художникът искрено обичаше животните и отлично познаваше не само външния вид, но и характера на всяко животно, неговите умения и навици, както и специфични особености различни видовена лов. Най-добрите картини на художника, посветени на руската природа, са пропити с лиризъм и поезия - „Жеравите летят“ (1891), „Лос“ (1889), „Вълци“ (1910).

Изкуството на Виктор Елпидифорович Борисов-Мусатов (1870-1905) също е пропито с дълбока лирическа поезия. Неговите образи на замислени жени - обитатели на паркове на стари имения - и всичките му хармонични, музикални картини („Езерце“, 1902) са красиви и поетични.

През 80-90-те години на 19 век се формира творчеството на изключителни руски художници Константин Алексеевич Коровин (1861-1939), Валентин Александрович Серов и Михаил Александрович Врубел. Тяхното изкуство най-пълно отразява художествените постижения на епохата.

Талант К.А. Работата на Коровин е еднакво ярка както в стативната живопис, предимно в пейзажа, така и в театралното и декоративно изкуство. Очарованието на изкуството на Коровин се крие в неговата топлина, слънчева светлина, в умението на майстора директно и ярко да предава своите художествени впечатления, в щедростта на неговата палитра, в колористичното богатство на неговата живопис („На балкона“, 1888-1889, „През зимата“, 1894).

В самия край на 1890-те години в Русия се формира ново художествено дружество „Светът на изкуството“, оглавявано от А.Н. Беноа и С.П. Дягилев, което оказа голямо влияние върху художествения живот на страната. Основното му ядро ​​са художниците К.А. Сомов, Л.С. Бакст, М.В. Добужински, Е.Е. Lansere, A.P. Остроумова-Лебедева. Дейностите на тази група бяха много разнообразни, художниците издадоха собствено списание „Светът на изкуството“, организираха интересни художествени изложбис участието на много изявени творци. Тяхната дейност допринесе за широкото разпространение на художествената култура в руското общество, но те търсят само красотата в живота и виждат изпълнението на идеалите на художника само във вечното очарование на изкуството. Творчеството им е лишено от борбеността и социалния анализ, характерни за скитниците, под чието знаме маршируват най-прогресивните и най-революционните творци.

Александър Николаевич Беноа (1870-1960) с право се счита за идеолог на "Света на изкуството". Подобно на своите другари, Беноа развива теми от минали епохи в творчеството си. Той беше поетът на Версай. Основен познавач Френска култура XVII и XVIII век Беноа почита древната кралска резиденция като квинтесенция на артистичния дух на великата страна. Той се стреми да въплъти това възхищение в пейзажи, жанрове, илюстрации на книги и театрални декори. В своите стативи, базирани на впечатления от природата, художникът успя да предаде удивителната пространственост на Версай, създаден близо до Париж по волята на Краля Слънце, въображението и уменията на велики архитекти, скулптори и градинари. В своите исторически композиции, населени с малки, привидно безжизнени фигури на хора, той внимателно и с любов възпроизвежда паметници на изкуството и отделни детайли от ежедневието („Парад при Павел I“, 1907 г.).

Дълбоко почитайки Пушкин, Беноа създава цикли от илюстрации към произведенията му. Най-добрият от тях е за поемата “Бронзовият конник”. Художникът пресъздаде образа на Петербург на Пушкин.

Константин Андреевич Сомов (1869-1939) става широко известен като майстор на романтични пейзажи и галантни сцени. Неговата обикновени герои- като дами, дошли от далечната древност с високи напудрени перуки и пухкави кринолини и изящни отпуснати господа в сатенени камизолки. Сомов отлично владееше рисуването. Това беше особено очевидно в неговите портрети. Художникът създава галерия от портрети на представители на художествената интелигенция, включително А.А. Блок и М.А. Казмина (1907, 1909).

В художествения живот на Русия в началото на века значителна роля играе и художествената група „Съюз на руските художници“. Включва художници K.A. Коровин, А.Е. Архипов, С.А. Виноградов, С.Ю. Жуковски, Л.В. Туржански, К.Ф. Юон и др. Основният жанр в творчеството на тези художници е пейзажът. Те са наследници на пейзажната живопис от втората половина на 19 век.

Материали за търсене:

Брой Ваши материали: 0.

Добавете 1 материал

Сертификат
за създаване на електронно портфолио

Добавете 5 материала

Тайна
настояще

Добавете 10 материала

Сертификат за
информатизация на образованието

Добавете 12 материала

Преглед
безплатно за всякакви материали

Добавете 15 материала

Видео уроци
от бързо създаванеефективни презентации

Добавете 17 материала

Общинска бюджетна институция за допълнително образование
"Детска школа по изкуствата на област Починковски"
Лекционен курс.
История на картините.
История на изобразителното изкуство.
DHS.
Разработчик: учител по изкуства
MBU DO "DSHI Починковски район"
Казакова Инна Викторовна

2017
Руска живопис края на XIXи началото на 20 век.
Преглед. Част 1
В историята на нашата родина началото на XIXи 20 век е наситен с огромни социални
историческо съдържание. Това е времето, когато според В. И. Ленин,
започна „буря“, „движение на самите маси“ - нов, пролетарски етап на Русия
освободително движение, белязано от три революции, последната от
с която Великата октомврийска социалистическа революция откри нова ера в
историята на Русия и в историята на цялото човечество. Но пътеката, която доведе до Oktyabrskaya
революция, беше неясен път.
Краят на 19-ти и първите години на 20-ти век са, от една страна, време на жестоки
политическа реакция, потискане на всяка свободна мисъл; от друга страна, това
времето на началото на организираната борба на работническата класа, разпространението на марксизма в
Русия, времето, когато Ленин полага основите на марксистките революционни работници
партии.
Именно през тези години започва нов социален подем, който преминава под знака
подготовка за първата руска революция.
Наближаваше първият натиск на народната буря. Център за световно революционно движение
се премества в Русия.
Засилването на освободителното движение засяга всички сфери на обществото
живот. Руската демократична култура също се развива допълнително,
вдъхновен от благородни освободителни и патриотични идеи. Нов
Науката, литературата и изкуството са постигнали блестящ успех.
През 1890 г. най-големите майстори, които започват своето пътуване в
предишен период - Репин, Суриков, Шишкин, Васнецов, Антоколски и
друго.
Напреднали творци, верни на своя народ, тясно свързани с живота му, те не са
остана встрани от общия подем. Нови прогресивни обществени идеали
намери жив отзвук в тяхното творчество и им позволи да обогатят съкровищницата
Руската култура с нови прекрасни произведения.
Продължавайки най-добрите демократични традиции на националната художествена школа, тези
изключителни майстори ги доразвиха в съответствие с новите изисквания
време. Чувствително възприемаха и отново отразяваха със средствата на своето изкуство
възникващи социални проблеми, свързани с пробуждането на народните сили,
излагат нови теми и образи, въвеждат ново съдържание в произведенията си.

Така още през деветдесетте години изкуството ни се обогатява с редица произведения,
белязана с принципно нови характеристики. Това са монументални картини,
юнашки стил, в който огромна мощноствъплъщават се типични образи
национални герои и изразени национални патриотични идеи - гордост за земята
Руски и руски народ, неговото славно минало и великата му историческа роля.
Това са „Богатирци” (1881 - 1898) на В. Васнецов и „Казаци” (1878-1891) на Репин,
„Завладяването на Сибир“ (1895) и „Преминаването на Суворов през Алпите“ (1899) от Суриков;
тези картини са пропити от убеждението на художниците, че историята не се прави
индивидите, но масите, че хората са героите и
извършител на исторически подвизи. За народния подвиг говори и В.В.
Верешчагин в голяма серия исторически картинина тема отечествената война от 1812 г
години (1889-1900), където руският народ се противопоставя на Наполеон и неговата армия,
се вдигна на борба за своята национална независимост. Една от картините от поредицата,
наречена „Не се колебайте, нека се приближат...“ (1895), изобразява засада на селяни партизани,
онези прости и незнайни патриоти, с чиито ръце беше нанесен смъртоносният удар
на чужди нашественици.
Всички тези произведения са обединени от едно чувство, една идея, която се крие в тях
основа - идеята за прослава на родината и народа. Появяват се разнородните маси
в тях вече не е потиснат и потиснат: това е самата народна стихия, която се е издигнала до
велики дела и изпълнен с юнашка сила и нравствена сила решава съдбините му
роден край.
Гореспоменатите картини са в съседство с монументални, създавайки величествен образ
Руска природа, сибирски и уралски пейзажи от А. Васнецов и някои по-късни
произведения на И. Шишкин („Корабна горичка“, 1898), статуя „Ермак“ на М. Антоколски
(1891) и др.
Ясно е, че само в страна, където назряваше народна революция, където, свидетелствайки за
събуждане на масите за борба, „голямото море от хора кипеше,
развълнуван до дъно” – така би могла да се постави темата за народа
изкуство и да получите такова решение. Чувствително улавяне на тези далечни тътени
наближаваща революционна буря, напредналите руски художници преживяха всичко
голямо доверие в силата на народа и привлече социалната им
оптимизъм, който придаде съвършено нов цвят на техния творчески поглед.
Демократи по своите убеждения, тясно свързани с народа, проницателни наблюдатели
живота, тези майстори на руското изкуство дълбоко усетиха пулса
модерност, и ако самите те понякога не са осъзнавали връзката между съдържанието на своите
работи и тази модерност, тя все още беше отразена в платната на
историческа тема и дори - в известен смисъл - в пейзажи. Това беше
предчувствие за нещо големи промени, точно това очакване на голяма гръмотевична буря, която
изразено от А. П. Чехов с думите на един от неговите герои: „Дойде времето,
огромна маса се приближава към всички нас, готви се здрава, силна буря, която вече е

мързелът, безразличието, предразсъдъците към работата са близо и скоро ще бъдат издухани от нашето общество,
скапана скука..."
Новият етап на социалната борба намери по-пряко и непосредствено отражение в
работата на друга група художници, които се обърнаха към сцени от живота
пролетариатът и най-бедното селячество; първите картини принадлежат на тях
класови битки в града и селото на подстъпите към първата руска революция, това са те
отразяват събитията от 1905 г. в своите произведения.
Продължавайки традицията на Peredvizhniki, художници от т.нар
поколение странстващи - С. Коровин, С. Иванов, А. Архипов, Н. Касаткин и др.
- правдиво отразява живота на руското село в предреволюционното време
1905 г. Дълбоко познаване на живота на хората, духовно състрадание към бедствия и
трудностите на бедните в селските райони им помогнаха да създадат произведения, изпълнени с
голям: житейска истина и остър социален резонанс.
Така в картината на С. Коровин „На света” (1893) за първи път в нашата живопис,
остър конфликт, характерен за тогавашното руско село: на селско събрание
един беден селянин, бивш крепостен, съсипан от реформи, напразно се опитва
постигнете справедливо разрешаване на делото във ваша полза; земевладелец, за когото никой
осмелява се да му противоречи, смее му се подигравателно...
Първите си картини С. Иванов посвещава на селяните заселници. С грубо
с правдивост той изобразява страшната участ на бедните, които гладът прогонва от тях
просешки заговори и ги принуждава да се скитат из страната в търсене на парче хляб. Отчаян
положението на заселниците, смъртта на заселниците в степта, затворници в затвора, бегълци
каторжници - това са сюжетите на неговите картини. Но скоро С. Иванов започва да вижда и
другото е началото на революционен кипеж, който все повече обхваща низшите слоеве на народа.
Художникът изобразява популистки агитатор,
тайно раздавайки на селяните
нелегална литература; скицира студентски вълнения в Москва
университет. Негови са първите изображения в руската живопис
селско въстание („Бунт в селото“, 1889) и класовата борба на пролетариата:
„Бягството на директора от фабриката по време на стачка“ (края на 1880-те) и „Стачка“
(1903 г.). Естествено впоследствие сред тези художници попада и С. Иванов
който в паметните дни на 1905 г. улавя събитията от първата руска революция.
А. Е. Архипов, отличен
художник, който майсторски владее маниера на широка, богата, цветна живопис.
Архипов в своите картини от живота на бедните селяни третира тази тема
голямо проникване и топлина („На Волга“, 1888-1889; „Покрай река Ока“,
1889 г.; "Ледът премина"
1894-1895). Тъжната участ на работещите жени - това е съдържанието на картината
„Чармен в чугунолеярна“ (1895-1896). Картината на Архипов "Перачки"
(края на 1890-те), веднъж видян, трудно се забравя, изобразен с такава впечатляваща сила

към тях образи на работнички, изтощени от тежък труд в бедните квартали
капиталистически град. Тук ясно се чува гласът на протеста на художника
демократ
Творчеството на Н. А. Касаткин заема специално място в руското изкуство.
В творбите си този художник обхваща цял период от живота на руснака
на работническата класа, чак до първите й битки срещу автокрацията през декември 1905 г.
За да се запознае задълбочено с живота на работниците, Касаткин прекарва седем години
Ходих в мините в Донецк, събирах тук материал за скици и трупах впечатления.
Това му даде възможност пълноценно и всестранно, с голяма художествена сила
изобразяват живота и работата на миньорите. Но не само темите за тежкия труд на миньорите, не
представлява само тежкото положение на тежко експлоатираните трудещи се
съдържанието на картините на Касаткин. За да видите това, просто погледнете
някои скици на миньори, например на известната "Шахтарка" (1894) или на
"Шофьорът на миньорски вагон" (1894); работници боядисани в сурови цветове, в техните жалки
парцали, покрити с въглищен прах, за художника преди всичко хора, хора
волеви, изпълнен със сила на духа, несломен човешко достойнство. Централна
картина от тази серия „Въглищни миньори. Промяна“ (1895) отразява нарастващата сила
руски пролетариат; в пламтящия поглед прозира пряка заплаха за поробителите
Главният герой на картината е чернобрад убиец на гиганти. Във филма "Трудно"
(1892) е изведен млад работник, който се посвещава на революционната борба за права
от вашия клас; Самият художник първоначално е дал заглавието на тази творба
"Буревестник". Нищо чудно, че когато селекционерът С. Морозов придоби тази картина на Касаткин
за колекцията му, друг капиталист го упрекна, че подкрепя този вид
изкуство: „Какво правиш? Режеш клона, на който седиш.” Тази оценка
ясно показва революционното влияние на такива
върши работа.
За Касаткин беше съвсем естествено да се покръсти по време на първия руски
революция към темите за въоръжената борба на работническата класа.
До тези майстори, макар и малко встрани от тях, работеха най-големите
Руски реалисти от началото на 20 век - В. А. Серов. Подобно на I.E. Репин, студент и
чийто приемник той е, Серов влиза в историята на руското изкуство като
художник с изключителна дълбочина и многостранност, който блестящо изпробва своите
сила в почти всички жанрове на живописта и графиката. Но най-високите му постижения
принадлежат към портретната зона.
Цяла епоха е събрана в портретната галерия на неговите съвременници, създадена от него.
Ранните творби на Серов от осемдесетте години - "Момиче с праскови" (1887) и
„Момичето, озарено от слънцето“ (1888) - изпълнено със слънчево, ярко възприятие
свят, това е истинска песен за младостта на човека, за неговата духовна чистота, за радостта
живот. С годините изкуството на художника става все по-сурово и строго, жизнено

разкрива му се в своите противоречия, в социални контрасти. Но въпреки че е вярно
Тя често се оказва огорчена - Серов никога не я предава. непоклатим
правдивостта на убеден реалист, неумолимата вярност на окото и ръката не напускат
Серов и след това,
когато трябва да портретира представители
управляващите класи (и художникът трябваше да работи много според техните поръчки); тях
Той дава на всички най-безмилостни характеристики в своите портрети. Художникът М.В.
Нестеров говори за отношенията между Серов и неговите клиенти: „Той им се подиграваше
с четка. Не разбирам как самите те не са го забелязали! Изненадан съм как го приеха
Тези портрети са от него!“
Серов разкрива наглото самочувствие и грубостта на индустриалците и банкерите,
празнотата и бездушието на дамите, облечени в кожи и диаманти висшето общество, вътрешен
незначителност на сановната аристокрация... Със своите портрети, разобличаващи истинската
същността на всички тези Морозови, Гиршмани, князе Голицин и Юсупов, художник
произнесе тежка присъда над стария, умиращ свят. Всичко това " силни на светатова"
той контрастира образи обикновените хораот народа (“Баба с кон”) и образи
прогресивни дейци на руската култура - онези, с чиито имена се гордеем и днес
нашата страна: Станиславски, Ермолова, Репин, Чехов, Шаляпин - това са хората, които
на чиято страна има огромно уважение и искрена любов към художника. Вече предния ден
на самата революция, през 1904 г. Серов създава силен, романтично извисен
портрет на Максим Горки; художникът изрази своето горещо съчувствие към това
към новия свят, чийто представител беше великият Буревестник на революцията.
Говорейки за новия етап в развитието на руското изкуство, трябва да се отбележи, че развитието
а задълбочаването на реализма в него вървеше не само чрез разширяване на тематиката и обръщане към
нови явления на реалността, но и по пътя на разширяване и обогатяване
художествени средства за отразяване на тази действителност. Това се доказва от
монументални форми и мощно писане на картини на Репин и Суриков, специална трогателност
характеристики на човек в портретите на Серов, пронизани със светлина и въздух
живописна тъкан от късните пейзажи на Левитан. Креативността свидетелства за същото.
майстори от по-скромен мащаб - плеяда пейзажисти, появили се по това време,
наследници на славната традиция на руския пейзаж от втората половина на 19 век. Тези
художници - С. Виноградов, С. Жуковски, А. Рилов, К. Юон, И. Грабар, Л.
Turzhansky, V. Byalynitsky Birulya и други - се стремят да изразят свежест и
трепетът от прякото усещане на природата, тези фини нюанси на настроението,
които събужда в човека. Вашите поетични чувства са енергични,
весели, мажорни, после замислено лирични - те предават характерната широка,
по обобщен, богат изобразителен начин, който не противоречи на израза навсякъде
пълнотата на творческата индивидуалност на художника.
Тук, разбира се, Константин Коровин не може да остане мълчалив:
прекрасен художник и най-добрият колорист, пейзажист, портретист и занаятчия
театрално сценично изкуство, той остави незаличима следа в развитието

Руска художествена култура. „Картините на Коровин“, пише К. Ф. Юон, „
фигуративно въплъщение на щастието и радостта от живота на художника. Те го махаха и му се усмихваха
всички цветове на света."
Освен споменатите по-горе артисти, цяла линиязанаятчии, работили в разни
жанрове, въведе нов, свеж поток в развитието на руското изкуство от онова време: тънък
и оригиналния исторически художник А. П. Рябушкин; ученик на И. Е. Репин,
жанров художник и брилянтен портретист Б. М. Кустодиев; пейзажист и анималист A.S.
Степанов; скулптори П. П. Трубецкой, А. С. Голубкина, И. Я. Гинзбург... Списък
бихме могли да продължим.
... Удари 1905 година.
Началото на революционната буря вдъхнови много напреднали художници. Следване
чувство за граждански дълг, те взеха четка и молив, за да
заснемат събитията, които ги вълнуват.
Възползвайки се от объркването и временното отслабване на царската цензура, те започнаха
активна работа като график. Един след друг политически
списания: “Machine Gun”, “Sting”, “Bug”, “Spectator”, “Hell Mail” и др. В тях
Обвинителни графики и политически карикатури заемаха видно място. При остър
в разбираеми рисунки художниците гневно осмиват самия цар и неговите министри
заклеймени царските палачи - организаторите на черностотните погроми, удушвачите
революция. Атмосферата на социален подем завладява дори такива художници като
които преди това бяха далеч от политиката. V.A. работи в сатирични списания.
Серов, Е. Е. Лансере, М. В. Добужински, Б. М. Кустодиев и др.
Художниците също се обръщат към революционните теми с голям ентусиазъм.
Най-старият скитник В. Маковски и младият ученик на Репин И. Бродски
заснема екзекуцията на 9 януари и погребението на жертвите на Кървавата неделя.
С. Иванов работи много и упорито през октомврийските и декемврийските дни на 1905 г.
които правеха скечове и скечове по време на митинги, по улиците и площадите на бунта
Москва. В драматична, остро композирана и стегнато написана картина
„Екзекуция“ той изобразява клането на царските войски над невъоръжена тълпа. Другото му
Картината изобразява пристигането на наказателен отряд в селото.
Репин също реагира на революционните събития с редица скечове („Червено погребение“,
„На царската бесилка“ и др.). Вярата в светлото бъдеще на хората не напусна
забележителен художник и след поражението на Първата руска революция. "Аз вярвам,
какво друго Русия ще живее интелигентно и весело, когато захвърли бюрократичното
игото, което толкова време убива инициативата на най-способните със злокачествен рак
хора“, пише Репин в едно от по-късните си писма.
Събитията от 1905 г. направиха огромно впечатление на В. А. Серов. Той скицира всичко
нещо, на което самият той е бил очевидец: разстрелът от войници на шествие от работници, погребение

Бауман... Той обобщи тези впечатления в картина, която изобразява ускорението
демонстрации на отряд казаци; името на тази песен звучи с болка и горчива ирония
картини: „Войници, храбри момчета, къде е вашата слава?“ Възмущението на Серов
престъпните действия на царското правителство доведоха до най-отровната карикатура
на цар Николай Кървавия. В знак на протест срещу избиването на царските войски над
Работниците в Санкт Петербург Серов предизвикателно напуснаха Академията на изкуствата,
тъй като неин президент беше същият велик княз, който командваше екзекуцията
9 януари. По-късно поканата за рисуване на портрети на членовете кралско семействоСеров отговори:
"Вече не работя в тази къща." Изискваше се много гражданска смелост
художник такива стъпки!
Голяма поредица от картини и скици, започната от Н. А. Касаткин, датира от 1905 г. тях
е замислен като вид художествена хроникареволюционни събития. ОТНОСНО
съдържанието на тези произведения, изпълнено с патоса на борбата, е изразително изразено от тях
заглавия: „9 януари“, „Сутринта на погребението на Бауман“. „Последното пътуване на един шпионин“, „Обаждане до
въстание”, „Московско въстание”, „Нападение на фабриката от работнички”. Чудесно в това
серия от портретни скици „Работническо действие“ - изображение, пропито с романтика
барикадни битки.
Много интересен художник от това време е Лукиян Попов, в неговите творби
който изобразява и образи на революционери. Особено важна е картината му „В
село"; това изобразява селско въстание, водено от млад работник
(снимката носеше и друго заглавие, очевидно забранено от цензурата: „Стани,
ставай!").
Изображения, нарисувани от художници в произведения от периода на първия руски
революция, особено в картините на Н. Касаткин (“Работник боец”) и Л. Попов
(“Стани, стани!”, “Социалист”), отекват образите на безсмъртното
Разказът на М. Горки "Майка".
Всичко това показва, че под влиянието на революционната буря от 1905-1907г
напредналите руски художници създадоха много произведения, които бяха нови ценности
принос към руското изкуство.
Вярно е, че много от техните творби остават скици, скици и бързи скици.
Художниците бяха възпрепятствани да преминат към разработването на обобщени завършени картини
поражението на революцията и началото на реакцията.
Както всички най-добри руски хора, майсторите на изкуството приеха сериозно поражението
революция. Надеждите за обновление на обществото са отложени за неопределено време,
да премахне стария несправедлив ред и да установи нов ред. чувства
болката и разочарованието оставят своя отпечатък върху творбите им. това е например
последно голяма картинаВ. И. Суриков „Степан Разин” (1907). Тук всичко е типично
- както самата тема, взета от историята на селските движения в Русия, така и решението на това

теми: страховитият вожд е изобразен потънал в тежък размисъл, сякаш в предчувствие
трагичен край на бизнеса му.
Годините на реакцията оказаха тежко влияние върху съдбата на руското изкуство и значително отслабнаха
расте в него прогресивни тенденции, го доведе до дълбока криза. Сам
художниците рязко намалиха творческата си активност, други се отдалечиха от
социално остри теми за рисуване на незначителни, безпринципни.
Настъпилата политическа и идеологическа реакция определя развитието на изкуството
различни декадентски, формалистични движения.
И в предишния период реалистичната посока никак не беше лесна, не без
тежката борба спечели своите победи.
ако се има предвид,
Сложността на ситуацията в руското изкуство от втората половина на 19-ти и началото на 20-ти век
едва тогава става ясно
какво е реалистично,
демократичното изкуство трябваше да води непрекъсната борба с враждебното
реалистични движения, които се радваха на силна подкрепа от мейнстрийма
класове. В средата на втората половина на 19 век такова движение е академизмът, против
която тогава беше изпълнена от артистите от шейсетте и Странниците. В края на века
влошаването на обществено-политическата обстановка в Русия става все по-напрегната
и борба в изкуството. За разлика от напредналите, реалистични, силно идеологизирани
възниква изкуство, което се стреми да избяга от този „неспокоен“ живот,
отвърнете се от належащите и значими проблеми на нашето време. От 1890 г
години започват да се разпространяват декадентски, т. нар. декадентски течения, в
до голяма степен имитира реакционни чужди течения - символизъм и
модернизъм.
Влиянието на тези декадентски тенденции остави своя отпечатък върху работата дори на мнозина
големи артисти, като например един от най-ярките и
уникални руски художници от предреволюционната епоха, многостранен майстор
огромни, но далеч не напълно реализирани възможности, М. А. Врубел.
Удивителен със силата на фантазията, необикновена емоционална сила, неподражаем
цвят, образи на Врубел, който често се обръща към мотивите на фолклора, фолк
епос („Пан“, „Княгиня Волхова“, „Богатир“, „Русалки“) или литература („Княгиня
Лебед”, „Пророк”, „Демон”), стремеж към решение чрез средствата на визуалното
изкуство на дълбоки общофилософски и морални проблеми, разкриващи същевременно
трагичната непоследователност на търсенето на художника, неспособен да го намери в заобикалящото
неговият истински отговор на въпросите, които го измъчваха.
Работата на друг изключителен майстор - К. Коровин - имаше отрицателно въздействие
влиянието на импресионизма, което му пречи да създава мащабни, мащабни произведения
публично звучене, което би позволило още по-широко, по-дълбоко и всеобхватно
отвори се за брилянтния му талант.

Редица художници, поели по пътя на отклонение от демократичните традиции
групирани около сп. “Светът на изкуството”. Много от тях се придържаха
естетически възгледи за изкуството. Отвръщайки се от живата реалност, те
черпят мотиви от далечното минало, обръщайки се към епизоди от двора
ежедневието на 18 век, изобразявано обаче често не без иронична усмивка. Това беше
болезнено изискано изкуство, което водеше в тесния свят на дворцовите паркове,
благороднически имоти, арлекини и маркизи, кринолини и напудрени перуки. Теоретици
Тази група твърди, че целта на изкуството изобщо не е да отразява живота, а не да
в служба на хората, че съществува сама по себе си и трябва да бъде „изкуство за
изкуство“, обект на наслада за малцина избрани ценители и ценители,
желание да се скрие от „неприятната“ реалност.
И въпреки че много участници в „Светът на изкуството” успяха да преодолеят едностранчивостта и
малоценността на такива възгледи, създават много художествена стойност,
и редица художници, в чието творчество здравословният реалистичен подход се оказва силен
основа, впоследствие навлиза в съветското изкуство и работи плодотворно в него (E.E.
Lansere, B. M. Kustodiev, A. P. Ostroumova Lebedeva и др.) - все още обективен
Дейността на Света на изкуството, особено критичната и публицистичната, противоречи
демократичните традиции на руското изкуство.
В началото на 20 век, с навлизането на Русия в периода на империализма, кризата на буржоазната
културата и изкуството непрекъснато се задълбочават; обаче в руската живопис все още имаше
сили, способни да устоят на декадентската лудост. Серов, Суриков, Касаткин и
други художници реалисти твърдо заемат позициите си в изкуството.
Прогресивните художници, писатели и общественици се борят енергично срещу
разпространението на вредни упадъчни теории, срещу изкуството на упадъка и модерността.
През тези и следващите години великият Ленин публикува брилянтни произведения, които
фундаментално значение за развитието на марксистко-ленинската естетика
(„Материализъм и емпириокритицизъм”, статия „Партийна организация и партия
литература”, статия за Л. Толстой и др.).
Г. В. Плеханов представи редица изключителни произведения. В тях той защитаваше неразривното
връзката между изкуството и социалния живот, застъпва се за идеологично, реалистично изкуство,
отговарящи на интересите на пролетарската борба. Голямо значениеимаше статии от М.
Горки, насочен срещу упадъчните явления в литературата и изкуството. Преди
последните дни от живота си той пламенно се обявява срещу упадъчното изкуство
защитник на реализма В. В. Стасов; заглавията на статиите му са “Бедни духом”, “Съединение
прокажени“ – показват колко остро и непримиримо жигоса той своите
опоненти.
Поражението на Първата руска революция промени ситуацията и съотношението на силите към
арт фронт.

Когато революцията беше във възход, напредналите художници черпеха от демократичните
възходът на общество със сила да се противопостави на покваряващото влияние на буржоазата
земевладелска "култура". Но след потушаването на революцията, в атмосфера на реакция, когато
значителна част от интелигенцията се отвърна от революцията, много художници
се отдалечиха от предишните си идеали. Артистичният младеж все повече се поддаваше
активна пропаганда на всякакъв вид чужд модни тенденции, "теоретици"
които по всякакъв възможен начин хулеха руското класическо изкуство (и на първо място
peredvizhniki), похвален най-новата картинабуржоазен Запад и нар
съсредоточете се само върху него, захвърляйки наследството на напредналата демокрация
изкуство.
Руското изкуство беше залято от различни формалистични течения. Артистичен
животът през 1910-те години представя пъстра картина на борбата на многобройни тогава
възникващи, понякога разпадащи се, понякога по-стабилни, понякога ефимерни, но винаги
изключително напористи и шумни артистични групи. В интерес на истината
творби на всякакви лъчисти, футуристи, супрематисти и др
така наречените левичари, чиито „нововъведения“ понякога ставаха най-диви и абсурдни
форми, нямаха никаква художествена стойност и бяха като небето от земята,
далеч от истинското изкуство.
Въпреки това през десетилетието между Първата руска революция и октомври
През 1917 г. има и творци, които без да оставят оръжието,
поддържаше традициите на реализма.
През тези години, макар и силно намалени, кадрите на онези художници реалисти оцеляха,
които дори по време на господството на формализма продължават да развиват традициите
демократично руско изкуство (Н. Касаткин, В. Бакшеев, А. Рилов, А.
Архипов, В. Мешков, С. Малютин, К. Юон, И. Бродски, Н. Андреев, С. Коненков и
друго). Всички те продължиха да работят успешно и след революцията, като станаха най-видните
майстори на съветското изобразително изкуство. Появиха се като живи
свързващо звено между нашето дореволюционно реалистично изкуство и
съветска живопис.
Асоциацията на пътуващите изложби, въпреки че е загубила предишното си значение, все още съществува
продължава да съществува по това време и дори в първите години след Великия
октомврийска революция. Интересно е да се отбележи, че предпоследната, 47-ма изложба
Peredvizhniki през 1922 г. послужи като основа за организирането на AHRR (Асоциация
художници на революционна Русия) - първото сдружение на съветските художници
реалисти. Също така е важно, че първият, на когото съветското правителство
удостоен с високото звание народен артист на републиката, имаше трима скитници
- Касаткин, Архипов и Поленов.
Но съветското изкуство е свързано с руската реалистична школа от 19-ти и началото на 20-ти век
векове не само това. Тяхната неразривна връзка се определя от факта, че по-рано съветската
изкуството наследява и развива най-добрите традиции на руското класическо изкуство,

ги отвежда до нови висоти. Без плодотворно критично изследване и развитие
тези традиции съветското изкуство не можеше да върви напред толкова успешно,
Вярно, в много отношения това движение беше „по инерция“. Безкористна любов към родината и
родни хора, готовност да дадат всички сили в борбата за своето светло бъдеще, дълбок
идейност с високо реалистично художествено майсторство, неподправен
националност и хуманизъм - това са най-важните от тези прекрасни традиции, завещани
ни руската национална школа по живопис.

В историята на нашата родина границата от 19-ти и 20-ти век е изпълнена с огромно обществено-историческо съдържание. Това е времето, когато, според В. И. Ленин, започва „буря“, „движение на самите маси“ - нов, пролетарски етап от руското освободително движение, белязан от три революции, последната от които, Великата Октомврийската социалистическа революция откри нова ера в историята на Русия и в историята на цялото човечество. Но пътят, който доведе до Октомврийската революция, беше неясен път.
Краят на 19-ти и първите години на 20-ти век са, от една страна, време на брутална политическа реакция, на потискане на всяка свободна мисъл; от друга страна, това е времето на началото на организираната борба на работническата класа, разпространението на марксизма в Русия, времето, когато Ленин полага основите на марксистката революционна работническа партия.
През тези години започва нов социален подем, който преминава под знака на подготовката на първата руска революция.
Наближаваше първият натиск на народната буря. Центърът на световното революционно движение се премества в Русия.
Засилването на освободителното движение засяга всички области Публичен живот. По-нататъшно развитие получи и руската демократична култура, вдъхновена от благородни освободителни и патриотични идеи. Науката, литературата и изкуството постигнаха нови блестящи успехи.
През 1890-те години продължават да работят най-големите майстори, започнали кариерата си в предишния период - Репин, Суриков, Шишкин, Васнецов, Антоколски и др.
Прогресивни творци, верни на своя народ, тясно свързани с неговия живот, те не останаха настрана от общия подем. Новите прогресивни обществени идеали намериха жив отговор в тяхното творчество и им позволиха да обогатят съкровищницата на руската култура с нови прекрасни произведения.
Продължавайки най-добрите демократични традиции на националната художествена школа, тези изключителни майстори ги доразвиват в съответствие с новите изисквания на времето. Те чувствително възприемаха и отразяваха със средствата на своето изкуство новопоявилите се социални проблеми, свързани с пробуждането на народните сили, издигаха нови теми и образи, внасяха ново съдържание в произведенията си.
Така още през деветдесетте години изкуството ни се обогатява с редица творби, белязани с принципно нови черти. Това са платна в монументален, героичен стил, в които с огромна сила са въплътени типични образи на народни герои и са изразени национално-патриотични идеи - гордост за руската земя и руския народ, неговото славно минало и великата му историческа роля. Това са "Богатирите" (1881 - 1898) на В. Васнецов и "Казаците" (1878-1891) на Репин, "Завладяването на Сибир" (1895) и "Преминаването на Суворов през Алпите" (1899) на Суриков; Тези картини са пропити от убеждението на художниците, че историята се твори не от личности, а от масите, че именно хората са героите и вършителите на историческите подвизи. В. В. Верешчагин също говори за националния подвиг в голяма поредица от исторически картини на тема Отечествената война от 1812 г. (1889-1900), където Наполеон и неговата армия са противопоставени на руския народ, който се надигна да се бори за своята националност независимост. Една от картините от поредицата, наречена „Не се колебайте, нека дойда...” (1895 г.), изобразява засада на селяни партизани, тези прости и незнайни патриоти, с чиито ръце е нанесен смъртоносен удар на чуждото нашественици.
Всички тези произведения са обединени от едно чувство, една идея, която е в основата им - идеята за прослава на родината, на народа. Разнородните народни маси се явяват в тях вече не потиснати и унизени: те са самият народ, който се е издигнал на велики дела и пълен с героична сила и нравствена сила решава съдбините на своята родина.
Гореспоменатите картини са придружени от монументални сибирски и уралски пейзажи на А. Васнецов, създаващи величествен образ на руската природа, а някои късни работиИ. Шишкин (“Корабна горичка”, 1898), статуята “Ермак” от М. Антоколски (1891) и др.
Ясно е, че само в страна, където назряваше народна революция, където, свидетелствайки за пробуждането на масите за борба, „голямото народно море кипеше, развълнувано до дълбините“, можеше темата за хората са така поставени в изкуството и получават такова решение. Чувствително улавяйки тези далечни тътени на наближаващата революционна буря, напредналите руски художници усещаха все по-голяма вяра в силата на народа и черпеха от тази вяра своя социален оптимизъм, който придаде съвсем нов цвят на техния творчески мироглед. Демократи по своите убеждения, тясно свързани с народа, проницателни наблюдатели на живота, тези майстори на руското изкуство дълбоко усетиха биещия пулс на модерността и макар самите те понякога да не осъзнаваха връзката между съдържанието на своите произведения и тази модерност , въпреки това беше отразено в платната на историческа тема и дори - в известен смисъл - в пейзажи. Това беше предчувствие за някакви големи промени, същото очакване на голяма гръмотевична буря, което беше изразено от А. П. Чехов с думите на един от неговите герои: „Настъпи времето, маса се приближава към всички нас, здрава, силна готви се буря, която идва, вече е близо и мързелът, безразличието, предразсъдъците към работата, гнилата скука скоро ще бъдат издухани от нашето общество...”
По-пряко и непосредствено отражение на новия етап на социална борба беше намерено в творчеството на друга група художници, които се обърнаха към сцени от живота на пролетариата и бедното селячество; Именно техните четки създават първите картини на класови битки в града и провинцията в покрайнините на първата руска революция; те отразяват това в своите творби и събитията от 1905 г.
Продължавайки традицията на Передвижниците, художниците от така нареченото по-младо поколение на Передвижниците - С. Коровин, С. Иванов, А. Архипов, Н. Касаткин и др. - правдиво осветяват живота на руското село в предреволюционното време от 1905 г. Дълбокото познаване на народния живот, духовното състрадание към нещастията и лишенията на селската беднота им помагат да създадат произведения, изпълнени с голяма истина: жизнена истина и остър социален резонанс.
Така в картината на С. Коровин „На света” (1893) за първи път в нашата живопис е показан остър конфликт, типичен за руското село от онова време: на селско събрание беден селянин, бивш крепостник, съсипан от реформи, напразно се опитва да постигне справедливо разрешаване на въпроса от своя страна. земевладелецът, на когото никой не смее да противоречи, му се смее подигравателно...
Първите си картини С. Иванов посвещава на изселените селяни. Със сурова правдивост той изобразява ужасната участ на бедните, които гладът прогонва от мизерните им участъци и ги принуждава да се скитат из страната в търсене на парче хляб. Отчаяното положение на заселниците, смъртта на заселниците в степта, затворниците в затвора, избягалите затворници - това са темите на неговите картини. Но скоро С. Иванов започва да вижда и нещо друго - началото на революционен кипеж, обхващащ все повече низовете на народа. Художникът изобразява народнически агитатор, който тайно разпространява нелегална литература на селяните; скицира студентски вълнения в Московския университет. Той също така притежава първите изображения в руската живопис на селско въстание („Въстание в селото“, 1889) и класовата борба на пролетариата: „Бягството на директора от фабрика по време на стачка“ (края на 1880-те) и „Стачка“ (1903 г.). Естествено, впоследствие С. Иванов се озова сред онези художници, които в паметните дни на 1905 г. запечатаха събитията от Първата руска революция.
А. Е. Архипов, отличен художник, майсторски владеещ начина на широка, богата, цветна живопис, също работи в традицията на пътешествениците-писатели на ежедневието. Архипов в своите картини от живота на бедното селячество третира тази тема с голяма проницателност и топлина („На Волга“, 1888-1889; „Покрай река Ока“, 1889; „Ледът си отиде“,
1894-1895). Безрадостната партида на работещите жени - това е съдържанието на картината „Чармен в леярна за желязо“ (1895-1896). Картината на Архипов „Перачки“ (края на 1890-те), веднъж видяна, е трудно да се забрави; с такава впечатляваща сила той изобразява образите на работнички, изтощени от тежък труд в бедняшките квартали на капиталистическия град. Тук ясно се чува гласът на протеста на артиста-демократ.

2. Оригиналността на руската живопис от края на XIX - началото на XX век

С кризата на популисткото движение през 90-те години „аналитичният метод реализъм XIXв.”, както се нарича в руската наука, остарява. Много от художниците от Передвижниците претърпяха творчески упадък и се оттеглиха в „дребните теми“ на забавлението. жанрова живопис. Традициите на Перов са запазени най-вече в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура благодарение на преподавателската дейност на такива художници като С. В. Иванов, К. А. Коровин, В.А. Серов и др.

Илина Т.В. смята, че през този труден период за страната, за художниците от началото на века, други методи на изразяване, други форми стават характерни художествено творчество- в образи, които са противоречиви, сложни и отразяват съвременността без илюстративност и повествователност. Художниците мъчително търсят хармонията и красотата в свят, който е фундаментално чужд както на хармонията, така и на красотата. Ето защо мнозина виждаха мисията си в култивирането на чувство за красота. Това време на „навечерия“, очаквания за промени в обществения живот, породи много движения, сдружения, групировки, сблъсък на различни мирогледи и вкусове. Но също така породи универсализма на цяло поколение художници, появили се след „класическите“ Передвижници. Достатъчно е да посочим само имената на В.А. Серов и М.А. Врубел.

Критиците на изкуството отбелязват, че жанровата живопис се развива през 90-те години, но се развива малко по-различно. Така селската тема се разкрива по нов начин. Разцеплението в селската общност е подчертано и обвинително изобразено от Сергей Алексеевич Коровин (1858-1908) във филма „На света“ (1893, Третяковска галерия). Абрам Ефимович Архипов (1862-1930) успя да покаже безнадеждността на съществуването в тежка, изтощителна работа във филма „Перачките“ (1901, Третяковска галерия). Той постигна това през до голяма степенблагодарение на нови изобразителни открития, новоразбрани възможности за цвят и светлина.

Липса на съгласие; „подтекст“, сполучливо намерен изразителен детайл прави още по-трагична картината на Сергей Василиевич Иванов (1864-1910) „По пътя. Смъртта на емигрант“ (1889, Третяковска галерия). Стрелките, които стърчат, сякаш издигнати в писък, драматизират действието много повече от изобразения мъртвец на преден план или жената, виеща над него. Иванов притежава една от творбите, посветени на революцията от 1905 г. - „Екзекуция“. Тук е запазена импресионистичната техника на „частична композиция“, сякаш произволно изтръгната рамка: очертани са само редица къщи, редица войници, група демонстранти, а на преден план, на огрян от слънце площад, е фигура на мъртвец и куче, бягащи от стрелба. Иванов се отличава с остри светлинни и сенчести контрасти, изразително очертание на обектите и известна плоскост на изображението. Езикът му е лапидарен.

През 90-те години на XIX век. Изкуството включва художник, който прави работника главен герой на своите произведения. През 1894 г. се появява картина на Н.А. Касаткина (1859-1930) „Миньор“ (Третяковска галерия), през 1895 г. - „Въглищари. Промяна",. С. В. Иванов. "На пътя",. „Смърт на мигрант“. 1889 1TG 237

В края на века в историческата тема е очертан малко по-различен път на развитие от този на Суриков. Например, Андрей Петрович Рябушкин (1861-1904) работи в историческия жанр, а не в чисто историческия жанр. „Руски жени от 17-ти век в църквата“ (1899, Третяковска галерия), „Сватбен влак в Москва. XVII век“ (1901, Третяковска галерия), „Те отиват. (Москвичи по време на влизането на чуждестранно посолство в Москва в края на 17 век)” (1901, Руски музей), „Московска улица от 17 век на празник” (1895, Руски музей) и др. са ежедневни сцени от живота на Москва през 17 век. Рябушкин беше особено привлечен от този век с неговата джинджифилова елегантност, полихромия и шарки. Художникът естетически се възхищава на отминалия свят на 17 век, което води до фина стилизация, далеч от монументализма на Суриков и неговите оценки на исторически събития.

Аполинарий Михайлович Васнецов (1856-1933) обръща още повече внимание на пейзажа в своите исторически композиции. Любимата му тема също е 17 век, но не битови сцени, а архитектурата на Москва. („Улица в Китай-Город. Началото на 17 век“, 1900 г., Руски музей). Картина „Москва в края на 17 век. На разсъмване пред вратата на Възкресението“ (1900 г., Третяковска галерия) може да е вдъхновен от въведението към операта „Хованщина“ на Мусоргски, за която Васнецов наскоро е завършил скици на декорите.

Нов типкартини, в които на съвременно изкуствоНародните художествени традиции са създадени от Филип Андреевич Малявин (1869-1940), който в младостта си учи иконопис в Атонския манастир и след това учи в Художествената академия при Репин. Неговите образи на „жени” и „момичета” имат определено символично значение- здрава почва на Рус. Неговите картини винаги са експресивни и въпреки че това са като правило стативи, те получават монументална и декоративна интерпретация под четката на художника. „Смях“ (1899, Музей на модерното изкуство, Венеция), „Вихър“ (1906, Третяковска галерия) са реалистично изображениеселски момичета, които се смеят заразително шумно или тичат неудържимо в хоро, но това е различен реализъм от втората половина на века. Картината е широка, схематична, с текстуриран мазък, формите са обобщени, няма пространствена дълбочина, фигурите обикновено са разположени на преден план и запълват цялото платно.

Малявин съчетава в живописта си изразителен декоративизъм с реалистична вярност към природата.

Михаил Василиевич Нестеров (1862-1942) се обръща към темата за Древна Рус, подобно на редица майстори преди него, но образът на Рус се появява в картините на художника като някакъв идеален, почти омагьосан свят, в хармония с природата, но изчезнал завинаги като легендарния град Китеж . Това изострено усещане за природата, насладата от света, от всяко дърво и стръкче трева са особено ясно изразени в един от най- известни произведенияНестеров от предреволюционния период - „Видение за младежта Вартоломей“ (1889-1890, Третяковска галерия).

Преди да се обърне към образа на Сергий Радонежски, Нестеров вече е проявил интерес към темата за Древна Рус с творби като „Христовата невяста“ (1887, неизвестно местоположение), „Отшелникът“ (1888, Руски руски музей; 1888- 1889, Третяковска галерия), създавайки образи на висока духовност и тихо съзерцание. Той посвещава още няколко творби на самия Сергий Радонежски („Младостта на св. Сергий“, 1892-1897, Третяковска галерия; триптих „Творения на св. Сергий“, 1896-1897, Третяковска галерия; „Сергий Радонежски“, 1891 г. -1899, Държавен руски музей).

В стремежа на художника към плоска интерпретация на композицията, елегантност, орнаментика и изтънчена изтънченост на пластичните ритми е очевидно несъмненото влияние на Арт Нуво.

Стилизацията, която като цяло беше толкова характерна за това време, също засегна до голяма степен стативите на Нестеров. Това може да се наблюдава в една от най-добрите картини, посветени на съдбата на жените, „Големият тун” (1898 г., Руски музей): умишлено плоски фигури на монахини, „монаси” и „бели”, обобщени силуети, сякаш бавен ритуален ритъм от светли и тъмни петна - фигури и пейзаж със светли брези и почти черни смърчове. И както винаги при Нестеров, пейзажът играе една от главните роли. Самият пейзажен жанр също се развива по нов начин в края на 19 век. Левитан всъщност завърши търсенето на странстващите в пейзажа. В края на века трябваше да се каже нова дума от K.A. Коровин, В.А. Серов и М.А. Врубел.

Още в ранните пейзажи на Константин Алексеевич Коровин (1861-1939) се решават чисто изобразителни проблеми - да се рисува сиво върху бяло, черно върху бяло, сиво върху сиво. „Концептуалният“ пейзаж (терминът на М. М. Аленов), като този на Саврасов или Левитанов, не го интересува.

За блестящия колорист Коровин светът изглежда като „бунт от цветове“. Щедро надарен от природата, Коровин се занимава както с портрети, така и с натюрморт, но не би било погрешно да се каже, че пейзажът остава любимият му жанр. Той пренася в изкуството силните реалистични традиции на своите учители от Московското училище по живопис, скулптура и архитектура - Саврасов и Поленов, но има различен поглед върху света, поставя други задачи.

Щедрият артистичен талант на Коровин се проявява блестящо в театралната и декоративна живопис. Като театрален художник той работи в Театър Абрамцево (а Мамонтов може би е първият, който го оценява като театрален артист), в Московския художествен театър, в Московската частна руска опера, където започва приятелството му с Шаляпин за цял живот, в предприятие Дягилев. Коровин повдигна театрална декорацияи значението на артиста в театъра на ново ниво, той направи цяла революция в разбирането за ролята на артиста в театъра и оказа голямо влияние върху съвременниците си с цветните си, „зрелищни“ декорации, разкриващи самата същност на музикалното изпълнение.

Един от най-големите художници, новатор на руската живопис в началото на века, според Г. Ю. Стернин, е Валентин Александрович Серов (1865-1911). Неговите „Момиче с праскови” (портрет на Веруша Мамонтова, 1887, Третяковска галерия) и „Момиче, озарено от слънцето” (портрет на Маша Симанович, 1888, Третяковска галерия) представляват цял ​​етап в руската живопис. Серов е възпитан сред изключителни фигури на руската музикална култура (баща му е известен композитор, майка му е пианистка), учи при Репин и Чистяков, изучава най-добрите музейни колекции в Европа и след завръщането си от чужбина става част от кръг Абрамцево.

Образите на Вера Мамонтова и Маша Симанович са пронизани от усещане за радост от живота, светло усещане за битие и ярка, победоносна младост. Това е постигнато чрез "лека" импресионистична живопис, която се характеризира с "принципа на случайността", извайвайки формата с динамичен, свободен ход, създавайки впечатление за сложна светлинно-въздушна среда. Но за разлика от импресионистите, Серов никога не разтваря обект в тази среда, така че да се дематериализира, неговата композиция никога не губи стабилност, масите винаги са в баланс. И най-важното е, че не губи интегралните обобщени характеристики на модела.

Серов често рисува представители на художествената интелигенция: писатели, художници, художници (портрети на К. Коровин, 1891, Третяковска галерия; Левитан, 1893, Третяковска галерия; Ермолова, 1905, Третяковска галерия). Всички те са различни, той ги тълкува дълбоко индивидуално, но всички те носят светлината на интелектуална изключителност и вдъхновение. творчески живот. Фигурата на Ермолова прилича на антична колона или по-скоро на класическа статуя, което е допълнително подсилено от вертикалния формат на платното. Но основното си остава лицето – красиво, гордо, откъснато от всичко дребнаво и суетно. Оцветяването се основава на комбинация от само два цвята: черно и сиво, но в много нюанси. Тази правдивост на образа, създадена не чрез разказ, а чрез чисто изобразителни средства, съответстваше на самата личност на Ермолова, която със своето сдържано, но дълбоко душевно изпълнение шокира младите хора в бурните години на началото на 20 век.

Церемониален портрет на Ермолова. Но Серов е толкова голям майстор, че, избирайки различен модел, в същия жанр на церемониален портрет, всъщност със същия изразни средствазнаеше как да създаде образ на напълно различен характер. Така в портрета на княгиня Орлова (1910-1911, "Руски музей") има преувеличение на някои детайли (огромна шапка, прекалено дълъг гръб, остър ъгъл на коляното), подчертано внимание към лукса на интериорът, предаден само фрагментарно, като изтръгната рамка (част от стол, картини, ъглова маса), позволява на майстора да създаде почти гротесков образ на арогантен аристократ.Но същата гротеска в известния му „Петър I“ ( 1907 г., Третяковска галерия) (Петър на снимката е просто с гигантски ръст), позволявайки на Серов да изобрази бързото движение на царя и придворните, абсурдно бързащи след него, води до образ, който не е ироничен, както в портрета на Орлова, а символичен, предаващ смисъла на цяла епоха. Художникът се възхищава на оригиналността на своя герой.

Портрет, пейзаж, натюрморт, битова, историческа живопис; масло, гваш, темпера, въглен - трудно е да се намерят живописни и графични жанрове, в които Серов да не е работил, и материали, които не е използвал.

Специална тема в творчеството на Серов е селячеството. В неговия селски жанр няма пътуваща социална насоченост, но има усещане за красотата и хармонията на селския живот, възхищение от здравата красота на руския народ („В селото. Жена с кон“, пастел, 1898 г. , Третяковска галерия). Зимните пейзажи с тяхната сребристо-перлена гама от цветове са особено изящни. Серов интерпретира историческата тема напълно по свой начин:

„кралски лов“ с разходки за удоволствие на Елизабет и Екатерина II бяха предадени от художник на модерната епоха, ироничен, но и неизменно възхитен от красотата на ежедневието на 18 век. Интерес към XVIII векСеров възниква под влиянието на „Светът на изкуството“ и във връзка с работата по издаването на „Историята на великия княз, царски и императорски лов в Русия“.

Трудно е веднага да се повярва, че портретът на Веруша Мамонтова и „Изнасилването на Европа“ са рисувани от един и същи майстор, Серов е толкова многостранен в еволюцията си от импресионистичната автентичност на портретите и пейзажите от 80-90-те години до модернизма в исторически мотивии композиции от античната митология.

Творческият път на Михаил Александрович Врубел (1856-1910) е по-директен, но в същото време необичайно труден. Преди Художествената академия (1880) Врубел завършва Юридическия факултет на Петербургския университет. През 1884 г. заминава за Киев, за да ръководи реставрацията на стенописите в църквата "Св. Кирил" и сам създава няколко монументални композиции. Той прави акварелни скици на рисунките на Владимирската катедрала. Скиците не бяха пренесени на стените, тъй като клиентът беше уплашен от тяхната неканоничност и изразителност.

През 90-те години, когато художникът се установява в Москва, се оформя стилът на писане на Врубел, пълен с мистерия и почти демонична сила, който не може да бъде объркан с никой друг. Той извайва формата като мозайка от остри „фасетирани“ парчета различен цвят, сякаш светещ отвътре („Момиче на фона на персийски килим“, 1886, ЯМР; „Гадателка“, 1895, Третяковска галерия). Цветовите комбинации не отразяват реалността на цветовите взаимоотношения, но имат символично значение. Природата няма власт над Врубел. Той го познава, владее го перфектно, но създава свой собствен фантастичен свят, който малко прилича на реалността. В този смисъл Врубел е антитеза на импресионистите (за които неслучайно се казва, че са същите като натуралистите в литературата), тъй като той в никакъв случай не се стреми да улови непосредствено впечатление от действителността. Той гравитира към литературни предмети, които той интерпретира абстрактно, опитвайки се да създаде вечни образи с огромна духовна сила. Така, след като се зае с илюстрациите за „Демонът“, той скоро се отдалечи от принципа на директната илюстрация („Танцът на Тамара“, „Не плачи дете, не плачи напразно“, „Тамара в ковчега“ ” и т.н.) и вече през същата 1890 г. създава своя „Седнал демон” е произведение, което по същество е безсюжетно, но образът е вечен, като образите на Мефистофел, Фауст, Дон Жуан. Образът на Демона е централният образ на цялото творчество на Врубел, основната му тема. През 1899 г. той написва „Летящият демон“, през 1902 г. - „Победеният демон“. Демонът на Врубел е преди всичко страдащо същество. Страданието в него надделява над злото и това е характеристика на национално-руската интерпретация на образа. Съвременниците, както правилно беше отбелязано, видяха в неговите „Демони“ символ на съдбата на романтичен интелектуалец, опитващ се бунтовно да излезе от реалност, лишена от хармония, в нереалния свят на мечтите, но потопен в грубата реалност на земното . Тази трагедия на художествения мироглед определя и портретните характеристики на Врубел: душевен раздор, срив в автопортретите му, предпазливост, почти страх, но и величествена сила, монументалност в портрета на С. Мамонтов (1897, Третяковска галерия), объркване, безпокойство в приказен образ„Принцесата-лебед“ (1900 г., Третяковска галерия), дори в неговите празнични по дизайн и предназначение декоративни пана „Испания“ (1894 г., Третяковска галерия) и „Венеция“ (1893 г., Държавен руски музей), изпълнени за имението на Е.Д. Dunker, няма мир и спокойствие. Самият Врубел формулира задачата си - „да събуди душата с величествени образи от дреболиите на ежедневието“.

Врубел създава най-зрелите си живописни и графични произведения в началото на века - в жанра пейзаж, портрет, книжна илюстрация. В организацията и декоративно-плоскостната интерпретация на платното или листа, в съчетаването на реалното и фантастичното, в ангажираността към орнаментални, ритмически сложни решения в творбите му от този период все повече се утвърждават чертите на сецесиона.

Подобно на К. Коровин, Врубел работи много в театъра. Най-добрите му декори са изпълнени за оперите на Римски-Корсаков „Снежната девойка“, „Садко“, „Приказката за цар Салтан“ и други на московска сцена частна опера, т.е. към тези произведения, които му дават възможност да „общува“ с руския фолклор, приказки и легенди.

Универсализмът на таланта, безграничното въображение, необикновената страст в утвърждаването на благородни идеали отличават Врубел от много от неговите съвременници.

Работата на Врубел по-ясно отразява противоречията и болезненото мятане на преходната епоха. В деня на погребението на Врубел Беноа каза: „Животът на Врубел, както сега ще остане в историята, е прекрасна патетична симфония, тоест най-пълната форма на артистично съществуване. Бъдещите поколения... ще погледнат назад към последните десетилетия на 19-ти век като „ерата на Врубел”... Именно в нея нашето време се изрази по най-красивия и най-тъжния начин, на който беше способно.”7

С Врубел навлизаме в нов век, в епохата на „Сребърния век“, последния период от културата на петербургска Русия, която е извън връзка както с „идеологията на революционизма“ (П. Сапронов), така и „с автокрацията и държавата, които отдавна са престанали да бъдат културна сила“. Възходът на руската философска и религиозна мисъл се свързва с началото на века, най-високо нивопоезия (достатъчно е да назовем Блок, Бели, Аненски, Гумильов, Георги Иванов, Манделщам, Ахматова, Цветаева, Сологуб); драматичен и музикален театър, балет; "откриване" на рус изкуство XVIIIвекове (Рокотов, Левицки, Боровиковски), древноруска иконопис; най-добрият професионализъм в живописта и графиката от самото начало на века. Но „Сребърният век“ е безсилен пред предстоящите трагични събития в Русия, която върви към революционна катастрофа, продължавайки да живее в „кулата от слонова кост“ и в поетиката на символизма.

Ако творчеството на Врубел може да се съпостави с общото направление на символизма в изкуството и литературата, въпреки че, като всеки велик художник, той разруши границите на посоката, тогава Виктор Елпидифорович Борисов-Мусатов (1870-1905) е пряк изразител на изобразителния символизъм и един от първите ретроспективисти в изобразителното изкуство изкуство на гранична Русия. Критиците от онова време дори го наричат ​​„ретроспективен мечтател“. Умирайки в навечерието на Първата руска революция, Борисов-Мусатов се оказва напълно глух за новите настроения, които бързо избухват в живота. Творбите му са елегична тъга по старите празни „благородни гнезда” и умиращи „вишневи градини”, по красиви жени, одухотворени, почти неземни, облечени в някакви вечни костюми, които не носят външни белези на място и време.

В един доста затворен кръг, изолиран от широкото обществено движение." Значителна част от селячеството, както и работническата класа, е неграмотна, въпреки че в края на 19 и началото на 20 век настъпват забележими промени в област на народното образование.Според преброяването от 1897 г. в Русия на 100 жители се падат 21 грамотни, включително 29 сред мъжете и само 10 сред жените.До 1917 г....

Същата реалност. Приматът на художествените образи и форми, които косвено изразяват съдържанието на модерността над формите на нейното пряко отражение, е основната отличителна черта на изкуството от края на 19-ти и началото на 20-ти век. КУЛТУРАТА В ПРЕДМЕТА НА ВЕКОВЕТЕ Хронологически този период се разполага между началото на 90-те години и 1917 г. Предшестват го 80-те като преходно десетилетие...

Руски художествена културачийто произход започва с класицизма, придобил мощно народно звучене, тъй като високият класицизъм, който се отразява в живописта, постепенно преминава от романтизма към реализма в руското изобразително изкуство. Съвременниците от онова време особено оценяват посоката на рисуване на руски художници, в която преобладава историческият жанр с акцент върху националните теми.

Но в същото време нямаше значителни промени в изкуството на историческата живопис в сравнение с майсторите от втората половина на 18 век и от самото начало на историята на руския портрет. Руските художници често посвещават творбите си на истински герои древна рус, чиито подвизи вдъхновяват написването на исторически картини. Руските художници от началото на 19 век създават свой собствен принцип за описание на портрети и картини, развиват свои собствени направления в живописта, в изобразяването на човека и природата, като посочват напълно независима фигуративна концепция.

Руските художници в своите картини отразяват различни идеали за национално издигане, като постепенно изоставят строгите принципи на класицизма, наложени от академичните основи. 19-ти век бе белязан от високия разцвет на руската живопис, в която руските художници оставиха за потомството незаличима следа в историята на руското изобразително изкуство, пропита с духа на цялостно отразяване на живота на народа.

Най-големите изследователи на руската живопис като цяло отбелязват изключителната роля във високия разцвет на творчеството на великите руски художници и изобразително изкуство от 19 век. Постиженията и завоеванията на живописта от 19 век, в които се показаха местни художници, са от голямо значение и уникална стойност в изобразителното изкуство; картините, създадени от руски художници, винаги са обогатявали руската култура.

Известни художници от 19 век

(1782-1836) Великолепните и изтънчени портрети на художника Кипренски му донасят слава и истинско признание сред съвременниците му. Неговите творби Автопортрет, А. Р. Томилова, И. В. Кусов, А. И. Корсаков 1808 г. Портрет на момче Челишчев, Голицин А. М. 1809 г. Портрет на Денис Давидов, 1819 г. Момиче с маков венец, най-успешният портрет от 1827 г. на А. С. Пушкин и др.

Неговите портрети отразяват красотата на вълнението, изтънчени вътрешен святобрази и състояния на ума. Съвременниците сравняват произведенията му с жанровете на лирическата поезия, поетичното посвещение на приятелите, които са били разпространени по времето на Пушкин.

Кипренски в много отношения открива нови възможности за себе си в живописта. Всеки негов портрет се отличава с нова живописна структура, добре подбрани светлосенки и разнообразен контраст. Орест Кипренски е изключителен майстор на портретното изкуство, получил особена слава сред руските художници.

(1791-1830) Майстор на руския пейзажен романтизъм и лирическа интерпретация на природата. В повече от четиридесет свои картини Шчедрин изобразява изгледи на Соренто. Забележителни сред тях са картини на квартала на Соренто. Вечерта, Новия Рим "Замъкът на Светия Ангел", крайбрежната алея Мерджелина в Неапол, Голямото пристанище на остров Капри и др.

Отдавайки се изцяло на романтиката на пейзажа и естествена средавъзприятие, Шчедрин изглежда компенсира с картините си падналия интерес на художниците от онова време към пейзажа.

Шчедрин преживява зората на своето творчество и признание. След като завършва Художествената академия в Санкт Петербург, през 1818 г. той идва в Италия и живее повече от 10 години в Рим, Неапол, Амалфи и Соренто, където прекарва последните си месеци от живота. Живял кратък, но творчески живот, Шчедрин никога не успява да се върне в Русия.

(1776-1857) Забележителен руски художник, родом от крепостни селяни. Негови известни творби са картини: Дантелецът, също Портрет на Пушкин А.С., гравьор Е.О. Скотникова, Старец - просяк, отличаващ се със светъл цвят Портрет на сина на художника. 1826 картини на Предача, Златарят, тези произведения особено привлякоха вниманието на съвременниците. 1846 г

Тропинин разработи свой независим фигуративен портретен стил, който характеризира специфичен московски жанр на живописта. По това време Тропинин става централна фигура на московския бомонд, работата му е особено отразена през 20-те и 30-те години, което му донася знаменитост.

Неговите меко рисувани портрети се отличават с високи живописни качества и лекота на възприемане, човешките образи се възприемат с характерна правдивост и спокойствие без особено вътрешно вълнение.

(1780-1847) Основателят на селския битов жанр в руската живопис, Негов известен портретЖътварка, картина > Жътвари, Момиче със забрадка, Пролет в орницата, Селянка с метличина, Захарка и др. Особено внимание може да се постави върху картината Гумно, която привлече вниманието на император Александър 1; той беше докоснат от ярките образи на селяните, вярно предадени от художника.

Художникът обичаше обикновените хора, намирайки известна лиричност в това, това беше отразено в неговите картини, показващи трудното селски живот. най-добрите му произведения са създадени през 20-те години. Венецианов е майстор на пастелни, моливни и маслени портрети и карикатури.

Стилът на работата му е ученик на Боровиковски. Неговите картини съдържат най-обикновени и прости сцени от живота на селото: селяни в ежедневна и трудна работа, обикновени крепостни момичета на жътва или мъже на сенокос или оран. Особено голямо е значението на творчеството на Венецианов в изобразителното изкуство, един от първите, който утвърждава битовия, селски битов жанр.

(1799-1852) Майстор на историческата живопис, неговата картина Последният ден на Помпей в смут, обречените жители бягат от яростта на вулкана Везувий. Картината направи зашеметяващо впечатление на съвременниците му. Той майсторски рисува светски картини, Конницата и портрети, използвайки ярки колористични моменти в композицията на картината, Графиня Ю. П. Самойлова.

Неговите картини и портрети са съставени от контрасти на светлина и сянка. . Повлиян от традиционния академичен класицизъм, Карл Брюлов придава на картините си историческа достоверност, романтичен дух и психологическа истина.

Брюллов беше великолепен майстор на церемониални портрети, в които той ясно подчерта характерни особеностимъж, В други портрети той използва по-сдържано оцветяване, портрет на изключителния руски скулптор И. П. Виталий, поет Н. В. Куколник, писател А. Н. Струговщиков. В церемониалните портрети той надмина много художници от своето време.

(1806-1858) Великолепен майстор исторически жанр. В продължение на около две десетилетия Иванов работи върху основната си картина „Явяването на Христос пред народа“, подчертавайки страстното си желание да изобрази идването на Исус Христос на земята. На начална фазатова са картините Аполон, Хиацинт и Кипарис 1831-1833 г., Явяването на Христос на Мария Магдалена след възкресението през 1835 г.

За моя кратък животИванов създаде много картини, за всяка картина той пише много скици на пейзажи и портрети. Завръща се в родината си през 1858 г., където умира от болест.

Иванов е човек с изключителна интелигентност, той винаги се стреми да покаже в творбите си елементите на народните движения в руската история и дълбоко вярваше във великото бъдеще на майка Русия. Изпреварвайки своето време в търсенето на руската реалистична живопис, творчеството на великия художник оставя незаличима следа от неговото умение за потомците.

(1815-1852) Майстор на сатиричното направление в живописта, поставил началото на критичния реализъм в битовия жанр. The Fresh Cavalier 1847 и The Discriminating Bride 1847,