Arte Moderno. Grafiti - Resumen

El público aún no puede decidir qué es el graffiti: una forma de arte, una forma de autoexpresión o un acto de vandalismo. Sin embargo, todavía no pierde su popularidad, y las fachadas de las casas con cercas continúan adquiriendo todo tipo de dibujos e inscripciones. Cómo empezó todo, qué estilos de graffiti existen y cómo dibujarlos, sigue leyendo.

Grafiti: qué es

En un contexto histórico, el grafiti se refiere a dibujos e inscripciones aplicados de alguna manera a varias superficies. Pero en entendimiento moderno El grafiti se considera un tipo de arte callejero, que consiste en aplicar dibujos e inscripciones con pintura, a menudo en aerosol, sobre diversas superficies, principalmente en las paredes. Las personas que los dibujan se llaman escritores.

La atención de las masas se centró en esta dirección en 1971, cuando se mencionó por primera vez lo que era el graffiti en una publicación impresa. Se trataba de un escritor llamado Demetraki, que trabajaba como mensajero y dejaba su firma por todos los rincones de Nueva York. Esta firma era la etiqueta Taki183, donde Taki es parte de su nombre y 183 es ​​el nombre de la calle donde vivía.

Más tarde, las inscripciones comenzaron a aparecer más dentro de los depósitos de metro y ferrocarril. El movimiento se volvió competitivo, con artistas callejeros esforzándose por mantener la mayor cantidad posible de sus etiquetas.

tipos de grafitis

A Escritura, de hecho, se refieren a lo que más a menudo entendemos ahora como graffiti: dibujos en las paredes hechos en varios estilos; Más sofisticados que solo etiquetas, se distinguen por su imagen tridimensional.

bombardeo se inspiran en el transporte y en otros lugares extremos, ya los artistas se les llama bombarderos. Tal graffiti no difiere en complejidad y precisión de ejecución, porque la tarea principal del bombardero es asegurarse de que no lo atrapen cuando dibuja una imagen.

Esto también incluye inscripciones en el estilo rascarse- se rayan con una muela, generalmente en vasos.

estilos de graffiti

El estilo más simple es Vomitar. Dicho grafiti consta de dos colores contrastantes: el relleno de la inscripción y su contorno, generalmente negro. Tiene forma redondeada.

Otro estilo simple - Éxito de taquilla- está hecho de no más de tres colores y se distingue por letras angulares grandes.

Estilo Burbujas caracterizada letras mayúsculas en forma de burbujas. Se refiere a la vieja escuela, hoy no es común.

estilo salvaje caracterizado por texto a gran escala, difícil de leer, con letras nítidas y alargadas, a menudo entrelazadas. Estilo difícil, por lo tanto realizado solo por escritores experimentados.

estilo de personaje- dibujos en las paredes al estilo de los cómics. No todos están sujetos a él, porque aquí se requieren ciertas habilidades de dibujo.

Una subespecie como el graffiti en 3D se ha vuelto popular ahora: dibujos grandes en el suelo que parecen voluminosos desde cierto punto de vista.

No todos los grafitis se pueden encasillar en un estilo particular; hay muchas obras callejeras que a veces asombran por su belleza y parecen cuadros reales, con su original contenido semántico.

Cómo aprender a dibujar grafitis

Si quieres empezar a crear tu propio graffiti, tendrás que practicar mucho. Y antes de salir con pintura en busca de una cómoda pared impecable, el papel normal se convertirá en tu lienzo, y dibujarás con lápices.

Bocetos en papel

Todo dibujo comienza con un boceto. En primer lugar, debe decidir el estilo en el que desea realizar su dibujo futuro. Luego elige una palabra. Escríbelo en una hoja de papel, con espacios separados.

Después de eso, con trazos, da forma a las letras de acuerdo con el estilo elegido.


No se olvide de la luz y el volumen: en algún lugar, las letras serán más delgadas para crear un efecto de sombra y en algún lugar más prominente.


Ahora puede agregar lentamente los elementos que le interesan, dar volumen y oscurecimiento a las letras.


Cuando el formulario esté listo, rellénelo con color. Use varios colores, pinte con rotuladores o pinturas; estos graffiti se verán más brillantes y expresivos.


Te invitamos a ver el video instructivo grafiti sencillo para principiantes:

Recuerde: el proceso de esbozo de lápiz sobre papel entrena sus habilidades de grafiti en un estilo y una técnica particulares, pero no practica la pintura con aerosol en las superficies de las calles.

Después de suficiente práctica en papel, es hora de empezar a pensar en pintar graffiti en las paredes.

Si no ha tenido una lata de aerosol en sus manos antes, deberá comprender qué tipo de herramienta es, cuál es su principio de funcionamiento. Practique rociando sobre una superficie específica, pruebe el rendimiento de la lata de aerosol, la fuerza y ​​​​el espesor del aerosol de pintura.

Elija una pared más simple, lisa, imprimada y, lo mejor de todo, de hormigón poroso. Necesita trabajar en el dibujo en un día cálido y seco.

Además de las latas de aerosol y su boceto, no olvide que necesita el equipo adecuado: ropa ajustada, un respirador, guantes. También necesitará tapas: tapas de aerosol especiales que cambian directamente en la lata. Vienen en diferentes tipos, para dibujar líneas finas y gruesas, puntos y contornos.

El boceto debe hacerse con el color de tu fondo principal para que siempre puedas corregir el error que cometiste. Solo entonces agregue un contorno y forme el volumen de la imagen.

Los escritores principiantes pueden usar plantillas auxiliares con inscripciones completas, letras o elementos individuales.

Aprende a aplicar capas: este tipo de grafiti conservará la vitalidad del color, pero las capas deben ser delgadas o tardarán mucho en secarse. No intente completar las letras en un solo movimiento, dibuje línea por línea.

Para entender cómo dibujar graffiti estilo Throw-up, puedes ver el siguiente video:

Recuerde que no tenemos lugares aprobados oficialmente para el arte callejero, por lo que es probable que su creación se considere un acto de vandalismo y usted, un gamberro violador.

Pero si ya es un artista experimentado y ha preparado un boceto decente, puede probar suerte y obtener el derecho de diseñar un edificio residencial, tienda, jardín de infancia. A veces también se llevan a cabo festivales de arte, donde escritores experimentados demuestran sus habilidades en instalaciones especialmente designadas.

Cambio Hoja no. firmado la fecha

D.2102.1.32.02.003.0000

Sábana

INTRODUCCIÓN

Graffiti (del griego - "dibujar, rayar en una superficie plana") es una composición artística, dibujo o simplemente una inscripción aplicada a la superficie de una pared, edificio o cualquier otro objeto, generalmente a la vista del público. Como muchas otras cosas, el arte del aerosol nos llegó desde América. El desarrollo del grafiti comenzó con las inscripciones más sencillas, las "etiquetas", que se hacían con rotulador. Al principio, los etiquetadores se limitaban a escribir sus nombres, luego aparecen dibujos simples. Durante este período, una dirección como el bombardeo también comenzó a tomar forma: dibujo ilegal de imágenes en vagones de metro, vehículos. Un vívido ejemplo de esto es el "automóvil completo", la pintura de un "automóvil mal parado".
A principios de la década de 1970, los grafiteros pasaron a la clandestinidad. El metro de Nueva York se ha convertido en un campo de batalla. Estas fueron las "guerras de estilo" ampliamente conocidas por las masas.

La siguiente revolución llegó cuando el artesano de Brooklyn, Pistol, pintó por primera vez en 3D. Hizo su nombre en rojo y blanco con adornos azules, lo que le dio una sensación tridimensional. Su hazaña no fue repetida inmediatamente por muchos evaluadores. Más tarde, finalmente, surgió el estilo más complejo "wid style", en el que las letras se entrelazaban hábilmente, uniéndose en una red ilegible.
El graffiti es una de las tendencias urbanas más singulares de la cultura hip-hop. La verdadera explosión del hip-hop a principios de la década de 1980 impulsó el arte del aerosol, junto con corrientes como el breakdance y el rap, en un fenómeno cultural popular. En primer lugar, es un arte con un rico pasado y, sin duda, un brillante futuro.

Pero, ¿cuál es el motivo de la aparición de estas "obras maestras"? Muchas de las obras, tal vez, son una forma de autoexpresión de los autores. Muchas de las creaciones llevan un sutil significado filosófico, donde la tristeza o la alegría, la molestia o el alivio se esconden tras un pequeño trazo de una gran “obra maestra”.

Una breve historia del arte moderno

El arte contemporáneo en su forma actual se formó a finales de los años sesenta y setenta. Las búsquedas artísticas de esa época se pueden caracterizar como una búsqueda de alternativas al modernismo (a menudo esto resultó en la negación a través de la introducción de principios directamente opuestos al modernismo). Esto se expresó en la búsqueda de nuevas imágenes, nuevos medios y materiales de expresión, hasta la desmaterialización del objeto (performances y happenings). Muchos artistas han seguido filósofos franceses acuñó el término "posmodernismo". Podemos decir que ha habido un cambio del objeto al proceso.

Los fenómenos más notables del cambio de los años 60 y 70 se pueden llamar el desarrollo del arte conceptual y el minimalismo. En los 70, la orientación social del proceso artístico aumentó notablemente tanto en contenido (temas planteados en la obra de los artistas) como en composición: el fenómeno más notorio a mediados de los 70 fue el feminismo en el arte, así como el aumento de la actividad de las minorías étnicas (1980-e) y los grupos sociales.

Los finales de los 70 y los 80 se caracterizaron por la "fatiga" del arte conceptual y el minimalismo y un retorno del interés por la figuración, el color y la figuración (el florecimiento de movimientos como New Wilds). A mediados de los 80, hubo un momento para el surgimiento de movimientos que utilizan activamente imágenes de la cultura de masas: el campismo, el arte de East Village, el neo-pop está ganando fuerza. El florecimiento de la fotografía en el arte se remonta a la misma época: cada vez más artistas comienzan a recurrir a ella como medio de expresión artística.

El proceso artístico estuvo muy influenciado por el desarrollo de la tecnología: en los años 60, video y audio, luego, computadoras, y en los años 90, Internet.

El comienzo de la década de 2000 estuvo marcado por la decepción en las posibilidades de los medios técnicos para las prácticas artísticas. Al mismo tiempo, aún no han aparecido justificaciones filosóficas constructivas para el arte contemporáneo del siglo XXI. Algunos artistas de la década de 2000 creen que el "arte contemporáneo" se está convirtiendo en una herramienta de poder en una sociedad "posdemocrática (inglesa)". Este proceso genera entusiasmo entre los representantes del sistema del arte y pesimismo entre los artistas.

Varios artistas de la década de 2000 vuelven al objeto de la mercancía abandonando el proceso y ofreciendo un intento comercialmente viable del modernismo del siglo XXI.

arte real

En Rusia, en la década de 1990, también se utilizó el término "arte contemporáneo", que en muchos aspectos es similar, pero no idéntico en significado, al término "arte contemporáneo". Por arte contemporáneo, los participantes en el proceso artístico en Rusia entendían arte contemporáneo innovador (en términos de ideas y/o medios técnicos). El arte real rápidamente quedó obsoleto y la cuestión de su entrada en la historia arte contemporáneo Abierto del siglo XX o XXI. Los participantes en el proceso artístico en Rusia dotaron a la definición de "arte real" del significado que alguna vez se atribuyó a la vanguardia (innovación, radicalismo, uso de nuevas técnicas y técnicas).

Instituciones de Arte Contemporáneo

El arte contemporáneo es exhibido por galerías de arte contemporáneo, coleccionistas privados, corporaciones comerciales, organizaciones de arte estatales, museos de arte contemporáneo, estudios de arte o por los propios artistas en el espacio dirigido por artistas. artistas contemporáneos recibir apoyo económico a través de subvenciones, reconocimientos y premios, así como recibir fondos por la venta de su obra. La práctica rusa es algo diferente a este respecto de la práctica occidental. Muchas galerías de arte contemporáneo ofrecen a los artistas pagos mensuales independientemente de la obra vendida [ , para apoyar al artista. En cuanto a fondos, premios, subvenciones, esta forma de apoyo al arte contemporáneo está prácticamente ausente en Rusia. Una de las excepciones es la Fundación Iris para el Desarrollo y Apoyo del Arte, fundada por Daria Zhukova. El primer proyecto de la fundación es el Centro Garaje de Cultura Contemporánea.

Existe una estrecha relación entre las instituciones gubernamentales que se ocupan de las artes contemporáneas y el sector comercial. En el Reino Unido, por ejemplo, la mayoría de las obras de artistas contemporáneos clave que se exhiben en museos públicos se compran a unos pocos comerciantes de arte influyentes.

Museos, bienales, festivales y ferias de arte contemporáneo se están convirtiendo poco a poco en herramientas de atracción de capital, inversión en el negocio turístico o parte de la política estatal (ver, por ejemplo, el Museo de Arte Moderno de Perm).

Los coleccionistas privados tienen una gran influencia en todo el sistema del arte contemporáneo. Por ejemplo, el mercado del arte contemporáneo del Reino Unido ha estado dominado desde la década de 1980 por Charles Saatchi, a quien a veces se le asocia con una década de arte contemporáneo británico.

Las corporaciones comerciales intentan integrarse directamente en el sistema del arte contemporáneo: organizan exposiciones de arte contemporáneo en su territorio, organizan y patrocinan premios en el campo del arte contemporáneo y adquieren obras de artistas, forman grandes colecciones.

Las instituciones de arte contemporáneo a menudo son criticadas por artistas y críticos de arte independientes. Este tipo de actividad se denomina crítica institucional. En Rusia, este tipo de práctica está ausente con raras excepciones (como, por ejemplo, el trabajo de Avdey Ter-Oganyan).

Pintada. historia y modernidad

Graffiti (en el contexto de las inscripciones históricas, el singular es graffiti; de él yo. grafiti, pl. pintada) - imágenes, dibujos o inscripciones rayados, escritos o dibujados con pintura o tinta en paredes y otras superficies. El graffiti se puede clasificar como cualquier tipo de pintura callejera en las paredes, en la que puedes encontrar desde simples palabras escritas hasta dibujos exquisitos.

Se cree que el grafiti está estrechamente relacionado con la cultura hip-hop y la miríada de estilos que han evolucionado a partir del grafiti del metro de Nueva York. A pesar de esto, hay muchos otros grandes ejemplos de graffiti. A principios del siglo XX comenzaron a aparecer grafitis en vagones y pasos subterráneos. Uno de estos grafitis, Texino, traza su historia desde la década de 1920 hasta nuestros días. Durante la Segunda Guerra Mundial y durante las siguientes décadas, la frase "Killroy estuvo aquí", junto con una imagen, se hizo común en todo el mundo. La frase fue utilizada por las tropas estadounidenses y rápidamente impregnó la cultura popular estadounidense. Poco después de la muerte de Charlie Parker (que tenía el apodo de "Yardbird" o "Bird") comenzaron a aparecer graffitis con las palabras "Bird Lives" en todo Nueva York. Durante las protestas estudiantiles y una huelga general en mayo de 1968 en París, la ciudad se inundó de consignas revolucionarias, anarquistas y situacionistas como L'ennui est contre-révolutionnaire ("El aburrimiento es contrarrevolucionario"), que se hicieron al estilo de arte de grafitis, afiches y esténciles. En este momento en los EE.UU. período corto los lemas políticos se vuelven populares (como "Free Huey", dedicado a Huey Newton, el líder del movimiento Black Panther). El famoso graffiti de la década de 1970 fue el famoso "Dick Nixon Before He Dicks You", que refleja la hostilidad de los jóvenes hacia el presidente de los Estados Unidos.

El graffiti de rock and roll forma una parte importante del arte del graffiti. El famoso grafiti del siglo XX fue la inscripción en el metro de Londres, que dice "Clapton es Dios". Esta frase fue pintada con aerosol en la pared de la estación de Islington en el otoño de 1967. Este graffiti fue capturado en una fotografía de un perro orinando en una pared. El arte del grafiti también se asoció con el movimiento de protesta punk rock de principios de la década de 1970. grupos como Bandera Negra y Crass (y sus seguidores) grabaron sus nombres en todas partes, mientras que muchos clubes nocturnos, locales y locales punk son famosos por sus grafitis. A fines de la década de 1980, la imagen de un vaso de Martini al revés, el símbolo de la banda punk Missing Foundation, se convirtió en el graffiti más omnipresente en el bajo Manhattan y fue reproducido por fanáticos del punk incondicional en todo Estados Unidos y Alemania Occidental.

El graffiti hoy en día es un tipo de arte callejero, una de las formas de expresión artística más relevantes alrededor del mundo. Hay muchos diferentes estilos y tipos de grafitis. Las obras creadas por los grafiteros son un género independiente del arte contemporáneo, una parte integral de la cultura y el estilo de vida urbano. Muchos países y ciudades tienen sus famosos escritores creando verdaderas obras maestras en las calles de la ciudad.

En la mayor parte del mundo, el grafiti en la propiedad de alguien sin el permiso del dueño de esa propiedad se considera vandalismo y está penado por la ley. A veces, el graffiti se usa para difundir mensajes políticos y sociales. Para algunas personas, el grafiti es arte real, digno de colocarse en galerías y exposiciones, para otras es vandalismo.

Dado que el graffiti se ha convertido en una parte integral de la cultura pop, se ha asociado con la música hip-hop, hardcore, beatdown y breakdance. Para muchos, es una forma de vida oculta al público e incomprensible para el público en general.

El grafiti también se usa como una señal de pandillas para marcar territorio o sirve como una designación o "etiqueta" para las actividades de la pandilla. La polémica que rodea a este tipo de arte sigue alimentando las divisiones entre los agentes del orden y los grafiteros que buscan exhibir públicamente su trabajo. Es una forma de arte de rápido crecimiento cuyo valor es defendido con vehemencia por sus adeptos en escaramuzas verbales con funcionarios del gobierno, aunque la misma legislación a menudo protege el grafiti.

El nacimiento del grafiti moderno

El surgimiento del grafiti moderno se puede atribuir a principios de la década de 1920, cuando los dibujos e inscripciones marcaban los furgones que circulaban por los Estados Unidos. Sin embargo, el origen del movimiento del graffiti en su sentido moderno está asociado con las actividades de los activistas políticos que utilizaron el graffiti para difundir sus ideas. También se aplicaron grafitis por bandas callejeras, como los Savage Skulls (“Wild Skulls”), La Familia, los Savage Nomads (“Wild Nomads”), con el fin de marcar “su” territorio. A fines de la década de 1960, las firmas comenzaron a aparecer en todas partes, las llamadas etiquetas, realizadas por escritores de Filadelfia, cuyos nombres eran Cornbread, Cool Earl, Topcat 126. El escritor de Cornbread a menudo se considera uno de los fundadores del graffiti moderno.

El período de 1969 a 1974 puede llamarse revolucionario para el graffiti. Durante este tiempo, su popularidad ha crecido notablemente, han aparecido muchos estilos nuevos y el centro del movimiento de graffiti se ha trasladado de Filadelfia, Pensilvania, a Nueva York. Los escritores intentaron dejar sus etiquetas siempre que fuera posible, con el máximo número de veces. Poco después de que Nueva York se convirtiera en el nuevo centro del graffiti, los medios se dieron cuenta de este nuevo fenómeno cultural. El primer escritor al que se le dedicó un artículo periodístico fue TAKI 183. Era un adolescente del área de Washington Heights en Manhattan. Su etiqueta TAKI 183 consistía en su nombre Demetrius (o Demetraki, Taki) y el número de la calle donde vivía: 183. Taki trabajaba como mensajero, por lo que a menudo tenía que tomar el metro. Dondequiera que iba, dejaba sus etiquetas por todas partes. En 1971, el New York Times publicó un artículo dedicado a él titulado "Taki provocó una ola de seguidores". Julio 204 también es considerado uno de los primeros escritores, pero en ese momento pasó desapercibido para los medios. Otros grafiteros notables fueron Stay High 149, PHASE 2, Stitch 1, Joe 182 y Cay 161. Barbara 62 y Eva 62 fueron las primeras mujeres en hacerse famosas por sus grafitis.

Al mismo tiempo, los grafitis empezaron a aparecer con más frecuencia en el metro que en las calles de la ciudad. Los escritores comenzaron a competir entre sí, y el objetivo de su competencia era escribir su nombre tantas veces como fuera posible en todos los lugares posibles. La atención de los grafiteros se desplazó gradualmente a los depósitos ferroviarios, donde pudieron realizar trabajos grandes y complejos con menos riesgo. Fue entonces cuando se formaron los principios clave. concepto moderno"bombardeo".

Para 1971, la forma en que se jugaban las etiquetas estaba cambiando, volviéndose más sofisticada y compleja. Esto se debe a la gran cantidad de grafiteros, cada uno de los cuales trató de llamar la atención. La rivalidad de los escritores estimuló la aparición de nuevos estilos en el graffiti. Los artistas complicaron el dibujo en sí, tratando de hacerlo original, pero además comenzaron a aumentar notablemente el tamaño de las letras, el grosor de las líneas y usar el contorno de las letras. Esto llevó a la creación en 1972 de grandes dibujos, las llamadas "obras maestras" o "piezas". Se cree que el escritor de Super Kool 223 fue el primero en realizar tales "piezas".

Se pusieron de moda una variedad de opciones de decoración de graffiti: lunares, patrones de cuadros, sombreado, etc. El uso de pintura en aerosol aumentó mucho, porque los escritores aumentaron el tamaño de sus obras. En ese momento empezaron a aparecer “piezas” que ocupaban la altura de todo el coche, se les llamaba “top-to-bottoms”, es decir, “de arriba a abajo”. No se podía ignorar el desarrollo del graffiti como un nuevo fenómeno artístico, su distribución ubicua y el creciente nivel de habilidad de los escritores. En 1972, Hugo Martínez fundó la organización United Graffiti Artists, que incluía a muchos de los mejores grafiteros de la época. La organización buscaba presentar obras de graffiti al público en general como parte de una galería de arte. En 1974, los escritores comenzaron a incluir imágenes de personajes y escenas de dibujos animados en su trabajo. El equipo TF5 ("The Fabulous Five", "The Incredible Five") se hizo famoso por pintar hábilmente autos completos.

La difusión de la cultura del graffiti

En 1979, el comerciante de arte Claudio Bruni proporcionó a los grafiteros Lee Quiñones y Fab 5 Freddy una galería en Roma. Para muchos escritores que trabajaban fuera de Nueva York, esta fue su primera exposición a las formas de arte tradicionales. La amistad entre Fab 5 Freddy y la vocalista de Blondie, Debbie Harry, dio lugar a un sencillo llamado "Rapture" de Blondie en 1981. El video de esta canción, que también presenta a Jean-Michel Basquiat, conocido por su graffiti SAMO, muestra a la audiencia elementos de la cultura del graffiti y el hip-hop por primera vez. Aunque más significativo en este sentido fue el estreno en 1982 del largometraje "Wild Style" del director independiente Charlie Ahearn, así como el documental "Style Wars" ("Guerras de estilo"), producido por Public Broadcasting Service. (Televisión Nacional de EE. UU.) en 1983. Éxitos musicales"The Message" y "Planet Rock" ayudaron a aumentar el interés por el hip-hop fuera de Nueva York. Style Wars no solo mostró a escritores famosos como Skeme, Dondi, MinOne y Zephyr, sino que también reforzó el papel del graffiti en la cultura hip-hop emergente de la ciudad de Nueva York: además de escritores, bandas famosas de breakdance, como Rock Steady Crew y la banda sonora es exclusivamente rap. Hasta el día de hoy, Style Wars se considera la descripción más precisa de lo que estaba sucediendo en la cultura hip-hop a principios de la década de 1980. Como parte de su Fab Tour de rap de la ciudad de Nueva York de 1983, 5 Freddy y Futura 2000 mostraron graffiti de hip-hop al público europeo en París y Londres. Hollywood también centró su atención en el hip hop cuando la película Beat Street de 1984 se estrenó en todo el mundo, nuevamente presentando la cultura hip hop. Durante la realización de esta película, el director consultó con el escritor de FASE 2.

A este período también pertenece la aparición de los grafitis de estarcido. Los primeros ejemplos del arte de la plantilla fueron creados alrededor de 1981 por el artista de graffiti Blek le Rat en París, y en 1985 eran populares en muchas otras ciudades, incluidas Nueva York, Sydney y Melbourne. El fotógrafo estadounidense Charles Gatewood y el fotógrafo australiano Rennie Ellis capturaron muchos de los grafitis de plantilla de esos años en sus fotografías.

INTRODUCCIÓN 3

Una breve historia del arte contemporáneo 4

arte actual 5

Instituciones de Arte Contemporáneo 5

Pintada. historia y modernidad 6

El nacimiento del graffiti moderno 8

La difusión de la cultura del graffiti 9

Y la historia del graffiti comenzó con los mensajes que los representantes de las bandas de Nueva York dejaban en las calles de la ciudad en las décadas de 1920 y 1930. Con el tiempo, tales inscripciones comenzaron a aparecer en todo tipo de objetos muebles e inmuebles, y la cantidad de artistas y estilos creció en progresión geométrica hasta finales del siglo pasado, la policía y las autoridades de la ciudad en diferentes paises comenzó a pelear con los seguidores del arte callejero. Como resultado, el movimiento underground se dividió en varias direcciones, y algunos artistas prefirieron las calles al comercio y se fueron a las galerías, dando paso a los veteranos más atrevidos del género. De una forma u otra, el graffiti como fenómeno está firmemente arraigado en la cultura de la calle, y es difícil imaginar las ciudades modernas sin ellos.

Revista DTF en colaboración con una marca estadounidense Cinta azul de Pabst, que ingresó recientemente al mercado ucraniano, resolvió por etapas la historia del graffiti y cómo esta subcultura urbana se volvió tan popular

Décadas de 1920-1950: primeros dibujos en la calle

Se considera que las primeras manifestaciones de graffiti son dibujos e inscripciones que miembros de las bandas callejeras de Nueva York dejaron en las paredes de edificios y vagones de carga de trenes en las décadas de 1920 y 1930. Entonces los integrantes de los grupos "marcaban el territorio" y se comunicaban entre sí.

Luego, los jóvenes adoptaron esta práctica, sin embargo, no utilizaron de inmediato los dibujos en las paredes para expresarse. Las inscripciones aparecieron como una reacción a los problemas sociopolíticos, y los eslóganes y lemas desafiantes se volvieron característicos de ese período.

Recién a principios de la segunda mitad del siglo XX, los artistas callejeros se sumaron al nuevo movimiento, dejando breves huellas en las calles con sus seudónimos.

Décadas de 1960-1970: desarrollo de una cultura de dibujos en casas y trenes

El desarrollo de la cultura del arte callejero comenzó en la costa este de los Estados Unidos en la década de 1960. Fue entonces cuando los primeros entusiastas comenzaron a dejar inscripciones con nombres en lugares aleatorios de la ciudad. Los artistas Cool Earl y Topcat126 estuvieron entre los primeros escritores, mientras que el artista callejero de Filadelfia Cornbread es considerado el fundador no oficial de un movimiento cultural: fue uno de los primeros en dejar notas firmadas con su nombre sin matices políticos.

Al principio, la gente no le dio mucha importancia a estas inscripciones, y las marcas en sí mismas no tenían nada de especial: no se trataba de una variedad de estilos en ese momento, ya que el movimiento joven de las calles apenas comenzaba a adquirir un motivo cultural.

La primera mención del grafiti

El punto de partida en la historia del graffiti es la publicación en The New York Times, publicada a principios de los años setenta. El artículo trataba sobre un joven artista callejero de Nueva York bajo el seudónimo de Taki183. Trabajaba como mensajero, por lo que pasaba mucho tiempo en el metro. Allí, en cada estación que visitó, dejó una huella con su nombre. Con el tiempo, hubo tantos que no solo los transeúntes, sino también los periodistas locales les prestaron atención. El artista se convirtió en el primer relevo en la historia del graffiti y es considerado uno de sus fundadores. Si bien Taki183 no fue el primer artista en marcar las calles, su ubicuidad ha llamado la atención de los residentes de la ciudad y de la prensa sobre una cultura del dibujo previamente desconocida. Otros artistas icónicos de la época incluyen Stay High 149, PHASE2, Stitch1 y Joe136.

La práctica de Taki183 y otros pioneros del grafiti se ha convertido en etiquetas: inscripciones con seudónimos que se dejan en paredes, vallas, vagones y otros lugares destacados. Los artistas ganaron un respeto adicional por las etiquetas en lugares de difícil acceso, como en altitudes elevadas o en áreas protegidas. Entonces la prioridad no se daba al lado visual, sino que la popularidad se medía en la cantidad de marcas por toda la ciudad. Otros artistas notables de etiquetado de calles y subterráneos incluyen Hondo 1, Japan 1, Moses 147, Snake 131, Lee 163d, Star 3, Pro-Soul, Tracy 168, Lil Hawk, Barbara 62, Eva 62, Cay 161 y Junior 161.

Estas manifestaciones de individualismo desafiaron la creciente omnipresencia de la marca y la infraestructura pública, por lo que los grafitis que aparecían ilegalmente en la parte superior de los escaparates, anuncios o carteles publicitarios eran considerados un fenómeno puramente negativo para los funcionarios de la ciudad, e incluso algunos ciudadanos consideraban que los grafitis eran ecos de las payasadas de las pandillas callejeras.

El metro como medio de comunicación

El metro se ha convertido en un medio de comunicación para los artistas callejeros. Gracias a los dibujos dejados en las paredes de los vagones del metro, artistas de diferentes regiones conocieron la existencia de unos y otros, por lo que con el tiempo, las inscripciones cubrieron casi por completo tanto el exterior como el interior de los trenes. Así que el metro de Nueva York se convirtió en una especie de herramienta de comunicación para los artistas underground.

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En aquellos días, el metro no estaba lo suficientemente vigilado y los vagones rara vez se limpiaban, por lo que los trenes pintados recorrieron la ciudad durante meses y los artistas cubrieron los vagones para presentar su trabajo a la mayor cantidad de personas posible: este fenómeno fue llamado "bombardeo". Para aplicar etiquetas y dibujos a los autos lo más rápido posible, los artistas eligieron específicamente alias cortos: Tee, Iz, Pi, In, Le, To, Oi, por lo que dibujar etiquetas llevó mucho menos tiempo. Sin embargo, también hubo los llamados escritores de estilo, para quienes el estilo pasó a primer plano. Estos dos tipos de artistas competían tácitamente entre sí, pintando en el depósito y en los vagones del metro.

Desarrollo de Técnicas

Futura 2000 se convirtió en uno de los primeros artistas en practicar activamente el estilo en el metro.Desde los primeros trabajos, vio el potencial de dibujar en los vagones del metro: fue allí donde los transeúntes vieron sus primeras etiquetas y dibujos.

Y mientras nueva cultura atrajo a más y más participantes, las caras reconocibles tuvieron que pensar en cómo destacarse entre el creciente número de etiquetas. Los artistas más ingeniosos comenzaron a incorporar detalles gráficos en forma de guiones, círculos, estrellas y otros elementos similares a las firmas, probar estilos artísticos o jugar con el grosor, el estilo y el color de las inscripciones. Los principiantes adoptaron rápidamente nuevas prácticas: así comenzó la evolución de los estilos.

La competencia estimuló la inventiva de los artistas y, a raíz de esto, los artistas callejeros comenzaron a alejarse gradualmente de las etiquetas con inscripciones y equipar los dibujos con elementos más gráficos. El artista de Filadelfia Topcat126 ideó el estilo Broadway, que pronto fue reemplazado por el estilo Block Busters, rasgo que se convirtieron en inscripciones utilizando enormes letras inclinadas. Y otro entusiasta bajo el seudónimo de PHASE2 comenzó a usar fuentes volumétricas en forma de burbujas llamadas Bubble Letters.

Estos estilos se convirtieron en los principales a partir de los cuales se desarrollaron otras prácticas de artistas callejeros. Block Busters y Bubble Letters empujaron a los artistas a ser creativos, y la variedad de técnicas resultó en un estilo mixto llamado Wild Style. El período de 1975 a 1980 se considera uno de los más favorables para el desarrollo del graffiti: con el apogeo de la confrontación entre los estilos de los artistas, todos intentaron hacerse más notables que los demás. Artistas notables este período: Case 2, Seen, Mare, Comet, Repel, Cos 207, Duro, Kade 198, Fed 2, Revolt, Rasta, Zephyr, Lee, Dondi, Blade, Crash y Daze.

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Décadas de 1980-1990: luchar contra el graffiti y venir a Europa

Lucha contra el vandalismo

No fue hasta principios de la década de 1980 que los artistas callejeros se encontraron con sus primeros problemas reales. Cuando las autoridades de la ciudad comenzaron una lucha masiva con los dibujos, muchas obras comenzaron a ser destruidas sin piedad: la vida de las obras nuevas se redujo notablemente y la cantidad de guardias de seguridad en el metro y policías en las calles aumentó notablemente. Para combatir a los escritores, los funcionarios de la ciudad incluso introdujeron una serie de leyes que prohibían la venta de pintura a menores, y las latas de pintura, como las armas, se guardaban en cajas fuertes o casilleros seguros.

Debido a las dificultades que surgieron, la comunidad de artistas también se diluyó: a muchos no les gustó la amenaza de responsabilidad penal, por lo que algunos de los artistas dejaron de pintar en las calles y en el metro, y algunos se dedicaron al trabajo legal, trabajando en estudios. .

Para los artistas restantes, las reglas del juego se han vuelto notablemente más duras. Cuando el círculo de lugares disponibles para dibujar disminuyó, su confrontación en los lugares comenzó a parecerse a la enemistad de las pandillas callejeras. Los artistas individuales no se atrevían a hacer incursiones creativas sin armas, porque de lo contrario podían ser golpeados, y los equipos muy unidos incluso iban a pintar en grupos por motivos de seguridad. Entre los veteranos que tomaron parte en el enfrentamiento, Skeme, Dez, Trap, Delta, Sharp, Seen, Shy 147, Boe, West, Kaze, Spade 127, Sak, Vulcan, Shame, Bio, Min, Duro, Kel, Continuaron trabajando T Kid, Mack, Nicer, Brim, Bg 183, Kenn, Cem, Flight, Airborn, Rize, Jon 156, Kyle 156 y X Men.

El resto de la escena brilló con nuevos colores: cuando el número de artistas callejeros disminuyó, los veteranos del graffiti dieron rienda suelta y los estilos ya existentes adquirieron formas aún más vivas y rasgos reconocibles.

Además, con el comienzo de la "guerra" por la limpieza del metro, los artistas dirigieron su atención a otros objetos móviles: los automóviles. Básicamente, los escritores preferían dibujar en camionetas o camiones pequeños del servicio de entrega de la ciudad: estos automóviles circulaban por la ciudad todos los días y los escritores tenían otra oportunidad de anunciarse a sí mismos y a su trabajo. Por lo tanto, después de que las condiciones para dibujar en el metro se complicaron, la práctica de dibujar en el transporte público comenzó a ganar popularidad.

Sesgo hacia el arte: íconos de los años ochenta

Una de las personalidades más destacadas de la cultura del arte callejero fue Keith Haring, conocido no solo por sus exposiciones en galerías, sino también por sus ilustraciones en el metro. Su estilo se basaba en mezclar el fluir del arte pop con los dibujos callejeros, por lo que Haring no puede llamarse escritor en el sentido habitual de la palabra. Las características de sus dibujos se consideraron líneas audaces, colores brillantes e imágenes de hombrecitos, que aparecían constantemente en diferentes rincones ciudades Haring combinó la creatividad con el activismo: el artista es conocido por la lucha contra el SIDA, y este mensaje se ha convertido en una parte integral de sus dibujos.

Otro icono de la cultura del graffiti es Jean-Michel Basquiat. Comenzó a pintar a principios de los años setenta y diez años más tarde entabló amistad con Andy Warhol, una figura emblemática entre los artistas del apogeo del arte pop. Basquiat y su amigo, el artista El Díaz, fundaron el movimiento SAMO (Same Old Shit), cuyas firmas y dibujos cubrían las calles de la ciudad. A cultura contemporanea Basquiat se ha convertido en una de las personalidades más brillantes y su obra se exhibe en museos de todo el mundo.

Grafiti en Europa

Sin embargo, no se debe subestimar el papel de los colegas estadounidenses jubilados. Cuando algunos artistas se mudaron a las galerías y las obras de escritores como Dondi, Lee, Zephyr, Daze y Futura 2000 aparecieron en los espacios artísticos de Europa, la cultura del graffiti también llegó a Europa. Tras las primeras exposiciones, la juventud europea se obsesionó con la cultura neoyorquina y el hip-hop se convirtió en un factor adicional. Los dibujos en las galerías sirvieron como guía visual para los entusiastas, y pronto comenzaron a aparecer inscripciones en las ciudades europeas.

Uno de los pioneros del movimiento en Francia fue el artista bajo el seudónimo de Blek le Rat. Para crear dibujos, usó plantillas especiales, lo que le permitió dibujar graffiti rápidamente y evitar arrestos. Con su obra, el artista pretendía mostrar que el arte puede ser accesible a todos y no se limita a las paredes de las galerías.

En el Reino Unido, el arte callejero se asocia principalmente con el nombre de Banksy: comenzó a pintar en los años noventa y todavía se lo considera la figura más visible y secreta de la cultura callejera. Si bien la verdadera identidad del artista se mantiene en secreto, su trabajo se ha exhibido en galerías de todo el mundo, con dibujos que han aparecido inesperadamente en ciudades de todo el mundo. Además, Banksy está activamente actividad política lo cual se refleja claramente en su provocador trabajo sobre la brutalidad policial, la discriminación racial y de género, los conflictos militares y muchos otros temas contemporáneos.

Grafiti en el siglo XXI: de las calles a los museos y galerías

Hoy en día, la cultura callejera sigue siendo un fenómeno controvertido: algunos de los dibujos de grafitis se han ganado la aceptación de la gente del pueblo, sin embargo, dados los constantes casos de vandalismo, no todos tienen una actitud positiva hacia el trabajo de los escritores. Muchos recién llegados han aparecido en la escena del arte callejero, y aunque los íconos que han tenido lugar se han convertido en participantes familiares en exposiciones y proyectos de arte, aún continúan pintando en las calles de la ciudad.

El graffiti sigue siendo una parte integral de la protesta contra la cultura de consumo. Un ejemplo de esto es el trabajo del artista callejero Kidult, quien pinta los escaparates de las boutiques de Chanel, Céline, Maison Margiela, Supreme y otras famosas marcas mundiales.

El comercio se ha convertido en un rasgo característico de la cultura moderna del graffiti. Cuando las grandes empresas se dieron cuenta de la popularidad de los dibujos de los artistas callejeros, los artistas comenzaron a involucrarse cada vez más en las campañas publicitarias, y las manifestaciones de graffiti en la cultura popular se pueden encontrar en todas partes, desde publicidad y películas hasta videojuegos.

Con el desarrollo de las redes sociales, los artistas ya no utilizan el metro como elemento de conexión de la cultura underground, y el aumento de la seguridad de los objetos se ha convertido en otro motivo del declive de la popularidad de la pintura sobre vagones. En cambio, los escritores de Nueva York y otras ciudades dejan dibujos en camionetas o camiones, y entre los fanáticos de los objetos de arte móvil estaba incluso Banksy, quien pintó una de las camionetas de reparto una noche. Después de que el trabajo de los artistas callejeros apareció en las galerías, los propietarios de automóviles invitan voluntariamente a los escritores a pintar los vehículos para darles un aspecto original.

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"El arte callejero no acabará con la pobreza mundial, pero puede hacerte pensar y sonreír".

Los dibujos callejeros han cruzado la línea durante mucho tiempo cuando se consideraban solo vandalismo y no tenían nada razonable, amable, eterno. No, por supuesto, hay "etiquetas" sin sentido y, en la mayoría de los casos, mediocres, y no irán a ninguna parte. Pero el arte callejero moderno ya es mucho más profundo y amplio que solo etiquetas, una expresión de protesta o la posición de uno. Ha crecido y asumido, entre otras cosas, una función social.

sitio web preparó una lista de artistas cuyo trabajo hace que las ciudades sean más hermosas y las personas un poco mejores y más felices.

Su proyecto "Living Walls" es conocido mucho más allá de las fronteras del país, sus obras se incluyen regularmente en las mejores colecciones de arte callejero del mundo. Las criaturas de ojos buenos de Nikita, orgánicamente inscritas en el espacio, jugando con la forma de las paredes, ya existen en muchas ciudades de Rusia: en su país natal Nizhny Novgorod, Ekaterimburgo, Perm, Kazan y así sucesivamente.

Alexey Ménshikov

Un artista de Penza, Alexei Menshikov, decora las calles de su ciudad con divertidos dibujos, colocándolos con éxito en Paisaje que rodea. Sus caracteres positivos no dejarán indiferente a nadie y cargarán de positivo durante todo el día.

Este talentoso artista callejero de Rusia es un adherente de un estilo surrealista que impregna todo su trabajo con un hilo delgado. Los temas de las obras son muy diversos, desde dibujar representantes de los héroes de las subculturas y diversos fenómenos hasta motivos surrealistas y de cuentos de hadas.

Slava PTRK, un artista de Ekaterimburgo, es un verdadero experimentador que a menudo elige objetos extraños e inusuales para sus obras. Todos sus dibujos e instalaciones son un mensaje encriptado, un llamado a encender la imaginación y pensar en los problemas de nuestro tiempo.

Otro artista de Ekaterimburgo, famoso por sus obras inusuales y de actualidad, a menudo asociadas con eventos políticos.

El artista callejero de Moscú Zhenya 0331C (Ozzik) solía comparar lo que se dibuja en su ciudad natal y en las calles del mundo. Esto le ayuda a darse cuenta de por qué crea su trabajo. Para Ozzik, el street art es un arte completo, una oportunidad de transmitir sentimientos o emociones a través de lo que puedes hacer.

Un grafitero joven, productivo y con mucho talento de San Petersburgo. Trabaja en la técnica del fotorrealismo y crea personajes brillantes e inolvidables.

Andrey Adno nació en 1986 y ahora vive en Kaliningrado. El artista afirma que el graffiti nunca ha sido su principal fuente de inspiración. le gusta la vieja escuela diseño gráfico, cartel soviético y todo lo que se balancee al borde del graffiti y el arte convencional.

El término "graffiti" se utiliza para clasificar un tipo de arte que generalmente está prohibido por la ley. Hoy en día, el graffiti se asocia principalmente con una forma alternativa de cultura urbana. El graffiti se puede clasificar como cualquier tipo de pintura callejera en las paredes, en la que puedes encontrar desde simples palabras escritas hasta dibujos exquisitos. Actualmente se ha generalizado el spray art, es decir, dibujar grafitis con pintura en spray. spray-arteaerosol

Primeros grafitis Los primeros "graffiti" - inscripciones y dibujos, en el sentido original de carácter satírico y caricaturesco, se encontraron en monumentos antiguos y vasijas antiguas. Los antiguos romanos aplicaron grafitis en paredes y estatuas, ejemplos de los cuales también sobreviven en Egipto. El graffiti en el mundo clásico tenía un significado y un contenido completamente diferentes que en sociedad moderna. Los graffiti antiguos eran confesiones de amor, retórica política y pensamientos simples que podrían compararse con los mensajes populares de hoy sobre ideales sociales y políticos. Como manifestación de la creatividad "de base", el "graffiti" interesó a muchos artistas que buscaban liberarse de convenciones y estereotipos. . Las obras de Joan Miro y Paul Klee son similares en estilo a las "imágenes" del arte callejero. El graffiti fue apreciado por Picasso y Hugo. También se encuentra algo similar al graffiti en las cuevas de los pueblos antiguos, así como en el antiguo Egipto y Grecia.

Propósito Graffiti Los graffiti pueden ser los dibujos o inscripciones más simples, pero generalmente son composiciones monocromáticas o multicolores bastante complejas. Los autores de graffiti se llaman escritores - "escritores". Existe una versión de que el desarrollo de imágenes callejeras fue apoyado por narcotraficantes emprendedores, quienes, utilizando dibujos e inscripciones encriptadas que no le dijeron ni a la policía ni a los transeúntes, les dijeron a los adolescentes el lugar donde se vendían las drogas, los precios, etc. . Con el tiempo, de una forma secreta de comunicación, el "graffiti" se ha convertido en un medio común de comunicación para los adolescentes. Por lo general, son gráficos "jugosos" voluminosos, en su mayoría rojos, negros y azules.

Herramientas de graffiti La herramienta ideal para la autoexpresión es una lata de pintura en aerosol ordinaria, que actúa como un desodorante. Es transportable, satisface plenamente las necesidades de velocidad y facilidad de dibujo, eficiencia visual, la pintura se adapta perfectamente a la mayoría de las superficies existentes. Los diferentes tamaños de boquillas y salidas de los botes de spray contribuyen a la consecución de todo tipo de efectos especiales, creando potentes elementos gráficos y la ilusión de movilidad de la imagen. Combinando la técnica del cubismo y la abstracción arte Grafico El estilo graffiti, a menudo difícil de leer, da a las composiciones algo de misterio.

Style Wars Una revolución de estilo se produjo cuando Pistol 1, el maestro de Brooklyn, pintó por primera vez en 3D. El trabajo consistía en el propio nombre en rojo y blanco con un borde azul, dándole una sensación tridimensional. Escritores de todo Nueva York acudieron en masa para apreciar su trabajo. Después de un tiempo, todos estaban haciendo 3D con sus propios toques. Las guerras de estilo han comenzado. Tan pronto como la cultura se afirmó en voz completa, fue rodada documental"Style Wars" (1984), libros escritos.

Problemas con las autoridades Otro punto delicado es la relación con las autoridades de la ciudad. Mientras hay graffiti, tanto se persigue. Quienes velan por el orden público insisten en que la pintura de bienes municipales representa una grave amenaza para la sociedad. Muchos ciclistas estadounidenses pagaron por su trabajo con multas impresionantes, algunos fueron a la cárcel. En muchas ciudades, a los grafiteros se les asignaban los llamados muros y patios legales. Pero no hay suficientes áreas oficialmente permitidas para todos.

Estilo y técnica del graffiti. clase especial el arte urbano "underground" está en constante evolución y mejora. Cada país aportó algo nuevo y fresco a este arte. El grafiti no se puede controlar ni erradicar prohibiéndolo. Por lo tanto, como forma de arte y medio para expresar puntos de vista, es flexible, inclusivo y libre de censura.