Originalnost ruskog slikarstva kasnog XIX - početka XX veka.

Kao iu književnosti, bilo je iu likovnoj umjetnosti mnoge destinacije: od realizma, koji je nastavio tradiciju lutalica 19. stoljeća, do avangardizma, koji je stvorio savremenu umjetnost, umjetnost sutrašnjice. Svaki trend imao je svoje fanove i protivnike.

U to vrijeme dolazi do postepenog opadanja žanrovskog slikarstva - osnove umjetnosti lutalica, te procvata portretne umjetnosti, grafike, pozorišne i dekorativne umjetnosti.

U tom periodu, uz "Udruženje putujućih izložbi", stvoreno je niz novih udruženja umetnika: "Svet umetnosti" u Sankt Peterburgu (1899-1924; S. Djagilev - osnivač, A. Benoa, K. Somov, L. Bakst, I. Grabar, A. Ostroumova-Lebedeva i drugi), "Unija ruskih umetnika" u Moskvi (1903-1923; K. Korovin, K. Yuon, A. Arkhipov i drugi), "Plava ruža " (1907; P. Kuznjecov, V. Maryan, S. Sudeikin i drugi), "Dijamantski jack" (1910-1916; P. Končalovski, R. Falk, A. Lentulov i drugi). Sastav udruženja bio je fluidan i pokretljiv. Dinamika razvoja događaja bila je visoka, često su sami organizatori, a članovi napuštali jedan sindikat i prelazili u drugi. Brzina umjetničke evolucije postepeno se povećavala.

Karakteristične karakteristike period su:

• usklađenost neujednačenog razvoja razne vrste umjetnost: arhitektura, umjetnost i zanati, knjižna grafika, skulptura, pozorišna scenografija postaju uz slikarstvo; hegemonija štafelajnog slikarstva sredine veka je prošlost;
• formira se novi tip univerzalnog umjetnika koji "može sve" - ​​naslikati sliku i ukrasni pano, izvesti vinjetu za knjigu i monumentalnu sliku, izraditi skulpturu i "komponirati" kazališnu nošnju (Vrubel, umjetnici sv. svijet umjetnosti);
• izvanredna aktivnost izložbenog života u odnosu na prethodni period;
• zanimanje za umjetnost finansijskih krugova, nastanak kulture pokroviteljstva itd.

Realistički trend u slikarstvu zastupao je I. E. Repin. Od 1909. do 1916. naslikao je mnoge portrete: P. Stolypina, psihijatra V. Bekhtereva i dr. Od 1917. umjetnik se pokazao kao "emigrant", nakon što je Finska stekla nezavisnost.

Novo slikarstvo i novi umjetnici

Burno vrijeme traganja dalo je svijetu novo slikarstvo i velika imena umjetnika. Pogledajmo pobliže rad nekih od njih.

Valentin Aleksandrovič Serov (1865-1911)

Valentin Aleksandrovič Serov(1865-1911). V. A. Serov je rođen u porodici istaknutog ruskog kompozitora Aleksandra Nikolajeviča Serova, autora opera Judita, Rogneda, neprijateljska sila. Veliku ulogu u oblikovanju njegove ličnosti imala je umjetnikova majka, također kompozitorka i pijanistica. Od svoje 10. godine V. Serov je učio crtanje i slikanje kod I. Repina, po njegovom savjetu 1880. godine upisao je Akademiju umjetnosti i studirao kod poznatog učitelja Pavla Petroviča Čistjakova (1832-1919), koji je spojio tradiciju akademskog obrazovanje sa tradicijama realizma. Fenomenalna izvedba i posvećenost, prirodni originalni talenat pretvorili su Serova u jednog od najboljih i najraznovrsnijih umjetnika prijelaza stoljeća.

Imao je posebnu ulogu u kreativnoj biografiji Serova Abramcevski krug(Mamut krug). Upravo je u Abramcevu 22-godišnji Serov napisao „Devojku sa breskvama“ (1887, Vera Mamontova) (sl. 27), a godinu dana kasnije novo remek delo – „Devojka obasjana suncem“ (Maša Simonovič ). S tim radovima počinje Serovljeva slava. Valentin je bio mlad, srećan, zaljubljen, ženio se, hteo je da napiše nešto drago, lepo, da ostavi po strani spletke Lutalica. Ovdje su žanrovi pomiješani portret pomiješan s pejzažom, sa interijerom. Ovu mješavinu su voljeli impresionisti. Postoji razlog da se veruje da je Serov počeo kao impresionista.

Razdoblje opijenosti svijetom kratko traje, postepeno impresionizam jenjava, umjetnik ima duboke, ozbiljne poglede. 90-ih godina. postaje prvorazredni slikar portreta. Serova zanima identitet kreatora: umjetnik, pisac, umjetnik. Do tog vremena, njegov pogled na model se promijenio. Bio je zainteresovan važne karakterne osobine. U svom radu na portretima razvio je ideju "razumne umjetnosti", umjetnik je svoje oko podredio razumu. U to vrijeme pojavio se "Portret umjetnika Levitana", dosta slika djece, portreta tužnih žena.

Drugi trend u Serovljevom slikarstvu 1890-1900 su radovi posvećeni Rusko selo u kojoj se spajaju žanrovski i pejzažni počeci. "Oktobar. Domotkanovo" je jednostavna ruralna Rusija sa kravama, pastirom, rasklimanim kolibama.

Burna vremena početka 20. veka. promijenio umjetnika i njegovu sliku. Serov počinje da se bavi zadatkom transformacije stvarnosti, pisanjem, a ne pisanjem iz prirode.

Na portretu prelazi u monumentalnu formu. Veličina platna se povećava. Sve češće se figura crta u punom rastu. To su poznati portreti M. Gorkog, M. N. Ermolove, F. I. Šaljapina (1905). Nije zaobišla Serova i strast za modernošću. To se može vidjeti na portretu poznate plesačice "Ide Rubinstein" (1910). Golo tijelo naglašava ekstravagantno ponašanje, a ujedno i njen tragični slom. Ona je, poput prekrasnog leptira, prikovana za platno. A figura djeluje krhko i netjelesno. Na slici su samo 3 boje. Blizu je ovom stilu i "Portret O. K. Orlove" (1911).

Tokom godina 1900-1910. Serov adrese istorijskim i mitološkim žanrovima. "Petar I" (1907) je mala slika rađena temperom. Ovdje nema prekretnica, ali postoji duh epohe. Kralj na ostrvu Vasiljevski je i veliki i užasan.

Na kraju se zanio antičke mitologije. Nakon putovanja u Grčku, pojavljuje se fantastična i stvarna slika "Otmica Evrope" (1910.). U njemu je došao do nastanka mita i približio nam antiku - Serov je stajao na pragu novog otkrića, budući da nikada nije stao na licu mesta. Napravio je ogroman stvaralački put, okušajući se u nekoliko pravaca i u mnogim slikovnim žanrovima.

U godinama 1. ruske revolucije Serov se pokazao kao čovek humanističkih ideala. Kao odgovor na izvođenje mirnih demonstracija 9. januara, dao je ostavku na akademsko zvanje i dao ostavku na Moskovsku školu za slikarstvo, vajarstvo i arhitekturu, gde je predavao sa Konstantinom Korovinom od 1901. godine i obučavao plejadu izuzetnih umetnika, uključujući P. Kuznjecov, K. Petrov-Vodkin, S. Sudeikin, R. Falk, K. Yuon, I. Maškov i drugi.

Viktor Elpidiforovič Borisov-Musatov (1870-1905)

Viktor Elpidiforovič Borisov-Musatov(1870-1905). Umjetnik je došao iz najobičnije porodice Saratov, njegov otac je služio kao računovođa željeznica. U dobi od tri godine dogodila mu se nesreća - usljed pada dječak je ozlijedio kičmu, što je kasnije izazvalo prestanak rasta i pojavu grbe. Pojava je učinila da umjetnik pati od usamljenosti, od različitosti od drugih, od fizičkog bola. Ali sve ga to nije spriječilo da tokom godina studija bude lider među mladim umjetnicima. Bio je upadljiva osoba - suzdržan, ozbiljan, šarmantan, naglašeno elegantan, odeven pažljivo, čak i elegantno. Nosio je moderne svijetle kravate i tešku srebrnu zmijsku narukvicu.

Tokom godina studija (1890 - MUZHVZ, 1891 - Akademija umjetnosti, 1893 - Moskva, 1895 - Pariz) dodao je drugi dio prezimena Borisov, nazvanog po njegovom djedu, što mu je dalo aristokratsku zvučnost. Tokom ovih godina u Moskvi, gaji snažna osećanja za šarmantnu, veselu devojku Elenu Vladimirovnu Aleksandrovu. Koja će tek 1902. postati njegova žena i roditi mu kćer. Umjetnik je prikazao Elenu Vladimirovnu na slici "Rezervoar" zajedno sa svojom sestrom.

Neobična kreativnost Borisova-Musatova svrstava se u različite oblasti. Neko ga klasifikuje umjetnici simbolisti, neko vjeruje da je njegova umjetnost, počevši od impresionizma, postala postimpresionistička u slikovnoj i dekorativnoj verziji. Bez obzira kojem smjeru pripada, njegova umjetnost je bila originalna i imala je direktan utjecaj na grupu umjetnika koji su se pojavili 1907. godine na izložbi Plava ruža (plava ruža je simbol neostvarenog sna).

Njegove slike- ovo je čežnja za izgubljenom ljepotom i skladom, elegična poezija praznih starih imanja i parkova. Ova umiruća "plemenita gnijezda" su nemoguća bez ženskih slika. Omiljeni model bio je njegov mlađi sestra Elena("Autoportret sa sestrom", 1898, "Tapiserija", 1901, itd.), bila mu je i pomoćnica i bliska prijateljica. Na većini slika Borisova-Musatova nema narativnog početka, nema zapleta. Ovdje je glavna stvar igra boja, svjetla, linija. Gledalac se divi ljepoti same slike, njenoj muzikalnosti. Borisov-Musatov je, bolje od drugih, bio u stanju da otkrije vezu između zvukova i slike. Musatovljev svijet je takoreći izvan vremena i prostora. Njegove slike su slične starim tapiserijama ("Smaragdna ogrlica" 1903-1904, "Bank", 1902, itd.), koje su rađene u izvrsnoj hladnoj "Musatovskoj skali" sa prevlašću plavih, zelenih i ljubičastih tonova. Boja je za umjetnika bila glavno izražajno sredstvo njegovih muzičkih i poetskih platna, u kojima je jasno zvučala "melodija davne tuge".

Mihail Aleksandrovič Vrubel (1856-1910)

Mihail Aleksandrovič Vrubel(1856-1910). Mihail Vrubel je rođen 17. marta 1856. godine u Omsku, otac mu je bio vojnik i porodica je često mijenjala mjesto stanovanja.

Vrubel je 1880. godine upisao Akademiju umjetnosti (zajedno sa Serovom), prije toga je diplomirao na Pravnom fakultetu Univerziteta u Sankt Peterburgu i Gimnaziju Richelieu u Odesi sa zlatnom medaljom.

Godine 1884. napustio je Čistjakovljevu radionicu i otišao u Kijev, gdje je nadgledao restauraciju fresaka u crkvi Svetog Kirila i izveo niz monumentalnih kompozicija. Vrubelov san je bio da naslika Vladimirsku katedralu u Kijevu, ali Vasnjecov je već radio tamo, ali se tada pojavila serija akvarela sa temama "Nadgrobni spomenik" i "Vaskrsenje", u kojima se oblikovao jedinstveni Vrubelov stil. Vrubelov stil se zasniva na drobljenju površine forme u oštre, oštre ivice, upoređivanje predmeta sa nekom vrstom kristalnih formacija. Boja je vrsta osvjetljenja, svjetlost koja prodire kroz aspekte kristalnih oblika.

Vrubel dovodi do štafelajnog slikarstva monumentalnost. Tako je napisan "Demon koji sjedi" (1890). Svjetlost ovdje dolazi iznutra, nalik na efekat vitraža. Vrubelov Demon nije đavo, on je uporediv sa prorokom, Faustom, Hamletom. Ovo je personifikacija titanske snage i bolne unutrašnje borbe. On je lijep i veličanstven, ali u njegovim očima koje gledaju u ponor, u pokretu sklopljenih ruku čita se bezgranična čežnja. Slika Demona proći će kroz čitavo Vrubelovo stvaralaštvo („Demon leti“, 1899, „Demon srušen“, 1902; kako kažu savremenici i svjedoci, do nas nisu došle najbolje verzije Demona). Godine 1906. simbolističke orgulje - časopis "Zlatno runo" - objavile su pjesmu V. Brjusova "M. I. Vrubelu", napisanu pod utiskom "Demon poražen":

I u času ognjenog zalaska sunca
Videli ste između drevnih planina,
Kao duh veličine i prokletstva
Pao u rupu sa visine.
A tamo, u svečanoj pustinji,
Samo si ti shvatio do kraja
Raširenih krila svjetlucaju paunovi
I tuga lica Edena!

Radeći u Kijevu, Vrubel je bio prosjak, bio je prisiljen da radi u školi crtanja, daje privatne časove, fotografiše u boji. U dobi od 33 godine, briljantni umjetnik zauvijek je napustio Kijev (1889) i otišao u Moskvu. Nastanio se u radionici Serova i Korovina. Korovin ga je uveo u mamutski krug. I sam Savva Ivanovič Mamontov igrao je veliku ulogu u Vrubelovom životu. Ponudio mu je da se nastani u svojoj vili u Sadovo-Spasskoj ulici, a da leti radi u Abramcevu. Zahvaljujući Mamontovu, više puta je putovao u inostranstvo.

Moskovski period stvaralaštva bio je najintenzivniji, ali najtragičniji. Vrubel se često našao u centru kontroverzi. Ako ga je Stasov nazvao dekadentom, onda se Rerih divio genijalnosti njegovog rada. To je razumljivo, jer sam Vrubelov rad nije bio bez kontradikcija i poricanja. Njegov rad je dobio najviše nagrade u međunarodne izložbe(zlatna medalja u Parizu 1900. za kamin od majolike) i prljava kletva zvanične reakcionarne kritike. Na platnima umjetnika prevladava hladna, noćna boja. Poezija noći trijumfuje u slikovitoj panoi "Jorgovan", u pejzažu "Prema noći" (1990), u mitološkoj slici "Pan" (1899), u bajkovitoj "Princeza labud" (1900) (ill. 28). Mnoge Vrubelove slike su autobiografske.

U životu je prošao kroz period neprepoznavanja, lutanja, nesređenog života. Zvezda nade zasvetlela je od trenutka upoznavanja Nadežde Zabele - operska pevačica(1896), koja ga je uvela u svet muzike, zbližila ga je sa Rimskim-Korsakovim (pod uticajem prijateljstva sa kompozitorom i njegovom muzikom, Vrubel je naslikao njegova fantastična platna "Princeza labud", "Trideset i tri Bogatira" itd., završio skulpture "Volhov", "Mizgir" itd.). Ali jaka nervna napetost dala se osjetiti. 1903. godine, nakon smrti dvogodišnjeg sina Savve, sam je tražio da bude odveden u bolnicu za duševne bolesnike. U trenucima prosvetljenja svesti ispisao je, među naslikana još 2 portreta svoje Nadežde (prvi na pozadini golih jesenjih breza, 2. posle predstave, kraj otvorenog kamina). Pred kraj života oslijepio je. 14. aprila 1910

Mihail Aleksandrovič Vrubel preminuo je u klinici u Sankt Peterburgu dr Bari. Godine 1910. veliki broj ljudi učestvovao je na sahrani umjetnika 16. aprila na groblju Novodevičkog samostana u Sankt Peterburgu. A. Blok je na grobu govorio: "...Pred onim što Vrubel i njemu slični otkrivaju čovečanstvu jednom u veku - mogu samo da drhtim. Ne vidimo one svetove koje su oni videli." Vrubelovo stvaralačko nasljeđe je vrlo raznoliko štafelajne slike do monumentalnih murala, od majolike do oblina, od dizajna predstava u Mamontovoj privatnoj operi do dizajna enterijera vile Morozov arhitekte Fjodora Osipoviča Šehtela. Možda ga zato neki nazivaju simbolističkim umjetnikom i upoređuju njegov rad sa Skrjabinovim simfonijama, ranom poezijom Bloka i Brjusova, drugi - umjetnikom modernog stila. Možda su oboje u pravu. On sam sebe nije smatrao pripadnikom nijedne struje, jedini kult za njega bila je ljepota, ali sa vrubelovskom prizvukom melanholije i "božanske dosade".

"Svijet umjetnosti" (1899-1924)

Krajem 1890-ih, uz finansijsku podršku princeze Tenisheve i Mamontova, Sergej Pavlovič Djagiljev je osnovao časopis "Svijet umjetnosti", na koji je potrošio većinu svog bogatstva. Ubrzo je naziv časopisa postao uobičajen i postao definicija cijele estetske platforme.

"Svijet umjetnosti" bio je svojevrsna reakcija kreativne inteligencije Rusije na pretjerani publicizam likovne umjetnosti lutalica, na politizaciju cijele kulture u cjelini, zbog pogoršanja opće krize Rusko carstvo. Glavno jezgro redakcije časopisa činili su mladi umetnici i pisci koji su se družili od školskih dana: Somov, Benoa, Bakst, Dobužinski, Rerih, Serov, Korovin, Vrubel, Bilibin. Njihovi radovi bili su ostrva lepote u kontradiktornom složenom svetu. Okrećući se umjetnosti prošlosti uz otvoreno odbacivanje moderne stvarnosti, svijet umjetnosti upoznao je rusku javnost sa novim umjetničkim trendovima u Rusiji (impresionizam), a otkrio je i velika imena Rokotova, Lavitskog, Borovikovskog i drugih zaboravljenih od suvremenika. .

Časopis je imao najviši kvalitet štampe sa mnogo ilustracija - bio je skupo izdanje. Mamontov je 1904. pretrpio velike finansijske gubitke. Djagiljev je učinio sve što je bilo moguće da spasi časopis. Veći dio vlastitog kapitala potrošio je da nastavi objavljivati, ali su troškovi nekontrolirano rasli i izdavanje je moralo biti prekinuto.

A 1906. godine Djagiljev je uspeo da organizuje izložbu ruskog slikarstva u Parizu u okviru Jesenjeg salona.

Prvi put na ovoj izložbi Pariz je vidio Ruski slikari i vajari. Zastupljene su bile sve slikarske škole, od ranih ikona do fantazija najavangardnijih eksperimentatora. Uspjeh izložbe bio je ogroman.

Zadržimo se detaljnije na nekim članovima ovog društva (promijenjeno je članstvo u "Svijetu umjetnosti").

Estetski zakonodavac i ideolog "Svijeta umjetnosti" bio je Alexander Benois. Miriskusnici nisu hteli da u svom radu zavise od teme dana, kao realisti, Lutalice. Zalagali su se za individualnu slobodu umjetnika, koji sve može obožavati i prikazati na platnima. Ali postojalo je vrlo značajno ograničenje: samo ljepota i divljenje ljepoti mogu biti izvor kreativnosti. Moderna stvarnost je tuđa ljepoti, što znači da umjetnost i slavna prošlost mogu biti izvor ljepote. Otuda izolacija Sveta umetnosti od života, napadi na seljački realizam Lutalica, prezir prema prozi građanskog društva.

Aleksandar Nikolajevič Benoa (1870-1961)

Aleksandar Nikolajevič Benoa(1870-1961) rođen je u porodici peterburškog dvorskog arhitekte. Odrastao je u atmosferi zasićenoj zanimanjem za dvorsku umjetnost prošlosti. Studirao je na Akademiji umjetnosti i pohađao radionicu I. E. Repina.

Benois je bio ideolog "Svijet umjetnosti". Omiljeni motiv njegovih slika bio je kraljevski sjaj aristokratske umjetnosti. Odbijajući da traži lepotu u haosu života, Benoit se okrenuo prošlim umetničkim epohama. oslikavanje vremena Louis XIV, Elizabete i Katarine, zanesen ljepotom Versaja, Carskog Sela, Peterhofa i Pavlovska, osjećao je da je sve to zauvijek nestalo („Kupanje markize“, 1906, „Kralj“, 1906, „Parada pod Pavlom I“ , 1907, itd.; iste motive srećemo kod E. Lansenrea (1875-1946), "Carica Elizaveta Petrovna u Carskom Selu" i dr.).

Ali Benoa je morao da se suoči sa istinom života kroz dela Puškina, Dostojevskog, Tolstoja, Čajkovskog, Musorgskog, kada je radio na ilustracijama knjiga i pozorišnim scenografijama za njihova dela.

Sloboda, inventivnost i unutrašnja energija crteža odlikovale su Benoitove ilustracije za " Bronzani konjanik„A. S. Puškin. Kada Benois prenosi poteru za kraljevskim jahačem za Eugeneom, on se uzdiže do istinskog patosa: umetnik vuče osvetu za „pobunu“ malog čoveka protiv genija osnivača Sankt Peterburga.

Rad na pozorišnim scenama Benois je koristio program Svet umetnosti, jer je pozorišni spektakl bizarna fikcija, „scenska magija“, veštačke fatamorgane. Zvali su ga "pozorišni čarobnjak". U direktnoj je vezi sa slavom ruske umetnosti u Parizu tokom pozorišnih sezona Sergeja Djagiljeva (Benoa je umetnički direktor pozorišnih sezona u Parizu 1908-1911). Kreirao je scenografiju za Wagnerovu operu Pad bogova (Mariinski teatar, 1902-1903), Čerepnjinov balet Paviljon Artemide u Marijinskom teatru 1907 i 1909, balet Stravinskog Petruška ( veliko pozorište, 1911-12), opera Slavuj (Djagilevljev antreprize u Parizu, 1909).

Benois je u svojim djelima rado pribjegavao oblicima dvorskog pozorišta 17.-18. vijeka, metodama starih stranih komedija, šašavosti, farsi, gdje je postojao fantastični izmišljeni "Svijet umjetnosti".

Benois je prihvatio sugestiju Stanislavskog i osmislio nekoliko predstava Moskovskog umjetničkog pozorišta, među kojima su "Umišljeni bolesnik", "Ženidba u zatočeništvu" od Molijera (1912), "Haćica gostionice" od Goldonija (1913), Kameni gost, "Gozba za vreme kuge", "Mocart i Salijeri" Puškina (1914.) Benoa je uneo pravi dramatični patos u ove prizore.

Slikar i grafičar, odličan ilustrator i profinjen dizajner knjiga, pozorišni umetnik Sa svetskom slavom i rediteljem, jednim od najvećih ruskih likovnih kritičara, Benois je učinio mnogo da rusko slikarstvo zauzme mesto koje mu pripada u istoriji svetske umetnosti.

Konstantin Andrejevič Somov (1869-1939)

Konstantin Andrejevič Somov(1869-1939) - sin poznatog istoričara i likovnog kritičara, jedan od najvećih majstora "Sveta umetnosti" u svom delu takođe se prepustio hirovima mašte. Somov je završio Akademiju umjetnosti u Sankt Peterburgu, sjajan je član Repina, školovanje je nastavio u Parizu.

Njegovo "dama u plavom"(1900) nazivaju muzom "Svijeta umjetnosti", koji je uronjen u snove prošlosti.

Ovaj portret umjetnice E. M. Martynove (1897-1900) (ill. 30) je Somovljev programski rad. Odjevena u staru haljinu, junakinja, sa izrazom umora i melanholije, nesposobnosti da se bori u životu, tjera je da psihički osjeti dubinu ponora koji dijeli prošlost od sadašnjosti. U ovom Somovljevom djelu najiskrenije je izražena pesimistična pozadina „napuštenosti u prošlost“ i nemogućnosti savremenog čovjeka da pronađe spas od samog sebe.

Koji su likovi i zapleti drugih Somovljevih slika?

Ljubavna igra - sastanci, beleške, poljupci u uličicama, baštama ili raskošno ukrašenim budoarima - uobičajena zabava somovskih junaka sa napudranim perikama, visokim frizurama, izvezenim kamsolama i haljinama sa krinolinama ("Porodična sreća", "Ostrvo ljubavi" ", 1900., "Dama u ružičastoj haljini, 1903., Uspavana markiza, 1903., Vatromet, 1904., Harlekin i smrt, 1907., Smiješni poljubac, 1908., Pierrot i dama, 1910., Dama i đavo 19 i 17 drugi).

Ali u zabavi Somovljevih slika nema prave vedrine. Ljudi se ne raduju zbog punoće života, već zbog činjenice da ništa drugo ne znaju. Ovo nije veseo svijet, već svijet osuđen na zabavu, na zamorni vječni praznik koji ljude pretvara u lutke sablasne potrage za životnim zadovoljstvima.

Život se poredi sa lutkarskim pozorištem, pa se kroz slike prošlosti dala ocena života, savremenog Somovu.

U drugoj polovini 1900-ih Somov stvara seriju portreta umjetničkog i aristokratskog miljea. Ovoj seriji pripadaju partreti A. Bloka, M. Kuzmina, M. Dobužinskog, E. Lanserea.

Od 1923. Somov je živio u inostranstvu i umro u Parizu.

Mstislav Valerijanovič Dobužinski (1875-1957)

Mstislav Valerijanovič Dobužinski(1875-1957), Litvanac po nacionalnosti, rođen je u Novgorodu. Likovno obrazovanje stekao je u školi crtanja Društva za podsticanje umetnika u Sankt Peterburgu, koju je pohađao uporedo sa studijama na univerzitetu od 1885. do 1887. Zatim je nastavio studije umetnosti u Minhenu u ateljeima A. Ashbe i S. Holloshy (1899-1901). Vrativši se u Sankt Peterburg, 1902. postaje član "Svijeta umjetnosti".

Među umjetnicima "Svijeta umjetnosti" Dobužinski se isticao svojim tematski repertoar posvećen modernom gradu, ako su Benois i Lansere stvorili sliku grada prošlih epoha punog harmonične ljepote, onda je grad Dobužinski izrazito moderan.

Mračni sumorni peterburški bunari, kao u Dostojevskom („Dvorište“, 1903, „Kuća u Sankt Peterburgu“, 1905), izražavaju temu bijednog postojanja čoveka u kamenoj vreći ruski kapital.

U slikama prošlosti Dobužinski se kroz suze smeje kao Gogolj. "Ruska provincija 1830-ih." (1907-1909) prikazuje i prljavštinu na trgu, lijenu stražu i dotjeranu gospođicu i jato vrana koje kruže nad gradom.

U liku muškarca Dobužinski takođe donosi trenutak nemilosrdnog dramatičnog osećaja za vreme. U liku pjesnika K. A. Sunnenberga ("Čovjek s naočalama", 1905-1997) (sl. 31), majstor koncentriše crte ruskog intelektualca. Ima nečeg demonskog i patetičnog u ovom čoveku u isto vreme. On je užasno stvorenje i istovremeno žrtva modernog grada.

Urbanizam moderne civilizacije vrši pritisak na ljubavnike („Ljubavnike“), za koje je malo vjerovatno da će moći sačuvati čistoću svojih osjećaja u pokvarenoj stvarnosti.

Dobužinski nije izbegavao strast prema pozorištu. Poput mnogih, Dobužinski se nadao da će uticati na životni poredak kroz umetnost. Najpovoljnije uslove za to pružilo je pozorište, gde su uz pisca-dramskog pisca, reditelja i glumce radili slikari i muzičari, stvarajući jedno delo za veliki broj gledalaca.

U Antičkom pozorištu izveo je scenografiju za srednjovjekovnu predstavu Adama de la Halea "Igra Robina i Marion" (1907), stilizirajući srednjovjekovnu minijaturu, umjetnik je stvorio spektakl veličanstven po svojoj fantastičnosti. Stilizirajući lubok, scenografija za "Demonsku akciju" A. M. Remizova (1907) napravljena je u pozorištu V. F. Komissarževske.

Prema skicama Dobužinskog, napravljena je scenografija za dramu A. A. Bloka "Ruža i krst" (1917).

U Moskovskom umetničkom pozorištu Dobužinski je dizajnirao predstavu „Nikolaj Stavrogin” prema drami Dostojevskog „Demoni”. Sada, već na sceni, Dobužinski je izrazio svoj stav prema neljudskom svetu, sakaćenju duša i života.

Dobužinski je izvodio skice kostima i scenografije za muzičke nastupe.

Dobužinski je otišao 1925 Sovjetski savez, živio u Litvaniji, od 1939. - Engleska, SAD, preminuo u Njujorku.

Lev Bakst

Odlikovao se zanimljivim radovima u pozorišnoj i dekorativnoj umjetnosti. Lev Bakst(1866-1924). Remek-djela su bila njegova scenografija i kostimi za Šeherezadu Rimskog-Korsakova (1910), Žar pticu Stravinskog (1910), Ravelovog Dafnisa i Kloe (1912), Debisijevo Faunovo popodne (1912) u izvedbi Vasslava Niženskog. Svi ovi nastupi doveli su parišku publiku u neopisivo oduševljenje tokom antreprize Sergeja Djagiljeva.

Boris Mihajlovič Kustodijev (1878-1927)

Za Boris Mihajlovič Kustodijev(1878-1927) bili su izvor kreativne inspiracije tradicionalne karakteristike ruskog nacionalnog života. Voleo je da prikazuje mirnu patrijarhalnu provinciju, vesele seoske praznike i vašare sa svojim raznobojnim cincetom i sarafanima, karnevale blistave mraznim snegom i suncem sa ringišpilima, separeima, raskošnim trojkama, kao i prizore trgovačkog života - posebno trgovaca, obučenih u raskošnim haljinama, svečano ispijanje čaja ili tradicionalna šoping putovanja u pratnji lakeja ("Trgovac", 1915., "Maslenica", 1916. itd.).

Likovno obrazovanje Kustodiev je započeo u svojoj domovini, u Austrahanu. Godine 1896. premješten je u Repinovu radionicu, nakon 5 godina diplomirao je na koledžu s pravom povlačenja u Pariz.

Recimo nekoliko riječi o studiranju na Akademiji umjetnosti. Godine 1893. izvršena je reforma na Akademiji, njena struktura i priroda obrazovanja su se promijenili. Učenici nakon opšte nastave počeli su da rade u radionicama, vodili su ih istaknuti umetnici tog vremena: 1894. I. E. Repin, V. D. Polenov, A. I. Kuindži, I. I. Šiškin, V. A. Makovski, V. V. Mate, P. O. Kovalevsky.

Najpopularnija je bila Repinova radionica. Bio je u fokusu naprednih umjetničkih i javnih interesa. "Cijela snaga poreformske akademije sada je koncentrisana u gradovima Repin i Mate", napisao je A. N. Benois u članku "Studentske izložbe na Akademiji". Repin je kod svojih učenika razvio duh kreativnosti, društvene aktivnosti, zaštitio njihovu individualnost. Nije ni čudo što su tako različiti i različiti umjetnici kao što su K. A. Somov, I. Ya. Bilibin, F. A. Malyavin, I. I. Brodsky, B. M. Kustodiev, A. P. Ostroumova izašli iz Repinove radionice - Lebedeva i dr. Upravo su Repinovi učenici iznijeli razornu kritiku starih sistema tokom godina 1. ruske revolucije, koji je aktivno govorio u štampi tokom revolucije 1905-1907. sa karikaturama protiv cara i generala koji su vršili represalije nad pobunjenim narodom. U to vrijeme pojavilo se mnogo časopisa ("Sting", "Zhupel" itd.), oko 380 naslova koji su odgovarali na današnju temu, u kojima su štampana grafička djela (ovo vrijeme se smatra procvatom grafike). Među njima je bio i Kustodijev.

Konačno sazrijevanje rada umjetnika Kustodieva pada na 1911-1912. U tim godinama njegovo slikarstvo dobija onu svečanost i većinu, onu dekorativnost i kolorit koji su postali karakteristični za zrelog Kustodijeva („Trgovska žena“, 1912. „Trgovska žena“, 1915., „Poslanica“, 1916., „Gozba u Selo“ itd.). Ispostavilo se da je kreativni impuls jači od bolesti, 1911-1912. dugogodišnja bolest se pretvorila u tešku za umjetnika neizlječiva bolest- potpuna nepokretnost nogu... Tokom ovih godina upoznaje Bloka, čije stihove o trgovačkom staležu:

... I ispod kandila kod ikone
Pijem čaj, skidam račun,
Zatim okrenite kupone
Trbušasto otvaranje komode.
I na perjanicama
Padanje u dubok san...

Prilaze trgovcima Kustodievu, njegovom "Ipiju čaj", trgovac koji broji novac, punašna lepotica, uronjena u vruće jakne.

Godine 1914-1915. Kustodijev nadahnuto radi na poziv Stanislavskog u Moskovskom umjetničkom pozorištu, gdje je dizajnirao predstave "Smrt Pazuhina" M.E. Saltikova-Ščedrina, "Jesenje violine" D.S. Surgučeva i druge.

Njegova remek djela povezana su s posljednjim periodom stvaralaštva:

• slike "Balagany", "Trgovac za čaj", "Plava kuća", " Ruska Venera",
• scenografija za predstave "Grom", "Snjegurica", "Neprijateljska sila" A. N. Serova, "Careva nevesta", "Buva",
• ilustracije za radove N. S. Leskova, N. A. Nekrasova,
• litografije i linorezi.

Kustodijevljeva kuća je bila jedna od njih umetnički centri Petrograd - A. M. Gorki, A. N. Tolstoj, K. A. Fedin, V. Ja. Šiškov, M. V. Nesterov (sl. 29), S. T. Konenkov, F. I. Šaljapin su bili ovde i mnogi drugi: dečak Mitja Šostakovič je došao ovde da igra.

Kustodijev je stvorio celinu galerija portreta njegovih savremenika:

• umjetnici ("Grupni portret umjetnika "Svijeta umjetnosti", 1916-1920, portret I. Ya. Bilibina, 1901, portret V. V. Mate, 1902, autoportreti različitih godina, itd.),
• umjetnici (Portret I. V. Eršova, 1905, portret E. A. Polevitske, 1095, portret V. I. Chaliapina, 1920-1921, itd.),
• pisci i pesnici (Portret F. Sologuba, 1907, portret V. Ja. Šiškova, 1926, Blokov portret, 1913, nije sačuvan, i mnogi drugi),
• kompozitori Skrjabin, Šostakovič.

Ako je u svom žanrovskom slikarstvu umjetnik utjelovio život u svim oblicima njegovog postojanja, često stvarajući hiperbolične slike, onda su njegovi portreti nastali u slikarstvu, skulpturi, crtežu i gravuri uvijek strogo autentični, životni.

"Čovek visokog duha" nazvao je Kustodijev V. I. Chaliapin, koji se nije odvajao od svog portreta koji je napravio Boris Mihajlovič.

Rascjep "Svijeta umjetnosti"

Sredinom 1900-ih. dolazi do raskola u redakciji časopisa Svijet umjetnosti, jer su se pogledi umjetnika razvili, a početni estetski stavovi mnogima prestali odgovarati. Izdavačka djelatnost je prestala, a od 1910. godine "Svijet umjetnosti" funkcionira isključivo kao izložbena organizacija, ne vezana, kao prije, jedinstvom stvaralačkih zadataka i stilskih orijentacija. Neki umjetnici su nastavili tradiciju starijih drugova.

Nikola Rerih (1874-1947)

Istaknuta uloga u ažuriranom "Svijetu umjetnosti" već 1910-ih. igrao Nikolas Roerich(1874-1947), bio je predsjednik društva 1910-1919.

Rerich, Kuindžijev student na Akademiji umjetnosti, naslijedio je od njega sklonost pojačanim šarenim efektima, posebnoj slikovitoj kompoziciji. Rerihov rad je povezan sa tradicijama simbolizma. Godine 1900-1910. posvetio je svoj rad starim Slovenima i Drevnoj Rusiji prvih godina kršćanstva, u to vrijeme Rerih je volio arheologiju i istoriju Drevne Rusije ("Prekomorski gosti", 1901). Drveni brod Varjaga podsjeća na "brata" - drevnu kutlaču koja spaja prijatelje i žestoke neprijatelje u gozbama. Jarke boje slike čine radnju više fantastičnom nego stvarnom.

Na mnogim Rerichovim slikama osjeća se utjecaj ikonopisa, koji je očito bio važan izvor u razvoju vlastitog stila.

Godine 1909. postao je akademik slikarstva. U 1900-im mnogo je radio za Moskovsko umjetničko pozorište, za "Ruska godišnja doba" S. P. Djagiljeva i kao muralist (crkva u Talaškinu). Roerich je autor mnogih članaka o umjetnosti, kao i proze, pjesama, putne bilješke. Mnogo vremena i energije posvetio je društvenim aktivnostima.

Godine 1916, iz zdravstvenih razloga, Rerih se nastanio u Serdobolu (Karelija), koji je 1918. prepušten Finskoj. Godine 1919. Roerich se preselio u Englesku, a zatim u Ameriku. 1920-1930-ih godina. vrši ekspedicije na Himalaje, Centralnu Aziju, Mandžuriju, Kinu. Sve se to odražava u njegovim radovima. Od 1920-ih živio u Indiji.

Petrov-Vodkin

Govoreći o "Svijetu umjetnosti", ne može se ne prisjetiti monumentalne umjetnosti Petrova-Vodkina, koji je tražio sintezu između modernog umjetničkog jezika i kulturno nasljeđe prošlosti. Na njegovom radu ćemo se detaljnije zadržati u narednom poglavlju.

Rezultati "Svijeta umjetnosti"

Sumirajući razgovor o "Svijetu umjetnosti", napominjemo da je ovo najsjajniji fenomen u kulturnom životu "Srebrnog doba", a značaj umjetnika ove grupe je u tome što su

• odbacio salonizam akademizma,
• odbacio tendencioznost (poučavanje) lutalica,
• stvorio idejni i umjetnički koncept ruske umjetnosti,
• otkrio savremenicima imena Rokotov, Levitsky, Kiprenski, Vetsianov,
• bili u konstanti u potrazi za novim,
• postigao svjetsko priznanje ruske kulture („Ruska godišnja doba“ u Parizu).

"Savez ruskih umetnika" (1903-1923)

Jedno od najvećih izložbenih udruženja ranog XX veka. bio "Savez ruskih umetnika". Inicijativa za njegovo stvaranje pripala je moskovskim slikarima - učesnicima izložbi svijeta umjetnosti, koji su bili nezadovoljni ograničenim estetskim programom Peterburžana "Svijeta umjetnosti". Osnivanje "Unije" datira iz 1903. Vrubel, Borisov-Musatov, Serov su bili učesnici prvih izložbi. Do 1910. godine svi glavni majstori svijeta umjetnosti bili su članovi "Unije". Ali lice "Unije" odredili su uglavnom slikari moskovske škole, diplomci Moskovske škole, koji su razvili tradicije Levitanovog lirskog pejzaža. Među članovima "Uniona" bili su i Lutalice, koji takođe nisu prihvatili "zapadnjaštvo" "Sveta umetnosti". Dakle, A. E. Arkhipov (1862-1930) istinito govori o teškom radnom životu naroda ("Peračice", 1901). U utrobi Unije nastala je ruska verzija slikovnog impresionizma sa svježom prirodom i poezijom seljačkih slika Rusije.

Otkrivena poezija ruske prirode I. E. Grabar(1874-1960). Sklad boja i šarena otkrića su upečatljiva na slici " februar plavo"(1904), koju je sam umjetnik nazvao "praznikom azurnog neba, bisernih breza, koraljnih grana i safirnih sjenki na jorgovanom snijegu." Iste godine naslikana je još jedna slika, odlikovana jedinstvenošću prolećne boje, "Martovski snijeg". Tekstura slike imitira površinu otopljenog martovskog snijega, a potezi podsjećaju na žubor izvorske vode.

U tim pejzažima Grabar je primijenio metodu divizionizma - razlaganje vidljive boje na spektralno čiste boje palete.

Seljačke motive srećemo kod F. A. Malyavina(1969-1940). U Vihoru (1906.) seljački cinci su se raspršili u divljem kolu, koji je formirao bizaran ukrasni uzorak u kojem se ističu lica djevojaka koje se smiju. Pobuna umjetnikovog kista uporediva je sa elementima seljačke bune. A. P. Rjabuškin, potomak običnih seljaka, koji je većinu svog života proveo u skromnom selu Korodin, okreće nas predpetrinskom životu seljaka i trgovaca, govori o ritualima, o narodni praznici i radnim danima. Njegovi likovi, pomalo konvencionalni, pomalo bajkoviti, zaleđeni su, kao u drevnim ikonama ("Vjenčani voz", 1901. itd.).

Zanimljiv umjetnik "Unije" je K. F. Yuon(187 5-1958). Njegove slike su originalna fuzija svakodnevnog žanra sa arhitektonskim pejzažom. On se divi panorami stare Moskve, drevnih ruskih gradova sa običnim uličnim životom.

Umjetnici "Unije" povezivali su nacionalni ruski okus sa zimom i ranim proljećem. I nije slučajno da je jedan od najboljih Yuonovih pejzaža "Martovsko sunce" (1915).

Ogromna većina umjetnika "Unije" nastavila je Savrasov-Levitansku liniju ruskog pejzaža.

Kuindži je nastavio tradiciju komponovanog dekorativnog pejzaža A. A. Rylov(1870-1939). U njegovom "Zelenom šumu" (1904) osjeća se optimizam i dinamika, duboko razumijevanje i herojski početak krajolika. Generalizacija slike prirode osjeća se na slikama "Labudovi nad Kamom" (1912), "Rijeka koja grmi", "Teskobna noć" (1917) itd.

Jedan od najpoznatijih umjetnika "Unije" bio je Korovin. Za njega su povezani prvi koraci ruskog slikarskog impresionizma.

Udruženje "Plava ruža"

Još jedno veliko umjetničko udruženje bilo je "plava ruža". Pod ovim imenom, 1907. godine u Moskvi, u kući M. Kuznjecova na Mjasničkoj, izložba 16 umjetnika- diplomci i studenti Moskovske škole za slikarstvo, vajarstvo i arhitekturu, među njima P. V. Kuznjecov, M. S. Sarjan, N. N. Sapunov, S. Ju. Sudeikin, N. Krimov, vajar A. Matvejev. Izložba nije imala ni manifest ni povelju. "Plavu ružu" je podržao i promovisao časopis "Zlatno runo", koji je sebe smatrao uporištem modernizma i glasnogovornikom "najnovijeg" (u odnosu na "Svet umetnosti") trenda u umetnosti.

Blue Rose Artists bili su sljedbenici Borisova-Musatova i nastojali su stvoriti simbol neprolazne ljepote. Naziv udruženja je također simboličan. No, Kuznjecov i Saryan ubrzo su pobjegli iz zatočeništva umjetnih aroma "tajnovitih vrtova". Kroz prizmu sna o bajkovitom, prosvijećenom svijetu, oni - vodeći umjetnici "ruže" - otvorili su temu Istoka. P. V. Kuznjecov(1878-1968) stvara seriju platna "Kyrgyz Suite". Pred nama je primitivna patrijarhalna idila, "zlatno doba", san o harmoniji između čovjeka i prirode, koji se ostvario ("Privid u stepi", 1912, itd.). M. S. Saryan(1880-1972), koji je zajedno sa Kuznjecovim završio razrede MUZhVZ-a, do kraja života je u svojim živopisnim, slikovitim platnima zadržao vjernost epskoj praiskonosti surove planinske prirode Jermenije. Saryanov kreativni stil odlikuje se lakonizmom ("Ulica. Podne. Carigrad", 1910, "Mule natovarene sijenom", 1910, "Egipatske maske", 1911, itd.). Prema teoriji simbolizma, umjetnici "Plave ruže" bili su podvrgnuti vizualnoj transformaciji slika stvarnosti kako bi se isključila mogućnost doslovnog opažanja stvari i pojava. Pozorište postaje sfera najefikasnije univerzalne transformacije stvarnosti. Stoga je slika "Plave ruže" bila u skladu sa simboličkom produkcijom V. Meyerholda.

N. N. Sapunov(1880-1912) i S. Yu Sudeikin(1882-1946) prvi su u Rusiji osmislili simboličke drame M. Maeterlincka (u Studijskom teatru na Povarskoj, 1905). Sapunov u Meyerholdu dizajnirao je produkcije Ibsenove Hedde Gabler, Blokove lutkarske predstave (1906). "Plava ruža" je svetla stranica u istoriji ruske umetnosti ranog 20. veka, puna poezije, snova, fantazije, jedinstvene lepote i duhovnosti.

Grupacija "Jack of Diamonds"

Na prijelazu 1910-1911. nova grupa podebljanog imena pojavljuje se na areni umjetničkog života "Jack of Diamonds". Srž društva do 1916. bili su umjetnici

• P. P. Konchalovsky ("Portret Jakulova", "Agava", 1916, "Portret Siene, 1912, itd.),
• I. i Maškov. („Voće na tacni“, 1910., „Hleb“, 1910-te, „Mrtva priroda sa plavim šljivama“, 1910. itd.),
• A. V. Lentulov ("Vasilije blaženi", 1913; "Prsten", 1915, itd.),
• A. V. Kuprin ("Mrtva priroda s glinenim vrčem", 1917, itd.),
• R. R. Falk ("Krim. Piramidalna topola", "Sunce. Krim. Koze", 1916, itd.).

"Dijamanti Jack" je imao svoju povelju, izložbe, zbirke članaka i postao je novi utjecajni trend u ruskoj umjetnosti. Za razliku od impresionizma i umjetnika Plave ruže, prigovarajući istančanom estetizmu svijeta umjetnosti, slikari Dijamantskog džaka nudili su gledaocu jednostavnu prirodu, lišenu intelektualnog značenja, koja nije izazivala istorijske i poetske asocijacije. . Namještaj, posuđe, voće, povrće, cvijeće u živopisnim umjetničkim kombinacijama - to je ljepota.

U svojim slikovnim traganjima umjetnici gravitiraju ka kasnom Cezanneu, Van Goghu, Matisseu, koriste se tehnikama neekstremnog kubizma, futurizma, rođenog u Italiji. Njihovo materijalno slikanje nazivalo se "cezanizam". Važno je da su ovi umjetnici, okrećući se svjetskoj umjetnosti, koristili vlastitu narodnu tradiciju - znakove, igračke, popularne printove...

Mihail Fedorovič Larionov (1881-1964)

1910-ih godina pojavljuju na umjetničkoj sceni Mihail Fedorovič Larionov(1881-1964) i Natalija Sergejevna Gončarova (1881-1962). Kao jedan od organizatora "Dijamanta", 1911. Larionov je raskinuo sa ovom grupom i postao organizator novih izložbi pod šokantnim nazivima "Magareći rep" (1912), "Meta" (1913), "4" ( 1914, nazivi izložbi bili su ismijavanje naziva "Plava ruža", "Vijenac", "Zlatno runo").

Mladi Larionov volio je prvo impresionizam, a zatim primitivizam, koji je dolazio iz francuskih struja (Matisse, Rousseau). Kao i drugi, Larionov je želio da se osloni na rusku tradiciju drevnih ikona, seljačkih veza, gradskih znakova i dječjih igračaka.

Larionov i Gončarova su tvrdili slikarski neoprimitivizam(ime smo izmislili sami), koji je svoj vrhunac dostigao 1910-ih. U svojim govorima suprotstavljali su svoje orijentalno slikarstvo Vestern, a također je nesvjesno nastavio tradiciju lutalica, jer su opet prešli na svakodnevni žanr zasnovan na narativu („nehotični lutalice“). Želeli smo da spojimo zaplet sa novom plastikom i dobili smo poseban primitivan život provincijskih ulica, kafića, frizera, vojničkih kasarni.

Larionov iz serije "Frizerstvo" odnosi se na remek-djela "Oficir berbershop"(1909). Slika je naslikana imitirajući pokrajinski znak. Larionov se šali sa likovima (frizer sa ogromnim makazama i pompezni oficir), otkriva im se osobenosti njihovog ponašanja i divi im se. Serija "vojnik" nastala je pod uticajem njegovih utisaka o služenju vojske. Umjetnik se prema svojim vojnicima odnosi s ljubavlju i ironijom („Vojnik na konju“ je upoređen sa dječjom igračkom, „Vojnik koji odmara“ rađen je naivnošću dječjeg crteža) i sugerira nedvosmislene asocijacije. Zatim slijedi ciklus "Venera" ("vojnik", "Moldavka", "Jevrejka") - gole žene zavaljene na jastucima - predmet želja, snova i fantazija.

Onda ima naivne alegorije "godišnja doba". Vojnički stil zamjenjuje "ograda", pojavljuju se različiti natpisi, ulica počinje da govori od umjetnikovih slika. Istovremeno, otvara sopstvenu verziju neobjektivne umetnosti - rajonizam. Godine 1913. objavljena je njegova knjiga Luchism.

Značaj Larionovljevog rada naglašen je riječima V. Majakovskog: „Svi smo prošli kroz Larionova“.

Manir Larionovove supruge Natalije Gončarove je drugačiji, ona je za svoje slike birala najčešće seljački rad, jevanđeoske scene ("Žetva", "Pranje platna", 1910; " Ribolov“, “Strižanje ovaca”, “Kupanje konja”, 1911) i stvorio epska djela iskonskog narodnog života.

Benedikt Lifshitz je pisao o Gončarovoj slikama 1910-1912: "Po fantastičnom sjaju boja, po izuzetnoj ekspresivnosti konstrukcije, po naponu snage teksture, činile su mi se kao pravo blago svjetskog slikarstva." Godine 1914. u Parizu je održana lična izložba Gončarove, za nju je štampan katalog sa predgovorom poznatog pesnika Gijoma Apolinera. Godine 1914. Gončarova je za pozorište izradila kostime i scenografiju za Zlatni petao Rimskog-Korsakova. Godinu dana kasnije, Larionov i Gončarova otišli su u inostranstvo da dizajniraju balete Djagiljeva. Komunikacija sa Rusijom bila je prekinuta u životu, ali ne i u stvaralaštvu. Do svoje smrti, umjetnica je bila okupirana ruskom temom.

Netradicionalna umjetnost Gončarove i Larionova nazvana je formalizmom i dugo je izbrisana iz povijesti ruske umjetnosti.

Vladimir Vladimirovič Majakovski (1893-1930)

Futuristička škola na čelu V. V. Mayakovsky(1893-1930). Bio je učenik MUZhVZ-a, naučio je mnogo od V. Serova i ugledao se na njega u njegovim slikama i crtežima.

Umetničko nasleđe Majakovskog je velike veličine i raznolikosti. Radio je kako u slikarstvu tako i u gotovo svim žanrovima grafike, od portreta („Portret L. Yu. Brika“) i ilustracija do postera i skica. pozorišne produkcije(Tragedija "Vladimir Majakovski").

Majakovski je imao univerzalni talenat. Njegove pesme na papiru imale su posebnu grafiku i ritam, često praćene ilustracijama, u recitovanju su zahtevale pozorišnu predstavu. Sintetizovana univerzalnost njegovih dela maksimalno je delovala na slušaoca i čitaoca. Sa ove tačke gledišta, nas najviše zanimaju njegovi čuveni „ROSTA prozori“. U njima se Majakovski najjasnije pokazao i kao umetnik i kao pesnik, koji je stvorio potpuno novu pojavu u svetskoj umetnosti 20. veka. Uprkos činjenici da je Majakovski "Windows" uradio nakon revolucije 1917. godine, zaustavićemo se na ovoj stranici njegovog rada u ovom poglavlju.

Majakovski je napravio svaki „Prozor” kao celinu pesme na jednu temu, podeljenu uzastopno u „ramove” sa crtežima i jednim ili dva reda teksta. Rimovani i ritmični stihovi diktirali su radnju, dok su crteži davali vizuelni, živopisni zvuk reči. Štaviše, tadašnji gledaoci "Prozora", navikli na nijemi bioskop, čitali su natpise naglas i tako su plakati zaista "oglasili". Tako je nastala holistička percepcija "Windowsa".

Majakovski je u svojim crtežima, s jedne strane, direktno nastavio tradiciju ruskih popularnih grafika, s druge strane, oslanjao se na iskustvo najnovija slika M. Larionov, N. Gončarova, K. Malevič, V. Tatlin, kojima je najviše pripadala zasluga za vaskrsavanje živog odnosa prema živoj umetnosti početkom 20. veka. Tako je na raskrsnici 3 umjetnosti - poezije, slikarstva i filma - nastala nova vrsta umjetnosti, koja je postala značajan fenomen moderne kulture, u kojoj se riječi čitaju kao crteži, a crteži pojednostavljeni na dijagram (crvena - radnik, ljubičasta - buržoaski, zeleno - seljački, plavi - belogardejci, glad, pustoš, komuna, Wrangel, uš, ruka, oko, puška, zemlja) čitaju se kao riječi. Sam Majakovski je nazvao ovaj stil "revolucionarni stil". Crtež i riječ u njima neodvojivi su jedan od drugog i u interakciji čine jedinstven jezik ideologije. Treba napomenuti da su mnogi istomišljenici Majakovskog - kubofuturisti - bili i pjesnici i umjetnici, i često su svoja poetska djela prikazivali grafičkim jezikom ("Poema od armiranog betona" Davida Burliuka).

Vasilij Vasiljevič Kandinski (1866-1944)

Apstrakcionizam u ruskoj verziji razvijao se u dva smjera: za Kandinskog je to spontana, iracionalna igra mrlja u boji, za Maleviča je to pojava matematički provjerenih racionalnih geometrijskih konstrukcija. V. V. Kandinski(1866-1944) i K. S. Malevich(1878-1935) bili su teoretičari i praktičari apstraktne umjetnosti. Stoga je teško razumjeti njihova platna bez poznavanja njihovih teorijskih radova, shvatiti šta se krije iza svakojakih kombinacija primarnih elemenata - linija, boja, geometrijskih oblika.

Tako je Vasilij Kandinski smatrao apstraktnu formu izrazom unutrašnjeg duhovnog stanja osobe („Pravo umjetničko djelo nastaje na misteriozan, misteriozan, mističan način“ od umjetnika“). On je bio jedan od prvih koji je postavio cilj umjetnosti da svjesno "oslobodi" energiju kretanja na platnu umjetnika, boje, zvuka. A njihova sinteza za Kandinskog su "koraci" ka budućem moralnom, duhovnom pročišćenju čovjeka. Kandinski je vjerovao da je "boja sredstva pomoću kojih možete direktno uticati na dušu. Boja je ključeva; oko - čekić; duša je klavir sa više žica." Umjetnik ljudsku dušu svrsishodno dovodi u vibraciju pomoću tipki. Kandinski je proizvoljno tumačio boje i oblike: žutoj je pripisivao izvjesnu "nadčulnu" boju, a izvjesnu "inhibirajuću". kretanja" karaktera u plavu boju (tada je i on slučajno promenio karakteristike), vrh je šiljasti trougao smatrao kretanjem prema gore, "slikom duhovnog života" i proglasio ga "izrazom neizmerne unutrašnje tuge".

Provodeći svoju teoriju u praksi, Kandinski je stvorio tri vrste apstraktnih djela - impresije, improvizacije i kompozicije, jednako lišen smisla, nije povezan sa životom. Ali "šeme kretanja boje" nisu dale rezultate, obojeni geometrijski oblici nisu izgubili svoju statičnost, a Kandinski se okrenuo muzici, ali ne modernističkoj (npr. Schoenbergova muzika), već Musorgskom "Slike na izložbi". “ – ali kombinirati neskladno je nezahvalan zadatak (spektakl u pozorištu u Dessauu 1928. bio je monoton i zamoran: glumci su se kretali po sceni apstraktnim oblicima trokuta, rombova, kvadrata; sličan filmski eksperiment s Listovom Mađarskom rapsodijom bio je takođe neuspešno). Najistaknutiji period u radu Kandinskog je 1910-te. U kasnijim godinama, Kandinski je izgubio jedinstvenost ovog vremena.

Kandinski je kasno krenuo na put profesionalni umjetnik. Studirao je gimnaziju u Odesi, zatim studirao pravo na Moskovskom univerzitetu, zanimao se za etnografiju, napravio je nekoliko putovanja po Rusiji vezanih za svoja naučna interesovanja, do 30. godine bio je spreman da vodi katedru u Derpu (Tartu), ali naglo se predomislio i otišao u Minhen da studira slikarstvo. Život u umjetnosti trajao je oko 50 godina.

Šegrtovanje je kratko trajalo. Kandinski je počeo da traži njegovo lice. Sa prijateljima stvara "Falangu" (1901-1904). Njeno iskustvo nije bilo uzaludno, zahvaljujući Kandinskom nastala su poznata društva „Novo umjetničko udruženje"(1909), "Plavi jahač" (1911). Usvajajući pariški fovizam, njemački ekspresionizam, Kandinski stvara svoju originalnu umjetnost.

Tokom Prvog svetskog rata živeo je u Rusiji. Oktobarska revolucija vratila je Kandinskog aktivnim organizacionim, pedagoškim i naučnim aktivnostima. Učestvovao je u stvaranju muzeja slikovne kulture, niza pokrajinskih muzeja, organizaciji Državne akademije nauke o umetnosti, rukovodi Institutom za umjetničku kulturu, predaje na Vkhutemasu - poznatoj moskovskoj visokoškolskoj ustanovi koja je proklamirala nova načela umjetničke pedagogije, itd. Ali nije sve išlo kako treba, te je krajem 1921. umjetnik napustio Rusiju i otišao u Berlin, odakle se nekoliko mjeseci kasnije preselio u Weimar, a 1925. - u Dessau i radio u Bauhaus Art Institute. Nacisti su njegovu umjetnost proglasili degeneriranom, otišao je u Francusku, gdje je i umro.

Kazimir Malevič (1878-1935)

Kazimir Malevich je također smatrao da nije dostojno prikazati pravog umjetnika stvarnom svijetu. U svom kretanju ka generalizaciji, došao je od impresionizma preko kubofuturizma do suprematizma (1913; Suprematizam- od poljskog - najviši, nepristupačan; Poljski je bio Maljevičov maternji jezik). Suprematizam je njegov tvorac smatrao najvišim oblikom kreativnosti u odnosu na likovnu umjetnost i bio je pozvan da, koristeći kombinacije geometrijskih figura obojenih u različitim tonovima, rekonstruira prostornu strukturu („živopisnu arhitektoniku“ svijeta) i da prenese određene kosmički obrasci. U njegovim neobjektivnim slikama, koje su napustile zemaljske "orijentire", nestala je ideja "gore" i "dola", "lijevo" i "desno" - svi pravci su jednaki, kao u svemiru. A "Crni kvadrat" (1916) Maljeviča je simbolizirao početak nova era u umjetnosti zasnovanoj na potpunoj geometriji i šematizmu oblika. Godine 1916., u pismu A. N. Benois-u, Malevič je ovako izrazio svoj "credo": "Sve što vidimo u oblastima umetnosti su iste reprize prošlosti. Naš svet je obogaćen svakih pola veka radom briljantan kreator - "tehnologija! Ali svijet umjetnosti je obogatio njegovo savremeno vrijeme? Predstavio je par krinolina i nekoliko Petrovih uniformi.

Zato pozivam samo one koji mogu dati svoj plod umjetnosti sadašnjem vremenu. I sretan sam što se lice mog trga ne može stopiti ni sa jednim gospodarom ili vremenom. Nije li? Nisam slušao očeve, nisam kao oni.

A ja sam korak.

Razumijem vas, vi ste očevi i želite da vam djeca budu kao vi. A ti ih tjeraš na pašnjak starih i žigoviš im mladu dušu pečatima odanosti, kao u dijelu pasoša.

Imam jednu golu, neuokvirenu (kao džepnu) ikonu svog vremena."

Malevičev suprematizam prošao je kroz tri faze: crnu, bijelu i kolor. Filozofska osnova umjetnost suprematizam K. Malevich smatra intuicionizam. “Intuicija,” pisao je, “gura volju ka stvaralačkom principu, a da bi se do njega došlo, potrebno je osloboditi se cilja, potrebno je stvoriti nove znakove... Došavši do potpunog poništenja objektivnosti u umjetnosti, krenut ćemo kreativnim putem stvaranja neoplazmi, izbjeći svako žongliranje na žici umjetnosti sa raznim predmetima, što se sada prakticira u ... školama likovnih umjetnosti. Ako se apstrakcionizam Maleviča i Kandinskog u početku razvijao isključivo unutar štafelajno slikarstvo, zatim u kreativnosti V. E. Tatlin(1885-1953), tekstura postaje predmet apstraktnog eksperimenta. Tatlin kombinuje različitih materijala- lim, drvo, staklo, pretvarajući ravan slike u svojevrsni skulpturalni reljef. U takozvanim Tatlinovim kontrareljefima „heroji“ nisu stvarni objekti, već apstraktne kategorije teksture – grube, krhke, viskozne, meke, iskričave – koje žive među sobom bez specifične slikovne radnje.

Ova vrsta umjetnosti smatrana je modernom, što odgovara vremenu mašinskog doba.

Mora se imati na umu da društveni i kulturnom okruženju, koji je formirao svjetonazor Larionova, Maleviča i Tatlina, oštro se razlikovao od okruženja Baksta, Benoisa, Somova. Poticali su iz jednostavnih porodica, bez imalo pretenzija na višu kulturu, i rano su napuštali školu. Nisu bili izloženi moćnim kulturna tradicija, kao umjetnici "Svijeta umjetnosti", stoga ih je nesposobno kombinirati s idejama rafiniranog simbolizma i sa višom matematikom. Bili su direktni, elementarni umjetnici, pokoravali se instinktu, intuiciji, a ne trezvenom proračunu, a kulturni utjecaj na njih nisu imali spiritualističke seanse i ne Mendeljejevljeva tablica hemijskih elemenata, već cirkus, sajam i ulični život.

zaključci

Sumirajući, napominjemo da su glavne karakteristike umjetnosti ovog perioda - demokratija, revolucionarno, sintetizujući(interakcija, međusobna povezanost, prožimanje umjetničkih oblika).

Domaća umjetnost je išla u korak s vremenom, uključivala je razne smjerove (realizam, impresionizam, postimpresionizam, futurizam, kubizam, ekspresionizam, apstrakcionizam, primitivizam itd.). Nikada prije nije bilo takve ideološke konfuzije, tako kontradiktornih traženja i tendencija, i takvog obilja imena. Jedna za drugom nastajale su nove asocijacije uz glasne manifeste i deklaracije. Svaki od pravaca je imao ekskluzivnu ulogu. Mladi umjetnici pokušali su obeshrabriti gledatelja, izazvati zbunjenost, smijeh.

Do grubog rušenja vlasti došlo je do svojevrsnog divljaštva (često su se umjetnici s lijeve strane nazivali "divljim"). Tako su u poricanju realističke umjetnosti stigli do "suđenja Repinu" u Moskovskom politehničkom muzeju. Ali kako god bilo, ovo je jedna od najzanimljivijih i najkontroverznijih stranica ruske umjetnosti, o kojoj razgovor nikada neće biti dosadan, nedvosmislen i potpun. Fantastično iracionalan početak leži u radu izuzetnog umetnika iz Vitebska M. Z. Chagala(1887-1985). Sa svojom filozofijom slikarstva, Chagall je kratko studirao kod Y. Penga u Vitebsku i kod Baksta u Sankt Peterburgu.

U jednoj od faza svog razvoja, čovjek je napustio cilj djelovanja samo zbog funkcionalnosti, udobnosti i počeo obraćati pažnju na ljepotu. Tako se pojavila umjetnost - nešto što uljepšava svakodnevicu, izaziva emocije i čuva u sebi vekovima. Umetnost je način prenošenja istorije kroz generacije.

Među velikim brojem grana, svaki žanr se odlikuje svojim karakteristikama i nijansama, načinima izazivanja utisaka, originalnošću i neovisnošću. Takva je slika koja je vekovima prijala ljudskom oku. Pokriva mnoge stilove i trendove, što nam omogućava da govorimo o slikarstvu kao o neograničenom izvoru inspiracije i dubokih emocija. Gledajući sliku, svako u njoj pronalazi nešto svoje, uočava sitnice u koje, možda, autor nije imao smisla. To je vrijednost vizuelne umjetnosti.

Slike 19. stoljeća, uz moderne, u stanju su izazvati najrazličitije, često kontradiktorne emocije koje pogađaju mozak i prevrću uobičajeno značenje stvari.

Slikarstvo 19. veka

Kraj 18. - početak 19. vijeka u istoriji se ogleda kao prevlast visokog klasicizma u svim oblicima umjetnosti, pa i slikarstvu. Ovaj period je ispunjen željom umjetnika da u svojim kreacijama prenesu romantiku, originalnost, individualnost ljepote. Slike 19. veka - to je ono što vas tera da prikovate oči za svaki potez i divite mu se kao delu velikog, živog platna. I ovaj put je svijetu otkrio ljepotu portreta, njegovu sposobnost da pokaže ne samo individualne kvalitete prikazane osobe i nove tehnike u slikarstvu, već i dio samog umjetnika, način na koji on vidi svijet.

Takođe, slike 19. veka ispunjene su gradacijom dve boje bliske nijanse, koje su slikama dodale život i realnost. Kasnije, 50-ih godina, uzvišenost i romantizam slika prešli su u odraz života bez pretjerivanja i uljepšavanja - u realizam. Ali ipak, uprkos opštim trendovima, umetnici su pisali ono što su videli, šta su osećali i šta su želeli da prenesu. vremenski okviri popularni žanr ili prioritetna tehnika nije uticala na njih, jer je teško stisnuti kreativnu osobu, majstora svog zanata u određeni format.

Slike Ivana Aivazovskog

Ako kažete samo dvije riječi - "more" i "slika", tada će prvi koji će vam pasti na pamet biti Ivan Aivazovski. Način na koji je prenio element vode ne može se porediti ni sa čim. Na njegovim slikama voda je, kao i osoba, ispunjena mislima, emocijama i iskustvima. Svaka njegova slika je slika svijeta 19. vijeka, gdje se brodovi bore sa elementima, gdje svjetlost i tama nalaze kontrast u svakom kutku života, gdje osjećaji preplavljuju, kao da je posljednji dan već došao.

Njegova djela, kao što su “Bitke”, “Oluja i brodolom”, “Krim i okolina” su portal kroz koji se može doći do mjesta prikazanog na platnu i postati njegov sastavni dio. Dajući mnogo vremena i truda pejzažima, Ivan Aivazovski je kreirao i portrete. Neki od njih su "Portret viceadmirala M. P. Lazareva", "Portret A. I. Kaznačejeva" i drugi.

Karl Brjulov i njegove kreacije

Ruske slike 19. veka su zbirka najlepših dela velikog broja majstora, među kojima se posebnom ljubavlju prema umetnosti ističe Karl Brjulov. Dobivši od oca sposobnost da cijeni lijepo, Karl je od djetinjstva daleko nadmašio mnoge svoje kolege iz razreda u vještini. U svom radu operisao je sa velikom listom tehnika. Ulje, akvarel, sepija ili crtež - njegove slike odražavale su neugasivi interes autora za sve aspekte umjetnosti.

Brjulova, inspirisan radovima najbolji majstori svih vremena, umeo da prenese plastičnost, poseban osećaj za formu i individualno razumevanje slikarstva. Najznačajnije djelo ovog umjetnika je monumentalna istorijska slika "Posljednji dan Pompeja", čija je nastajanja trajala šest godina. Čitavo stvaralačko nasljeđe Brjulova uključeno je u "zlatni fond" ne samo ruskog, već i svjetskog slikarstva.

Viktor Vasnjecov i njegove slike 19. veka

Mnogi radovi Viktora Vasnetsova upoznaju se u školi. Ovaj umjetnik je bio zapažen po svojoj strasti za folklor, istorijski i bajke, značaj nacionalne istorije. "Heroji", "Vitez na raskršću", "Car Ivan Vasiljevič Grozni" - sva ova djela, poput mjesta koncentracije figurativne energije, izazivaju snažan unutrašnji impuls.

U slikama Vasnjecova važna je scena, radnja, a boja istovremeno igra sporednu, ali izuzetno važnu ulogu, jer upravo zahvaljujući preciznom odabiru boja i slatkom strahopoštovanju, produhovljena ljepota prikazanog , da njegove slike mogu ispuniti dušu prijatnom toplinom i divljenjem.

Slika Arkhipa Kuindžija

Jednostavno, ali uzbudljivo; djelovalo nezahtjevno, ali impresivno - takva je umjetnost 19. stoljeća. Slike Arkhipa Kuindžija savršeno se uklapaju u atmosferu tog vremena. Odsustvo radnje u njegovim djelima trebalo je umanjiti njihovu vrijednost i oduzeti oduševljenje sa kojim se na njih gleda, ali svejedno, ove slike hvataju i odnose u daleke dubine svijesti.

Sve je u boji. Punoća kojom Arkhip Kuindzhi prenosi jednostavnost okruženja ne dozvoljava da se ne divite njegovom radu. "Snježni vrhovi", "Izlazak sunca", "Šuma" - sve ovo svijetli primjeri visoka vještina Arhipa Ivanoviča, zahvaljujući kojoj se može vidjeti ljepota i sklad okolnog svijeta.

Svijet očima Isaka Levitana

Sve slike umjetnika 19. stoljeća su na svoj način uzbudljive i dirljive, a među njima svoje mjesto zauzimaju djela Isaka Levitana. U okviru jednog platna umjetnik je prikazao mnoge nijanse, zahvaljujući kojima je postignuta posebna senzualnost njegovih slika.

Umjetnik je strastveno volio život i sve njegove aspekte. Njegovi radovi su jednostavni i na prvi pogled nepretenciozni pejzaži, poput "Iznad vječnog mira", "Šuma brega", ali se u njihovoj sažetosti krije emocionalna ekspresivnost.

Ruska umjetnička kultura, čije je porijeklo počelo s klasicizmom, dobila je snažan narodni zvuk, jer je visoki klasicizam, koji se ogledao u slikarstvu, postepeno prelazio od romantizma do realizma u ruskoj likovnoj umjetnosti. Savremenici toga vremena posebno su cijenili smjer slikarstva ruskih umjetnika, u kojem je prevladao povijesni žanr s naglaskom na nacionalne teme.

Ali u isto vrijeme, nije bilo posebnih promjena u umjetnosti istorijskog slikarstva u odnosu na majstore druge polovine 18. stoljeća i od samog početka istorije ruskog portreta. Često su ruski umjetnici svoja djela posvećivali pravim herojima drevna Rusijačiji su podvizi inspirisali pisanje istorijskih platna. Ruski slikari ranog 19. stoljeća odobrili su vlastiti princip opisivanja portreta, slika, razvijajući vlastite smjerove u slikarstvu, u prikazivanju osobe, prirode, ukazujući na potpuno nezavisan figurativni koncept.

Ruski umjetnici u svojim slikama odražavali su različite ideale nacionalnog uspona, postupno napuštajući stroga načela klasicizma nametnuta akademskim principima. 19. vijek obilježen je visokim procvatom ruskog slikarstva, u kojem su ruski umjetnici potomcima ostavili neizbrisiv trag u istoriji ruske likovne umjetnosti, prožeti duhom sveobuhvatnog odraza života naroda.

Najveći istraživači ruskog slikarstva općenito primjećuju izuzetnu ulogu u visokom procvatu rada velikih ruskih umjetnika i likovne umjetnosti 19. stoljeća. Dostignuća i osvajanja slikarstva 19. veka, u kojima su se pokazali domaći umetnici, od velikog su značaja i jedinstvene vrednosti u likovnoj umetnosti, slike ruskih umetnika oduvek su obogaćivale rusku kulturu.

Poznati umjetnici 19. vijeka

(1782-1836) Vrhunski i suptilno naslikani portreti umjetnika Kiprenskog donijeli su mu slavu i pravo priznanje među savremenicima. Njegova dela Autoportret, A. R. Tomilova, I. V. Kusova, A. I. Korsakov 1808 Portret dečaka Čeliščov, Golitsina A. M. 1809 Portret Denisa Davidova, 1819 Devojka sa vencem od maka, najuspešnija portra 1827 S. Pukina i dr.

Njegovi portreti odražavaju ljepotu uzbuđenja, prefinjen unutrašnji svijet slika i stanje duše. Savremenici su njegov rad upoređivali sa žanrovima lirske poezije, poetskom posvetom prijateljima, što je bilo dobro poznato u Puškinovo doba.

Kiprenski je u mnogo čemu sebi otvorio nove mogućnosti u slikarstvu. Svaki njegov portret odlikuje se uvijek novom slikovitom strukturom, dobro odabranom svjetlošću i sjenom, te raznolikošću kontrasta. Orest Kiprenski je izvanredan majstor portretne umjetnosti, koji je posebnu slavu stekao među ruskim umjetnicima.

(1791-1830) Majstor ruskog pejzažnog romantizma i lirskog poimanja prirode. Na više od četrdeset svojih slika, Ščedrin je prikazao pogled na Sorento. Među njima su i slike kvarta Sorento. Veče, Novi Rim "Dvorac Svetog Anđela", nasip Mergellina u Napulju, Velika luka na ostrvu Kapri itd.

Potpuno se predajući romantici krajolika i prirodnom okruženju percepcije, Ščedrin, takoreći, svojim slikama dopunjuje palo interesovanje umjetnika tog vremena za pejzaž.

Ščedrin je poznavao zoru svoje kreativnosti i priznanja. Diplomirao na Akademiji umetnosti u Sankt Peterburg, 1818. godine dolazi u Italiju i živi više od 10 godina, u Rimu, Napulju, Amalfiju i Sorentu, gdje je proveo svoje posljednje mjesece života. Pošto je živeo kratak, ali kreativan život, Ščedrin se nikada nije mogao vratiti u Rusiju.

(1776-1857) Izvanredan ruski umetnik, rodom od kmetova. Njegovi poznati slikarski radovi: Čipkarica, takođe Portret Puškina A.S., graver E.O. Skotnikova, Starac - prosjak, karakteriziran blagom koloritom Portret umjetnikovog sina. Slike Spinnera, Goldsmitha iz 1826, ova djela su posebno privukla pažnju savremenika. 1846

Tropinin je razvio vlastiti figurativni stil portretiranja, koji karakterizira specifičan moskovski žanr slikarstva. U to vrijeme Tropinin je postao centralna ličnost moskovskog beaumondea, njegov rad se posebno odražava u 20-im i 30-im godinama, što mu je donijelo slavu.

Njegove nježno napisane portrete odlikuju visoka slikovna vrijednost i lakoća percepcije, ljudske slike percipiraju se s karakterističnom istinitošću i smirenošću bez većeg unutrašnjeg uzbuđenja.

(1780-1847) Osnivač žanra seljačke svakodnevice u ruskom slikarstvu, Njegov čuveni portret Kosca, slika > Kosačice, Devojka u marami, Proleće na oranicama, Seljanka sa kukuruzima, Zaharka i dr. Posebno se može istaći slika Gumno, koja je privukla pažnju cara Aleksandra 1, bila je dirnuta živopisne slike seljaka, istinito prenio umjetnik.

Umetnik je voleo obični ljudi Pronalazeći u tome određenu liriku, to se odrazilo na njegove slike koje prikazuju težak seljački život. njegova najbolja djela nastala su 20-ih godina. Venetsianov je majstor pastela, portreta olovkom i uljem, karikatura.

Stil rada je student Borovikovskog. Na njegovim slikama ima najobičnijih i najjednostavnijih scena iz seoski život: seljaci u svakodnevnom i teškom radu, proste kmetice, u žetvi, ili muškarci na kosi ili oranju. Posebno je veliki značaj Venecijanovljevog dela u likovnoj umetnosti, jednog od prvih koji je uspostavio narodni, seljački svakodnevni žanr.

(1799-1852) Majstor istorijskog slikarstva, njegova slika Poslednji dan Pompeja u metežu osuđenih stanovnika raspršuje se od bijesa vulkana Vezuva. Slika je ostavila zapanjujući utisak na njegove savremenike. Majstorski piše svjetovne slike, koristeći Jahačicu i portrete u svijetlim kolorističkim trenucima u kompoziciji slike, grofice Yu. P. Samoilove.

Njegove slike i portreti sastavljeni su od kontrasta svjetla i sjene. . Pod uticajem tradicionalnog akademskog klasicizma, Karl Brjulov je svojim slikama dao istorijsku autentičnost, romantični duh i psihološku istinu.

Brjulov je bio izvrstan majstor formalnog portreta, na kojem je blistavo naglašavao karakteristične karakteristike osobe, Na drugim portretima koristi suzdržaniji kolorit, portret istaknutog ruskog vajara I. P. Vitalija, pjesnika N. V. Kukolnika, pisca A. N. Strugovshchikova. U svečanim portretima nadmašio je mnoge umjetnike svog vremena.

(1806-1858) Veličanstveni majstor istorijskog žanra. Oko dvije decenije Ivanov je radio na svom glavna slika Pojavljivanje Hrista ljudima, naglašavajući njihovu strastvenu želju da prikažu dolazak Isusa Hrista na zemlju. U početnoj fazi, to su slike Apolona, ​​zumbula i čempresa 1831-1833, Javljanje Krista Mariji Magdaleni nakon vaskrsenja 1835. godine.

Tokom svog kratkog života, Ivanov je stvorio mnogo slika, za svaku sliku piše mnogo skica pejzaža, portreta. U domovinu se vratio 1858. godine, gdje je umro od bolesti.

Ivanov, čovek izuzetne inteligencije, uvek je nastojao da u svojim delima pokaže elemente narodnih pokreta u ruskoj istoriji i duboko je verovao u veliku budućnost Majke Rusije. Ispred svog vremena u potrazi za ruskim realističkim slikarstvom, rad velikog umjetnika ostavio je neizbrisiv trag njegove vještine za potomstvo.

(1815-1852) Majstor satiričnog smjera u slikarstvu, koji je postavio temelje kritičkom realizmu u domaći žanr. The Fresh Cavalier 1847 i The Picky Bride 1847,

Umjetnost ranog 19. stoljeća povezuje se s erom društvenog uspona uzrokovanog Otadžbinski rat 1812. i antikmetovski pokret, koji je 1825. doveo do ustanka decembrista.

U oblasti umjetničke kulture dati period došlo je do relativno brze promjene smjera: klasicizam popušta romantizam, a romantizam na putu svog razvoja susreće sve više realizam u umjetnosti. Zaista, to je bilo uglavnom u slikarstvu. Ako su umetnici 18. veka težili realizmu u prenošenju individualne posebnosti pojedinca, onda su u 19. veku počeli da prikazuju ono što je bilo vredno, što ih je zabrinjavalo u javnom životu.

U drugoj četvrtini 19. veka kapitalizam se već učvrstio u većini zemalja Evrope, dok je u Rusiji još trajao raspad feudalno-kmetskog sistema. Međutim, i u Evropi i u Rusiji, ovaj period karakteriše uspon burnog društvenog života - u Evropi prvenstveno jeste Odlično Francuska revolucija i njegove posljedice, au Rusiji sve veće borba protiv kmetstva, posebno nakon neuspjeha ustanka dekabrista.

U tom periodu, klasicizam, koji je dominirao zidovima Akademija umjetnosti, iscrpio je svoj progresivni značaj. Godine 1829. Akademija je potčinjena odjelu carskog dvora, pa je tako postala dirigent zvaničnih stavova. U nastojanju da ojačaju svoju poziciju u umjetnosti, profesori Akademije su nastojali da ovladaju određenim tehnikama karakterističnim za romantizam. Tako se formirao metod akademskog romantizma, koji je osmišljen da stvori idealnu, uzvišenu ljepotu, daleko od stvarne svakodnevice.

Za razliku od akademske umjetnosti, u prvoj polovini 19. stoljeća u Rusiji se počela oblikovati još jedna umjetnost, koja se počela nazivati kritičan realizam. Umjetnici su počeli otvoreno, ne pribjegavajući uslovnoj formi jevanđeljskih priča, da razotkrivaju poroke svog savremenog društva, s pravom se smatra osnivačem ruskog kritičkog realizma u slikarstvu. Pavel Fedotov.

Druga polovina 19. veka u Rusiji je obeležena novim uzletom oslobodilačke borbe za bolji život. Inteligencija je zauzela vodeće mjesto u društvenom pokretu. Kmetstvo je ukinuto, ali život od toga nije postao lakši.

U tom periodu se povećao značaj umjetnosti, posebno slikarstva, koje se smatralo moćnim sredstvom za obrazovanje ljudi. Krajem prve polovine 19. vijeka počinje sa radom Moskovska škola slikarstva, skulpture i arhitekture, koja je sada počela da igra veliku ulogu u društvu, kao dirigent demokratskih puteva. Ovdje se odmah ukorijenio venecijanski pedagoški sistem, zasnovan na pomnom proučavanju okolnog života. Svoju je ulogu odigrala i činjenica da je škola bila udaljena od glavnog grada, kao da je usred života ljudi. Najistaknutiji od učenika Škole bio je V.G. Perov

Umjetnost u periodu 2. polugodišta odlikuje se visokim ideološkim sadržajem, strastvenim zanimanjem za rješavanje hitnih problema. javna pitanja, njegov narodni karakter. Služenje narodu postao je jedan od glavnih ciljeva progresivnih ruskih umjetnika. Po prvi put u istoriji ruske umetnosti, život radnih ljudi postao je glavna tema dela demokratskih umetnika. Ljudi nisu prikazani izvana, već kao iznutra. Umjetnici koji su postali branitelji naroda, od kojih su mnogi i sami potekli iz naroda, govorili su o njegovom ugnjetavanju, teškom životu i bespravnosti. Ova društveno kritička raspoloženja prodrla su i u razrede Akademije umjetnosti: 1861. V. Jacobi izveo slikanje "Zaustavljanje zatvorenika". A 1864. godine, slika je imala veliki uspjeh. K. Flavitsky "Princeza Tarakanova“, koji je posvećen misterioznom zatvoreniku tvrđave Petra i Pavla, koji se smatrao kćerkom Elizabete Petrovne.

Uprkos svim ovim promenama u društvenom životu Rusije, Akademija umetnosti u Sankt Peterburgu nastavila je da brani akademsku umetnost, daleko od života, apstraktnu. I dalje se smatralo najvišom vrstom slikarstva istorijsko slikarstvo uglavnom na mitološke i religiozne teme. Kao rezultat toga, napredni umjetnici, nespremni da prihvate nazadne principe Akademije, došli su u sukob sa starim sistemom nastave, što je rezultiralo otvorenim "pobuna 14." umjetnici. Diplomci, predvođeni umjetnikom Kramskom, odbili su da završe svoju tezu na mitološkoj temi koju je on postavio. Tražili su slobodu u izboru teme. Vijeće Akademije diplomcima je odbilo zahtjev, a onda su oni u znak protesta napustili Akademiju odbijajući diplomu.

Po napuštanju Akademije 9. novembra 1863. protestanti su se organizovali Artel umetnika. Inicijator čitave afere bio je Ivan Nikolajevič Kramskoj. Članovi Artela iznajmili su stan i zajedno se nastanili. Domaćinstvom je vodila Kramskoyeva žena. Artel je ubrzo stekao priznanje. Često su je zvali "Kramskoy akademija". Svakog četvrtka u večernjim satima u artelu su se okupljali slikari i pisci. Na ovim večerima raspravljalo se o uzbudljivim temama politike, društvenog života, umjetnosti – sve je to doprinijelo obrazovanju umjetničke omladine, okupljanju umjetničkih snaga.

Artel je postojao oko 7 godina i raspao se 1870. Artel je zamijenjen novim umjetničkim udruženjem - Udruženje putujućih umjetničkih izložbi.

Veoma važno mesto u umetnosti 19. veka zauzima aktivnosti P.M. Tretjakova, koji se pokazao kao pravi građanin Rusije, pokrenuvši kolekciju ruskog slikarstva i skulpture, počevši od antike. Sav novac trošio je na kupovinu slika, a često je novcem podržavao siromašne talentovane umjetnike.

Glavno područje ruskog slikarstva druge polovine 19. stoljeća bilo je kućni žanr. Vođa je bio miran seljačka tema. Portretirani su lutalice narodni život, prikazujući društveni sukob između vladajućih i potlačenih klasa ruskog društva.Tradicija optuživanja nastavljena je u slikarstvu. Zauzima veliko mesto dječija tema.

U drugoj polovini 19. stoljeća dogodila se reforma u ruskoj likovnoj umjetnosti, prema kojoj su mitološke, religiozne teme počele ustupati mjesto prikazivanju stvarnih istorijskih događaja. Početak ove reforme postavio je ruski umjetnik Ge N.N.

U ruskom pejzažu druge polovine 19. veka odvija se oštra borba za uspostavljanje nacionalne teme. Izvanredni umjetnici Savrasov, Šiškin, Levitan i drugi u ovim godinama prekidaju tradiciju „idealiziranog“, „uglađenog“, daleko od života, uglavnom talijanskog i francuskog, akademskog pejzaža i okreću se slici prirode. domovina. Izjava Černiševskog "Lijepa je život" naišla je na topao odjek među majstorima pejzažno slikarstvo. Predstavljajući prirodu u njenom svakodnevnom, prirodnom izgledu, Lutalice su u njoj pokazale široku poeziju i lepotu.

U 2. polovini 20. veka u ruskom slikarstvu se istaklo nekoliko posebno svetlih, moćnih, talentovanih slikara, majstora istorijskog slikarstva - to su I. Repin, V. Surikrv, V. Vasnjecov.

Ruska umjetnost na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće oblikovala se u revolucionarnom raspoloženju. Dekadentni pogledi i pesimizam prodrli su u okruženje kreativne inteligencije. Estetske vrijednosti su se promijenile u društvu. U potrazi za vlastitim putem u umjetnosti, mnogi umjetnici su se počeli udruživati ​​u različite umjetničke organizacije - udruženja.

Godine 1903. ujedinili su se mnogi umjetnici realisti "Savez ruskih umetnika", gdje su nastavili tradiciju lutalica, pisali istinita, realistična djela. Izvanredni umjetnici ovog perioda bili su Serov, Vrubel, Nesterov, Ryabushkin itd.

• < Nazad

U prvom odlomku ćemo razmotriti pejzažno slikarstvo na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće, njegove trendove i razvoj.

U 20-30-im godinama. U 19. vijeku žanr pejzaža zauzima dostojno mjesto u razvoju ruskog romantizma. Kompozicije pejzaža Ščedrina i mnogih drugih romantičnih umjetnika njegovog doba. Koreni ove kompozicije mogu se videti u flamansko-holandskom pejzažu prve polovine 17. veka. Arhitektonsku potpunost u ruskom romantičnom pejzažu "panoramska" kompozicija dobija, dokazujući svoju vitalnost, 70-ih godina. 19. vijek u radu A.I. Kuindzhi. Svjetonazorske tendencije romantične prirode, kreirane određenom kompozicionom strukturom, mogu se pratiti u pejzažnoj umjetnosti M. Nesterova, u kojoj se usamljena osoba suprotstavlja beskrajnom svijetu. „Uz vrstu kompozicije koju smo razmatrali, značajno mjesto u ruskom pejzažu zauzimao je motiv puta ili sokaka. U pejzažnom slikarstvu motiv grota kao samostalan već u 17. stoljeću. u djelu I. de Mompera. Izgradnja unutrašnjeg i pejzažnog prostora zasniva se na oštroj suprotnosti prostorije, u kojoj je osoba, takoreći zatvorena, i prirodno prirodni svijet sjajno i slobodno iza zidova i kapaka.

Predstavnici realističkog pejzaža srednje i druge polovice

19. vijek postupno su nadživjeli književnu asocijativnost romantičnog pejzaža, pokušavajući pokazati vlastitu vrijednost prirode kroz razotkrivanje objektivne suštine procesa koji se u njoj odvijaju. Pejzaži ovog perioda tražili su prirodnost i jednostavnost kompozicije, detaljno razrađivali chiaroscuro i valery odnose, što je omogućilo prenošenje materijalne percepcije prirodnog okruženja. Etičko-filozofsko zvučanje krajolika, naslijeđeno iz romantizma, sada poprima demokratskiji pravac, što se očituje u činjenici da su se u pejzaž sve više uključivali ljudi iz naroda, prizori seoskog rada.

U drugoj polovini 19. veka. postoji procvat realističkog pejzaža, usko povezanog sa aktivnostima lutalica. Prevazilazeći izvještačenost i teatralnost akademskog pejzaža, ruski umjetnici su se okrenuli svojoj rodnoj prirodi. Krajem 19. vijeka linija emotivno lirskog pejzaža, često prožeta motivima građanske tuge, nalazi svoj nastavak u pejzažu raspoloženja.

Pejzaž dobija dominantnu važnost među majstorima impresionizma, koji su rad na otvorenom smatrali neizostavnim uslovom za stvaranje pejzažne slike. Najvažniju komponentu pejzaža impresionisti su učinili vibrirajućim svjetlosnim i zračnim okruženjem bogatim šarenim nijansama, koje obavija predmete i osigurava vizualnu neraskidivost prirode i čovjeka. Na prijelazu iz 19. u 20. vijek. u pejzažu se razvija nekoliko pravaca koji razvijaju principe impresionističkog pejzaža i istovremeno ulaze u antagonističke odnose s njima. Umjetnici povezani sa simbolizmom i „modernim“ stilom uneli su u pejzaž ideju o tajanstvenom odnosu čovjeka i „majke zemlje“, poigravajući se raznim vrstama „kroz forme“ u svojim kompozicijama, čiji ornamentalni raspored stvara iluzija direktne imitacije ritmova same prirode. Istovremeno, pojačava se potraga za generaliziranom slikom zavičaja, koja je često zasićena folklornim ili povijesnim reminiscencijama i spaja najutvrđenije karakteristike nacionalnog pejzaža, tipične za nacionalno-romantične pokrete.

U umjetnosti 20. stoljeća jedan broj majstora nastoji pronaći najstabilnije karakteristike ovog ili onog pejzažnog motiva, očišćujući ga od svega što „dolazi” (predstavnici kubizma), drugi, koristeći likujuće ili dramatično intenzivne harmonije boja, naglašavaju unutrašnja dinamika pejzaža, a ponekad i njegov nacionalni identitet (predstavnici fovizma i ekspresionizma), drugi, dijelom pod utjecajem umjetničke fotografije, pomjeraju glavni naglasak na hirovitost i psihološku ekspresivnost motiva (predstavnik nadrealizma).

“Nepretenciozan, tih, ali neverovatan u izradi, u istinitosti efekata i u njihovom plemenitom stilu. Pejzaži u tom periodu bili su veoma česti, a bilo je i impresionizma. Kuindži se okreće impresionizmu, a kasnije manje značajan umetnik- Zionglinski. Svetoslavski - pesnik provincije, prljav, siv, ali sladak, iu čisto šarenom smislu, bez sumnje, lepih uglova - u početku, početkom 90-ih, bio je jedan od najboljih Levitanovih drugova, štaviše, potpuno originalan umetnik koji se ogradio od posebnog i veoma interesantnog područja. Svi navedeni umjetnici su realisti.

U ruskom pejzažu na prijelazu iz 19. u 20. vijek. realističke tradicije druge polovine 19. veka prepliću se sa uticajima impresionizma i "moderne".

U 19. vijeku dominirala su samo dva pravca - akademizam i lutalica.

Početkom 20. vijeka postojalo je takvo udruženje umjetnika kao što je Savez ruskih umjetnika. "Savez ruskih umetnika" uglavnom je slikao pejzaže, koji su ovde dobili veliku pažnju. Među njima su bili A. Savrasov, I. Šiškin, V. Polenov, M. Nesterov i I. Levitan. Osnivač je bio Savrasov, okrenuo se temi prikazivanja generalizirane slike ruske prirode. Njegov sljedbenik je I. Šiškin, koji se, kao i Savrasov, bavi problemom prikazivanja generalizirane slike ruske prirode. I.I. Šiškin je prikazao opštu sliku ruske prirode kao neprolazne, veličanstvene i guste šume. U "Svijetu umjetnosti" osnivači su bili L. Bakst, A. Benois, M. Dobuzhinsky, A. Ostroumova - Lebeleva.

Levitan, Serov, Korovin bavili su se impresionizmom i, ne nalazeći mjesta za sebe u partnerstvu lutalica, 1903. organiziraju vlastitu izložbu pod nazivom Savez ruskih umjetnika. Slikari "Unije" preferirali su pejzaž, težili neposrednosti prijenosa prirode, općenito su nastavili tradiciju realističkog slikarstva lutalica.

“Period umjetničkog života Rusije od 1900. do 1930. godine, uprkos činjenici da je po sredini podijeljen velikim događajem 20. stoljeća - Oktobarskom revolucijom, u velikoj je mjeri nezavisan. Vrubel nas svojim stvaralaštvom uvodi u 20. vijek. Umjetnici novih pravaca, koji su zamijenili Wandererse, promijenili realizam, udaljili se od popularni interesi, zapao u estetizam, zarazio se formalizmom. Mnoga dela umetnika ove tri decenije potisnuta su u drugi plan i gotovo zaboravljena.

Za moderan pejzaž, razvijajući se u skladu sa socijalističkim realizmom, najkarakterističnije slike otkrivaju životno afirmirajuću ljepotu svijeta, njegovu blisku povezanost s transformativnom djelatnošću ljudi. U 20-im godinama. moderno industrijski pejzaž, formira tip memorijalnog pejzaža.

17. do 19. vijeka pejzaž je dostigao svoje najviši razvoj i savršenstvo. Kroz pejzaž je izraženo duhovno stanje i raspoloženje umjetnika. Realistički ruski pejzaž je ovih godina izbledeo u pozadini, ali uprkos tome, G.I. Gurkin i A. O. Nikulin izabrali su ovaj put. U to vrijeme umjetnici kao što su Savrasov, Šiškin, Levitan okrenuli su se realističkom pejzažu. Desilo se da je sudbina donijela mladog altajskog umjetnika G.I. Gurkin sa I.I. Šiškina, koji je postao njegov učitelj. Realistički maniri Šiškina i Gurkina povezani su zajedničkim ciljem u njihovom radu, činjenicom da je svaki od njih nastojao prikazati generaliziranu sliku ruske prirode, ali je svaki od njih malo hodao Različiti putevi. Šiškin je nastojao da se izrazi kroz veličanstvenost šuma, a Gurkin - kroz veličinu planinskog pejzaža. Nikulin se, kao i Levitan i Serov, bavio impresionizmom, težio je direktnom prenosu prirode, stoga je volio raditi na otvorenom.