ภาพวาดญี่ปุ่น: ความละเอียดอ่อนทั้งหมดของการวาดภาพตะวันออก โฮคุไซ - โลกของญี่ปุ่น

หากคุณคิดว่าศิลปินที่ยิ่งใหญ่ล้วนแต่อยู่ในอดีต คุณก็ไม่รู้ว่าคุณคิดผิดแค่ไหน ในบทความนี้คุณจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับศิลปินที่มีชื่อเสียงและมีความสามารถที่สุดในยุคของเรา และเชื่อฉันเถอะว่าผลงานของพวกเขาจะยังคงอยู่ในความทรงจำของคุณไม่ลึกไปกว่าผลงานของเกจิจากยุคก่อน ๆ

วอจเซียค บับสกี้

วอจเซียค บับสกี้ – ทันสมัย ศิลปินชาวโปแลนด์- เขาสำเร็จการศึกษาที่ Silesian Polytechnic Institute แต่ก็เกี่ยวข้องกับตัวเองด้วย ใน เมื่อเร็วๆ นี้ดึงดูดผู้หญิงเป็นหลัก มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกของอารมณ์ มุ่งมั่นที่จะได้รับผลสูงสุดที่เป็นไปได้โดยใช้วิธีการง่ายๆ

ชอบสีแต่มักใช้เฉดสีดำและสีเทาเพื่อให้ได้ ประสบการณ์ที่ดีที่สุด- ไม่กลัวที่จะทดลองใช้เทคนิคใหม่ๆ ที่แตกต่างกัน ล่าสุดเขาได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นในต่างประเทศ โดยเฉพาะในสหราชอาณาจักร ซึ่งเขาประสบความสำเร็จในการขายผลงานของเขา ซึ่งสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวมากมาย นอกจากศิลปะแล้ว เขายังสนใจจักรวาลวิทยาและปรัชญาอีกด้วย ฟังเพลงแจ๊ส ปัจจุบันอาศัยและทำงานในคาโตวีตเซ

วอร์เรน ช้าง

วอร์เรน ช้าง-สมัยใหม่ ศิลปินชาวอเมริกัน- เกิดในปี 1957 และเติบโตในเมืองมอนเทอเรย์ รัฐแคลิฟอร์เนีย เขาสำเร็จการศึกษาเกียรตินิยมจาก Art Center College of Design ในพาซาดีนาในปี 1981 ซึ่งเขาได้รับ BFA ในอีกสองทศวรรษต่อมาเขาทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบให้กับ บริษัทต่างๆในแคลิฟอร์เนียและนิวยอร์ก ก่อนที่จะเริ่มต้นอาชีพศิลปินมืออาชีพในปี 2552

ภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาแบ่งได้เป็น 2 ประเภทหลัก ได้แก่ ภาพวาดชีวประวัติภายใน และภาพวาดภาพคนในที่ทำงาน ความสนใจของเขาในการวาดภาพรูปแบบนี้ย้อนกลับไปถึงผลงานของศิลปินโยฮันเนส เวอร์เมียร์ ในศตวรรษที่ 16 และครอบคลุมถึงวิชาต่างๆ การถ่ายภาพบุคคล ภาพเหมือนของสมาชิกในครอบครัว เพื่อน นักเรียน การตกแต่งภายในในสตูดิโอ ห้องเรียน และบ้าน เป้าหมายของเขาคือการ ภาพวาดที่เหมือนจริงสร้างอารมณ์และความรู้สึกผ่านการปรับแต่งแสงและการใช้สีที่ไม่ออกเสียง

ช้างเริ่มมีชื่อเสียงหลังจากเปลี่ยนมาใช้วิจิตรศิลป์แบบดั้งเดิม ตลอด 12 ปีที่ผ่านมา เขาได้รับรางวัลและเกียรติยศมากมาย โดยรางวัลอันทรงเกียรติที่สุดคือ Master Signature จาก Oil Painters of America ซึ่งเป็นชุมชนภาพวาดสีน้ำมันที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา มีเพียง 1 คนจาก 50 คนเท่านั้นที่มีโอกาสได้รับรางวัลนี้ ปัจจุบัน Warren อาศัยอยู่ที่มอนเทอเรย์และทำงานในสตูดิโอของเขา และเขายังสอน (รู้จักกันในชื่อครูที่มีพรสวรรค์) ที่ San Francisco Academy of Art

ออเรลิโอ บรูนี่

ออเรลิโอ บรูนี่ – ศิลปินชาวอิตาลี- เกิดที่เมืองแบลร์ วันที่ 15 ตุลาคม พ.ศ. 2498 เขาได้รับประกาศนียบัตรด้านฉากจากสถาบันศิลปะในสโปเลโต ในฐานะศิลปิน เขาเรียนรู้ด้วยตนเอง ในขณะที่เขา "สร้างบ้านแห่งความรู้" อย่างอิสระบนรากฐานที่วางไว้ในโรงเรียน เขาเริ่มวาดภาพด้วยสีน้ำมันเมื่ออายุ 19 ปี ปัจจุบันอาศัยและทำงานในแคว้นอุมเบรีย

ภาพวาดยุคแรกๆ ของบรูนีมีรากฐานมาจากลัทธิเหนือจริง แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาเริ่มมุ่งเน้นไปที่ความใกล้ชิดของแนวโรแมนติกและสัญลักษณ์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ เสริมการผสมผสานนี้เข้ากับความซับซ้อนและความบริสุทธิ์ของตัวละครของเขา วัตถุที่เคลื่อนไหวและไม่มีชีวิตได้รับศักดิ์ศรีที่เท่าเทียมกันและดูเกือบจะสมจริงเกินไป แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ได้ซ่อนอยู่หลังม่าน แต่ช่วยให้คุณมองเห็นแก่นแท้ของจิตวิญญาณของคุณ ความเก่งกาจและความซับซ้อน ความเย้ายวนและความเหงา ความรอบคอบและประสิทธิผลเป็นจิตวิญญาณของ Aurelio Bruni ซึ่งหล่อเลี้ยงด้วยความงดงามของศิลปะและความกลมกลืนของดนตรี

อเล็กซานเดอร์ บาลอส

Alkasander Balos เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ที่เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพสีน้ำมัน เกิดในปี 1970 ในเมืองกลิวิซ ประเทศโปแลนด์ แต่ตั้งแต่ปี 1989 เขาอาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกา ในเมืองชาสตา รัฐแคลิฟอร์เนีย

เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาเรียนศิลปะภายใต้การแนะนำของแจน พ่อของเขา ซึ่งเป็นศิลปินและประติมากรที่เรียนรู้ด้วยตนเอง ดังนั้นเขาจึงเรียนเช่นกัน อายุยังน้อย, กิจกรรมทางศิลปะได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่จากผู้ปกครองทั้งสอง ในปี 1989 เมื่ออายุได้ 18 ปี Balos ออกจากโปแลนด์ไปยังสหรัฐอเมริกา โดยที่ครูในโรงเรียนและศิลปินพาร์ทไทม์ Cathy Gaggliardi สนับสนุนให้ Alkasander ลงทะเบียนเรียนในโรงเรียนศิลปะ จากนั้น Balos ก็ได้รับทุนการศึกษาเต็มจำนวนจากมหาวิทยาลัยมิลวอกี รัฐวิสคอนซิน ซึ่งเขาศึกษาการวาดภาพกับศาสตราจารย์ปรัชญา Harry Rozin

หลังจากสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีในปี พ.ศ. 2538 บาลอสก็ย้ายไปชิคาโกเพื่อเข้าเรียนในโรงเรียน ทัศนศิลป์ซึ่งมีวิธีการมาจากผลงานของ Jacques-Louis David ความสมจริงเชิงเปรียบเทียบและ การวาดภาพบุคคลเป็นผลงานส่วนใหญ่ของ Balos ในช่วงทศวรรษที่ 90 และต้นทศวรรษปี 2000 ปัจจุบัน บาลอสใช้ร่างมนุษย์เพื่อเน้นย้ำคุณลักษณะและข้อบกพร่องของการดำรงอยู่ของมนุษย์ โดยไม่ต้องเสนอวิธีแก้ปัญหาใดๆ

การจัดองค์ประกอบภาพเขียนของเขามุ่งหมายให้ผู้ชมตีความอย่างอิสระ จากนั้นภาพเขียนจะได้รับความหมายทางโลกและอัตนัยที่แท้จริง ในปี 2005 ศิลปินย้ายไปอยู่ที่แคลิฟอร์เนียตอนเหนือ นับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา หัวข้องานของเขาก็ขยายออกไปอย่างมาก และตอนนี้มีวิธีการวาดภาพที่อิสระมากขึ้น รวมถึงนามธรรมและสไตล์มัลติมีเดียต่างๆ ที่ช่วยแสดงแนวคิดและอุดมคติของการดำรงอยู่ผ่านการวาดภาพ

อลิสสา มังค์

Alyssa Monks – ทันสมัย ศิลปินชาวอเมริกัน- เกิดเมื่อปี 1977 ในเมืองริดจ์วูด รัฐนิวเจอร์ซีย์ ฉันเริ่มสนใจการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เคยศึกษาที่ New School ในนิวยอร์กและ มหาวิทยาลัยของรัฐ Montclair และสำเร็จการศึกษาจาก Boston College ในปี 1999 ด้วยปริญญาตรี ในเวลาเดียวกันเธอได้เรียนการวาดภาพที่สถาบัน ลอเรนโซ เมดิชี่ในฟลอเรนซ์

จากนั้นเธอก็ศึกษาต่อในหลักสูตรปริญญาโทที่ New York Academy of Art ในภาควิชา Figurative Art ซึ่งสำเร็จการศึกษาในปี 2544 เธอสำเร็จการศึกษาจาก Fullerton College ในปี 2549 บางครั้งเธอก็บรรยายที่มหาวิทยาลัยและ สถาบันการศึกษาเธอสอนการวาดภาพที่ New York Academy of Art เช่นเดียวกับ Montclair State University และ Lyme Academy of Art College ทั่วประเทศ

“การใช้ฟิลเตอร์ต่างๆ เช่น แก้ว ไวนิล น้ำ และไอน้ำ ทำให้ฉันบิดเบือนภาพได้ ร่างกายมนุษย์- ตัวกรองเหล่านี้ช่วยให้คุณสร้างได้ พื้นที่ขนาดใหญ่การออกแบบแนวนามธรรมพร้อมเกาะแห่งสีสันที่มองผ่าน - ส่วนต่างๆ ของร่างกายมนุษย์

ภาพวาดของฉันเปลี่ยนไป ดูทันสมัยไปจนถึงท่าทางและท่าทางดั้งเดิมของผู้หญิงอาบน้ำ พวกเขาสามารถบอกผู้ชมที่เอาใจใส่ได้มากมายเกี่ยวกับสิ่งที่ดูเหมือนชัดเจนในตัวเอง เช่น ประโยชน์ของการว่ายน้ำ การเต้นรำ และอื่นๆ ตัวละครของฉันกดตัวเองกับกระจกหน้าต่างห้องอาบน้ำ บิดเบือนร่างกายของตัวเอง โดยตระหนักว่าสิ่งเหล่านี้มีอิทธิพลต่อการจ้องมองของผู้ชายที่ฉาวโฉ่ต่อผู้หญิงที่เปลือยเปล่า ชั้นสีหนาผสมกันเพื่อเลียนแบบแก้ว ไอน้ำ น้ำ และเนื้อจากระยะไกล อย่างไรก็ตาม เมื่อมองอย่างใกล้ชิดก็น่าทึ่งมาก คุณสมบัติทางกายภาพ สีน้ำมัน- จากการทดลองโดยใช้สีและสีหลายชั้น ฉันพบจุดที่ฝีแปรงแบบนามธรรมกลายเป็นอย่างอื่น

เมื่อฉันเริ่มวาดภาพร่างกายมนุษย์ครั้งแรก ฉันรู้สึกทึ่งและหมกมุ่นอยู่กับมันทันที และเชื่อว่าฉันต้องทำให้ภาพวาดของตัวเองสมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ฉัน “ยอมรับ” ความสมจริงจนกระทั่งมันเริ่มคลี่คลายและเผยให้เห็นความขัดแย้งในตัวเอง ตอนนี้ฉันกำลังสำรวจความเป็นไปได้และศักยภาพของรูปแบบการวาดภาพที่ซึ่งการวาดภาพเป็นตัวแทนและนามธรรมมาบรรจบกัน หากทั้งสองรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในเวลาเดียวกัน ฉันจะทำเช่นนั้น”

อันโตนิโอ ฟิเนลลี

ศิลปินชาวอิตาลี – “ ผู้สังเกตการณ์เวลา” – อันโตนิโอ ฟิเนลลี เกิดเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2528 ปัจจุบันอาศัยและทำงานในอิตาลีระหว่างโรมและกัมโปบาสโซ ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในแกลเลอรี่หลายแห่งในอิตาลีและต่างประเทศ: โรม, ฟลอเรนซ์, โนวารา, เจนัว, ปาแลร์โม, อิสตันบูล, อังการา, นิวยอร์ก และยังสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวและสาธารณะ

ภาพวาดดินสอ " ผู้สังเกตการณ์เวลา"อันโตนิโอ ฟิเนลลีพาเราเดินทางสู่นิรันดร์" โลกภายในความชั่วคราวของมนุษย์และการวิเคราะห์โลกนี้อย่างถี่ถ้วนที่เกี่ยวข้อง องค์ประกอบหลักคือการผ่านกาลเวลาและร่องรอยที่เกิดขึ้นบนผิวหนัง

ฟิเนลลีวาดภาพคนทุกวัย เพศ และสัญชาติ ซึ่งการแสดงออกทางสีหน้าบ่งบอกถึงการผ่านกาลเวลา และศิลปินยังหวังที่จะพบหลักฐานของความไร้ความปรานีแห่งกาลเวลาบนร่างของตัวละครของเขา อันโตนิโอให้คำจำกัดความผลงานของเขาด้วยชื่อทั่วไปว่า "ภาพเหมือนตนเอง" เพราะในภาพวาดดินสอของเขา เขาไม่เพียงแต่พรรณนาถึงบุคคลเท่านั้น แต่ยังช่วยให้ผู้ชมได้ไตร่ตรอง ผลลัพธ์ที่แท้จริงกาลเวลาที่ผ่านไปในตัวบุคคล

ฟลามิเนีย คาร์โลนี

Flaminia Carloni เป็นศิลปินชาวอิตาลีวัย 37 ปี เป็นลูกสาวของนักการทูต เธอมีลูกสามคน เธออาศัยอยู่ในโรมเป็นเวลาสิบสองปี และสามปีในอังกฤษและฝรั่งเศส เธอได้รับปริญญาด้านประวัติศาสตร์ศิลปะจาก BD School of Art จากนั้นเธอก็ได้รับประกาศนียบัตรในฐานะนักบูรณะงานศิลปะ ก่อนที่จะค้นพบอาชีพและอุทิศตนให้กับการวาดภาพ เธอทำงานเป็นนักข่าว นักวาดภาพ นักออกแบบ และนักแสดง

ความหลงใหลในการวาดภาพของ Flaminia เกิดขึ้นในวัยเด็ก สื่อหลักของเธอคือน้ำมัน เพราะเธอชอบ "coiffer la pate" และชอบเล่นกับวัสดุด้วย เธอจำเทคนิคที่คล้ายกันในผลงานของศิลปิน Pascal Torua Flaminia ได้รับแรงบันดาลใจจากปรมาจารย์ด้านการวาดภาพผู้ยิ่งใหญ่ เช่น Balthus, Hopper และ François Legrand รวมถึงการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่หลากหลาย: สตรีทอาร์ต, สัจนิยมจีน, ลัทธิเหนือจริง และสัจนิยมยุคเรอเนซองส์ ที่เธอชื่นชอบ ศิลปินคาราวัจโจ- ความฝันของเธอคือการค้นพบพลังแห่งศิลปะในการบำบัด

เดนิส เชอร์นอฟ

เดนิส เชอร์นอฟ - มีความสามารถ ศิลปินชาวยูเครนเกิดเมื่อปี 1978 ในเมืองซัมบีร์ แคว้นลวิฟ ประเทศยูเครน หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Kharkov Art School ในปี 1998 เขายังคงอยู่ที่ Kharkov ซึ่งปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานอยู่ เขายังเรียนที่คาร์คอฟด้วย สถาบันการศึกษาของรัฐการออกแบบและศิลปะ สาขากราฟิก สำเร็จการศึกษาเมื่อปี พ.ศ. 2547

เขาเข้าร่วมนิทรรศการศิลปะเป็นประจำ ช่วงเวลานี้มีเหตุการณ์มากกว่าหกสิบครั้งทั้งในยูเครนและต่างประเทศ ผลงานส่วนใหญ่ของเดนิส เชอร์นอฟถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัวในยูเครน รัสเซีย อิตาลี อังกฤษ สเปน กรีซ ฝรั่งเศส สหรัฐอเมริกา แคนาดา และญี่ปุ่น ผลงานบางส่วนถูกขายที่ Christie's

เดนิสทำงานในกราฟิกที่หลากหลายและ เทคนิคการวาดภาพ- การวาดภาพด้วยดินสอเป็นหนึ่งในวิธีการวาดภาพที่เขาชื่นชอบมากที่สุด ซึ่งเป็นรายการหัวข้อต่างๆ ของเขา ภาพวาดดินสอยังมีความหลากหลายมาก เขาวาดภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพเปลือย องค์ประกอบประเภท ภาพประกอบหนังสือวรรณกรรมและ การก่อสร้างใหม่ทางประวัติศาสตร์และจินตนาการ

ภาพวาดขาวดำของญี่ปุ่นก็เป็นหนึ่งในนั้น ปรากฏการณ์ที่ไม่เหมือนใครศิลปะแห่งตะวันออก มีการทุ่มเทงานและการวิจัยมากมาย แต่มักถูกมองว่าเป็นสิ่งที่ธรรมดามากและบางครั้งก็เป็นของตกแต่ง สิ่งนี้ไม่เป็นเช่นนั้น โลกแห่งจิตวิญญาณของศิลปินชาวญี่ปุ่นนั้นอุดมสมบูรณ์มากและเขาไม่สนใจองค์ประกอบด้านสุนทรียภาพมากนักเกี่ยวกับจิตวิญญาณ ศิลปะตะวันออกเป็นการสังเคราะห์จากภายนอกและภายใน ชัดเจนและโดยปริยาย

ในโพสต์นี้ฉันอยากจะให้ความสนใจไม่ใช่ประวัติศาสตร์ของการวาดภาพเอกรงค์ แต่ถึงแก่นแท้ของมัน นี่คือสิ่งที่เราจะพูดถึง

จอภาพ "ต้นสน" Hasegawa Tohaku, 1593

สิ่งที่เราเห็นในภาพวาดเอกรงค์เป็นผลมาจากปฏิสัมพันธ์ของศิลปินกับองค์ประกอบพื้นฐานสามประการ ได้แก่ กระดาษ พู่กัน หมึก ดังนั้นเพื่อที่จะเข้าใจงานได้อย่างถูกต้อง คุณต้องเข้าใจตัวศิลปินและทัศนคติของเขาด้วย

"ทิวทัศน์" เซะชู 1398

กระดาษสำหรับปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นมันไม่ง่ายเลย วัสดุชั่วคราวซึ่งเขาอยู่ใต้บังคับบัญชาของเขา แต่ตรงกันข้าม - นี่คือ "พี่ชาย" ดังนั้นทัศนคติต่อเธอจึงพัฒนาขึ้นตามนั้น กระดาษเป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติที่อยู่รายล้อม ซึ่งชาวญี่ปุ่นปฏิบัติต่อด้วยความเคารพมาโดยตลอดและพยายามที่จะไม่พิชิต แต่ต้องอยู่ร่วมกันอย่างสันติกับกระดาษ กระดาษในอดีตเป็นต้นไม้ที่ยืนต้นอยู่บริเวณหนึ่ง เวลาที่แน่นอน“เห็น” บางสิ่งรอบตัวเธอ และเธอก็เก็บมันไว้ทั้งหมด นี่คือวิธีที่ศิลปินชาวญี่ปุ่นรับรู้ถึงเนื้อหานี้ บ่อยครั้งก่อนเริ่มงานช่างฝีมือมักมองดูเป็นเวลานาน แผ่นเปล่า(พวกเขาใคร่ครวญ) จากนั้นจึงเริ่มวาดภาพเท่านั้น แม้กระทั่งในปัจจุบัน ศิลปินญี่ปุ่นสมัยใหม่ที่ฝึกฝนเทคนิค Nihon-ga (ภาพวาดแบบญี่ปุ่นดั้งเดิม) ต่างก็เลือกกระดาษอย่างระมัดระวัง พวกเขาซื้อมันตามสั่งจากโรงงานกระดาษ ศิลปินแต่ละคนมีความหนา การซึมผ่านของความชื้น และพื้นผิวที่แน่นอน (ศิลปินหลายคนถึงกับทำข้อตกลงกับเจ้าของโรงงานที่จะไม่ขายกระดาษนี้ให้กับศิลปินคนอื่น) ดังนั้นภาพวาดแต่ละภาพจึงถูกมองว่าเป็นสิ่งที่มีเอกลักษณ์และมีชีวิตชีวา

"การอ่านในป่าไผ่" Xubun, 1446

เมื่อพูดถึงความสำคัญของเนื้อหานี้เป็นสิ่งที่ควรค่าแก่การกล่าวถึงต่อไปนี้ อนุสาวรีย์ที่มีชื่อเสียงวรรณกรรมญี่ปุ่น เช่น “Notes at the Bedside” โดย Sei Shonagon และ “Genji Monogotari” โดย Murasaki Shikibu: ทั้งใน “Notes” และ “Genji” คุณจะพบแผนการเมื่อข้าราชบริพารหรือคู่รักแลกเปลี่ยนข้อความกัน กระดาษที่ใช้เขียนข้อความเหล่านี้เป็นเวลาที่เหมาะสมของปี เฉดสี และลักษณะการเขียนข้อความที่สอดคล้องกับเนื้อผ้า

“มุราซากิ ชิกิบุที่ศาลเจ้าอิชิยามะ” เคียวเซ็น

แปรง- องค์ประกอบที่สองคือความต่อเนื่องของมือของอาจารย์ (อีกครั้งคือ วัสดุธรรมชาติ- ดังนั้นจึงมีการสั่งทำพู่กันด้วย แต่ส่วนใหญ่มักจะทำโดยศิลปินเอง เขาเลือกเส้นขนตามความยาวที่ต้องการ เลือกขนาดของแปรงและด้ามจับที่สะดวกสบายที่สุด ปรมาจารย์วาดภาพด้วยพู่กันของเขาเองเท่านั้น ไม่ใช้อย่างอื่น (จาก ประสบการณ์ส่วนตัว: เข้าร่วมชั้นเรียนปริญญาโท ศิลปินจีนเจียงซือหลุน ผู้ชมขอให้เขาแสดงให้เห็นว่านักเรียนของเขาที่อยู่ในชั้นเรียนปริญญาโทสามารถทำอะไรได้บ้าง และแต่ละคนหยิบแปรงของอาจารย์ขึ้นมาบอกว่าผลลัพธ์จะไม่เป็นสิ่งที่พวกเขาคาดหวัง เนื่องจากแปรงไม่ใช่ของพวกเขา พวกเขาไม่คุ้นเคยและไม่รู้ว่าจะใช้อย่างถูกต้องอย่างไร)

ภาพร่างด้วยหมึก "ฟูจิ" โดยคัตสึชิกะ โฮคุไซ

มาสคาร่า- ที่สาม องค์ประกอบที่สำคัญ- มาสคาร่าก็เกิดขึ้น ประเภทต่างๆ: สามารถให้เอฟเฟกต์มันวาวหรือด้านหลังจากการอบแห้ง อาจมีส่วนผสมของสีเงินหรือสีเหลืองสด ดังนั้น ทางเลือกที่ถูกต้องมาสคาร่าก็ไม่สำคัญเช่นกัน

ยามาโมโตะ ไบสึ, ปลาย XVIII- ศตวรรษที่ XIX

วิชาหลักของการวาดภาพเอกรงค์คือทิวทัศน์ ทำไมพวกเขาถึงไม่มีสี?

จับคู่หน้าจอ "ต้นสน" Hasegawa Tohaku

ประการแรก ศิลปินชาวญี่ปุ่นไม่สนใจในตัววัตถุ แต่ในสาระสำคัญคือองค์ประกอบบางอย่างที่พบได้ทั่วไปในสิ่งมีชีวิตทุกชนิด และนำไปสู่ความสามัคคีระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ ดังนั้นภาพจึงเป็นสัญญาณบ่งบอกถึงประสาทสัมผัสของเรา ไม่ใช่การมองเห็น การพูดน้อยเป็นแรงกระตุ้นสำหรับการสนทนาและทำให้เกิดความเชื่อมโยง เส้นและจุดมีความสำคัญในภาพ - เกิดขึ้น ภาษาศิลปะ- นี่ไม่ใช่เสรีภาพของนายที่ทิ้งเครื่องหมายตัวหนาไว้ในที่ที่เขาต้องการ แต่ในอีกที่หนึ่งตรงกันข้าม - ทุกสิ่งในภาพมีความหมายและความหมายในตัวเองและไม่ได้สุ่ม

ประการที่สอง สีมักมีความหมายแฝงทางอารมณ์เสมอ และผู้คนในรัฐต่างๆ จะรับรู้แตกต่างกัน ดังนั้นความเป็นกลางทางอารมณ์จึงทำให้ผู้ดูเข้าสู่บทสนทนาได้อย่างเหมาะสมที่สุด เพื่อวางตำแหน่งสำหรับการรับรู้ การไตร่ตรอง และความคิด

ประการที่สามนี่คือปฏิสัมพันธ์ของหยินและหยางการวาดภาพเอกรงค์ใด ๆ นั้นมีความกลมกลืนกันจากมุมมองของอัตราส่วนของหมึกต่อพื้นที่ที่ไม่มีใครแตะต้องของกระดาษ

ทำไม ส่วนใหญ่ไม่มีพื้นที่กระดาษใช้?

“ภูมิทัศน์” ซูบุน กลางศตวรรษที่ 15

ประการแรก พื้นที่ว่างจะทำให้ผู้ชมดื่มด่ำไปกับภาพ ประการที่สองภาพถูกสร้างขึ้นราวกับว่ามันลอยขึ้นสู่ผิวน้ำครู่หนึ่งและกำลังจะหายไป - สิ่งนี้เชื่อมโยงกับโลกทัศน์และโลกทัศน์ ประการที่สาม ในพื้นที่ที่ไม่มีหมึก พื้นผิวและสีของกระดาษจะปรากฏอยู่เบื้องหน้า (ซึ่งไม่สามารถมองเห็นได้ในการจำลองเสมอไป แต่ในความเป็นจริงแล้ว มันเป็นการทำงานร่วมกันของวัสดุทั้งสองเสมอ - กระดาษและหมึก)

เซะชู, 1446

ทำไมต้องเป็นแนวนอน?

“การไตร่ตรองถึงน้ำตก” กายามิ, 1478

ตามโลกทัศน์ของญี่ปุ่น ธรรมชาติมีความสมบูรณ์แบบมากกว่ามนุษย์ ดังนั้นเขาจึงต้องเรียนรู้จากมัน ปกป้องมันในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ และไม่ทำลายหรือพิชิตมัน ดังนั้นในภูมิประเทศหลายแห่ง คุณสามารถเห็นภาพผู้คนเล็กๆ น้อยๆ ได้ แต่จะไม่สำคัญเสมอไป มีขนาดเล็กเมื่อเทียบกับภูมิทัศน์นั้นเอง หรือภาพกระท่อมที่พอดีกับพื้นที่รอบตัวพวกเขา และไม่ได้สังเกตเห็นได้ชัดเจนเสมอไป - สิ่งเหล่านี้ล้วนเป็นสัญลักษณ์ของ โลกทัศน์

"ฤดูกาล: ฤดูใบไม้ร่วงและฤดูหนาว" เซสชู "ภูมิทัศน์" เซะชู 1481

โดยสรุป ฉันอยากจะบอกว่าภาพวาดญี่ปุ่นขาวดำนั้นไม่ใช่หมึกที่สาดอย่างวุ่นวาย ไม่ใช่อัตตาภายในของศิลปิน - มันเป็นระบบภาพและสัญลักษณ์ทั้งหมด มันเป็นแหล่งรวมความคิดเชิงปรัชญา และที่สำคัญที่สุด วิธีการสื่อสารและการประสานกันของตนเองและโลกรอบตัวเรา

ฉันคิดว่านี่คือคำตอบสำหรับคำถามหลักที่เกิดขึ้นในตัวผู้ชมเมื่อต้องเผชิญกับภาพวาดขาวดำของญี่ปุ่น ฉันหวังว่าพวกเขาจะช่วยให้คุณเข้าใจถูกต้องที่สุดและรับรู้เมื่อคุณพบกัน

ญี่ปุ่น จิตรกรรมคลาสสิกมีความยาวและ เรื่องราวที่น่าสนใจ- มีการนำเสนอวิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่นใน สไตล์ที่แตกต่างและประเภทต่างๆ ซึ่งแต่ละประเภทก็มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในแบบของตัวเอง รูปแกะสลักโบราณและลวดลายเรขาคณิตที่พบในระฆังดอตาคุสำริดและเศษเครื่องปั้นดินเผามีอายุย้อนกลับไปถึงปีคริสตศักราช 300

การวางแนวศิลปะพุทธศาสนา

ศิลปะการวาดภาพฝาผนังได้รับการพัฒนาค่อนข้างดีในญี่ปุ่น ในศตวรรษที่ 6 ภาพในหัวข้อปรัชญาพุทธศาสนาได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ในเวลานั้นมีการสร้างวัดขนาดใหญ่ในประเทศ และผนังทุกแห่งก็ตกแต่งด้วยจิตรกรรมฝาผนังที่วาดตามฉากจากตำนานและตำนานทางพุทธศาสนา ตัวอย่างภาพวาดฝาผนังโบราณยังคงได้รับการเก็บรักษาไว้ในวัดโฮริวจิใกล้กับเมืองนาราของญี่ปุ่น ภาพฝาผนังโฮริวจิแสดงภาพเหตุการณ์พุทธประวัติและเทพเจ้าองค์อื่นๆ รูปแบบศิลปะของจิตรกรรมฝาผนังเหล่านี้ใกล้เคียงกับแนวคิดภาพที่ได้รับความนิยมในประเทศจีนในสมัยราชวงศ์ซ่งมาก

รูปแบบการวาดภาพของราชวงศ์ถังได้รับความนิยมเป็นพิเศษในช่วงกลางสมัยนารา ภาพจิตรกรรมฝาผนังที่ค้นพบในสุสานทาคามัตสึซูกะมีอายุย้อนกลับไปประมาณศตวรรษที่ 7 จากช่วงเวลานี้ เทคนิคทางศิลปะก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลของราชวงศ์ถัง ต่อมาได้ก่อตั้งพื้นฐานของประเภทจิตรกรรมของคาราอี ประเภทนี้ยังคงได้รับความนิยมจนกระทั่งมีผลงานชิ้นแรกในสไตล์ยามาโตะ-เอะ จิตรกรรมฝาผนังและผลงานจิตรกรรมชิ้นเอกส่วนใหญ่เป็นของแปรง ผู้เขียนที่ไม่รู้จักปัจจุบันผลงานหลายชิ้นจากสมัยนั้นถูกเก็บไว้ในคลัง Sesoin

อิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของนิกายพุทธศาสนาใหม่ๆ เช่น เทนได มีอิทธิพลต่อการมุ่งเน้นทางศาสนาในวงกว้างของวิจิตรศิลป์ญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 8 และ 9 ในศตวรรษที่ 10 ซึ่งมีความก้าวหน้าเป็นพิเศษในศาสนาพุทธญี่ปุ่น ประเภทของไรโกสุมี "ภาพวาดต้อนรับ" ปรากฏขึ้น ซึ่งพรรณนาถึงการมาถึงของพระพุทธเจ้าในสวรรค์ตะวันตก ตัวอย่างไรโกซุในช่วงแรกๆ ย้อนหลังไปถึงปี 1053 สามารถพบเห็นได้ที่วัดเบโดอิน ซึ่งยังคงอยู่ในเมืองอุจิ จังหวัดเกียวโต

การเปลี่ยนสไตล์

ในช่วงกลางยุคเฮอัน สไตล์คาราเอะของจีนถูกแทนที่ด้วยประเภทยามาโตะ-เอะ ซึ่งมาเป็นเวลานานได้กลายเป็นหนึ่งในประเภทจิตรกรรมญี่ปุ่นที่ได้รับความนิยมและเป็นที่ต้องการมากที่สุด รูปแบบภาพใหม่ส่วนใหญ่จะใช้ในการทาสีฉากกั้นพับและประตูบานเลื่อน เมื่อเวลาผ่านไป ยามาโตะ-เอะก็เปลี่ยนไปใช้ม้วนเอกิโมโนะแนวนอนด้วย ศิลปินที่ทำงานในประเภท emaki พยายามถ่ายทอดอารมณ์ของพล็อตที่เลือกในผลงานของพวกเขา ม้วนหนังสือเก็นจิ-โมโนกาตาริประกอบด้วยตอนหลายตอนที่เชื่อมต่อกัน ซึ่งศิลปินในสมัยนั้นใช้ จังหวะที่รวดเร็วและสีสันที่สดใสและแสดงออกถึงอารมณ์

E-maki เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่เก่าแก่และโดดเด่นที่สุดของ otoko-e ซึ่งเป็นรูปแบบการเป็นตัวแทน ภาพชาย. ภาพผู้หญิงเน้นใน แยกประเภทออนนาเอ่อ ระหว่างประเภทเหล่านี้ ในความเป็นจริง เช่นเดียวกับระหว่างชายและหญิง จะเห็นความแตกต่างที่ค่อนข้างสำคัญ สไตล์อนนาเอะถูกนำเสนออย่างมีสีสันในการออกแบบของ The Tale of Genji ซึ่งมีธีมหลักของภาพวาดคือ เรื่องราวโรแมนติก,ฉากชีวิตในศาล สไตล์โอโตโกะเอะของผู้ชายเป็นส่วนใหญ่ ภาพศิลปะ การต่อสู้ทางประวัติศาสตร์และคนอื่น ๆ เหตุการณ์สำคัญในชีวิตของจักรวรรดิ

โรงเรียนศิลปะคลาสสิกของญี่ปุ่นได้กลายเป็นพื้นที่อุดมสมบูรณ์สำหรับการพัฒนาและส่งเสริมแนวคิดเกี่ยวกับศิลปะร่วมสมัยในญี่ปุ่น ซึ่งสามารถเห็นอิทธิพลของวัฒนธรรมป๊อปและอะนิเมะได้อย่างชัดเจน หนึ่งในที่มีชื่อเสียงที่สุด ศิลปินญี่ปุ่นความทันสมัยเรียกได้ว่าเป็นทาคาชิ มูราคามิ ซึ่งผลงานของเขาอุทิศให้กับการวาดภาพฉากชีวิตชาวญี่ปุ่นในยุคหลังสงครามและแนวคิดเรื่องการหลอมรวมสูงสุด วิจิตรศิลป์และกระแสหลัก

จากศิลปินชื่อดังชาวญี่ปุ่น โรงเรียนคลาสสิกเราสามารถตั้งชื่อได้ดังต่อไปนี้

ซูบุนที่ตึงเครียด

Syubun ทำงานเมื่อต้นศตวรรษที่ 15 โดยทุ่มเทเวลาอย่างมากในการศึกษาผลงานของปรมาจารย์ชาวจีนในราชวงศ์ซ่งชายผู้นี้ยืนอยู่ที่ต้นกำเนิดของญี่ปุ่น ประเภทภาพ- ชูบุนถือเป็นผู้ก่อตั้งภาพวาดหมึกขาวดำสไตล์ซูมิเอะ เขาใช้ความพยายามอย่างมากในการเผยแพร่แนวใหม่นี้ โดยเปลี่ยนให้เป็นหนึ่งในขอบเขตชั้นนำของการวาดภาพญี่ปุ่น ลูกศิษย์ของ Syubun มีหลายคนที่ต่อมากลายเป็น ศิลปินชื่อดังรวมถึงเซสชูและผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะชื่อดัง คาโนะ มาซาโนบุ ภูมิทัศน์หลายแห่งมีสาเหตุมาจาก Xubun แต่ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขามักถูกมองว่าเป็น "การอ่านหนังสือในป่าไผ่"

โองาตะ โคริน (1658-1716)

โอกาตะ โครินเป็นหนึ่งในนั้น ศิลปินหลักในประวัติศาสตร์การวาดภาพของญี่ปุ่น ผู้ก่อตั้งและหนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของสไตล์ศิลปะริมปะ Korine ย้ายออกจากแบบแผนดั้งเดิมอย่างกล้าหาญในผลงานของเขาและก่อตัวเป็นของเขาเอง สไตล์ของตัวเองลักษณะสำคัญคือรูปแบบขนาดเล็กและอิมเพรสชั่นนิสม์ที่สดใสของโครงเรื่อง Korin เป็นที่รู้จักจากทักษะพิเศษในการวาดภาพธรรมชาติและการทำงานกับองค์ประกอบสีแบบนามธรรม “ดอกบ๊วยสีแดงขาว” ก็เป็นอีกดอกหนึ่ง ผลงานที่มีชื่อเสียงโอกาตะ โครินะ ภาพวาดของเขา "ดอกเบญจมาศ" "คลื่นแห่งมัตสึชิมะ" และอื่นๆ อีกมากมายก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน

ฮาเซกาวะ โทฮาคุ (ค.ศ. 1539-1610)

Tohaku เป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะ Hasegawa ของญี่ปุ่น ผลงานในยุคแรกๆ ของโทฮาคุมีลักษณะเฉพาะโดยได้รับอิทธิพลจากสำนักจิตรกรรมญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียง คาโน แต่เมื่อเวลาผ่านไปศิลปินก็ได้สร้างสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเองขึ้นมา ในหลาย ๆ ด้าน งานของ Tohaku ได้รับอิทธิพลจากผลงานของปรมาจารย์ Sesshu ที่ได้รับการยอมรับ โฮเซกาวะยังถือว่าตัวเองเป็นผู้สืบทอดคนที่ห้าของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ด้วยซ้ำ ภาพวาด "ต้นสน" ของฮาเซกาว่า โทฮาคุ มีชื่อเสียงไปทั่วโลก ผลงานของเขา "เมเปิ้ล", "ต้นสนและพืชดอก" และอื่นๆ ก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน

คาโนะ เอโทกุ (ค.ศ. 1543-1590)

รูปแบบของโรงเรียนคาโนะครอบงำทัศนศิลป์ของญี่ปุ่นมาประมาณสี่ศตวรรษ และคาโนะ เอโทกุอาจเป็นหนึ่งในตัวแทนที่มีชื่อเสียงและโดดเด่นที่สุดของโรงเรียนศิลปะแห่งนี้ Eitoku ได้รับการสนับสนุนจากเจ้าหน้าที่การอุปถัมภ์ของขุนนางและผู้อุปถัมภ์ที่ร่ำรวยไม่สามารถช่วยเสริมสร้างความเข้มแข็งให้กับโรงเรียนของเขาและความนิยมในผลงานของเขาได้อย่างไม่ต้องสงสัยเลย ศิลปินที่มีพรสวรรค์- หน้าจอเลื่อน Cypress แปดแผง วาดโดย Eitoku Kano ถือเป็นผลงานชิ้นเอกอย่างแท้จริง ตัวอย่างที่ส่องแสงขอบเขตและพลังของสไตล์โมโนยามะ ผลงานอื่น ๆ ของปรมาจารย์เช่น "นกและต้นไม้แห่งสี่ฤดู", "สิงโตจีน", "ฤาษีและนางฟ้า" และอื่น ๆ อีกมากมายก็ดูน่าสนใจไม่น้อย

คัตสึชิกะ โฮะกุไซ (ค.ศ. 1760-1849)

โฮคุไซ – อาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดประเภทของอุกิโยะเอะ (ภาพพิมพ์แกะไม้ของญี่ปุ่น) ได้รับความคิดสร้างสรรค์ของโฮคุไซ การรับรู้ของโลกชื่อเสียงของเขาในประเทศอื่นเทียบไม่ได้กับศิลปินเอเชียส่วนใหญ่ผลงานของเขา” คลื่นลูกใหญ่ในคานากาว่า" กลายเป็นแบบนี้ นามบัตรวิจิตรศิลป์ญี่ปุ่นบนเวทีศิลปะโลก ด้วยตัวคุณเอง เส้นทางที่สร้างสรรค์โฮะกุไซใช้นามแฝงมากกว่าสามสิบชื่อ หลังจากหกสิบ ศิลปินอุทิศตนให้กับงานศิลปะโดยสิ้นเชิง และคราวนี้ถือเป็นช่วงที่ผลงานของเขาประสบผลสำเร็จมากที่สุด ผลงานของโฮคุไซมีอิทธิพลต่อผลงานของปรมาจารย์ด้านอิมเพรสชันนิสม์ชาวตะวันตกและยุคหลังอิมเพรสชั่นนิสต์ รวมถึงผลงานของเรอนัวร์ โมเนต์ และแวนโก๊ะ

ภาพวาดของญี่ปุ่นอย่างแน่นอน ทิศทางที่ไม่ซ้ำใครในศิลปะโลก มันมีมาตั้งแต่สมัยโบราณ แต่ตามประเพณีแล้วมันไม่ได้สูญเสียความนิยมและความสามารถในการสร้างความประหลาดใจ

ให้ความสนใจกับประเพณี

ตะวันออกไม่ได้มีแค่ทิวทัศน์ ภูเขา และพระอาทิตย์ขึ้นเท่านั้น คนเหล่านี้คือคนที่สร้างเรื่องราวของเขาด้วย คนเหล่านี้คือผู้ที่สนับสนุนประเพณีการวาดภาพของญี่ปุ่นมานานหลายศตวรรษ โดยพัฒนาและยกระดับงานศิลปะของพวกเขา ผู้ที่มีส่วนสำคัญต่อประวัติศาสตร์คือศิลปินชาวญี่ปุ่น ต้องขอบคุณพวกเขาที่ศิลปินสมัยใหม่ยังคงรักษาหลักการของการวาดภาพญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมเอาไว้

กรรมวิธีในการวาดภาพ

ต่างจากยุโรป ศิลปินญี่ปุ่นนิยมวาดภาพให้ใกล้เคียงกับกราฟิกมากกว่าวาดภาพ ในภาพวาดดังกล่าว คุณจะไม่พบลายเส้นน้ำมันที่หยาบและไม่ระมัดระวังซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของอิมเพรสชั่นนิสต์ ลักษณะกราฟิกของงานศิลปะ เช่น ต้นไม้ หิน สัตว์ และนกของญี่ปุ่นคืออะไร - ทุกสิ่งในภาพวาดเหล่านี้ถูกวาดออกมาอย่างชัดเจนที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ด้วยเส้นหมึกที่มั่นคงและมั่นใจ วัตถุทั้งหมดในองค์ประกอบจะต้องมีโครงร่าง การเติมภายในโครงร่างมักใช้สีน้ำ สีถูกชะล้างออกไป เพิ่มเฉดสีอื่น และเหลือสีของกระดาษไว้ที่ไหนสักแห่ง ความสามารถในการตกแต่งเป็นสิ่งที่ทำให้ภาพวาดญี่ปุ่นแตกต่างจากงานศิลปะทั่วโลกอย่างชัดเจน

ความแตกต่างในการวาดภาพ

คอนทราสต์เป็นเทคนิคลักษณะเฉพาะอีกประการหนึ่งที่ศิลปินชาวญี่ปุ่นใช้ นี่อาจเป็นความแตกต่างในโทนสี สี หรือคอนทราสต์ของเฉดสีอบอุ่นและเฉดสีเย็น

ศิลปินใช้เทคนิคนี้เมื่อเขาต้องการเน้นองค์ประกอบบางส่วนของตัวแบบ นี่อาจเป็นเส้นเลือดบนต้นไม้ กลีบดอกที่แยกจากกัน หรือลำต้นของต้นไม้ที่ตัดกับท้องฟ้า จากนั้นจึงแสดงแสงที่ส่องสว่างของวัตถุและเงาข้างใต้ (หรือกลับกัน)

การเปลี่ยนผ่านและโซลูชันสี

เมื่อวาดภาพเขียนของญี่ปุ่น มักใช้การเปลี่ยนภาพ อาจแตกต่างกันได้: เช่นจากสีหนึ่งไปอีกสีหนึ่ง บนกลีบดอกบัวและดอกโบตั๋นคุณสามารถสังเกตเห็นการเปลี่ยนจากสีอ่อนไปเป็นสีสดใส

การเปลี่ยนภาพยังใช้ในภาพผิวน้ำและท้องฟ้าอีกด้วย การเปลี่ยนผ่านจากพระอาทิตย์ตกไปสู่ความมืดอย่างราบรื่น แสงพลบค่ำที่ลึกลงดูสวยงามมาก เมื่อวาดเมฆ พวกเขายังใช้การเปลี่ยนจาก เฉดสีที่แตกต่างกันและปฏิกิริยาตอบสนอง

แรงจูงใจพื้นฐานของการวาดภาพญี่ปุ่น

ในงานศิลปะ ทุกสิ่งเชื่อมโยงถึงกัน ชีวิตจริงด้วยความรู้สึกและอารมณ์ของผู้ที่เกี่ยวข้องด้วย เช่นเดียวกับในวรรณคดี ดนตรี และความคิดสร้างสรรค์รูปแบบอื่นๆ การวาดภาพมีธีมนิรันดร์หลายประการ นี้ วิชาประวัติศาสตร์,ภาพของผู้คนและธรรมชาติ

ทิวทัศน์ของญี่ปุ่นมีหลากหลายรูปแบบ บ่อยครั้งในภาพวาดจะมีรูปบ่อน้ำซึ่งเป็นเฟอร์นิเจอร์ชิ้นโปรดของชาวญี่ปุ่น บ่อน้ำประดับ ดอกบัวหลายต้น และต้นไผ่อยู่ใกล้ๆ นี่คือภาพทั่วไปของศตวรรษที่ 17-18

สัตว์ในภาพวาดญี่ปุ่น

สัตว์ยังเป็นองค์ประกอบที่เกิดขึ้นบ่อยครั้งในการวาดภาพเอเชีย ตามธรรมเนียมแล้วจะเป็นเสือหมอบหรือ แมวบ้าน- โดยทั่วไปแล้วชาวเอเชียชื่นชอบมากและตัวแทนของพวกเขาจึงพบได้ในศิลปะตะวันออกทุกรูปแบบ

โลกแห่งสัตว์ก็เป็นอีกหัวข้อหนึ่งที่ตามมา ภาพวาดญี่ปุ่น- นก - นกกระเรียน, นกแก้วประดับ, นกยูงที่หรูหรา, นกนางแอ่น, นกกระจอกที่ไม่เด่นและแม้กระทั่งไก่โต้ง - ทั้งหมดนี้มีอยู่ในภาพวาดของปรมาจารย์ชาวตะวันออก

ราศีมีนเป็นธีมที่เกี่ยวข้องไม่แพ้กันสำหรับศิลปินชาวญี่ปุ่น ปลาคาร์พ Koi เป็นปลาทองเวอร์ชั่นญี่ปุ่น สิ่งมีชีวิตเหล่านี้อาศัยอยู่ในเอเชียในสระน้ำทุกแห่ง แม้แต่ในสวนสาธารณะและสวนขนาดเล็ก ปลาคาร์พเป็นประเพณีชนิดหนึ่งที่เป็นของประเทศญี่ปุ่นโดยเฉพาะ ปลาเหล่านี้เป็นสัญลักษณ์ของการต่อสู้ ความมุ่งมั่น และการบรรลุเป้าหมาย ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ภาพเหล่านี้ลอยไปตามกระแสน้ำและมียอดคลื่นประดับอยู่เสมอ

ภาพวาดญี่ปุ่น: การพรรณนาถึงผู้คน

ผู้คนในภาพวาดญี่ปุ่นถือเป็นธีมพิเศษ ศิลปินวาดภาพเกอิชา จักรพรรดิ นักรบ และผู้อาวุโส

เกอิชาถูกล้อมรอบด้วยดอกไม้ โดยมักจะสวมเสื้อคลุมที่ประณีตซึ่งมีรอยพับและองค์ประกอบต่างๆ มากมาย

มีภาพปราชญ์กำลังนั่งหรืออธิบายบางสิ่งให้นักเรียนฟัง ภาพลักษณ์ของนักวิทยาศาสตร์รุ่นเก่าเป็นสัญลักษณ์ของประวัติศาสตร์ วัฒนธรรม และปรัชญาของเอเชีย

นักรบถูกมองว่าน่าเกรงขามและบางครั้งก็น่ากลัว อันยาวถูกวาดอย่างละเอียดและดูเหมือนลวด

โดยปกติแล้วรายละเอียดทั้งหมดของชุดเกราะจะถูกทำให้กระจ่างโดยใช้หมึก นักรบเปลือยเปล่ามักตกแต่งด้วยรอยสักรูปมังกรตะวันออก มันเป็นสัญลักษณ์ของความเข้มแข็งและอำนาจทางทหารของญี่ปุ่น

มีภาพผู้ปกครองสำหรับราชวงศ์อิมพีเรียล เสื้อผ้าและเครื่องประดับที่สวยงามบนเส้นผมของผู้ชายคือผลงานศิลปะประเภทนี้ที่มีอยู่มากมาย

ทิวทัศน์

ภูมิประเทศแบบญี่ปุ่นดั้งเดิม - ภูเขา จิตรกรชาวเอเชียประสบความสำเร็จในการวาดภาพทิวทัศน์ที่หลากหลาย โดยสามารถพรรณนายอดเขาเดียวกันด้วยสีที่ต่างกัน และบรรยากาศที่แตกต่างกัน สิ่งเดียวที่ยังคงไม่เปลี่ยนแปลงคือการมีดอกไม้บังคับ โดยปกติแล้วศิลปินจะพรรณนาพืชบางชนิดที่อยู่เบื้องหน้าร่วมกับภูเขาและวาดรายละเอียด ภูเขาและดอกซากุระดูสวยงาม และหากพวกเขาวาดภาพกลีบดอกไม้ที่ร่วงหล่น ภาพนั้นก็จะกระตุ้นให้เกิดความชื่นชมในความงามอันน่าเศร้าของมัน ความเปรียบต่างของบรรยากาศของภาพถือเป็นอีกหนึ่งคุณสมบัติที่ยอดเยี่ยมของวัฒนธรรมญี่ปุ่น

อักษรอียิปต์โบราณ

บ่อยครั้งที่องค์ประกอบของภาพในภาพวาดญี่ปุ่นจะรวมกับการเขียน อักษรอียิปต์โบราณถูกจัดเรียงเพื่อให้ดูมีองค์ประกอบที่สวยงาม โดยปกติแล้วจะวาดทางด้านซ้ายหรือขวาของภาพวาด อักษรอียิปต์โบราณสามารถแสดงถึงสิ่งที่ปรากฎในภาพวาด ชื่อภาพ หรือชื่อของศิลปิน

ญี่ปุ่นเป็นหนึ่งในประเทศที่ร่ำรวยที่สุดในประวัติศาสตร์และวัฒนธรรม โดยทั่วไปแล้วคนญี่ปุ่นทั่วโลกถือเป็นคนอวดรู้ซึ่งพบสุนทรียศาสตร์ในทุกรูปแบบของชีวิต ดังนั้นภาพวาดของญี่ปุ่นจึงมีสีและโทนสีที่กลมกลืนกันมากอยู่เสมอหากมีการรวมอยู่ด้วย สีสว่าง- จากนั้นเฉพาะในศูนย์ความหมายเท่านั้น การใช้ภาพวาดของศิลปินเอเชียเป็นตัวอย่าง คุณสามารถศึกษาทฤษฎีสี การแสดงรูปแบบที่ถูกต้องโดยใช้กราฟิก และองค์ประกอบ เทคนิคการวาดภาพของญี่ปุ่นนั้นสูงมากจนสามารถใช้เป็นตัวอย่างในการทำงานกับสีน้ำและทำการ "ล้าง" งานกราฟิกได้

ซึ่งครอบคลุมเทคนิคและสไตล์มากมาย ตลอดประวัติศาสตร์ของการดำรงอยู่ของมันได้ผ่าน จำนวนมากการเปลี่ยนแปลง มีการเพิ่มประเพณีและประเภทใหม่ๆ และยังคงหลักการดั้งเดิมของญี่ปุ่นไว้ พร้อมด้วย เรื่องราวที่น่าทึ่งภาพวาดญี่ปุ่นยังพร้อมนำเสนอข้อเท็จจริงอันเป็นเอกลักษณ์และน่าสนใจมากมาย

ญี่ปุ่นโบราณ

รูปแบบแรกปรากฏในสมัยโบราณที่สุด ช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ประเทศต่างๆ แม้กระทั่งก่อนคริสต์ศักราช จ. จากนั้นศิลปะก็ค่อนข้างดึกดำบรรพ์ ครั้งแรกใน 300 ปีก่อนคริสตกาล จ. ต่างๆ รูปทรงเรขาคณิตซึ่งดำเนินการกับเครื่องปั้นดินเผาโดยใช้ไม้ การค้นพบดังกล่าวโดยนักโบราณคดีเช่นการตกแต่งระฆังทองสัมฤทธิ์มีอายุย้อนกลับไปในเวลาต่อมา

ต่อมาอีกเล็กน้อยในคริสตศักราช 300 e. ปรากฏ ภาพวาดถ้ำซึ่งมีความหลากหลายมากกว่ามาก เครื่องประดับเรขาคณิต- ภาพเหล่านี้เป็นภาพที่มีรูปภาพครบถ้วนแล้ว พวกเขาถูกพบในห้องใต้ดิน และอาจเป็นไปได้ว่าผู้คนที่มีภาพวาดบนนั้นถูกฝังอยู่ในบริเวณฝังศพเหล่านี้

ในคริสตศตวรรษที่ 7 จ. ญี่ปุ่นรับเอาการเขียนที่มาจากประเทศจีน ในเวลาเดียวกัน ภาพวาดชิ้นแรกก็มาจากที่นั่น จากนั้นภาพวาดก็ปรากฏเป็นงานศิลปะที่แยกจากกัน

เอโดะ

เอโดะอยู่ไกลจากภาพวาดแรกและไม่ใช่ภาพสุดท้าย แต่ได้นำสิ่งใหม่ๆ มาสู่วัฒนธรรมมากมาย ประการแรกคือความสว่างและสีสันที่เพิ่มเข้ามาในเทคนิคปกติซึ่งแสดงในโทนสีดำและสีเทา Sotasu ถือเป็นศิลปินที่โดดเด่นที่สุดในสไตล์นี้ เขาสร้าง ภาพวาดคลาสสิกแต่ตัวละครของเขามีสีสันมาก ต่อมาเขาเปลี่ยนมาสู่ธรรมชาติ และภูมิทัศน์ส่วนใหญ่ของเขาถูกทาสีด้วยพื้นหลังปิดทอง

ประการที่สอง ในสมัยเอโดะ ลัทธินอกรีต แนวนัมบังก็ปรากฏขึ้น มันใช้ยุโรปสมัยใหม่และ ช่างจีนซึ่งผสมผสานกับสไตล์ญี่ปุ่นดั้งเดิม

และประการที่สาม โรงเรียนนางาก็ปรากฏตัวขึ้น ในนั้นศิลปินจะเลียนแบบหรือคัดลอกผลงานของอาจารย์ชาวจีนโดยสิ้นเชิงก่อน จากนั้นกิ่งก้านใหม่ก็ปรากฏขึ้น เรียกว่า bunjing

ยุคสมัยใหม่

สมัยเอโดะเปิดทางให้กับเมจิ และตอนนี้ภาพวาดของญี่ปุ่นถูกบังคับให้ทำเช่นนั้น เวทีใหม่การพัฒนา. ในเวลานี้ ประเภทต่างๆ เช่น ตะวันตกและประเภทอื่นๆ กำลังได้รับความนิยมไปทั่วโลก ดังนั้นความทันสมัยของศิลปะจึงกลายเป็นเรื่องธรรมดา อย่างไรก็ตาม ในญี่ปุ่น ซึ่งเป็นประเทศที่ทุกคนเคารพประเพณี เวลาที่กำหนดสถานการณ์แตกต่างอย่างมากจากสิ่งที่เกิดขึ้นในประเทศอื่น การแข่งขันระหว่างช่างเทคนิคชาวยุโรปและท้องถิ่นนั้นดุเดือดที่นี่

รัฐบาลในขั้นตอนนี้ให้ความสำคัญกับศิลปินรุ่นเยาว์ที่ส่งผลงาน ความหวังที่ยิ่งใหญ่เพื่อพัฒนาทักษะแบบตะวันตก พวกเขาจึงส่งพวกเขาไปโรงเรียนในยุโรปและอเมริกา

แต่นี่เป็นเพียงช่วงเริ่มต้นเท่านั้น ความจริงก็คือว่า นักวิจารณ์ชื่อดังศิลปะตะวันตกถูกวิพากษ์วิจารณ์ค่อนข้างรุนแรง เพื่อหลีกเลี่ยงไม่ให้เกิดปัญหานี้ รูปแบบและเทคนิคของยุโรปจึงเริ่มถูกห้ามในนิทรรศการ การจัดแสดงก็หยุดลง เช่นเดียวกับความนิยม

การเกิดขึ้นของสไตล์ยุโรป

ถัดมาเป็นยุคไทโช ช่วงนี้ศิลปินหนุ่มที่ไปเรียนต่อที่โรงเรียนต่างประเทศกลับมาบ้านเกิด โดยธรรมชาติแล้วพวกเขานำภาพวาดญี่ปุ่นรูปแบบใหม่ซึ่งคล้ายกับภาพวาดของยุโรปมาด้วย อิมเพรสชันนิสม์และโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ปรากฏขึ้น

บน ที่เวทีนี้โรงเรียนหลายแห่งกำลังก่อตัวขึ้นโดยที่คนสมัยก่อนกำลังฟื้นขึ้นมา สไตล์ญี่ปุ่น- แต่มันเป็นไปไม่ได้เลยที่จะกำจัดแนวโน้มแบบตะวันตกออกไปโดยสิ้นเชิง ดังนั้นเราจึงต้องผสมผสานเทคนิคหลายอย่างเข้าด้วยกันเพื่อเอาใจทั้งผู้ชื่นชอบความคลาสสิกและผู้ที่ชื่นชอบการวาดภาพยุโรปสมัยใหม่

โรงเรียนบางแห่งได้รับทุนจากรัฐ ซึ่งทำให้สามารถรักษาประเพณีของชาติหลายประการไว้ได้ เจ้าของเอกชนถูกบังคับให้ปฏิบัติตามผู้นำของผู้บริโภคที่ต้องการสิ่งใหม่ ๆ พวกเขาเบื่อหน่ายกับความคลาสสิก

ภาพวาดจากสงครามโลกครั้งที่สอง

หลังจากเริ่มเข้าสู่ช่วงสงคราม ภาพวาดของญี่ปุ่นยังคงห่างไกลจากเหตุการณ์ต่างๆ มาระยะหนึ่งแล้ว มันพัฒนาแยกกันและเป็นอิสระ แต่สิ่งนี้ไม่สามารถดำเนินต่อไปได้ตลอดไป

เมื่อเวลาผ่านไป เมื่อสถานการณ์ทางการเมืองในประเทศแย่ลง บุคคลระดับสูงและได้รับความเคารพจะดึงดูดศิลปินจำนวนมาก บางคนเริ่มสร้างสไตล์รักชาติแม้ในช่วงเริ่มต้นของสงคราม ส่วนที่เหลือจะเริ่มกระบวนการนี้ตามคำสั่งจากทางการเท่านั้น

ดังนั้นวิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่นจึงไม่สามารถพัฒนาได้โดยเฉพาะในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง ดังนั้นสำหรับการทาสีจึงเรียกได้ว่านิ่ง

ซุยโบกุงะผู้เป็นนิรันดร์

ภาพวาดซูมิเอะของญี่ปุ่นหรือซุยโบกุกะ แปลว่า "ภาพวาดหมึก" อย่างแท้จริง นี่เป็นตัวกำหนดสไตล์และเทคนิคของงานศิลปะชิ้นนี้ มันมาจากประเทศจีน แต่ญี่ปุ่นก็ตัดสินใจเรียกมันว่าเป็นของตัวเอง และในตอนแรกเทคนิคนี้ไม่มีด้านความสวยงามเลย พระสงฆ์ใช้เพื่อการพัฒนาตนเองขณะศึกษาเซน ยิ่งไปกว่านั้น พวกเขาวาดภาพเป็นครั้งแรก และต่อมาก็ฝึกสมาธิขณะชมภาพเหล่านั้น พระภิกษุเชื่อว่าเส้นที่เข้มงวด โทนสีและเงาที่พร่ามัว - ทั้งหมดที่เรียกว่าเอกรงค์ - ช่วยปรับปรุง

การวาดภาพด้วยหมึกของญี่ปุ่น แม้จะมีภาพวาดและเทคนิคที่หลากหลาย แต่ก็ไม่ซับซ้อนเท่าที่ควรเมื่อมองแวบแรก มันขึ้นอยู่กับเพียง 4 แปลง:

1. ดอกเบญจมาศ.
2. กล้วยไม้.
3. สาขาบ๊วย.
4. ไม้ไผ่.

แผนการจำนวนน้อยไม่ได้ช่วยให้เชี่ยวชาญเทคนิคได้อย่างรวดเร็ว อาจารย์บางคนเชื่อว่าการเรียนรู้จะคงอยู่ตลอดชีวิต

แม้ว่า sumi-e จะปรากฏตัวเมื่อนานมาแล้ว แต่ก็ยังเป็นที่ต้องการอยู่เสมอ ยิ่งไปกว่านั้น วันนี้คุณจะได้พบกับอาจารย์ของโรงเรียนแห่งนี้ ไม่เพียงแต่ในญี่ปุ่นเท่านั้น แต่ยังแพร่หลายไปไกลเกินขอบเขตอีกด้วย

ยุคสมัยใหม่

หลังจากสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่สอง ศิลปะในญี่ปุ่นเจริญรุ่งเรืองเฉพาะในเมืองใหญ่เท่านั้น ชาวบ้านและชาวบ้านก็มีความกังวลมากพอแล้ว ศิลปินส่วนใหญ่พยายามหันหลังให้กับการสูญเสียในช่วงสงครามและพรรณนาชีวิตในเมืองสมัยใหม่บนผืนผ้าใบด้วยการตกแต่งและคุณสมบัติทั้งหมด แนวคิดของยุโรปและอเมริกาได้รับการยอมรับอย่างประสบความสำเร็จ แต่สถานการณ์นี้อยู่ได้ไม่นาน ปรมาจารย์หลายคนเริ่มค่อยๆ ย้ายจากพวกเขาไปโรงเรียนญี่ปุ่น

ยังคงทันสมัยอยู่เสมอ ดังนั้นการวาดภาพญี่ปุ่นสมัยใหม่จึงมีความแตกต่างกันเฉพาะในเทคนิคการดำเนินการหรือวัสดุที่ใช้ในกระบวนการเท่านั้น แต่ศิลปินส่วนใหญ่ไม่ค่อยรับรู้ถึงนวัตกรรมต่างๆ ได้ดีนัก

เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึงแฟชั่น วัฒนธรรมย่อยสมัยใหม่เช่นอนิเมะและ สไตล์ที่คล้ายกัน- ศิลปินหลายคนพยายามทำให้เส้นแบ่งระหว่างความคลาสสิกกับสิ่งที่เป็นที่ต้องการในปัจจุบันไม่ชัดเจน สถานการณ์นี้ส่วนใหญ่เกิดจากการพาณิชย์ คลาสสิกและ ประเภทดั้งเดิมที่จริงแล้วพวกเขาไม่ได้ซื้อ ดังนั้นการทำงานเป็นศิลปินในแนวที่คุณชื่นชอบจึงไม่มีประโยชน์ คุณต้องปรับตัวให้เข้ากับแฟชั่น

บทสรุป

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าภาพวาดของญี่ปุ่นถือเป็นขุมทรัพย์แห่งวิจิตรศิลป์ บางทีประเทศที่เป็นปัญหาอาจเป็นประเทศเดียวที่ไม่ตามกระแสตะวันตกและไม่ปรับตัวเข้ากับแฟชั่น แม้จะมีความพ่ายแพ้หลายครั้งในระหว่างการใช้เทคนิคใหม่ๆ แต่ศิลปินญี่ปุ่นก็ยังคงสามารถปกป้องได้ ประเพณีประจำชาติในหลายประเภท นี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมภาพวาดที่ทำในรูปแบบคลาสสิกจึงมีมูลค่าสูงในนิทรรศการในปัจจุบัน