ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นที่มีต้นกำเนิดจากญี่ปุ่น-เปรู ศิลปินภาพอุกิโยะที่ยิ่งใหญ่ที่สุด

หากคุณคิดว่าศิลปินที่ยิ่งใหญ่ล้วนแต่อยู่ในอดีต คุณก็ไม่รู้ว่าคุณคิดผิดแค่ไหน ในบทความนี้คุณจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับศิลปินที่มีชื่อเสียงและมีความสามารถที่สุดในยุคของเรา และเชื่อฉันเถอะว่าผลงานของพวกเขาจะยังคงอยู่ในความทรงจำของคุณไม่ลึกไปกว่าผลงานของเกจิจากยุคก่อน ๆ

วอจเซียค บับสกี้

วอจเซียค บับสกี้ – ทันสมัย ศิลปินชาวโปแลนด์- เขาสำเร็จการศึกษาที่ Silesian Polytechnic Institute แต่ก็เกี่ยวข้องกับตัวเองด้วย ใน เมื่อเร็วๆ นี้ดึงดูดผู้หญิงเป็นหลัก มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกของอารมณ์ มุ่งมั่นที่จะได้รับผลสูงสุดที่เป็นไปได้โดยใช้วิธีการง่ายๆ

ชอบสีแต่มักใช้เฉดสีดำและสีเทาเพื่อให้ได้ ประสบการณ์ที่ดีที่สุด- ไม่กลัวที่จะทดลองเทคนิคใหม่ๆ ที่แตกต่าง ล่าสุดเขาได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นในต่างประเทศ โดยเฉพาะในสหราชอาณาจักร ซึ่งเขาประสบความสำเร็จในการขายผลงานของเขา ซึ่งสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวมากมาย นอกจากศิลปะแล้ว เขายังสนใจจักรวาลวิทยาและปรัชญาอีกด้วย ฟังเพลงแจ๊ส ปัจจุบันอาศัยและทำงานในคาโตวีตเซ

วอร์เรน ช้าง

Warren Chang เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เกิดในปี 1957 และเติบโตในเมืองมอนเทอเรย์ รัฐแคลิฟอร์เนีย เขาสำเร็จการศึกษาเกียรตินิยมจาก Art Center College of Design ในพาซาดีนาในปี 1981 ซึ่งเขาได้รับ BFA ในอีกสองทศวรรษต่อมาเขาทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบให้กับ บริษัทต่างๆในแคลิฟอร์เนียและนิวยอร์ก ก่อนที่จะเริ่มต้นอาชีพศิลปินมืออาชีพในปี 2552

ภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาแบ่งได้เป็น 2 ประเภทหลัก ได้แก่ ภาพวาดชีวประวัติภายใน และภาพวาดภาพคนในที่ทำงาน ความสนใจของเขาในการวาดภาพรูปแบบนี้ย้อนกลับไปถึงผลงานของศิลปินโยฮันเนส เวอร์เมียร์ ในศตวรรษที่ 16 และครอบคลุมถึงวิชาต่างๆ การถ่ายภาพบุคคล ภาพเหมือนของสมาชิกในครอบครัว เพื่อน นักเรียน การตกแต่งภายในในสตูดิโอ ห้องเรียน และบ้าน เป้าหมายของเขาคือการสร้างอารมณ์และอารมณ์ในภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาผ่านการปรุงแต่งของแสงและการใช้สีที่ไม่ออกเสียง

ช้างเริ่มมีชื่อเสียงหลังจากเปลี่ยนมาใช้วิจิตรศิลป์แบบดั้งเดิม ตลอด 12 ปีที่ผ่านมา เขาได้รับรางวัลและเกียรติยศมากมาย โดยรางวัลอันทรงเกียรติที่สุดคือ Master Signature จาก Oil Painters of America ซึ่งเป็นชุมชนภาพวาดสีน้ำมันที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา มีเพียง 1 คนจาก 50 คนเท่านั้นที่มีโอกาสได้รับรางวัลนี้ ปัจจุบัน Warren อาศัยอยู่ที่มอนเทอเรย์และทำงานในสตูดิโอของเขา และเขายังสอน (รู้จักกันในชื่อครูที่มีพรสวรรค์) ที่ San Francisco Academy of Art

ออเรลิโอ บรูนี่

ออเรลิโอ บรูนีเป็นศิลปินชาวอิตาลี เกิดที่เมืองแบลร์ วันที่ 15 ตุลาคม พ.ศ. 2498 เขาได้รับประกาศนียบัตรด้านฉากจากสถาบันศิลปะในสโปเลโต ในฐานะศิลปิน เขาเรียนรู้ด้วยตนเอง ในขณะที่เขา "สร้างบ้านแห่งความรู้" อย่างอิสระบนรากฐานที่วางไว้ในโรงเรียน เขาเริ่มวาดภาพด้วยสีน้ำมันเมื่ออายุ 19 ปี ปัจจุบันอาศัยและทำงานในแคว้นอุมเบรีย

ภาพวาดยุคแรกๆ ของบรูนีมีรากฐานมาจากลัทธิเหนือจริง แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาเริ่มมุ่งเน้นไปที่ความใกล้ชิดของแนวโรแมนติกและสัญลักษณ์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ เสริมการผสมผสานนี้เข้ากับความซับซ้อนและความบริสุทธิ์ของตัวละครของเขา วัตถุที่เคลื่อนไหวและไม่มีชีวิตได้รับศักดิ์ศรีที่เท่าเทียมกันและดูเกือบจะสมจริงเกินไป แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ได้ซ่อนอยู่หลังม่าน แต่ช่วยให้คุณมองเห็นแก่นแท้ของจิตวิญญาณของคุณ ความเก่งกาจและความซับซ้อน ความเย้ายวนและความเหงา ความรอบคอบและประสิทธิผลเป็นจิตวิญญาณของ Aurelio Bruni ซึ่งหล่อเลี้ยงด้วยความงดงามของศิลปะและความกลมกลืนของดนตรี

อเล็กซานเดอร์ บาลอส

Alkasander Balos เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ที่เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพสีน้ำมัน เกิดในปี 1970 ในเมืองกลิวิซ ประเทศโปแลนด์ แต่ตั้งแต่ปี 1989 เขาอาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกา ในเมืองชาสตา รัฐแคลิฟอร์เนีย

เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาเรียนศิลปะภายใต้การแนะนำของแจน พ่อของเขา ซึ่งเป็นศิลปินและประติมากรที่เรียนรู้ด้วยตนเอง ดังนั้นเขาจึงเรียนเช่นกัน อายุยังน้อยกิจกรรมทางศิลปะได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่จากทั้งพ่อและแม่ ในปี 1989 เมื่ออายุได้ 18 ปี Balos ออกจากโปแลนด์ไปยังสหรัฐอเมริกา โดยที่ครูในโรงเรียนและศิลปินพาร์ทไทม์ Katie Gaggliardi สนับสนุนให้ Alkasander ลงทะเบียนเรียนในโรงเรียนศิลปะ จากนั้น Balos ก็ได้รับทุนการศึกษาเต็มจำนวนจากมหาวิทยาลัยมิลวอกี รัฐวิสคอนซิน ซึ่งเขาศึกษาการวาดภาพกับศาสตราจารย์ปรัชญา Harry Rozin

หลังจากสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีในปี พ.ศ. 2538 บาลอสก็ย้ายไปชิคาโกเพื่อเข้าเรียนในโรงเรียน ทัศนศิลป์ซึ่งมีวิธีการมาจากผลงานของ Jacques-Louis David ความสมจริงเชิงเปรียบเทียบและ การวาดภาพบุคคลคือ ที่สุดผลงานของ Balos ในยุค 90 และต้นปี 2000 ปัจจุบัน บาลอสใช้ร่างมนุษย์เพื่อเน้นย้ำคุณลักษณะและข้อบกพร่องของการดำรงอยู่ของมนุษย์ โดยไม่ต้องเสนอวิธีแก้ปัญหาใดๆ

การจัดองค์ประกอบภาพเขียนของเขามุ่งหมายให้ผู้ชมตีความอย่างอิสระ จากนั้นภาพเขียนจะได้รับความหมายทางโลกและอัตนัยที่แท้จริง ในปี 2005 ศิลปินย้ายไปอยู่ที่แคลิฟอร์เนียตอนเหนือ นับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา หัวข้องานของเขาก็ขยายออกไปอย่างมาก และตอนนี้มีวิธีการวาดภาพที่อิสระมากขึ้น รวมถึงนามธรรมและสไตล์มัลติมีเดียต่างๆ ที่ช่วยแสดงแนวคิดและอุดมคติของการดำรงอยู่ผ่านการวาดภาพ

อลิสสา มังค์

Alyssa Monks – ทันสมัย ศิลปินชาวอเมริกัน- เกิดเมื่อปี 1977 ในเมืองริดจ์วูด รัฐนิวเจอร์ซีย์ ฉันเริ่มสนใจการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เธอศึกษาที่ The New School ในนิวยอร์กและมหาวิทยาลัย Montclair State และสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีจากวิทยาลัยบอสตันในปี 1999 ในเวลาเดียวกันเธอได้เรียนการวาดภาพที่สถาบัน ลอเรนโซ เมดิชี่ในฟลอเรนซ์

จากนั้นเธอก็ศึกษาต่อในหลักสูตรปริญญาโทที่ New York Academy of Art ในภาควิชา Figurative Art ซึ่งสำเร็จการศึกษาในปี 2544 เธอสำเร็จการศึกษาจาก Fullerton College ในปี 2549 บางครั้งเธอบรรยายในมหาวิทยาลัยและสถาบันการศึกษาทั่วประเทศ โดยสอนการวาดภาพที่ New York Academy of Art เช่นเดียวกับ Montclair State University และ Lyme Academy of Art College

“การใช้ฟิลเตอร์ เช่น แก้ว ไวนิล น้ำ และไอน้ำ ฉันสามารถบิดเบือนร่างกายมนุษย์ได้ ตัวกรองเหล่านี้ช่วยให้คุณสร้างได้ พื้นที่ขนาดใหญ่การออกแบบแนวนามธรรมพร้อมเกาะแห่งสีสันที่มองผ่าน - ส่วนต่างๆ ของร่างกายมนุษย์

ภาพวาดของฉันเปลี่ยนไป ดูทันสมัยไปจนถึงท่าทางและท่าทางดั้งเดิมของผู้หญิงอาบน้ำ พวกเขาสามารถบอกผู้ชมที่เอาใจใส่ได้มากมายเกี่ยวกับสิ่งที่ดูเหมือนชัดเจนในตัวเอง เช่น ประโยชน์ของการว่ายน้ำ การเต้นรำ และอื่นๆ ตัวละครของฉันกดตัวเองแนบกับกระจกหน้าต่างห้องอาบน้ำ บิดเบือนร่างกายของตัวเอง โดยตระหนักว่าสิ่งเหล่านี้มีอิทธิพลต่อการจ้องมองของผู้ชายที่ฉาวโฉ่ต่อผู้หญิงที่เปลือยเปล่า ชั้นสีหนาผสมกันเพื่อเลียนแบบแก้ว ไอน้ำ น้ำ และเนื้อจากระยะไกล อย่างไรก็ตาม เมื่อมองอย่างใกล้ชิดก็น่าทึ่งมาก คุณสมบัติทางกายภาพสีน้ำมัน จากการทดลองโดยใช้สีและสีหลายชั้น ฉันพบจุดที่ฝีแปรงแบบนามธรรมกลายเป็นอย่างอื่น

เมื่อฉันเริ่มวาดภาพร่างกายมนุษย์ครั้งแรก ฉันรู้สึกทึ่งและหมกมุ่นอยู่กับมันทันที และเชื่อว่าฉันต้องทำให้ภาพวาดของฉันสมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ฉัน “ยอมรับ” ความสมจริงจนกระทั่งมันเริ่มคลี่คลายและเผยให้เห็นความขัดแย้งในตัวเอง ตอนนี้ฉันกำลังสำรวจความเป็นไปได้และศักยภาพของรูปแบบการวาดภาพที่ซึ่งการวาดภาพเป็นตัวแทนและนามธรรมมาบรรจบกัน หากทั้งสองรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในเวลาเดียวกัน ฉันจะทำเช่นนั้น”

อันโตนิโอ ฟิเนลลี

ศิลปินชาวอิตาลี – “ ผู้สังเกตการณ์เวลา” – อันโตนิโอ ฟิเนลลี เกิดเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2528 ปัจจุบันอาศัยและทำงานในอิตาลีระหว่างโรมและกัมโปบาสโซ ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในแกลเลอรี่หลายแห่งในอิตาลีและต่างประเทศ: โรม, ฟลอเรนซ์, โนวารา, เจนัว, ปาแลร์โม, อิสตันบูล, อังการา, นิวยอร์ก และยังสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวและสาธารณะ

ภาพวาดดินสอ " ผู้สังเกตการณ์เวลา"อันโตนิโอ ฟิเนลลีพาเราเดินทางสู่นิรันดร์" โลกภายในความชั่วคราวของมนุษย์และการวิเคราะห์โลกนี้อย่างถี่ถ้วนที่เกี่ยวข้อง องค์ประกอบหลักคือการผ่านกาลเวลาและร่องรอยที่เกิดขึ้นบนผิวหนัง

ฟิเนลลีวาดภาพคนทุกวัย เพศ และสัญชาติ ซึ่งการแสดงออกทางสีหน้าบ่งบอกถึงการผ่านกาลเวลา และศิลปินยังหวังที่จะพบหลักฐานของความไร้ความปรานีแห่งกาลเวลาบนร่างของตัวละครของเขา อันโตนิโอให้คำจำกัดความผลงานของเขาด้วยชื่อทั่วไปว่า "ภาพเหมือนตนเอง" เพราะในภาพวาดดินสอของเขา เขาไม่เพียงแต่พรรณนาถึงบุคคลเท่านั้น แต่ยังช่วยให้ผู้ชมได้ไตร่ตรอง ผลลัพธ์ที่แท้จริงกาลเวลาที่ผ่านไปในตัวบุคคล

ฟลามิเนีย คาร์โลนี

Flaminia Carloni เป็นศิลปินชาวอิตาลีวัย 37 ปี เป็นลูกสาวของนักการทูต เธอมีลูกสามคน เธออาศัยอยู่ในโรมเป็นเวลาสิบสองปี และสามปีในอังกฤษและฝรั่งเศส เธอได้รับปริญญาด้านประวัติศาสตร์ศิลปะจาก BD School of Art จากนั้นเธอก็ได้รับประกาศนียบัตรในฐานะนักบูรณะงานศิลปะ ก่อนที่จะค้นพบอาชีพและอุทิศตนให้กับการวาดภาพ เธอทำงานเป็นนักข่าว นักวาดภาพ นักออกแบบ และนักแสดง

ความหลงใหลในการวาดภาพของ Flaminia เกิดขึ้นในวัยเด็ก สื่อหลักของเธอคือน้ำมัน เพราะเธอชอบ "coiffer la pate" และชอบเล่นกับวัสดุด้วย เธอจำเทคนิคที่คล้ายกันในผลงานของศิลปิน Pascal Torua Flaminia ได้รับแรงบันดาลใจจากปรมาจารย์ด้านการวาดภาพผู้ยิ่งใหญ่ เช่น Balthus, Hopper และ François Legrand รวมถึงการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่หลากหลาย เช่น สตรีทอาร์ต ความสมจริงแบบจีน สถิตยศาสตร์ และความสมจริงแบบเรอเนซองส์ ที่เธอชื่นชอบ ศิลปินคาราวัจโจ- ความฝันของเธอคือการค้นพบพลังแห่งศิลปะในการบำบัด

เดนิส เชอร์นอฟ

เดนิส เชอร์นอฟ - มีความสามารถ ศิลปินชาวยูเครนเกิดเมื่อปี 1978 ในเมืองซัมบีร์ แคว้นลวีฟ ประเทศยูเครน หลังจากสำเร็จการศึกษาจากคาร์คอฟ โรงเรียนศิลปะในปี 1998 เขายังคงอยู่ที่คาร์คอฟ ซึ่งปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานอยู่ นอกจากนี้เขายังศึกษาที่ Kharkov State Academy of Design and Arts, Department of Graphic Arts โดยสำเร็จการศึกษาในปี 2547

เขาเข้าร่วมนิทรรศการศิลปะเป็นประจำ ช่วงเวลานี้มีเหตุการณ์มากกว่าหกสิบครั้งทั้งในยูเครนและต่างประเทศ ผลงานส่วนใหญ่ของเดนิส เชอร์นอฟถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัวในยูเครน รัสเซีย อิตาลี อังกฤษ สเปน กรีซ ฝรั่งเศส สหรัฐอเมริกา แคนาดา และญี่ปุ่น ผลงานบางส่วนถูกขายที่ Christie's

เดนิสทำงานในเทคนิคกราฟิกและการระบายสีที่หลากหลาย การวาดภาพด้วยดินสอเป็นหนึ่งในวิธีการวาดภาพที่เขาชื่นชอบมากที่สุด ซึ่งเป็นรายการหัวข้อต่างๆ ของเขา ภาพวาดดินสอยังมีความหลากหลายมาก เขาวาดภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพเปลือย องค์ประกอบประเภท ภาพประกอบหนังสือวรรณกรรมและ การก่อสร้างใหม่ทางประวัติศาสตร์และจินตนาการ

สวัสดีผู้อ่านที่รัก – ผู้แสวงหาความรู้และความจริง!

ศิลปินญี่ปุ่นมีสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ ซึ่งได้รับการยกย่องจากปรมาจารย์รุ่นต่อรุ่น วันนี้เราจะมาพูดถึงตัวแทนที่โดดเด่นที่สุด ภาพวาดญี่ปุ่นและภาพวาดตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงสมัยใหม่

เรามาดำดิ่งสู่ศิลปะแห่งดินแดนอาทิตย์อุทัยกันดีกว่า

การกำเนิดของศิลปะ

ศิลปะการวาดภาพโบราณในญี่ปุ่นมีความเกี่ยวข้องกับลักษณะเฉพาะของการเขียนเป็นหลัก ดังนั้นจึงสร้างขึ้นจากรากฐานของการประดิษฐ์ตัวอักษร ตัวอย่างแรกประกอบด้วยเศษระฆังทองสัมฤทธิ์ จานชาม และของใช้ในครัวเรือนที่พบในระหว่างการขุดค้น หลายชิ้นถูกทาสีด้วยสีธรรมชาติ และการวิจัยก็ให้เหตุผลที่เชื่อได้ว่าผลิตภัณฑ์เหล่านี้ผลิตขึ้นก่อน 300 ปีก่อนคริสตกาล

การพัฒนางานศิลปะรอบใหม่เริ่มต้นด้วยการมาถึงญี่ปุ่น รูปภาพเทพเจ้าของวิหารแพนธีออนในพุทธศาสนา ฉากจากชีวิตของอาจารย์และผู้ติดตามของเขาถูกนำไปใช้กับเอมากิโมโนะ - ม้วนกระดาษพิเศษ

ความโดดเด่นของธีมทางศาสนาในการวาดภาพสามารถสืบย้อนไปได้ในญี่ปุ่นยุคกลาง ตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 ถึงศตวรรษที่ 15 อนิจจาชื่อของศิลปินในยุคนั้นยังไม่รอดมาจนถึงทุกวันนี้

ในช่วงศตวรรษที่ 15-18 เวลาใหม่เริ่มต้นขึ้นโดยโดดเด่นด้วยการเกิดขึ้นของศิลปินที่มีสไตล์เฉพาะตัวที่พัฒนาแล้ว พวกเขากำหนดเวกเตอร์ การพัฒนาต่อไปทัศนศิลป์.

ตัวแทนที่สดใสในอดีต

เครียด Xubun (ต้นศตวรรษที่ 15)

เพื่อที่จะเป็นปรมาจารย์ที่โดดเด่น ซิ่วบุนได้ศึกษาเทคนิคการเขียนของศิลปินเพลงของจีนและผลงานของพวกเขา ต่อมาเขาได้กลายเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งการวาดภาพในญี่ปุ่นและเป็นผู้สร้าง sumi-e

ซูมิเอะเป็นรูปแบบศิลปะที่มีพื้นฐานมาจากการวาดภาพด้วยหมึกซึ่งหมายถึงสีเดียว

Xubun ทำหลายอย่างเพื่อ สไตล์ใหม่หยั่งรากลึกในแวดวงศิลปะ เขาสอนศิลปะให้กับผู้มีความสามารถอื่นๆ รวมถึงอนาคตด้วย จิตรกรชื่อดังเช่น เซสชู

ภาพวาดยอดนิยมของซิ่วบุนมีชื่อว่า "การอ่านหนังสือในป่าไผ่"

"การอ่านในป่าไผ่" โดย Tense Xubun

ฮาเซกาวะ โทฮาคุ (1539–1610)

เขากลายเป็นผู้สร้างโรงเรียนที่ตั้งชื่อตามตัวเขาเอง - ฮาเซกาวะ ในตอนแรกเขาพยายามปฏิบัติตามหลักการของโรงเรียนคาโน แต่ค่อยๆ "ลายมือ" ของแต่ละคนเริ่มถูกติดตามในผลงานของเขา Tohaku ได้รับคำแนะนำจากกราฟิก Sesshu

พื้นฐานของงานคือภูมิทัศน์ที่เรียบง่าย กระชับ แต่สมจริงพร้อมชื่อที่เรียบง่าย:

• "ต้นสน";
• "เมเปิ้ล";
• "ต้นสนและไม้ดอก"

"ต้นสน" โดย Hasegawa Tohaku

พี่น้องโอกาตะ โคริน (1658-1716) และโอกาตะ เค็นซัง (1663-1743)

พี่น้องทั้งสองเป็นช่างฝีมือชั้นเยี่ยมแห่งศตวรรษที่ 18 โอกาตะ โคริน คนโต อุทิศตนให้กับการวาดภาพและก่อตั้งแนวริมปะขึ้นมา เขาหลีกเลี่ยงภาพเหมารวม โดยเลือกประเภทอิมเพรสชั่นนิสต์

Ogata Korin วาดภาพธรรมชาติโดยทั่วไปและดอกไม้ในรูปแบบนามธรรมที่สดใสโดยเฉพาะ พู่กันของเขาเป็นของภาพวาด:

• "ดอกพลัมสีแดงและสีขาว";
• "คลื่นแห่งมัตสึชิมะ";
• "ดอกเบญจมาศ".

“คลื่นแห่งมัตสึชิมะ” โอกาตะ โคริน

น้องชาย โอกาตะ เคนซัน มีนามแฝงมากมาย แม้ว่าเขาจะมีส่วนร่วมในการวาดภาพ แต่เขาก็ยังมีชื่อเสียงมากกว่าในฐานะช่างทำเซรามิกที่ยอดเยี่ยม

โอกาตะ เคนซังเชี่ยวชาญเทคนิคมากมายในการสร้างเครื่องเซรามิก เขาโดดเด่นด้วยแนวทางที่ไม่ได้มาตรฐาน เช่น เขาสร้างจานเป็นรูปสี่เหลี่ยมจัตุรัส

ภาพวาดของเขาเองไม่ได้โดดเด่นด้วยความงดงาม - นี่เป็นลักษณะเฉพาะของเขาเช่นกัน เขาชอบที่จะใช้การประดิษฐ์ตัวอักษรแบบม้วนกระดาษหรือข้อความที่ตัดตอนมาจากบทกวีมาใช้กับสิ่งของของเขา บางครั้งพวกเขาก็ทำงานร่วมกับพี่ชายของพวกเขา

คัตสึชิกะ โฮะกุไซ (ค.ศ. 1760-1849)

เขาสร้างสรรค์ผลงานในสไตล์อุกิโยะเอะ ซึ่งเป็นงานแกะสลักไม้หรืออีกนัยหนึ่งคือภาพวาดแกะสลัก ตลอดอาชีพของเขา เขาเปลี่ยนชื่อประมาณ 30 ชื่อ ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ “คลื่นยักษ์นอกคานากาว่า” ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงนอกบ้านเกิด

“คลื่นยักษ์นอกคานากาว่า” โดย โฮคุไซ คัตสึชิกะ

โฮะคุไซเริ่มทำงานอย่างหนักเป็นพิเศษหลังอายุ 60 ปี ซึ่งนำมาซึ่งผลลัพธ์ที่ดี Van Gogh, Monet และ Renoir คุ้นเคยกับผลงานของเขา และมีอิทธิพลต่อผลงานของปรมาจารย์ชาวยุโรปในระดับหนึ่ง

อันโดะ ฮิโรชิเกะ (1791-1858)

หนึ่งในศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19 เขาเกิด อาศัย และทำงานในเอโดะ สานต่องานของโฮคุไซ และได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของเขา วิธีที่เขาพรรณนาถึงธรรมชาตินั้นเกือบจะน่าประทับใจพอๆ กับจำนวนผลงานเลยทีเดียว

เอโดะ – ชื่อเดิมโตเกียว.

ต่อไปนี้เป็นตัวเลขบางส่วนเกี่ยวกับผลงานของเขาซึ่งมีภาพเขียนหลายชุดแสดง:

• 5.5 พัน - จำนวนการแกะสลักทั้งหมด
• “100 วิวเอโดะ;
• "36 วิวฟูจิ";
• "69 สถานีของคิโซไคโด";
• "53 สถานีโทไคโด"

จิตรกรรมโดยอันโดะ ฮิโรชิเกะ

สิ่งที่น่าสนใจคือ Van Gogh ผู้มีชื่อเสียงได้วาดภาพแกะสลักของเขาสองสามชุด

ความทันสมัย

ทาคาชิ มุราคามิ

ในฐานะศิลปิน ประติมากร นักออกแบบเสื้อผ้า เขาได้รับชื่อเมื่อปลายศตวรรษที่ 20 เขายึดมั่นในการสร้างสรรค์ แนวโน้มแฟชั่นด้วยองค์ประกอบคลาสสิก และได้รับแรงบันดาลใจจากการ์ตูนอนิเมะและมังงะ

จิตรกรรมโดยทาคาชิ มุราคามิ

ผลงานของ Takashi Murakami ถือเป็นวัฒนธรรมย่อย แต่ในขณะเดียวกันก็ได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อ ตัวอย่างเช่นในปี 2008 ผลงานชิ้นหนึ่งของเขาถูกซื้อในการประมูลในราคามากกว่า 15 ล้านดอลลาร์ ครั้งหนึ่งผู้สร้างสมัยใหม่ได้ทำงานร่วมกับบ้านแฟชั่น Marc Jacobs และ Louis Vuitton

อาชิมะเงียบๆ

เธอซึ่งเป็นเพื่อนร่วมงานของศิลปินคนก่อน เธอสร้างสรรค์ภาพวาดเหนือจริงสมัยใหม่ พวกเขาพรรณนาถึงทิวทัศน์ของเมืองถนนในเมืองใหญ่และสิ่งมีชีวิตราวกับมาจากจักรวาลอื่น - ผี วิญญาณชั่วร้าย,สาวต่างดาว. ในพื้นหลังของภาพวาด คุณมักจะสังเกตเห็นธรรมชาติอันบริสุทธิ์ บางครั้งก็ถึงกับธรรมชาติที่น่ากลัวด้วยซ้ำ

ภาพวาดของเธอไปถึง ขนาดใหญ่และไม่ค่อยจำกัดอยู่เพียงสื่อกระดาษเท่านั้น พวกมันถูกถ่ายโอนไปยังวัสดุหนังและพลาสติก

ในปี 2549 ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของนิทรรศการในเมืองหลวงของอังกฤษ ผู้หญิงคนหนึ่งได้สร้างโครงสร้างโค้งประมาณ 20 หลังที่สะท้อนถึงความงามของธรรมชาติของหมู่บ้านและเมืองทั้งกลางวันและกลางคืน หนึ่งในนั้นตกแต่งสถานีรถไฟใต้ดิน

เฮ้ อารากาวะ

ชายหนุ่มไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นเพียงศิลปินในความหมายคลาสสิก - เขาสร้างผลงานศิลปะจัดวางที่ได้รับความนิยมอย่างมากในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21 ธีมของนิทรรศการของเขาเป็นภาษาญี่ปุ่นอย่างแท้จริงและสัมผัสถึงความสัมพันธ์ฉันมิตรตลอดจนผลงานของทีมงานทั้งหมด

Hei Arakawa มักจะเข้าร่วมในงาน Biennales ต่างๆ เช่น ในเมืองเวนิส และนิทรรศการในพิพิธภัณฑ์ ศิลปะร่วมสมัยที่บ้านสมควรได้รับ หลากหลายชนิดรางวัล

อิเคนากะ ยาสุนาริ

จิตรกรร่วมสมัย Ikenaga Yasunari สามารถผสมผสานสองสิ่งที่ดูเหมือนจะเข้ากันไม่ได้: ชีวิตของเด็กผู้หญิงยุคใหม่ในรูปแบบภาพบุคคลและเทคนิคแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นตั้งแต่สมัยโบราณ ในงานของเขา จิตรกรใช้แปรงพิเศษ เม็ดสีธรรมชาติ หมึก และถ่าน แทนผ้าลินินธรรมดา - ผ้าลินิน

ภาพวาดของอิเคนากะ ยาสุนาริ

เทคนิคที่คล้ายกันในการเปรียบเทียบยุคสมัยที่ปรากฎและ รูปร่างนางเอกให้ความรู้สึกว่าได้กลับมาหาเราจากอดีต

ชุดภาพวาดเกี่ยวกับความซับซ้อนของชีวิตจระเข้ซึ่งเพิ่งได้รับความนิยมในชุมชนอินเทอร์เน็ตก็ถูกสร้างขึ้นโดย Keigo นักเขียนการ์ตูนชาวญี่ปุ่น

บทสรุป

ดังนั้น ภาพวาดของญี่ปุ่นจึงเริ่มต้นขึ้นราวศตวรรษที่ 3 ก่อนคริสต์ศักราช และมีการเปลี่ยนแปลงไปมากตั้งแต่นั้นมา ภาพแรกถูกนำไปใช้กับเครื่องเซรามิกจากนั้นลวดลายทางพุทธศาสนาก็เริ่มมีอิทธิพลเหนืองานศิลปะ แต่ชื่อของผู้เขียนยังไม่รอดมาจนถึงทุกวันนี้

ในยุคปัจจุบัน ปรมาจารย์แห่งแปรงได้รับความมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวมากขึ้นเรื่อยๆ ทิศทางที่แตกต่างกัน, โรงเรียน. วิจิตรศิลป์ในปัจจุบันไม่ได้จำกัดอยู่แค่เพียง ภาพวาดแบบดั้งเดิม– มีการใช้ศิลปะจัดวาง การ์ตูนล้อเลียน ประติมากรรม และโครงสร้างพิเศษ

ขอบคุณมากสำหรับความสนใจของคุณผู้อ่านที่รัก! เราหวังว่าคุณจะพบว่าบทความของเรามีประโยชน์ และเรื่องราวเกี่ยวกับชีวิตและผลงานของตัวแทนงานศิลปะที่ฉลาดที่สุดทำให้คุณรู้จักพวกเขามากขึ้น

แน่นอนว่าเป็นเรื่องยากที่จะพูดถึงศิลปินทุกคนตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบันในบทความเดียว ดังนั้นให้นี่เป็นก้าวแรกในการทำความเข้าใจภาพวาดของญี่ปุ่น

และเข้าร่วมกับเรา - สมัครสมาชิกบล็อก - เราจะศึกษาพุทธศาสนาและวัฒนธรรมตะวันออกด้วยกัน!

แต่ละประเทศมีวีรบุรุษแห่งศิลปะร่วมสมัยเป็นของตัวเอง ซึ่งมีชื่อเป็นที่รู้จัก นิทรรศการดึงดูดแฟน ๆ และผู้คนที่อยากรู้อยากเห็นจำนวนมาก และผลงานของเขาถูกขายให้กับคอลเลกชันส่วนตัว

ในบทความนี้เราจะแนะนำคุณให้รู้จักกับความนิยมสูงสุด ศิลปินร่วมสมัยญี่ปุ่น.

เคโกะ ทานาเบะ

Keiko เกิดที่เมืองเกียวโต และได้รับรางวัลการแข่งขันศิลปะมากมายตั้งแต่ยังเป็นเด็ก อุดมศึกษาฉันไม่ได้รับมันในสาขาศิลปะเลย เธอทำงานในแผนกความสัมพันธ์ระหว่างประเทศขององค์การการค้าเทศบาลของญี่ปุ่นในโตเกียว สำนักงานกฎหมายขนาดใหญ่ในซานฟรานซิสโก และบริษัทเอกชนแห่งหนึ่ง บริษัท ที่ปรึกษาในซานดิเอโกเดินทางบ่อยมาก เริ่มต้นในปี 2003 เธอออกจากงานและหลังจากศึกษาพื้นฐานของการวาดภาพสีน้ำในซานดิเอโกแล้วจึงอุทิศตนให้กับงานศิลปะโดยเฉพาะ

อิเคนากะ ยาสุนาริ

ศิลปินชาวญี่ปุ่น อิเคนากะ ยาสุนาริ วาดภาพบุคคล ผู้หญิงสมัยใหม่ในสมัยโบราณ ประเพณีของญี่ปุ่นการทาสีโดยใช้แปรง Menso เม็ดสีแร่ คาร์บอนแบล็ค หมึก และลินินเป็นฐาน ตัวละครนี้เป็นผู้หญิงในยุคของเรา แต่ด้วยสไตล์ของ Nihonga คุณจะรู้สึกว่าพวกเธอมาหาเราตั้งแต่สมัยโบราณ

อาเบะ โทชิยูกิ

Abe Toshiyuki เป็นศิลปินแนวสัจนิยมที่เชี่ยวชาญ เทคนิคสีน้ำ- อาเบะสามารถเรียกได้ว่าเป็นศิลปิน - ปราชญ์: โดยพื้นฐานแล้วเขาไม่ได้วาดภาพสถานที่สำคัญที่มีชื่อเสียงโดยเลือกใช้องค์ประกอบเชิงอัตนัยที่สะท้อนถึง รัฐภายในคนที่เฝ้าดูพวกเขาอยู่

ฮิโรโกะ ซากาอิ

อาชีพของศิลปิน Hiroko Sakai เริ่มต้นในช่วงต้นทศวรรษที่ 90 ในเมืองฟุกุโอกะ หลังจากสำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัย Seinan Gakuin และ French Nihon School of Interior Design ในด้านการออกแบบและการแสดงภาพ เธอได้ก่อตั้ง Atelier Yume-Tsumugi Ltd. และบริหารสตูดิโอแห่งนี้ได้สำเร็จมาเป็นเวลา 5 ปี ผลงานหลายชิ้นของเธอตกแต่งล็อบบี้ของโรงพยาบาล สำนักงานของบริษัทขนาดใหญ่ และอาคารเทศบาลบางแห่งในญี่ปุ่น หลังจากย้ายไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกา ฮิโรโกะก็เริ่มวาดภาพด้วยสีน้ำมัน

ริอุสุเกะ ฟุคาโฮริ

ผลงานสามมิติของ Riusuki Fukahori มีลักษณะคล้ายโฮโลแกรม พวกเขาเสร็จแล้ว ภาพวาดสีอะคิลิกใช้หลายชั้นและของเหลวเรซินโปร่งใส ทั้งหมดนี้ไม่รวมวิธีการแบบดั้งเดิม เช่น การวาดเงา การปรับขอบให้อ่อนลง การควบคุมความโปร่งใส ช่วยให้ Riusuki สร้างภาพวาดประติมากรรมและให้ผลงานมีความลึกและความสมจริง

นัตสึกิ โอทานิ

นัตสึกิ โอทานิเป็นนักวาดภาพประกอบชาวญี่ปุ่นที่มีพรสวรรค์ซึ่งอาศัยและทำงานในอังกฤษ

มาโคโตะ มุรามัตสึ

Makoto Muramatsu เลือกธีมแบบ win-win เป็นพื้นฐานสำหรับความคิดสร้างสรรค์ของเขา - เขาวาดแมว รูปภาพของเขาโด่งดังไปทั่วโลกโดยเฉพาะในรูปแบบของปริศนา

เท็ตสึยะ มิชิมะ

ภาพวาดส่วนใหญ่ของศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่น มิชิมะ ทำด้วยสีน้ำมัน เธอทำงานวาดภาพอย่างมืออาชีพมาตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 90 และมีหลายงาน นิทรรศการส่วนตัวและนิทรรศการรวมจำนวนมากทั้งญี่ปุ่นและต่างประเทศ

มีประวัติศาสตร์อันยาวนาน ประเพณีนี้มีมากมาย โดยตำแหน่งอันเป็นเอกลักษณ์ของญี่ปุ่นในโลกมีอิทธิพลอย่างมากต่อรูปแบบและเทคนิคที่โดดเด่น ศิลปินญี่ปุ่น- เป็นข้อเท็จจริงที่ทราบกันดีว่าญี่ปุ่นค่อนข้างโดดเดี่ยวมานานหลายศตวรรษ ไม่เพียงเนื่องมาจากภูมิศาสตร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงแนวโน้มวัฒนธรรมญี่ปุ่นที่โดดเด่นในเรื่องการแยกตัวโดดเดี่ยวซึ่งเป็นสัญลักษณ์แห่งประวัติศาสตร์ของประเทศด้วย ในช่วงหลายศตวรรษของสิ่งที่เราอาจเรียกว่า "อารยธรรมญี่ปุ่น" วัฒนธรรมและศิลปะได้พัฒนาแยกจากที่อื่นๆ ในโลก และนี่เป็นสิ่งที่สังเกตได้ชัดเจนในการฝึกวาดภาพของญี่ปุ่น ตัวอย่างเช่น ภาพวาดนิฮงกะเป็นหนึ่งในผลงานหลักของการฝึกวาดภาพของญี่ปุ่น มีพื้นฐานมาจากประเพณีที่มีมายาวนานกว่าพันปี และภาพเขียนมักจะสร้างขึ้นด้วยพู่กันบนวาชิ (กระดาษญี่ปุ่น) หรือเอจินะ (ผ้าไหม)

อย่างไรก็ตาม ศิลปะและภาพวาดของญี่ปุ่นได้รับอิทธิพลจากการปฏิบัติทางศิลปะของต่างประเทศ ประการแรกเป็นศิลปะจีนในศตวรรษที่ 16 และ ศิลปะจีนและประเพณีศิลปะจีนซึ่งมีอิทธิพลโดยเฉพาะหลายประการ ในช่วงศตวรรษที่ 17 ภาพวาดของญี่ปุ่นก็ได้รับอิทธิพลจากประเพณีตะวันตกเช่นกัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงก่อนสงครามซึ่งกินเวลาตั้งแต่ปี พ.ศ. 2411 ถึง พ.ศ. 2488 ภาพวาดของญี่ปุ่นได้รับอิทธิพลจากอิมเพรสชันนิสม์และแนวโรแมนติกของยุโรป ในเวลาเดียวกัน การเคลื่อนไหวทางศิลปะแบบใหม่ของยุโรปก็ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากเทคนิคทางศิลปะของญี่ปุ่นเช่นกัน ในประวัติศาสตร์ศิลปะ อิทธิพลนี้เรียกว่า "ลัทธิญี่ปุ่น" และมีความสำคัญเป็นพิเศษสำหรับนักอิมเพรสชั่นนิสต์ นักเขียนภาพแบบคิวบิสต์ และศิลปินที่เกี่ยวข้องกับลัทธิสมัยใหม่

ประวัติศาสตร์อันยาวนานของการวาดภาพญี่ปุ่นสามารถมองได้ว่าเป็นการสังเคราะห์ประเพณีหลายอย่างที่สร้างสรรค์ส่วนหนึ่งของสุนทรียศาสตร์แบบญี่ปุ่นที่เป็นที่ยอมรับ ประการแรก ศิลปะพุทธศาสนาและการวาดภาพ เช่นเดียวกับการวาดภาพทางศาสนา ทิ้งร่องรอยสำคัญไว้บนสุนทรียศาสตร์ของภาพวาดญี่ปุ่น การวาดภาพทิวทัศน์ด้วยหมึกน้ำตามประเพณีการวาดภาพวรรณกรรมจีนเป็นองค์ประกอบสำคัญอีกประการหนึ่งที่เป็นที่รู้จักในภาพวาดญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงหลายภาพ ภาพวาดสัตว์และพืช โดยเฉพาะนกและดอกไม้ เป็นสิ่งที่มักเกี่ยวข้องกับองค์ประกอบของญี่ปุ่น เช่นเดียวกับทิวทัศน์และฉากจาก ชีวิตประจำวัน- สุดท้ายนี้ แนวคิดโบราณเกี่ยวกับความงามจากปรัชญาและวัฒนธรรมของญี่ปุ่นโบราณมีอิทธิพลอย่างมากต่อการวาดภาพของญี่ปุ่น วาบิ ซึ่งหมายถึงความงามชั่วคราวและขรุขระ ซาบิ (ความงามของคราบและความชราตามธรรมชาติ) และยูเก็น (ความสง่างามอันลึกซึ้งและความละเอียดอ่อน) ยังคงมีอิทธิพลต่ออุดมคติในการปฏิบัติงานวาดภาพของญี่ปุ่น

สุดท้ายนี้ หากเรามุ่งความสนใจไปที่ผลงานชิ้นเอกของญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุด 10 ชิ้น เราต้องพูดถึงภาพอุกิโยเอะ ซึ่งเป็นหนึ่งในประเภทศิลปะที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในญี่ปุ่น แม้ว่าจะเป็นงานศิลปะภาพพิมพ์ก็ตาม เขาครอบงำ ศิลปะญี่ปุ่นตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 - 19 ในขณะที่ศิลปินประเภทนี้ได้สร้างภาพพิมพ์แกะไม้และภาพวาดด้วยวัตถุต่างๆ เช่น ผู้หญิงสวย, นักแสดงคาบูกิ และนักมวยปล้ำซูโม่ ตลอดจนฉากจากประวัติศาสตร์และ นิทานพื้นบ้านฉากการเดินทางและทิวทัศน์ พืชและสัตว์ และแม้แต่เรื่องโป๊เปลือย

การรวบรวมรายชื่อภาพวาดที่ดีที่สุดจากประเพณีทางศิลปะเป็นเรื่องยากเสมอไป ผลงานที่น่าทึ่งมากมายจะไม่รวมอยู่ด้วย อย่างไรก็ตาม รายการนี้ประกอบด้วยภาพวาดญี่ปุ่นที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในโลก 10 ภาพ บทความนี้จะนำเสนอเฉพาะภาพวาดที่สร้างขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 จนถึงปัจจุบัน

ภาพวาดของญี่ปุ่นมีประวัติศาสตร์อันยาวนานมาก ตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา ศิลปินชาวญี่ปุ่นได้พัฒนาเทคนิคและสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์มากมาย ซึ่งเป็นผลงานอันทรงคุณค่าที่สุดของญี่ปุ่นต่อโลกแห่งศิลปะ หนึ่งในเทคนิคเหล่านี้คือ sumi-e Sumi-e แปลว่า "การวาดภาพด้วยหมึก" อย่างแท้จริง และผสมผสานการประดิษฐ์ตัวอักษรและการวาดภาพด้วยหมึกเพื่อสร้างความงามที่หาได้ยากขององค์ประกอบที่วาดด้วยพู่กัน ความงามนี้มีความขัดแย้ง - โบราณแต่ทันสมัย ​​เรียบง่ายแต่ซับซ้อน กล้าหาญแต่สงบ สะท้อนถึงพื้นฐานทางจิตวิญญาณของศิลปะในพุทธศาสนานิกายเซนอย่างไม่ต้องสงสัย พระภิกษุสงฆ์นำบล็อกหมึกและพู่กันไม้ไผ่จากประเทศจีนมาสู่ญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 6 และในช่วง 14 ศตวรรษที่ผ่านมา ญี่ปุ่นได้พัฒนา มรดกอันยาวนานภาพวาดหมึก

เลื่อนลงและดูผลงานจิตรกรรมชิ้นเอกของญี่ปุ่น 10 ชิ้น

1. คัตสึชิกะ โฮคุไซ “ความฝันของภรรยาชาวประมง”

ภาพวาดญี่ปุ่นที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดชิ้นหนึ่งคือ “ความฝันของภรรยาชาวประมง” มันถูกวาดในปี 1814 โดยศิลปินชื่อดัง โฮะคุไซ หากคุณปฏิบัติตามคำจำกัดความที่เข้มงวดสิ่งนี้ การทำงานที่น่าตื่นตาตื่นใจโฮคุไซไม่สามารถถือเป็นภาพวาดได้ เนื่องจากเป็นภาพพิมพ์แกะไม้ประเภทภาพอุกิโยะจากหนังสือ Young Pines (Kinoe no Komatsu) ซึ่งเป็นหนังสือชุงกะสามเล่ม การจัดองค์ประกอบภาพเป็นภาพของอามะนักประดาน้ำที่มีเพศสัมพันธ์กับปลาหมึกยักษ์คู่หนึ่ง ภาพนี้มีอิทธิพลมากในศตวรรษที่ 19 และ 20 ผลงานนี้มีอิทธิพลต่อศิลปินรุ่นหลังเช่น Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff และ Pablo Picasso

2. เทสไซ โทมิโอกะ “อาเบะ โนะ นากามาโระเขียนบทกวีหวนคิดถึงขณะชมพระจันทร์”

Tessai Tomioka เป็นนามแฝงของศิลปินและช่างอักษรวิจิตรชื่อดังของญี่ปุ่น เขาถือเป็นศิลปินหลักคนสุดท้ายในประเพณี bunjing และเป็นหนึ่งในศิลปินหลักกลุ่มแรกๆ ในสไตล์ Nihonga Bunjinga เป็นโรงเรียนสอนวาดภาพของญี่ปุ่นที่เจริญรุ่งเรืองในปลายยุคเอโดะในหมู่ศิลปินที่คิดว่าตนเองมีความรู้หรือปัญญาชน ศิลปินแต่ละคน รวมทั้งเทสยา ต่างก็พัฒนาผลงานของเขาเอง สไตล์ของตัวเองและเทคโนโลยี แต่พวกเขาต่างก็เป็นแฟนตัวยงของศิลปะและวัฒนธรรมจีน

3. ฟูจิชิมะ ทาเคจิ “พระอาทิตย์ขึ้นเหนือทะเลตะวันออก”

ฟูจิชิมะ ทาเคจิเป็นศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงจากผลงานของเขาในการพัฒนาแนวจินตนิยมและอิมเพรสชันนิสม์ในขบวนการศิลปะโยคะ (สไตล์ตะวันตก) ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ในปีพ.ศ. 2448 เขาได้เดินทางไปฝรั่งเศส ซึ่งเขาได้รับอิทธิพล การเคลื่อนไหวของฝรั่งเศสโดยเฉพาะอย่างยิ่งในเวลานั้นอิมเพรสชันนิสม์ซึ่งสามารถเห็นได้ในภาพวาด "พระอาทิตย์ขึ้นเหนือทะเลตะวันออก" ซึ่งวาดในปี พ.ศ. 2475

4. Kitagawa Utamaro “ใบหน้าผู้หญิง 10 แบบ รวบรวมความงามแห่งการปกครอง”

Kitagawa Utamaro เป็นศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงซึ่งเกิดในปี 1753 และเสียชีวิตในปี 1806 เขาเป็นที่รู้จักเป็นอย่างดีจากซีรีส์เรื่อง "Ten Types" ใบหน้าของผู้หญิง- รวบรวมความงาม ธีมปกครอง ความรักที่ยิ่งใหญ่กวีนิพนธ์คลาสสิก" (บางครั้งเรียกว่า "ผู้หญิงในความรัก" โดยมีคำจารึกแยกกันว่า "ความรักเปลือย" และ "ความรักที่รอบคอบ") เขาเป็นหนึ่งในศิลปินที่สำคัญที่สุดในประเภทภาพพิมพ์แกะไม้อุกิโยะ

5. คาวานาเบะ เคียวไซ “เสือ”

คาวานาเบะ เคียวไซเป็นหนึ่งในศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคเอโดะ งานศิลปะของเขาได้รับอิทธิพลจากผลงานของโทฮากุ ศิลปินโรงเรียนคาโนะในคริสต์ศตวรรษที่ 16 ซึ่งเป็นศิลปินเพียงคนเดียวในยุคของเขาที่วาดภาพหน้าจอด้วยหมึกทั้งหมดบนพื้นหลังอันละเอียดอ่อนของผงทองคำ แม้ว่าเคียวไซจะเป็นที่รู้จักในฐานะนักเขียนการ์ตูน แต่เขาเขียนบางส่วนได้มากที่สุด ภาพวาดที่มีชื่อเสียงวี ประวัติศาสตร์ญี่ปุ่น ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 19ศตวรรษ. "เสือ" เป็นหนึ่งในภาพวาดที่ Kyosai ใช้สีน้ำและหมึกในการสร้างสรรค์

6. ฮิโรชิ โยชิดะ “ฟูจิจากทะเลสาบคาวากุจิ”

ฮิโรชิ โยชิดะเป็นที่รู้จักในฐานะบุคคลสำคัญคนหนึ่งของสไตล์ชินฮังกะ (ชินฮังกะเป็นขบวนการทางศิลปะในญี่ปุ่นในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ในช่วงสมัยไทโชและโชวะ ซึ่งได้ฟื้นคืนศิลปะแบบดั้งเดิมของอุกิโยะเอะ ซึ่ง มีรากฐานมาจากสมัยเอโดะและเมจิ (ศตวรรษที่ 17 - 19) เขาฝึกฝนประเพณีการวาดภาพสีน้ำมันแบบตะวันตกซึ่งรับมาจากญี่ปุ่นในสมัยเมจิ

7. ทาคาชิ มุราคามิ “727”

Takashi Murakami น่าจะเป็นศิลปินญี่ปุ่นที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุคของเรา ผลงานของเขาขายได้ในราคามหาศาลในการประมูลครั้งใหญ่ และผลงานของเขาได้สร้างแรงบันดาลใจให้กับศิลปินรุ่นใหม่ไม่เฉพาะในญี่ปุ่นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงต่างประเทศด้วย งานศิลปะของมุราคามิประกอบด้วยสื่อหลายประเภท และมักถูกเรียกว่าเป็นภาพเรียบมาก ผลงานของเขามีชื่อเสียงจากการใช้สีโดยผสมผสานลวดลายจากวัฒนธรรมดั้งเดิมและวัฒนธรรมสมัยนิยมของญี่ปุ่น เนื้อหาในภาพวาดของเขามักถูกอธิบายว่า "น่ารัก" "หลอนประสาท" หรือ "เสียดสี"

8. ยาโยอิ คุซามะ “ฟักทอง”

Yaoi Kusama ก็เป็นหนึ่งในผู้โด่งดังที่สุดเช่นกัน ศิลปินญี่ปุ่น- เธอสร้างสรรค์ผลงานในสื่อหลากหลายประเภท เช่น จิตรกรรม ภาพต่อกัน ประติมากรรมซิ การแสดง ศิลปะด้านสิ่งแวดล้อม และการจัดวาง ซึ่งส่วนใหญ่แสดงให้เห็นถึงความสนใจเฉพาะเรื่องของเธอในเรื่องสีไซเคเดลิก การทำซ้ำ และลวดลาย หนึ่งในซีรีย์ที่มีชื่อเสียงที่สุดของเรื่องนี้ ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่เป็นซีรีย์ฟักทอง ฟักทองธรรมดาที่มีลายจุดปกคลุมอยู่ สีเหลืองสดใสนำเสนอกับพื้นหลังของเครือข่าย โดยรวมแล้ว องค์ประกอบดังกล่าวทั้งหมดก่อให้เกิดภาษาภาพที่สอดคล้องกับสไตล์ของศิลปินอย่างแท้จริง และได้รับการพัฒนาและปรับปรุงตลอดทศวรรษของการผลิตและการทำซ้ำอย่างอุตสาหะ

9. เทนโมยะ ฮิซาชิ “จิตวิญญาณญี่ปุ่นหมายเลข 14”

เทนเมียวยะ ฮิซาชิเป็นศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นซึ่งมีชื่อเสียงจากผลงานภาพวาดนีโอนิฮงกะ เขามีส่วนร่วมในการฟื้นฟูประเพณีเก่าแก่ของการวาดภาพญี่ปุ่น ซึ่งตรงกันข้ามกับการวาดภาพญี่ปุ่นสมัยใหม่อย่างสิ้นเชิง ในปี 2000 เขายังได้สร้างสไตล์ butouha ใหม่ ซึ่งแสดงให้เห็นถึงทัศนคติที่เข้มแข็งต่อระบบศิลปะเผด็จการผ่านภาพวาดของเขา "จิตวิญญาณญี่ปุ่นหมายเลข 14" ถูกสร้างขึ้นโดยเป็นส่วนหนึ่งของโครงการศิลปะ "BASARA" ซึ่งตีความในวัฒนธรรมญี่ปุ่นว่าเป็นพฤติกรรมกบฏของชนชั้นสูงระดับล่างในช่วงยุคสงครามเพื่อปฏิเสธผู้มีอำนาจไม่สามารถบรรลุได้ ภาพในอุดมคติชีวิต แต่งกายด้วยเสื้อผ้าหรูหราฟุ่มเฟือย ประพฤติตามเจตจำนงเสรี ไม่สอดคล้องกับชนชั้นทางสังคม

10. คัตสึชิกะ โฮคุไซ “คลื่นยักษ์นอกคานากาว่า”

สุดท้ายนี้ The Great Wave Off Kanagawa น่าจะเป็นภาพวาดญี่ปุ่นที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดเท่าที่เคยวาดมา นี่คือที่สุดจริงๆ งานที่มีชื่อเสียงศิลปะที่สร้างขึ้นในประเทศญี่ปุ่น เป็นภาพคลื่นขนาดใหญ่ที่คุกคามเรือนอกชายฝั่งของจังหวัดคานากาว่า แม้ว่าบางครั้งจะถูกเข้าใจผิดว่าเป็นสึนามิ แต่คลื่นดังที่ชื่อภาพบอกไว้ มีแนวโน้มว่าคลื่นจะสูงผิดปกติ ภาพวาดนี้สร้างขึ้นตามประเพณีอุกิโยะเอะ

ญี่ปุ่น จิตรกรรมคลาสสิกมีความยาวและ เรื่องราวที่น่าสนใจ- มีการนำเสนอวิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่นใน สไตล์ที่แตกต่างและประเภทต่างๆ ซึ่งแต่ละประเภทก็มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในแบบของตัวเอง รูปแกะสลักโบราณและลวดลายเรขาคณิตที่พบในระฆังดอตาคุสำริดและเศษเครื่องปั้นดินเผามีอายุย้อนกลับไปถึงปีคริสตศักราช 300

การวางแนวศิลปะพุทธศาสนา

ศิลปะการวาดภาพฝาผนังได้รับการพัฒนาค่อนข้างดีในญี่ปุ่น ในศตวรรษที่ 6 ภาพในหัวข้อปรัชญาพุทธศาสนาได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ในเวลานั้นมีการสร้างวัดขนาดใหญ่ในประเทศ และผนังทุกแห่งก็ตกแต่งด้วยจิตรกรรมฝาผนังที่วาดตามฉากจากตำนานและตำนานทางพุทธศาสนา ตัวอย่างภาพวาดฝาผนังโบราณยังคงได้รับการเก็บรักษาไว้ในวัดโฮริวจิใกล้กับเมืองนาราของญี่ปุ่น ภาพฝาผนังโฮริวจิแสดงภาพเหตุการณ์พุทธประวัติและเทพเจ้าองค์อื่นๆ รูปแบบทางศิลปะของจิตรกรรมฝาผนังเหล่านี้ใกล้เคียงกับแนวคิดภาพที่ได้รับความนิยมในประเทศจีนในสมัยราชวงศ์ซ่งมาก

รูปแบบการวาดภาพของราชวงศ์ถังได้รับความนิยมเป็นพิเศษในช่วงกลางสมัยนารา ภาพจิตรกรรมฝาผนังที่ค้นพบในสุสานทาคามัตสึซูกะมีอายุย้อนกลับไปประมาณศตวรรษที่ 7 จากช่วงเวลานี้ เทคนิคทางศิลปะที่เกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของราชวงศ์ถัง ต่อมาได้ก่อให้เกิดพื้นฐานของประเภทการวาดภาพของคาระเอะ ประเภทนี้ยังคงได้รับความนิยมจนกระทั่งมีผลงานชิ้นแรกในสไตล์ยามาโตะ-เอะ จิตรกรรมฝาผนังและผลงานจิตรกรรมชิ้นเอกส่วนใหญ่เป็นของแปรง ผู้เขียนที่ไม่รู้จักปัจจุบันผลงานหลายชิ้นจากสมัยนั้นถูกเก็บไว้ในคลัง Sesoin

อิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของนิกายพุทธศาสนาใหม่ๆ เช่น เทนได มีอิทธิพลต่อการมุ่งเน้นทางศาสนาในวงกว้างของวิจิตรศิลป์ญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 8 และ 9 ในศตวรรษที่ 10 ซึ่งมีความก้าวหน้าเป็นพิเศษในศาสนาพุทธของญี่ปุ่น ประเภทของไรโกซูมี "ภาพวาดต้อนรับ" ปรากฏขึ้น ซึ่งแสดงถึงการมาถึงของพระพุทธเจ้าในสวรรค์ตะวันตก ตัวอย่างไรโกซุในช่วงแรกๆ ย้อนหลังไปถึงปี 1053 สามารถพบเห็นได้ที่วัดเบโดอิน ซึ่งยังคงอยู่ในเมืองอุจิ จังหวัดเกียวโต

การเปลี่ยนสไตล์

ในช่วงกลางยุคเฮอัน สไตล์คาราเอะของจีนถูกแทนที่ด้วยประเภทยามาโตะ-เอะ ซึ่งมาเป็นเวลานานได้กลายเป็นหนึ่งในประเภทจิตรกรรมญี่ปุ่นที่ได้รับความนิยมและเป็นที่ต้องการมากที่สุด รูปแบบภาพใหม่ส่วนใหญ่จะใช้ในการทาสีฉากกั้นพับและประตูบานเลื่อน เมื่อเวลาผ่านไป ยามาโตะ-เอะก็เปลี่ยนไปใช้ม้วนเอกิโมโนะแนวนอนด้วย ศิลปินที่ทำงานในประเภท emaki พยายามถ่ายทอดอารมณ์ของพล็อตที่เลือกในผลงานของพวกเขา ม้วนหนังสือเก็นจิ-โมโนกาตาริประกอบด้วยตอนหลายตอนที่เชื่อมต่อกัน ซึ่งศิลปินในสมัยนั้นใช้ จังหวะที่รวดเร็วและสีสันที่สดใสและแสดงออกถึงอารมณ์

เอมากิเป็นหนึ่งในตัวอย่างที่เก่าแก่และโดดเด่นที่สุดของโอโตโกะเอะ ซึ่งเป็นประเภทการวาดภาพเหมือนของผู้ชาย มีจุดเด่นที่ภาพเหมือนของผู้หญิง แยกประเภทออนนาเอ่อ ระหว่างประเภทเหล่านี้ ในความเป็นจริง เช่นเดียวกับระหว่างชายและหญิง จะเห็นความแตกต่างที่ค่อนข้างสำคัญ สไตล์อนนะเอะถูกนำเสนออย่างมีสีสันในการออกแบบของ The Tale of Genji ซึ่งมีธีมหลักของภาพวาดคือ เรื่องราวโรแมนติก,ฉากชีวิตในศาล สไตล์โอโตโกะเอะของผู้ชายถือเป็นการนำเสนอทางศิลปะเป็นหลัก การต่อสู้ทางประวัติศาสตร์และคนอื่น ๆ เหตุการณ์สำคัญในชีวิตของจักรวรรดิ

โรงเรียนศิลปะคลาสสิกของญี่ปุ่นได้กลายเป็นพื้นที่อุดมสมบูรณ์สำหรับการพัฒนาและส่งเสริมแนวคิดเกี่ยวกับศิลปะร่วมสมัยในญี่ปุ่น ซึ่งสามารถเห็นอิทธิพลของวัฒนธรรมป๊อปและอะนิเมะได้อย่างชัดเจน ศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในยุคของเราเรียกว่าทาคาชิ มุราคามิ ซึ่งผลงานของเขาอุทิศให้กับการวาดภาพฉากชีวิตชาวญี่ปุ่นในยุคหลังสงครามและแนวคิดเรื่องการหลอมรวมสูงสุด วิจิตรศิลป์และกระแสหลัก

ในบรรดาศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงของโรงเรียนคลาสสิกเราสามารถตั้งชื่อได้ดังต่อไปนี้

ซูบุนที่ตึงเครียด

Syubun ทำงานเมื่อต้นศตวรรษที่ 15 โดยทุ่มเทเวลาอย่างมากในการศึกษาผลงานของปรมาจารย์ชาวจีนในราชวงศ์ซ่งชายผู้นี้ยืนอยู่ที่ต้นกำเนิดของญี่ปุ่น ประเภทภาพ- ชูบุนถือเป็นผู้ก่อตั้งภาพวาดหมึกขาวดำสไตล์ซูมิเอะ เขาใช้ความพยายามอย่างมากในการเผยแพร่แนวใหม่นี้ โดยเปลี่ยนให้เป็นหนึ่งในขอบเขตชั้นนำของการวาดภาพญี่ปุ่น ลูกศิษย์ของ Syubun มีหลายคนที่ต่อมากลายเป็น ศิลปินชื่อดังรวมถึง Sesshu และผู้ก่อตั้งที่มีชื่อเสียง โรงเรียนศิลปะคาโนะ มาซาโนบุ. ภูมิทัศน์หลายแห่งมีสาเหตุมาจาก Xubun แต่ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขามักถูกมองว่าเป็น "การอ่านหนังสือในป่าไผ่"

โองาตะ โคริน (1658-1716)

โอกาตะ โครินเป็นหนึ่งในนั้น ศิลปินหลักในประวัติศาสตร์การวาดภาพของญี่ปุ่น ผู้ก่อตั้งและหนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของสไตล์ศิลปะริมปะ Korine ย้ายออกจากแบบแผนดั้งเดิมอย่างกล้าหาญในผลงานของเขาสร้างสไตล์ของเขาเองลักษณะสำคัญคือรูปแบบขนาดเล็กและอิมเพรสชั่นนิสม์ที่สดใสของโครงเรื่อง Korin เป็นที่รู้จักจากทักษะพิเศษในการวาดภาพธรรมชาติและการทำงานกับองค์ประกอบสีแบบนามธรรม “ดอกบ๊วยสีแดงขาว” ก็เป็นอีกดอกหนึ่ง ผลงานที่มีชื่อเสียงโอกาตะ โครินะ ภาพวาดของเขา "ดอกเบญจมาศ" "คลื่นแห่งมัตสึชิมะ" และอื่นๆ อีกมากมายก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน

ฮาเซกาวะ โทฮาคุ (ค.ศ. 1539-1610)

Tohaku เป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะ Hasegawa ของญี่ปุ่น ผลงานในยุคแรกๆ ของโทฮาคุมีลักษณะเฉพาะโดยได้รับอิทธิพลจากสำนักจิตรกรรมญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียง คาโน แต่เมื่อเวลาผ่านไป ศิลปินก็ได้สร้างสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเองขึ้นมา ในหลาย ๆ ด้าน งานของ Tohaku ได้รับอิทธิพลจากผลงานของปรมาจารย์ Sesshu ที่ได้รับการยอมรับ โฮเซกาวะยังถือว่าตัวเองเป็นผู้สืบทอดคนที่ห้าของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ด้วยซ้ำ ภาพวาด "ต้นสน" ของฮาเซกาว่า โทฮาคุ มีชื่อเสียงไปทั่วโลก ผลงานของเขา "เมเปิ้ล", "ต้นสนและพืชดอก" และอื่นๆ ก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน

คาโนะ เอโทกุ (ค.ศ. 1543-1590)

รูปแบบของโรงเรียนคาโนะครอบงำทัศนศิลป์ของญี่ปุ่นมาประมาณสี่ศตวรรษ และคาโนะ เอโทกุอาจเป็นหนึ่งในตัวแทนที่มีชื่อเสียงและโดดเด่นที่สุดของโรงเรียนศิลปะแห่งนี้ Eitoku ได้รับการสนับสนุนจากทางการการอุปถัมภ์ของขุนนางและผู้อุปถัมภ์ที่ร่ำรวยไม่สามารถมีส่วนร่วมในการเสริมสร้างความเข้มแข็งของโรงเรียนของเขาและความนิยมในผลงานชิ้นนี้โดยไม่ต้องสงสัยเลยว่าเป็นศิลปินที่มีความสามารถมาก ฉากกั้นเลื่อน Cypress แปดแผงซึ่งวาดโดย Eitoku Kano ถือเป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงและเป็นตัวอย่างที่ชัดเจนของขอบเขตและพลังของสไตล์ Monoyama ผลงานอื่น ๆ ของอาจารย์ก็ดูน่าสนใจไม่น้อยเช่น "นกและต้นไม้แห่งสี่ฤดู", "สิงโตจีน", "ฤาษีและนางฟ้า" และอื่น ๆ อีกมากมาย

คัตสึชิกะ โฮะกุไซ (ค.ศ. 1760-1849)

โฮคุไซ – อาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดประเภทของอุกิโยะเอะ (ภาพพิมพ์แกะไม้ของญี่ปุ่น) ได้รับความคิดสร้างสรรค์ของโฮคุไซ การยอมรับระดับโลกชื่อเสียงของเขาในประเทศอื่นเทียบไม่ได้กับศิลปินเอเชียส่วนใหญ่ ผลงานของเขา "คลื่นยักษ์นอกคานากาว่า" ได้กลายเป็นสิ่งที่ นามบัตรวิจิตรศิลป์ญี่ปุ่นบนเวทีศิลปะโลก บนเส้นทางสร้างสรรค์ของเขา โฮะกุไซใช้นามแฝงมากกว่าสามสิบชื่อ หลังจากหกสิบ ศิลปินอุทิศตนให้กับงานศิลปะโดยสิ้นเชิง และคราวนี้ถือเป็นช่วงเวลาที่มีผลมากที่สุดในการทำงานของเขา ผลงานของโฮคุไซมีอิทธิพลต่อผลงานของปรมาจารย์ด้านอิมเพรสชันนิสม์ชาวตะวันตกและยุคหลังอิมเพรสชั่นนิสต์ รวมถึงผลงานของเรอนัวร์ โมเนต์ และแวนโก๊ะ