koncert) - hudobná skladba napísaná pre jeden alebo viac nástrojov so sprievodom orchestra, aby umožnila sólistom prejaviť virtuozitu vo výkone. Koncert napísaný pre 2 nástroje sa nazýva dvojitý, pre 3 nástroje sa nazýva trojitý. Orchester je v takýchto scénach druhoradý a až v hraní (tutti) nadobúda samostatný význam. Koncert, v ktorom má orchester veľký symfonický význam, sa nazýva symfonický.

Koncert zvyčajne pozostáva z 3 častí (vonkajšie časti sú v rýchlom pohybe). V 18. storočí sa symfónia, v ktorej mnohé nástroje hrali miestami sólo, nazývala concerto grosso. Neskôr sa symfónia, v ktorej jeden nástroj získal nezávislejší význam v porovnaní s ostatnými, začala nazývať symphonique concertante, concertirende Sinfonie.

Slovo Concerto, ako názov hudobnej skladby, sa objavilo v Taliansku koncom 16. storočia. Koncert v troch častiach sa objavil koncom 17. storočia. Taliani Corelli (q.v.) sa považujú za zakladateľa tejto formy kozmu, z ktorého sa vyvinuli v 18. a 19. storočí. K. za rôzne nástroje. Najobľúbenejšie nástroje sú husle, violončelo a klavír. Neskôr K. napísali Bach, Mozart, Beethoven, Schumann, Mendelssohn, Čajkovskij, Davydov, Rubinstein, Viotti, Paganini, Vietang, Bruch, Wieniawski, Ernst, Servais, Litolf atď. Malý koncert, v ktorom sú časti zlúčené sa volá harmonika.

Klasickým koncertom je aj verejné stretnutie v sálach so špeciálnou zvukovou akustikou, v ktorých zaznie množstvo vokálnych či inštrumentálnych diel. V závislosti od programu dostáva Koncert názov: symfonický (v ktorom sa hrajú najmä orchestrálne diela), duchovný, historický (zložený z diel rôznych období). Akadémiou sa nazýva aj koncert, keď účinkujúci, sólisti aj v orchestri, sú prvotriedni umelci.

Odkazy

• Partitúra koncertných diel pre dychovku

v Koncerte sú 2 „súťažné“ časti medzi sólistom a orchestrom, možno to nazvať súťažou.

Nadácia Wikimedia. 2010.

Pozrite sa, čo je „Inštrumentálny koncert“ v iných slovníkoch:

Koncert len ​​s hudobnými nástrojmi, bez spevu. Slovník cudzích slov zahrnutých v ruskom jazyku. Pavlenkov F., 1907 ... Slovník cudzích slov ruského jazyka

Koncert (nem. Konzert, z tal. koncert ≈ koncert, harmónia, dohoda, z lat. koncert ≈ súťažiť), hudobné dielo, v ktorom sa menšina zúčastnených nástrojov alebo hlasov stavia proti väčšine alebo celému súboru,... ...

inštrumentálne- oh, oh. inštrumentálny adj., nem inštrumentálne. Rel. k upínaniu nástroja. Sl. 18. Inštrumentálni majstri sa nachádzajú na Akadémii vied. ČLOVEK 2 59. Inštrumentálne umenie. Lomon. ACC 9 340. | hudba Slávny virtuóz pán Hartmann,... ... Historický slovník galicizmov ruského jazyka

I Concerto (nem. Konzert, z tal. koncert koncert, harmónia, dohoda, z latinčiny koncert súťažiť) hudobné dielo, v ktorom sa menšina zúčastnených nástrojov alebo hlasov stavia proti väčšine alebo celému súboru,... ... Veľká sovietska encyklopédia

1. verejné predvádzanie hudby Slovo koncert (consort) spočiatku označovalo skôr skladbu interpretov (napr. manželku viol) než proces predvádzania av tomto zmysle sa používalo až do 17. storočia. Dovtedy vážna hudba... Collierova encyklopédia

koncert- a, m. 1) Verejné vystúpenie umelcov podľa konkrétneho, vopred zostaveného programu. Zorganizujte koncert. Ísť na koncert. Symfonický koncert. 2) Hudobná skladba pre jeden alebo viac sólových nástrojov a orchestra. Koncert…… Populárny slovník ruského jazyka

- (nem. Konzert, z tal. koncert koncert, lit. súťaž (hlasov), z latinčiny koncert súťažím). Dielo pre mnohých interpretov, v ktorom sa menšina zúčastnených nástrojov alebo hlasov stavia proti väčšine alebo všetkým... ... Hudobná encyklopédia

Koncert- (z talianskej a latinskej dohody o koncertoch, súťaž) 1) Instr., vok. inštr. alebo wok. žáner, výhody. cyklický, s kontrastným dif. vystúpia účastníci a skupiny. zloženie. K. je generovaný myšlienkou kreativity. súťaže, hry, súperenie... ... Ruský humanitárny encyklopedický slovník

KONCERT- (taliansky koncert, francúzsky koncert, nemecký Konzert), 1) verejné predvádzanie hudby. diela (symfonický, kostolný, vojenský orchester, záhradný koncert a pod.). 2) Veľká hudba. skladba pre sólový nástroj so sprievodom orchestra... Riemannov slovník hudby

Závod Sestroretsk Tool Plant pomenovaný po. S.P. Voskova Sestroretsk zbrojovka ... Wikipedia

knihy

• Bieloruská hudba druhej polovice dvadsiateho storočia. Čitateľ, . Zbierka obsahuje diela bieloruských skladateľov, ktoré vznikli v druhej polovici 20. storočia. Predstavuje diela rôznych žánrov: pieseň (vrátane folklóru), romantika, komorná hudba...

Klavírny koncert je jedným z najvýznamnejších a najvyhľadávanejších žánrov vo svete hudby. Žánrová povaha koncertu, konkretizovaná jeho dynamikou, rozvinutou hernou logikou a schopnosťou sprostredkovať hlboké životné kolízie, sa ukázala ako veľmi atraktívna pre skladateľov rôznych čias a národné tradície. Zástupcovia viedenský klasicizmus, v ktorého tvorbe sa finálne vykryštalizoval sólový inštrumentálny koncert.

Štúdium žánru klavírneho koncertu určuje oblasť vedeckého záujmu takých muzikológov ako: L. N. Raaben („Sovietsky inštrumentálny koncert“), I. I. Kuznecov („Klavírny koncert“ (k histórii a teórii žánru)), M. E. Tarakanov („Inštrumentálny koncert“), G. A. Orlová („Sovietsky klavírny koncert“). Významné pohľady na najnovšie trendy v žánrovej analýze z pohľadu interpretačnej praxe demonštrujú diela A. V. Murgu, D. I. Dyatlova, B. G. Gnilova; žánrové a historické aspekty klavírneho koncertu rozoberajú vo vedeckých publikáciách D. A. Nagin, O. V. Podkolozin, Sh. G. Paltajanyan a i. Napriek neutíchajúcemu záujmu muzikológov o koncertný žáner, niektoré historické, ale aj teoretické aspekty problému pod štúdium si vyžaduje hlbšie štúdium. Táto okolnosť určila cieľ publikácie: skúmať črty vzniku a vývoja žánru klavírneho koncertu. Na dosiahnutie tohto cieľa boli identifikované nasledovné: úlohy publikácie:

1. Preskúmajte genézu žánru inštrumentálnych koncertov;
2. Analyzovať počiatky vzniku a vývoja žánru klavírneho koncertu;
3. Identifikujte žánrové špecifiká klavírneho koncertu.

Historický pohyb hudby sa zreteľne odráža v osude hudobných žánrov. Živé spojenie časov sa jasne prejavuje na príklade inštrumentálneho koncertu - jedného z najstarších žánrov. európska hudba. Podľa výskumníkov sa etymológia slova „koncert“ spája s talianskym „concertare“ („súhlasím“, „dohodnúť sa“) alebo latinským „concertare“ („spor“, „boj“), pretože vzťah medzi sólovým nástrojom a orchestrom obsahuje prvky „partnerstva“ a „rivality“. Tradične je koncert definovaný ako jedno alebo viacvetové hudobné dielo pre jeden alebo viac sólových nástrojov a orchestra.

Jednou z odrôd inštrumentálneho koncertu je klavírny koncert. Keďže históriu vývoja klavírneho koncertu nemožno oddeliť od genézy inštrumentálneho koncertu ako celku, budeme skúmať črty vzniku tohto jedinečného hudobného žánru. Počiatky klavírneho koncertu siahajú do ďalekej hudobnej minulosti. Zameriavame sa na to, že do konca 17. stor. Inštrumentálny koncert ako samostatný žáner neexistoval. Pojem „koncert“ bol prvýkrát objavený v hudobnom používaní v 16. storočí. Táto definícia sa používala na označenie vokálno-inštrumentálnych diel. Koncerty boli zborové duchovné skladby s inštrumentálnym sprievodom. Ako príklad je vhodné uviesť koncerty G. Gabrieliho, L. da Viadana a G. Schütza. Vznik inštrumentálneho koncertného žánru je spojený so vznikom homofónneho štýlu v hudbe. V tejto fáze sa skladatelia viac ako kedykoľvek predtým snažili zdôrazniť poprednú dôležitosť melodického princípu vyjadreného sólovým nástrojom na rozdiel od sprievodného orchestra. Súťaž medzi sólovým hudobným nástrojom a orchestrom aktualizovala dôležitosť virtuózneho princípu v koncertnom žánri. Na rozvoj inštrumentálneho koncertu mala veľký vplyv aj prax inštrumentálnych súborov a tradície spoločnej hry na hudobných nástrojoch, siahajúce až do hrania ľudovej hudby v r. európskej kultúry Stredovek.

Treba si uvedomiť, že v skúmanom období orchester (v modernom ponímaní) neexistoval. Obľúbené boli súborné združenia hudobníkov, ktorých záujmy a preferencie určovali stabilné formy kombinovania nástrojov. Charakteristika koncertných súborov 17. storočia. bola povinná účasť takzvaného Continuo partu, ktorý bol zvyčajne priradený k čembalu. Tento nástroj pôsobil ako vedúci súboru, jeho dirigent, čím stmelil celkový zvuk. Práve v tomto období prenikol do inštrumentálneho koncertného žánru hlavný princíp koncertnej hry – princíp súťaženia a súťaženia. Forma súťaže predpokladala organické prepojenie koordinácie s bojovým umením, kombináciu vedúceho a sprevádzajúcej osoby a vzájomnú koordináciu ich úsilia. Čembalo podporovalo alebo zdvojovalo basový hlas a vypĺňalo takzvané „stredné poschodie“ hudobný priestor. A predsa to hlavné nespočívalo ani tak vo vonkajších vlastnostiach koncertnej hudby 17. storočia, ale vo vnútornej povahe charakteristickej pre hudobné vedomie Európanov skúmaného obdobia. Nový žáner inštrumentálneho koncertu mal veľa podobností s tanečnou suitou.

Majster inštrumentálneho koncertu 17. storočia. je A. Corelli - autor prvého klasické vzorkyžáner Concerto Grosso ( veľký koncert), na základe porovnania sólového ripiena a sprievodného grossa. Koncerty A. Corelliho majú spravidla veľa pohybov. Skladateľ do svojich koncertov zaradil štyri až sedem častí a tiež malé Adagios, ktoré slúžili ako spojky medzi rýchlymi časťami. Hudobná Jednota Concerto Grosso od A. Corelliho sa prejavilo aj v zachovaní hlavnej tonality vo všetkých častiach. Hudba takmer všetkých koncertov tohto úžasného talianskeho majstra je úbohá, miestami v nej počuť lyrickú melódiu a cítiť súvislosti s ľudovým pôvodom.

Osobitné miesto v histórii vývoja inštrumentálneho koncertu 17. – 18. storočia. patrí talianskemu skladateľovi, virtuóznemu huslistovi A. Vivaldimu. V koncertoch tohto brilantného skladateľa sa vyvinula typická štruktúra inštrumentálneho koncertu, ktorý nadobudol tripartitnú formu. Ak v Concerto Grosso A. Corelliho tvoria krátke sólové epizódy uzavretý celok, tak u A. Vivaldiho sa party sólistov rodia z neobmedzeného letu fantázie a odohrávajú sa vo voľnom improvizačnom podaní. V koncertoch A. Vivaldiho sa zväčšuje škála orchestrálnych ritorel a celá forma dostáva nový dynamický charakter. Tvorca recitálu sa usiloval o jasné a nezvyčajné zvuky, miešal farby rôznych nástrojov a často do hudby zahrnul disonancie.

Treba poznamenať, že koncerty A. Vivaldiho poskytli hudobníkom dostatok príležitostí predviesť svoju virtuóznu hru a ukázať dokonalé majstrovstvo na nástroji. Medzi sólistami a ostatnými účastníkmi koncertného prejavu vznikajú určité koncertné dialógy. Práve v koncertoch A. Vivaldiho sa striedanie sóla a tutti stalo generickým znakom koncertného Allegra. Charakteristickou črtou tejto formy je aj rondalita, ktorá sa stáva dôsledkom životodarného charakteru inštrumentálneho koncertu 17. – začiatku 18. storočia. Výrazným príkladom štýlu inštrumentálnych koncertov A. Vivaldiho je cyklus „Ročné obdobia“.

Nová etapa vo vývoji inštrumentálneho koncertu je spojená s tvorbou predstaviteľov neskorého baroka - J. S. Bacha a G. F. Händela. Objavy týchto majstrov hudobného myslenia v oblasti inštrumentálneho koncertu sa stali náhľadom do ďalekej budúcnosti. Množstvo timbrových kontrastov, rozmanitosť rytmických kombinácií, intenzívna interakcia sólistu a súboru-orchestera - to všetko komplikuje a prehlbuje koncert. Pozoruhodným príkladom koncertných schopností J. S. Bacha sú teda „Brandenburské koncerty“ pre rôzne inštrumentálne skladby a „Taliansky koncert“, ktoré potvrdili samostatný význam klavíra ako koncertného nástroja. Zameriavame sa na to, že práve klávesové koncerty J. S. Bacha určili vektor vývoja budúceho klavírneho koncertu. Ako svedčia bádatelia, J. S. Bach dlhodobo pôsobil v oblasti koncertného žánru; starostlivo naštudované husľové koncerty talianskych majstrov, robil transkripcie husľových koncertov pre klavír. Potom skladateľ začal písať svoje vlastné husľové koncerty a aranžovať ich. Neskôr J. S. Bach presedlal na písanie vlastných klávesových koncertov. Treba poznamenať, že pri tvorbe klávesových koncertov J. S. Bach nadväzuje na tradície a skúsenosti talianskych majstrov, čo sa prejavuje v trojdielnej cyklickej štruktúre, odľahčenej textúre, melodickej výraznosti a virtuozite.

V sólovom inštrumentálnom koncerte hlboká životný základ diela G. F. Händela. Nie je vôbec náhoda, že M.I. Glinka v liste jednému zo svojich priateľov napísal: „Na koncertnú hudbu – Händel, Händel a Händel“. Vrchol inštrumentálu koncertná kreativita tohto úžasného majstra sú Concerto Grosso – veľké poklady orchestrálnej hudby 18. storočia. Tieto diela sa vyznačujú klasickou prísnosťou a zdržanlivosťou v písaní. Keď hovoríme o slávnosti tohto žánru u G. F. Händela, jeho štýl by sme mohli definovať ako „handelovské baroko“ a charakterizovať ho ako energický, živý, brilantný s jasnými kontrastmi a množstvom jasných rytmov. Koncerty G. F. Handela sú striktné v melodike a textúre a lakonickejšie v kompozičnej štruktúre. Hudba Concerto Grosso je prevažne homofónna. Štruktúra každého cyklu je rôzna (od dvoch do šiestich častí); Každý koncert sa vyznačuje osobitými žánrovými prepojeniami, určitým obrazným a poetickým zjavom. Takto sa v priebehu 18. storočia rozvíjali tradície zavedené v koncertnej hudbe 17. storočia.

Tvorcami nového typu inštrumentálneho koncertu boli predstavitelia viedenského klasicizmu. Práve v tvorbe viedenských klasikov sa inštrumentálny koncert stáva novým žánrom koncertnej hudby, odlišným od predchádzajúceho Concerto Grosso, ako aj od sólového koncertu 17. storočia. V klasickom štýle sa mení vzhľad cyklických skladieb, nastoľuje sa prísny normatívny trojdielny cyklus s akcentovaním prvej časti sonáty Allegro.

Koncertné diela J. Haydna, W. A. ​​​​Mozarta, L. van Beethovena nie sú svojim zvukom a rozsahom rozvoja tematického materiálu podradné svojim symfóniám a spájajú v sebe princípy sólovej a koncertno-symfonickej hudby, čo je príznačné. tohto žánru ako celku.

Napriek tomu, že inštrumentálny koncert viedenských klasikov mal súvis so symfóniami, skúmaný žáner nie je typom symfónie. Koncert v ére klasicizmu pôsobí ako samostatný etablovaný žáner s určitými črtami. Veľmi dôležité je zloženie orchestra, kde je zásadná sláčiková skupina, je doplnená o skupinu drevených a dychových nástrojov, príležitostne sa využívajú aj bicie nástroje. Prakticky odpadá nácvik continua – hlavné zloženie orchestra opúšťajú klávesové nástroje. Sólový nástroj (husle alebo klavír) sa stáva rovnocenným účastníkom koncertnej súťaže a koncertného dialógu. Sólista a orchester sa zbližujú vo svojich interpretačných technikách, čím vytvárajú podmienky pre užšiu interakciu. Zaradenie nových tém a variabilita funkcií v podaní jednej témy naznačuje formovanie nového typu interakcie medzi sólistom a orchestrom.

Novinka klasického klavírneho koncertu spočívala aj v spôsobe prejavovania emócií. Ak barokový inštrumentálny koncert zaznamenal nehybnú emóciu, potom koncert klasickej éry demonštroval prenos afektov v pohybe, vývoji a vnútornom kontraste. Stabilný barokový koncert vystriedal dynamický klasický koncert.

Stvárnenie procesu zážitkov, zmien afektov, obrazov duševných pohybov si vyžadovalo osobitú hudobnú formu. Realizáciou danej sémantickej úlohy bola sonátová forma, ktorej funkciami bolo posilniť, vyostriť počiatočnú nestabilitu a až na konci dosiahnuť rovnováhu. Mierka, výber atypických orchestrálne skladby, monumentalita cyklov klasických klavírnych koncertov prispela k zintenzívneniu procesu emancipácie hraníc koncertného žánru. V dôsledku takýchto inovatívnych predpokladov dostali skladatelia viac príležitostí na realizáciu svojich vlastných umelecké nápady. Treba podotknúť, že klasický klavírny koncert okrem hudobnej dramaturgie a formy preukazuje pre koncerty predchádzajúcich období netypický postoj ku kadencii a tematike, transformuje sa vzťah medzi sólistom a orchestrom.

Podľa vedcov možno žáner klasického klavírneho koncertu porovnať s divadelná akcia, v ktorej hudobná herná logika pôsobí ako logika herných situácií, prechádza do logiky scénickej akcie, umožňujúcej realizovať komplexnú dramaturgiu a skrytý autorský podtext prostriedkami koncertného žánru.

Inováciou, ktorá určila podobu klavírneho koncertu klasickej éry, bol aj postoj skladateľov a interpretov ku kadenzám. Ako svedčia výskumníci, v koncertnom žánri období pred klasicizmom sa osobitná pozornosť venovala kadenzám. V 18. storočí, keď prekvitalo umenie voľnej improvizácie, boli kadenzy považované za „vrchol“ predstavenia. Boli to kadenzy, ktoré demonštrovali tvorivú vynaliezavosť, ako aj virtuozitu interpreta. Kadencia musela zodpovedať celkovej nálade diela a obsahovať jeho najdôležitejšie témy. Toto umenie musel ovládať každý špičkový virtuóz. Schopnosť improvizovať bola nielen povinnosťou hudobníka, ale aj právom, ktoré mal pri predvádzaní skladieb iných ľudí (autorských).

Treba poznamenať, že kadenzie, ktoré sa vyskytujú na barokových inštrumentálnych koncertoch, spôsobili veľa trápenia pre neskúsených interpretov neskúsených v improvizácii. Kadencie sa mnohí interpreti naučili vopred. Postupne sa začali z koncertov vytláčať vložené kadencie. Práve v období viedenského klasicizmu nastala zásadná zmena v charaktere kadenčných štruktúr, ktorá zavŕšila prechod kadencie z rámca improvizačnej kultúry do čisto písanej tradície. V ustálenej klasickej koncertnej forme bola kadencia ako virtuózne sólo interpreta povinnou súčasťou formy. Prvý krok týmto smerom urobil L. van Beethoven, ktorý vo svojom Piatom koncerte napísal celú kadenzu úplne v notách. V klavírnom koncerte klasickej éry boli bežné virtuózne zložité kadencie. Začiatok kadencie bol najčastejšie zdôraznený jasným akordom alebo virtuóznou pasážou. Počas hrania tohto úryvku koncertu sa pozornosť poslucháča mnohonásobne zbystrila. Princípy, podľa ktorých bola kadencia vybudovaná, sú konkretizované prvkami prekvapenia, jasným virtuóznym začiatkom a nápaditosťou. Pri skúmaní zvláštností formovania a vývoja kadencie na klavírnom koncerte je vhodné citovať pravidlá z „Klavírnej školy“ od D. G. Turka: „Kadencia by mala nielen podporovať dojem, ktorý vytvára hudobné dielo, ale aj , pokiaľ je to možné, posilnite ho. Najistejším spôsobom, ako to dosiahnuť, je prezentovať najdôležitejšie hlavné myšlienky mimoriadne výstižným spôsobom v kadencii alebo si ich pripomenúť pomocou obratov. Kadencia by preto mala byť úzko spätá s predvádzanou skladbou a navyše by z nej mala hlavne čerpať materiál. Kadencia, ako každá voľná ornamentika, by nemala pozostávať zo zámerne zavedených ťažkostí, ale skôr z myšlienok, ktoré zodpovedajú hlavnej postave diela."

Klavírny koncert klasickej éry je žáner, v ktorom sa hudobná téma etabluje nielen ako nositeľ určitej expresivity, ale aj ako umelecký obraz, ktorá obsahuje potenciálne možnosti rozvoja. Práve v klavírnych koncertoch dosahujú skladatelia viedenskej klasickej školy najvyššie majstrovstvo v oblasti tematického rozvíjania, rozvíjania, využívajúc rozmanitosť techník - meniacej sa tonality, harmonizácie, rytmu, melodických prvkov. Charakteristické je aj členenie témy na jednotlivé motívy, ktoré samy o sebe prechádzajú rôznymi premenami a rôzne sa navzájom kombinujú. Tematický materiál klavírnych koncertov viedenských klasikov vyniká figurálnym reliéfom a individuálnym charakterom.

Medzi najvýznamnejšie hudobné zdroje patrí ľudová hudba. Opierajúc sa o bohatstvo umenia ľudovej piesne, predstavitelia viedenskej klasickej školy dospeli k novému chápaniu melódie, jej funkcií a schopností.

Jedinečné sú najmä hudobné námety klavírnych koncertov viedenských klasikov ovplyvnených talianskym štýlom bel canto. Ako uviedol G. F. Telemann: „Spev je univerzálnym základom hudby. Kto sa ujme skladby, musí v každej časti spievať. Kto hrá na nástroje, musí byť zbehlý v speve.“ Keďže belcanto zahŕňa kombináciu nádhernej kantilény a virtuóznej ornamentiky, v klasických klavírnych koncertoch existujú dva typy tém: témy blízke vokálnej kantiléne a virtuózne tematické komplexy. V tomto smere sa sólista objavuje v dvoch rolách – ako inšpirovaný hudobník a virtuózny interpret.

Predstavitelia viedenskej klasickej školy sa v žánri klavírneho koncertu realizovali celkom zaujímavým a rôznorodým spôsobom, čím vzbudili záujem a rozvoj tohto žánru v období romantizmu, ako aj v tvorbe skladateľov 20. storočia.

Vedci tradične označujú za najdôležitejšie špecifické vlastnosti žánru klavírneho koncertu: logiku hry, virtuozitu, improvizáciu, súťaživosť, koncert.

Žánrovotvorným princípom klasického koncertu je hra. Práve v inštrumentálnom koncerte sa najplnšie realizujú kľúčové zložky hry – protiklad odlišných princípov a súťaživosti. V hudobnej vede koncept hernej hudobnej logiky používal E. V. Nazaikinsky. Brilantná práca vedca („Logika hudobnej kompozície“) predstavuje definíciu skúmanej definície ako logiku koncertného vystúpenia, kolíziu rôznych nástrojov a orchestrálnych skupín, rôznych zložiek hudobnej štruktúry, rôznych línií správania, spolu. formovanie „stereofónneho“, divadelného obrazu rozvíjajúcej sa akcie. Keďže pre koncertný žáner je určujúci pojem hry, zastavme sa podrobnejšie pri jeho charakteristike.

Encyklopedická literatúra uvádza nasledujúcu definíciu hry: „hra je typ zmysluplnej neproduktívnej činnosti, ktorej motív spočíva tak v jej výsledku, ako aj v samotnom procese.

Hra je atribútom každého hudobného a divadelného predstavenia. Medzi modernými koncepciami hry zaujíma osobitné miesto teória holandského kultúrneho historika J. Huizingu, ktorý uvažoval o kultúrnej funkcii hry v jej historickom vývoji. Vedecké práce hovoria, že „hra“ je predovšetkým voľná činnosť. Hra na objednávku už nie je hrou. J. Huizinga nachádza vzťah medzi hudbou a hrou prostredníctvom pokusov nájsť termíny spoločné pre oba koncepty. „Hra je mimo obozretnosti praktického života, mimo sféry potreby a prospechu. To isté platí pre hudobný prejav a hudobné formy. Zákony hry fungujú mimo noriem rozumu, povinnosti a pravdy. To isté platí pre hudbu... V každej hudobnej činnosti je hra. Či už hudba slúži zábave a radosti, alebo sa snaží vyjadriť vznešenú krásu, alebo má posvätný liturgický účel, vždy zostáva hrou.“

Hra sa pred poslucháčom odvíja ako fascinujúci reťazec udalostí, z ktorých každá, ako odpoveď na tú predchádzajúcu, zase dáva vznikať novým odpovediam alebo novému myšlienkovému prúdu. Herná logika sa v hudbe rozvíja ako hra na nástroj. Ako veľký nemecký skladateľ R. Schumann, „slovo „hrať“ je veľmi dobré, pretože hrať na nástroj by malo byť to isté ako hrať s ním. Ak nehráme na nástroj, nehráme na ňom ani my."

V koncertnom žánri má herná logika veľký význam. Gradácia dynamiky v mikrokozme hernej logiky často pôsobí ako prostriedok kontrastných porovnaní, prienikov a nečakaných akcentov. Ako poznamenáva E. V. Nazaikinsky, na kompozičnej úrovni sa logika hry môže prejaviť v osobitnej interpretácii formy. Syntakticky, v špeciálnych „herných figúrkach“. Ako také „herné figúrky“ vedec identifikuje nasledovné: zmena módu, intonačná pasca, invázia, súťaživosť, druhá tága, nebadateľné plíživé opakovanie, odrezanie úderu, revolúcia, prekrytie, zlúčenie, prekonanie prekážky, zaseknutý tón, variantný výber -up, chyba hry atď. Treba poznamenať, že účastníci hernej akcie môžu pôsobiť ako určité tematické štruktúry, ako aj malé motívy a krátke hudobné náznaky. Ich kombinácia tvorí základ inštrumentálnej hernej logiky.

Hravosť klavírneho koncertu sa realizuje prostredníctvom virtuozity. Zameriavame sa na to, že určujúcim prvkom virtuozity je interpretačná zručnosť hudobníka, ktorý musí byť oveľa lepší ako priemerný interpret. Virtuóz (z tal. virtuóz - z lat. Virtus - udatnosť, talent) - umelec, ktorý majstrovsky ovláda techniku ​​umenia. Prvá zmienka o „virtuózoch“ sa spája s Talianskom v 16. – 17. storočí. Tento termín určené pre človeka, ktorý sa vyznamenal v akejkoľvek intelektuálnej alebo umeleckej oblasti. Termín sa časom vyvíjal a súčasne sa rozširoval a zmenšoval. Spočiatku boli hudobníci ocenení touto klasifikáciou ako skladatelia, teoretici alebo slávni maestrovia, čo bolo dôležitejšie ako majstrovský výkon.

Koncert ako žáner je verejne demonštratívnym prejavom zručnosti účinkujúceho hudobníka a jeho virtuozity. Virtuozita je zároveň podriadená vnútornému obsahu hudby a je organickým prvkom umeleckého obrazu. Treba tiež poznamenať, že virtuozita nevyjadruje nič viac ako umelecký princíp ľudská osobnosť a je súčasťou interpretačného štýlu samotného hudobníka. Koncertný žáner po prvýkrát stelesňuje organickú jednotu virtuozity a melodickosti. Virtuozita v úlohe sólistu z neho na jednej strane robí lídra v dialógu s orchestrom a na druhej strane prispieva k „spoločenskosti“ samotného koncertného žánru.

Nemenej dôležitým princípom, ktorý určuje žánrový charakter klavírneho koncertu, je princíp súťaženia. Treba poznamenať, že myšlienka súťaže má svoje korene v staroveké Grécko kde sa narodili olympijské hry. Až doteraz súťaž určuje takmer všetky sféry ľudského života, prispieva k kreatívny prejav, ako aj tvorivá sebarealizácia jednotlivca. Princíp súťaženia v hudbe, najmä v inštrumentálnom koncerte, neznamená konfrontáciu „vážne“. Koncertná súťaž je podmienená situácia, keď je cítiť atmosféru dialógu, vyjadrenú v „komunikácii“ hlavných účastníkov súťaže. Súťaž na koncerte je preto len idealizovaným obrazom konfrontácie sóla a orchestra. Súťaživosť zahŕňa striedavé striedanie poznámok sólistu a výkonov orchestra, preto sa niektoré myšlienky môžu objaviť tak v partii popredného účastníka súťaže, ako aj v čisto orchestrálnom podaní spolu so sólistom alebo bez jeho účasti. Treba poznamenať, že v koncertnej súťaži, ako v každej hernej akcii, nie je dôležitý ani tak výsledok (kto je prvý?), ale samotná akcia, ako skutočnosť, že takáto konfrontácia existuje.

Rôzne typy vzťahov medzi orchestrom a sólistom, ktoré určujú špecifické spôsoby textúrnej organizácie hudobného materiálu, ako aj inštrumentácie koncertu, špecifikujú princípy koncertného prednesu. Zameriavame sa na skutočnosť, že princíp koncertovania sa prvýkrát uplatnil v Taliansku na prelome 16. – 17. storočia pri interpretácii vokálnych a inštrumentálnych koncertov. Avšak na základe Vedecký výskum nemeckého hudobného historika A. Scheringa, môžeme hovoriť o ďalšom starovekého pôvodu tento princíp. Podľa bádateľa jeho počiatky „...možno vystopovať až do staroveku, k striedavému spevu v gréckej tragédii a k ​​žalmom starých Židov, ktoré sú potom znovuobjavené v stredoveku ako antifora v katolíckych rituáloch.“ To naznačuje hudobný a dramatický pôvod koncertu. Podľa B.V. Asafieva sa práve prostredníctvom koncertovania realizuje inštrumentálny dialóg charakteristický pre koncert, založený na odhalení impulzov obsiahnutých v téze, ktorých úlohu môžu zohrávať rôzne prvky, až po spev alebo najjednoduchšie párovanie zvukov,“ nehovoriac o rozšírených konštrukciách, ako je melodická téma.

Koncertná technika, a to interakcia sólistu s orchestrom v koncertnom žánri, vznikla na koncertoch A. Vivaldiho. Zásadnými bodmi sú striedanie tutti a sóla, žáner a programovanie, využitie timbru, dynamických a rytmických výrazových prostriedkov. Kombinácia týchto vlastností v harmonickom spojení zvyšuje význam a relevantnosť koncertného princípu. Treba poznamenať, že v ére viedenskej klasiky sa tento princíp výrazne mení. Koncertovanie sa stáva úzko späté s tematickým vývojom. Improvizácia sólistu (kadencia) je zabezpečená. Sólistický part má charakter ornamentálnej virtuozity.

Implementácia slobodného, ​​tvorivého sebavyjadrenia v klavírnom koncerte je princípom improvizácie. Tento princíp symbolizuje najvyšší prejav hravosti klavírneho koncertu. Improvizácia je dôsledkom spontánnej tvorivej iniciatívy vystupujúceho hudobníka. Podstata improvizácie spočíva v nových prvkoch interpretácie diela a aspektoch hudobná expresivita.

Je vhodné poznamenať, že úloha predvedenia improvizácie bola veľká v činnosti hudobníkov 17. - prvej polovice 18. storočia. Podľa vtedajšej praxe mal klavirista v uvoľnenej improvizácii využívať motívy predchádzajúcej hudby, ale mohol do nej vpliesť aj nové, cudzie témy. Na inštrumentálnych koncertoch tejto doby sú hudobné epizódy, v ktorých orchester mlčí a sólista dostane príležitosť ukázať svoju zručnosť a fantáziu. Je známe, že W. A. ​​​​Mozart aj L. van Beethoven boli skvelí improvizátori, čo sa prejavilo aj v ich klavírnych koncertoch.

Rýchlosť umeleckej reakcie, jas náhle sa objavujúcich obrazov, vynaliezavosť pri ich akútnej zmene sú vlastnosti, ktoré musí mať improvizátor. Úvody sólistu, náhle variačné pokrývanie tém, ich porovnávanie, kontrasty harmónie a orchestrálnej farebnosti sú poznačené improvizačným prekvapením. Ale tieto zmeny drží pohromade múdra hudobná logika. Improvizačný charakter je príznačný aj pre kadencie klasického koncertu, ale princíp improvizácie v kadenzách klasického klavírneho koncertu bol prísne regulovaný.

Po preskúmaní znakov vzniku a vývoja klavírneho koncertu, ako aj analýzou špecifík jeho žánrovej povahy sme dospeli k záveru, že klavírny koncert je jedným z najväčších monumentálnych žánrov inštrumentálnej hudby. Vznik skúmaného žánru je spojený so vznikom homofónneho štýlu v hudbe. Kryštalizácia hlavných žánrových čŕt koncertu (viacdielna kontrastná štruktúra, princíp súťaženia a improvizácie, živá obraznosť) sa uskutočnila v barokovom období (diela A. Vivaldiho, A. Corelliho, J. S. Bacha, G. F. Handel). Nový míľnik v histórii vývoja žánru klavírneho koncertu otvorili majstri „viedenského klasicizmu“ (J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, L. van Beethoven). Klavírny koncert týchto inovátorov hudobnej slovnej zásoby sa vyznačuje mierou koncepcie, dramatizáciou hudobných obrazov, jasnosťou melódií, symfonickým rozvinutím tematického materiálu a virtuozitou s veľkým organickým prepojením sólistu a orchestra. . Žánrovú podstatu klavírneho koncertu konkretizujú tieto princípy: herná logika, virtuozita, improvizácia, súťaž, koncert. Identifikované princípy určujú nielen znaky štruktúry a obsahu koncertu, ale tvoria aj pole úloh a metód ich riešenia v interpretačnej praxi klaviristu.

Výsledky prezentované v práci si netvrdia, že sú úplnou štúdiou analyzovaného problému a naznačujú ďalší vývoj. Je vhodné preskúmať vlastnosti implementácie žánrovej povahy koncertu pomocou konkrétnych príkladov koncertných diel klasických skladateľov, ako aj predstaviteľov hudobnej kultúry druhej svetovej vojny. polovice 19. storočia – začiatok XXI V.

LITERATÚRA

1. Alekseev A.D. História klavírneho umenia: učebnica pre študentov hudby. univerzity: o 3. hodine / A. D. Alekseev. – Ed. 2., rev. a dodatočné – Časť 1. – M.: Muzika, 1967. – 286 s.
2. Asafiev B.V. Hudobná forma ako proces / B.V. Asafiev. – Ed. 2. – M.: Hudba, Leningrad. odbor, 1971. – 373 s.
3. Badura-Skoda E. Interpretácia Mozarta / E. Badura-Skoda, P. Badura-Skoda. – M.: Muzika, 1972. – 373 s.
4. Veľká sovietska encyklopédia / kap. vyd. B. A. Vvedenskij. – Ed. 2., rev. a dodatočné – M.: TSB, 1954. – T. 28. – 664 s.
5. Druskin Klavírne koncerty M. S. Mozarta / M. S. Druskin. – Ed. 2. – M.: Muzgiz, 1959. – 63 s.
6. Hudobný encyklopedický slovník / kap. vyd. G. V. Keldysh. – M.: Sov. encykl., 1990. – 672 s.
7. Nazaikinsky E.V. Logika hudobnej kompozície / E.V. Nazaikinsky. – M.: Muzika, 1982. – 320 s.
8. Rosenschild K. K. Dejiny zahraničnej hudby: do polovice 18. storočia / K. K. Rosenschild. – Ed. 3., rev. a dodatočné – sv. 1. – M.: Muzika, 1973. – 375 s.
9. Tarakanov M. E. Inštrumentálny koncert / M. E. Tarakanov. – M.: Vedomosti, 1986. – 55 s.
10. Huizinga J. Homo Ludensс. V tieni zajtra/ J. Huizinga. – M.: Progress, 1992. – 464 s.

PRISCHEPA N. A. KLAVÍRNY KONCERT: HISTÓRIA, TEÓRIA VYDANIA

Táto publikácia predstavuje analýzu žánru klavírneho koncertu ako druhu inštrumentálnej hudby. Načrtnuté sú črty historického vývoja skúmaného žánru. Identifikujú sa a analyzujú štrukturálne a žánrové črty koncertu.

Kľúčové slová: klavírny koncert, žáner, štruktúra, hudobná forma.

PRISCHEPA N. A. KLAVÍRNY KONCERTO: HISTÓRIA, TEÓRIA OTÁZKY

Článok sa zaoberá analýzou žánru klavírneho koncertu ako formy inštrumentálnej hudby. Definuje sa charakteristika vývoja žánru. Analyzujú sa štrukturálne a žánrové charakteristiky klavírneho koncertu.

Kľúčové slová: klavírny koncert, žáner, štruktúra, hudobná forma.

nemecký Konzert, z taliančiny. koncert - koncert, lit. - súťaž (hlasov), z lat. koncert - súťažiť

Dielo pre mnohých interpretov, v ktorom sa menšia časť zúčastnených nástrojov či hlasov stavia proti väčšine alebo celému súboru, vyčnieva tematickými črtami. reliéf hudby. materiál, farebný zvuk, využitie všetkých možností nástrojov či hlasov. Od konca 18. stor. Najčastejšie sú to koncerty pre jeden sólový nástroj s orchestrom, menej časté sú koncerty pre viacero nástrojov s orchestrom - „dvojitý“, „trojitý“, „štvoritý“ (nem. Doppelkonzert, Triepelkonzert, Quadrupelkonzert). Špeciálne odrody zahŕňajú hudbu pre jeden nástroj (bez orchestra), hudbu pre orchester (bez presne definovaných sólových partov), ​​hudbu pre hlas(y) s orchestrom a hudbu pre a cappella zbor. V minulosti mala široké zastúpenie vokálna polyfónna hudba. K. a concerto grosso. Dôležitými predpokladmi pre vznik hudby bola polychoránia a súbeh speváckych zborov, sólistov a nástrojov, ktoré boli najskôr široko používané predstaviteľmi benátskej školy, zvýraznené vo vokálnych nástrojoch. skladby sólových partov hlasov a nástrojov. Najstaršie katedrály vznikli v Taliansku na prelome 16. a 17. storočia. vo woku. polyfónny kostol hudba (Concerti ecclesiastici pre dvojzbor od A. Banchieriho, 1595; Motetá pre 1-4 hlasový spev s digitálnym basom „Cento concerti ecclesiastici“ L. Viadana, 1602-11). Na takýchto koncertoch sa používali rôzne typy. kompozície - od veľkých, vrátane mnohých. wok a inštr. večierky, ktoré mali len pár wokov. časti a generálbasový part. Spolu s názvom concerto niesli skladby rovnakého typu často názvy motetti, motectae, cantios sacrae atď. Najvyšší stupeň vývoja cirkevnej hudby. K. viachlasný štýlu predstavujú tie, ktoré vznikli v 1. pol. 18. storočie kantáty J. S. Bacha, ktoré sám nazýval concerti.

Žáner K našiel široké uplatnenie v ruštine. kostol hudba (od konca 17. storočia) - vo viachlasných dielach pre a cappella zbor, súvisiaca s oblasťou partesového spevu. Teóriu „stvorenia“ takéhoto K. vypracoval N. P. Diletsky. Rus. Skladatelia veľmi rozvinuli polyfónnu techniku ​​cirkevnej hudby (pracuje so 4, 6, 8, 12 a viac hlasmi, až do 24 hlasov). V knižnici Synodálneho zboru v Moskve bolo do 500 piesní zo 17. a 18. storočia, ktorých autormi boli V. Titov, F. Redrikov, N. Bavykin a i. Vývoj chrámového koncertu pokračoval aj v závere r. 18. storočie. M. S. Berezovsky a D. S. Bortnyansky, v ktorých tvorbe dominuje melodicko-ariotický štýl.

V 17. storočí spočiatku v Taliansku prenikol do nástroja princíp „súťaženia“, „súťaženia“ viacerých sólových („koncertujúcich“) hlasov. hudba - v apartmáne a kostole. sonáta, pripravujúca vznik žánru inštrumentálnej hudby (Balletto concertata P. Melli, 1616; Sonáta concertata D. Castello, 1629). Kontrastná juxtapozícia („súťaž“) orchestra (tutti) a sólistov (sólo) alebo skupiny sólových nástrojov a orchestra (in concerto grosso) vychádza z kontrastov, ktoré vznikli koncom 17. storočia. prvé ukážky inštrumentálnej K. (Concerti da camera a 3 con il cembalo G. Bononcini, 1685; Concerto da camera a 2 violini e Basso continuo G. Torelli, 1686). Koncerty Bononciniho a Torelliho však boli len prechodnou formou od sonáty ku K., ktorá sa vlastne sformovala v 1. pol. 18. storočie v dielach A. Vivaldiho. K. tej doby bola trojdielna skladba s dvoma rýchlymi vonkajšími časťami a pomalou strednou časťou. Rýchle časti boli zvyčajne založené na jednej téme (menej často na 2 témach); Táto téma sa v orchestri niesla v nezmenenej podobe ako refrén-ritornello (monotematické allegro rondálneho typu). Vivaldi vytvoril concerti grossi aj sólo K. - pre husle, violončelo, viol damour, rôzne liehoviny. nástrojov. Časť sólového nástroja v sólových koncertoch plnila spočiatku predovšetkým spojovacie funkcie, no s vývojom žánru nadobúdala čoraz zreteľnejšie vyjadrený koncertný charakter a tematický charakter. nezávislosť. Vývoj hudby bol postavený na protiklade medzi tutti a sólom, ktorých kontrasty zdôrazňovala dynamika. znamená. Prevládala figurálna textúra plynulého pohybu čisto homofónneho alebo polyfónneho typu. Sólistove koncerty mali spravidla charakter ornamentálnej virtuozity. Stredná časť bola napísaná v ariatickom štýle (spravidla patetická ária sólistu na pozadí akordového sprievodu orchestra). K. tento typ dostal v 1. pol. 18. storočie všeobecná distribúcia. Do tejto skupiny patria aj klávesové skladby J. S. Bacha (niektoré predstavujú úpravy jeho vlastných husľových koncertov a Vivaldiho husľových koncertov pre 1., 2. a 4. klavír). Tieto diela J. S. Bacha, ako aj K. pre klavír a orchester G. F. Händela položili základ pre rozvoj php. koncert. Händel je tiež zakladateľom organovej hudby.Sólovými nástrojmi sú okrem huslí a klavíra violončelo, viola, hoboj (ktorý často slúžil ako náhrada za husle), trúbka, fagot, priečna flauta atď. boli použité ako sólové nástroje.

V 2. pol. 18. storočie vznikla klasika. typ sólovej inštrumentálnej hudby, jednoznačne sa vykryštalizoval medzi viedenskou klasikou.

V K. sa ustálila sonátovo-symfonická forma. cyklu, ale v zvláštnom lomu. Koncertný cyklus pozostával spravidla len z 3 častí, chýbala mu 3. časť kompletného štvordielneho cyklu, t. j. menuet alebo (neskôr) scherzo (neskoršie scherzo sa niekedy zaraďuje do K. - namiesto pomalá časť, ako napr. v 1. K. pre husle a orchester Prokofieva, alebo ako súčasť uceleného štvorvetového cyklu, ako napr. v koncertoch pre klavír a orchester A. Litolfa. , I. Brahms, v 1. K. pre husle a orchester Šostakovič). Určité znaky sa ustálili aj v konštrukcii jednotlivých častí K. V 1. časti sa uplatnil princíp dvojexpozície - najskôr sa v orchestri ozvučili témy hlavných a vedľajších častí v hlavnej. tonality a až potom v 2. expozícii sa im predstavila hlavná úloha sólistu - hlavná téma v rovnakom zákl. kľúč, a sekundárny je v inej tónine, zodpovedajúcej schéme sonáty allegro. Porovnávanie a súperenie medzi sólistom a orchestrom prebiehalo najmä vo vývoji. V porovnaní s predklasikou ukážok, samotný princíp koncertovania sa výrazne zmenil a viac sa priblížil tematickým témam. rozvoj. V K. zabezpečil sólista improvizáciu na témy skladby, tzv. kadencia sa nachádzala pri prechode do cody. U Mozarta je textúra K., hoci zostáva prevažne figurálna, melodická, transparentná a plastická, u Beethovena je naplnená napätím v súlade so všeobecnou dramatizáciou štýlu. Mozart aj Beethoven sa pri stavbe svojich scén vyhýbajú akémukoľvek klišé, často sa odchyľujú od vyššie opísaného princípu dvojitej expozície. Koncerty Mozarta a Beethovena predstavujú najvyššie vrcholy vývoja tohto žánru.

V ére romantizmu došlo k odklonu od klasiky. vzťah častí v K. Romantici vytvorili jednodielnu K. dvoch typov: malá forma – tzv. concerttük (neskôr nazvaný concertino), a veľký tvar, štruktúrou zodpovedajúci symfonickej básni, v jednej časti stelesňujúci črty štvordielneho sonátovo-symfonického cyklu. V klasike K. intonačný a tematický. spojenia medzi časťami spravidla chýbali, v romantickom. Veľký význam nadobudol K. monotematizmus, leitmotív spojenia a princíp „end-to-end development“. Živé príklady romantizmu. jednodielnu báseň K. vytvoril F. Liszt. Romantické nárok na 1. pol. 19. storočie vyvinul zvláštny druh farebnej a dekoratívnej virtuozity, ktorý sa stal štýlovým znakom celého smeru romantizmu (N. Paganini, F. Liszt atď.).

Po Beethovenovi sa objavili dva druhy (dva druhy) hudby – „virtuózna“ a „symfonizovaná“. Vo virtuóze K. instr. virtuozita a koncertovanie tvoria základ pre rozvoj hudby; Nie je to téma, ktorá sa dostáva do popredia. vývin, a princíp kontrastu medzi kantilénou a motorikou, dec. typy textúr, timbre atď. V množnom čísle virtuóz K. tematický. vývoj úplne absentuje (Viottiho koncerty pre husle, Rombergove koncerty pre violončelo) alebo zastáva podriadené postavenie (1. časť 1. Paganiniho koncertu pre husle a orchester). V symfonizovanom K. sa vývoj hudby opiera o symfónie. dramaturgia, tematické princípy. vývoj, založený na kontraste medzi obrazným a tematickým. gule Realizácia symfónie dramaturgiu v K. determinovalo jej zblíženie so symfóniou v prenesenom, umeleckom, ideovom zmysle (koncerty J. Brahmsa). Oba typy K. sa líšia dramaturgiou. základné funkcie zložky: virtuózna hudba sa vyznačuje úplnou hegemóniou sólistu a podriadenou (sprievodnou) úlohou orchestra; pre symfonizovanú K. - dramaturgickú. činnosť orchestra (vývoj tematického materiálu vykonávajú spoločne sólista a orchester), smerujúca k relatívnej rovnosti partov sólistu a orchestra. V symfonizovanom K. sa virtuozita stala prostriedkom drámy. rozvoj. Symfonizácia dokonca zahŕňala taký špecificky virtuózny prvok žánru, akým je kadencia. Ak vo virtuóze K. bola kadencia určená na demonštráciu technických zručností. majstrovstvo sólistky, v symfonizovaných sa podieľala na všeobecnom rozvoji hudby. Od čias Beethovena začali skladatelia sami písať kadencie; v 5. fp. Beethovenov koncert, kadencia sa stáva organickou. časť formy diela.

Jasné rozlíšenie medzi virtuóznou a symfonizovanou hudbou nie je vždy možné. Rozšíril sa typ K, v ktorom sa koncert a symfonicia objavujú v tesnej jednote. Napríklad na koncertoch F. Liszta, P. I. Čajkovského, A. K. Glazunova, symfonického S. V. Rachmaninova. dramaturgia sa spája s brilantným virtuóznym charakterom sólového partu. V 20. storočí prevaha virtuózneho koncertného prejavu je charakteristická pre koncerty S. S. Prokofieva, B. Bartoka, prevaha symfon. kvality sú pozorované napríklad v Šostakovičovom 1. husľovom koncerte.

Po výraznom vplyve na K. bola symfónia zas ovplyvnená K. koncom 19. storočia. vznikla osobitná „koncertná“ odroda symfónie v podaní prod. R. Strauss ("Don Quijote"), N. A. Rimsky-Korsakov ("španielske capriccio"). V 20. storočí Objavilo sa aj množstvo koncertov pre orchester, založených na princípe koncertovania (napr. v sovietskej hudbe - azerbajdžanského skladateľa S. Gadzhibekova, estónskeho skladateľa J. Räätsa atď.).

Prakticky K. vytvorené pre celú Európu. nástroje - fp., husle, violončelo, viola, kontrabas, drevený dych a dychovka. R. M. Gliere vlastní veľmi populárny K. pre hlas a orchester. Sov. skladateľov, ktorých K. napísal pre ľudí. nástroje - balalajka, domra (K.P. Barchunov a iné), arménsky decht (G. Mirzoyan), lotyšský kokle (Ya. Medin) atď. V Sov. hudby sa žáner K. mimoriadne rozšíril v rôznych oblastiach. štandardných foriem a je široko zastúpený v dielach mnohých skladateľov (S. S. Prokofiev, D. D. Šostakovič, A. I. Chačaturjan, D. B. Kabalevskij, N. Ja. Mjaskovskij, T. N. Khrennikov, S. F. Tsintsadze a ďalší).

Literatúra: Orlov G. A., sovietsky klavírny koncert, Leningrad, 1954; Khokhlov Yu., Sovietsky husľový koncert, M., 1956; Alekseev A., Koncertné a komorné žánre inštrumentálnej hudby, v knihe: Dejiny ruskej sovietskej hudby, zväzok 1, M., 1956, s. Raaben L., Sovietsky inštrumentálny koncert, Leningrad, 1967.

Hudobná hodina v 6. ročníku „Inštrumentálny koncert“

Ciele lekcie:

Vzdelávacie: priblížiť žiakom vznik a vývoj inštrumentálneho koncertného žánru na príklade koncertu „Štyri ročné obdobia“ A. Vivaldiho, upevniť predstavy o rôznych typoch koncertov, rozšíriť predstavy o programovej hudbe.

Vývojový: pokračovať v predstavovaní najlepších príkladov barokovej hudby.

Vzdelávacie: pestovať emocionálnu citlivosť na vnímanie klasickej hudby, rozvíjať záujem a úctu k hudobnému dedičstvu skladateľov z iných krajín.

Vybavenie: multimediálny projektor, učebnica G.P. Sergeeva, E.D. Kritskaya „Hudba“ pre 6. ročník, kreatívny zošit k tejto učebnici, fonografy k učebnici „Hudba“ pre 6. ročník, pracovný zošit, hudobné slovníky.

Plán lekcie:

1. Organizačný moment.
2. Obdobie baroka - skladatelia, žánre, hudobné obrazy.
2.1. Vývoj koncertného žánru v tvorbe A. Vivaldiho.
2.2. História baletu „Ročné obdobia“.
2.3. Súčasní interpreti a účinkujúcich skupín.
3. Domáce úlohy.

POČAS VYUČOVANIA

1. Organizačný moment

Pozdrav vo forme spevu v podaní učiteľa:

- Ahoj, chlapci, ahoj! (Postupný pohyb nahor z prvého stupňa na piaty podľa zvukov tonickej triády).
Odpoveď detí:

"Dobrý deň, pani učiteľka, ahojte!" (Úplné opakovanie pôvodného spevu).

2. Štúdium nového materiálu.

Hudba inšpiruje celý svet, dodáva duši krídla, podporuje rozlet fantázie,
hudba dáva život a radosť všetkému...
Možno ju nazvať stelesnením všetkého krásneho a vznešeného.

Platón

učiteľ: Hneď na prvej hodine hudobnej výchovy v 6. ročníku sme sa rozprávali hudobná rozmanitosť: hudba môže byť vokálna a inštrumentálna. Témou našej dnešnej hodiny je „Inštrumentálny koncert“. Uveďte prosím žánre inštrumentálnej hudby a možné zostavy interpretov. (Deti pomenujú žáner symfónia, koncert, spev, pieseň bez slov, sonáta, suita a interpretačné skladby - sólová hudba, ansámblový orchestrálny). Vyhľadajte význam slova „koncert“ v hudobných slovníkoch.

(Deti hľadajú dané slovo a nahlas čítajú nájdenú definíciu).

študent: Koncert (it. koncert z lat. – koncert– súťažím) sa nazývajú:

1. Verejné predvádzanie hudobných diel.
2. Veľký žáner kúsok hudby virtuózneho charakteru pre sólistu s orchestrom, písaný najčastejšie vo forme sonátového cyklu.
3. Polyfónna vokálna alebo vokálno-inštrumentálna hudba, založená na porovnaní dvoch alebo viacerých častí. Koncert je postavený v troch častiach (rýchlo – pomaly – rýchlo).
V dejinách hudby sú koncerty pre sólový nástroj a orchester, pre orchester bez sólistov, v ruskej hudbe v 18. storočí vznikol žáner duchovného zborového koncertu.

učiteľ: V učebnici (s. 108-110) sa vo vizuálnom rade budeme zaoberať reprodukciami obrazu „Jar“ od S. Botticelliho a reliéfmi od F. Goujona. Aký umelecký štýl hudby by ste použili na ozvučenie týchto umeleckých diel? Témou dnešnej lekcie je „Inštrumentálny koncert“. Oboznámite sa so vznikom a vývojom žánru komornej hudby – inštrumentálneho koncertu. Zapamätajte si názov umeleckého štýlu v kultúre a umení európskych krajín v období rokov 1600-1750; diela, ktorých skladatelia patria do obdobia baroka. (Tieto slová musia deti definovať z témy „Obrazy sakrálnej hudby západnej Európy“, pomenovať meno J.S. Bach, učebnica str. 66). Správne si uviedol význam tohto slova. Barok je jedným z najkrajších a najkrajších umeleckých štýlov. Údajne odvodené z portugalského výrazu pleurabarocco- perla bizarného tvaru. Barok je skutočne perlou v reťazci meniacich sa umeleckých hodnôt v maľbe, architektúre, sochárstve, literatúre, hudbe

Pre barokového majstra bolo dôležité zachytiť božskú krásu života. Baroko ako umelecký štýl sa vyznačuje výraznosťou, nádherou a dynamikou. Barokové umenie sa snažilo priamo ovplyvňovať pocity divákov a poslucháčov a zdôrazňovalo dramatickosť ľudských emocionálnych zážitkov. S nástupom baroka hudba prvýkrát naplno ukázala svoje schopnosti pre hĺbkové a mnohostranné stelesnenie sveta ľudských emocionálnych zážitkov. Popredné miesto zaujali hudobné a divadelné žánre, predovšetkým opera, ktorá bola determinovaná charakteristickou barokovou túžbou po dramatickom výraze a kombinácii. rôzne druhy umenie. Prejavilo sa to aj v oblasti náboženskej hudby, kde hlavnými žánrami boli duchovné oratórium, kantáta a pašije. Zároveň sa prejavila tendencia k oddeleniu hudby od slov - k intenzívnemu rozvoju mnohých inštrumentálnych žánrov. Najvyššie úspechy barokovej kultúry sú zastúpené vo výtvarnom umení (Rubens, Van Dyck, Velazquez, Ribera, Rembrandt), v architektúre (Bernini, Puget, Coisevox), v hudbe (A. Corelli, A. Vivaldi, J. S. Bach, G. F. Händel). Za barokové obdobie sa považuje obdobie rokov 1600-1750. Počas týchto jeden a pol storočia boli vynájdené hudobné formy, ktoré po zmenách existujú dodnes.

V dnešnej lekcii sa zoznámite s cyklom koncertov „Štyri ročné obdobia“, ktoré sú vrcholom tvorby A. Vivaldiho. Antonio Vivaldi je taliansky huslista, skladateľ a pedagóg.

Vivaldiho kreatívne dedičstvo je mimoriadne veľké. Zahŕňa približne 700 titulov. Medzi nimi je 19 opier. Ale hlavne historický význam Jeho kreativitou bolo vytvorenie samostatného inštrumentálneho koncertu. V tomto žánri bolo napísaných asi 500 diel. Mnohé z jeho koncertov boli napísané pre jedny alebo viac huslí, dva pre dve mandolíny a niekoľko pre nezvyčajnú hudbu, ako sú dvoje huslí a dva organy. Písanie koncertov pre sláčikové nástroje, skladateľ sa ako jeden z prvých začal venovať komponovaniu hudby pre dychové nástroje, ktoré boli považované za primitívne a pre skladateľov nezaujímavé. Hoboj, lesný roh, flauta a trúbka zneli na jeho koncerte naplno a harmonicky. A.Vivaldi napísal koncert pre dve trúbky na objednávku. Je zrejmé, že účinkujúci chceli dokázať, že na trúbke sa dá hrať krásna a virtuózna hudba. Vystúpenie tohto koncertu je dodnes dôkazom najvyššej šikovnosti interpreta. Skladateľ napísal veľa hudby pre fagot - viac ako 30 koncertov pre fagot a orchester. Spomedzi dychových nástrojov dal Vivaldi prednosť najmä flaute s jej jemným, mäkkým zafarbením. V častiach priradených flaute znie v plný hlas, ukazujúc všetky svoje prednosti.

V diele A. Corelliho vzniklo concerto grosso (porovnanie celého súboru s viacerými nástrojmi). A. Vivaldi urobil oproti svojmu predchodcovi krok vpred: sformoval žáner sólového koncertu, ktorý sa výrazne líšil mierou vývoja, dynamikou a výraznosťou hudby. V koncertných skladbách sa striedali sólové a orchestrálne časti, založené na „dobre organizovanom kontraste“. Princíp kontrastu určil trojdielnu formu koncertu: 1. časť – rýchla a energická; 2. – lyrický, melodický, malého tvaru; Tretia časť je finále, živé a brilantné. Sólový inštrumentálny koncert bol určený pre široké publikum, pre ktoré boli prvky zábavy, akási teatrálnosť, prejavujúca sa v súťaži medzi sólistom a orchestrom – v neustálom striedaní tutti a sóla. Presne toto bol zmysel koncertu, hudby.

Cyklus koncertov „The Seasons“ je vrcholom tvorivosti A. Vivaldiho.
Odporúčam vám vypočuť si 1. časť koncertu. (hrá sa 1. časť, učiteľ neuvádza názov).
– S akým ročným obdobím môže byť táto hudba spojená? ? (Žiaci určujú počiatočnú intonáciu, charakter hudby, rýchle tempo, kontrasty v dynamike, umelecké momenty - imitácia vtáčieho spevu, je jar).

Svet, v ktorom žijeme, je plný najrôznejších zvukov. Šuchot lístia, dunenie hromu, zvuk morského príboja, hvizd vetra, mraučanie mačky, praskanie horiaceho dreva v krbe, spev vtákov...
V nepamäti si človek uvedomil, že existujú rôzne zvuky: vysoké a nízke, krátke a dlhé, tlmené a hlasné. Ale zvuky samotné nie sú hudbou. A keď ich človek začal organizovať, aby vyjadril svoje pocity a myšlienky, vznikla hudba.
Ako by ste opísali melódiu? (Možné odpovede detí: jasne počujete, kde hrá orchester a kde znejú sólové husle. melódia v podaní orchestra; melódia je v durovom režime, veľmi jasná, jasná, ľahko zapamätateľná, v tanečnom rytme Melódia v podaní sólistu je oveľa zložitejšia, je majstrovská, krásna, zdobená hudobnými spevmi, podobnými spevu vtákov).

Napodobňovanie zvukov vtákov bolo populárne medzi hudobníkmi všetkých čias. Spev vtákov bol napodobňovaný v staroveku a takéto napodobeniny sa stále nachádzajú v hudobný folklór rôzne národy. Myslitelia, vedci a hudobníci hľadali pôvod hudby v speve vtákov. „Muzikálnosť“ mnohých vtákov neprestáva udivovať. Nie nadarmo sa slávik stal jedným zo symbolov umenia vôbec a porovnanie s ním je pre speváčku chválou. Skladatelia barokovej éry napísali veľa krásnej „vtáčej“ hudby – „Swallow“ od C. Daquina, „Calling“, „Chicken“ od F. Rameaua, „The Nightingale in Love“ a „The Nightingale – the Winner“ od F. Couperin, početné „kukučky“ od Couperina, A. Vivaldiho, B. Pasquiniho atď. Súvisia hudobné témy orchestra a sólistu? (Hudobné témy majú rovnaký rytmus, jasné dynamické vzrušenie, dych priestoru v prírode, je cítiť radosť zo života).
– Ktorý nástroj bol v období baroka najdokonalejší?

Koľko sláčikových nástrojov používal A. Vivaldi v porovnaní s modernými orchestrami. V pôvodnej verzii je podľa skladateľovho plánu len päť strún. Moderné reťazcové skupiny začínal s malými orchestrami zloženými z piatich, potom desiatich, dvanástich, štrnástich nástrojov. Husle sú najdôležitejším nástrojom orchestra, Popoluška moderného symfonického orchestra. Doteraz je to najdokonalejší nástroj zo všetkých sláčikových nástrojov. Má úžasný zvuk a neuveriteľný rozsah. Za čias Vivaldiho a Bacha boli vyrobené najlepšie nástroje v histórii. V malom talianskom mestečku Cremona vznikli nádherné a jedinečné husle. Pripomeňme si mená Stradivari, Amati, Guarneri. Mestečko bolo známe svojimi remeselníkmi. Za posledných tristo rokov nikto nedokázal vyrobiť lepšie husle ako majstri z Cremony. A. Vivaldi vo svojej tvorbe ukázal jas a krásu zvuku huslí ako sólového nástroja.

Hudba je jednou z foriem umenia. Podobne ako maľba, divadlo, poézia je obrazným odrazom života. Každé umenie hovorí svojím vlastným jazykom. Hudba – jazyk zvukov a intonácií – sa vyznačuje osobitnou emocionálnou hĺbkou. Práve túto emocionálnu stránku ste cítili pri počúvaní hudby A. Vivaldiho.

Hudba má silný vplyv na vnútorný svet osoba. Môže prinášať potešenie alebo naopak vyvolávať silnú duševnú úzkosť, povzbudzovať k zamysleniu a odhaľovať poslucháčovi dovtedy nepoznané stránky života. Práve hudbe je daná schopnosť vyjadrovať pocity tak zložité, že sa niekedy nedajú opísať slovami.

Premýšľajte, je možné inscenovať balet na túto hudbu? Keď súperia sólista a orchester v zručnosti, určite musia hrať pre publikum. Práve v tomto neustálom striedaní zvuku orchestra a žiarivo znejúcich sólových huslí, v cítení divadla a diskusie, v súzvuku a harmónii hudobnej formy cítiť charakteristické črty barokovej hudby. Pri opätovnom počúvaní prvej časti koncertu sa započúvajte do znejúcej hudobnej látky. Melodický hlas sa spája s nepretržitým, prísne definovaným sprievodom. To je na rozdiel od tvorby predchádzajúceho obdobia, kde dominantnú úlohu zohrávala polyfónia - súčasné zaznievanie viacerých rovnako dôležitých melódií.

Koncert A. Vivaldiho „The Seasons“ teda pozostáva zo štyroch častí. Názov každej časti zodpovedá názvu sezóny. rozvoj hudobný obraz Každá časť je založená nielen na porovnaní zvuku sólových huslí a orchestrálneho tutti. Hudba v koncerte nadväzuje na obrazy poetických sonetov, ktorými skladateľ odkrýva obsah každého z koncertov cyklu, t. existuje nejaký program. Existujú návrhy, že sonety napísal sám skladateľ. Vráťme sa k prekladom sonetu, ktorý sa stal akýmsi koncertným programom. Učebnica na s. 110-111 ponúka dve možnosti prekladu. Ktorá z nich podľa vás najviac zodpovedá hudobnému obrazu 1. časti “Jarného” koncertu? Akými výrazovými prostriedkami literárny text vyjadruje náladu človeka, jeho duševný a emocionálny stav spojený s príchodom jari? A. Vivaldi, pomocou literárny program na svojom koncerte bol zakladateľom programovej hudby. V 19. storočí vznikla programová hudba – dielo založené na literárnom základe.

Programová hudba je druh inštrumentálnej hudby. Ide o hudobné diela, ktoré majú slovný, často poetický program a prezrádzajú v ňom vtlačený obsah. Programom môže byť názov naznačujúci napr. fenomény reality, ktoré mal skladateľ na mysli („Ráno“ od E. Griega pre drámu G. Ibsena „Peer Gynt“) alebo literárne dielo, ktoré ho inšpirovalo („Romeo a Júlia“ od P. I. Čajkovského - predohra - fantasy na motívy rovnomennej tragédie W. Shakespeara).
Prejdime k práci s učebnicou. Na strane 109. Vám ponúkame hlavnú tému 1. časti koncertu „Jar“. Jeho zvuk vám pripomeniem hrou na nástroj. Môžete si pohmkať túto melódiu? Poďme spievať melódiu. Poznaním hudobno-výrazových prostriedkov charakterizujte túto hudobnú tému (žiaci charakterizujú melódiu, spôsob, trvanie, tempo, register, timbre). Je to opakujúca sa téma? V akej hudobnej forme (rondo, variácie) bola napísaná 1. časť koncertu? Aký princíp vývoja (opakovanie alebo kontrast) používa skladateľ v hudbe 1. časti? Existujú nejaké vizuálne epizódy? Ak existujú, určite ich nevyhnutnosť a potvrďte príkladom z literárny text. Dokážete si pohmkať melódiu v podaní sólistu? (Náročné na prevedenie, virtuózne pasáže, ako poryv vetra, trilky vtákov). Porovnajte s grafickým znázornením melódie (vzostupný pohyb, malé trvanie atď.). Potreba tvorby programovej inštrumentálnej hudby sa objavila v Taliansku už v 17. storočí. V tom momente, keď v opere prišli do módy zobrazenia hrdinských činov a pastierskych idyl, obrazy podsvetia a prírodných síl - rozbúrené more, šumiace lístie; v takýchto scénach hral dominantnú úlohu orchester. V porovnaní s inštrumentalistickými skladateľmi baroka objavil A. Vivaldi v tejto oblasti veľký talent. Na Vivaldiho sa dlho spomínal vďaka J. S. Bachovi, ktorý urobil niekoľko transkripcií jeho diel. Naaranžovaných bolo šesť Vivaldiho koncertov pre klavír a organ, o ktorých sa dlho predpokladalo, že ich napísal sám Bach. Dielo A. Vivaldiho malo veľký vplyv na formovanie tvorivého štýlu J. S. Bacha, najmä Vivaldiho prvé husľové koncerty.

Opäť sa budete venovať hudbe 1. časti „Jarného“ koncertu, ale zážitok z počúvania bude nevšedný: vypočujete si aj pozriete úryvok z baletu „Štyri ročné obdobia“ na hudbu A. Vivaldiho. , v naštudovaní vynikajúceho francúzskeho choreografa R. Petita. Balet uvádza súbor Marseille.

Hru „Ročné obdobia“ naštudovali rôzni choreografi na rôznu hudbu. Hudbu na túto tému písali mnohí skladatelia, napr. A. Vivaldi, P. I. Čajkovskij, A. Glazunov atď. rôzne verzie predstavenia: to sú štyri ročné obdobia, štyri časy života, štyri časy dňa. Dnešné predstavenie choreografa R. Petita vychádza z Balanchinovej témy. Obráťme sa na Encyklopédiu "Balet".

George Balanchine, narodený v roku 1904, americký choreograf. Jeho práca prispela k formovaniu nového smeru v choreografii. Inscenoval dramatické, komediálne a fraškové balety, často založené na jednoduchej zápletke, kde sa dej odkrýval prostredníctvom tanca a pantomímy; Štýl baletu bol do značnej miery určený dekoratívnym dizajnom, ktorý mal určitý význam. Tento smer v jeho tvorbe zaznamenal najväčší rozvoj po roku 1934. Balanchine začal vytvárať balety na hudbu, ktorá nebola určená na tanec (suity, symfónie vrátane koncertu Four Seasons). V týchto baletoch nie je žiadny dej, obsah sa odhaľuje vo vývoji hudobných a choreografických obrazov.

Myšlienka vytvoriť balet na Balanchineovu tému, neoklasický balet bez zápletiek, tanec pre tanec, prišiel k choreografovi. Výsledkom tejto túžby je vytvorenie baletu „The Seasons“. Roland je muž – impresionista, náchylný na dojmy. Vďaka fantastickej hudbe A. Vivaldiho a tvorivá predstavivosť Choreograf naštudoval dnešné predstavenie. Jeden z charakteristické rysy R. Petit ako choreograf – jednoduchosť a prehľadnosť choreografického textu. R. Petit je človek, ktorý dokáže tvoriť úplne vo všetkých smeroch a vo všetkých žánroch: choreografoval tance pre filmy, mnohé revue do muzikálov, činoherné predstavenia. Inscenoval predstavenia, kde bol tanec niečím božským, niečím, čo divákom prináša potešenie a radosť. R. Petit je človek, ktorý miluje všetko krásne. Pri svojej choreografii sa vždy riadi len jedným kritériom – krásou, harmonickým spojením muzikálnosti a krásy.

Balet „The Four Seasons“ sa hrá na jednom z najkrajších námestí sveta – Piazza San Marco v Benátkach. Božská architektúra námestia je kulisou tohto predstavenia. Umelci, ktorí toto predstavenie predvádzajú, sú legendárni, keďže to boli hviezdy 70. – 80. rokov. Toto je Domenic Colfuni, Denis Gagno, Louis Gebanino. Ich kreativitu a talent vysoko ocenil R. Petit. Najmä Domenique Colfuni je jednou z Petitových najobľúbenejších balerín. D. Colfuni bola baletkou v Parížskej národnej opere, no na žiadosť R. Petita odišla do Marseille. R. Petit pre ňu vytvoril mnoho predstavení, najmä hru „My Pavlova“. Tak ako bola kedysi A. Pavlova ideálom pre choreografa M. Fokina, D. Colfuni sa stal rovnakou „Pavlovou“ pre R. Petita. (Pozrite si fragment baletu „Ročné obdobia“, „Jar“).

Záujem profesionálnych hudobníkov o hudbu barokovej éry nevysychá. V roku 1997 vytvoril slávny taliansky čembalista a odborník na barok Andrea Marcon Benátsky barokový orchester. Toto zoskupenie sa v priebehu štyroch rokov preslávilo ako jeden z najlepších súborov barokového inštrumentálneho prednesu, predovšetkým ako presvedčivý interpret hudby Antonia Vivaldiho. Početné koncerty a operné produkcie orchestra v mnohých európskych krajinách si získali široké uznanie nielen medzi laickou verejnosťou, ale aj medzi hudobnou kritikou. Orchester svojimi výkonmi dal poslucháčom novú interpretáciu diel A. Vivaldiho, F. Cavalliho, B. Marcella.

V uplynulej koncertnej sezóne sa konali koncerty v 28 mestách USA s huslistom Robertom McDuffiem, turné po Japonsku a Kórei za účasti huslistu Giuliana Carmignola a program z diel Antonia Vivaldiho odznel v jednej z najlepších koncertných sál v r. Amsterdam – Concertogebouw. Na rôznych festivaloch v Rakúsku, Švajčiarsku a Nemecku vystupoval orchester so známymi sólistami ako Magdaléna Kožená, Cecilia Aartoli, Vivica Geno, Anna Netrebko, Victoria Mullova.
Rozsiahla diskografia orchestra získala množstvo prestížnych ocenení. Obsahuje nahrávky husľových koncertov Vivaldiho a Locatelliho, album symfónií a koncertov pre sláčikové Vivaldiho a mnohé diela barokových skladateľov v podaní vynikajúcich hudobníkov našej doby.

Záujem o hudbu A. Vivaldiho nevysychá. Jeho štýl je rozpoznateľný pre široké spektrum poslucháčov, jeho hudba je jasná a nestráca farby. Príkladom toho je príťažlivosť moderného choreografa R. Petita k hudbe Vivaldiho a jeho nádherné naštudovanie baletu „The Seasons“, vytvorenie nových inštrumentálnych orchestrov.

Aké je tajomstvo takej popularity hudby A. Vivaldiho? Čo človeka potešilo a zarmútilo pri počúvaní hudby skladateľa z dávnej minulosti? O čo sa usiloval, o čom premýšľal a ako vnímal svet? Hudba A. Vivaldiho, hudba minulosti je pochopiteľná. Pocity, myšlienky a skúsenosti moderného človeka sa v porovnaní s minulosťou vôbec nezmenili. Toto je radosť zo života, vnímanie sveta okolo nás, ktoré je vo Vivaldiho hudbe pozitívne a život potvrdzujúce. Koncerty v diele A. Vivaldiho boli pokračovaním vývoja žánru inštrumentálnych koncertov, ktoré dostali hotovú podobu, ktorá sa stala vzorom pre nasledujúce generácie. európski skladatelia.

3. Domáca úloha: zadanie do tvorivého zošita na tému „Inštrumentálny koncert“.

Metodologický vývoj

OTVORENÁ LEKCIA

Hudobná hodina v 6. ročníku na tému: „Inštrumentálny koncert »

učitelia hudby

MBOU RSOSH č. 1, Rudnya

Smolenská oblasť

Datskiv Ilona Alexandrovna

2016

U rocková hudba v 6. ročníku "Inštrumentálny koncert"

Typ lekcie -tvorba a zdokonaľovanie nových vedomostí, ale s prihliadnutím na požiadavky federálneho štátneho vzdelávacieho štandardu ide o lekciu „objavovania“ nových vedomostí.

Účel lekcie: poskytnúť predstavu o žánri inštrumentálnych koncertov, kedy a ako vznikol a ako sa vyvíjal.

Na základe účelu lekcie sú uvedené nasledovné:úlohy:

Vzdelávacie : priblížiť žiakom vznik a vývoj inštrumentálneho koncertného žánru na príklade koncertu „Štyri ročné obdobia“ A. Vivaldiho, upevniť predstavy o rôznych typoch koncertov, rozšíriť predstavy o programovej hudbe.

Vývojový : pokračovať v predstavovaní najlepších príkladov barokovej hudby.

Vzdelávacie : pestovať emocionálnu citlivosť na vnímanie klasickej hudby, rozvíjať záujem a úctu k hudobnému dedičstvu skladateľov z iných krajín.

V poslednej dobe sa rozšírili úlohy hudobnej hodiny. Je to čoraz dôležitejšiesamovzdelávací Astimulujúce úlohy.

Sebavzdelávací : rozvíjať zručnosti a schopnosti hudobného a estetického sebavzdelávania (samostatná práca v skupinách)

Stimulujúce: podporovať vytváranie trvalo udržateľného záujmu o to, čo sa študuje, povzbudzovať školákov k ďalšiemu poznaniu, rozvíjať potrebu neustáleho dopĺňania, obnovovania, rozvíjania vedomostí (využívanie rôznych učebných pomôcok)

Aktivizácia tvorivej a kognitívnej činnosti žiakov sa dosahuje využívaním moderných pedagogických technológií, integráciou rôznych druhov umenia a informačných technológií.

Na príklade hudobných malieb a literárnych diel ukázať žiakom úlohu hudby v živote a dielach výtvarného umenia a literatúry, vzťah hudby k iným druhom umenia.

Prostredníctvom pracovnej jasnosti odhaľte tému hodiny zábavným a prístupným spôsobom.

Metódy :

organizácia a realizácia vedeckej a vzdelávacej činnosti:

vysvetľujúce a názorné

stimulácia a motivácia vzdelávacích a kognitívnych aktivít:

zábavná situácia

porovnávanie, analýza, zovšeobecňovanie

metóda porovnávania s príbuznými umeniami

podľa zdroja informácií a charakteru činnosti:

verbálno-induktívne (rozhovor), vizuálno-deduktívne (porovnanie, analýza počúvanej hudby, podnety k empatii, retrospektívy).

Vyučovacia hodina je založená na dvoch typoch hudobno-praktických činností žiakov – počúvanie (aktívne vnímanie) hudby a intonácia, ktorá sa prejavuje pri vykonávaní činností. Výber týchto typov aktivít závisí od témy hodiny, jej účelu a cieľov.

technológie: informácie a komunikácia, ochrana zdravia

Vybavenie: multimediálny projektor, stereo systém, laptop, gramofóny k učebnici „Hudba“ pre 6. ročník, hudobný slovník V. Ražnikova, tlačené slová piesne A. Ermolova „Ročné obdobia“

POČAS VYUČOVANIA

1. Organizačný moment

učiteľ:

– Ahojte chalani!
Odpoveď detí:

– Ahoj!

učiteľ: Dobrý deň, milí chlapci a hostia, som rád, že vás vidím, dúfam, že sa lekcie zúčastníte aktívne. Na druhej strane sa pokúsim, aby bola lekcia pre vás zaujímavá a poučná.

Hudba inšpiruje celý svet, dodáva duši krídla, podporuje rozlet fantázie,
hudba dáva život a radosť všetkému...
Možno ju nazvať stelesnením všetkého krásneho a vznešeného.

Platón

učiteľ: A lekciu začneme, samozrejme, hudbou!

(Prehráva sa úryvok z Vivaldiho inštrumentálneho koncertu „The Four Seasons“.

Skúsme si odpovedať, o čom budeme hovoriť v dnešnej lekcii?

Hudba od Antonia Vivaldiho (1 snímka)

Chlapci, pripomeňte mi tému 2. polroka:

študenti: „Svet obrazov komornej a symfonickej hudby“

učiteľ: Čo je komorná hudba?

študenti: komora, t.j. miestnosťová hudba určená na hranie v malých miestnostiach pre malé publikum.

učiteľ: Aby sme pochopili, o čom budeme hovoriť v dnešnej lekcii, vylúštime hudobnú krížovku. Slovo je skryté vertikálne. (snímka 2)

7.

Komu

O

n

ts

e

R

T

Veľká skupina inštrumentálnych hudobníkov, ktorí vystupujú spolu (ORCHESTRA)

Viacvetné dielo pre zbor, sólistov a orchester (CANTATA)

Hudobné predstavenie, v ktorom je hlavným vyjadrovacím prostriedkom spev (OPERA)

Orchestrálny úvod do opery, hry alebo nezávislého symfonického diela (OVERTURE)

Súbor štyroch interpretov (speváci alebo inštrumentalisti) (QUARTET)

7. (vertikálne) Veľké hudobné dielo pre symfonický orchester a ľubovoľný sólový nástroj pozostávajúce z 3 častí (KONCERT)

Formulujte tému lekcie

Témou lekcie je „Inštrumentálny koncert“ ( snímka 3)

Aký cieľ si môžeme stanoviť?

čo je to koncert?

Koncert (it.koncert – konkurencia, z lat. –koncert – súhlas) (snímka 4)

sólo

nástroj (klavír, husle a pod.) a symfonický orchester.

Koncertný žáner vznikol v 17. storočí v súvislosti s intenzívnym rozvojom husľovej hry.

-H Čo budeme dnes robiť v triede?

Plán lekcie:

Hudobný pozdrav

Počúvať hudbu

Analýza hudobného diela

Skupinová práca

Práca so slovnou zásobou

Spev

Závery. Výsledky.

Domáca úloha(5 snímok)

Kto je Antonio Vialdi?

Čo o ňom vieme?

učiteľ: Antonio Vivaldi - virtuózny huslista, dirigent a pedagóg, jeden z najväčších skladateľovXVII – XVIIIstoročia Žil a pracoval v érebarokový
Bol tvorcom žánru -inštrumentálny koncert .(snímka 6-7)

Cyklus "Ročné obdobia"

Vrchol Vivaldiho kreativity. Tento cyklus sa zjednotilštyri koncerty pre sólové husle a sláčikový orchester. V nich je rozvoj hudobného obrazu založený na porovnávaní zvuku* husle - sólo* orchester – tutti(v preklade z taliančiny to znamenáVšetky ) " Princíp kontrastu určil trojdielnu formu koncertu: 1. časť – rýchla a energická; 2. – lyrický, melodický, malého tvaru; 3. časť – finále, živé a brilantné(8-9 snímok)

učiteľ: Na stoloch pred vami sú slovníky estetických emócií V. Razhnikova.

Odporúčam vám vypočuť si jednu z častí koncertu a pracovať v skupinách.Príroda vždy tešila hudobníkov, básnikov a umelcov. Krása prírody, zmena ročných období: jeseň, zima, jar, leto - jedinečné, každé svojím spôsobom

Myslíte si, že sa umelci a básnici venovali téme ročných období?

Poznáte takéto diela?

Básnici napísali veľa básní o prírode, umelci napísali veľa obrázkov o prírode a skladatelia napísali veľa hudby zobrazujúcej obrázky prírody.

Dnes si porovnáme, ako je každé ročné obdobie zobrazené v poézii, maľbe a hudbe. A k tomu nám pomôžu básne ruských básnikov, reprodukcie obrazov ruských umelcov a magická hudba. taliansky skladateľ Antonio Vivaldi, ktorý dokázal reflektovať krásu jeho hudby pôvodná príroda. Taliansko je krajina bohatá na svoju kultúru, staroveké pamiatky a krásnu prírodu. Aj preto mnohí ruskí umelci po skončení Akadémie umení odišli na stáž do Talianska

Básne, maľby a hudba nám pomôžu vidieť, počuť a ​​cítiť každú sezónu.(hrá sa 1. časť, učiteľ neuvádza názov) .

Skupina 1: skladatelia

Aké pocity vyjadruje táto hudba?

S akým ročným obdobím sa dá táto hudba spájať??

študenti: Žiaci určujú počiatočnú intonáciu, charakter hudby, rýchle tempo, kontrasty v dynamike, výtvarné momenty - imitácia spevu vtákov - je jar

Hudba, ktorú som počúval, bola jasná, zvučná a radostná. Cítiť v ňom let, pohyb, spev vtákov. Melódia je ľahká, hudba tuší príchod jari.

Ako by ste opísali melódiu?

študenti: Možné odpovede od detí: jasne počujete, kde hrá orchester a kde hrajú sólové husle. Melódia, ktorú orchester predvádza v durovej stupnici, je veľmi jasná, jasná, ľahko zapamätateľná, v tanečnom rytme. Melódia v podaní sólistu je oveľa zložitejšia, je majstrovská, krásna, zdobená hudobnými spevmi, podobne ako spev vtákov).

Študenti určujú, že je JAR

Skupina 2: umelci

Na stole sú reprodukcie obrazov ročných období

Zapíšte si do tabuľky, aké farby ste počuli a videli a aké pocity vo vás tieto umelecké diela vyvolali, a samozrejme určte ročné obdobie

Povedz mi, aké farby prevládajú?

Žiak odpovedá: Farba prvej zelene je žltozelená, kvitnutie prvých kvetov je biele, ružové, modrá obloha, vtáky na oblohe.

3. skupina: básnici

učiteľ: Koncertný cyklus „Sezóny“ -programová esej , ktorý vychádza z poetických sonetov, pomocou ktorých skladateľ odkrýva obsah každého z koncertov cyklu. Predpokladá sa, že sonety napísal samotný skladateľ

Na každom stole je báseň o jednom z ročných období.

Zapíšte si do tabuľky, ktoré básne sa k tejto hudbe viažu a aké pocity vo vás tieto umelecké diela vyvolali

Sneh sa už topí, potoky tečú,

Cez okno bolo cítiť závan jari...

Slávici budú čoskoro pískať,

A les sa oblečie do lístia!

Čistý nebeský azúr,

Teplejšie a svetlejšie slnko sa stalo,

Je čas na zlé fujavice a búrky

Opäť po dlhom čase... A. Pleshcheev

Diskusia o odpovediach skupinovej práce. (snímka 10)

učiteľ: Navrhujem, aby ste si vypočuli časť 2. časti koncertu (snímka 11)

Určiť emocionálny obsah časti, tempo, dynamiku?

Vypočujte si husľové pasáže. Aké obrázky vás napadnú?

Slnko jasne svieti,
Vo vzduchu je teplo.
A kamkoľvek sa pozrieš,
Všetko okolo je svetlo.
Lúka je farebná
Svetlé kvety,
Pokryté zlatom
Tmavé obliečky.
Les spí; ani zvuk
List nešustí
Iba škovránok
Vo vzduchu je zvonenie. I. Surikov.

učiteľ: počúvanie 3 časti koncertu

Les je ako maľovaná veža,
Lila, zlatá, karmínová,
Veselá, pestrá stena
Stojí nad jasnou čistinkou.
Brezy so žltým vyrezávaním
Leskne sa v modrom azúre,
Ako veže, jedle stmavnú,
A medzi javormi sa sfarbujú do modra
Sem-tam cez lístie
Svetlá na oblohe, ako okno. K. Balmont

(snímka 12)

4. časť koncertu: „Zima“(snímka 13)

Čarodejnica v zime
Očarovaný les stojí,
A pod snehovým okrajom,
nehybný, nemý,
Žiari nádherným životom.
A on stojí, očarený,
Nie mŕtvy a nie živý -
Očarený magickým snom,
Všetci pubertiaci, všetci spútaní
Svetlá reťaz... F. Tyutchev

Minút telesnej výchovy

učiteľ: Téma ročných období bola v umení vždy populárna.

V našom moderné časy Existujú aj diela vokálneho žánru o ročných obdobiach.

Poďme spievať pieseň moderný skladateľ Alexandra Ermolova "Ročné obdobia".

Vokálna a zborová tvorba cez text piesne „Seasons“. a hudbu Alexandra Ermolová

Definujme si úlohy: v akej postave budeme spievať, aké artikulačné úlohy budeme riešiť.

Skontrolujme todomáca úloha

Preskúmajte, či je dnes Vivaldiho hudba súčasná.

Aké je tajomstvo popularity skladateľovej hudby?

Od koho moderných ľudí is-va odkazuje na dielo skladateľa.

Zaujímavé fakty zo života skladateľa

Básne o skladateľovi a jeho diele

Reflexia

Čo ste si zapamätali, čo bolo zaujímavé, čo vás na hodine prekvapilo?