Francúzsky skladateľ Jean-Philippe Rameau: biografia, kreativita a zaujímavé fakty. francúzsky skladateľ Paul Mauriat

Najviac rebelantskou sa ukázala skupina mladých ľudí, ktorá sa sformovala na samom konci prvej svetovej vojny. Analogicky s ruskou „päťkou“, teda „ Mocná partia“, dostala meno „Six“, ktoré jej v roku 1920 pridelil novinár A. Collet. Patrili sem: Darius Milhaud, Arthur Honegger, Georges Auric, Francis Poulenc, Louis Durey a Germaine Taillefer (k nim sa mali pripojiť priatelia a podobne zmýšľajúci ľudia zo „Šestky“ Jacques Ibert, Jean Vienaire a Alexis Roland-Manuel). Hovorcom tejto novej skupiny bol básnik, publicista, dramatik, scenárista, výtvarník a amatérsky hudobník Jean Cocteau, ktorého brožúra „Kohút a Harlekýn“ (1918) nadobudla umelecký význam.

Postavenie „šiestich“ skladateľov: potvrdenie francúzskej hudby, odvolávanie sa na ideály francúzsky klasicizmus, na vynikajúcu hudbu čembalistov J. Rama, F. Couperina, ašpirácie a inovácie. Zamerajte sa na obnovu hudobný jazyk vychádza z národných tradícií prostredníctvom každodennej hudby; práca v zložitých syntetických žánroch (divadlo, balet, kino, cirkus); implementácia čŕt neoklasicizmu, expresionizmu, urbanizmu - pokus odrážať rytmus a hluk veľkomesta.

Typické diela: F. Poulenc "Ranná serenáda", "Negro Rhapsody", J. Auric "Foxtrots", J. Ibert "Malý biely somár", D. Milhaud "Modrý expres", "Býk na streche", "Brazílske tance".

Arthur Honegger(1899 - 1965) - najvýznamnejší zo „šiestich“ skladateľov. "Pacific 231" (1923) - kompozícia mladého Honeggera. Onomatopoja pohybu lokomotívy. Závažnosť tém v ďalšom diele skladateľa: oratóriá "Kráľ Dávid", "Johanka z Arku na hranici", päť symfónií. Reflexia tém 2. svetovej vojny a obrana mieru v tretej (1946) a piata (1950) symfónia Blízkosť k symfóniám D. Šostakoviča Tragický obsah symfónie č.5, vyjadrujúci obavy z budúcnosti (po 2. svetovej vojne hrozila hrozba novej, atómovej vojny. Trojdielne cyklus:

1. časť - pomalá, drsná, ponurá s ostro disonantnou, intenzívnou hudbou;

2. časť - tragicko-groteskné scherzo;

3. časť je svižné finále, naplnené pocitom hnevu, hrôzy s pochodovou anti-rúhačskou témou a melodickou melódiou so širokými ťahmi.

Erik Satie(17.05.1866 - 01.07.1925) - francúzsky hudobný skladateľ. V roku 1883 nastúpil na parížske konzervatórium do triedy A. Guilmanta (organ), ale o rok neskôr štúdium ukončil. Istý čas pôsobil ako klavirista v kabarete na Montmartri. Počas samostatného štúdia kompozície začal písať klavírne skladby, ako aj hudbu pre divadelné inscenácie. Až vo veku 40 rokov sa Satie rozhodol brať kompozíciu vážne a vstúpil na Schola Cantorum, kde boli jeho učiteľmi V. d'Andy a A. Roussel.Satie vďaka svojmu originálnemu a samostatnému umeleckému mysleniu združil okolo seba množstvo mladých hudobníkov, ktorí sympatizovali s protiwagnerovským hnutím vo francúzskom umení.V 20. rokoch sa Satie stal ideovým inšpirátorom skupiny Six, ktorý mal silný vplyv na formovanie tvorivých a estetické názory mnohí francúzski skladatelia prvej štvrtiny 20. storočia. Satieho diela oplývajú ostrými harmóniami, vyznačujú sa originálnymi rytmami a nezvyčajnými formami. Duch grotesky a zlej irónie navrhol Satiemu excentrické názvy mnohých jeho klavírnych skladieb: „Sušené embryá“, „Tri kusy v tvare hrušky“, „Sušené kusy“, „Automatické popisy“, „Večné a okamžité“. Hodiny“, „Cold Pieces“ a pl. atď. Medzi najznámejšie Satieho diela patria klavírne skladby „Gymnopédie“ (1888; orchestrovaný Debussym). Diaghilev objednal Satieho pre balet „Parade“ (na tvorbe baletu sa podieľali J. Cocteau, Massine a Picasso), v partitúre ktorého skladateľ uviedol lokomotívne píšťaly, písacie stroje atď.

OPERA „BORIS GODUNOV“

Opera v štyroch dejstvách s prológom; libreto Musorgského na motívy rovnomennej tragédie od A. S. Puškina a „Dejiny ruského štátu“ od N. M. Karamzina. Prvá produkcia: Petrohrad, Opera Mariinskii 27. januára 1874. Akcia sa odohráva v Moskve v rokoch 1598-1605.

Myšlienku napísať operu podľa deja Puškinovej historickej tragédie „Boris Godunov“ (1825) dal Musorgskému jeho priateľ, významný historik profesor V. V. Nikolsky. Musorgského mimoriadne zaujala možnosť preložiť pre jeho dobu akútne aktuálnu tému vzťahu cára a ľudu a vtiahnuť ľud do úlohy hlavnej postavy opery.

Práce, ktoré sa začali v októbri 1868, pokračovali s veľkým tvorivým nadšením. O mesiac a pol neskôr bolo prvé dejstvo hotové. Skladateľ sám napísal libreto opery, pričom čerpal z materiálov N. M. Karamzina „Dejiny ruského štátu“ a iných historických dokumentov. Ako skladba postupovala, jednotlivé scény sa odohrávali v kruhu „kuchkistov“, ktorí sa zišli buď s A. S. Dargomyzhským, alebo s Glinkovou sestrou L. I. Shestakovou. "Radosť, obdiv, obdiv boli univerzálne," pripomenul V. V. Stasov.

Koncom roku 1869 bola dokončená opera „Boris Godunov“ a predstavená divadelnému výboru. Ale jeho členovia, odradení ideologickou a umeleckou novotou opery, dielo odmietli pod zámienkou nedostatku víťazstva. ženská rola. Skladateľ urobil množstvo zmien, pridal poľský počin a scénu pri Kromoch. Druhé vydanie Borisa, dokončené na jar 1872, však tiež riaditeľstvo cisárskych divadiel neprijalo.

"Boris" bol naštudovaný len vďaka energickej podpore vyspelých umeleckých síl, najmä speváčky Yu. F. Platonovej, ktorá si operu vybrala pre svoje benefičné predstavenie. Premiéra sa konala 27. januára (8. februára 1874) v Mariinskom divadle. Demokratická verejnosť privítala „Borisa“ nadšene. Ostro negatívne na operu reagovala reakčná kritika a šľachta-statkárska spoločnosť. Čoskoro sa opera začala hrať s ľubovoľnými skratkami av roku 1882 bola úplne vyradená z repertoáru.

"Boris Godunov" je ľudová hudobná dráma, mnohostranný obraz doby, nápadný svojou shakespearovskou šírkou a odvážnosťou kontrastov. Postavy sú vykreslené s výnimočnou hĺbkou a psychologickým nadhľadom. Hudba s ohromujúcou silou odhaľuje tragédiu cárovej osamelosti a záhuby a inovatívne stelesňuje rebelantského, rebelského ducha ruského ľudu.

Prológ pozostáva z dvoch scén. Orchestrálny úvod k prvej vyjadruje smútok a tragickú beznádej. Refrén „Komu nás opúšťaš“ je podobný žalostným ľudovým nárekom. Výzva úradníka Shchelkalova "Pravoslávna! Bojar je neúprosný!" preniknutý majestátnou vážnosťou a zdržanlivým smútkom.

Druhá scéna prológu je monumentálna zborová scéna, ktorej predchádza zvonenie zvonov. Slávnostná pocta Borisovi „Ako je slnko červené na nebi“ vychádza z pravej ľudovej melódie. V strede obrazu je Borisov monológ „The Soul Grieves“, ktorého hudba spája kráľovskú vznešenosť s tragickou záhubou.

Prvá scéna prvého dejstva sa otvára krátkym orchestrálnym úvodom; hudba sprostredkúva monotónne vŕzganie kronikárskeho pera v tichu odľahlej cely. Pimenov odmeraný a prísne pokojný prejav (monológ „Ešte jedna, posledná legenda“) načrtáva prísny a majestátny vzhľad starého muža. Panovačný, silný charakter je cítiť v jeho príbehu o moskovských kráľoch. Gregory je zobrazený ako nevyrovnaný, zapálený mladý muž.

Druhá scéna prvého dejstva obsahuje bohaté každodenné výjavy. Medzi nimi sú piesne shinkarky „Chytil som sivého draka“ a Varlaamova „Ako to bolo v meste v Kazani“ (na ľudové slová); ten druhý je nasýtený elementárna sila a odvážiť sa.

Druhé dejstvo široko načrtáva obraz Borisa Godunova. Veľký monológ „Dosiahol som najvyššia autorita"je naplnený nepokojným, žalostným pocitom, alarmujúcimi kontrastmi. Borisov duševný nesúlad sa zhoršuje v rozhovore so Shuiskym, ktorého prejavy vyznievajú podsúvavo a pokrytecky, a dosahujú extrémne napätie v záverečnej scéne halucinácií ("scéna so zvonkohrou").

Prvú scénu tretieho dejstva otvára elegantne ladný dievčenský zbor „Na azúrovej Visle“. Marinina ária „Aká malátna a malátna“ v rytme mazurky vykresľuje portrét arogantného aristokrata.

Orchestrálny úvod druhej scény zobrazuje večernú krajinu. Melódie ľúbostného vyznania Pretendera sú romanticky vzrušené. Scéna Pretender a Marina, postavená na ostrých kontrastoch a vrtošivých zmenách nálady, končí vášnivým duetom „Ó, Tsarevich, prosím ťa.

Prvá scéna štvrtého dejstva je dramaticky intenzívna ľudová scéna. Z žalostného stonania piesne Svätého blázna „Mesiac sa hýbe, mačiatko plače“ rastie refrén „Chlieb!“, ohromujúci svojou tragickou silou.

Druhá scéna štvrtého dejstva sa končí psychologicky akútnou scénou Borisovej smrti. Jeho posledný monológ: "Zbohom, syn môj!" maľované v tragicky osvietených, pokojných tónoch.

Tretia scéna štvrtého dejstva je monumentálna ľudová scéna výnimočného rozsahu a sily. Posmešne a hrozivo vyznieva úvodný refrén „Nepoletí v nebi“ (na pôvodnú ľudovú melódiu majestátnej piesne). Pieseň Varlaama a Misaila „Slnko a mesiac stmavli“ je založená na melódii ľudový epos. Vrcholom obrazu je rebelský refrén „Rozptýlený, rozpustený“, plný spontánneho, nezdolného hýrenia. Stredná časť refrénu „Ach, ty, sila“ je rozsiahlou melódiou ruskej okrúhlej tanečnej piesne, ktorá, ako sa vyvíja, vedie k hrozivým, nahnevaným výkrikom „Smrť Borisovi!“ Opera sa končí slávnostným vstupom Predvádzača a výkrikom Svätého blázna.

OPERA „RUSLAN A ĽUDMILA“

Opera v piatich dejstvách; libreto skladateľa a V. Širkova báseň s rovnakým názvom A. S. Puškin.
Prvá produkcia: Petrohrad, 27.11.1842. Dej sa odohráva v Kyjeve a rozprávkových krajinách za čias Kyjevskej Rusi.

„Prvú myšlienku o Ruslanovi a Lyudmile mi dali naši známy komik Shakhovského.

Skladateľ začal na opere pracovať v roku 1837, pričom ešte nemal hotové libreto. Kvôli Puškinovej smrti bol nútený obrátiť sa na menších básnikov a amatérov z radov svojich priateľov a známych. Boli medzi nimi N.V. Kukolnik (1809-1868), V.F. Shirkov (1805-1856), N.A. Markevich (1804-1860) a ďalší.

Text opery obsahuje niektoré fragmenty básne, ale vo všeobecnosti bol napísaný nanovo. Glinka a jeho libretisti urobili množstvo zmien v kompozícii postavy. Niektoré postavy zmizli (Rogdai), iné sa objavili (Gorislava); prešli niekoľkými úpravami a dejových línií básne. Koncepcia opery sa výrazne líši od literárneho prameňa.

Brilantná Puškinova mládežnícka báseň (1820) na námety ruského rozprávkového eposu sa vyznačuje črtami ľahkej irónie a hravým postojom k hrdinom. Glinka takúto interpretáciu zápletky rezolútne odmietla. Vytvoril dielo epických rozmerov, plné veľkých myšlienok a širokých životných zovšeobecnení.

Opera ospevuje hrdinstvo, ušľachtilosť citov, vernosť v láske, zosmiešňuje zbabelosť, odsudzuje vierolomnosť, zlobu a krutosť. V celom diele skladateľ vyjadruje myšlienku víťazstva svetla nad temnotou, triumfu života.

Operu napísal Glinka päť rokov s dlhými prestávkami: bola dokončená v roku 1842. Premiéra sa uskutočnila 27. novembra (9. decembra) toho istého roku na javisku Veľké divadlo V Petrohrade.

"Ruslan a Lyudmila" je epická opera. Monumentálne obrazy Kyjevskej Rusi, legendárne postavy veľkovojvodu Svetozara, hrdinu Ruslana a prorockého ľudového speváka Bayana prenesú poslucháča do prostredia. staroveku, vyvolávajú myšlienku krásy a veľkosti ľudový život. Významné miesto v opere sú fantastické obrazy kráľovstva Černomor, hradu Naina, ktorého hudba je obdarená orientálna príchuť. Hlavný konflikt – stret medzi silami dobra a zla – sa v hudbe opery odráža vďaka reliéfnej opozícii hudobné charakteristiky herci. Vokálne partie dobrôt a ľudových scénok sú plné piesní. Negatívne postavy sú buď zbavené vokálne vlastnosti(Chernomor), alebo zobrazený pomocou recitatívneho „hovoru“ (Naina). Epický pocit je zdôraznený množstvom zborových davových scén a pokojným vývojom akcie, ako v epickom príbehu.

Myšlienka diela - triumf svetlých síl života - sa odhaľuje už v predohre, ktorá využíva jubilantnú hudbu finále opery. V strednej časti predohry sa ozývajú tajomné, fantastické zvuky.

Prvé dejstvo zaujme svojou šírkou a monumentálnosťou hudobné stelesnenie. Akt začína úvodom, ktorý obsahuje množstvo čísel. Bayanova pieseň „Affairs of Bygone Days“ sprevádzaná brnkaním na harfy napodobňujúce harfy sa drží v odmeranom rytme a je plná majestátneho pokoja. Bayanova druhá pieseň „There is a desert land“ má lyrický charakter. Úvod končí mocným veselým zborom „Jasnému princovi, zdravie a sláva“. Ludmilina cavatina „Som smutný, drahý rodič“ – rozvinutá scéna so zborom – odráža rôzne nálady dievčaťa, hravého a pôvabného, ​​ale aj schopného veľkého úprimného citu. Spevácky zbor „Mysterious, Delightful Lel“ oživuje ducha starých pohanských piesní. Scéna únosu začína ostrými orchestrálnymi akordmi; hudba naberá fantastickú, pochmúrnu príchuť, ktorá je zachovaná aj v kánone „What a Wonderful Moment“, ktorý vyjadruje stav otupenosti, ktorý zachvátil každého. Akt korunuje kvarteto so zborom „Ó rytieri, rýchlo na pole“, plné odvážneho odhodlania.

Druhé dejstvo pozostávajúce z troch scén začína symfonickým úvodom, zobrazujúcim drsnú, tajomnú severskú krajinu, zahalenú do opatrného ticha.

Na prvom obrázku je Finnova balada stredobodom pozornosti; jej hudba vytvára vznešený obraz, plný hlbokej ľudskosti a mravnej krásy.

Druhý obrázok je svojou povahou opačný ako prvý. Nainin vzhľad je načrtnutý pichľavými rytmami krátkych orchestrálnych fráz a chladných inštrumentálnych timbrov. Výstižný komický portrét jasajúceho zbabelca je zachytený vo Farlafovom ronde „Blíži sa hodina môjho triumfu“.

V strede tretieho obrazu je hudobne veľkolepá Ruslanova ária; jej pomalý úvod „Ó, pole, pole, ktoré si ťa posypal mŕtvymi kosťami“ vyjadruje náladu hlbokej, koncentrovanej meditácie; druhý úsek v rýchlom energickom pohybe je obdarený hrdinskými črtami.

Tretie dejstvo je farebnosťou a malebnou hudbou najrozmanitejšie. Striedajúce sa zbory, tance a sólové čísla zobrazujú prostredie Nainho čarovného hradu. Pružná melódia perzského zboru „Temnota noci leží v poli“ znie očarujúco zvodne. Gorislavina Cavatina "Láska je luxusná hviezda" je plná horúceho, vášnivého citu. Ratmirova ária „A teplo a teplo nahradili noc tieňom“ sa vyznačuje výraznou orientálnou príchuťou: náladová melódia pomalej sekcie a pružný valčíkový rytmus rýchlej sekcie načrtávajú horlivú povahu chazarského rytiera.

Štvrté dejstvo vyniká bujnou dekoratívnosťou a jasom nečakaných kontrastov. Lyudmilina ária „Ach, tvoj podiel, zdieľaj“ je rozšírenou monológovou scénou; hlboký smútok sa mení na odhodlanie, rozhorčenie a protest. Černomorský pochod vykresľuje obraz bizarného sprievodu; hranatá melódia, prenikavé zvuky trúb a mihotavé zvuky zvonov vytvárajú groteskný obraz zlého čarodejníka. Nasleduje pochod Východný tanec: turečtina - hladká a malátna, arabčina - agilná a odvážna; Tanečnú suitu uzatvára ohnivá, víchrica lezginka.

Piate dejstvo obsahuje dve scény. V strede prvej je Ratmirova romanca, „Ona je môj život, je moja radosť“, plná blaženosti a vášne.

Druhá scéna je finále opery. Drsný, žalostný refrén „Ach, ty, svetlo-Lyudmila“ má blízko k ľudovým nárekom. Druhý ťah „Vták sa ráno nezobudí“ je tiež podfarbený smútkom, prerušený Svetozarovými žalostnými poznámkami. Hudba prebúdzacej scény je naplnená rannou sviežosťou, poéziou rozkvitnutého života; Ruslan spieva melódiu plnú živého, chvejúceho sa pocitu („Radosť, jasné šťastie“); Pridá sa k nemu Lyudmila a potom aj ostatní účastníci a zbor. Záverečný refrén („Glory to the Great Gods“) znie veselo, ľahko a veselo (hudba predohry).

OPERA "PRINCE IGOR"

Opera v štyroch dejstvách s prológom; libreto skladateľa na motívy ruskej epickej básne „Rozprávka o Igorovom ťažení“. Prvá inscenácia: Petrohrad, Mariinské divadlo, 23. 10. 1890 pod vedením K. Kucheru.

Dej sa odohráva: v prológu, v prvom a štvrtom dejstve - v meste Putivl, v druhom a treťom dejstve - v polovskom tábore v roku 1185.

V princovi Igorovi je všetko úžasné. V prvom rade samozrejme brilantná hudba. Po druhé, skutočnosť, že operu skomponoval človek, ktorého profesiou nebola hudba, ale chémia (A.P. Borodin bol akademický chemik). Po tretie, veľkú časť opery, hoci ju skomponoval Borodin, nenahral ani nezorganizoval; Operu dokončili skladateľovi priatelia - N. A. Rimskij-Korsakov, A. K. Glazunov a A. K. Lyadov.

Predohru, hoci ju zložil A.P. Borodin, nedal na papier. Bola nahraná, dokončená a zinscenovaná po jeho smrti a na pamiatku A.K. Glazunova, ktorý ju mnohokrát počul hrať na klavíri od samotného autora. Po štvrté, všetci títo skladatelia často pracovali v tak úzkom vzájomnom kontakte, že je takmer nemožné určiť, čo v „Princovi Igorovi“ napísala jedna a čo druhá; inými slovami, hudobný štýl opery predstavuje niečo umelecky absolútne integrálne.

V apríli 1869 V. V. Stasov navrhol nádherný pamätník Borodinovi ako operný dej staroveká ruská literatúra"Príbeh Igorovho hostiteľa" (1185-1187). Podľa skladateľa sa mu dej páčil „strašne“. Aby prenikol hlbšie do ducha staroveku, Borodin navštívil okolie Putivlu (neďaleko Kurska), študoval historické pramene: kroniky, starodávne príbehy („Zadonshchina“, „ Mamajevský masaker“), štúdie o Polovcov, hudba ich potomkov, eposy a epické piesne. Skladateľovi sa dostalo veľkej pomoci od V. V. Stasova, najväčšieho znalca ruskej histórie a starovekej literatúry.

Text a hudba „Igor“ vznikli súčasne. Opera bola napísaná viac ako 18 rokov, no nebola dokončená. Po Borodinovej smrti A.K.Glazunov predohru spamäti obnovil a na základe autorových náčrtov doplnil chýbajúce epizódy opery a väčšinu inštrumentalizoval N.A.Rimskij-Korsakov. Premiéra mala veľký úspech 23. októbra (4. novembra) 1890 v Petrohrade na javisku Mariinského divadla.

„Princ Igor“ je ľudovo-epická opera. Epická postava „Igora“ sa prejavuje hrdinsky hudobné obrazy, v škále foriem, v pokojnom toku akcie, ako v eposoch.

Vo veľkej predohre, založenej na melódiách opery, kontrastujú obrazy Rusov a Polovcov. Prostredná epizóda vykresľuje obraz krutého boja.

Mohutný refrén prológu „Glory to the Red Sun“ (podľa pôvodného textu od Lay) je podobný drsným, majestátne prísnym melódiám starých epických piesní. Tento zbor rámuje zlovestný orchestrálny obraz zatmenia a recitatívnu scénu, v ktorej sú vyobrazení vystrašení bojari, znepokojená, milujúca Jaroslavna, hrubý Galitsky a odvážne neoblomný Igor.

Hudba prvej scény (prvého dejstva) svojím bezohľadným, bujarým charakterom ostro kontrastuje s náladou prológu. Galitského pieseň „Keby som len mohol čakať na tú česť“ pripomína rozsiahly, temperamentný tanec. V dievčenskom speváckom zbore „Ach, prenikavo“ sú jemne reprodukované črty žalostných ľudových nárekov. Hrubá komická pieseň bifľošov „Čo má princ a Volodymyr“ znie s predstieranou dôležitosťou.

Na druhom obrázku je jasne načrtnutý obraz očarujúcej ženskej, ale silnej Jaroslavny. Arioso „Odvtedy prešlo veľa času“ vyjadruje jej melanchóliu a úzkostné predtuchy; cudne zdržanlivá, charakterovo prísna, hudba postupne nadobúda vášnivo vzrušený charakter. Ďalej sa akcia dramatizuje a najväčšie napätie dosahuje v scéne Jaroslavna s bojarmi. Bojarské zbory „Naber odvahu, princezná“ a „Nie je to pre nás prvýkrát, princezná“ sú plné prísnej, impozantnej sily.

Druhé dejstvo je venované maľbám polovského tábora. V Končakovninej cavatine „Daylight is Fading“ možno počuť volanie lásky, vášnivú túžbu a zmyselnú blaženosť. Poézia mladistvej lásky a kúzlo luxusnej južanskej noci napĺňajú Vladimírovu cavatinu „Deň pomaly ubúda“. Igorova ária „No sleep, no rest“ je mnohostranným portrétom hlavnej postavy; Sú tu zachytené smutné myšlienky o osude vlasti, vášnivý smäd po slobode a pocit lásky k Jaroslavli. Khan Konchak pôsobí mocne, kruto a veľkoryso vo svojej árii "Si zdravý, princ?" Akt končí oslnivo farebnými scénami tanca v sprievode zboru. V kontraste sa strieda plynulý ženský tanec, nespútaný mužský tanec naplnený elementárnou silou a svižný, ľahký tanec chlapcov. Postupne sa všetky skupiny zapájajú do divoko temperamentného vírivého tanca.

V treťom dejstve (tento akt sa zvyčajne uvádza v inscenáciách) sa v zobrazení Polovcov dostáva do popredia bojovnosť a krutosť.

Vo štvrtom dejstve sa hudba rozvíja od smútku k všeobecnému radovaniu. Hlboký, neodvratný smútok je počuť v Jaroslavninom ariose „Ach, plačem“, ktoré má blízko k ľudovým nárekom. Výsledkom arioso je ľudový nárek – zbor dedinčanov „Ach, divoký vietor nezavýjal“, čo znie ako pravá ruská ťahaná pieseň. Záverečný refrén „Vedieť, že Boh vypočul vaše modlitby“ je slávnostný a slávnostný.

Paul Mauriat... Keď už len vyslovíte jeho meno, v pamäti vám začne znieť hudba... francúzsky skladateľ, jeden z najväčší majstri storočia sa narodil v Marseille v roku 1925 do rodiny hudobníkov a keď mal 10 rokov, bez váhania vstúpil na konzervatórium. Jeho obľúbeným hudobným štýlom bol jazz, no zároveň ho fascinoval klasické symfónie, čo ho inšpirovalo k vytvoreniu vlastného orchestra – už ako 17-ročný Paul koncertoval. Kedy začala druhá? Svetová vojna, hral po celom Francúzsku a dával ľuďom nádej na mierovú budúcnosť.

Po vojne si ho všimla severoamerická spoločnosť "A&R", čo je skratka pre "Artists and Repertoire", ktorá mu ponúkla, aby sa stal korepetítorom v rôznych predstaveniach. To bol prvý krok k sláve a uznaniu – Paríž, trendsetter nielen módy, ale aj svetovej hudby, otvoril mladému skladateľovi náruč. Práve tam sa francúzsky skladateľ Paul Mauriat stal aranžérom veľkolepej šansoniérky. povojnové desaťročie mladý hudobník bol hudobným režisérom pre také osobnosti ako Maurice Chevalier, Dalida, Escudiero, Aznavour, Henry Salvador - nespočetné množstvo turné, koncertov, nahrávok... Neskôr, koncom 60. a začiatkom 70. rokov, písal pre Mireille Mathieu.

V roku 1957 vydal francúzsky skladateľ Paul Mauriat svoj premiérový album, po ktorom bol veľký dopyt. Názov nahrávky bol celkom jednoduchý – „Paul Mauriat“. Ďalší rok 1958 mu priniesol ocenenie na festivale Zlatý kohút šansónu za pieseň „Rendez-vos au lavandou“.

V roku 1964 vyšiel album „Paul Mauriat and His Orchestra“. Paul Mauriat začína používať pseudonymy – Niko Popadopoulos, Richard Audry, Eduardo Ruo a mnoho mnoho ďalších. Veril, že to pomôže lepšie porozumieť medzinárodný charakter jeho diela a mal pravdu – svetová sláva mu prišla.

Zároveň zložil soundtracky - hudbu k filmom, z ktorých niektoré boli „Taxi do Tobruku“, „Blow Up the Bank“, „Horace 62“, „The Godfather“. Začiatkom 90-tych rokov vydal soundtrack k filmu „Konaj, sestra!“, ktorý potom začali znovu nahrávať slávni umelci po celom svete a dodnes je známy. Paul Mauriat vyvinul svoj vlastný štýl, ktorý sa stal najunikátnejším vo svojej šírke a rozsahu - bola to mimoriadna, ľahká, jasná a nezabudnuteľná hudba.

Paul Mauriat bol zaradený do Top 100 podľa jedného z amerických časopisov ako prvý francúzsky inštrumentálny umelec. Hlavnú úlohu vo svojich dielach dal sláčikom - najkomplexnejšie staccato a legato, virtuózna hra violončelistov a experimenty s aranžmánom dodali jeho hudbe neopísateľný „francúzsky“ šarm, hoci jeho diela už dávno prekročili obmedzený hudobný rámec. Jeho prístup ocenili nielen francúzski skladatelia – používal rôzne krajiny.

Francúzsky skladateľ Paul Mauriat získal vo Francúzsku „Zlatý disk“, titul veliteľa umenia a uznanie na medzinárodnej úrovni: jeho hudba znela vo všetkých druhoch reklám, programov (v ZSSR známa „Vo svete zvierat“ “ a „Kinopanorama“) a televízne seriály.

V roku 1998 Moriah opustil pódium a naposledy koncertoval v Osaku. A v roku 2006, vo veku 81 rokov, francúzsky skladateľ Paul Mauriat zomrel na juhu Francúzska v meste Perpignan, vo svojom dome. Napriek tomu, že prispel neoceniteľný príspevok V hudbe si ho súčasníci a blízki priatelia pamätali ako rezervovaného, ​​skromného, ​​priateľského, najväčšieho skladateľa.

Tradície francúzskej hudobnej kultúry sa začali zakladať ešte pred 15. storočím. Je s istotou známe, že bol výrazne ovplyvnený kultúrami germánskych a keltských kmeňov žijúcich na modernom území Francúzska. Rozvoj hudby v tejto krajine prebiehal v interakcii s tvorivosťou národov susedných krajín – Talianov a Nemcov. Preto sa francúzske hudobné dedičstvo ukázalo byť také pestré a rozmanité.

Pôvod

Vo Francúzsku sa spočiatku dostávala do popredia ľudová hudba, bez ktorej si bežní ľudia nevedeli predstaviť svoju existenciu. S príchodom kresťanstva sa zrodilo cirkevná hudba, ktorá sa pod vplyvom ľudu začala postupne meniť.

Najznámejšia spisovateľka liturgií tej doby sa volá Hilaria z provincie Poitiers. Žil v 3. storočí a bol najbystrejším teológom a učiteľom cirkvi.

Okolo 10. storočia si svetská hudba začala získavať na popularite. Vykonáva sa na feudálnych dvoroch, na námestiach veľkých miest a v kláštoroch. Medzi nástroje patrí bubon, flauta, tamburína a lutna.

12. storočie bolo poznačené objavom hudobná škola v Notre Dame, veľký Parížska katedrála. Jeho skladatelia sa stali tvorcami nových hudobných žánrov (dirigovanie, motetá).

V 13. storočí sa Adam de la Al stal najvýznamnejším hudobníkom, ktorý prehodnotil prácu trubadúrov a ustúpil skutočnému hudobnému umeniu. Jeho najzaujímavejším výtvorom je „Hra Robina a Marion“. Stal sa autorom poézie a hudby k tejto hre, ktorá bola úspešne inscenovaná na dvore grófa z Artois.

Ars nova - smer európskej hudby, ktorý sa rozvíjal vo Francúzsku, sa stal stelesnením nových myšlienok hudobníkov. Hlavnými teoretikmi tohto obdobia sa stali francúzski skladatelia Guillaume de Machaut a Philippe de Vitry. De Vitry napísal hudobný sprievod k básni „Fauvelovská romanca“, de Machaut sa stal autorom „Omše Notre Dame“. Toto je prvé dielo napísané jedným skladateľom a nie v spolupráci s niekým iným.

renesancie

Od polovice 15. do druhej polovice 16. storočia francúzska hudba sa vyvíja pod vplyvom holandskej školy a takých vnútropolitických zmien ako vojna za zjednotenie Francúzska, zriadenie centralizovaný štát, vznik buržoázie.

Pod vplyvom takých skladateľov ako Gilles Benchois, Josquin Depres, Orlando di Lasso sa v hudobnom umení Francúzska formuje nová vrstva. Kráľovský dvor nestojí bokom. Objavujú sa tam kaplnky a zriaďuje sa funkcia hlavného intendanta hudby. Prvým bol taliansky huslista Baltazarini di Belgioiso.

Rozkvet národnej hudobnej kultúry nastal v 16. storočí, keď sa ako žáner objavil šansón a získal významnú úlohu. organová hudba. Zakladateľom a ideológom tohto smeru sa stal Jean Titlouz.

Dielo hugenotov bolo rozšírené, no kvôli náboženským sporom bolo odsúvané do úzadia. Autormi stoviek žalmov sa stali francúzski skladatelia, najväčší predstavitelia tejto vrstvy Claude Goudimel a Claude Lejeune. Obaja trpeli počas Bartolomejskej noci.

17 storočie

Hudba tohto storočia sa rozvíjala pod vplyvom etablovaných absolútna monarchia. Život na dvore za Ľudovíta 15 bol známy svojou pompéznosťou a hojnosťou. Preto niet divu, že medzi inými zábavkami napr najdôležitejšie žánre ako opera a balet.

Kardinál Mazarin sa zasadzoval za rozvoj ušľachtilého umenia. Jeho taliansky pôvod sa stal dôvodom popularizácie kultúry tejto krajiny vo Francúzsku. Prvé pokusy o vytvorenie národnej opery patrili Elisabeth Jacquet de la Guerre, ktorá napísala Cephalus a Procris v roku 1694.

Otvorené v roku 1671 Royal Operné divadlo dal krajine úžasných skladateľov. Marc-Antoine Charpentier vytvoril stovky diel, vrátane opier „Orfeov zostup do pekla“, „Medea“ a „Súd z Paríža“. Andre Campra je autorom operných baletov „Gallantná Európa“, „Karneval v Benátkach“, hudobných tragédií „Iphigenia in Tauris“, „Achilles a Deidamia“.

17. storočie bolo obdobím formovania francúzska školačembalisti. Medzi jeho účastníkov patrí Chambonnière a Jean-Henri d'Anglebert.

18 storočia

Hudobný a spoločenský život sa v tomto storočí dramaticky mení. Koncertné aktivity presahuje súd. Od roku 1725 sa v divadlách pravidelne konali verejné koncerty. V Paríži boli založené spolky „Amatérske koncerty“ a „Priatelia Apolla“, kde si amatéri mohli vychutnať predstavenie inštrumentálnej hudby.

Vrchol dosiahla čembalová suita v 30. rokoch. François Couperin napísal pre čembalo viac ako 250 skladieb a preslávil sa nielen vo svojej rodnej krajine, ale aj v zahraničí. Produkoval aj kráľovské opery a diela pre organ.

Pre hudbu 18. storočia veľkú hodnotu má dielo Jean Philippe Rameau, ktorý bol nielen talentovaným skladateľom, ale aj významným teoretikom vo svojom odbore. Jeho lyrické tragédie Medzi modernými režisérmi sú žiadané aj „Castor a Pollux“, „Hippolytus a Arisia“ a baletná opera „The Gallant Indians“.

Takmer všetky hudobné diela do polovice 18. storočia boli buď cirkevné alebo mytologické. No nálada v spoločnosti si žiadala nové interpretácie a žánre. Na tomto základe si opera buffe získala popularitu, čo sa prejavilo zo satirickej stránky vysoká spoločnosť a kráľovská moc. Prvé libretá pre takéto opery napísal Charles Favard.

Francúzski skladatelia 18. storočia mali veľký vplyv na operný štýl a hudobno-teoretické základy tohto žánru.

19. storočie

Veľká francúzska revolúcia priniesla významné zmeny v hudobnej kultúre. Do popredia sa dostala vojenská dychová hudba. Boli otvorené špeciálne školy na prípravu vojenských hudobníkov. V opere teraz dominovali vlastenecké námety s novými národnými hrdinami.

Obdobie reštaurovania bolo poznačené vzostupom romantickej opery. Najvýraznejším predstaviteľom tejto doby je francúzsky skladateľ Berlioz. Jeho prvým programovým dielom bola Symphony Fantastique, ktorá odrážala prehnanú emocionalitu a typickú náladu doby. Stal sa tvorcom dramatickej symfónie „Romeo a Júlia“, predohry „Kráľ Lear“, opery „Benvenuto Cellini“. Vo svojej rodnej krajine bol Hector Berlioz hodnotený nejednoznačne. To bolo spojené so špeciálom kreatívnym spôsobom ktoré si vybral pre seba. Jeho diela sú plné neuveriteľných orchestrálnych efektov, ktoré skladateľ ako prvý použil medzi francúzskymi hudobníkmi.

Polovica 19. storočia sa niesla v znamení začiatku rozvoja operety v krajine. Ale už v 70. rokoch 19. storočia sa dostáva do popredia lyrická hudba, ale s realistickými tendenciami. Charles Gounod je považovaný za zakladateľa tohto žánru. Jeho opery - "Neochota doktor", "Faust" a "Rómeo a Júlia" - vyjadrujú všetky inovatívne vývojové trendy skladateľa.

Desiatky diel významných pre francúzsku kultúru vytvoril Georges Bizet, ktorý žil krátky život. Od 10 rokov študoval na konzervatóriu a od začiatku aj študoval veľký úspech. Vyhral niekoľko významných hudobných súťaží, čo hudobníkovi umožnilo odísť na niekoľko rokov do Ríma. Po návrate do Paríža začína Georges Bizet pracovať na opere svojho života – Carmen. Jeho premiéra sa konala v roku 1875. Verejnosť toto dielo neprijala ani nepochopila. Skladateľ zomrel v tom istom roku bez toho, aby videl triumf Carmen.

IN posledné roky Francúzski skladatelia 19. storočia písali pod vplyvom nemeckých, najmä Richarda Wagnera.

20. storočie

Nové storočie sa nieslo v znamení šírenia impresionizmu v hudobnej kultúre. Veľkí francúzski skladatelia sa stali prívržencami tohto štýlu. Najbystrejší bol C. Debussy. Jeho práca odrážala všetky hlavné črty, ktoré sú tomuto smeru vlastné. Estetika impresionizmu nezostala bokom od iného Francúza. Maurice Ravel vo svojich dielach miešal rôzne štýlové trendy svojej doby.

20. storočie bolo obdobím stvorenia tvorivé združenia, ktorej členmi boli umelci. Slávna „francúzska šestka“, vytvorená pod vedením Erika Satieho a Jeana Cocteaua, sa stala najmocnejšou skladateľskou komunitou tej doby.

Združenie dostalo svoj názov podľa analógie s ruským zväzom skladateľov - Mocná hŕstka. Spojila ich túžba dištancovať sa od cudzieho vplyvu (v tomto prípade nemeckého) a rozvíjať národnú vrstvu tohto umenia.

V združení boli Louis Durey („Lyrické obete“, „Autoportréty“), Darius Milhaud (opera „Vina matka“, balet „Stvorenie sveta“), Arthur Honegger (opera „Judith“, balet „Shota Rustaveli“ ), Georges Auric (hudba k filmom „Princezná z Cleves“, „Rímske prázdniny“), Francis Poulenc (opera „Dialógy karmelitánok“, kantáta „Un ballo in maschera“) a Germaine Taillefer (opera „Malá morská víla“ “, balet „Predavač vtákov“).

V roku 1935 sa zrodilo ďalšie združenie – Mladé Francúzsko. Jeho účastníkmi boli Olivier Messiaen (opera „Sv. František z Assisi“), Andre Jolivet (balety „Kráska a zviera“, „Ariadna“).

Po roku 1950 sa objavilo také nové hnutie ako hudobná avantgarda. Jeho významným predstaviteľom a inšpirátorom bol Pierre Boulez, ktorý študoval u Messiaena. V roku 2010 bol zaradený do dvadsiatky najlepších svetových dirigentov.

Rozvoj moderného umenia vo Francúzsku uľahčili inovatívne aktivity takých pilierov akademickej hudby ako Debussy a Ravel.

Debussy

Achille-Claude Debussy, narodený v Saint-Germain-en-Laye, s rané detstvo cítil túžbu po kráse. Už ako 10-ročný vstúpil na parížske konzervatórium. Štúdium mu išlo ľahko, chlapec dokonca vyhral malú internú súťaž. Ale Claude bol zaťažený hodinami harmónie, pretože učiteľ nebol priateľský k chlapcovým experimentom so zvukmi.

Po prerušení štúdia sa Claude Debussy vybral na výlet s majiteľom pôdy z Ruska N. von Meckom ako domáci klavirista. Čas strávený na ruskej pôde mal na Clauda priaznivý vplyv. Mal rád tvorbu Čajkovského, Balakireva a iných skladateľov.

Po návrate do Paríža pokračoval Debussy v štúdiu na konzervatóriu a v písaní. Stále si formuje svoj vlastný štýl. Bod zlomu V Claudovom živote sa zoznámil s E. Satie, ktorý svojimi inovatívnymi nápadmi ukázal cestu pre začínajúceho skladateľa.

Debussyho zrelý štýl nadobudol plnú podobu v roku 1894, keď napísal „Faunovo popoludnie“, svoju slávnu symfonickú predohru.

Ravel

Maurice Ravel sa narodil na juhu Francúzska, ale aby sa naučil svoje obľúbené remeslo, presťahoval sa do Paríža v mladom veku. Stal sa jeho učiteľom Francúzsky skladateľ-klavirista Charles de Beriot.

Podobne ako v prípade Debussyho, aj Mauricea výrazne ovplyvnilo stretnutie s Erikom Satie. Po nej začal Ravel skladať s obnoveným elánom, inšpirovaný skladateľovými prejavmi a nápadmi.

Ravel ešte počas štúdia na konzervatóriu napísal niekoľko diel Španielske motívy(„Habanera“, „Ancient Menuet“), ktoré srdečne vítajú kolegovia hudobníci. Skladateľov štýl si však z neho raz zahral krutý vtip. Ravelovi nebolo umožnené zúčastniť sa súťaže o prestížnu Rímsku cenu s odvolaním sa na vekové obmedzenia. Skladateľ však ešte nedovŕšil 30 rokov a mohol v súlade s pravidlami predložiť svoju skladbu. V roku 1905 to vyvolalo v hudobnom svete obrovský škandál.

Po prvej svetovej vojne, do ktorej sa Ravel prihlásil, sa v jeho dielach za hlavný považoval emocionálny princíp. To vysvetľuje prudký prechod od písania opier k inštrumentálnym dielam (suita „Tomb of Couperin“). Spolupracuje aj so Sergejom Diaghilevom a píše hudbu pre balet Dafnis a Chloe.

Zároveň skladateľ začína pracovať na svojom najvýznamnejšom diele - "Bolero". Hudba bola dokončená v roku 1928.

Posledným dielom Mauricea Ravela boli „Tri piesne“, napísané pre Fjodora Chaliapina.

Legrand

Pre ruského diváka znie meno jedného francúzskeho skladateľa veľmi povedome. To je Michel Legrand, ktorý vytvoril hudbu ku kultovým filmom.

Michel Jean sa narodil v rodine dirigenta a klaviristu. Od detstva bol chlapec fascinovaný hudobné umenie, preto vstúpil na parížske konzervatórium. Po ukončení štúdia odišiel do USA, kde začal písať hudbu k filmom.

Vo Francúzsku spolupracoval so známymi režisérmi Jean-Lucom Godardom a Jacquesom Demym. Jeho najobľúbenejším dielom je hudba k filmu „Dáždniky z Cherbourgu“.

Napísal jazzová hudba. Od 60. rokov pôsobil v Hollywoode. Medzi slávnych diel skladateľ - hudba k "Aféra Thomasa Crowna", "The Other Side of Midnight". Michel Legrand je trojnásobným držiteľom Oscara.

21 storočia

Akademická hudba je vo Francúzsku stále žiadaná. Za úspechy v tejto oblasti existuje nespočetné množstvo festivalov a ocenení. V Paríži, čo je kultúrne centrum v krajine sú Národné konzervatórium, Opera Bastille, Opera Garnier a Théâtre des Champs-Élysées. Existujú desiatky orchestrov známych po celom svete.

Hudba francúzskych skladateľov sa do povedomia širokej verejnosti dostáva vďaka kinematografii. Spolu s operou a symfonická hudba píšu aj pre filmy. Ide najmä o diela pre francúzsky filmový priemysel, no niektorí skladatelia dosahujú aj medzinárodnú úroveň. Najúspešnejší žijúci francúzski skladatelia 21. storočia sú:

1. Antoine Duhamel ("Ukradnuté bozky", "Belle Epoque").
2. Maurice Jarre (Doktor Živago, Prechádzka v oblakoch).
3. Vladimír Kosma ("Injekcia s dáždnikom", "Oci").
4. Bruno Coulet („Belphegor, fantóm z Louvru“, „Zboristi“).
5. Louis Aubert (opery "Modrý les", "Očarujúca noc").
6. Philippe Sard ("D'Artagnanova dcéra", "Princezná de Montpensier").
7. Eric Serra (soundtracky pre "Leon", "Joan of Arc", "The Fifth Element").
8. Gabriel Yared (Anglický pacient, Cold Mountain).

Medzi týmito melódiami je melódia pre akúkoľvek náladu: romantickú, pozitívnu alebo smutnú, na relaxáciu a nemyslenie na nič alebo naopak na zhromažďovanie myšlienok.

Taliansky skladateľ a klavirista pracuje v smere minimalizmu, často sa obracia k ambientnej hudbe a umne kombinuje klasickú hudbu s ostatnými. hudobných štýlov. Širokému okruhu je známy svojimi atmosferickými kompozíciami, ktoré sa stali soundtrackmi k filmom. Napríklad pravdepodobne poznáte hudbu z francúzskeho filmu „1 + 1“, ktorý napísal Einaudi.

Glass je jednou z najkontroverznejších osobností vo svete modernej klasiky, ktorá je buď vychvaľovaná do neba, alebo kritizovaná deviatakom. Vo vlastnej skupine Philip Glass Ensemble hrá už pol storočia a napísal hudbu k viac ako 50 filmom vrátane Truman Show, Iluzionista, Taste of Life či Fantastická štvorka. Melódie amerického minimalistického skladateľa stierajú hranicu medzi klasickou a populárnou hudbou.

Autor mnohých soundtrackov, najlepší filmový skladateľ roku 2008 podľa Európskej filmovej akadémie a post-minimalista. Kritiku si získal prvým albumom Memoryhouse, v ktorom bola Richterova hudba prekrytá čítaním poézie a ďalšie albumy využívali aj literárnu prózu. Okrem písania vlastných ambientných kompozícií aranžuje diela klasiky: Vivaldiho „The Four Seasons“ v jeho aranžmáne obsadilo prvé miesto v rebríčkoch klasickej hudby iTunes.

Tento tvorca inštrumentálnej hudby z Talianska nie je spájaný s uznávanou kinematografiou, ale je už známy ako skladateľ, virtuóz a skúsený pedagóg klavíra. Ak by ste opísali Marradiho hudbu dvoma slovami, boli by „zmyselné“ a „magické“. Jeho výtvory a obaly oslovia tých, ktorí milujú retro klasiku: v motívoch sú zreteľné tóny minulého storočia.

Slávny filmový skladateľ vytvoril hudobný sprievod pre mnohé kasové filmy a karikatúry, vrátane Gladiátora, Pearl Harbor, Počiatku, Sherlocka Holmesa, Interstellar, Madagaskar a Leví kráľ. Jeho hviezda je na Hollywoodskom chodníku slávy a na jeho poličke sú Oscary, Grammy a Zlaté glóbusy. Zimmerova hudba je rovnako rozmanitá ako tieto filmy, no bez ohľadu na tón sa dotýka srdca.

Hisaishi je jedným z najznámejších japonských skladateľov, ktorý získal štyri ceny Japonskej filmovej akadémie za najlepšiu filmovú hudbu. Preslávil sa zložením soundtracku k animáku Hayao Miyazakiho Nausicaä of the Valley of the Wind. Ak ste fanúšikom diel Studio Ghibli alebo filmov Takeshiho Kitana, potom pravdepodobne obdivujete Hisaishiho hudbu. Väčšinou je svetlo a svetlo.

Tento islandský multiinštrumentalista je v porovnaní s menovanými majstrami len chlapec, no vo veku 30 rokov sa stal uznávaným neoklasicistom. Nahral sprievod k baletu, získal cenu BAFTA za soundtrack k britskému televíznemu seriálu „Murder on the Beach“ a vydal 10 štúdiových albumov. Arnaldsova hudba pripomína drsný vietor na opustenom morskom pobreží.

Najviac slávnych diel Lee Ru Ma - Kiss the Rain and River Flows in You. Kórejský skladateľ a klavirista New Age píše populárne klasiky, ktoré sú zrozumiteľné pre poslucháčov na akomkoľvek kontinente. hudobný vkus a vzdelávanie. Jeho ľahké a zmyselné melódie sa pre mnohých stali začiatkom lásky ku klavírnej hudbe.

Dustin O'Halloran

Americký skladateľ je zaujímavý tým, že nemá hudobná výchova, no zároveň píše tú najpríjemnejšiu a celkom populárnu hudbu. Boli použité O'Halloranove melódie Top Gear a niekoľko filmov. Snáď najúspešnejším soundtrackovým albumom bola melodráma „Like Crazy.“ Tento skladateľ a klavirista vie veľa o umení dirigovania a o tom, ako vytvoriť elektronická hudba. Ale jeho hlavná oblasť je moderná klasika. Cacciapaglia nahrala množstvo albumov, tri z nich s Royal filharmonický orchester. Jeho hudba plynie ako voda, je to skvelý spôsob, ako si pri nej oddýchnuť.

Akých ďalších súčasných skladateľov sa oplatí počúvať?

Ak máte radi epiku, pridajte si do playlistu Klausa Badelta, ktorý so Zimmerom pracoval na Pirátoch. Karibské more" Nesmie chýbať ani Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore a John Williams – na zoznam všetkých ich diel, zásluh a ocenení je potrebné napísať samostatný článok.

Ak chcete viac chutného neoklasicizmu, pozrite sa na Nils Frahm a Sylvain Chauveau.

Ak sa neviete nabažiť, spomeňte si na tvorcu soundtracku k „Amelie“ Yann Tiersen alebo objavte japonského skladateľa Tammona: píše vzdušné, rozprávkové melódie.

Hudbu ktorých skladateľov máš rád a ktorých nie? Koho ďalšieho by ste pridali do tohto zoznamu?