Najbolje impresionističke slike s imenima i fotografijama. Slikarstvo u impresionizmu: značajke, povijest

Danas se impresionizam doživljava kao klasik, ali je u doba svog nastanka bio pravi revolucionarni iskorak u umjetnosti. Inovativnost i ideje ovog pokreta potpuno su promijenile umjetničku percepciju umjetnosti 19. i 20. stoljeća. A moderni impresionizam u slikarstvu nasljeđuje načela koja su već postala kanonska i nastavlja estetska traženja u prijenosu osjeta, emocija i svjetla.

Preduvjeti

Nekoliko je razloga za nastanak impresionizma; radi se o čitavom nizu preduvjeta koji su doveli do prave revolucije u umjetnosti. U 19. stoljeću kuhala se kriza u francuskom slikarstvu, jer "službena" kritika nije htjela primijetiti i dopustiti razne nove forme u galerijama. Stoga je slikarstvo u impresionizmu postalo svojevrsni protest protiv tromosti i konzervativnosti općeprihvaćenih normi. Također, podrijetlo ovog pokreta treba tražiti u trendovima svojstvenim renesansi i povezanim s pokušajima prenošenja žive stvarnosti. Umjetnici venecijanska škola smatraju prvim rodonačelnicima impresionizma, potom su tim putem krenuli Španjolci: El Greco, Goya, Velazquez, koji su izravno utjecali na Maneta i Renoira. Tehnološki napredak također je odigrao ulogu u formiranju ove škole. Tako je pojava fotografije iznjedrila nova ideja u umjetnosti se radi o hvatanju trenutnih emocija i osjeta. Upravo taj trenutni dojam nastoje "uhvatiti" umjetnici pokreta koji razmatramo. Na taj trend utjecao je i razvoj plenerističke škole koju su utemeljili predstavnici barbizonske škole.

Povijest impresionizma

U drugoj polovici 19. stoljeća u francuskoj umjetnosti dolazi do kritične situacije. Zastupnici klasična škola ne prihvaćaju inovacije mladih umjetnika i ne dopuštaju im na Salon - jedinu izložbu koja otvara put do kupaca. Skandal je izbio kada je mladi Edouard Manet predstavio svoje djelo “Ručak na travi”. Slika je izazvala ogorčenje kritike i javnosti, a umjetniku je zabranjeno izlaganje. Stoga Manet sudjeluje na takozvanom “Salonu odbačenih” zajedno s ostalim slikarima kojima nije dopušteno sudjelovanje na izložbi. Djelo je dobilo veliki odjek, a oko Maneta se počeo stvarati krug mladih umjetnika. Okupili su se u kafiću, raspravljali o problemima suvremene umjetnosti, raspravljali o novim formama. Pojavljuje se društvo slikara koje će po jednom djelu Claudea Moneta nazvati impresionistima. Ova zajednica uključivala je Pissarroa, Renoira, Cezannea, Moneta, Basila, Degasa. Prva izložba umjetnika ovog pokreta održana je 1874. u Parizu i završila je, kao i sve sljedeće, neuspjehom. Zapravo, impresionizam u glazbi i slikarstvu obuhvaća razdoblje od samo 12 godina, od prve izložbe do posljednje, održane 1886. godine. Kasnije se pokret počinje raspadati na nove pokrete, a neki umjetnici umiru. No to je razdoblje donijelo pravu revoluciju u glavama stvaratelja i javnosti.

Ideološka načela

Za razliku od mnogih drugih pokreta, slikarstvo u impresionizmu nije bilo povezano s dubokim filozofskim pogledima. Ideologija ove škole bila je trenutno iskustvo, dojam. Umjetnici nisu sebi postavljali društvene ciljeve, nastojali su prenijeti puninu i radost života u svakodnevicu. Stoga je žanrovski sustav impresionizma općenito bio vrlo tradicionalan: krajolici, portreti, mrtve prirode. Ovaj smjer nije ujedinjenje ljudi temeljeno na filozofskim pogledima, već zajednica istomišljenika, od kojih svaki vodi vlastitu potragu za proučavanjem oblika bića. Impresionizam leži upravo u jedinstvenosti pogleda na obične predmete; on je usmjeren na individualni doživljaj.

Tehnika

Vrlo je lako prepoznati slikarstvo u impresionizmu po nekim karakterističnim značajkama. Prije svega, vrijedi podsjetiti da su umjetnici ovog pokreta bili gorljivi ljubitelji boja. Gotovo potpuno napuštaju crnu i smeđu u korist bogate, svijetle palete, često jako izbijeljene. Impresionističku tehniku ​​karakteriziraju kratki potezi. Više teže općem dojmu nego pažljivom crtanju detalja. Platna su dinamična i isprekidana, što odgovara ljudskoj percepciji. Slikari nastoje rasporediti boje na platnu tako da postignu koloristički intenzitet ili bliskost u slici, ne miješaju boje na paleti. Umjetnici su često radili pleneristički, a to se odrazilo i na tehniku ​​koja nije imala vremena osušiti prethodne slojeve. Boje su nanošene jedna pored druge ili jedna na drugu, a korišten je neprozirni materijal koji je omogućio stvaranje efekta "unutarnjeg sjaja".

Glavni predstavnici u francuskom slikarstvu

Rodno mjesto ovog pokreta je Francuska; tu se prvi put pojavio impresionizam u slikarstvu. Umjetnici ove škole živjeli su u Parizu u drugoj polovici 19. stoljeća. Svoje su radove predstavili na 8 impresionističkih izložbi, a te su slike postale klasici pokreta. Francuzi Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Morisot i drugi rodonačelnici su pokreta koji razmatramo. Najviše slavni impresionist, naravno, Claude Monet, čija su djela u potpunosti utjelovila sve značajke ovog pokreta. Također, pokret se s pravom povezuje s imenom Augustea Renoira, koji je svojom glavnom umjetničkom zadaćom smatrao prenošenje igre sunca; osim toga, bio je majstor sentimentalnog portreta. Impresionizam također uključuje takve izvanrednih umjetnika kao Van Gogh, Edgar Degas, Paul Gauguin.

Impresionizam u drugim zemljama

Postupno se taj trend širi u mnogim zemljama, francusko iskustvo uspješno je preuzeto u drugim nacionalnim kulturama, iako u njima moramo više govoriti o pojedinačnim radovima i tehnikama nego o dosljednoj provedbi ideja. Njemačko slikarstvo u impresionizmu zastupljeno je prvenstveno imenima Lesser Ury, Max Liebermann, Lovis Corinth. U SAD-u ideje je provodio J. Whistler, u Španjolskoj - H. Sorolla, u Engleskoj - J. Sargent, u Švedskoj - A. Zorn.

Impresionizam u Rusiji

Ruska umjetnost u 19. stoljeću bila je pod značajnim utjecajem francuske kulture, pa ni domaći umjetnici nisu mogli izbjeći da ih ponese novi pokret. Ruski impresionizam u slikarstvu je najdosljednije i najplodnije zastupljen u djelima Konstantina Korovina, kao iu djelima Igora Grabara, Isaaca Levitana, Valentina Serova. Osobitosti ruske škole bile su etidne prirode djela.

Što je bio impresionizam u slikarstvu? Umjetnici osnivači nastojali su uhvatiti trenutne dojmove dodira s prirodom, a ruski stvaratelji također su pokušali prenijeti dublje, filozofsko značenje djela.

Impresionizam danas

Unatoč činjenici da je prošlo gotovo 150 godina od nastanka pokreta, moderni impresionizam u slikarstvu danas nije izgubio svoju važnost. Zahvaljujući svojoj emocionalnosti i lakoći percepcije, slike u ovom stilu vrlo su popularne, pa čak i komercijalno uspješne. Stoga mnogi umjetnici diljem svijeta rade u tom smjeru. Tako je ruski impresionizam u slikarstvu predstavljen u istoimenom novom moskovskom muzeju. Tu se redovito održavaju izložbe suvremenih autora, na primjer V. Koshlyakov, N. Bondarenko, B. Gladchenko i drugi.

Remek djela

Moderni ljubavnici likovne umjetnosti Impresionizam u slikarstvu često se naziva njihovim omiljenim smjerom. Slike umjetnika ove škole prodaju se na aukcijama po nevjerojatnim cijenama, a zbirke u muzejima uživaju veliku pozornost javnosti. Glavnim remek-djelima impresionizma smatraju se slike C. Moneta "Lopoči" i "Izlazeće sunce", O. Renoira "Bal u Moulin de la Galette", C. Pissarra "Bulevar Montmartre noću" i " Boildier Bridge u Rouenu na kišni dan”, E. .

French-impression): umjetnički pokret koji je nastao u Francuskoj 60-ih i 70-ih godina 19. stoljeća. a najživlje utjelovljenje dobio je u štafelajnoj likovnoj umjetnosti. Impresionisti su razvili nove slikarske tehnike - obojene sjene, miješanje boja, naglašenu boju, kao i razgradnju složenih tonova na čiste tonove (preklapanjem na platnu zasebnim potezima stvaralo se njihovo optičko miješanje u očima promatrača). Nastojali su prenijeti ljepotu prolaznih stanja prirode, promjenjivost i pokretljivost okolnog života. Ove tehnike pomogle su prenijeti osjećaj iskričave sunčeve svjetlosti, vibracije svjetla i zraka, te su stvorile dojam svetkovine života i sklada svijeta. Impresionističke tehnike korištene su iu drugim oblicima umjetnosti. U glazbi su, primjerice, pridonijeli prijenosu najsuptilnijih emocionalnih pokreta i prolaznih raspoloženja.

Izvrsna definicija

Nepotpuna definicija ↓

Impresionizam

s francuskog impresija - impresija) Pokret u umjetnosti nastao u Francuskoj u posljednjoj trećini 19. stoljeća. Glavni predstavnici I.: Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, kao i Edouard Manet, Edgar Degas i neki drugi umjetnici koji su im se pridružili. Razvoj novog stila I. dogodio se 60-70-ih godina, a po prvi put, kao novi pravac, suprotstavljajući se akademskom Salonu, impresionisti su se najavili na svojoj prvoj izložbi 1874. Osobito, Na njemu je bila izložena slika C. Moneta “Impresija”. Soleil levant" (1872). Službena likovna kritika negativno je reagirala na novi pokret i njegove predstavnike podrugljivo “krstila” “impresionistima”, podsjećajući na Monetovo slikarstvo koje ih je posebno iritiralo. Međutim, naziv je odražavao bit smjera, a njegovi su ga predstavnici prihvatili kao službenu oznaku svoje metode. Kao integralni pokret, umjetnost nije dugo postojala - od 1874. do 1886. godine, kada su impresionisti priredili 8 zajedničkih izložbi. Službeno priznanje od strane poznavatelja umjetnosti i likovne kritike stiglo je mnogo kasnije - tek sredinom 90-ih. I. imao je, pokazalo se već u sljedećem stoljeću, golem utjecaj na kasniji razvoj likovne umjetnosti (i umjetničke kulture uopće). Zapravo, započela je temeljno nova faza umjetničke kulture, koja je dovela do sredine. XX. stoljeća na POST-kulturu (vidi: POST-), tj. na prijelaz Kulture u neku bitno drugačiju kvalitetu. O. Spengler, koji je pojam povijesti proširio na kulturu, smatrao ju je jednim od tipičnih znakova “propadanja Europe”, odnosno razaranja cjelovitosti svjetonazora, razaranja tradicionalno uspostavljene europske kulture. Naprotiv, avangardni umjetnici (vidi: Avangarda) s početka 20.st. U I. su vidjeli svoju preteču, koja je umjetnosti otvorila nove horizonte, oslobodivši je od izvanumjetničkih zadaća, od dogmi pozitivizma, akademizma, realizma itd., s čime se ne može ne složiti. Sami impresionisti, kao čisti slikari, nisu razmišljali o tako globalnom značenju svog eksperimenta. Nisu ni težili nekoj posebnoj revoluciji u umjetnosti. Oni su jednostavno svijet oko sebe vidjeli nešto drugačije nego što su ga vidjeli službeni predstavnici Salona, ​​te su tu viziju pokušali učvrstiti čisto slikovnim sredstvima. Pritom su se oslanjali na likovna otkrića svojih prethodnika - prvenstveno francuskih slikara 19. stoljeća. Delacroix, Corot, Courbet, "Barbizonci". Na K. Monet, koji je posjetio London 1871., bio je jako impresioniran djelima W. Turnera. Osim toga, sami impresionisti među svojim prethodnicima navode francuske klasičare Poussina, Lorraina, Chardina i japansku gravuru u boji 18. stoljeća, a povjesničari umjetnosti vide značajke bliskosti s impresionistima i engleski umjetnici T. Gainsborough i J. Constable, da ne spominjemo W. Turnera. Impresionisti su apsolutizirali niz slikarskih tehnika ovih vrlo različitih umjetnika i na temelju toga stvorili cjelovit stilski sustav. Nasuprot “akademičarima” impresionisti su napustili tematske postavke (filozofske, moralne, religiozne, društveno-političke itd.) umjetnosti, te promišljene, unaprijed osmišljene i jasno zacrtane kompozicije sižea, tj. počeli su se boriti protiv dominacija “literarizma” u slikarstvu, usmjeravajući glavnu pozornost na specifično likovna sredstva - boju i svjetlo; iz radionica su otišli na otvoreno, gdje su u jednom terminu pokušali započeti i završiti rad na određenom djelu; odbili su tamne boje i složeni tonovi (zemljane, “asfaltne” boje), karakteristični za umjetnost novoga vijeka, prelaze na čiste svijetle boje(paleta im je bila ograničena na 7-8 boja), često polaganih na platno u zasebnim potezima, svjesno računajući na njihovo optičko miješanje već u psihi gledatelja, čime se postizao učinak posebne svježine i spontanosti; slijedeći Delacroixa, ovladali su i apsolutizirali obojenu sjenu, igru ​​refleksa boja na različitim površinama; dematerijalizirali objekt vidljivog svijeta, rastačući ga u svjetlozračnom okruženju, koje je bilo glavni predmet njihove pažnje kao čistih slikara; zapravo napuštaju žanrovski pristup u likovnoj umjetnosti, usmjeravajući svu svoju pažnju na slikovni prijenos svojeg subjektivnog dojma nasumično viđenog fragmenta stvarnosti – češće krajolika (kao Monet, Sisley, Pissarro), rjeđe zapletnih scena (kao Renoir, Degazirati). Pritom se često nastojalo prenijeti dojam s gotovo iluzionističkom točnošću podudaranja koloritno-svjetlosno-zračne atmosfere prikazanog fragmenta i trenutka vidljive stvarnosti. Nasumičnost kuta gledanja na fragment prirode osvijetljen umjetničkom vizijom, pažnja prema slikovnom okruženju, a ne subjektu, često ih je vodila smjelim kompozicijskim odlukama, oštrim neočekivanim kutovima gledanja, rezovima koji aktiviraju percepciju gledatelja. , itd. efekte, od kojih su mnoge kasnije koristili predstavnici raznih avangardnih pokreta. Umjetnost je postala jedan od pravaca “čiste umjetnosti” u 19. stoljeću, čiji su predstavnici umjetničko-estetski princip smatrali glavnim u umjetnosti. Impresionisti su osjetili neopisivu ljepotu svijetlo-bojno-zračnog okruženja materijalnog svijeta i pokušali je dočarati na svojim platnima s gotovo dokumentarnom točnošću (zbog toga ih se ponekad optužuje za naturalizam, koji je teško legitiman u velikoj shemi stvari ). U slikarstvu su svojevrsni optimistični panteisti, najnoviji pjevači bezbrižna radost zemaljskog postojanja, obožavatelji sunca. Kako je s divljenjem napisao neoimpresionist P. Signac, “sunčeva svjetlost preplavljuje cijelu sliku; zrak se u njemu njiše, svjetlost obavija, miluje, raspršuje oblikuje, prodire posvuda, čak iu područje sjene.” Značajke stila I. u slikarstvu, osobito želja za profinjenim umjetničkim prikazom prolaznih dojmova, temeljna skicoznost, svježina neposrednog opažanja itd., pokazala se bliskom predstavnicima drugih vrsta umjetnosti toga vremena, što je dovelo do širenja ovaj koncept književnosti, poeziji i glazbi. Međutim, u tim vrstama umjetnosti nije bilo posebnog smjera I., iako se mnoge njegove značajke nalaze u djelima niza pisaca i skladatelja posljednje trećine 19. - ranog. XX. stoljeća Takvi elementi impresionističke estetike kao što su neodređenost oblika, fiksacija pozornosti na svijetle, ali slučajne prolazne detalje, potcjenjivanje, nejasne naznake itd., svojstveni su djelima G. de Maupassanta, A. P. Čehova, ranog T. Manna i poeziji R.- M. Rilkea, ali osobito braći J. i E. Goncourtu, predstavnicima tzv. “psihološkog I>, te djelomično K. Hamsunu. M. Proust i pisci “struje svijesti” oslanjaju se na impresionističke tehnike i značajno ih razvijaju. U glazbi se impresionistima smatraju francuski skladatelji C. Debussy, M. Ravel, P. Duke i neki drugi koji su se u svom stvaralaštvu služili stilistikom i estetikom I. Njihova je glazba ispunjena neposrednim doživljajima ljepote i liričnosti krajolika, gotovo imitacijom igre morskih valova ili šuštanja lišća, bukoličkim šarmom drevnih mitoloških tema, radošću trenutnog života, slavljem ovozemaljskog postojanja. , i užitak beskrajnog svjetlucanja zvučne materije. Poput slikara, oni zamagljuju mnoge tradicionalne glazbenih žanrova, ispunjavajući ih različitim sadržajima, pojačavaju pozornost na čisto estetske učinke glazbenog jezika, značajno obogaćujući paletu izražajnih i likovnih sredstava glazbe. “To se prije svega odnosi”, piše muzikolog I. V. Nestyev, “sfere harmonije sa svojom tehnikom paralelizma i hirovitim nizanjem nerazjašnjenih šarenih suzvučja-mrlja. Impresionisti su značajno proširili moderni tonski sustav, otvorivši put mnogim harmonijskim inovacijama 20. stoljeća. (iako su osjetno oslabili jasnoću funkcionalnih veza). Usložnjavanje i bujanje akordskih kompleksa (neakordi, nedecimalirani akordi, alternativne kvartne harmonije) kombinira se s pojednostavljenjem, arhaizacijom modalnog mišljenja (prirodni modovi, pentatonika, cjelotonski kompleksi). U orkestraciji impresionističkih skladatelja dominiraju čiste boje i hiroviti naglasci; Često se koriste sola na puhačkim instrumentima, odlomci za harfu, složeni gudački divisi i con sordino efekti. Tipične su i čisto dekorativne, jednolično tekuće ostinatne pozadine. Ritam je ponekad nestabilan i nedokučiv. Melodiku karakteriziraju ne zaokružene konstrukcije, već kratke izražajne fraze-simboli i slojeviti motivi. U isto vrijeme, u glazbi impresionista, značenje svakog zvuka, tona i akorda neobično je pojačano, a otkrivene su neograničene mogućnosti proširenja ljestvice. Posebnu svježinu glazbi impresionista davala je česta uporaba žanrova pjesme i plesa, suptilna implementacija modalnih i ritmičkih elemenata posuđenih iz folklora naroda Istoka, Španjolske i u ranim oblicima crnačkog jazza. ( Glazbena enciklopedija. T. 2, M., 1974. Stb. 507). Stavljajući likovno-izražajna sredstva umjetnosti u središte umjetničke pozornosti i fokusirajući se na hedonističko-estetsku funkciju umjetnosti, I. je umjetničkoj kulturi otvorila nove perspektive i mogućnosti koje je u potpunosti iskoristila (a ponekad i pretjerano). ) u 20. stoljeću. Lit.: Venturi L. Od Maneta do Lautreca. M., 1938.; Rewald J. Povijest impresionizma. L.-M., 1959.; Impresionizam. Pisma umjetnika. L., 1969.; Serullaz M. Encyclopedie de limpressionnisme. P., 1977.; Montieret S. Limpressionnisme et son epoque. T. 1-3. P., 1978.-1980.; Kroher E. Impressionismus in der Musik. Leipzig. 1957. L.B.

Impresionizam- pokret u umjetnosti posljednje trećine 19. - početka 20. stoljeća, koji je nastao u Francuskoj, a potom se proširio svijetom, čiji su predstavnici nastojali što prirodnije i nepristranije uhvatiti stvarni svijet u njegovoj pokretljivosti i promjenjivosti, prenijeti svoje prolazne dojmove. Obično se izraz "impresionizam" odnosi na pokret u slikarstvu, iako su njegove ideje također našle svoje utjelovljenje u književnosti i glazbi.

Slika.

Impresionizam je nastao u Francuskoj u drugoj polovici 19. stoljeća. Mladi umjetnici htjeli su izaći iz okvira klasičnog slikarstva. Što nije bilo lako: ni kritika ni publika nisu htjeli prihvatiti slike koje su se toliko razlikovale od uobičajenog akademskog slikarstva u “antičkom” stilu.

Slike umjetnika novog pokreta nisu se ni smatrale slikama, toliko su bile slične brzim skicama.

Ali to je bila bit novog smjera - uhvatiti trenutak, prikazati život onakvim kakav jest. Impresionisti ne izmišljaju teme, oni ih uzimaju iz svakodnevnog života: sve su to stvari koje svatko može vidjeti kad izađe van.

Umjetnici su počeli koristiti potpuno novu tehniku ​​slikanja. Boje se nisu miješale na štafelaju, već su se nanosile na platno u zasebnim potezima. Stoga, da biste dobili potpunu sliku slike, treba ih promatrati s male udaljenosti, a ne izbliza. Ovom percepcijom jasni odvojeni potezi glatko se pretvaraju jedan u drugi i formira se ideja o slici.

Za razliku od prošlih majstora, impresionisti nisu radili u radionicama, tamo dovršavajući i usavršavajući svoje skice. Upravo među njima postaje popularna plener tehnika, odnosno rad na otvorenom. Umjetnici su putovali u predgrađa (šuma Fontainebleau bila je posebno popularna), gdje su skicirali piknike ili prikazivali scene iz pariškog života: Monet i Renoir često su prikazivali scene na nasipima Seine, a serija Renoirovih slika iz Moulina poznat je i de la Gallette.

Ali impresioniste nisu uvijek zanimali ljudi ili priroda. Bilo je mnogo zanimljivije prenijeti, na primjer, kretanje zraka ili pad sunčeve svjetlosti. Na primjer, na Monetovoj slici "Gare Saint-Lazare" glavni predmet slike nije čak ni sam kolodvor ili vlak, već dim koji se u oblacima diže iz dimnjaka koji se dimi.

Novi se pokret razlikovao od akademskog slikarstva, tehnički i ideološki. Prije svega, impresionisti su napustili konturu, zamijenivši je malim, zasebnim i kontrastnim potezima. Sunčeva zraka je podijeljena na komponente: ljubičastu, plavu, cijan, zelenu, žutu, narančastu, crvenu, ali kako je plava vrsta plave, njihov broj je smanjen na šest. Dvije boje postavljene jedna pored druge pojačavaju jedna drugu i, obrnuto, kada se miješaju gube intenzitet. Osim toga, sve se boje dijele na primarne, ili osnovne, i dvojne, ili izvedene, pri čemu je svaka dvostruka boja komplementarna prvoj:

Plavo - narančasto

Crvena Zelena

Žuta - ljubičasta

Općenito, mnogi su majstori radili u stilu impresionizma, ali osnova pokreta bili su Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir i Degas. Međutim, Manet je sebe uvijek nazivao "nezavisnim umjetnikom" i nikada nije sudjelovao na izložbama, a iako je Degas sudjelovao, nikada nije slikao svoja djela plein air.

Umjetnici. (Puno, ali dovoljno da se ukratko upoznamo s njihovim radom)

Koliko su se tradicija i inovativnost organski spojile u umjetnosti impresionista, svjedoči, prije svega, djelo izvanrednog slikara 19. stoljeća. Edouarda Maneta. U međuvremenu, u ovim djelima, kao iu svom kasnijem radu, umjetnik se oslanja na iskustvo klasične umjetnosti. U nastojanju da estetski shvati suvremeni život, Manet se služi veličanstvenim kompozicijskim shemama renesansnih slikara, od Giorgionea i Tiziana do Velazqueza i Goye. Njegove slike, brojni portreti i druga djela šezdesetih godina 19. stoljeća napisani su u tradicionalnoj slikarskoj maniri koja još nije bila posve prevladana, iako se i ovdje već osjeća želja za otvorenim koloritom i prirodnim svjetlom. Kasnije, Manetova paleta postaje osjetno svjetlija. Bio je jedan od prvih koji je počeo slikati na čistoj bijeloj podlozi, bilo da ju je "opteretio" bogatim potezima jarkih sunčanih boja, bilo da ju je prekrio najfinijim polutonovima plemenitih ružičastih i sivo-sivih nijansi. Imao je dar prenošenja beskrajnog bogatstva boja i žive strepnje objektivnog svijeta, što se posebno jasno očitovalo u mrtvoj prirodi - "nitko od Manetovih suvremenika nije mogao naslikati mrtvu prirodu bolje od njega." Manetova inovativnost bila je u činjenici da je mogao na nov, nepristran način sagledati stvarnost koja ga je okruživala i proširiti dijapazon pojava kojima se likovna umjetnost obraćala. Nije se bojao učiniti predmetom istinski visoke umjetnosti i u savršene slikovne forme utjeloviti one aspekte života i ljudskih odnosa koje su prije njega umjetnici okretali ili nisu primjećivali.

U središtu umjetnosti Edgar Degasčovjek je uvijek stajao, a pejzaž, možda vodeći žanr impresionista, nije igrao značajniju ulogu u njegovu stvaralaštvu. Veliki obožavatelj Ingresa, pridavao je izuzetnu važnost crtežu. U Italiji se od francuskih umjetnika divio Mantegni, zanimao se za Poussina i kopirao njegove slike. Degas kreće pod utjecajem Maneta kako bi prikazao scene modernog života. Glavne teme su mu svijet baleta i konjskih utrka, samo u rijetkim slučajevima ih nadilazi, okrećući se životu pariške boeme, prikazujući modarice, peglačice i pralje. Degasova inovativnost u prenošenju pokreta neraskidivo je povezana s njegovim skladateljskim umijećem. U njemu se, još jače nego u Manetu, osjeća nenamjernost, slučajnost, otimanje zasebne epizode iz toka života. To postiže neočekivanom asimetrijom i neobičnim gledištima (često odozgo ili sa strane, pod kutom), “ispupčenošću” prostora, kao u zrcalu, ekspresivnim kadriranjem i smjelim rezovima okvira. Taj osjećaj prirodnosti i potpune slobode postignut je mukotrpnim radom, preciznim proračunima i preciznom kompozicijskom konstrukcijom.

Teško je zamisliti veću antitezu Degasovoj umjetnosti od slikarstva Auguste Renoir jedan od najsunčanijih i najpoželjnijih umjetnika u Francuskoj, kojeg je A.V. Lunacharsky nazvao "slikarom sreće". Renoirova najveća postignuća povezana su s prikazom žena i djece. Njegov omiljeni tip su žene s oblinama, napućenim usnama, prćastim nosem i šarmantno nepromišljenim očima. Slika ih odjevene i gole, vani na kiši, na ljuljački u vrtu, na kupanju ili na doručku s preplanulim lađarima. Modeli su mu djevojke iz naroda i siromašne građanke, zdrave i svježe, ne nose steznik i ne stide se golotinje

U posljednjoj trećini 19.st. Francuska umjetnost još uvijek igra veliku ulogu u umjetničkom životu zapadnoeuropskih zemalja. U to su se vrijeme u slikarstvu pojavili mnogi novi pravci čiji su predstavnici tražili vlastite načine i oblike kreativnog izražavanja.

Najupečatljiviji i najznačajniji fenomen francuska umjetnost ovog razdoblja postao impresionizam.

Impresionisti su pokazali svoju prisutnost 15. travnja 1874. na pariškoj izložbi, održanoj pod na otvorenom na Bulevaru Kapucina. Ovdje je svoje slike izložilo 30 mladih umjetnika čije je radove Salon odbio. Središnje mjesto na izložbi zauzela je slika Claudea Moneta „Impresija. Izlazak sunca". Ova je kompozicija zanimljiva jer je prvi put u povijesti slikarstva umjetnik pokušao na platno prenijeti svoj dojam, a ne predmet stvarnosti.

Izložbu je posjetio predstavnik izdanja “Charivari”, reporter Louis Leroy. On je prvi nazvao Moneta i njegove suradnike "impresionistima" (od francuskog dojma - dojam), čime je izrazio svoju negativnu ocjenu njihovog slikarstva. Ubrzo je ovo ironično ime izgubilo svoj izvornik negativno značenje i zauvijek ušao u povijest umjetnosti.

Izložba na Boulevard des Capucines postala je svojevrsni manifest, koji je proglasio pojavu novog pokreta u slikarstvu. Sudjelovali su O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaumin, kao i majstori starije generacije - E. Boudin, C. Daubigny, I. Ionkind. u tome.

Impresionistima je bilo najvažnije prenijeti dojam onoga što su vidjeli, uhvatiti kratki trenutak života na platnu. Time su impresionisti sličili fotografima. Radnja za njih nije imala gotovo nikakvo značenje. Teme za svoje slike umjetnici su uzimali iz svakodnevnog života oko sebe. Slikali su mirne ulice, večernje kavane, seoske pejzaže, gradske zgrade, obrtnike na poslu. Važnu ulogu u njihovim slikama imala je igra svjetla i sjene. sunčeve zrake, skačući po predmetima i dajući im pomalo neobičan i iznenađujuće živahan izgled. Kako bi vidjeli predmete u prirodnom svjetlu i prenijeli promjene koje se događaju u prirodi u različito doba dana, umjetnici impresionisti napustili su svoje radionice i otišli na otvoreni zrak (plener).

Impresionisti su primijenili novu tehnika slikanja: boje se nisu miješale na štafelaju, već su se odmah nanosile na platno u zasebnim potezima. Ova tehnika omogućila je prenošenje osjećaja dinamike, blagih vibracija zraka, kretanja lišća na drveću i vode u rijeci.

Tipično, slike predstavnika ovog pokreta nisu imale jasnu kompoziciju. Umjetnik je na platno prenio trenutak ugrabljen iz života, pa je njegov rad podsjećao na slučajno snimljenu fotografiju. Impresionisti se nisu držali jasnih granica žanra; na primjer, portret je često nalikovao svakodnevnoj sceni.

Od 1874. do 1886. impresionisti su organizirali 8 izložbi, nakon čega se grupa raspala. Što se tiče javnosti, oni su, kao i većina kritičara, novu umjetnost doživljavali s neprijateljstvom (na primjer, slike C. Moneta nazivane su "daubs"), pa su mnogi umjetnici koji su predstavljali ovaj pokret živjeli u krajnjem siromaštvu, ponekad bez sredstava da završe ono što su započeli sliku. I tek krajem 19. - početkom 20. stoljeća. situacija se radikalno promijenila.

U svom stvaralaštvu impresionisti su koristili iskustva svojih prethodnika: romantičara (E. Delacroix, T. Géricault), realista (C. Corot, G. Courbet). Na njih su veliki utjecaj imali pejzaži J. Constablea.

E. Manet odigrao je značajnu ulogu u nastanku novog pokreta.

Edouarda Maneta

Edouard Manet, rođen 1832. u Parizu, jedna je od najznačajnijih ličnosti u povijesti svjetskog slikarstva, koja je postavila temelje impresionizmu.

Na formiranje njegova umjetničkog svjetonazora uvelike je utjecao poraz Francuske buržoaske revolucije 1848. Taj je događaj toliko uzbudio mladog Parižanina da je odlučio očajnički korak i pobjegao od kuće, postavši mornar na morskom jedrenjaku. Međutim, u budućnosti nije toliko putovao, posvećujući svu svoju mentalnu i tjelesnu snagu radu.

Manetovi roditelji, kulturni i bogati ljudi, sanjali su o administrativnoj karijeri za svog sina, ali njihovim nadama nije bilo suđeno da se ostvare. Slikarstvo je bilo ono što je zanimalo mladića, te je 1850. godine upisao Školu likovnih umjetnosti, radionicu Couture, gdje je stekao dobru stručnu izobrazbu. Tu je nadobudni umjetnik osjetio gađenje prema akademskim i salonskim klišejima u umjetnosti, koji ne mogu u potpunosti odražavati ono što je jedino moguće istinskom majstoru sa svojim individualnim stilom slikanja.

Stoga, nakon što je neko vrijeme učio u Coutureovoj radionici i stekao iskustvo, Manet ju je 1856. napustio i okrenuo se platnima svojih velikih prethodnika izloženim u Louvreu, kopirajući ih i pažljivo proučavajući. Na njegove su stvaralačke poglede veliki utjecaj imala djela majstora Tiziana, D. Velazqueza, F. Goye i E. Delacroixa; mladi se umjetnik naklonio pred ovim posljednjim. Godine 1857. Manet je posjetio velikog maestra i zatražio dopuštenje da napravi nekoliko kopija njegovog "Barque Dantea", koje su do danas preživjele u Metropolitan Museum of Art u Lyonu.

Druga polovica 1860-ih. umjetnik se posvetio proučavanju muzeja u Španjolskoj, Engleskoj, Italiji i Nizozemskoj, gdje je kopirao slike Rembrandta, Tiziana i drugih. Godine 1861. njegova su djela “Portret roditelja” i “Gitarista” dobila pohvale kritike i nagrađena “. Časni spomen."

Proučavanje djela starih majstora (uglavnom Mlečana, Španjolaca 17. stoljeća, a kasnije i F. Goye) i njegovo promišljanje dovodi do činjenice da je do 1860-ih. u Manetovoj umjetnosti postoji proturječje, koje se očituje u nametanju muzejskog otiska na neke od njegovih rane slike, koji uključuju: “Španjolski pjevač” (1860.), dijelom “Dječak sa psom” (1860.), “Stari svirač” (1862.).

Što se tiče junaka, umjetnik ih, poput realista sredine 19. stoljeća, pronalazi u uzavreloj pariškoj gomili, među šetačima vrtom Tuileries i redovitim posjetiteljima kavana. U osnovi je svijetao i šareni svijet boemi - pjesnici, glumci, umjetnici, modeli, sudionici španjolskih borbi s bikovima: “Glazba u Tuileriesu” (1860.), “Ulična pjevačica” (1862.), “Lola iz Valencije” (1862.), “Ručak na travi” (1863.). ), “Flautistica” (1866.), “Portret E. Zsla” (1868.).

Među ranim slikama posebno mjesto zauzima “Portret roditelja” (1861.), koji predstavlja vrlo preciznu realističnu skicu izgleda i karaktera starijeg para. Estetski značaj slike nije samo u detaljnom prodiranju u duhovni svijet likova, ali iu tome koliko je točno prenesena kombinacija zapažanja i bogatstva slikovnog razvoja, što ukazuje na poznavanje umjetničke tradicije E. Delacroixa.

Još jedno platno, koje je slikarevo programatsko djelo i, treba reći, vrlo tipično za njegov rani rad, jest “Doručak na travi” (1863.). Na ovoj slici Manet je preuzeo određenu kompoziciju zapleta, potpuno lišenu bilo kakvog značaja.

Slika se može promatrati kao slika dvoje umjetnika koji doručkuju u krilu prirode, okruženi ženskim modelima (u stvari, umjetnikov brat Eugene Manet, F. Lenkoff i jedna manekenka, Victorine Meran, čijim je uslugama Manet pribjegao prilično često pozirao za sliku). Jedan je ušao u potok, a drugi, gol, sjedi u društvu dvojice umjetnički odjevenih muškaraca. Kao što je poznato, motiv sučeljavanja odjevenog muškarca i golog žensko tijelo je tradicionalna i seže do Giorgioneove slike "Ruralni koncert", koja se nalazi u Louvreu.

Kompozicijski raspored figura djelomično reproducira poznatu renesansnu gravuru Marcantonija Raimondija s Rafaelove slike. Ovo platno, takoreći, polemički tvrdi dvije međusobno povezane pozicije. Jedna je potreba prevladavanja klišeja salonske umjetnosti, koja je izgubila istinsku vezu s velikom umjetničkom tradicijom, te izravnog okretanja realizmu renesanse i 17. stoljeća, odnosno pravim ishodištima realističke umjetnosti modernog doba. . Druga odredba potvrđuje pravo i dužnost umjetnika da prikazuje likove iz svakodnevnog života oko sebe. U to je vrijeme takva kombinacija nosila određenu proturječnost. Većina je smatrala da se novi stupanj u razvoju realizma ne može postići ispunjavanjem starih kompozicijskih shema novim tipovima i likovima. No, Edouard Manet uspio je prevladati dvojnost načela svog slikarstva rano razdoblje kreativnost.

Međutim, unatoč tradicionalnoj prirodi zapleta i kompozicije, kao i prisutnosti slika salonskih majstora koji prikazuju gole mitske ljepotice u otvorenim zavodljivim pozama, Manetovo platno izazvalo je veliki skandal među modernom buržoazijom. Javnost je bila šokirana sučeljavanjem nagog ženskog tijela s prozaično svakodnevnom, modernom muškom odjećom.

Što se tiče slikovnih normi, “Doručak na travi” napisan je u kompromisu svojstvenom šezdesetim godinama 19. stoljeća. na način karakteriziran tendencijom prema tamne boje, crne sjene, kao i ne uvijek dosljedna uporaba plenerističke rasvjete i otvorene boje. Pogledamo li preliminarnu skicu rađenu u akvarelu, onda je na njoj (više nego na samoj slici) uočljivo koliki je majstorov interes za nove slikarske probleme.

Slika "Olympia" (1863.), koja prikazuje obris ležeće gole žene, čini se da se odnosi na općeprihvaćene kompozicijske tradicije - sličnu sliku nalazimo kod Giorgionea, Tiziana, Rembrandta i D. Velazqueza. No, u svom stvaralaštvu Manet ide drugim putem, slijedeći F. Goyu (“Gola Macha”) i odbacujući mitološku motivaciju radnje, interpretaciju slike koju su uveli Mlečani, a djelomično sačuvao D. Velazquez (“Venera” s ogledalom”).

"Olympia" uopće nije poetski promišljena slika ženske ljepote, već ekspresivan, majstorski izveden portret, precizno i, moglo bi se čak reći, pomalo hladno prenosi sličnost s Victorine Meran, stalnim Manetovim uzorom. Slikar pouzdano prikazuje prirodno bljedilo tijela moderne žene koja se boji sunčevih zraka. Dok su stari majstori isticali poetsku ljepotu nagog tijela, muzikalnost i harmoniju njegovih ritmova, Manet se usredotočuje na prenošenje motiva životnog karaktera, potpuno se odmičući od poetskog idealiziranja svojstvenog njegovim prethodnicima. Tako, primjerice, gesta lijevom rukom Giorgioneove Venere u “Olimpiji” u svojoj ravnodušnosti poprima gotovo vulgaran ton. Iznimno je karakteristično gledateljevo ravnodušno, ali istodobno pažljivo hvatanje pogleda gledatelja, u kontrastu sa samozaokupljenošću Giorgioneove Venere i osjetljivom sanjivošću Tizianove Venere iz Urbina.

Na ovoj slici postoje znakovi prijelaza u sljedeću fazu razvoja kreativan način slikar. Dolazi do promišljanja uobičajene kompozicijske sheme, koja se sastoji od prozaičnog promatranja i slikovite i umjetničke vizije svijeta. Jukstapozicija trenutno uhvaćenih oštrih kontrasta pridonosi rušenju uravnoteženog skladnog sklada starih majstora. Tako se statika modela koji takoreći pozira sudara s dinamikom u slikama crne žene i crne mačke koja izvija leđa. Promjene dotiču i slikarske tehnike koje daju novo razumijevanje figurativnih zadataka. umjetnički jezik. Edouard Manet, kao i mnogi drugi impresionisti, posebice Claude Monet i Camille Pissarro, napušta zastarjeli sustav slikanja koji se razvio u 17. stoljeću. (podslikavanje, copywriting, glazura). Od tog vremena počela su se slikati platna tehnikom nazvanom "a la prima", koju karakterizira veća spontanost i emocionalnost, bliska etidama i skicama.

Razdoblje prijelaza od ranog do zrelog stvaralaštva, koje je za Maneta zauzelo gotovo cijelu drugu polovicu 1860-ih, predstavljeno je slikama kao što su "Flautist" (1866.), "Balkon" (oko 1868.-1869.) itd. .

Prva slika, na neutralnoj maslinastosivoj pozadini, prikazuje dječaka svirača koji diže flautu do usana. Izražajnost suptilnog pokreta, ritmički odjek preljeva zlatnih gumba na plavoj odori uz lagano i brzo klizanje prstiju po rupama flaute govore o urođenom umijeću i suptilnoj opservaciji majstora. Unatoč tome što je ovdje slikarski stil prilično gust, kolorit težak, a umjetnik još nije okrenut plenerizmu, ova slika u većoj mjeri od svih ostalih anticipira zrelo razdoblje Manetovog stvaralaštva. Što se tiče “Balkona”, on je bliži “Olimpiji” nego djelima iz 1870-ih.

Godine 1870-1880 Manet postaje vodeći slikar svog vremena. I premda su ga impresionisti smatrali svojim idejnim vođom i inspiratorom, a i sam se uvijek s njima slagao u tumačenju temeljnih pogleda na umjetnost, njegovo je djelo mnogo šire i ne uklapa se u okvire nijednog pravca. Manetov tzv. impresionizam zapravo je bliži umjetnosti japanskih majstora. Pojednostavljuje motive, dovodeći u ravnotežu dekorativno i stvarno, stvarajući generaliziranu predodžbu o onome što je vidio: čisti dojam, lišen ometajućih detalja, izraz radosti osjeta (“Na obali mora”, 1873.) .

Osim toga, kao dominantni žanr, nastoji sačuvati kompozicijski cjelovitu sliku, gdje glavno mjesto zauzima slika osobe. Manetova umjetnost je završna faza u razvoju stoljetne tradicije realizma slika zapleta, čiji se nastanak dogodio tijekom renesanse.

U kasnijim Manetovim djelima postoji tendencija odmaka od detaljne interpretacije detalja okoline koja okružuje portretiranog junaka. Tako se u Mallarméovu portretu, punom nervozne dinamike, umjetnik fokusira na naizgled slučajno uočenu pjesnikovu gestu, koji je u snenom raspoloženju spustio ruku s dimljenom cigarom na stol. Unatoč svoj nedorečenosti, glavna stvar u Mallarméovom karakteru i mentalnom sklopu uhvaćena je iznenađujuće precizno, s velikim uvjerenjem. Dubinska karakterizacija unutarnjeg svijeta pojedinca, karakteristična za portrete J. L. Davida i J. O. D. Ingresa, ovdje je zamijenjena oštrijom i izravnijom karakteristikom. Takav je nježno poetičan portret Berthe Morisot s lepezom (1872.) i elegantna pastelna slika Georgea Moorea (1879.).

Umjetnikov rad uključuje radove vezane uz povijesne teme i značajne događaje iz društvenog života. Međutim, treba napomenuti da su te slike manje uspjele, jer su problemi ove vrste bili strani njegovom umjetničkom talentu, rasponu ideja i ideja o životu.

Tako, na primjer, pristup događajima Građanski rat između Sjevera i Juga u SAD-u rezultirala je prikazom potonuća korsarskog broda južnjaka od strane sjevernjaka ("Bitka Kirsezhe s Alabamom", 1864.), a epizoda se velikim dijelom može zahvaliti pejzažu, gdje ratni brodovi služe kao osoblje. “Pogubljenje Maksimilijana” (1867.), u biti, ima karakter žanrovske crtice, lišene ne samo interesa za sukob borbenih Meksikanaca, već i same dramatičnosti događaja.

Temu moderne povijesti Manet je dotaknuo u danima Pariške komune ("Pogubljenje komunara", 1871.). Suosjećajan odnos prema komunjarama zasluga je autora slike, kojeg takvi događaji nikada prije nisu zanimali. No, unatoč tome, njezina je umjetnička vrijednost niža od ostalih slika, jer se zapravo ovdje ponavlja kompozicijska shema "Maksimilijanova pogubljenja", a autor se ograničava samo na skicu, koja uopće ne odražava značenje slike. brutalni sraz dva suprotstavljena svijeta.

Nakon toga, Manet se više nije okrenuo povijesnom žanru, koji mu je bio stran, radije je otkrivao umjetničko i ekspresivno početak u epizodama, pronalazeći ih u tijeku svakidašnjica. Pritom je pomno birao posebno karakteristične trenutke, tražio najizrazitiji kut gledanja, a zatim ih s velikom vještinom reproducirao u svojim slikama.

Draž većine djela ovog razdoblja ne duguje se toliko značaju prikazanog događaja, koliko dinamičnosti i duhovitoj autorovoj opservaciji.

Izvanredan primjer plenerističke grupne kompozicije je slika "U čamcu" (1874.), gdje je kombinacija obrisa krme jedrilice, suzdržane energije pokreta kormilara, sanjive gracioznosti sjedećeg dama, prozirnost zraka, osjećaj svježine povjetarca i klizno kretanje čamca stvaraju neopisivu sliku punu lagane radosti i svježine.

Posebnu nišu u Manetovu stvaralaštvu zauzimaju mrtve prirode, karakteristične za različita razdoblja njegovu kreativnost. Tako rana mrtva priroda “Božuri” (1864.-1865.) prikazuje rascvjetane crvene i bijelo-ružičaste pupoljke, kao i cvjetove koji su već procvjetali i počinju venuti, padajući svoje latice na stolnjak koji pokriva stol. Kasniji radovi odlikuju se opuštenom skicoznošću. U njima slikar nastoji dočarati sjaj cvijeća, obavijen atmosferom prožetom svjetlošću. Riječ je o slici “Ruže u kristalnoj čaši” (1882-1883).

Na kraju svog života, Manet je, očito, doživio nezadovoljstvo onim što je postigao i pokušao se vratiti pisanju velikih, cjelovitih kompozicija na drugoj razini vještine. U to je vrijeme počeo raditi na jednoj od najznačajnijih slika - "Bar u Folies Bergere" (1881.-1882.), u kojoj se približio novoj razini, novoj etapi u razvoju svoje umjetnosti, prekinutoj smrću. (kao što je poznato, u Dok je radio, Manet je bio ozbiljno bolestan). U središtu kompozicije je lik mlade prodavačice okrenute prema gledatelju. Pomalo umorna, atraktivna plavuša, odjevena u tamnu haljinu dubokog struka, stoji na pozadini golemog zrcala koje zauzima cijeli zid u kojem se odražava sjaj treperavog svjetla i nejasni, mutni obrisi publike koja sjedi u kafiću. stolovi. Žena je okrenuta prema dvorani, u kojoj se čini da se nalazi i sam gledatelj. Ova osebujna tehnika daje, na prvi pogled, tradicionalnoj slici određenu nestabilnost, sugerirajući usporedbu stvarnog i reflektiranog svijeta. Istodobno, središnja os slike ispada da je pomaknuta u desni kut, u kojem, prema karakteristikama 1870-ih. recepcije, okvir slike malo zaklanja figuru čovjeka s cilindrom, u ogledalu koji razgovara s mladom prodavačicom.

Dakle, u ovom radu kombinira se klasično načelo simetrije i stabilnosti dinamički pomak na stranu, kao i kod rascjepkanosti, kada se iz jedne struje života otme određeni trenutak (fragment).

Pogrešno bi bilo misliti da je radnja “Banka u Folies Bergereu” lišena značajnog sadržaja i da predstavlja svojevrsnu monumentalizaciju nevažnog. Lik mlade žene, ali već iznutra umorne i ravnodušne prema okolnom maskenbalu, njezin lutajući pogled okrenut nigdje, otuđenost od iluzornog sjaja života iza nje, unose značajnu semantičku nijansu u rad, zadivljujući gledatelja svojom neočekivanošću .

Gledatelj se divi jedinstvenoj svježini dviju ruža koje stoje na šanku u kristalnoj čaši svjetlucavih rubova; i odmah se nameće usporedba ovog raskošnog cvijeća s poluuvelim ružom u zagušljivosti dvorane, zakačenom na dekolteu haljine prodavačice. Gledajući sliku, uočava se jedinstven kontrast između svježine njezinih poluotvorenih prsa i ravnodušnog pogleda koji luta po masi. Ovo se djelo smatra programskim u umjetnikovom radu, jer predstavlja elemente svih njegovih omiljenih tema i žanrova: portret, mrtvu prirodu, razne svjetlosne efekte, kretanje gomile.

Općenito, ostavština koju je ostavio Manet predstavljena je u dva aspekta, posebno vidljiva u njegovom posljednjem djelu. Kao prvo, on svojim radom zaokružuje i iscrpljuje razvoj klasične realističke tradicije francuskog jezika umjetnost 19. stoljeća st., a drugo, polaže u umjetnost prve izdanke onih struja koje će pokupiti i razviti tragači za novim realizmom u 20. stoljeću.

Puno i službeno priznanje slikar je dobio u posljednjim godinama života, naime 1882. godine, kada je odlikovan Ordenom Legije časti (glavna nagrada Francuske). Manet je umro 1883. u Parizu.

Claude Monet

Claude Monet, francuski umjetnik, jedan od začetnika impresionizma, rođen je 1840. godine u Parizu.

Budući da je bio sin skromnog trgovca mješovitom robom koji se preselio iz Pariza u Rouen, mladi Monet na početku svoje kreativne karijere crtao je smiješne karikature, a potom je učio kod rouenskog pejzažista Eugenea Boudina, jednog od tvoraca plenerističkog realističkog pejzaža. Boudin nije samo uvjerio budućeg slikara u potrebu rada na otvorenom, već mu je uspio usaditi ljubav prema prirodi, pažljivom promatranju i istinitom prenošenju onoga što je vidio.

Godine 1859. Monet odlazi u Pariz s ciljem da postane pravi umjetnik. Roditelji su sanjali o njegovom upisu u školu likovnih umjetnosti, ali mladić ne opravdava njihove nade i strmoglavo ulazi u boemski život, sklapajući brojna poznanstva u umjetničkoj zajednici. Potpuno lišen financijske potpore roditelja, a samim time i bez sredstava za život, Monet je bio prisiljen pridružiti se vojsci. No, i nakon povratka iz Alžira, gdje je morao obavljati tešku službu, nastavlja voditi svoj prijašnji način života. Nešto kasnije upoznao je I. Ionkinda koji ga je fascinirao radom na skicama u punoj veličini. A onda posjećuje Suisseov atelje, neko vrijeme uči u ateljeu tada poznatog akademskog slikara M. Gleyrea, a zbližava se i sa skupinom mladih umjetnika (J. F. Bazille, C. Pissarro, E. Degas, P. Cezanne, O . Renoir, A. Sisley i dr.), koji su, kao i sam Monet, tražili nove putove razvoja u umjetnosti.

Najveći utjecaj na nadobudnog slikara nije imala škola M. Gleyrea, već prijateljstvo s istomišljenicima, gorljivim kritičarima salonskog akademizma. Upravo zahvaljujući tom prijateljstvu, međusobnoj podršci, mogućnosti razmjene iskustava i razmjene postignuća rođen je novi slikarski sustav, koji je kasnije dobio naziv “impresionizam”.

Osnova reforme bila je da se radilo na otvorenom, pod vedrim nebom. Istodobno, umjetnici su na otvorenom slikali ne samo skice, već i cijelu sliku. U neposrednom dodiru s prirodom sve su se više uvjeravali da se boja predmeta stalno mijenja ovisno o promjenama osvjetljenja, stanju atmosfere, blizini drugih predmeta koji odaju reflekse boja i mnogim drugim čimbenicima. Upravo su te promjene nastojali prenijeti kroz svoja djela.

Godine 1865. Monet je odlučio naslikati veliko platno "u duhu Maneta, ali na otvorenom". Bio je to “Ručak na travi” (1866.) - njegovo prvo najznačajnije djelo, koje prikazuje elegantno odjevene Parižane koji izlaze iz grada i sjede u hladovini stabla oko stolnjaka položenog na zemlju. Djelo karakterizira tradicionalna priroda zatvorene i uravnotežene kompozicije. Međutim, pozornost umjetnika nije usmjerena toliko na sposobnost prikazivanja ljudskih likova ili stvaranja izražajne sižejne kompozicije, koliko na uklapanje ljudskih figura u okolni krajolik i prenijeti atmosferu lakoće i opuštenosti koja vlada među njima. Da bi stvorio ovaj efekt, umjetnik veliku pozornost posvećuje prijenosu sunčeve svjetlosti koja se probija kroz lišće, igrajući se na stolnjaku i haljini mlade dame koja sjedi u sredini. Monet precizno hvata i prenosi igru ​​refleksa boja na stolnjaku i prozirnost lagane ženske haljine. Ovim otkrićima počinje se razbijati stari sustav slikanja, stavljajući naglasak na tamne sjene i gust materijalni način izvedbe.

Od tog vremena Monetov pristup svijetu postao je krajolik. Ljudski karakter i odnosi među ljudima sve ga manje zanimaju. Događaji 1870-1871 prisilio Moneta da emigrira u London, odakle putuje u Nizozemsku. Po povratku naslikao je nekoliko slika koje su postale programske u njegovom radu. To uključuje “Impresija. Izlazak sunca (1872), Jorgovani na suncu (1873), Boulevard des Capucines (1873), Polje makova u Argenteuilu (1873) itd.

Godine 1874. neke od njih bile su izložene na poznatoj izložbi koju je organiziralo Anonimno društvo slikara, umjetnika i gravera na čijem je čelu bio sam Monet. Nakon izložbe, Moneta i skupinu istomišljenika počeli su nazivati ​​impresionistima (od francuskog dojma - dojam). Do tog su se vremena Monetova umjetnička načela, karakteristična za prvu fazu njegova rada, konačno oblikovala u određeni sustav.

U plenerističkom pejzažu “Jorgovani na suncu” (1873.), koji prikazuje dvije žene koje sjede u sjeni velikih grmova rascvjetanih jorgovana, njihove su figure obrađene na isti način i s istim intenzitetom kao i sami grmovi i trava na kojima sjede. Likovi ljudi samo su dio ukupnog krajolika, a osjećaj meke topline ranog ljeta, svježine mladog lišća, izmaglice sunčan dan prenesena s izvanrednom živopisnošću i neposrednom uvjerljivošću, neuobičajenom za ono doba.

Još jedna slika - "Boulevard des Capucines" - odražava sve glavne kontradikcije, prednosti i nedostatke impresionističke metode. Ovdje je vrlo precizno prenesen trenutak izvučen iz toka života. veliki grad: osjećaj dosadne monotone buke uličnog prometa, vlažna prozirnost zraka, zrake veljačkog sunca koje klize po golim granama drveća, film sivkastih oblaka koji prekrivaju plavo nebo... Slika predstavlja prolazan , ali ipak budnog i zapaženog pogleda umjetnika, i to osjetljivog umjetnika, koji reagira na sve pojave života. Činjenicu da je pogled doista bačen slučajno naglašava promišljena kompozicija
tehnika: okvir slike desno kao da odsijeca figure muškaraca koji stoje na balkonu.

Slike ovog razdoblja daju gledatelju osjećaj da je on sam glumac ovo slavlje života, ispunjeno suncem i neprestanim žamorom elegantne gomile.

Skrasivši se u Argenteuilu, Monet je s velikim zanimanjem slikao Seinu, mostove, lake jedrenjake koji klize vodenom površinom...

Krajolik ga toliko očara da, prepustivši se neodoljivoj privlačnosti, sagradi si mali čamac iu njemu dospijeva u rodni Rouen, i tamo, zadivljen uočenom slikom, iskazuje svoje osjećaje u skicama koje prikazuju predgrađe grada i velikih mora koji ulaze u ušće riječnih brodova (“Argenteuil”, 1872; “Jedrenjak u Argenteuilu”, 1873-1874).

1877. obilježena je stvaranjem niza slika koje prikazuju stanicu Saint-Lazare. Oni su ocrtali novu etapu u Monetovu stvaralaštvu.

Od tog vremena slike-skice, koje se odlikuju svojom cjelovitošću, ustupile su mjesto djelima u kojima je glavni bio analitički pristup prikazanom ("Gare Saint-Lazare", 1877.). Promjena stila slikanja povezana je s promjenama u umjetnikovu osobnom životu: njegova supruga Camilla teško se razboli, a obitelj je opterećena siromaštvom uzrokovanim rođenjem drugog djeteta.

Nakon smrti njegove supruge, Alice Goshede, čija je obitelj unajmila istu kuću u Veteilu kao i Monet, preuzela je brigu o djeci. Ta je žena kasnije postala njegova druga žena. Nakon nekog vremena Monetova financijska situacija se toliko popravila da je mogao kupiti vlastitu kuću u Givernyju, gdje je radio ostatak vremena.

Slikar ima istančan osjećaj za nove trendove, što mu omogućuje da mnoge stvari predviđa s nevjerojatnom pronicljivošću.
od onoga što bi postigli umjetnici s kraja XIX - početka XX. stoljeća. Mijenja stav prema boji i temama
slike Sada je njegova pozornost koncentrirana na izražajnost sheme boja poteza u izolaciji od njegove predmetne korelacije, pojačavajući dekorativnost. Naposljetku, stvara panoe. Jednostavni predmeti 1860-1870. ustupaju mjesto složenim motivima bogatim raznim asocijativnim vezama: epskim slikama stijena, elegijskim redovima topola (»Stijene na Belle-Isleu«, 1866.; »Topole«, 1891.).

Ovo razdoblje obilježeno je brojnim serijskim djelima: kompozicije “Stogovi sijena” (“Stog sijena u snijegu. Tmuran dan”, 1891.; “Stog sijena. Kraj dana. Jesen”, 1891.), slike katedrale u Rouenu (“Katedrala u Rouenu” u podne”, 1894. itd.), vedute Londona (“Magla u Londonu”, 1903. itd.). I dalje radeći u impresionističkoj maniri i koristeći raznoliki tonalitet svoje palete, majstor postavlja cilj da s najvećom točnošću i pouzdanošću dočara kako se osvjetljenje istih predmeta može mijenjati u različitim vremenskim uvjetima tijekom dana.

Ako pažljivije pogledate seriju slika o katedrali u Rouenu, postaje jasno da katedrala ovdje nije utjelovljenje složeni svijet misli, iskustva i ideala ljudi srednjovjekovne Francuske i nije čak ni spomenik umjetnosti i arhitekture, već određena pozadina, polazeći od koje autor prenosi stanje života svjetla i atmosfere. Gledatelj osjeća svježinu jutarnjeg povjetarca, podnevnu vrućinu, meke sjene nadolazeće večeri, koji su pravi junaci ove serije.

No, osim toga, takve su slike neobične dekorativne kompozicije koje, zahvaljujući nenamjernim asocijativnim vezama, u promatrača ostavljaju dojam dinamike vremena i prostora.

Nakon što se s obitelji preselio u Giverny, Monet je proveo puno vremena u vrtu, baveći se njegovom slikovnom organizacijom. Ta je djelatnost toliko utjecala na umjetnikove poglede da je umjesto svakodnevnog svijeta u kojem žive ljudi, na svojim platnima počeo prikazivati ​​tajanstveni dekorativni svijet vode i biljaka (“Irisi u Givernyju”, 1923.; “Žalosne vrbe”, 1923.). Otuda i vedute jezerca u kojima plutaju lopoči, prikazane u najpoznatijoj seriji njegovih kasnih panoa (“Bijeli lopoči. Harmonija plavetnila”, 1918.-1921.).

Giverny je postao umjetnikovo posljednje utočište, gdje je umro 1926.

Valja napomenuti da se impresionistički stil pisanja uvelike razlikovao od akademskog stila. Impresioniste, posebice Moneta i njegove suradnike, zanimala je izražajnost kolorita poteza odvojeno od njegove predmetne korelacije. Odnosno, slikali su zasebnim potezima, koristeći samo čiste boje koje nisu bile pomiješane na paleti, dok je željeni ton već bio formiran u percepciji gledatelja. Dakle, za lišće drveća i trave, uz zelenu, korištene su plava i žuta, dajući željenu nijansu zelene na daljinu. Ova metoda je djelima impresionističkih majstora dala posebnu čistoću i svježinu svojstvenu samo njima. Zasebno postavljeni potezi stvaraju dojam reljefne i naizgled vibrirajuće površine.

Pierre Auguste Renoir

Pierre Auguste Renoir, francuski slikar, grafičar i kipar, jedan od vođa impresionističke skupine, rođen je 25. veljače 1841. u Limogesu, u siromašnoj obitelji provincijskog krojača, koji se 1845. preselio u Pariz. Talent mladog Renoira vrlo su rano uočili njegovi roditelji te ga 1854. dodijelili u radionicu za oslikavanje porculana. Dok je posjećivao radionicu, Renoir je paralelno studirao u školi za crtanje i primijenjenu umjetnost, a 1862. godine, uštedjevši novac (zarađujući slikanjem grbova, zavjesa i lepeza), mladi umjetnik upisao je školu likovnih umjetnosti. Nešto kasnije počeo je posjećivati ​​radionicu C. Gleyrea, gdje se blisko sprijateljio s A. Sisleyem, F. Basileom i C. Monetom. Često je posjećivao Louvre, proučavajući djela takvih majstora kao što su A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard.

Komunikacija sa skupinom impresionista navodi Renoira da razvije vlastiti stil vizije. Primjerice, za razliku od njih, on se u cijelom svom stvaralaštvu okrenuo liku osobe kao glavnom motivu svojih slika. Osim toga, njegov rad, iako je bio pleneristički, nikada se nije rasplinuo
plastična težina materijalnog svijeta u svjetlucavom okruženju svjetla.

Slikarevo korištenje chiaroscura, dajući slici gotovo skulpturalni oblik, čini rani radovi slično djelima nekih realističkih umjetnika, posebice G. Courbeta. No, sve svjetlija shema boja, jedinstvena za Renoira, razlikuje ovog majstora od njegovih prethodnika ("Taverna majke Anthonyja", 1866.). U mnogim umjetnikovim radovima primjetan je pokušaj prenošenja prirodne plastičnosti kretanja ljudskih figura na otvorenom. U “Portretu Alfreda Sisleya sa suprugom” (1868.) Renoir pokušava prikazati osjećaj koji veže bračni par koji hoda ruku pod ruku: Sisley je na trenutak zastao i nježno se nagnuo prema supruzi. Na ovoj slici, kompozicijom koja podsjeća na okvir fotografije, motiv kretanja je još uvijek slučajan i praktički nesvjestan. No, u usporedbi s Krčmom, figure u Portretu Alfreda Sisleya i njegove žene djeluju opuštenije i življe. Još jedna važna točka je značajna: supružnici su prikazani u prirodi (u vrtu), ali Renoir još nema iskustva u prikazivanju ljudskih figura na otvorenom.

“Portret Alfreda Sisleya sa suprugom” prvi je umjetnikov korak na putu nove umjetnosti. Sljedeća faza u umjetnikovom radu bila je slika "Kupanje na Seini" (oko 1869.), gdje su figure ljudi koji šetaju obalom, kupači, kao i čamci i skupine drveća spojeni u jednu cjelinu. svjetlo-zračni ugođaj prekrasnog ljetnog dana. Slikar se već slobodno služi obojenim sjenama i svjetlobojnim refleksima. Njegov udarac postaje živ i energičan.

Kao i C. Moneta, Renoira zanima problem uključivanja ljudske figure u svijet okoline. Taj problem umjetnik rješava slikom “Ljuljačka” (1876.), ali na nešto drugačiji način od C. Moneta, kod kojeg likovi ljudi kao da se rastapaju u krajoliku. Renoir uvodi nekoliko ključnih figura u svoju kompoziciju. Slikovit način izrade ovog platna vrlo prirodno prenosi atmosferu vrućeg ljetnog dana, umekšanu sjenom. Sliku prožima osjećaj sreće i veselja.

Sredinom 1870-ih. Renoir je naslikao takva djela kao što je suncem probušen krajolik "Put u livadama" (1875.), ispunjen svjetlom, živahnim pokretom i nedostižnom igrom jarkih svjetla "Moulin de la Galette" (1876.), kao i "Kišobrani" ( 1883), “Konačište” (1874) i Kraj doručka (1879). Ove prekrasne slike nastale su unatoč činjenici da je umjetnik morao raditi u teškom okruženju, budući da je nakon skandalozne izložbe impresionista (1874.) Renoirov rad (kao i rad njegovih istomišljenika) bio podložan oštrom udaru. napadi tzv. poznavatelja umjetnosti. Međutim, ovo Teško vrijeme Renoir je osjećao podršku dvojice bliskih ljudi: brata Edmonda (izdavača časopisa La Vie Moderne) i Georgesa Charpentiera (vlasnika tjednika). Pomogli su umjetniku da dobije malu svotu novca i unajmi studio.

Valja napomenuti da je u kompozicijskom smislu krajolik "Put u livadama" vrlo blizak "Maques" (1873) C. Moneta, međutim, slikovna tekstura Renoirovih platna odlikuje se većom gustoćom i materijalnošću. Još jedna razlika u sastavu je nebo. Od Renoira, za koga važno Bila je to upravo materijalnost prirodnog svijeta, nebo zauzima samo mali dio slike, dok se kod Moneta, koji je nebo prikazao po kojem prelijeću sivo-srebrni ili snježnobijeli oblaci, ono uzdiže iznad padine prošarane cvjetanjem. maka, pojačavajući osjećaj prozračnog ljetnog dana ispunjenog suncem.

U skladbama “Moulin de la Galette” (s kojom je umjetniku došao pravi uspjeh), “Kišobrani”, “Kuća” i “Kraj doručka” jasno je izražen interes za naizgled slučajno opaženu životnu situaciju (kao kod Maneta i Degas); Karakteristično je i okretanje tehnici odsijecanja kompozicijskog prostora okvirom, što je također svojstveno E. Degasu i dijelom E. Manetu. Ali, za razliku od potonjih djela, Renoirove slike odlikuju se većom smirenošću i kontemplacijom.

Platno “Loža” u kojem, kao da dalekozorom gleda nizove stolica, autor nehotice nailazi na ložu u kojoj sjedi ljepotica ravnodušnog pogleda. Njezin pratitelj, naprotiv, s velikim zanimanjem gleda u publiku. Dio njegove figure odsječen je okvirom slike.

Radnja "Kraj doručka" predstavlja običnu epizodu: dvije dame odjevene u bijelo i crno, kao i njihov gospodin, dovršavaju doručak u sjenovitom kutku vrta. Stol je već postavljen za kavu, koja se poslužuje u šalicama od finog blijedoplavog porculana. Žene čekaju nastavak priče koju je muškarac prekinuo kako bi zapalio cigaretu. Ova slika nije dramatična ili duboko psihološka; ona privlači pažnju gledatelja svojim suptilnim prikazom najsitnijih nijansi raspoloženja.

Sličan osjećaj smirene vedrine prožima i “Doručak veslača” (1881.), pun svjetlosti i živog pokreta. Figura zgodne mlade dame koja sjedi sa psom u naručju odiše entuzijazmom i šarmom. Umjetnik je na slici prikazao svoju buduću suprugu. Platno “Akt” (1876.) ispunjeno je istim radosnim raspoloženjem, samo u nešto drugačijem lomu. Svježina i toplina tijela mlade žene u kontrastu je s plavičasto-hladnom tkaninom plahti i lana koji čine svojevrsnu pozadinu.

Karakteristična je značajka Renoirovog djela da je čovjek lišen složene psihološke i moralne punine koja je svojstvena slikarstvu gotovo svih realističkih umjetnika. Ova je značajka svojstvena ne samo djelima poput "Akta" (gdje priroda motiva zapleta dopušta odsutnost takvih kvaliteta), već i Renoirovim portretima. No, to njegovom slikarstvu ne oduzima šarm sadržan u vedrini likova.

Te se osobine u najvećoj mjeri osjećaju u poznatom Renoirovu portretu "Djevojka s lepezom" (oko 1881.). Platno je poveznica koja povezuje rani rad Renoira s kasnijom, koju karakterizira hladnija i profinjenija shema boja. U tom razdoblju umjetnik u većoj mjeri nego prije razvija interes za jasne linije, jasan crtež, a također i za lokalnost boje. Veliku ulogu umjetnik pridaje ritmičkim ponavljanjima (polukrug lepeze - polukružni naslon crvenog stolca - nagnuta djevojačka ramena).

Međutim, svi ti trendovi u Renoirovu slikarstvu najpotpunije su se očitovali u drugoj polovici 1880-ih, kada je nastupilo razočaranje u njegov rad i impresionizam općenito. Nakon što je uništio neke od svojih radova, koje je umjetnik smatrao "osušenim", počinje proučavati rad N. Poussina i okreće se crtežu J. O. D. Ingresa. Kao rezultat toga, njegova paleta dobiva posebnu svjetlinu. Počinje tzv “biserno razdoblje”, koje nam je poznato iz djela kao što su “Djevojke za klavirom” (1892.), “Kupačica” (1897.), kao i portreti sinova - Pierrea, Jeana i Claudea - “Gabriel i Jean” (1895. ), "Koko" (1901.).

Osim toga, od 1884. do 1887. Renoir je radio na stvaranju niza verzija velike slike "Kupačice". U njima uspijeva postići jasnu kompozicijsku zaokruženost. Međutim, svi pokušaji da se oživi i promisli tradicija velikih prethodnika, dok se okrene zapletu koji je daleko od velikih problema našeg vremena, završili su neuspjehom. “Kupačice” su samo udaljile umjetnika od neposredne i svježe percepcije života koja mu je prije bila svojstvena. Sve to uvelike objašnjava činjenicu da je od 1890. god. Renoirovo stvaralaštvo slabi: u koloritu njegovih djela počinju prevladavati narančasto-crveni tonovi, a pozadina, lišena prozračne dubine, postaje dekorativna i plošna.

Od 1903. Renoir se nastanio vlastiti dom u Cagnes-sur-Meru, gdje nastavlja raditi na pejzažima, kompozicijama s ljudskim figurama i mrtvim prirodama, u kojima najvećim dijelom prevladavaju gore spomenuti crvenkasti tonovi. Budući da je teško bolestan, umjetnik više ne može sam držati ruke i one su mu vezane za ruke. Međutim, nakon nekog vremena moram potpuno odustati od slikanja. Tada se majstor okreće kiparstvu. Zajedno sa svojim pomoćnikom Guinom stvara nekoliko upečatljivih skulptura koje se odlikuju ljepotom i skladom silueta, radošću i životnom snagom (“Venera”, 1913.; “Velika pralja”, 1917.; “Majčinstvo”, 1916.). Renoir je umro 1919. na svom imanju u Alpes-Maritimesu.

Edgar Degas

Edgar Hilaire Germain Degas, francuski slikar, grafičar i kipar, najveći predstavnik impresionizma, rođen je 1834. godine u Parizu u obitelji bogatog bankara. Kako je bio imućan, stekao je izvrsno obrazovanje na prestižnom liceju nazvanom po Luju Velikom (1845.-1852.). Neko je vrijeme bio student na Pravnom fakultetu Sveučilišta u Parizu (1853.), ali je, osjetivši žudnju za umjetnošću, napustio sveučilište i počeo pohađati atelje umjetnika L. Lamothea (učenika i sljedbenika). of Ingres) i ujedno (od 1855) Školu
likovne umjetnosti Međutim, 1856. godine, neočekivano za sve, Degas napušta Pariz i odlazi na dvije godine u Italiju, gdje s velikim zanimanjem studira i, poput mnogih slikara, kopira djela velikih majstora renesanse. Najveću pažnju posvetio je djelima A. Mantegne i P. Veronesea čije je nadahnuto i živopisno slikarstvo mladi umjetnik visoko cijenio.

Rani Degasovi radovi (uglavnom portreti) odlikuju se jasnim i preciznim crtežom i suptilnim zapažanjem, u kombinaciji s izrazito suzdržanim načinom slikanja (skice njegova brata, 1856.-1857.; crtež glave barunice Belleli, 1859.) ili s upečatljivom istinitošću. smaknuća (portret talijanske prosjakinje, 1857.).

Vrativši se u domovinu, Degas se okrenuo povijesnoj temi, ali joj je dao interpretaciju nekarakterističnu za to vrijeme. Tako u skladbi "Spartanske djevojke izazivaju mladiće na natjecanje" (1860.) majstor, zanemarujući konvencionalnu idealizaciju antičke radnje, nastoji je utjeloviti onakvom kakva je mogla biti u stvarnosti. Antika ovdje, kao i na drugim njegovim slikama povijesna tema, kao da je prošao kroz prizmu modernosti: slike djevojčica i dječaka drevne Sparte uglatih oblika, tankih tijela i oštrih pokreta, prikazanih na pozadini svakodnevnog prozaičnog krajolika, daleko su od klasičnih ideja i više podsjećaju na obične tinejdžere u pariškim predgrađima nego idealiziranih Spartanaca.

Šezdesetih godina 19. stoljeća postupno se formira kreativna metoda slikara početnika. U ovom desetljeću, uz manje značajne povijesne slike(“Semiramida promatra gradnju Babilona”, 1861.), umjetnik je stvorio nekoliko portretnih djela u kojima je brusila svoju moć zapažanja i realističko umijeće. U tom pogledu najindikativnija je slika “Glava mlade žene”, koju je izradio
godine 1867

Godine 1861. Degas upoznaje E. Maneta i ubrzo postaje redovit gost kavane Guerbois, u kojoj se okupljaju mladi inovatori toga vremena: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley i dr. Ali ako ih prvenstveno zanima pejzaž i plein. zračni rad , tada se Degas više fokusira na temu grada i pariških tipova. Privlači ga sve što je u pokretu; statika ga ostavlja ravnodušnim.

Degas je bio vrlo pozoran promatrač, suptilno hvatajući sve karakteristično ekspresivno u beskonačnoj smjeni životnih pojava. Prenoseći tako ludi ritam velegrada, dolazi do stvaranja jedne od varijanti svakodnevnog žanra, posvećene kapitalističkom gradu.

U stvaralaštvu ovog razdoblja posebno se ističu portreti, među kojima ima mnogo onih koji se smatraju biserima svjetskog slikarstva. Među njima su portret obitelji Belleli (oko 1860.-1862.), portret žene (1867.) i portret umjetnikova oca koji sluša gitarista Pagana (oko 1872.).

Neke slike iz 1870-ih odlikuju se svojom fotografskom ravnodušnošću u prikazivanju likova. Primjer je slika pod nazivom "Lekcija plesa" (oko 1874.), izvedena u hladnoj plavičastoj shemi boja. S nevjerojatnom preciznošću autorica bilježi pokrete balerina koje podučavaju starog plesnog majstora. Međutim, postoje slike drukčije naravi, kao što je, primjerice, portret vikonta Lepica s kćerima na Place de la Concorde, koji datira iz 1873. godine. Ovdje je trijezna prozaičnost fiksacije prevladana zbog naglašena dinamika kompozicije i izvanredna oštrina prijenosa Lepićeva lika; jednom riječju, to se događa zahvaljujući umjetnički oštrom i oštrom razotkrivanju karakteristično ekspresivnog početka života.

Treba napomenuti da djela ovog razdoblja odražavaju umjetnikov pogled na događaj koji prikazuje. Njegove slike ruše uobičajene akademske kanone. Degasovo platno "Glazbenici orkestra" (1872.) temelji se na oštrom kontrastu koji nastaje kao rezultat sučeljavanja glava glazbenika (napisano zatvori) i mala figura plesača koji se klanja publici. Zanimanje za ekspresivni pokret i njegovo točno preslikavanje na platno uočava se i u brojnim skicama figurica plesača (ne smije se zaboraviti da je Degas bio i kipar), koje je majstor stvorio kako bi što točnije uhvatio bit pokreta i njegovu logiku. koliko je moguće.

Umjetnika je zanimao profesionalni karakter pokreta, poza i gesta, lišen ikakve poetizacije. To je osobito vidljivo u djelima posvećenim konjskim utrkama (“Mladi džokej”, 1866.-1868.; “Utrke konja u provinciji. Posada na utrkama”, oko 1872.; “Jokeji pred tribinama”, oko 1879. itd.). U "Jahanju trkaćih konja" (1870-ih) analiza stručne strane stvari data je gotovo reporterskom preciznošću. Ako usporedite ovo platno sa slikom T. Gericaulta "Utrke u Epsomu", odmah postaje jasno da je, zbog očite analitičnosti, Degasov rad mnogo inferioran emocionalnom sastavu T. Gericaulta. Iste kvalitete svojstvene su Degasovom pastelu "Balerina na pozornici" (1876-1878), koji nije jedno od njegovih remek-djela.

No, unatoč toj jednostranosti, a možda i zahvaljujući njoj, Degasova se umjetnost ističe uvjerljivošću i sadržajnošću. U programskim djelima vrlo precizno i ​​s velikim umijećem otkriva svu dubinu i složenost unutarnjeg stanja prikazane osobe, kao i atmosferu otuđenosti i usamljenosti u kojoj živi suvremeno društvo, pa tako i sam autor.

Ti su osjećaji prvi put zabilježeni na malom platnu “Plesačica pred fotografom” (1870-ih), na kojem je umjetnik naslikao usamljenu figuru plesačice zaleđene u tmurnom i sumornom okruženju u uvježbanoj pozi pred glomaznom fotografskom kamerom. . Nakon toga, osjećaj gorčine i usamljenosti prodire u slike kao što su "Apsint" (1876.), "Cafe Singer" (1878.), "Peglalice rublja" (1884.) i mnoge druge kutu gotovo napuštene kavane Degas je pokazao dvije usamljene figure muškarca i žene, ravnodušne jedna prema drugoj i prema cijelom svijetu. Zagasito zelenkasto svjetlucanje čaše napunjene absintom naglašava tugu i beznađe koje se očituje u pogledu i držanju žene. Blijed bradonja podbuhlog lica tmuran je i zamišljen.

Degasovo djelo karakterizira istinsko zanimanje za likove ljudi, za jedinstvene značajke njihova ponašanja, kao i uspješno izgrađena dinamična kompozicija koja je zamijenila tradicionalnu. Njegovo glavno načelo je pronaći najizrazitije kutove u samoj stvarnosti. To razlikuje rad Degasa od umjetnosti drugih impresionista (osobito C. Moneta, A. Sisleya i, dijelom, O. Renoira) s njihovim kontemplativnim pristupom okolnom svijetu. Umjetnik je to načelo koristio već u svom ranom djelu "Cotton Reception Office in New Orleans" (1873.), koji je izazvao divljenje E. Goncourta svojom iskrenošću i realizmom. To su njegova kasnija djela “Gospođica Lala u Fernandovom cirkusu” (1879.) i “Plesačice u predvorju” (1879.), gdje se unutar istog motiva daje suptilna analiza izmjene različitih pokreta.

Ponekad neki istraživači ovom tehnikom ukazuju na bliskost Degasa i A. Watteaua. Premda su oba umjetnika u nečemu doista slična (A. Watteau se također usredotočuje na različite nijanse istog stavka), ipak je dovoljno usporediti crtež A. Watteaua sa slikom pokreta violinista iz spomenute Degasove skladbe, te se odmah osjeti kontrast njihovih umjetničkih tehnika.

Ako A. Watteau pokušava prenijeti suptilne prijelaze jednog pokreta u drugi, takoreći polutonove, onda je za Degasa, naprotiv, karakteristična energična i kontrastna promjena motiva kretanja. Više teži njihovoj usporedbi i oštrom sudaru, često čineći lik uglatim. Na taj način umjetnik nastoji uhvatiti dinamiku razvoja suvremenog života.

Krajem 1880-ih - početkom 1890-ih. u Degasovu djelu prevladavaju dekorativni motivi, što je vjerojatno posljedica izvjesnog otupljivanja budnosti njegove likovne percepcije. Ako je u slikama ranih 1880-ih, posvećenim aktu (Žena koja izlazi iz kupaonice, 1883.), veći interes za živopisnom ekspresivnošću pokreta, onda se do kraja desetljeća umjetnikov interes primjetno pomaknuo prema prikazivanju ženska ljepota. To je posebno vidljivo na slici "Kupanje" (1886.), gdje slikar s velikom vještinom prenosi čar gipkog i gracioznog tijela mlade žene koja se savija nad zdjelicom.

Umjetnici su već slikali slične slike, ali Degas ide malo drugačijim putem. Ako su heroine drugih majstora uvijek osjećale prisutnost gledatelja, ovdje slikar prikazuje ženu kao da joj uopće nije stalo do toga kako izgleda izvana. I premda takve situacije izgledaju lijepo i potpuno prirodno, slike se u takvim djelima često približavaju groteski. Uostalom, bilo koje poze i geste, čak i one najintimnije, ovdje su potpuno opravdane funkcionalnom potrebom: pri pranju dohvatite pravo mjesto, otkopčajte kopču na leđima, skliznite i uhvatite se za nešto;

Posljednjih godina života Degas se više bavio kiparstvom nego slikarstvom. To je dijelom posljedica bolesti oka i zamagljenog vida. Stvara iste slike koje su prisutne na njegovim slikama: kleše figurice balerina, plesača i konja. Istodobno, umjetnik pokušava što točnije prenijeti dinamiku pokreta. Degas ne napušta slikarstvo koje, iako odlazi u drugi plan, ne nestaje u potpunosti iz njegova djela.

Zbog formalno ekspresivne, ritmičke građenosti kompozicija, žudnje za dekorativno-plošnom interpretacijom slika, Degasove slike, nastale krajem 1880-ih i tijekom 1890-ih. ispadaju lišeni realne uvjerljivosti i postaju poput ukrasnih panoa.

Degas je ostatak života proveo u rodnom Parizu, gdje je i umro 1917. godine.

Camille Pissarro

Camille Pissarro, francuski slikar i grafičar, rođen je 1830. godine na otoku. Sveti Toma (Antili) u obitelji trgovca. Obrazovao se u Parizu, gdje je studirao od 1842. do 1847. Nakon završetka studija, Pissarro se vratio u St. Thomas i počeo pomagati ocu u trgovini. Međutim, to uopće nije bilo ono o čemu je mladić sanjao. Njegovo zanimanje bilo je daleko izvan šaltera. Najvažnije mu je bilo slikanje, ali njegov otac nije podržavao sinovljev interes i bio je protiv njegovog odlaska obiteljski posao. Potpuno nerazumijevanje obitelji i nespremnost na suradnju doveli su do bijega potpuno očajnog mladića u Venezuelu (1853.). Taj je čin ipak utjecao na nepokolebljivog roditelja, te je dopustio sinu da ode u Pariz na studij slikarstva.

U Parizu je Pissarro ušao u studio Suisse, gdje je studirao šest godina (od 1855. do 1861.). Na Svjetskoj izložbi slikarstva 1855. budući umjetnik otkriva J. O. D. Ingresa, G. Courbeta, ali najveći dojam na njega ostavljaju djela C. Corota. Na savjet potonjeg, nastavljajući posjećivati ​​Suisseov atelje, mladi slikar ulazi u Školu likovnih umjetnosti kod A. Melbyja. U to vrijeme upoznaje C. Moneta, s kojim slika krajolike periferije Pariza.

Godine 1859. Pissarro je prvi put izložio svoje slike na Salonu. Njegova rana djela nastala su pod utjecajem C. Corota i G. Courbeta, no postupno je Pissarro razvio vlastiti stil. Slikar početnik provodi puno vremena radeći na pleneru. Njega, kao i druge impresioniste, zanima život prirode u pokretu. Pissarro posvećuje veliku pozornost boji, koja može prenijeti ne samo oblik, već i materijalnu bit predmeta. Kako bi otkrio jedinstveni šarm i ljepotu prirode, koristi se laganim potezima čistih boja koje, međusobno djelujući, stvaraju vibrirajući tonski niz. Primijenjeni u poprečnim, paralelnim i dijagonalnim linijama, cijeloj slici daju nevjerojatan osjećaj dubine i ritmičnog zvuka (“Seine at Marly”, 1871.).

Slikarstvo Pissarru ne donosi mnogo novca, a on jedva spaja kraj s krajem. U trenucima očaja umjetnik pokušava zauvijek raskinuti s umjetnošću, ali se ubrzo ponovno vraća stvaralaštvu.

Tijekom francusko-pruskog rata Pissarro je živio u Londonu. Zajedno s C. Monetom slikao je londonske krajolike iz života. U to su vrijeme pruski okupatori opljačkali umjetnikovu kuću u Louveciennesu. Većina slika koje su ostale u kući su uništene. Vojnici su u dvorištu ispod nogu za vrijeme kiše prostirali platna.

Vrativši se u Pariz, Pissarro nastavlja doživljavati financijske poteškoće. Republika koja je zamijenila
carstva, nije promijenio gotovo ništa u Francuskoj. Buržoazija, osiromašena nakon događaja povezanih s Komunom, ne može kupovati slike. U to je vrijeme Pissarro uzeo mladog umjetnika P. Cezannea pod svoje pokroviteljstvo. Njih dvoje rade u Pontoiseu, gdje Pissarro stvara platna koja prikazuju okolicu Pontoisea, gdje je umjetnik živio do 1884. (“Oise in Pontoise”, 1873.); tiha sela, ceste koje se protežu u daljinu (“Put od Gisorsa do Pontoisea pod snijegom”, 1873.; “Crveni krovovi”, 1877.; “Pejzaž u Pontoiseu”, 1877.).

Pissarro je aktivno sudjelovao u svih osam izložbi impresionista, organiziranih od 1874. do 1886. Posjedujući talent za podučavanje, slikar je mogao pronaći zajednički jezik s gotovo svim ambicioznim umjetnicima i pomagao im savjetima. Suvremenici su za njega govorili da "može čak naučiti crtati kamenje". Majstorov talent bio je toliki da je mogao razlikovati i najfinije nijanse boja tamo gdje su drugi vidjeli samo sivu, smeđu i zelenu.

Posebno mjesto u Pissarrovu stvaralaštvu zauzimaju platna posvećena gradu, prikazanom kao živom organizmu koji se neprestano mijenja ovisno o svjetlu i godišnjem dobu. Umjetnik je imao nevjerojatna sposobnost vidjeti puno i uhvatiti ono što drugi nisu primijetili. Na primjer, gledajući kroz isti prozor, naslikao je 30 djela koja prikazuju Montmartre (“Boulevard Montmartre u Parizu”, 1897.). Majstor je strastveno volio Pariz, pa mu je posvetio većinu svojih slika. Umjetnik je u svojim djelima uspio prenijeti jedinstvenu magiju koja je Pariz učinila jednim od najvećih gradova na svijetu. Slikar je za svoj rad iznajmljivao sobe na Rue Saint-Lazare, Grands Boulevards itd. Sve što je vidio prenosio je na svoja platna (“Talijanski bulevar ujutro, obasjan suncem”, 1897.; “Trg” francusko kazalište u Parizu, proljeće", 1898.; "Operni prolaz u Parizu").

Među njegovim gradskim pejzažima su djela koja prikazuju druge gradove. Dakle, 1890-ih. majstor je dugo živio ili u Dieppeu ili u Rouenu. U svojim slikama posvećenim raznim kutovima Francuske otkrivao je ljepotu drevnih trgova, poeziju uličica i drevnih građevina iz kojih izbija duh davno prošlih vremena („Veliki most u Rouenu“, 1896.; „Most Boieldieu u Rouen na zalasku”, 1896.; “Pogled na Rouen”, 1898.; “Crkva Saint-Jacques u Dieppeu”, 1901.).

Iako se Pissarrovi krajolici ne odlikuju svijetlim bojama, njihova je slikovna tekstura neobično bogata raznim nijansama: na primjer, sivi ton kamene ulice formiran je od poteza čiste ružičaste, plave, plave, zlatnog okera, engleske crvene itd. Kao rezultat toga, siva se doima sedefastom, svjetluca i sjaji, čineći slike poput dragog kamenja.

Pissarro nije stvarao samo krajolike. Njegov rad također uključuje žanrovske slike, koje su utjelovile njegov interes za čovjeka.

Među najznačajnijima su “Kava s mlijekom” (1881.), “Djevojka s granom” (1881.), “Žena s djetetom na zdencu” (1882.), “Trgovina: trgovac mesom” (1883.). Radeći na ovim djelima, slikar je nastojao dotjerati poteze kistom i unijeti elemente monumentalnosti u kompozicije.

Sredinom osamdesetih godina 19. stoljeća, već zreo umjetnik, Pissarro se pod utjecajem Seurata i Signaca zainteresirao za divizionizam i počeo slikati malim točkicama u boji. Njegovo djelo kao što je "Otok Lacroix, Rouen" napisano je na ovaj način. Magla" (1888). Međutim, hobi nije dugo trajao, a uskoro (1890.) majstor se vratio svom prijašnjem stilu.

Osim slikarstva, Pissarro je radio akvarele, stvarao bakropise, litografije i crteže.
Umjetnik je umro u Parizu 1903.

Impresionizam (od francuskog " dojam" - dojam) je pravac u umjetnosti (književnost, slikarstvo, arhitektura), pojavio se krajem 19. i početkom 20. stoljeća u Francuskoj i brzo je postao raširen u drugim zemljama svijeta. Sljedbenici novog smjera, koji su vjerovali da akademske, tradicionalne tehnike, na primjer, u slikarstvu ili arhitekturi, ne mogu u potpunosti prenijeti puninu i najsitnije detalje okolnog svijeta, prešli su na korištenje potpuno novih tehnika i metoda, prije svega u slikarstvu, zatim u književnosti i glazbi. Omogućili su najživopisnije i prirodnije prikazati svu pokretljivost i promjenjivost stvarnog svijeta prenoseći ne njegov fotografski izgled, već kroz prizmu dojmova i emocija autora o onome što su vidjeli.

Autorom pojma “impresionizam” smatra se francuski kritičar i novinar Louis Leroy, koji ih, impresioniran posjetom izložbi grupe mladih umjetnika “Salon odbačenih” 1874. u Parizu, naziva svojim feljtonistima impresionistima, svojevrsnim “impresionistima”, a ta je izjava pomalo omalovažavajućeg i ironičnog karaktera. Osnova za naziv ovog izraza bila je slika Claudea Moneta "Impresija" koju je vidio kritičar. Izlazećeg sunca". I premda su isprva mnoge slike na ovoj izložbi bile podvrgnute oštroj kritici i odbacivanju, kasnije je ovaj smjer dobio šire javno priznanje i postao popularan u cijelom svijetu.

Impresionizam u slikarstvu

(Claude Monet "Čamci na plaži")

Novi stil, način i tehniku ​​prikazivanja nisu izmislili francuski umjetnici impresionisti niotkuda, on se temeljio na iskustvima i dostignućima najtalentiranijih slikara renesanse: Rubensa, Velazqueza, El Greca, Goye. Od njih su impresionisti preuzeli takve metode živopisnijeg i živopisnijeg prenošenja okolnog svijeta ili izražajnosti vremenskih uvjeta kao što su korištenje srednjih tonova, korištenje tehnika svijetlih ili, naprotiv, dosadnih poteza, velikih ili malih, karakteriziranih apstraktnost. Pristaše novog smjera u slikarstvu ili su potpuno napustili tradicionalni akademski način crtanja, ili potpuno preinačili metode i metode prikazivanja na svoj način, uvodeći takve inovacije kao što su:

• Predmeti, objekti ili figure prikazani su bez konture, zamijenjeni su malim i kontrastnim potezima;
• Za miješanje boja nije korištena paleta; odabrane su boje koje se međusobno nadopunjuju i ne zahtijevaju spajanje. Ponekad se boja istiskivala na platno izravno iz metalne cijevi, stvarajući čistu, svjetlucavu boju s efektom poteza kistom;
• Virtualna odsutnost crne boje;
• Platna su uglavnom slikali na otvorenom, iz prirode, kako bi življe i ekspresivnije dočarali svoje emocije i dojmove viđenog;
• Upotreba boja s visokom pokrivnom moći;
• Nanošenje svježih poteza izravno na još mokru površinu platna;
• Stvaranje petlji slike radi proučavanja promjena svjetla i sjene („Stogovi sijena“ Claudea Moneta);
• Nedostatak prikaza gorućih društvenih, filozofskih ili vjerskih pitanja, povijesnih ili značajnih događaja. Djela impresionista ispunjena su pozitivnim emocijama, nema mjesta za turobnost i teške misli, postoji samo lakoća, radost i ljepota svakog trenutka, iskrenost osjećaja i iskrenost emocija.

(Edouard Manet "Čitanje")

I premda se nisu svi umjetnici ovog pokreta pridržavali posebne preciznosti u izvođenju svih preciznih obilježja impresionističkog stila (Edouard Manet pozicionirao se kao pojedinačni umjetnik i nikada nije sudjelovao na zajedničkim izložbama (bilo ih je ukupno 8 od 1874. do 1886.), .Edgar Degas stvarao samo u vlastitoj radionici) to ih nije spriječilo u stvaranju remek-djela likovne umjetnosti, koja se i danas čuvaju u najboljim muzejima i privatnim zbirkama diljem svijeta.

Ruski impresionistički umjetnici

Biti inspiriran kreativnim idejama francuski impresionisti, ruski umjetnici u kasnom 19. i ranom 20. stoljeću stvorili su svoja originalna remek-djela likovne umjetnosti, kasnije poznata pod zajedničkim nazivom "ruski impresionizam".

(V. A. Serov "Djevojka s breskvama")

Njegovo najviše istaknuti predstavnici smatra Konstantin Korovin (“Portret pjevačice zbora”, 1883., “Sjeverna idila” 1886.), Valentin Serov (“Otvoreni prozor. Jorgovan”, 1886., “Djevojka s breskvama”, 1887.), Arkhip Kuindži (“Sjever”, 1879. , “Dnjepar ujutro” 1881.), Abram Arkhipov (“Sjeverno more”, “Pejzaž. Radna soba s drvenom kućom”), “kasni” impresionist Igor Grabar (“Aleja breza”, 1940., “Zimski pejzaž”, 1954.) .

(Borisov-Musatov "Jesenja pjesma")

Metode i način prikazivanja svojstveni impresionizmu dogodili su se u djelima tako izvrsnih ruskih umjetnika kao što su Borisov-Musatov, Bogdanov Belsky, Nilus. Klasični kanoni francuski impresionizam Slike ruskih umjetnika doživjele su neke promjene, zbog čega je ovaj smjer stekao jedinstvenu nacionalnu specifičnost.

Strani impresionisti

Jedno od prvih djela izvedenih u stilu impresionizma smatra se slika Edouarda Maneta "Ručak na travi", koja je 1860. godine bila izložena javnosti u pariškom "Salonu odbačenih", gdje su platna koja nisu prošla. selekcija Pariškog salona umjetnosti mogla bi se rastaviti. Slika, naslikana stilom koji se radikalno razlikuje od tradicionalnog načina prikazivanja, izazvala je brojne kritičke komentare i oko umjetnika okupila sljedbenike novog umjetničkog pokreta.

(Edouard Manet "U krčmi oca Lathuilea")

Najpoznatiji impresionistički umjetnici su Edouard Manet (“Bar u Folies-Bergereu”, “Glazba u Tuileriesu”, “Doručak na travi”, “Kod oca Lathuilea”, “Argenteuil”), Claude Monet (“Polje makova” u Argenteuilu", "Šetnja do litice u Pourvilleu", "Žene u vrtu", "Dama s kišobranom", "Boulevard des Capucines", serija radova "Lopoči", "Impresija izlazećeg sunca"), Alfred Sisley ("Ruralna aleja", "Mraz u Louveciennesu", "Most u Argenteuilu", "Rani snijeg u Louveciennesu", "Travnjaci u proljeće"), Pierre Auguste Renoir ("Doručak veslača", "Bal u Moulinu" de la Galette”, “Ples na selu”, “Kišobrani”, “Ples u Bougivalu”, “Djevojke za klavirom”), Camille Pizarro (“Boulevard Montmartre noću”, “Žetva u Eragnyju”, “Žeteoci se odmaraju”) , “Vrt u Pontoiseu”, “Ulazak u selo Voisin”), Edgar Degas (" Sat plesa“, “Proba”, “Koncert u kavani Ambasador”, “Orkestar Opere”, “Plesači u plavom”, “Ljubitelji apsinta”), Georges Seurat (“Nedjeljno popodne”, “Kankan”, “Modeli prirode”) i dr. .

(Paul Cezanne "Pierrot i Harlequin"")

Četvorica umjetnika 90-ih godina 19. stoljeća stvaraju novi smjer u umjetnosti temeljen na impresionizmu i nazivaju se postimpresionistima (Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, Henri de Toulouse-Lautrec). Njihov rad karakterizira prenošenje ne prolaznih osjeta i dojmova iz svijeta koji ih okružuje, već spoznaja prave biti stvari koja se krije ispod njihove vanjske ljuske. Većina poznata djela: Paul Gauguin (“Zločesta šala”, “La Orana Maria”, “Jakovljevo hrvanje s anđelom”, “Žuti Krist”), Paul Cezanne (“Pierrot i Harlekin”, “Veliki kupači”, “Dama u plavom”) , Vincent Van Gogh (Zvjezdana noć, Suncokreti, Perunike), Henri de Toulouse-Lautrec (Pralja, Zahod, Trening plesa u Moulin Rougeu).

Impresionizam u kiparstvu

(Auguste Rodin "Mislilac")

Impresionizam se nije razvio kao zaseban pravac u arhitekturi, već se u nekim skulpturalnim kompozicijama i spomenicima mogu pronaći njegove individualne značajke i karakteristike. Skulptura ovaj stil daje slobodnu plastičnost mekim oblicima, stvaraju nevjerojatnu igru ​​svjetla na površini figura i daju neki osjećaj nedovršenosti; skulpturalni likovi često su prikazani u trenutku kretanja. Radovi u tom pravcu uključuju skulpture poznatog francuskog kipara Augustea Rodina (“Poljubac”, “Mislilac”, “Pjesnik i muza”, “Romeo i Julija”, “Vječno proljeće”), talijanski umjetnik i kipar Medardo Rosso (figure izrađene od gline i gipsa ispunjene voskom za postizanje jedinstvenog svjetlosnog efekta: “Vratar i provodadžija”, “Zlatno doba”, “Majčinstvo”), ruski genijalni grumen Pavel Trubetskoy (brončana bista Lava Tolstoja, spomenik Aleksandru III u St. Petersburgu ).