Pinturas oscuras de Francisco Goya. Francisco Goya – biografía y pinturas del artista en el género Romanticismo – Art Challenge

Goya y Lucientes (Fransisko Goya y Lucientes) Francisco José de, pintor, grabador y dibujante español. Desde 1760 estudió en Zaragoza con J. Luzana y Martínez. Hacia 1769, Goya viajó a Italia, en 1771 regresó a Zaragoza, donde pintó frescos en el espíritu del barroco italiano (pinturas de la nave lateral de la iglesia de Nuestra Señora del Pilar, 1771-1772). Desde 1773 el artista trabajó en Madrid, entre 1776 y 1791 completó más de 60 tapices con escenas ricas en color y de composición sencilla para la manufactura real. La vida cotidiana y espectáculos folclóricos (“El paraguas”, 1777, “El juego de pelota”, 1779, “El juego del farol del ciego”, 1791, todos en el Prado, Madrid).

Desde principios de la década de 1780, Goya adquirió fama como autor de bellas pinturas. esquema de colores retratos, figuras y objetos en los que parecen disolverse en una fina neblina (“Familia del duque de Osuna”, 1787, Prado, Madrid; retrato de la marquesa A. Pontejos, hacia 1787, National Gallery of Art, Washington). En 1780, Goya fue elegido miembro de la Academia de las Artes de Madrid (desde 1785 subdirector, desde 1795, director de su departamento de pintura), en 1799, "el primer pintor del rey". Al mismo tiempo, en la obra de Goya están creciendo rasgos de tragedia y hostilidad hacia la España feudal-clerical del “viejo orden”. Goya revela la fealdad de sus fundamentos morales, espirituales y políticos de forma grotesco-trágica, alimentándose de fuentes folclóricas, en gran serie grabados “Caprichos” (80 hojas con comentarios del artista, 1797-1798); La audaz novedad del lenguaje artístico, la aguda expresividad de líneas y trazos, los contrastes de luces y sombras, la combinación de grotesco y realidad, alegoría y fantasía, sátira social y análisis sobrio de la realidad abrieron nuevos caminos para el desarrollo del grabado europeo. En la década de 1790 y principios de 1800, el retrato de Goya alcanzó un florecimiento excepcional, en el que se escucha un alarmante sentimiento de soledad (retrato de la señora Bermúdez, Museo de Bellas Artes, Budapest), confrontación valiente y desafío al medio ambiente (retrato de F. Guillemarde). , 1798, Louvre, París), el aroma del misterio y la sensualidad oculta (“Maja vestida” y “Maja desnuda”, ambas del Prado, Madrid).

Con asombroso poder de exposición, el artista plasmó la arrogancia, la miseria física y espiritual de la familia real en el retrato de grupo “La familia de Carlos IV” (1800, Prado, Madrid). Los grandes cuadros de Goya dedicados a la lucha contra la intervención francesa (“Levantamiento del 2 de mayo de 1808 en Madrid”, “Ejecución de los rebeldes en la noche del 3 de mayo de 1808”, ambos alrededor de 1814, Prado, Madrid) están imbuidos de una profunda El historicismo y la protesta apasionada. El destino del pueblo, una serie de grabados "Desastres de la guerra" (82 hojas, 1810-1820).

A principios de la década de 1790, una grave enfermedad llevó al artista a la sordera. Pasó años sumamente difíciles para él, coincidiendo con el período de brutal reacción, en su casa de campo “Quinto del Sordo”, cuyas paredes pintó al óleo. En las escenas creadas aquí (ahora en el Prado, Madrid), que incluyen imágenes sin precedentes para su época, imágenes marcadamente dinámicas de masas multifacéticas e imágenes simbólicas y mitológicas aterradoras, encarnó las ideas de confrontación entre el pasado y el futuro, lo infinitamente insaciable. el tiempo decrépito (“Saturno”) y la energía liberadora de la juventud (“Judith”). El sistema de imágenes oscuras y grotescas de la serie de grabados “Disparates” (22 láminas, 1820-1823) es aún más complejo. Pero incluso en las visiones más oscuras de Goya, la cruel oscuridad no puede suprimir la sensación inherente al artista de movimiento eterno, de eterna renovación de la vida, que se convirtió en el leitmotiv del cuadro "El funeral de una sardina" (hacia 1814, Prado, Madrid), de la serie. de grabados “Tauromachia” (1815).

A partir de 1824, Goya vivió en Francia, donde pintó retratos de amigos y dominó la técnica de la litografía. El arte de Goya influyó en la formación de muchos fenómenos artísticos del siglo XIX. Su influencia se siente en las obras de Géricault, Delacroix, Daumier, Edouard Manet. La influencia de su obra en la pintura y la gráfica tuvo un carácter paneuropeo y se refleja hasta nuestros días.

Francisco José de Goya y Lucientes (español: Francisco José de Goya y Lucientes; 30 de marzo de 1746 (17460330), Fuendetodos, cerca de Zaragoza - 16 de abril de 1828, Burdeos) - artista y grabador español, uno de los primeros y más destacados maestros de las bellas artes de la época romántica.

Francisco Goya Lucientes nació en 1746 en Zaragoza, capital de Aragón, en el seno de una familia de clase media. Su padre es José Goya. Madre, Gracia Lucientes, hija de un hidalgo aragonés pobre. Unos meses después del nacimiento de Francisco, la familia se trasladó al pueblo de Fuendetodos, situado a 40 km al sur de Zaragoza, donde vivieron hasta 1749 (según otras fuentes, hasta 1760), mientras se reparaba su casa. Francisco era el menor de tres hermanos: Camilo, el mayor, más tarde se hizo sacerdote, el del medio, Tomás, siguió los pasos de su padre. José Goya fue maestro famoso sobre el dorado, a quien incluso los canónigos de la Basílica de Nuestra Señora del Pilar encomiendan comprobar la calidad del dorado de todas las estatuas en las que entonces trabajaban los artesanos aragoneses que reconstruyeron la catedral. Todos los hermanos recibieron una educación bastante superficial; Francisco Goya siempre escribirá con errores. En Zaragoza, el joven Francisco fue enviado al taller de la artista Luzana y Martínez. A finales de 1763, Francisco participó en un concurso para obtener la mejor copia pictórica en yeso de Sileno, pero el 15 de enero de 1764 no se emitió ni un solo voto por él. Goya odia los yesos, lo admitirá mucho más tarde. En 1766, Goya fue a Madrid y aquí se enfrentó a otro fracaso en el concurso de la Academia de San Fernando. Los temas de las obras a concurso están relacionados con la generosidad del rey Alfonso X el Sabio y las hazañas de los héroes guerreros nacionales del siglo XVI. Estos temas no inspiran a Goya. Por otra parte, Francisco Bayeu, otro joven pintor zaragozano y miembro del jurado del concurso, es un partidario del equilibrio de las formas y de la pintura académica, que no reconoce la imaginación del joven Goya. Recibe el primer premio hermano menor Bayeu, Ramón, 20 años... En Madrid, Goya conoce las obras de los artistas de la corte y mejora sus habilidades.

Entre julio de 1766 y abril de 1771, la vida de Francisco en Roma sigue siendo un misterio. Según un artículo del crítico de arte ruso A. I. Somov, en Italia el artista “no se dedicaba tanto a pinturas y copiando a los maestros italianos, así como estudiando visualmente sus medios y modales”. En la primavera de 1771 participó en un concurso en la Academia de Parma para un cuadro sobre un tema antiguo, llamándose romano y alumno de Bayeu. El príncipe reinante de Parma en ese momento era Felipe de Borbón-Parma, hermano del rey español Carlos III. El 27 de junio el único premio recayó en el ruso Paolo Boroni (francés). por el “color sutil y elegante”, mientras que a Goya se le reprochan los “tonos ásperos”, pero se reconoce el “carácter grandioso de la figura de Aníbal que pintó”. Obtiene el segundo premio de la Academia de Bellas Artes de Parma, recibiendo 6 votos.

El Cabildo de la Iglesia del Pilar se fija en el joven artista, quizá por su estancia en Roma, y ​​Goya regresa a Zaragoza. El arquitecto Ventura Rodríguez (español) ruso le encargó que realizara bocetos para el techo de la capilla. sobre el tema “Adorar el Nombre de Dios”. A principios de noviembre de 1771, el cabildo aprobó el fresco de prueba propuesto por Goya y le confió el encargo. Además, el recién llegado Goya acepta la cantidad de 15.000 reales, mientras que el más experimentado Antonio González Velázquez (español) es ruso. pide R$ 25.000 por el mismo trabajo. El 1 de julio de 1772 Goya finalizó el cuadro; su obra despertó la admiración del cabildo ya en el momento de presentar el boceto. A raíz de ello, Goya fue invitado a pintar el oratorio del Palacio de Sobradiel; también comenzó a ser patrocinado por el noble aragonés Ramón Pignatelli (español) ruso, cuyo retrato pintaría en 1791. Gracias a Manuel Bayeu, Francisco fue invitado a la Cartuja de Aula Dei, cerca de Zaragoza, donde a lo largo de dos años (1772-1774) creó 11 grandes composiciones sobre temas de la vida de la Santísima Virgen María. De los cuales sólo siete han sobrevivido, y han resultado dañados por los trabajos de restauración.

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Mientras viajaba por España en 1824, Eugenio Delacroix escribió en su diario: “Goya temblaba a mi alrededor”. Goya no es sólo el artista más nacional de España, a su nombre se asocia la formación del arte moderno.

La obra de Goya, contemporáneo de la Revolución Francesa, la guerra de liberación nacional de España con la Francia napoleónica, el rápido ascenso de las fuerzas sociales y la reacción brutal, se produjo durante uno de los períodos más dramáticos de la historia española. Combinaba el pensamiento progresista de la época y los ecos de ideas populares estables, la amplitud cargos públicos y la huella más fuerte de sus experiencias subjetivas, temperamento ardiente, naturaleza impulsiva, imaginación ilimitada. El arte de Goya rezuma un poder apasionante, es verdaderamente inagotable y no está sujeto a un análisis frío. Su lenguaje artístico claramente expuesto, despiadadamente agudo y al mismo tiempo complicado, encriptado, cambiantemente móvil, a veces difícil de explicar.

Goya nació en el pueblo de Fuendestodos, cerca de Zaragoza, en la familia de un artesano dorador. Estudió en Zaragoza con J. Luzán Martínez, luego en Madrid con F. Bayeu, con cuya hija, Josefa, se casó en 1773. La juventud tormentosa y aventurera de Goya es poco conocida. Visitó Italia, donde participó en el concurso de la Academia de Parma y recibió el segundo premio. Desde 1773 vivió y trabajó en Madrid, y en 1786 fue nombrado pintor de cámara.

Cómo artista importante Goya surgió relativamente tarde. Primero éxito significativo Le trajeron dos series (1776-1791) de numerosos paneles (cartones para alfombras) para la Real Manufactura de Santa Bárbara de Madrid, que representan paseos, picnics, bailes, fiestas de la juventud urbana, escenas de mercados, lavanderas a orillas del río. Manzanares, pobres junto a un pozo, guitarrista ciego, boda de pueblo. pintura decorativa Goya lo enriqueció con innovaciones en la composición, ampliación de figuras, coloridos hallazgos coloristas y, lo más importante, un sentido directo de la vida nacional, que percibió no desde la mirada de un observador externo, sino como desde adentro; este ambiente le era familiar desde su juventud.

El Paraguas (Madrid, Prado), escrita en 1777, no tiene un argumento desarrollado. De moda en ese momento pintura de género El motivo le inspiró a crear una imagen pintoresca y cautivadora en la que el rostro de la niña y parte de su figura, protegidos de los rayos del sol por una sombrilla verde, están llenos de reflejos de luz y colores. Aquí se puede comprobar cuánto le debe Goya a Velázquez, a quien, junto con la naturaleza y Rembrandt, consideraba su maestro.

Goya se convirtió en un retratista de moda, inundado de encargos. Es difícil encontrar otro gran retratista que muestre de manera tan decisiva su actitud personal hacia las personas que representa. A algunos de ellos permaneció completamente indiferente, y luego sus retratos encargados parecen extrañamente sin vida, entumecidos. Un artista que tiene un dominio impecable de la forma plástica se vuelve inesperadamente indefenso y permite negligencias en el dibujo y la composición. No es casualidad que en una carta al amigo de Goya, el director de la Real Academia de la Historia pida influenciar al artista para que pinte su retrato “como pueda, cuando quiera”.

Los retratos de Goya representan la sociedad de aquella época en toda su amplitud. Su alcance es asombroso evolución creativa desde retratos ceremoniales siguiendo las tradiciones del siglo XVIII hasta obras que anticipan los logros más atrevidos del arte. siglo XIX. La cercanía de Goya al pueblo progresista de España llenó su arte de un nuevo sentido de vida. Entre sus amigos se encuentran escritores, poetas, políticos y actores. Trata con especial atención sus retratos (retratos del artista F. Bayeu, del doctor Peral, del personaje público Jovellanos, del poeta L. Moratin). A principios del siglo XIX, en los retratos de Goya, llenos de energía y confianza en sí mismo, aparecieron rasgos cercanos a los ideales de la era del romanticismo. En el famoso retrato de Isabel Cobos de Porcel (1806, Londres, National Gallery), la aparición de una joven floreciente de mirada ardiente y encaje negro español está marcada por un agudo carácter nacional.

A finales de siglo, la carrera cortesana de Goya, que alcanzó su apogeo en 1799, cuando se convirtió en el primer pintor del rey, le trajo mucha amargura y decepción.

A finales de la década de 1790, percibiendo cada vez más clara y agudamente los lados oscuros y feos de la vida que lo rodeaba, Goya experimentó una crisis mental, agravada por la pérdida de audición como consecuencia de una grave enfermedad. El artista soportó su sordera con rara valentía, tratando de encontrar un medio de comunicación con el mundo exterior.

Poderosos impulsos de inspiración creativa dominaron naturaleza contradictoria Goya. finales del XVIII El siglo estuvo marcado en su obra por altos logros artísticos. Completó una serie de grabados llamados Caprichos, que lo incluyeron entre grandes maestros mundo arte Grafico. En este ejemplo insuperable de trágico grotesco, Goya expuso las úlceras de la España feudal-católica.

En 1798, Goya creó frescos para la iglesia madrileña de San Antonio de la Florida. En ellos triunfa un principio brillante que afirma la vida. La pintura de la cúpula representa una leyenda medieval sobre la milagrosa resurrección en Lisboa de un hombre asesinado por San Antonio de Padua, quien nombró el nombre de su verdadero asesino. El milagro fue trasladado por el artista al entorno de la vida contemporánea, transcurriendo en el contexto de la naturaleza libre castellana, bajo Aire libre, en presencia de una multitud discordante. Pinturas de iglesias: una grandiosa conquista de Goya como maestro pintura monumental. Fueron recibidos con deleite y entusiasmo; Uno de sus biógrafos escribió que en Madrid ocurrieron dos milagros, uno realizado por Antonio de Padua y el otro por el artista Goya.

En junio de 1800, Goya inició “Retrato de la familia del rey Carlos IV” (Madrid, Prado), que reunía catorce figuras. Los personajes congelados de la casa real, alineados en una de las estancias palaciegas de Aranjuez, llenan el lienzo de borde a borde. Todo está a merced de la tensión reinante y de la hostilidad mutua. El retrato brilla con un resplandor mágico de colores; parece compuesto de piedras preciosas. De este esplendor real emergen figuras entumecidas, pero los rostros están especialmente desnudos y pintados con nitidez: insignificantes, hinchados, satisfechos de sí mismos. obra famosa Goya no tiene análogos en la pintura mundial. Rompe la tradición de las imágenes ceremoniales oficiales. Sería una simplificación extrema verlo como una caricatura, porque aquí todo es lo más la verdad cruda. Quienes lo ordenaron, elevado a la cima del poder, no tuvieron la oportunidad de comprender su poder revelador. Me gustó el retrato y fue recibido favorablemente. Lo mismo ocurrió en 1803, cuando Goya, temiendo a la Inquisición, decidió dar un paso audaz y presentó respetuosamente al rey los grabados de los Caprichos.

Un lugar especial entre sus obras principios del XIX El siglo está ocupado por la imagen de una mujer joven, capturada dos veces: vestida y desnuda. No pertenece estrictamente al género del retrato. Aquí se encarna el tipo de belleza femenina sensual característico a nivel nacional que atrajo al artista, infinitamente lejos de los cánones académicos. La irregularidad del delicado cuerpo desnudo, dorado pálido y aparentemente tangiblemente vivo, reside en su atractivo excitante. La pintura fluida y suave es plástica e impecable. Hasta el día de hoy, quedan muchas cosas por aclarar: las circunstancias del orden de las dos pinturas, su fecha exacta y su título final, la cuestión de quién era esta mujer, tan audazmente representada desnuda por el artista en violación de la prohibición de la Inquisición. Por lo general, las pinturas dobles se llaman "Maja vestida" y "Maja desnuda" (ambas - ca. 1800, Madrid, Prado), pero la palabra "Maja" en sí misma - "dandy de la ciudad" - apareció en relación con ellas sólo en 1831, y en En los viejos inventarios se trataba de la gitana Venus. La suposición de que su querida duquesa Cayetana Alba posara para Goya fue rechazada debido a las diferencias físicas y de edad entre la duquesa y la desconocida que sirvió de modelo al artista. La Inquisición se interesó por estos cuadros, y en 1815 el artista fue citado ante el Tribunal de Madrid, donde tuvo que identificarlos y explicar para quién y con qué finalidad fueron creados. Pero el protocolo del interrogatorio no se mantuvo. Ambos Machs se encuentran entre los más trabajos famosos Goya, rodeado de un aura romántica y de especulaciones diversas.

En el país se libraba una guerra sangrienta contra aquellos a quienes Goya y sus amigos "afrancesados" habían considerado hasta hacía poco los portadores de la libertad tan esperada. Patriota español, sufrió profundamente y se indignó. En el pequeño cuadro “Coloso” (1810-1812, Madrid, Prado) se presenta un espectáculo de caos general generado por la inesperada aparición de una colosal figura de un gigante desnudo, que crece terriblemente más allá de los contornos de las montañas y toca las nubes. . Fantástica imagen ha sido interpretado de manera diferente. Probablemente el coloso, apretando amenazadoramente el puño y dándole la espalda al valle, donde personas y animales se dispersan en salvaje confusión, caen jinetes y carros, personifica las despiadadas fuerzas de la guerra, trayendo ruina general, pánico y muerte. Lo que Goya, testigo de la invasión napoleónica, vivió en el Madrid ocupado, en la sufrida Zaragoza, destruida por los asedios franceses, que visitó en el otoño de 1808, dio un nuevo y poderoso impulso a su obra tanto en pintura como en gráfica. dando lugar a la creación de obras de sonido trágico y heroico. El poder dramático contenido en su obra alcanzó su máxima intensidad.

En la memoria quedan para siempre los grandes lienzos del Prado, que forman un díptico histórico y representan “El levantamiento de la Puerta del Sol el 2 de mayo de 1808” y “El fusilamiento de los rebeldes la noche del 3 de mayo”. La composición del primer cuadro está atada con un nudo elástico. Goya presenció la batalla entre los madrileños y la caballería francesa en la Puerta del Sol desde la casa de su hijo. La segunda imagen es mundialmente famosa. Sobre Madrid y las colinas desnudas que la rodean hay una noche apagada y aparentemente eterna. Bajo el cielo negro acechaba el Madrid esclavizado y pisoteado. Desde allí, como un río oscuro, una multitud de víctimas avanza por las colinas hacia el lugar de ejecución. Quedaba un último momento antes de la salva. La siniestra luz amarilla de una linterna saca de la oscuridad a un grupo de rebeldes apretujados contra la ladera, a quienes apuntan los cañones alzados de una fila sin rostro de soldados franceses. La inexorabilidad de la fatalidad inminente se opone tajantemente a la fuerza. sentimientos humanos. El artista transmite de forma sencilla, dura, desnuda y al mismo tiempo profundamente humana un sentimiento de perdición, un miedo rayano en la locura, una compostura decidida y un odio fulminante hacia el enemigo.

La capacidad inherente de Goya para responder con toda la pasión de su temperamento a los acontecimientos de nuestro tiempo encontró su expresión más clara en una serie de grabados conocidos como “Los desastres de la guerra”, que le regaló la Academia de San Fernando cuando se publicaron en 1863. La tragedia nacional se muestra aquí con toda su crueldad. Son montañas de cadáveres, ejecuciones de partisanos, feroces batallas, ultrajes de merodeadores, dolores de hambre, expediciones punitivas, mujeres deshonradas, niños huérfanos.

creatividad posterior Goya coincide con años de reacción violenta tras la derrota de dos revoluciones burguesas españolas. En un estado de confusión mental y lúgubre desesperación, se instaló en una nueva casa conocida como “Quinta del Sordo” (“Casa de los Sordos”). Goya cubrió las paredes de la casa de dos pisos con catorce pinturas al óleo fantásticas y oscuras. Llenos de alegorías, alusiones y asociaciones, son completamente únicos en su estructura figurativa y su poderoso impacto artístico. Las “Pinturas Negras” -como comúnmente se les llama- estuvieron en peligro de desaparecer por completo cuando la Quinta del Sordo fue derribada en 1910. Afortunadamente, el cuadro de Goya fue trasladado a lienzo, restaurado y se encuentra en el Prado.

Las pinturas están dominadas por un principio diabólico, aterrador y antinatural; una imagen siniestra aparece como en una pesadilla. Zorras desdentadas o ancianos con cráneos desnudos, la imagen de la Muerte misma, sorben con avidez el guiso, una multitud frenética y gritando de monstruos marcha hacia la fuente de San Isidro, el diablo en forma de una enorme Cabra negra con una túnica monástica lidera una reunión. de brujas viles. El conjunto de colores es duro, tacaño, casi monocromático: negro, blanco, rojizo, ocre, los colores parecen haber absorbido las sombras de la tierra española quemada por el sol, el óxido de las rocas, la llama humeante de los suelos rojos, el Los trazos son amplios y rápidos. Un paralelo gráfico de las pinturas de Kinta fue la serie "Disparates" ("Proverbios", 1820-1823) con imágenes cifradas aún más complejas.

En 1824, durante los años de la reacción, Goya se vio obligado a emigrar a Francia, a la ciudad de Burdeos, donde murió. Una sed inagotable de creatividad no lo abandonó hasta los últimos años de su vida. Completamente sordo y ciego, el artista continuó creando pinturas, retratos, miniaturas y litografías. “...Sólo la voluntad me sostiene”, escribió a sus amigos.

En la más trabajos posteriores Goya vuelve a la imagen de la juventud triunfante (La lechera de Burdeos, 1826, Madrid, Prado).

Obras literarias, biografías ficticias y películas están dedicadas a la vida de Goya. Su arte tuvo un tremendo impacto en el español. cultura artística Siglos XIX-XX, no sólo en pintura y gráfica, sino también en literatura, drama, teatro, cine. Muchos maestros de la cultura mundial recurrieron a Goya, desde Delacroix hasta Picasso, desde Edouard Manet hasta los maestros mexicanos de la gráfica popular. Y hoy Goya sigue siendo inmarcesiblemente moderno.

Tatiana Kaptereva

vida y obrasextraño,paradójicoy sombrío, Francisco Goya están envueltos en leyendas que fueron creadas por descendientes asombrados por sus imágenes, mundos, tratando de describir la vida de Francisco Goya a partir de las pinturas, dibujos y grabados del maestro.

Francisco José de Goya y Lucientes nació el 30 de marzo de 1746 en un pueblo perdido entre las peñas aragonesas del norte de España.pequeño puebloFuendetodo-se. La familia del maestro dorador José Goya tuvo tres hijos: Francisco era el menor. Uno de sus hermanos, Camillo, se hizo sacerdote; el segundo, Thomas, siguió los pasos de su padre. Los hermanos Goya lograron obtener una educación muy superficial, por lo que Francisco escribió con errores toda su vida. A finales de la década de 1750 la familia se trasladó a Zaragoza.

Hacia 1759 Francisco fue aprendizy al artista local José Lu San y Martínez. La formación duró unos tres años. Mayoría En aquella época, Goya copiaba grabados, lo que difícilmente le ayudaba a comprender los fundamentos de la pintura. Es cierto que Francisco recibió su primera orden oficial precisamente durante estos años, de la iglesia parroquial local. Era un santuario para guardar reliquias.

En 1763 Goya se trasladó a Madrid, donde intentó ingresar en la Real Academia de San Fernando. Tras fracasar, el joven artista no se rindió y pronto se convirtió en alumno del pintor de la corte Francisco Bai-eu.

José de Urrutia (1739 - 1809), uno de los líderes militares españoles más destacados y el único oficial del ejército de origen no aristocrático en el siglo XVIII que alcanzó el rango de capitán general, está representado con la Orden de San Jorge, que Le fue concedido por la emperatriz rusa Catalina la Grande por su participación en la captura de Ochakov durante la campaña de Crimea de 1789.

En 1773 Goya se casó con Josefa Bayeu. Esto contribuyó a su aprobación en mundo del arte ese momento. Josefa era hermana de Francisco Bayeu, quien gozó de considerable influencia.Goya y Josefa tuvieron varios hijos, pero todos ellos, a excepción de Javier (1784-1854), murieron en la infancia. Este matrimonio continuó hasta la muerte de Josefa en 1812.

En 1780, Francisco Goya fue finalmente aceptado en la Real Academia de San Fernando. En 1786, Goya se convirtió en artista de la corte y, cinco años después, en el primer pintor de la corte del rey español, repitiendo el destino de Velázquez, a quien adoraba.

Retrato de Carlos IV con su familia, 1801.

La obra principal de Goya, en una nueva capacidad, el retrato ceremonial de Carlos IV con su familia, será una interpretación de “Las Meninas” del maestro del siglo XVII. De nuevo, figuras vestidas con trajes ceremoniales de la corte emergen del crepúsculo del lienzo, el artista nos mira desde detrás del caballete... pero los rostros de los retratados, los rostros de una dinastía en degeneración, los rostros de los bufones enanos de la corte de La época de Velázquez, no son rostros de reyes. En realidad, una de las figuras, la novia del príncipe heredero, no tiene rostro alguno, pero no hay indicios oscuros, secretos o misterios en ello. Lo que pasa es que en el momento de crear el retrato su candidatura aún no estaba decidida. Posteriormente, el propio Goya o su sucesor deberían haber incluido su rostro en la imagen terminada, pero por alguna razón esto no sucedió.

A la edad de 46 años, Goya se vio repentinamente afectado por una grave y misteriosa enfermedad, acompañada de ceguera, parálisis y una locura casi total. Una vez recuperado de su enfermedad, el artista quedó completamente sordo. Durante el resto de su vida, solo escuchó un ruido vago y constantemente lo abrumaban los temores de no tener tiempo para lograr todo lo que había planeado.

Tras su enfermedad, en la obra de Goya empezaron a aparecer cada vez con mayor claridad notas oscuras, siniestras y lo que él mismo llamaba “fantasías e invenciones”. Su estilo pictórico también cambió: su pincelada se volvió más simple y más “fluida”, como dijo el artista: “No cuento los pelos de la cabeza de un transeúnte al azar... Mi pincel no necesita ver más de lo que me veo a mí mismo”.

El sueño de la razón engendra monstruos

Una profunda tragedia personal no impidió que el maestro consiguiera dos nuevos mecenas. Se convirtieron en duque y duquesa de Alba. La deslumbrantemente bella y enérgica duquesa no escatimó tiempo ni esfuerzo en abierta hostilidad con sus rivales de alta cuna: la duquesa de Osuna y la reina María Luisa. Goya se convirtió invitado frecuente en la casa de Alba, y tras la muerte del duque en 1796, se fue con la joven viuda a su finca andaluza, y las malas lenguas no tardaron en declararlos amantes. En cualquier caso, fue la duquesa de Cayetana quien inspiró al maestro a crear dos de sus obras maestras más famosas y controvertidas: "Clothed Mahi" y "Naked Mahi". Goya los completó unos años más tarde e inmediatamente compareció ante la Inquisición, porque la desnudez en el arte español estaba prohibida. Sólo de milagro logró evitar la cárcel y mantener en secreto el nombre de la modelo.

Mientras tanto, la primera serie de grabados del maestro, “Caprichos” (“Caprichos”), vio la luz y fue objeto de crueles burlas. debilidades humanas y prejuicios. Cada hoja de la serie está llena de criaturas viles, brujas y otras criaturas no muertas generadas por la rica imaginación de Goya y la cultura patriarcal a la que alguna vez perteneció. La página central, "El sueño de la razón da a luz monstruos", muestra ese terrible mundo esquivo que, como temía Goya, podría devorar a una persona que no escuche la voz de la razón y convertirla en una bestia estúpida y sedienta de sangre.

En 1808, el ejército de Napoleón invade España. Comenzó una larga y sangrienta guerra de guerrillas (guerra de guerrillas). En 1814, tras la expulsión de los franceses, Goya escribiría el famoso fusilamiento de los sublevados y el "Levantamiento del Puerto del Sol", cuyos participantes mueren en composición famosa. Ambos cuadros participaron en una solemne procesión en honor a la liberación de los Pirineos de los invasores, pero la guerra, que comenzó como una guerra de liberación, rápidamente se convirtió en una terrible guerra civil, una guerra de todos contra todos. Las imágenes de estos años son un mundo de oscuridad, horror, miedo. Aquí la luz no disipa las pesadillas. Las pesadillas se han convertido en realidad. Frescos famosos"Casas de sordos": la apoteosis del "cuadro negro" de Goya. Terribles visiones de demonios, dioses y titanes. Un rayo de esperanza es un huésped raro en este reino de oscuridad.

Con la mano ligera (más precisamente ideológica) de los críticos nacionales, “La ejecución de los rebeldes en la noche del 3 de mayo de 1808” se convirtió para nosotros en el cuadro principal del pintor español. Pero ésta es sólo una de las muchas facetas de su legado. Muy extenso y más que diverso.

En los últimos años de su vida, el artista, que huyó de los horrores de la realidad española a Francia, pudo crear obras más alegres, pero su fama no está asociada a ellas. Pasó a la historia del arte como un maestro en la realización de sueños y fantasías oscuras.

Retrato de Antonia Zárate

Goya pasó sus últimos años en Burdeos, Francia, donde murió el 16 de abril de 1828, a la edad de 82 años. Sus cenizas fueron transportadas a su tierra natal y enterradas en la iglesia madrileña de San Antonio de la Florida. La misma iglesia, cuyas paredes y techo fueron pintados por un artista.

La obra de Francisco Goya es diversa y abarca lo más diferentes generos. Sin embargo, nada sorprende tanto a la imaginación del espectador como las sombrías y alarmantes “Pinturas Negras”, pintadas por el artista al final de su vida, que quedarán grabadas para siempre en la memoria. Nicolás Poussin

Entre 1820 y 1823, Goya decoró dos grandes estancias de su casa con una serie de cuadros que más tarde serían conocidos como “negros” por su colorido oscuro y sus temas que recordaban las pesadillas. Estas obras no tienen análogos en la pintura de esa época. Algunos de ellos están escritos en religioso, otros en historias mitologicas- como, por ejemplo, "Saturno devorando a sus propios hijos". Sin embargo, en su mayor parte, se trata de creaciones trágicas de la imaginación del artista.

Estos incluyen “Dog”, que representa un perro cubierto de arena. Estas escenas se caracterizan por un estilo de escritura brutal y atrevido; todo en ellos recuerda la muerte y la inutilidad de la vida humana. Las “pinturas negras” adornaron las paredes de la “Casa de los Sordos” hasta la década de 1870, después de lo cual fueron compradas por el barón Emil Erlanger, un banquero y coleccionista de arte alemán. Las pinturas fueron trasladadas de las paredes al lienzo y expuestas en 1878 en París.

En 1881 fueron donados al museo madrileño Prado.

www.museum.ru/n26538

¡Soy Goya!

Las cuencas de los ojos de los cráteres fueron arrancadas por un enemigo,

Volando desnudo al campo.

Estoy pena.

Guerras, ciudades tizones

En la nieve del 41.

Tengo hambre.

yo soy la garganta

Una mujer ahorcada cuyo cuerpo es como una campana.

Me estaba golpeando la cabeza sobre la plaza...

¡Soy Goya!

Oh las uvas

¡Venganza! De un trago se fue hacia el oeste.

¡Soy las cenizas de un intruso!

Y condujo a los fuertes hacia el cielo conmemorativo.

Estrellas -

Como uñas.

Yo soy Goya.

Andrey Voznesensky

Más:

nombre de la exposición:"Retratos de Goya"
gasto de tiempo: 07.10.2015-10.01.2016
ubicación: Galería Nacional, Trafalgar Square, WC2N 5DN Annenberg Court, Londres, Inglaterra
sitio web de la exposición: www.nationalgallery.org.uk

El 7 de octubre se inauguró en la Galería Nacional de Londres una exposición dedicada a la obra del gran artista español Francisco Goya. La exposición es de especial interés, ya que la obra de Goya como retratista nunca se ha presentado en una exposición separada. La exposición presenta alrededor de 700 obras del artista procedentes de colecciones públicas y privadas, algunas de las cuales nunca han sido expuestas en Londres. El objetivo de la exposición es rastrear la evolución del retrato de Goya desde el primer retrato encargado del Conde de Floridabana hasta los retratos poéticos posteriores pintados durante su emigración a Burdeos en la década de 1820.

La obra de Francisco Goya es diversa y abarca una variedad de géneros. Su pintura profundamente nacional se distingue por la veracidad y la especificidad histórica y tiene un contenido universal, reflejando muchos problemas y trágicas contradicciones de la nueva era histórica.

Retratos de Goya

La situación en la España feudal del siglo XVIII, que alguna vez gobernó casi la mitad del mundo pero que había perdido su antigua grandeza, se caracterizó por el predominio de fuerzas reaccionarias en un contexto de atraso económico. vida artística La España de aquella época era un reflejo de su cultura, aspiraciones y religión. Un rasgo característico de la pintura española fue la falta de unidad estilística y una clara manifestación de la dirección “imitativa”. La corte española dio preferencia a los artistas extranjeros: incluso el director de la Academia de las Artes de San Fernando de Madrid fue artista alemán, apologista del clasicismo, Anton Raphael Mengs. En 1767-1770 trabajó en la corte de Madrid el gran G. Tiepolo, cuya influencia para artistas españoles Este período fue decisivo. El dominio de los artistas extranjeros en la corte tuvo tristes consecuencias: estilo general La pintura española, incapaz de resistir el embate de la imitación, perdió su sabor nacional. Y sólo con la llegada de Federico Goya la pintura española ganó fama paneuropea.

"Retrato de Josefa Bayeu de Goya, esposa del artista", Goya. Se sabe tan poco sobre ella que ni siquiera hay una certeza firme de que éste sea su retrato.

Francisco José de Goya y Lucientes nació el 30 de marzo de 1746 en el pequeño pueblo aragonés de Fuendetodos, cerca de Zaragoza. El padre del futuro artista, José Goya, provenía de un entorno campesino, pero gradualmente se convirtió en artesano (se convirtió en dorador de altares en las iglesias), y su madre, Gracia Lucientes, provenía de una familia noble empobrecida. Goya añadió el prefijo aristocrático “de” a su apellido a finales de la década de 1780, cuando el rey Carlos IV lo elevó al rango de artista de la corte. Uno de sus hermanos mayores, Camillo, se hizo sacerdote; el segundo, Thomas, siguió los pasos de su padre. Todos los hermanos recibieron una educación muy superficial, por lo que Francisco escribió con errores toda su vida. Después de que la familia se mudó a Zaragoza, Francisco decidió su futura profesión y se convirtió en aprendiz de un artista local. Durante sus estudios recibió el primer encargo oficial de la iglesia parroquial de Fuendetodos para pintar una ermita para guardar las reliquias. Desafortunadamente, este trabajo se perdió en 1936 durante guerra civil en España.

El intento de Goya de ingresar en la prestigiosa Real Academia de Madrid en 1763 fracasó: la selección para la Academia fue muy estricta. Y Goya pronto se convirtió en alumno del entonces popular artista Francisco Bayeu. El segundo intento de obtener una formación académica después de 3 años también fracasó. Goya fue aceptado en la Academia de San Fernando en 1780, cuando ya hacía una exitosa carrera. El rápido crecimiento de su carrera se vio facilitado por su matrimonio con la hermana menor de Bayeu, Josepha: gracias a su famoso cuñado, Goya recibió varios encargos prestigiosos y lucrativos. Uno de ellos fue un importante pedido de una serie de cartulinas para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara (en total, Goya realizó 63 bocetos). Temáticamente, las cartulinas se remontan al estilo rococó, pero Goya ya introduce un marcado “acento español” (paisaje español, Traje nacional y una especie de humor), que más tarde formaría la base de todas sus obras de madurez. En 1785 Goya se convirtió en subdirector del departamento de pintura de la Academia y al año siguiente fue invitado a la corte de Carlos III. Tras la muerte de Carlos III en 1788, el nuevo rey Carlos IV concedió a Goya el título honorífico de artista de la corte. La alta posición trajo prosperidad: Goya se convirtió en el retratista más buscado y de moda no solo entre los aristócratas españoles, sino también entre la intelectualidad, los políticos y los líderes militares.

Hasta el día de hoy han sobrevivido unas 700 pinturas de Goya, y casi la mitad de ellas son retratos. La mayoría de las veces, Goya creó retratos de medio cuerpo o representó solo la cabeza y los hombros. Pero también tiene varios retratos en altura completa(“Familia de Carlos IV”, “Retrato de María Teresa de Vallabridge”, “Autorretrato en el trabajo”). Según las memorias del hijo de Goya, Javier, al artista le encantaba trabajar de noche. Esto lo confirma un autorretrato de 1790-95, en el que se representa con un sombrero cuyo ala estaba llena de velas encendidas. Fue la iluminación incorrecta con velas lo que ayudó al artista a crear imágenes inquietantes y tensas. Goya se distinguió por su talento universal, la más alta habilidad técnica y una asombrosa eficiencia (podía pintar un retrato en una sesión de diez horas). Javier notó la variedad de técnicas del arsenal artístico de su padre: además de pinceles, Goya a veces aplicaba pintura con cuchillo, dedos e incluso con cuchara de madera (en el caso de los cuadros dedicados al levantamiento de Madrid del 2 de mayo de 1808). ; A veces, al crear cuadros utilizaba esponjas, trozos de trapo y pinceles.

Goya retratista se caracteriza por una aguda percepción personal del modelo y la reproducción de las características individuales de la constitución espiritual del retratado. Prueba de ello son los retratos creados casi simultáneamente de Jovellanos (1797), un famoso político y amigo de Goya, y un retrato Embajador de Francia Guillemardet (1798). Para transmitir mundo interior el intelectual contemplativo Jovellanos y el carácter tenaz de Guillemarde, el artista en cada uno de los retratos utilizó una estructura figurativa especial y diferente técnicas visuales. Los retratos de Goya no tienen el mismo valor, porque siempre llevan la huella de la relación personal del artista con el modelo. Los retratos de los amigos de Goya (“Retrato de Bayeu”, “Retrato del Doctor Peral”) están realizados de forma clara, limpia y tranquila, revelando su nobleza e inteligencia interior.

Los retratos reales en España antes de Goya reflejaban los gustos artísticos de las dinastías gobernantes de Austria y Francia. Al abandonar la representación externa, Goya se alejó de la tradición francesa de retratos ceremoniales teatrales y espectaculares, falsamente idealizantes, establecida por el artista de la corte de Felipe V, van Loo. Debido al compromiso del artista con un realismo intransigente al representar modelos, el grandioso retrato grupal de la familia de Carlos IV adquirió el carácter de una exposición: “El mundo es una mascarada: el rostro, la ropa, la voz son todos falsos...” ( P. Goya).

Pero durante la época en que Goya fue colmado de favores reales y su obra fue reconocida como un fenómeno nacional, tuvo que pasar la prueba no sólo de la fama, sino también de la enfermedad. La próspera vida del artista llegó a su fin en el invierno de 1792-93. Durante una visita a Cádiz de su amigo Sebastián Martínez, Goya enfermó y durante varios meses estuvo al borde de la vida o la muerte. La enfermedad asestó un duro golpe: el artista sufrió parálisis, pérdida parcial de la visión y posterior sordera. Pero Goya creyó en el poder curativo del arte y, una vez recuperado ligeramente, volvió a la creatividad para, según sus palabras, “ocupar su imaginación y distraer su mente de pensamientos de enfermedad”. Y lo consiguió por completo: tras su enfermedad, Goya creó su famosa serie de aguafuertes, se dedicó a la pintura religiosa (en apenas 3 meses decoró la Iglesia de San Antonio de la Florida) y pintó varios bellos retratos, entre ellos el retrato de la duquesa de Alba.

La imaginación del escritor Lion Feuchtwanger, autor de la novela “Goya, o el difícil camino del conocimiento”, creó una leyenda basada en la hipótesis muy extendida en su época de que fue la duquesa de Alba quien posó para los famosos cuadros de Goya “Maja desnuda”. ” y “Maja vestida”. Para acabar con las habladurías, los herederos de la duquesa abrieron la tumba de Alba en el siglo XX para comprobar la inconsistencia de esta versión con los resultados de las mediciones de los restos. Pero no fueron los primeros: los soldados napoleónicos no sólo abrieron la tumba de la duquesa, sino que también arrojaron el cuerpo de ella. En el estado actual de los restos no fue posible medir los huesos, lo que alargó la vida de la leyenda. La galería de bellos retratos femeninos de Goya se completa con uno de los últimos cuadros poéticos e ilustrados del artista, “La lechera de Burdeos”, creado en el año de su muerte, en 1828. Goya partió hacia Burdeos, que en ese momento era el centro de la emigración republicana española, en 1824, incapaz de resistir la nueva ola de represiones del régimen reaccionario de Fernando VII. Goya pasó los últimos años de su vida en Burdeos, donde murió el 6 de abril de 1828. Sus cenizas fueron transportadas a Madrid y enterradas en la Iglesia de San Antonio de la Florida, cuyas paredes y techo pintó.

La obra de Goya, que abrió arte español toda una era de pintura realista de los tiempos modernos, había gran valor para la formación del romanticismo europeo. Y fue en la obra de Goya en la que se basaron sus búsquedas los simbolistas, expresionistas y surrealistas.