Impresión, improvisación, composición. Pinturas famosas de Wassily Kandinsky

Creatividad de Wassily Vasilyevich Kandinsky

(1866-1944)

El trabajo de Vasily Vasilyevich Kandinsky es un fenómeno único del arte ruso y europeo. Fue este artista, dotado de un poderoso talento, un intelecto brillante y una sutil intuición espiritual, quien estaba destinado a hacer una verdadera revolución en la pintura y crear las primeras composiciones abstractas.

El destino de Kandinsky no fue del todo habitual. Hasta los treinta años ni siquiera pensó en el arte. Después de graduarse en 1893 de la facultad de derecho de la Universidad de Moscú, comenzó a trabajar en su tesis, participó en una expedición etnográfica al norte de Rusia y en 1896 recibió una invitación de la universidad en Derpt (ahora Tartu, Estonia) para tomar la posición de Privatdozent. Pero en el mismo año, Kandinsky cambió repentinamente su vida. La razón de esto fue la impresión de la pintura "Pajar" de Claude Monet en la Exposición Industrial y de Arte Francés en Moscú. Habiendo abandonado el departamento, se fue a Alemania para estudiar pintura. Kandinsky se instaló en Munich, que a principios de siglo era el centro reconocido del Art Nouveau alemán. Primero estudió en una escuela privada de pintura y luego en la Academia de Artes de Munich con Franz von Stuck.

Viviendo en Alemania, Kandinsky venía a Rusia casi todos los años y presentaba sus obras en exposiciones de la Asociación de Artistas de Moscú, la Nueva Sociedad de Artistas, etc. Sus artículos sobre el arte de Alemania, que desempeñó un papel tan importante en la formación de la creatividad. personalidad del pintor. Al mismo tiempo, Kandinsky estaba entusiasmado e inspirado por la tradición artística rusa: íconos, templos antiguos, personajes de cuentos de hadas. Todos ellos a menudo están presentes en sus obras, lo que indica la influencia de los maestros del "Mundo del Arte" en él.

Kandinsky era un líder nato. Ya en 1901, apenas terminados sus estudios, encabezó la sociedad de arte Falanga, participó en sus exposiciones y trabajó en la escuela creada a su cargo. En 1909, el maestro organizó la "Asociación de Arte de Nueva Munich", y en 1912, el grupo Blue Rider.

En las obras de Kandinsky 1900-1910. se sienten diversas influencias: desde el expresionismo alemán y el fauvismo francés (“Vista de Murnau”, 1908; “Casas en Murnau en el Obermarkt”, 1908) hasta el “Mundo del Arte” ruso (“Damas con crinolinas”, 1909). No sin la influencia del simbolismo, Kandinsky recurrió a la gráfica, creando un ciclo de xilografías "Poemas sin palabras" (1903).

A principios de los 10s. la dirección principal de la búsqueda creativa de Kandinsky estaba claramente definida: quería enfocar todos los medios de la pintura en la transferencia de un sistema complejo de sentimientos y sensaciones que viven en las profundidades ocultas del alma del artista y no dependen del mundo material. Teóricamente, el maestro formuló este problema en el libro “6 Espiritual en el Arte” (1911), pero la solución práctica le llegó de manera repentina e inusual. El propio artista describió la conmoción que había tenido lugar en su mente en la obra "Pasos" (1918): "Yo ... de repente vi frente a mí una imagen indescriptiblemente hermosa, saturada de ardor interior. Al principio estaba asombrado, pero ahora con un paso rápido me acerqué a esta imagen misteriosa, completamente incomprensible en su contenido externo y que consiste exclusivamente en manchas de colores. Y se encontró la clave del acertijo: era mi propia imagen, apoyada contra la pared y parada de lado ... En general, ese día me quedó innegablemente claro que la objetividad es perjudicial para mis pinturas.

Probablemente, en ese momento, el maestro sorprendido apenas se dio cuenta de que la imagen colocada accidentalmente de lado se convertiría en la fuente de una nueva tendencia en el arte: el abstraccionismo. Según Kandinsky, es la línea y la mancha de color, y no la trama, las portadoras del principio espiritual, sus combinaciones dan lugar a un “sonido interior” que evoca una respuesta en el alma del espectador.

Todas las obras abstractas de Kandinsky, según sus propias palabras, se dividen en tres grupos (según el grado de distanciamiento del tema): impresiones, improvisaciones y composiciones. Si la impresión nace como una impresión directa del mundo externo, entonces la improvisación expresa inconscientemente impresiones internas. Finalmente, la composición es la forma más alta y consistente de la pintura abstracta. No tiene vínculos directos con la realidad. Las manchas de color y las líneas forman un elemento de movimiento impresionante. Las composiciones de Kandinsky no tenían nombres individuales, solo números (de diez de esas obras, siete sobrevivieron).

Al crear composiciones abstractas, Kandinsky en realidad cambió la naturaleza de la pintura, un arte estrechamente relacionado con la narración, y la acercó a la música, que está diseñada no para representar, sino para expresar los estados mentales más complejos.

Wassily Kandinsky: artista y teórico del arte ruso, marcó el comienzo de un período dramático en el trabajo de Kandinsky y se convirtió en un presagio del surgimiento del arte abstracto. Concibió un nuevo estilo, ahora conocido como Sobre lo espiritual en el arte ».

Bauhaus

tuvo una profunda influencia en el desarrollo de las bellas artes modernas. Fue quien liberó a la pintura de la representación limitante y sentó las bases para la evolución del arte abstracto. Su enorme influencia en el mundo del arte cambió para siempre la forma en que se percibía la pintura. Las obras del artista se basaron en principios filosóficos, que progresaron constantemente en imágenes pintorescas.

Kandinsky es, quizás, ante todo, un pensador y luego un artista. Solo reconoció la dirección en la que podía moverse una configuración saturada y la persiguió sin descanso, dando ejemplo a otros creadores de vanguardia. La esencia de la abstracción de Kandinsky es la búsqueda de una síntesis universal de música y pintura, vistas como paralelismos con la filosofía y la ciencia.

Wassily Kandinsky nació en Moscú en 1866. CON NIñez temprana estaba sorprendido por la variedad de colores en la naturaleza, y estaba constantemente interesado en el arte. A pesar del éxito en economía y derecho, abandonó una prometedora carrera en las ciencias sociales para seguir una vocación creativa.

La exposición de Claude Monet, que visitó el joven artista, fue el impulso decisivo que lo inspiró a dedicarse al estudio de las bellas artes. cuando entró escuela de Arte en Munich, Kandinsky ya tenía 30 años. Incluso sin ser aceptado la primera vez, continuó estudiando de forma independiente.

Vasily Vasilyevich pasó dos años en una escuela de arte, después de lo cual siguió un período de vagabundeo. El artista visitó los Países Bajos, Francia, Italia y Túnez. En ese momento, produjo pinturas fuertemente influenciadas por el posimpresionismo, reviviendo su infancia en Rusia en paisajes imaginativos de significado idealista para el artista. Se instaló en la ciudad de Murnau, cerca de Munich, y continuó su exploración de paisajes, dotándolos de líneas vigorosas y colores fuertes y audaces.

Kandinsky pensó en la música, tratando de transmitir sus rasgos abstractos en otras formas de arte. En 1911, se formó en Munich un grupo de artistas de ideas afines, encabezados por Kandinsky. Se nombraron a sí mismos " El jinete azul" - "Der Blaue Reiter". Entre los participantes se encontraban expresionistas alemanes tan famosos como August Macke y Franz Marc. El grupo publicó un almanaque con sus propios puntos de vista sobre arte Moderno y realizó dos exposiciones antes de disolverse al comienzo de la Primera Guerra Mundial en 1914.

La transición al uso La transición al uso de elementos pictóricos básicos marcó el comienzo de un período dramático en la obra de Kandinsky y se convirtió en un presagio de la aparición del arte abstracto. Concibió un nuevo estilo, ahora conocido como abstracción lírica. El artista, a través del dibujo y el dibujo, imitó el flujo y la profundidad de una obra musical, el colorido reflejó el tema de la contemplación profunda. En 1912 escribió y publicó el estudio seminal "Sobre lo espiritual en el arte ».

En 1914, Kandinsky tuvo que regresar a Rusia, pero no dejó de experimentar. Incluso participó en la reestructuración de las instituciones artísticas rusas después de la revolución. Pero el verdadero significado de su brillante innovación se hizo evidente solo en 1923, después de que regresó a Alemania y se unió al cuerpo docente " Bauhaus”, donde se hizo amigo de otro artista creativo de vanguardia, Paul Klee.

Kandinsky trabajó en una nueva fórmula pictórica que consiste en líneas, puntos y formas geométricas combinadas que representan sus exploraciones visuales e intelectuales. La abstracción lírica se ha desplazado hacia una composición científica más estructurada.

Después de diez años de fructífero trabajo, en 1933 las autoridades nazis cerraron la escuela Bauhaus. Kandinsky se vio obligado a mudarse a Francia, donde pasó el resto de su vida.

Los últimos once años el genio ruso los ha dedicado a la búsqueda constante de la gran síntesis de sus ideas abstractas y descubrimientos visuales. Volvió al color intenso y al lirismo, reafirmando sus puntos de vista originales sobre la verdadera naturaleza de la pintura. El gran artista tomó la ciudadanía francesa y creó algunas de las obras de arte más famosas en su nueva patria. Murió en 1944 en Neuilly a la edad de 77 años.

Las nuevas autoridades nazis en 1937 proclamaron las obras de Wassily Kandinsky, así como las obras de sus contemporáneos Marc Chagall, Paul Klee, Franz Marc y Piet Mondrian, "arte degenerado", y dos años después más de mil pinturas y miles de Los bocetos se quemaron públicamente en el atrio de una estación de bomberos en Berlín. Sin embargo, el poder persuasivo de la icónica obra de arte de Wassily Kandinsky no se desvaneció bajo el peso de la historia y triunfó en el escenario de la historia del arte.

1. Secuencia, 1935

Se trata prácticamente de una pieza musical, marcada por un período tardío en la obra de Kandinsky. Campos cerrados con elementos dispersos de la composición que desembocan en determinadas formas. El artista volvió a sus raíces abstractas.

2. El jinete azul, 1903

Esta pintura fue la inspiración para la creación de uno de los grupos más influyentes en la historia del arte moderno: Der Blaue Reiter. Este trabajo temprano escrito en el borde de la abstracción.

3. "Cestas de playa en Holanda", 1904

Paisaje tomado de un viaje a los Países Bajos. La escena está presumiblemente influenciada por el impresionismo.

4. "Otoño en Murnau", 1908

La transición paulatina a la abstracción está marcada por el expresionismo en el paisaje.

5. “Ajtirka. Iglesia Roja, 1908

Paisaje ruso en el que el artista resucitó su nostalgia.

6. "Montaña", 1909

Un paisaje casi completamente abstracto, con pequeños contornos que sugieren una colina y figuras humanas.

7. "La primera acuarela abstracta", 1910

Esta obra tiene un valor histórico como la primera acuarela completamente abstracta de Kandinsky.

8. "Improvisación 10", 1910

La improvisación en el dibujo y el color da pistas, pero no revela ni concreta las imágenes. abstracción temprana.

9. "Lírico", 1911

En su pintura, el artista se basó a menudo en ideas musicales, por lo que el carácter lírico de sus trazos surgió de forma natural. Este es uno de sus "poemas artísticos".

10. "Composición IV", 1911

Hay una historia de que Kandinsky pensó que había terminado la pintura, pero tan pronto como su asistente lo giró accidentalmente hacia el otro lado, la perspectiva y la impresión general del lienzo cambiaron, haciéndolo hermoso.

11. "Improvisación 26 (Remo)", 1912

Kandinsky a menudo llamó a sus pinturas a la manera de obras musicales: improvisación y composición.

12. "Improvisación 31 ( batalla naval)", 1913

Un ejemplo típico de abstracción lírica con fuerte color y contenido emocional.

13. "Cuadrados con círculos concéntricos", 1913

Ya es una verdadera abstracción profunda. Así, Kandinsky realizó investigaciones en el campo del color y la geometría.

14. “Composición VI”, 1913

Después de una extensa preparación para esta pintura, Kandinsky la completó en tres días, cantando la palabra alemana "uberflut", que significa inundación, como mantra de inspiración.

15. Moscú, 1916

Durante su estancia en Moscú durante los años de la guerra, Kandinsky quedó impresionado por el bullicio de la gran ciudad. Es más un retrato de la capital que un paisaje que refleja toda su potencia y turbulencia.

16. "Azul", 1922

Otro estudio del color en una forma geométrica muy limitada.

17. Negro y morado, 1923

Uno de los cuadros pintados después de regresar a Alemania. Todavía vemos colores ricos en la composición, pero un giro geométrico claramente nítido empuja a un lado los trazos líricos.

18. "Sobre blanco II", 1923

Representación visual en dos matices principales: blanco y negro. Los dos opuestos crean un fuerte contraste, manteniendo la tensión en una pintura que mimetiza la lucha entre la vida y la muerte.

19. "Amarillo, rojo, azul", 1925

Como sugiere el nombre, se trata principalmente de una exploración del potencial de los colores primarios que adornan una composición geométrica.

20. Composición X, 1939

Esta imagen también está escrita bajo la influencia de la música. Los elementos visuales son proporcionales a los componentes musicales de la sinfonía perfecta. Kandinsky creía que este es el secreto de la verdadera pintura.

Rusia siempre ha dado a luz a muchos Gente talentosa que hizo grandes avances en la ciencia y el arte. Descubridores, inventores y pioneros hacen avanzar la cultura. Entre esta fila genios sobresalientes También puedes nombrar a un artista llamado Wassily Kandinsky. fotos y biografia de este persona destacada definitivamente merecen una atención especial.

¿Quién es Vasily Vasilyevich Kandinsky?

Kandinsky V. V. es una figura muy importante en la cultura rusa. El caso es que no fue solo un artista, sino un reconocido líder de vanguardia. Más tarde, fue este hombre quien se convirtió en uno de los fundadores del abstraccionismo. También tiene créditos por crear varias sociedades creativas. Por lo tanto, el hudzhonik ruso es ampliamente conocido no solo en Rusia, sino también en el extranjero. Pasemos al camino de la vida por el que pasó Vasily Vasilyevich Kandinsky. fotos de esto maravilloso artista se encuentran ahora en muchos museos de todo el mundo.

La vida en Rusia

El futuro artista nació en Moscú en 1866 en la familia de un exitoso hombre de negocios. Poco después del nacimiento del artista, su familia se mudó a Odessa, donde el niño comenzó a crecer y recibió sus primeras lecciones de pintura y música.

En 1885 se trasladó a Moscú y entró en la Universidad de Moscú Kandinsky Vasily Vasilyevich. Las imágenes en ese momento no le interesaban mucho, porque quería dedicar su vida al negocio legal. Sin embargo, 10 años después, en 1895, decide abandonar ese rumbo y se sumerge de lleno en el arte. Esto se debió a la exposición en la que el artista vio la obra de Monet, por cierto, ya tenía 30 años en ese momento.

Después de llegar del extranjero, el artista se involucró activamente en público y actividades educacionales, sin embargo, en 1921 Kandinsky V.V. Decidí no volver a mi tierra natal. Esto se debió a importantes desacuerdos con las autoridades. Sin embargo, incluso a pesar de la partida forzosa, el artista mantuvo en su corazón hasta el final de sus días el amor por el pueblo y la cultura rusa, que expresó en sus lienzos.

Vida en el extranjero

Por primera vez el artista viajó al extranjero en 1897. Viajó mucho por Europa y África del Norte, y también creó varias sociedades importantes en el mundo del arte. Su asociación más famosa es el Blue Four.

Hasta 1921 Kandinsky V.V. estuvo en el extranjero solo por un corto tiempo, pero después de eso se mudó permanentemente. Durante estos años, se dedicó al arte, la escritura y la docencia en la universidad.

En 1933, el artista se fue a Francia y vivió allí durante bastante tiempo. Pasó varios meses en Estados Unidos, pero en 1944 Kandinsky V.V. murió en Francia.

Gracias a sus viajes, el artista Kandinsky Vasily Vasilyevich se hizo mundialmente famoso. críticos en mejor luz bien se lo merecen, porque en realidad están hechos por la mano de un maestro. El artista pudo hacer un gran avance en el mundo del arte y realmente aportar nuevas ideas.

Arte

El artista comenzó a pintar profesionalmente en 1900, cuando ingresó en la Academia de Bellas Artes de Munich. Al principio trabajó al estilo del vanguardismo. Después de brillantes obras jóvenes, Kandinsky V.V. se trasladó más a temas folclóricos, donde el modernismo ruso es el más de una manera interesante combinado con leyendas medievales y motivos inmobiliarios, por ejemplo, como en la pintura "Motley Life".

Al maestro le gustaba crear con la ayuda de óleos y acuarelas, pero al mismo tiempo prestaba mucha atención a los gráficos y grabados en madera.

El regreso a Rusia en 1914 dejó una fuerte huella en su obra. Ahora se han agregado a las pinturas rasgos trágicos de la realidad rusa.

Época posterior, después de los años 20. y salida de Rusia, trajo a Kandinsky V.V. A más construcciones geometricas pinturas y temas espaciales que son inherentes al constructivismo, pero al mismo tiempo el maestro los retuvo, esto se ve claramente en las pinturas "En el cuadrado negro" y "Varios círculos".

La vida en Francia introdujo más surrealismo en el trabajo del artista, y ahora comenzaron a aparecer imágenes biomórficas en ellos, como en los lienzos "Curva dominante" o "Cielo azul".

Pinturas famosas de Wassily Kandinsky

Esto es sabido por todo el mundo. Persona talentosa. El artista Kandinsky Vasily Vasilyevich trabajó mucho en sus obras. Sus pinturas tienen un simbolismo y significado especial, por eso fue tan poco comprendido en su época y tan apreciado ahora. Ni siquiera puedes elegir otra palabra, porque en 2012 la pintura "Boceto para improvisación No. 8" se vendió por $ 23,4 millones.

Casi todas las obras creadas por Kandinsky Vasily Vasilyevich se hicieron famosas. Las pinturas de su autoría "En gris", "Vibración" y "Cosacos" pueden llamarse una de sus obras más populares, pero es bastante difícil elegir, ya que todas sorprenden a los ojos y pensamientos de los admiradores.

Otros talentos

Hablando de Kandinsky V.V., no debemos olvidar que no solo fue un artista. Desde muy joven, sintió pasión por la escritura e incluso publicó sus artículos de arte desde Berlín. Artista posterior publicó una serie completa de sus libros, donde describió en detalle su enfoque del arte, la cosmovisión, así como el estilo de crear pinturas. También escribió poesía.

Los libros "Sobre lo espiritual en el arte" y "Punto y línea en un plano" fueron escritos por Vasily Vasilyevich Kandinsky. Los cuadros son cuadros duraderos, por eso el artista puso toda su alma en ellos y dijo que no los pinta, sino que reflexiona sobre el mundo en el proceso de escritura. Por lo tanto, Kandinsky V.V. creía que solo la percepción espiritual debe transmitirse en el trabajo, no debe haber objetos específicos, de lo contrario distraerían del alto significado.

A principios de diciembre de 2011, se establecieron nuevos récords de precios en subastas rusas en Londres. Resumiendo los resultados del año, hemos compilado una lista de las obras más caras de artistas rusos según los resultados de las subastas.

33 k más caro Fuente: 33 k más caro.

Según las calificaciones, el artista ruso más caro es Mark Rothko. Su Centro Blanco (1950), vendido por $72,8 millones, además, ocupa el puesto 12 en la lista de los cuadros más caros del mundo en general. Sin embargo, Rothko era judío, nació en Letonia y salió de Rusia a la edad de 10 años. Es justocon un estiramiento similar perseguir ¿por los récords? Por lo tanto, Rothko, así como otros emigrantes que abandonaron Rusia antes de convertirse en artistas (por ejemplo, Tamara de Lempicki y Chaim Soutine), los eliminamos de la lista.

No. 1. Kazimir Malevich - $60 millones

El autor de "Black Square" es una persona demasiado importante para que sus obras se encuentren a menudo en el mercado libre. Así que esta imagen salió a subasta de una manera muy difícil. En 1927, Malevich, a punto de organizar una exposición, trajo casi un centenar de obras de su taller de Leningrado a Berlín. Sin embargo, fue llamado con urgencia a su tierra natal, y los dejó para su almacenamiento al arquitecto Hugo Hering. Salvó las pinturas durante los difíciles años de la dictadura fascista, cuando bien podrían haber sido destruidas como "arte degenerado", y en 1958, tras la muerte de Malevich, las vendió al Museo Estatal de Stedelek (Holanda).

EN principios XXI siglo, un grupo de herederos de Malevich, casi cuarenta personas, iniciaron procedimientos legales, porque Hering no era el propietario legal de las pinturas. Por ello, el museo les regaló este cuadro, y regalará cuatro más, que seguro causarán sensación en alguna subasta. Después de todo, Malevich es uno de los artistas más forjados del mundo, y el origen de las pinturas del Museo Stedelek es impecable. Y en enero de 2012, los herederos recibieron otro cuadro de esa exposición de Berlín, llevándoselo del museo suizo.

#2 Wassily Kandinsky - $22.9 millones

El precio de subasta de una pieza se ve afectado por su reputación. No es sólo gran nombre artista, sino también "procedencia" (origen). Una cosa de una colección privada famosa o de un buen museo siempre es más cara que una obra de una colección anónima. La Fuga proviene del famoso Museo Guggenheim: una vez el director Thomas Krenz sacó este Kandinsky, un cuadro de Chagall y Modigliani de las colecciones del museo, y las puso a la venta. Por alguna razón, con el dinero recibido, el museo adquirió una colección de 200 obras de artistas conceptuales estadounidenses. Krenz fue condenado durante mucho tiempo por esta decisión.

Este lienzo del padre del abstraccionismo es curioso porque marcó un récord allá por 1990, cuando las salas de subastas de Londres y Nueva York aún no se habían llenado de compradores rusos temerarios. Gracias a esto, dicho sea de paso, no desapareció en una colección muy privada en una lujosa mansión, sino que está en exhibición permanente en el Museo privado Beyeler en Suiza, donde cualquiera puede verlo. ¡Una rara ocasión para tal compra!

No. 3. Alexei Yavlensky - 9,43 millones de libras

Un comprador desconocido pagó aproximadamente $ 18,5 millones por un retrato que representaba a una niña de un pueblo cerca de Munich. Shokko no es un nombre, sino un apodo. La modelo, al llegar al estudio del artista, cada vez pedía una taza de chocolate caliente. Así que “Shokko” echó raíces detrás de ella.

El cuadro vendido está incluido en su ciclo famoso"Raza", que representa al campesinado doméstico del primer cuarto del siglo XX. Y, claro, retratar con esas tazas que da miedo mirar. Aquí, en forma de pastor, se revela el poeta campesino Nikolai Klyuev, el precursor de Yesenin. Entre sus poemas se encuentran los siguientes: "En el fuego, la flor escarlata se ha vuelto sorda y desvanecida - El mocoso de luz se atreve Lejos de la novia".

No. 19. Konstantin Makovsky - 2,03 millones de libras

Makovsky - pintor de salón, famoso cantidad inmensa cabezas de espinos en kokoshniks y vestidos de verano, así como una imagen "Niños huyendo de una tormenta", que en un momento se imprimió constantemente en cajas de regalo chocolates. Es dulce pinturas históricas tienen una demanda estable entre los compradores rusos.

El tema de esta pintura.- Ruso antiguo "rito del beso" mujeres notables en Rusia antigua no estaba permitido salir de la mitad de las mujeres, y solo por el bien de los invitados de honor podían salir, traer una copa y (lo más agradable) dejarse besar. Presta atención a la imagen que cuelga en la pared: esta es la imagen del zar Alexei Mikhailovich, uno de los primeros retratos ecuestres que aparecieron en Rus'. Su composición, aunque descaradamente copiada del modelo europeo, se consideró inusualmente innovadora e incluso chocante para la época.

Nº 20. Sviatoslav Roerich - $ 2,99 millones

El hijo de Nicholas Roerich salió de Rusia cuando era adolescente. Vivió en Inglaterra, Estados Unidos, India. Al igual que su padre, se interesó por la filosofía oriental. Al igual que su padre, pintó muchos cuadros sobre temas indios. En general, su padre ocupó un lugar muy importante en su vida: pintó más de treinta de sus retratos. Esta imagen fue creada en la India, donde el clan se instaló a mediados de siglo. Las pinturas de Svyatoslav Roerich rara vez aparecen en las subastas, y en Moscú, las obras de la famosa dinastía se pueden ver en las salas del Museo del Este, al que los autores las presentaron, así como en el museo museo "Centro Internacional de la Roerichs", que se encuentra en una lujosa finca noble justo detrás del Museo Pushkin. Ambos museos no se gustan mucho: el Museo Oriental reclama tanto el edificio como las colecciones del Centro Roerich.

Nº 21 Iván Shishkin - 1,87 millones de libras esterlinas

El principal paisajista ruso pasó tres veranos consecutivos en Valaam y dejó muchas imágenes de esta zona. Este trabajo es un poco sombrío y no parece un Shishkin clásico. Pero esto se explica por el hecho de que la imagen se refiere a su periodo temprano cuando no encontró su estilo y fue fuertemente influenciado por la escuela de paisaje de Düsseldorf, en la que estudió.

Ya hemos mencionado esta escuela de Düsseldorf anteriormente, en la receta de un falso "Aivazovsky". " Shishkins" se hacen de acuerdo con el mismo esquema, por ejemplo, en 2004 en Sotheby's exhibió "Paisaje con un arroyo" del período de Düsseldorf del pintor. Se estimó en $ 1 millón y fue confirmado por el examen de la Galería Tretyakov. Una hora antes de la venta, el lote fue retirado: resultó ser una pintura. por otro alumno de esta escuela, el holandés Marinus Adrian Kukkuk, comprado en Suecia por 65 mil dólares.

No. 22. Kuzma Petrov-Vodkin - 1,83 millones de libras

En una colección privada de Chicago se encontró un retrato de un niño con un icono de la Virgen. Después de que fuera entregado a la casa de subastas, los expertos comenzaron a investigar para intentar determinar su origen. Resultó que la pintura estuvo en exposiciones en 1922 y 1932. En la década de 1930, las obras del artista viajaron por los Estados Unidos como parte de una exposición de arte ruso. Quizás fue entonces cuando los propietarios adquirieron este cuadro.

Tenga en cuenta el espacio vacío en la pared detrás del niño. Al principio, el autor pensó en escribir una ventana con un paisaje verde allí. Esto habría equilibrado la imagen tanto en términos de composición como de colores: la hierba tendría algo en común con la túnica verde de la Madre de Dios (por cierto, según el canon, debería ser azul). Se desconoce por qué Petrov-Vodkin pintó sobre la ventana.

No. 23. Nicholas Roerich - 1,76 millones de libras

Antes de visitar Shambhala y comenzar a mantener correspondencia con el Dalai Lama, Nicholas Roerich se especializó con bastante éxito en viejo tema ruso e incluso hizo bocetos de ballet para Russian Seasons. El lote vendido pertenece a este período. escena de la foto - fenómeno milagroso sobre el agua, que es observada por un monje ruso, muy probablemente: Sergio de Radonezh. Es curioso que el cuadro haya sido pintado en el mismo año que otra visión de Sergio (entonces el joven Bartolomé), que aparece en nuestra lista anterior. La diferencia estilística es enorme.

Roerich pintó muchas pinturas y la mayor parte de ellas, en la India. Donó varias piezas al Instituto Indio de Investigación Agrícola. Recientemente, dos de ellos, "Himalaya, Kanchenjunga" y "Sunset, Kashmir apareció en una subasta en Londres. Fue entonces cuando los investigadores junior del Instituto se dieron cuenta de que habían sido robados. En enero de 2011, los indios solicitaron permiso a un tribunal de Londres para investigar el crimen en Inglaterra. El interés de los ladrones por la herencia de Roerich es comprensible, porque hay una demanda.

No. 24. Lyubov Popova - 1,7 millones de libras

Lyubov Popova murió joven, por lo que no logró hacerse famosa como otra vanguardia amazónica, Natalya Goncharova. Sí, y su legado es más pequeño, por lo tanto, es difícil encontrar su trabajo a la venta. Después de su muerte, se compiló un inventario detallado de las pinturas. esta naturaleza muerta largos años sólo se conoció a partir de una reproducción en blanco y negro hasta que apareció en una colección privada, siendo la obra más significativa del artista en manos privadas. Preste atención a la bandeja de Zhostovo: tal vez esto sea un indicio del gusto de Popova por la artesanía popular. Provenía de una familia de un comerciante de Ivanovo que se dedicaba a las telas, y ella misma creó muchos bocetos de textiles de propaganda basados ​​​​en las tradiciones rusas.

No. 25. Aristarkh Lentulov - 1,7 millones de libras

Lentulov entró en la historia de la vanguardia rusa con una imagen memorable de la Catedral de San Basilio, ya sea cubismo o una colcha de retazos. En este paisaje, intenta romper el espacio de manera similar, pero no resulta tan emocionante. En realidad, por lo tanto Basilio el bendito» en la Galería Tretyakov, y esta imagen- en el mercado del arte. Aún así, una vez que los trabajadores del museo tuvieron la oportunidad de desnatar la crema.

No. 26. Alexei Bogolyubov - 1,58 millones de libras

Vendiendolo artista poco conocido, aunque un pintor de paisajes querido por el zar Alejandro III, por un dinero tan loco, un síntoma del frenesí del mercado en vísperas de la crisis de 2008. Luego, los coleccionistas rusos estaban listos para comprar incluso maestros menores. Además, los artistas de primera clase rara vez venden.

Quizás esta imagen fue enviada como regalo a algún funcionario: tiene una trama adecuada, porque la Catedral de Cristo Salvador hace mucho que dejó de ser solo una iglesia y se convirtió en un símbolo. Y un origen halagador: la imagen se mantuvo en el palacio real. Preste atención a los detalles: la torre de ladrillo del Kremlin está cubierta con yeso blanco y la colina dentro del Kremlin está completamente sin amueblar. Bueno, ¿por qué molestarse en intentarlo? En la década de 1870, Petersburgo era la capital, no Moscú, y el Kremlin no era la residencia.

No. 27. Isaac Levitan - 1,56 millones de libras

Completamente atípica para Levitan, la obra se vendió en la misma subasta que la pintura de Bogolyubov, pero resultó ser más barata. Esto se debe, por supuesto, al hecho de que la imagen no se parece a "Levitan". ". Sin embargo, su autoría es indiscutible, una trama similar se encuentra en el Museo de Dnepropetrovsk. Se encendieron 40.000 bombillas, con las que se decoró el Kremlin, en honor a la coronación de Nicolás II. En unos días ocurrirá el desastre de Khodynka.

No. 28. Arkhip Kuindzhi - $3 millones

El famoso paisajista pintó tres cuadros similares. El primero está en la Galería Tretyakov, el tercero está en el Museo Estatal de Bielorrusia. El segundo, presentado en la subasta, estaba destinado al príncipe Pavel Pavlovich Demidov-San Donato. Este representante de la famosa dinastía de los Urales vivía en una villa cerca de Florencia. En general, los Demidov, convertidos en príncipes italianos, se divirtieron lo mejor que pudieron. Por ejemplo, el tío de Paul, de quien heredó el título principesco, era tan rico y noble que se casó con la sobrina de Napoleón Bonaparte, y una vez en Mal humor la talló. La pobre señora luchó por conseguir el divorcio. La imagen, sin embargo, no llegó a Demidov, fue adquirida por la fábrica de azúcar ucraniana Tereshchenko.

No. 29. Konstantin Korovin - 1.497 millones de libras

impresionistas un estilo de escritura muy "ligero" y amplio es inherente. Korovin es el principal impresionista ruso. Es muy popular entre los estafadores; según los rumores, el número de falsificaciones en las subastas alcanza el 80%. Si una pintura de una colección privada se exhibió en la exposición personal del artista en un famoso museo estatal, entonces su reputación se fortalece y en la próxima subasta cuesta mucho más. En 2012 Galería Tretiakov planea una exposición a gran escala de Korovin. Tal vez habrá obras de colecciones privadas. Este párrafo es un ejemplo de la manipulación de la mente del lector mediante el ejemplo de enumerar hechos que no tienen una conexión lógica directa entre sí.

• Tenga en cuenta que del 26 de marzo al 12 de agosto de 2012, la Galería Tretyakov se compromete a organizarexposición de Korovin . Más sobre la biografía de la más encantadora de las artistas Edad de plata leer en nuestra revisión vernissages de la Galería Estatal Tretyakov en 2012.

Nº 30. Yuri Annenkov - 2,26 millones de dólares

Annenkov logró emigrar en 1924 e hizo una buena carrera en Occidente. Por ejemplo, en 1954 fue nominado al Oscar como diseñador de vestuario por la película "Señora de..." El más famoso de sus primeros retratos soviéticos.- Los rostros son cubistas, facetados, pero completamente reconocibles. Por ejemplo, dibujó repetidamente a León Trotsky de esta manera, e incluso repitió el dibujo muchos años después de memoria, cuando la revista Times quiso decorar la portada con él.

El personaje representado en el retrato de registro es el escritor Tikhonov-Serebrov. Entró en la historia de la literatura rusa principalmente a través de su estrecha amistad con. Tan cerca que, según rumores sucios, la esposa del artista, Varvara Shaikevich, incluso dio a luz a una hija del gran escritor proletario. No se nota mucho en la reproducción, pero el retrato está hecho con la técnica del collage: encima de la capa pintura de aceite el vidrio y el yeso van aquí, e incluso se adjunta un timbre real.

#31 Lev Lagorio - 1,47 millones de libras esterlinas

Otro paisajista menor, por alguna razón vendido por un precio récord. Uno de los indicadores del éxito de la subasta es el exceso de la estimación ("evaluación"), el precio mínimo que los expertos de la casa de subastas establecieron para el lote. La estimación de este paisaje fue de 300-400 mil libras, y se vendió 4 veces más caro. Como dijo un subastador de Londres: "La felicidad es cuando dos oligarcas rusos compiten por el mismo tema.

No. 32. Viktor Vasnetsov - 1,1 millones de libras

Los héroes de acero tarjeta de llamada allá por la década de 1870. el vuelve a su tema estrella, como otros veteranos de la pintura rusa, durante los años de la joven república soviética, tanto por razones económicas como para volver a sentirse demandado. Esta imagen es la repetición del autor. "Ilya Muromets" (1915), que se conserva en la Casa-Museo del Artista (en Prospekt Mira).

Nº 33. Eric Bulatov - 1.084 millones de libras

El segundo artista vivo de nuestra lista (también dijo que para un artista La mejor manera subir el precio de tu trabajo es morir). Por cierto, este es el Warhol soviético, clandestino y anticomunista. Trabajó en el género de Sots Art, que fue creado por el underground soviético, como nuestra versión del Pop Art. "Gloria al PCUS" es uno de los más trabajos famosos artista. Según sus propias explicaciones, las letras aquí simbolizan el entramado que nos bloquea el cielo, es decir, la libertad.

Bonificación: Zinaida Serebryakova - 1,07 millones de libras esterlinas

Serebryakova amaba pintar mujeres desnudas, autorretratos y sus cuatro hijos. Este mundo feminista ideal es armonioso y tranquilo, lo que no se puede decir de la vida de la propia artista, quien con dificultad escapó de Rusia después de la revolución y gastó mucha energía para sacar a sus hijos de allí.

"Desnudo" no es una pintura al óleo, sino un dibujo al pastel. Este es el dibujo ruso más caro. Una cantidad tan alta pagada por los gráficos es comparable a los precios de los dibujos impresionistas y causó una gran sorpresa en Sotheby's, que comenzó a cotizar con 150.000 libras esterlinas y recibió un millón.

La lista se basa en los precios indicados en los sitios web oficiales de las casas de subastas. Este precio es la suma del patrimonio neto (expresado cuando cae el martillo), y« Prima del comprador" (porcentaje adicional de la casa de subastas). Otras fuentes pueden indicar "puro» precio. El tipo de cambio del dólar a la libra a menudo fluctúa, por lo que los lotes británicos y estadounidenses se ubican uno respecto del otro con una precisión aproximada (no somos Forbes).

Las adiciones y correcciones a nuestra lista son bienvenidas.

Wassily Kandinsky no nació como artista, llegó a pintar bastante tarde, a la edad de 30 años. Sin embargo, durante el medio siglo restante, logró hacerse famoso no solo por sus pinturas, sino también por sus tratados teóricos, el más famoso de los cuales es "Sobre lo espiritual en el arte". En gran parte debido a este trabajo en el mundo, Kandinsky es conocido como el fundador del abstraccionismo.

Infancia y juventud

Vasily Vasilyevich Kandinsky nació el 4 (16) de diciembre de 1866 en Moscú en una familia noble. El padre, el famoso comerciante Vasily Silvestrovich, provenía de la antigua familia Kyakhta de los Kandinsky, quienes eran considerados descendientes de los reyes del principado de Mansi Kondinsky. La bisabuela es una princesa de la familia Tungus de los Gantimurov.

Mayoría La familia gastó fortunas en viajes. Durante los primeros 5 años después del nacimiento de Vasily, viajaron por Rusia y Europa, en 1871 se establecieron en Odessa. Aquí futuro artista recibió educación clásica siendo creativo al mismo tiempo. Un profesor particular le enseñó a tocar el piano y el violonchelo, dibujar. EN edad temprana el niño manejó hábilmente el cepillo, combinado, al parecer, incongruente colores brillantes. Más tarde, esta característica formó la base del estilo de pintura que desarrolló: el abstraccionismo.

Los padres no consideraron el talento de su hijo. Por su testamento, en 1885 Wassily Kandinsky ingresó a la Universidad de Moscú en la Facultad de Derecho, Departamento de Economía Política y Estadística. Habiendo perdido dos años debido a una enfermedad, en 1893 completó con éxito sus estudios.

Desde 1895, trabajó en la imprenta de Moscú "Sociedad de I. N. Kushnever and Co" como director artístico. En 1896, se recibió una invitación para ocupar el lugar de profesor de derecho en la Universidad de Dorpat, pero Vasily Vasilyevich se negó a favor de realizarse como artista.

pintura y creatividad

Como escribió Wassily Kandinsky en sus diarios, dos hechos influyeron en la decisión de convertirse en artista: una exposición de impresionistas franceses en 1895, que mostraba, entre otras cosas, Pajar, y la ópera Lohengrin en Teatro Bolshói. Para el momento en que el futuro gran artista y el teórico del arte se dio cuenta del verdadero propósito, tenía 30 años.

En 1896 Kandinsky entró en la escuela privada Anton Azhbe en Múnich. Allí recibió sus primeros consejos para construir una composición, trabajando la forma y el color. Lo inusual de su trabajo se ha convertido en objeto de burla de los colegas en el pincel. El realista Igor Grabar recordó:

“Pintó pequeños bocetos de paisajes, no usando un pincel, sino una espátula y aplicando colores brillantes tablones separados. Resultó bocetos abigarrados, de ninguna manera coordinados. Todos los tratábamos con moderación, bromeando unos con otros sobre estos ejercicios en la "pureza de colores". Kandinsky tampoco tuvo mucho éxito con Azhbe y no brilló en absoluto con talento.

El derroche de colores no fue del gusto del pintor alemán Franz von Stuck, con quien Vasily Vasilyevich estudió en la Academia de Artes de Munich. Por eso, a lo largo de 1900, Kandinsky pintó obras en blanco y negro, concentrándose en la gráfica. Un año después, el futuro artista abstracto abrió la escuela Münchner Malschule Phalanx, donde conoció a Gabrielle Münter, una joven y prometedora artista. Se convirtió en musa y amante de Kandinsky.

En ese momento, de debajo del pincel de Vasily Vasilyevich surgieron paisajes saturados de colores: “ Ciudad Vieja"," Blue Mountain "," Calle en Murnau con mujeres "," paisaje de otoño", etc. También había un lugar para retratos, por ejemplo, "Dos en un caballo".

En 1911, Kandinsky escribió el primer libro, De lo espiritual en el arte. De hecho, el tratado se convirtió en el primero justificación teórica el surgimiento de un género como el abstraccionismo. Vasily Vasilyevich habló sobre los medios para incorporar la creatividad: color, forma, grosor de las líneas. En 1914, el artista abstracto comenzó a trabajar en su segundo trabajo teórico, que se llamó Punto y línea en un plano. Vio la luz en 1926.

La guerra de 1914 obligó a Kandinsky a regresar a su tierra natal, a Moscú. Impartió clases en los Talleres Libres, luego en los Talleres Superiores Artísticos y Técnicos. En el aula, promovió un estilo de escritura libre, por lo que a menudo entró en conflicto con sus compañeros realistas. Vasily Vasilyevich objetó:

“Si un artista usa medios abstractos de expresión, esto no significa que él artista abstracto. Ni siquiera significa que sea un artista. Hay tantos triángulos muertos (ya sean blancos o verdes) como pollos muertos, caballos muertos y guitarras muertas. Es tan fácil convertirse en un "académico realista" como convertirse en un "académico abstracto".

Tras el cierre de la Bauhaus en 1933, Kandinsky emigró a París. En Francia, el abstraccionismo como género estuvo ausente en principio, por lo que el público no aceptó las creaciones innovadoras del artista. Tratando de adaptarse, Vasily Vasilyevich confió en la forma y la composición, suavizando colores brillantes y pegadizos. Creó las pinturas "Azul cielo", "Complejo-simple", jugando con los contrastes.

Vida personal

Wassily Kandinsky tuvo tres mujeres en su vida personal.

Anna Filippovna Chemyakina fue la artista primo y era 6 años mayor. La boda tuvo lugar en 1892, y más por soledad que por amor.

En 1902, Kandinsky conoció al artista alemán Gabriele Münter. Un año después, la pareja se comprometió, a pesar de que Chemyakina se divorció solo en 1911.

Young Munter, que tenía 11 años menos, quería convertirse en la esposa de Vasily Vasilyevich. Y el artista retrasó este momento, a menudo viajaba sin acompañante. En la primavera de 1916 partió hacia Moscú, prometiendo preparar los papeles para el matrimonio. Y cumplió su promesa: en el invierno de 1917 se casó. Es cierto, no en Munter, sino en Nina Nikolaevna Andreevskaya, a quien conoció por teléfono en 1916.

Entonces Nina tenía 17 años y Kandinsky casi 50, y en foto conjunta se parecían más a una hija y un padre. Pero su amor parecía puro y sincero.

“Me sorprendieron sus increíbles ojos azules…”, escribió Nina sobre su primer encuentro.

A fines de 1917, nació su hijo Vsevolod, a quien cariñosamente llamaron Lodya. Menos de tres años después, el niño murió. Desde entonces, el tema de los niños se ha vuelto tabú en la familia Kandinsky.

Muerte

Wassily Kandinsky vivió larga vida- la muerte lo alcanzó a la edad de 78 años en el suburbio parisino de Neuilly-sur-Seine.

La tragedia sucedió el 13 de diciembre de 1944. El cuerpo reposa en el Cementerio Nuevo de Neuilly, en los municipios de Puteaux.

n° 1 En 1926, David Paladin, un futuro soldado cartógrafo, nació en Chinley, Arizona. Durante los años de la guerra, fue hecho prisionero y el joven terminó en un campo de concentración. Soportó todas las intimidaciones posibles hasta que un día los presos fueron liberados. Dado que el paladín no mostraba signos de vida, fue llevado junto con cientos de otros para ser enterrado. En el camino, el soldado se movió. Fue llevado de urgencia al hospital.

El joven estuvo dos años y medio en coma y cuando recuperó la conciencia se presentó como Wassily Kandinsky en ruso puro. Como prueba de la honestidad de las palabras pronunciadas, el ahora ex militar pintó un cuadro que los historiadores del arte consideraron adecuado al estilo del gran artista abstracto.

Después de salir del hospital, David, apodado el Nuevo Kandinsky, continuó pintando, consiguió un trabajo como profesor en el Colegio de Arte de Arizona y luego abrió su propia escuela. Bajo la firma de Kandinsky pintó más de 130 cuadros.

Se dice que el Paladín fue puesto una vez bajo hipnosis. Habló sobre "su" biografía: nació en Moscú en la familia de un hombre de negocios, estudió en Odessa, tuvo tres esposas. Y todo esto está en la voz de Kandinsky. Al final de la sesión, el joven dijo:

“Pero, ¿por qué no hay descanso para mi alma incluso después de la muerte? ¿Por qué poseía a este hombre? Quizá para completar el ciclo inacabado de pinturas...".

n° 2 El primo de Wassily Kandinsky, Viktor, es un psiquiatra de renombre cuyo único paciente era él mismo. A los 30 años, Víctor tuvo su primer ataque de lo que más tarde se conocería como esquizofrenia. El psiquiatra estaba atormentado por alucinaciones sonoras y figurativas, delirios y el síndrome de los “pensamientos abiertos”. Él, al darse cuenta de que no estaba sano, comenzó a investigar. Sobre esta base, Viktor Kandinsky escribió los tratados "Sobre las pseudoalucinaciones", "Sobre la cuestión de la locura", que demostraron que la esquizofrenia es tratable.

Es cierto que, en la práctica, la biografía del paciente tuvo un final triste: durante otro ataque El psiquiatra escribió:

“Me tragué tantos gramos de opio. Estoy leyendo Los cosacos de Tolstoi. La lectura se vuelve difícil. Ya no puedo escribir, ya no puedo ver con claridad. ¡Sveta! ¡Sveta!".

Víctor murió a la edad de 40 años.

Numero 3. Wassily Kandinsky escribió poesía en prosa. En 1913, se publicó la colección "Sonidos", que incluía siete obras.

Obras de arte

• 1901 - "Verano"
• 1903 - El jinete azul
• 1905 - "Gabriel Munter"
• 1908-1909 - "Montaña Azul"
• 1911 - "Todos los Santos"
• 1914 - Fuga
• 1923 - "En el cuadrado negro"
• 1924 - "Acompañamiento negro"
• 1927 - "Picos en un arco"
• 1932 - "Derecha - Izquierda"
• 1936 - "Curva dominante"
• 1939 - "Complejo-simple"
• 1941 - "Varios incidentes"
• 1944 - "Cinta con cuadrados"

Cuando se trata de abstraccionismo, muchas personas que están lejos del arte emiten inmediatamente su veredicto categórico: embadurnamiento. A esto le sigue la frase de que cualquier niño pequeño seguramente dibujará mejor que estos artistas. Al mismo tiempo, la misma palabra "artistas" seguramente será pronunciada con desprecio demostrativo, que en algunos casos rayará incluso en el asco.

AiF.ru, como parte de un programa educativo cultural, dice que trató de mostrar en sus lienzos uno de los más artistas abstractos famososWassily Kandinsky.

Pintura "Composición VI"

Año: 1913

Expuesto en el museo: Hermitage, San Petersburgo

Inicialmente, Kandinsky quiso llamar a la pintura "Composición VI" "El Diluvio", ya que en esta obra el pintor pretendía representar una catástrofe de escala universal. De hecho, mirando de cerca, podemos ver los contornos del barco, animales y objetos, como si se hundiera en remolinos de masas de materia, como si estuviera en las olas de un mar tormentoso.

El mismo Kandinsky más tarde, hablando de este lienzo, señaló que "no habría nada más malo que pegar la etiqueta de la trama original en esta imagen". El maestro señaló específicamente que en este caso el motivo original del cuadro (el Diluvio) se disolvía y se trasladaba a una existencia interna, puramente pictórica, independiente y objetiva. “Una catástrofe grandiosa, que ocurre objetivamente, es al mismo tiempo un canto de alabanza absoluto y que suena a sí mismo, como el himno de una nueva creación que sigue a la catástrofe”, explicó Kandinsky. Por ello, el pintor decidió asignar un nombre numerado al lienzo, ya que cualquier otro podría provocar entre los amantes del arte asociaciones innecesarias que estropearían las emociones que el cuadro debía suscitar.

Cuadro "Composición VII"

Cuadro "Composición VII". Foto: reproducción

Año: 1913

"Composición VII" se llama el pináculo creatividad artística Kandinsky antes de la Primera Guerra Mundial. Dado que la pintura fue creada con mucho cuidado (fue precedida por más de treinta bocetos, acuarelas y óleos), la composición final es una combinación de varios temas bíblicos: la resurrección de los muertos, el Día del Juicio, el Diluvio y el Jardín del Edén. .

La idea del alma humana se despliega en el centro semántico del lienzo, el ciclo marcado con una mancha morada y líneas y trazos negros al lado. Inevitablemente se repliega sobre sí mismo, como un embudo, arrojando algunos rudimentos de formas, extendiéndose en innumerables metamorfosis por todo el lienzo. Chocando, se fusionan o, por el contrario, se rompen, poniendo en movimiento a los vecinos... Es como el elemento mismo de la Vida surgiendo del Caos.

Pintura "Composición VIII"

"Composición VIII". Foto: "Composición VIII", Wassily Kandinsky, 1923

Año: 1923

Museo expuesto: Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York

"Composición VIII" es fundamentalmente diferente del trabajo anterior de esta serie, porque en lugar de contornos borrosos, por primera vez hay formas geométricas claras. Idea principal como tal en este trabajo está ausente, en su lugar, el propio artista da una descripción específica de las figuras y colores de la imagen. Entonces, según Kandinsky, las horizontales suenan “frías y menores”, y las verticales suenan “cálidas y altas”. Los ángulos agudos son “cálidos, agudos, activos y amarillos”, mientras que los rectos son “fríos, comedidos y rojos”. Color verde"equilibrado y consistente con los sutiles sonidos del violín", el rojo "puede dar la impresión de un fuerte tamborileo", y el azul está presente "en lo profundo del órgano". El amarillo "tiene la capacidad de elevarse más y más alto, alcanzando alturas insoportables para la vista y el espíritu". Azul "desciende a las profundidades sin fondo". Azul "desarrolla el sonido de la flauta".

Pintura "Problemas"

Pintura "Problemas". Foto: reproducción

Año: 1917

Exhibido en el museo: Galería Estatal Tretyakov, Moscú

El nombre "Troubled" fue elegido para la imagen no por casualidad. La oscuridad y el "moquillo" se muestran en la obra de Kandinsky mediante un dramático choque de centrípetas y fuerzas centrífugas, como si se rompieran unos contra otros en el centro del lienzo. Esto provoca una sensación de ansiedad, que crece a medida que uno se “acostumbra” al trabajo. Peso colores adicionales lleva a cabo una suerte de orquestación de la lucha principal, ya pacificando, ya exacerbando la confusión.

Cuadro "Improvisación 20"

Pintura "Improvisación 20". Foto: reproducción

Año: 1911

Expuesto en el museo: Museo Estatal Bellas Artes a ellos. A. S. Pushkin, Moscú

En sus obras de la serie "Improvisación", Kandinsky buscó mostrar los procesos inconscientes de carácter interno que surgen de repente. Y la vigésima obra de esta categoría, el artista representó la impresión de su "naturaleza interior" de la carrera de dos caballos bajo el sol del mediodía.

• 
  "Barcos de Rapallo", Wassily Kandinsky, año desconocido.
• 
  Moscú, Plaza Zubovskaya. Estudio, Wassily Kandinsky, 1916.
• "Lección con un canal", Wassily Kandinsky, 1901.
• 
  "Ciudad Vieja II", Wassily Kandinsky, 1902.
• "Gabriel Munter", Wassily Kandinsky, 1905.
• 
  "Otoño en Baviera", Wassily Kandinsky, 1908.
• 
  "La primera acuarela abstracta", Wassily Kandinsky, 1910.
• 
  "Composición IV", Wassily Kandinsky, 1911.
• "Moscú I", Wassily Kandinsky, 1916