บัลเลต์เป็นรูปแบบศิลปะที่วิสัยทัศน์ของผู้สร้างถูกรวบรวมผ่านการออกแบบท่าเต้น การแสดงบัลเล่ต์ประกอบด้วยโครงเรื่อง แก่นเรื่อง แนวคิด เนื้อหาละคร บทเพลง เฉพาะในกรณีที่หายากเท่านั้นที่จะมีการแสดงบัลเล่ต์แบบไม่มีพล็อตเกิดขึ้น ที่เหลือนักเต้นจะต้องถ่ายทอดความรู้สึกของตัวละคร โครงเรื่อง และการกระทำโดยใช้วิธีการออกแบบท่าเต้น นักเต้นบัลเล่ต์เป็นนักแสดงที่ถ่ายทอดความสัมพันธ์ของตัวละคร การสื่อสารระหว่างกัน แก่นแท้ของสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีด้วยความช่วยเหลือด้านการเต้น

ประวัติความเป็นมาและพัฒนาการของบัลเล่ต์

บัลเล่ต์ปรากฏในอิตาลีในศตวรรษที่ 16 ในเวลานี้ รวมฉากการออกแบบท่าเต้นเป็นตอนใน การแสดงดนตรี,โอเปร่า ต่อมาในฝรั่งเศสบัลเล่ต์ได้รับการพัฒนาให้เป็นการแสดงในศาลที่งดงามและประเสริฐ

15 ตุลาคม พ.ศ. 2124 ถือเป็นวันเกิดของนักบัลเล่ต์ทั่วโลก ในวันนี้ที่ฝรั่งเศส Baltazarini นักออกแบบท่าเต้นชาวอิตาลีนำเสนอผลงานของเขาต่อสาธารณชน บัลเล่ต์ของเขาถูกเรียกว่า "Cerce" หรือ "The Queen's Comedy Ballet" และระยะเวลาการแสดงประมาณห้าชั่วโมง

อันดับแรก บัลเล่ต์ฝรั่งเศสโดยพื้นฐานแล้วเป็นข้าราชบริพารและ การเต้นรำพื้นบ้านและทำนอง นอกจากฉากดนตรีแล้ว ละครยังรวมถึงฉากบทสนทนาและละครอีกด้วย

การพัฒนาบัลเล่ต์ในประเทศฝรั่งเศส

พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 มีส่วนทำให้ศิลปะบัลเล่ต์ได้รับความนิยมเพิ่มขึ้น ขุนนางในสมัยนั้นร่วมแสดงด้วยความยินดี แม้แต่ราชาผู้เปล่งประกายยังได้รับฉายาว่า "The Sun King" เพราะบทบาทที่เขาแสดงในบัลเล่ต์ของ Lully นักแต่งเพลงในราชสำนัก

ในปี 1661 พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ทรงเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนบัลเล่ต์แห่งแรกของโลก - Royal Academy of Dance หัวหน้าโรงเรียนคือ Lully ซึ่งเป็นผู้กำหนดพัฒนาการบัลเล่ต์ในศตวรรษหน้า เนื่องจาก Lully เป็นนักแต่งเพลง เขาจึงได้พิจารณาถึงการพึ่งพาท่าเต้นกับการสร้างวลีดนตรี และลักษณะของท่าเต้นกับลักษณะของดนตรี ในความร่วมมือกับ Moliere และ Pierre Beauchamp ครูสอนเต้นรำของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ได้สร้างรากฐานทางทฤษฎีและปฏิบัติของศิลปะบัลเล่ต์ ปิแอร์ โบชอมป์ เริ่มสร้างคำศัพท์เฉพาะของนาฏศิลป์คลาสสิก จนถึงทุกวันนี้ คำศัพท์ในการกำหนดและอธิบายตำแหน่งบัลเล่ต์พื้นฐานและชุดค่าผสมใช้เป็นภาษาฝรั่งเศส

ในศตวรรษที่ 17 บัลเล่ต์ได้รับการเติมเต็มด้วยแนวใหม่ๆ เช่น บัลเล่ต์-โอเปร่า และบัลเล่ต์-คอมเมดี้ มีการพยายามสร้างการแสดงที่สะท้อนถึงดนตรีอย่างเป็นธรรมชาติ โครงเรื่องและการเต้นรำก็ผสานเข้ากับดนตรีอย่างเป็นธรรมชาติ ดังนั้นรากฐานของศิลปะบัลเล่ต์จึงถูกวาง: ความสามัคคีของดนตรี การเต้นรำ และการละคร

ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1681 ผู้หญิงสามารถมีส่วนร่วมในการแสดงบัลเล่ต์ได้ จนกระทั่งถึงเวลานั้น มีเพียงผู้ชายเท่านั้นที่เป็นนักเต้นบัลเลต์ คุณดูเสร็จแล้ว แยกสายพันธุ์ศิลปะบัลเล่ต์ได้รับในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เท่านั้นด้วยนวัตกรรมบนเวทีของนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Jean Georges Novera การปฏิรูปการออกแบบท่าเต้นของเขาทำให้ดนตรีมีบทบาทอย่างแข็งขันเป็นพื้นฐานสำหรับการแสดงบัลเล่ต์

การพัฒนาบัลเล่ต์ในรัสเซีย

การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกในรัสเซียเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 8 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1673 ในหมู่บ้าน Preobrazhenskoye ที่ศาลของซาร์อเล็กซานเดอร์มิคาอิโลวิช ความคิดริเริ่มของบัลเล่ต์รัสเซียเกิดขึ้นโดย Charles-Louis Didelot นักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส เป็นการยืนยันถึงความสำคัญของบทบาทของผู้หญิงในการเต้น เพิ่มบทบาทของคณะบัลเล่ต์ และกระชับความสัมพันธ์ระหว่างการเต้นรำและละครใบ้ การปฏิวัติดนตรีบัลเล่ต์อย่างแท้จริงเกิดขึ้นโดย P.I. ไชคอฟสกีในบัลเล่ต์สามเรื่องของเขา: "The Nutcracker", " ทะเลสาบสวอน" และ "เจ้าหญิงนิทรา" ผลงานเหล่านี้และเบื้องหลังผลงานถือเป็นไข่มุกแห่งแนวดนตรีและการเต้นที่ไม่มีใครเทียบได้ โดยไม่มีใครเทียบได้ในด้านความลึกของเนื้อหาที่น่าทึ่งและความงดงามของการแสดงออกที่เป็นรูปเป็นร่าง

ในปี พ.ศ. 2326 แคทเธอรีนที่ 2 ได้สร้างโรงละครโอเปร่าและบัลเลต์อิมพีเรียลในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและโรงละครบอลชอยคามันนีในมอสโก บนเวที โรงละครที่มีชื่อเสียงบัลเล่ต์รัสเซียได้รับการยกย่องจากปรมาจารย์เช่น M. Petipa, A. Pavlova, M. Danilova, M. Plisetskaya, V. Vasiliev, G. Ulanova และคนอื่น ๆ อีกมากมาย

ศตวรรษที่ 20 พบกับนวัตกรรมด้านวรรณกรรม ดนตรี และการเต้นรำ ในบัลเล่ต์นวัตกรรมนี้แสดงให้เห็นในการสร้างสรรค์การเต้นรำ - การเต้นรำแบบพลาสติกโดยไม่ต้องใช้เทคนิค การออกแบบท่าเต้นคลาสสิก- อิซาโดรา ดันแคน ผู้ก่อตั้งบัลเลต์สมัยใหม่คนหนึ่ง

คุณสมบัติของท่าเต้นคลาสสิก

ข้อกำหนดหลักอย่างหนึ่งในการออกแบบท่าเต้นคลาสสิกคือการวางขากลับด้าน นักแสดงบัลเล่ต์กลุ่มแรกเป็นขุนนางในศาล พวกเขาทั้งหมดเชี่ยวชาญศิลปะการฟันดาบ ซึ่งใช้ท่าบิดขาเพื่อให้เคลื่อนไหวได้ดีขึ้นในทุกทิศทาง จากการฟันดาบ ข้อกำหนดสำหรับผู้มาร่วมงานได้เปลี่ยนไปเป็นการออกแบบท่าเต้น ซึ่งแน่นอนว่าเป็นเรื่องของข้าราชบริพารชาวฝรั่งเศส

คุณลักษณะอีกประการหนึ่งของบัลเล่ต์ที่แสดงด้วยเท้าปรากฏเฉพาะในศตวรรษที่ 18 เมื่อ Maria Taglioni ใช้เทคนิคนี้เป็นครั้งแรก แต่ละโรงเรียนและนักเต้นแต่ละคนนำคุณลักษณะของตนเองมาสู่ศิลปะบัลเล่ต์ เสริมคุณค่าและทำให้เป็นที่นิยมมากขึ้น

สิ่งตีพิมพ์ในส่วนโรงละคร

บัลเล่ต์รัสเซียที่มีชื่อเสียง 5 อันดับแรก

บัลเลต์คลาสสิกเป็นรูปแบบศิลปะที่น่าทึ่งซึ่งถือกำเนิดในอิตาลีในช่วงยุคเรอเนซองส์ที่เติบโตเต็มที่และ "ย้าย" ไปยังฝรั่งเศส ซึ่งเครดิตสำหรับการพัฒนารวมถึงการก่อตั้ง Academy of Dance และการประมวลผลของการเคลื่อนไหวต่างๆ เป็นของ King Louis XIV . ฝรั่งเศสส่งออกศิลปะการแสดงนาฏศิลป์ไปให้ทุกคน ประเทศในยุโรปรวมถึงรัสเซียด้วย ใน กลางวันที่ 19ศตวรรษเมืองหลวงของบัลเล่ต์ยุโรปไม่ใช่ปารีสอีกต่อไปซึ่งทำให้โลกได้รับผลงานชิ้นเอกของแนวโรแมนติก "La Sylphide" และ "Giselle" แต่เป็นเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ตรงที่ เมืองหลวงภาคเหนือเป็นเวลาเกือบ 60 ปีที่ Marius Petipa นักออกแบบท่าเต้นผู้ยิ่งใหญ่ผู้สร้างระบบนาฏศิลป์คลาสสิกและผู้แต่งผลงานชิ้นเอกที่ยังไม่ออกจากเวทีทำงานมาเป็นเวลาเกือบ 60 ปี หลังการปฏิวัติเดือนตุลาคม พวกเขาต้องการ "โยนบัลเล่ต์ออกจากเรือแห่งความทันสมัย" แต่พวกเขาก็ปกป้องมันได้ เวลาโซเวียตโดดเด่นด้วยการสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกจำนวนมาก เรานำเสนอบัลเล่ต์ชั้นนำของรัสเซียห้ารายการตามลำดับเวลา

“ดอนกิโฆเต้”

ฉากจากบัลเล่ต์ Don Quixote หนึ่งในผลงานชิ้นแรกๆ ของ Marius Petipa

รอบปฐมทัศน์ของบัลเล่ต์โดย L.F. มิงคัส "ดอนกิโฆเต้" โรงละครบอลชอย- พ.ศ. 2412 จากอัลบั้มของสถาปนิก Albert Kavos

ฉากจากบัลเล่ต์ Don Quixote คิตรี - ลิวบอฟ โรสลาฟเลวา (กลาง) ดำเนินรายการโดย A.A. กอร์สกี้. มอสโก, โรงละครบอลชอย. 1900

ดนตรีโดย L. Minkus บทเพลงโดย M. Petipa การผลิตครั้งแรก: มอสโก, โรงละครบอลชอย, พ.ศ. 2412 ออกแบบท่าเต้นโดย M. Petipa ผลงานที่ตามมา: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, โรงละคร Mariinsky, พ.ศ. 2414 ออกแบบท่าเต้นโดย M. Petipa; มอสโก, โรงละครบอลชอย, 2443, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, โรงละคร Mariinsky, 2445, มอสโก, โรงละครบอลชอย, 2449 ทั้งหมด - ออกแบบท่าเต้นโดย A. Gorsky

บัลเล่ต์ "Don Quixote" - เต็มไปด้วยชีวิตและความสุข การแสดงละครการเฉลิมฉลองการเต้นรำที่ไม่เคยทำให้ผู้ใหญ่เบื่อหน่ายและพ่อแม่ยินดีที่จะพาลูกๆ ไปด้วย แม้ว่าจะได้รับการตั้งชื่อตามวีรบุรุษในนวนิยายชื่อดังของ Cervantes แต่ก็มีพื้นฐานมาจากตอนหนึ่งของเขา "The Wedding of Quiteria and Basilio" และบอกเล่าเกี่ยวกับการผจญภัยของวีรบุรุษรุ่นเยาว์ ซึ่งในที่สุดความรักก็ได้รับชัยชนะ แม้ว่าจะถูกต่อต้านจาก พ่อหัวแข็งของนางเอกที่ต้องการแต่งงานกับเธอกับกามาเช่ที่ร่ำรวย

ดังนั้น Don Quixote แทบจะไม่เกี่ยวข้องกับเรื่องนี้เลย การแสดงทั้งหมดเป็นศิลปินร่างสูงผอม พร้อมด้วยเพื่อนร่วมงานร่างเตี้ยที่วาดภาพ ซานโช่ ปันซ่าเดินไปรอบ ๆ เวทีบางครั้งก็รบกวนการดูการเรียบเรียงของ Petipa และ Gorsky การเต้นรำที่ยอดเยี่ยม- โดยพื้นฐานแล้วบัลเล่ต์คือคอนเสิร์ตในชุดเครื่องแต่งกายซึ่งเป็นการเฉลิมฉลองการเต้นรำแบบคลาสสิกและแบบตัวละครซึ่งนักเต้นทุกคนในคณะบัลเล่ต์มีงานทำ

การผลิตบัลเล่ต์ครั้งแรกเกิดขึ้นในมอสโกโดยที่ Petipa มาเยี่ยมเป็นครั้งคราวเพื่อยกระดับคณะท้องถิ่นซึ่งไม่สามารถเทียบได้กับคณะละครที่ยอดเยี่ยมของโรงละคร Mariinsky แต่ในมอสโกมีอิสระในการหายใจมากขึ้น ดังนั้นโดยพื้นฐานแล้วนักออกแบบท่าเต้นจึงแสดงบัลเล่ต์ความทรงจำเกี่ยวกับปีอันแสนวิเศษในวัยหนุ่มของเขาที่ใช้ในประเทศที่มีแสงแดดสดใส

บัลเล่ต์ประสบความสำเร็จ และอีกสองปีต่อมา Petipa ก็ย้ายไปที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งจำเป็นต้องมีการเปลี่ยนแปลง ในเมืองหลวงทางตอนเหนือ การเต้นรำที่มีลักษณะเฉพาะมีความสนใจน้อยกว่าคลาสสิกบริสุทธิ์มาก Petipa ขยายการแสดงของ "Don Quixote" เป็น 5 องก์ โดยประกอบด้วย "การแสดงสีขาว" หรือที่เรียกว่า "ความฝันของ Don Quixote" สวรรค์ที่แท้จริงสำหรับผู้รักนักบัลเล่ต์ในกระโปรงตูตูและเจ้าของเรียวขาสวย จำนวนคิวปิดใน “ความฝัน” มีจำนวนถึงห้าสิบสอง...

“ Don Quixote” มาหาเราโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวมอสโก Alexander Gorsky ผู้ซึ่งสนใจแนวคิดของ Konstantin Stanislavsky และต้องการทำให้บัลเล่ต์แบบเก่ามีเหตุผลและน่าเชื่อถือมากขึ้น กอร์สกีทำลายองค์ประกอบที่สมมาตรของ Petipa ยกเลิก tutus ในฉาก "ความฝัน" และยืนกรานให้ใช้การแต่งหน้าสีเข้มสำหรับนักเต้นที่วาดภาพผู้หญิงชาวสเปน Petipa เรียกเขาว่า "หมู" แต่ในการดัดแปลงครั้งแรกของ Gorsky บัลเล่ต์ได้แสดงบนเวทีของโรงละครบอลชอย 225 ครั้ง

"ทะเลสาบสวอน"

ทิวทัศน์สำหรับการแสดงครั้งแรก โรงละครขนาดใหญ่ มอสโก พ.ศ. 2420

ฉากจากบัลเล่ต์ “Swan Lake” โดย P.I. Tchaikovsky (นักออกแบบท่าเต้น Marius Petipa และ Lev Ivanov) พ.ศ. 2438

ดนตรีโดย P. Tchaikovsky บทโดย V. Begichev และ V. Geltser การผลิตครั้งแรก: มอสโก, โรงละครบอลชอย, พ.ศ. 2420 ออกแบบท่าเต้นโดย V. Reisinger การผลิตครั้งต่อไป: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, โรงละคร Mariinsky, พ.ศ. 2438 ออกแบบท่าเต้นโดย M. Petipa, L. Ivanov

บัลเลต์อันเป็นที่รัก เวอร์ชันคลาสสิกซึ่งจัดแสดงในปี พ.ศ. 2438 จริงๆ แล้วเกิดเมื่อ 18 ปีก่อนที่โรงละครบอลชอยในมอสโก โน้ตเพลงของไชคอฟสกีซึ่งยังมาไม่ถึงซึ่งชื่อเสียงระดับโลกที่ยังมาไม่ถึงนั้นเป็นคอลเลกชั่น "เพลงที่ไม่มีคำพูด" และดูซับซ้อนเกินไปในเวลานั้น บัลเล่ต์แสดงประมาณ 40 ครั้งและจมลงสู่การลืมเลือน

หลังจากการเสียชีวิตของไชคอฟสกี Swan Lake ได้จัดแสดงที่โรงละคร Mariinsky และผลงานบัลเล่ต์ในเวลาต่อมาทั้งหมดมีพื้นฐานมาจากเวอร์ชันนี้ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นคลาสสิก การกระทำได้รับความชัดเจนและตรรกะมากขึ้น: บัลเล่ต์เล่าเกี่ยวกับชะตากรรมของเจ้าหญิงโอเด็ตต์ที่สวยงามซึ่งกลายเป็นหงส์ตามความประสงค์ของ Rothbart อัจฉริยะผู้ชั่วร้ายเกี่ยวกับการที่ Rothbart หลอกลวงเจ้าชายซิกฟรีดซึ่งตกหลุมรักเธอ โดยหันไปพึ่งเสน่ห์ของ Odile ลูกสาวของเขาและเกี่ยวกับการตายของเหล่าฮีโร่ คะแนนของไชคอฟสกีถูกตัดประมาณหนึ่งในสามโดยวาทยากร ริกคาร์โด้ ดริโก และเรียบเรียงใหม่ Petipa สร้างท่าเต้นสำหรับการแสดงครั้งแรกและสาม Lev Ivanov - สำหรับการแสดงที่สองและสี่ นี่คือการแบ่ง ในทางอุดมคติตอบรับการเรียกร้องของนักออกแบบท่าเต้นที่เก่งทั้งสองคนซึ่งคนที่สองต้องอยู่และตายภายใต้เงาของคนแรก Petipa เป็นบิดาแห่งบัลเลต์คลาสสิก ผู้สร้างผลงานการเรียบเรียงที่กลมกลืนกันอย่างไร้ที่ติ และเป็นนักร้องของนางฟ้าหญิงสาวของเล่น Ivanov เป็นนักออกแบบท่าเต้นที่สร้างสรรค์และมีความรู้สึกอ่อนไหวต่อดนตรีเป็นพิเศษ บทบาทของ Odette-Odile ดำเนินการโดย Pierina Legnani "ราชินีแห่งนักบัลเล่ต์ชาวมิลาน" เธอยังเป็น Raymonda คนแรกและเป็นผู้ประดิษฐ์ fouette ลำดับที่ 32 ซึ่งเป็นประเภทการหมุนรองเท้าปวงต์ที่ยากที่สุด

คุณอาจไม่รู้อะไรเกี่ยวกับบัลเล่ต์ แต่ทุกคนรู้จัก Swan Lake ใน ปีที่ผ่านมาการดำรงอยู่ สหภาพโซเวียตเมื่อผู้นำผู้สูงอายุเข้ามาแทนที่กันบ่อยครั้งท่วงทำนองที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณของคู่ "สีขาว" ของตัวละครหลักของบัลเล่ต์และการกระเซ็นของมือที่มีปีกจากหน้าจอทีวีประกาศเหตุการณ์ที่น่าเศร้า คนญี่ปุ่นชื่นชอบ “ทะเลสาบหงส์” มากจนพร้อมดูทั้งเช้าและเย็นโดยคณะละครใดก็ได้ ไม่ใช่คณะทัวร์เพียงคณะเดียวซึ่งมีจำนวนมากในรัสเซียและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในมอสโกที่สามารถทำได้โดยไม่มี "หงส์"

"นัทแคร็กเกอร์"

ฉากจากบัลเล่ต์ "The Nutcracker" การผลิตครั้งแรก Marianna - Lydia Rubtsova, Klara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin โรงละครโอเปร่า Mariinskii พ.ศ. 2435

ฉากจากบัลเล่ต์ "The Nutcracker" การผลิตครั้งแรก โรงละครโอเปร่า Mariinskii พ.ศ. 2435

ดนตรีโดย P. Tchaikovsky บทโดย M. Petipa การผลิตครั้งแรก: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, โรงละคร Mariinsky, 2435, ออกแบบท่าเต้นโดย L. Ivanov

ยังมีข้อมูลที่ผิดพลาดลอยอยู่ในหนังสือและเว็บไซต์ว่า “The Nutcracker” จัดแสดงโดย Marius Petipa บิดาแห่งบัลเลต์คลาสสิก ในความเป็นจริง Petipa เขียนบทเท่านั้นและการผลิตบัลเล่ต์ครั้งแรกดำเนินการโดย Lev Ivanov ผู้ใต้บังคับบัญชาของเขา Ivanov ต้องเผชิญกับงานที่เป็นไปไม่ได้: สคริปต์ที่สร้างขึ้นในสไตล์ของบัลเล่ต์มหกรรมแฟชั่นที่ทันสมัยในขณะนั้นโดยมีนักแสดงรับเชิญชาวอิตาลีมีส่วนร่วมอย่างขาดไม่ได้นั้นขัดแย้งอย่างเห็นได้ชัดกับดนตรีของไชคอฟสกีซึ่งแม้ว่าจะเขียนตาม Petipa อย่างเคร่งครัด คำแนะนำโดดเด่นด้วยความรู้สึกที่ยอดเยี่ยมและความมีชีวิตชีวาที่น่าทึ่งและการพัฒนาซิมโฟนิกที่ซับซ้อน นอกจากนี้นางเอกของบัลเล่ต์ยังเป็นเด็กสาววัยรุ่นและนักบัลเล่ต์ดาราถูกกำหนดให้เป็น Pas de deux สุดท้ายเท่านั้น (คู่กับคู่หูประกอบด้วย adagio - ส่วนช้าๆ รูปแบบต่างๆ - การเต้นรำเดี่ยวและโคดา ( ตอนจบอัจฉริยะ)) การผลิตครั้งแรกของ The Nutcracker ซึ่งการแสดงครั้งแรกส่วนใหญ่เป็นการแสดงละครใบ้แตกต่างอย่างมากจากการแสดงครั้งที่สองซึ่งเป็นการแสดงที่แตกต่างไม่ประสบความสำเร็จมากนัก นักวิจารณ์ตั้งข้อสังเกตว่ามีเพียง Waltz of the Snowflakes (นักเต้น 64 คนเข้าร่วมในนั้น) และ Pas de deux ของ Sugar Plum Fairy และ Prince of Whooping Cough ซึ่งเป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจคือ Adagio with a Rose ของ Ivanov จาก The Sleeping Beauty ที่ Aurora เต้นรำกับสุภาพบุรุษสี่คน

แต่ในศตวรรษที่ 20 ซึ่งสามารถเจาะลึกดนตรีของไชคอฟสกีได้ "The Nutcracker" ถูกกำหนดไว้สำหรับอนาคตที่น่าอัศจรรย์อย่างแท้จริง มีการแสดงบัลเลต์นับไม่ถ้วนในสหภาพโซเวียต ประเทศในยุโรป และสหรัฐอเมริกา ในรัสเซีย โปรดักชั่นของ Vasily Vainonen ที่โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์วิชาการแห่งรัฐเลนินกราด (ปัจจุบันคือโรงละคร Mariinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) และยูริ Grigorovich ที่โรงละครมอสโกบอลชอยได้รับความนิยมเป็นพิเศษ

"โรมิโอและจูเลียต"

บัลเล่ต์ "โรมิโอและจูเลียต" Juliet - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev 2482

นางแพทริค แคมป์เบลล์ รับบทเป็นจูเลียตในโรมิโอและจูเลียตของเช็คสเปียร์ พ.ศ. 2438

ตอนจบของบัลเล่ต์ "โรมิโอและจูเลียต" 1940

ดนตรีโดย S. Prokofiev, บทโดย S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky การผลิตครั้งแรก: Brno, Opera and Ballet Theatre, 1938, ออกแบบท่าเต้นโดย V. Psota การผลิตครั้งต่อไป: เลนินกราด, โรงละครโอเปร่าและบัลเลต์วิชาการแห่งรัฐตั้งชื่อตาม S. Kirov, 1940, ออกแบบท่าเต้นโดย L. Lavrovsky

หากอ่านวลีของเช็คสเปียร์ในการแปลภาษารัสเซียอันโด่งดัง “ไม่มีเรื่องราวใดในโลกที่น่าเศร้าไปกว่าเรื่องราวของโรมิโอและจูเลียต”จากนั้นพวกเขาก็พูดถึงบัลเล่ต์ที่เขียนโดย Sergei Prokofiev ผู้ยิ่งใหญ่ในเนื้อเรื่องนี้: “ไม่มีเรื่องราวเศร้าใดในโลกไปกว่าดนตรีบัลเล่ต์ของ Prokofiev”- น่าทึ่งอย่างแท้จริงในด้านความงาม สีสันที่หลากหลาย และการแสดงออก เพลงของ "โรมิโอและจูเลียต" ในช่วงเวลาที่ปรากฏดูซับซ้อนเกินไปและไม่เหมาะกับบัลเล่ต์ นักเต้นบัลเล่ต์ก็ปฏิเสธที่จะเต้นตามมัน

Prokofiev เขียนดนตรีประกอบในปี 1934 และเดิมทีไม่ได้ตั้งใจมีไว้สำหรับโรงละคร แต่สำหรับโรงเรียนออกแบบท่าเต้นวิชาการเลนินกราดที่มีชื่อเสียงเพื่อเฉลิมฉลองครบรอบ 200 ปี โครงการนี้ไม่ได้ดำเนินการเนื่องจากการสังหาร Sergei Kirov ในเลนินกราดในปี 2477 ซึ่งเป็นผู้นำ โรงละครดนตรีการเปลี่ยนแปลงเกิดขึ้นในเมืองหลวงที่สอง แผนการแสดง "โรมิโอและจูเลียต" ที่มอสโกบอลชอยก็ไม่เป็นจริงเช่นกัน ในปี 1938 โรงละครในเบอร์โนได้ฉายรอบปฐมทัศน์และเพียงสองปีต่อมาบัลเล่ต์ของ Prokofiev ก็ถูกจัดแสดงในบ้านเกิดของผู้เขียนในที่สุดที่โรงละคร Kirov ในขณะนั้น

นักออกแบบท่าเต้น Leonid Lavrovsky ภายใต้กรอบของประเภท "dram ballet" ซึ่งได้รับการต้อนรับอย่างสูงจากทางการโซเวียต (รูปแบบของละครท่าเต้นที่มีลักษณะเฉพาะของบัลเล่ต์ในช่วงทศวรรษที่ 1930-50) ได้สร้างปรากฏการณ์ที่น่าประทับใจและน่าตื่นเต้นด้วยฉากฝูงชนที่แกะสลักอย่างพิถีพิถัน และสรุปลักษณะทางจิตวิทยาของตัวละครอย่างละเอียด ในการกำจัดของเขาคือ Galina Ulanova นักแสดงนักบัลเล่ต์ที่เก่งที่สุดซึ่งยังคงไม่มีใครเทียบได้ในบทบาทของจูเลียต

คะแนนของ Prokofiev ได้รับการชื่นชมอย่างรวดเร็วจากนักออกแบบท่าเต้นชาวตะวันตก บัลเล่ต์เวอร์ชันแรกปรากฏแล้วในยุค 40 ของศตวรรษที่ 20 ผู้สร้างคือ Birgit Kullberg (Stockholm, 1944) และ Margarita Froman (Zagreb, 1949) ผลงานที่มีชื่อเสียงของ "Romeo and Juliet" เป็นของ Frederick Ashton (โคเปนเฮเกน, 1955), John Cranko (Milan, 1958), Kenneth MacMillan (London, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973) Moiseeva, 2501, ออกแบบท่าเต้นโดย Yu. Grigorovich, 2511

หากไม่มี Spartak แนวคิดของ "บัลเล่ต์โซเวียต" ก็คิดไม่ถึง นี่มันฮิตจริงๆสัญลักษณ์แห่งยุคสมัย ยุคโซเวียตพัฒนาธีมและรูปภาพอื่นๆ ซึ่งแตกต่างอย่างมากจากบัลเล่ต์คลาสสิกแบบดั้งเดิมที่สืบทอดมาจาก Marius Petipa และโรงละครอิมพีเรียลแห่งมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เทพนิยายที่มีการจบลงอย่างมีความสุขถูกเก็บถาวรและถูกแทนที่ด้วยเรื่องราวที่กล้าหาญ

แล้วในปี พ.ศ. 2484 หนึ่งในผู้นำ นักแต่งเพลงชาวโซเวียต Aram Khachaturian พูดถึงความตั้งใจของเขาที่จะเขียนเพลงเพื่อการแสดงที่ยิ่งใหญ่และกล้าหาญซึ่งควรจัดแสดงบนเวทีของโรงละครบอลชอย ธีมของเรื่องนี้เป็นตอนหนึ่งจากประวัติศาสตร์โรมันโบราณ การลุกฮือของทาสที่นำโดยสปาร์ตาคัส Khachaturian สร้างโน้ตเพลงที่มีสีสันโดยใช้ลวดลายอาร์เมเนีย จอร์เจีย รัสเซีย และเต็มไปด้วยท่วงทำนองที่ไพเราะและจังหวะที่ร้อนแรง การผลิตจะดำเนินการโดย Igor Moiseev

งานของเขาใช้เวลาหลายปีกว่าจะเข้าถึงผู้ชมได้ และไม่ได้ปรากฏที่โรงละครบอลชอย แต่ปรากฏที่โรงละคร คิรอฟ. นักออกแบบท่าเต้น Leonid Yakobson สร้างสรรค์การแสดงที่เป็นนวัตกรรมอันน่าทึ่ง โดยละทิ้งคุณลักษณะดั้งเดิมของบัลเล่ต์คลาสสิก รวมถึงการเต้นรำบนรองเท้า Pointe โดยใช้พลาสติกฟรี และนักบัลเล่ต์สวมรองเท้าแตะ

แต่บัลเล่ต์ "Spartacus" กลายเป็นเพลงฮิตและเป็นสัญลักษณ์ของยุคสมัยในมือของนักออกแบบท่าเต้น Yuri Grigorovich ในปี 1968 Grigorovich ทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยละครที่สร้างขึ้นอย่างสมบูรณ์แบบ, การแสดงภาพตัวละครของตัวละครหลักอย่างละเอียดอ่อน, การแสดงฉากที่มีทักษะของฝูงชน, และความบริสุทธิ์และความงดงามของอาดาจิโอโคลงสั้น ๆ เขาเรียกผลงานของเขาว่า "การแสดงสำหรับศิลปินเดี่ยวสี่คนที่มีคณะบัลเล่ต์" (คณะบัลเล่ต์เป็นศิลปินที่เกี่ยวข้องกับตอนเต้นรำมวลชน) บทบาทของ Spartacus รับบทโดย Vladimir Vasiliev, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova และ Aegina - Nina Timofeeva บัลเล่ต์ส่วนใหญ่เป็นผู้ชาย ซึ่งทำให้บัลเล่ต์ "สปาร์ตาคัส" มีเพียงหนึ่งเดียว

นอกเหนือจากการอ่าน Spartacus อันโด่งดังของ Jacobson และ Grigorovich แล้วยังมีผลงานบัลเล่ต์อีกประมาณ 20 รายการ หนึ่งในนั้นคือผลงานของ Jiří Blazek สำหรับ Prague Ballet, László Szeregi สำหรับ Ballet Ballet (1968), Jüri Vamos สำหรับ Arena di Verona (1999), Renato Zanella สำหรับ Vienna Ballet โอเปร่าแห่งรัฐ(2545), Natalia Kasatkina และ Vladimir Vasilyov สำหรับโรงละครบัลเลต์คลาสสิกแห่งรัฐในมอสโกซึ่งพวกเขาเป็นผู้นำ (2545)

ส่งมาโดย copypaster เมื่อวันพุธที่ 15/08/2550 - 01:11 น.

บัลเล่ต์เป็นศิลปะที่ค่อนข้างใหม่ มีอายุมากกว่าสี่ร้อยปีเล็กน้อย แม้ว่าการเต้นรำจะประดับประดาชีวิตมนุษย์มาตั้งแต่สมัยโบราณก็ตาม

บัลเลต์เกิดที่อิตาลีตอนเหนือในช่วงยุคเรอเนซองส์ เจ้าชายชาวอิตาลีชื่นชอบการเฉลิมฉลองในพระราชวังอันหรูหรา ซึ่งการเต้นรำถือเป็นสถานที่สำคัญ การเต้นรำในชนบทไม่เหมาะสำหรับสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษในราชสำนัก เครื่องแต่งกายของพวกเขา เช่นเดียวกับห้องโถงที่พวกเขาเต้นรำ ไม่อนุญาตให้มีการเคลื่อนไหวอย่างไม่มีการรวบรวมกัน ครูพิเศษ - ผู้เชี่ยวชาญด้านการเต้นรำ - พยายามฟื้นฟูความสงบเรียบร้อยในการเต้นรำในศาล พวกเขาซ้อมร่างของบุคคลและท่าเต้นกับขุนนางล่วงหน้าและนำกลุ่มนักเต้น การเต้นรำก็ค่อยๆ กลายเป็นการแสดงละครมากขึ้นเรื่อยๆ

คำว่า "บัลเล่ต์" ปรากฏขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 (จากบัลเล่ต์อิตาลีถึง - ถึงการเต้นรำ) แต่แล้วมันไม่ได้หมายถึงการแสดง แต่เป็นเพียงตอนเต้นรำที่ถ่ายทอดอารมณ์บางอย่างเท่านั้น "บัลเล่ต์" ดังกล่าวมักจะประกอบด้วย "เอาท์พุต" ของตัวละครที่เชื่อมโยงถึงกันเล็กน้อยซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นวีรบุรุษในตำนานกรีก หลังจาก "ออก" การเต้นรำทั่วไปก็เริ่มขึ้น - "แกรนด์บัลเล่ต์"

การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกคือ Queen's Comedy Ballet ซึ่งจัดแสดงในปี 1581 ในฝรั่งเศสโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวอิตาลี Baltazarini di Belgioioso มันเกิดขึ้นที่ฝรั่งเศส การพัฒนาต่อไปบัลเล่ต์ ในตอนแรกสิ่งเหล่านี้เป็นบัลเล่ต์ที่สวมหน้ากากและจากนั้นก็เป็นบัลเล่ต์ที่ไพเราะโอ่อ่าพร้อมแผนการที่กล้าหาญและน่าอัศจรรย์ซึ่งตอนเต้นรำถูกแทนที่ด้วยเพลงร้องและการท่องบทกวี อย่าแปลกใจเลยที่บัลเล่ต์ในสมัยนั้นไม่ใช่แค่การแสดงเต้นรำเท่านั้น

ในช่วงรัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 การแสดงบัลเล่ต์ในราชสำนักมีความอลังการเป็นพิเศษ หลุยส์เองก็ชอบที่จะเข้าร่วมบัลเล่ต์ และได้รับฉายาอันโด่งดังว่า "ราชาแห่งดวงอาทิตย์" หลังจากแสดงบทเดอะซันใน "Ballet of the Night"

ในปี 1661 เขาได้ก่อตั้ง Royal Academy of Music and Dance ซึ่งประกอบด้วยปรมาจารย์ด้านการเต้นชั้นนำ 13 คน ความรับผิดชอบของพวกเขาคือการรักษาประเพณีการเต้นรำ ผู้อำนวยการสถาบัน ซึ่งเป็นครูสอนเต้นรำของราชวงศ์ ปิแอร์ โบชอมป์ ระบุตำแหน่งหลัก 5 ประการของนาฏศิลป์คลาสสิก

ในไม่ช้า Paris Opera ก็เปิดขึ้น และ Beauchamp คนเดียวกันก็ได้รับแต่งตั้งให้เป็นนักออกแบบท่าเต้น ภายใต้การนำของเขา มันถูกสร้างขึ้น คณะบัลเล่ต์- ในตอนแรกมีเพียงผู้ชายเท่านั้น ผู้หญิงบนเวที ปารีสโอเปร่าปรากฏเฉพาะในปี ค.ศ. 1681

โรงละครแห่งนี้จัดแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์โดยนักแต่งเพลง Lully และละครตลกและบัลเล่ต์โดยนักเขียนบทละคร Moliere ในตอนแรกข้าราชบริพารเข้ามามีส่วนร่วมและการแสดงแทบไม่ต่างจากการแสดงในพระราชวัง มีการเต้นรำมินูเอตช้า gavottes และพาเวนที่กล่าวถึงแล้ว หน้ากาก ชุดเดรสหนาๆ และรองเท้าส้นสูงทำให้ผู้หญิงไม่สามารถเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนได้ ดังนั้นการเต้นรำของผู้ชายจึงโดดเด่นด้วยความสง่างามและความสง่างามที่มากขึ้น

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 บัลเล่ต์ได้รับความนิยมอย่างมากในยุโรป ราชสำนักชนชั้นสูงทั้งหมดของยุโรปพยายามเลียนแบบความหรูหราของราชสำนักฝรั่งเศส เปิดในเมือง โรงโอเปร่า- นักเต้นและครูสอนเต้นรำจำนวนมากหางานทำได้ง่าย

ในไม่ช้า ภายใต้อิทธิพลของแฟชั่น ชุดบัลเล่ต์ของผู้หญิงก็เบาขึ้นและอิสระมากขึ้น และสามารถมองเห็นเส้นลำตัวข้างใต้ได้ นักเต้นละทิ้งรองเท้าส้นสูงและแทนที่ด้วยรองเท้าส้นสูงแบบไม่มีส้น เครื่องแต่งกายของผู้ชายก็เทอะทะน้อยลงเช่นกัน: กางเกงขายาวถึงเข่าและถุงน่องทำให้มองเห็นร่างของนักเต้นได้

แต่ละนวัตกรรมทำให้การเต้นมีความหมายมากขึ้นและเทคนิคการเต้นสูงขึ้น บัลเล่ต์ค่อยๆ แยกตัวออกจากโอเปร่าและกลายเป็นงานศิลปะอิสระ

แม้ว่าโรงเรียนบัลเล่ต์ฝรั่งเศสจะมีชื่อเสียงในด้านความสง่างามและความเป็นพลาสติก แต่ก็มีลักษณะของการแสดงที่เยือกเย็นและเป็นทางการ ดังนั้นนักออกแบบท่าเต้นและศิลปินจึงมองหาวิธีการแสดงออกแบบอื่น

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 ทิศทางใหม่ในงานศิลปะถือกำเนิดขึ้น - แนวโรแมนติกซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อบัลเล่ต์ ในบัลเล่ต์สุดโรแมนติก นักเต้นยืนอยู่บนรองเท้าพอยต์ Maria Taglioni เป็นคนแรกที่ทำสิ่งนี้ โดยเปลี่ยนแนวคิดก่อนหน้านี้เกี่ยวกับบัลเล่ต์ไปอย่างสิ้นเชิง ในบัลเล่ต์ "La Sylphide" เธอปรากฏตัวเป็นสิ่งมีชีวิตที่เปราะบางจาก โลกอื่น- ความสำเร็จนั้นน่าทึ่งมาก

ในเวลานี้มีบัลเล่ต์ที่ยอดเยี่ยมมากมายปรากฏขึ้น แต่น่าเสียดายที่บัลเล่ต์โรแมนติกก็กลายเป็น ช่วงสุดท้ายความมั่งคั่ง ศิลปะการเต้นรำในโลกตะวันตก ตั้งแต่วินาที ครึ่งหนึ่งของศตวรรษที่ 19ศตวรรษ บัลเล่ต์ซึ่งสูญเสียความสำคัญในอดีตไปกลายเป็นส่วนเสริมของโอเปร่า เฉพาะในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 20 ภายใต้อิทธิพลของบัลเล่ต์รัสเซีย การฟื้นฟูรูปแบบศิลปะนี้ในยุโรปจึงเริ่มต้นขึ้น

ในรัสเซีย การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรก - "The Ballet of Orpheus และ Eurydice" - จัดแสดงเมื่อวันที่ 8 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1673 ที่ราชสำนักของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิช พิธีการและการเต้นรำช้าประกอบด้วยการเปลี่ยนท่าทาง การโค้งคำนับและการเคลื่อนไหวที่สง่างาม สลับกับการร้องเพลงและการพูด เขาไม่ได้มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาการเต้นบนเวที มันเป็นเพียง "ความสนุกสนาน" ของราชวงศ์อีกแห่งหนึ่งที่ดึงดูดผู้คนด้วยความแปลกใหม่และความแปลกใหม่

เพียงหนึ่งในสี่ของศตวรรษต่อมา ต้องขอบคุณการปฏิรูปของ Peter I ดนตรีและการเต้นรำจึงเข้ามาในชีวิตประจำวันของสังคมรัสเซีย แก่ขุนนาง สถานศึกษามีการแนะนำการฝึกเต้นภาคบังคับ นักดนตรี ศิลปินโอเปร่า และคณะบัลเล่ต์ที่นำเข้าจากต่างประเทศเริ่มแสดงที่ศาล

ในปี 1738 โรงเรียนบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซียเปิดขึ้น และสามปีต่อมา เด็กชาย 12 คนและเด็กหญิง 12 คนจากคนรับใช้ในวังก็กลายเป็นนักเต้นมืออาชีพคนแรกในรัสเซีย ในตอนแรกพวกเขาแสดงในบัลเล่ต์ของปรมาจารย์ชาวต่างชาติในฐานะบุคคล (ตามที่เรียกนักเต้นบัลเล่ต์คณะบัลเล่ต์) และต่อมาในบทบาทหลัก Timofey Bublikov นักเต้นที่ยอดเยี่ยมในยุคนั้นไม่เพียงฉายในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเท่านั้น แต่ยังฉายในเวียนนาด้วย

ใน ต้น XIXศตวรรษ ศิลปะบัลเล่ต์ของรัสเซียถึงวุฒิภาวะเชิงสร้างสรรค์ นักเต้นชาวรัสเซียนำการแสดงออกและจิตวิญญาณมาสู่การเต้นรำ ด้วยความรู้สึกที่แม่นยำมาก A.S. Pushkin จึงเรียกการเต้นรำของ Avdotya Istomina ร่วมสมัยของเขาว่า "การบินที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ"

บัลเลต์ในเวลานี้ครอบครองตำแหน่งที่มีสิทธิพิเศษเหนือประเภทอื่น ๆ ศิลปะการแสดงละคร- เจ้าหน้าที่ให้ความสนใจเป็นอย่างมากและให้เงินอุดหนุนจากรัฐบาล คณะบัลเล่ต์ในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแสดงในโรงละครและผู้สำเร็จการศึกษาที่มีอุปกรณ์ครบครัน โรงเรียนโรงละครมีการเติมเต็มพนักงานนักเต้น นักดนตรี และมัณฑนากรทุกปี

อาเธอร์ แซงต์-เลออน

ในประวัติศาสตร์ของโรงละครบัลเล่ต์ของเรามักพบชื่อของปรมาจารย์ชาวต่างชาติที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซีย ก่อนอื่นคือ Charles Didelot, Arthur Saint-Leon และ Marius Petipa พวกเขาช่วยสร้างโรงเรียนบัลเล่ต์รัสเซีย แต่ศิลปินชาวรัสเซียผู้มีความสามารถก็ให้โอกาสในการเปิดเผยพรสวรรค์ของครูของพวกเขาด้วย สิ่งนี้ดึงดูดนักออกแบบท่าเต้นที่ใหญ่ที่สุดของยุโรปมาที่มอสโกวและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างสม่ำเสมอ ไม่มีที่ไหนในโลกที่พวกเขาจะได้พบกับคณะละครขนาดใหญ่ มีความสามารถ และได้รับการฝึกฝนมาอย่างดีเช่นในรัสเซีย

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 วรรณกรรมและศิลปะของรัสเซียมีความสมจริง นักออกแบบท่าเต้นพยายามสร้างการแสดงที่สมจริงแต่ก็ไม่มีประโยชน์ พวกเขาไม่ได้คำนึงว่าบัลเล่ต์เป็นศิลปะทั่วไป และความสมจริงในบัลเล่ต์แตกต่างอย่างมากจากความสมจริงในการวาดภาพและวรรณกรรม วิกฤตศิลปะบัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้น

เวทีใหม่ในประวัติศาสตร์บัลเล่ต์รัสเซียเริ่มต้นขึ้นเมื่อนักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ P. Tchaikovsky แต่งเพลงสำหรับบัลเล่ต์เป็นครั้งแรก มันคือทะเลสาบสวอน ก่อนหน้านี้ ดนตรีบัลเลต์ไม่ได้ถูกนำมาพิจารณาอย่างจริงจัง เธอถูกมองว่าเป็นเผ่าพันธุ์ที่ด้อยกว่า ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีเป็นเพียงการร่วมเต้นรำ

ต้องขอบคุณไชคอฟสกีที่ทำให้ดนตรีบัลเลต์กลายเป็นศิลปะที่จริงจังควบคู่ไปกับโอเปร่าและ เพลงไพเราะ- เมื่อก่อนดนตรีขึ้นอยู่กับการเต้นรำโดยสิ้นเชิง บัดนี้การเต้นรำต้องยอมจำนนต่อดนตรี จำเป็นต้องมีวิธีการแสดงออกใหม่และ แนวทางใหม่เพื่อสร้างการแสดง

การพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซียเพิ่มเติมนั้นเกี่ยวข้องกับชื่อของนักออกแบบท่าเต้นชาวมอสโก A. Gorsky ผู้ซึ่งละทิ้งเทคนิคละครใบ้ที่ล้าสมัยไปแล้วจึงใช้เทคนิคการกำกับสมัยใหม่ในการแสดงบัลเล่ต์ ด้วยการให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับการออกแบบการแสดงที่งดงาม เขาจึงดึงดูดศิลปินที่เก่งที่สุดมาร่วมงาน

แต่นักปฏิรูปศิลปะบัลเล่ต์ที่แท้จริงคือมิคาอิล โฟคิน ผู้กบฏต่อการสร้างการแสดงบัลเล่ต์แบบดั้งเดิม เขาแย้งว่าแก่นของละคร ดนตรี และยุคที่การแสดงเกิดขึ้นจำเป็นต้องมีท่าเต้นที่แตกต่างกันและรูปแบบการเต้นรำที่แตกต่างกันในแต่ละครั้ง เมื่อแสดงบัลเล่ต์ "Egyptian Nights" Fokine ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ V. Bryusov และภาพวาดของอียิปต์โบราณ และภาพของบัลเล่ต์ "Petrushka" ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ A. Blok ในบัลเล่ต์ Daphnis และ Chloe เขาละทิ้งการเต้นรำบนรองเท้าปวงต์และฟื้นฟูจิตรกรรมฝาผนังโบราณด้วยการเคลื่อนไหวที่อิสระและยืดหยุ่น Chopiniana ของเขาฟื้นบรรยากาศของบัลเล่ต์โรแมนติก Fokin เขียนว่า “เขาใฝ่ฝันที่จะสร้างละครบัลเล่ต์จากความสนุกของบัลเล่ต์ และจากการเต้นให้เป็นภาษาพูดที่เข้าใจได้” และเขาก็ทำสำเร็จ

แอนนา ปาฟโลวา

ในปี 1908 การแสดงประจำปีของนักเต้นบัลเล่ต์ชาวรัสเซียเริ่มขึ้นที่ปารีส ซึ่งจัดโดย รูปละครเอส.พี. เดียกีเลฟ. ชื่อของนักเต้นจากรัสเซีย - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - กลายเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก แต่อันดับแรกในแถวนี้คือชื่อของ Anna Pavlova ที่ไม่มีใครเทียบได้

Pavlova - โคลงสั้น ๆ เปราะบางมีเส้นลำตัวยาวดวงตาโต - ปรากฏภาพแกะสลักที่แสดงถึงนักบัลเล่ต์แสนโรแมนติก วีรสตรีของเธอถ่ายทอดความฝันแบบรัสเซียล้วนๆ เกี่ยวกับชีวิตที่กลมกลืนทางจิตวิญญาณหรือความเศร้าโศกและความโศกเศร้าเกี่ยวกับบางสิ่งที่ไม่ได้เติมเต็ม "หงส์ตาย" สร้างสรรค์โดย นักบัลเล่ต์ผู้ยิ่งใหญ่ Pavlova เป็นสัญลักษณ์ทางกวีของบัลเล่ต์รัสเซียในช่วงต้นศตวรรษที่ 20

ตอนนั้นเองภายใต้อิทธิพลของทักษะของศิลปินชาวรัสเซีย บัลเลต์ตะวันตกก็ส่ายตัวและพบกับลมที่สอง

หลังการปฏิวัติเดือนตุลาคมปี 1917 บุคคลสำคัญในโรงละครบัลเลต์หลายคนออกจากรัสเซีย แต่ถึงกระนั้นโรงเรียนบัลเลต์รัสเซียก็ยังรอดชีวิตมาได้ ความน่าสมเพชของการเคลื่อนไหวสู่ชีวิตใหม่ ธีมการปฏิวัติ และที่สำคัญที่สุดคือขอบเขตของการทดลองเชิงสร้างสรรค์เป็นแรงบันดาลใจให้กับปรมาจารย์บัลเล่ต์ พวกเขาต้องเผชิญกับภารกิจ: นำศิลปะการออกแบบท่าเต้นมาใกล้ชิดกับผู้คนมากขึ้น ทำให้มีความสำคัญและเข้าถึงได้มากขึ้น

นี่คือที่มาของแนวบัลเลต์ดราม่า เหล่านี้เป็นการแสดงซึ่งมักมีพื้นฐานมาจากแผนการที่มีชื่อเสียง งานวรรณกรรมซึ่งถูกสร้างขึ้นตามกฎหมาย การแสดงละคร- นำเสนอเนื้อหาผ่านละครใบ้และนาฏศิลป์ ในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 นาฏศิลป์บัลเล่ต์กำลังตกอยู่ในภาวะวิกฤติ นักออกแบบท่าเต้นพยายามรักษาบัลเลต์ประเภทนี้โดยเพิ่มคุณค่าความบันเทิงของการแสดงด้วยความช่วยเหลือของเอฟเฟกต์บนเวที แต่ก็ไร้ประโยชน์

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 จุดเปลี่ยนก็มาถึง นักออกแบบท่าเต้นและนักเต้นรุ่นใหม่ได้ฟื้นคืนแนวเพลงที่ถูกลืมไปแล้ว เช่น บัลเลต์แบบหนึ่งองก์ บัลเลต์ซิมโฟนี และท่าเต้นขนาดจิ๋ว และนับตั้งแต่ทศวรรษ 1970 เป็นต้นมา คณะบัลเล่ต์อิสระก็ได้ถือกำเนิดขึ้น โดยไม่ขึ้นอยู่กับโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ จำนวนของพวกเขาเพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่องและมีสตูดิโอเต้นรำฟรีและโมเดิร์นแดนซ์อยู่ในหมู่พวกเขา

ทุกอย่างเริ่มต้นเมื่อกว่าห้าร้อยปีที่แล้วทางตอนเหนือของอิตาลี มันเป็นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา คุณสมบัติที่โดดเด่นซึ่งเป็นธรรมชาติของวัฒนธรรมทางโลก มนุษยนิยม และมานุษยวิทยา นั่นคือความสนใจในมนุษย์และกิจกรรมของเขาเป็นอันดับแรก

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ เจ้าชายชาวอิตาลีได้จัดงานเฉลิมฉลองในพระราชวังซึ่งการเต้นรำมีบทบาทสำคัญ อย่างไรก็ตาม เสื้อคลุมอันงดงาม เช่นเดียวกับห้องโถง ไม่อนุญาตให้มีการเคลื่อนไหวอย่างไม่มีการรวบรวมกัน ดังนั้นจึงมีครูพิเศษ - ปรมาจารย์การเต้นรำที่ซ้อมการเคลื่อนไหวและบุคคลร่วมกับขุนนางเพื่อชี้นำนักเต้น การเต้นรำเริ่มมีการแสดงละครมากขึ้นเรื่อย ๆ และคำว่า "บัลเล่ต์" เองก็แสดงถึงการเรียบเรียงที่ไม่ได้สื่อถึงโครงเรื่อง แต่เป็นทรัพย์สินหรือสถานะของตัวละคร

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 15 บัลเล่ต์ประเภทนี้ได้รวมอยู่ในแว่นตาที่สร้างขึ้น กวีชื่อดังและศิลปิน ในปี 1496 เลโอนาร์โด ดาวินชี วาดภาพเครื่องแต่งกายสำหรับนักเต้นและคิดค้นเอฟเฟกต์บนเวทีสำหรับงานฉลองของดยุคแห่งมิลาน

ในปี 1494 เมื่อพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 8 แห่งฝรั่งเศสเสด็จเข้าสู่อิตาลีโดยอ้างสิทธิ์ในบัลลังก์แห่งเนเปิลส์ ข้าราชบริพารของพระองค์ประทับใจในทักษะของครูสอนเต้นรำชาวอิตาลี เป็นผลให้ผู้เชี่ยวชาญด้านการเต้นรำเริ่มได้รับเชิญไปที่ศาลฝรั่งเศส ในเวลาเดียวกันความต้องการโน้ตก็เกิดขึ้น - ระบบสำหรับบันทึกการเต้นรำ ผู้เขียนระบบแรกที่รู้จักคือ Tuan Arbo เขาเขียนสเต็ปการเต้นพร้อมสัญลักษณ์ดนตรี

การพัฒนาดำเนินต่อไปในฝรั่งเศส...

สมเด็จพระราชินีแคทเธอรีน เดอ เมดิชีแห่งฝรั่งเศสได้เชิญชาวอิตาลี Baldasarino di Belgioioso (ในฝรั่งเศสเขาถูกเรียกว่า Balthazar de Beaujoyeux) ให้มาแสดงละครในศาล จากนั้นบัลเล่ต์ก็สร้างชื่อเสียงให้กับตัวเองเป็นประเภทที่ละคร "เรื่องร้อง" (การบรรยาย) และการเต้นรำกลายเป็นการกระทำที่ต่อเนื่องกัน ถือเป็นคนแรกในประเภทนี้และมีชื่อเสียงที่สุด "เซอร์ซีหรือบัลเล่ต์ตลกของราชินี"จัดแสดงในปี ค.ศ. 1581 โครงเรื่องยืมมาจากตำนานโบราณ การเต้นรำดำเนินการโดยสตรีผู้สูงศักดิ์และขุนนางในชุดและหน้ากากอันงดงาม

ในศตวรรษที่ 16 เมื่อมีการพัฒนา เพลงบรรเลงเทคนิคการเต้นก็ซับซ้อนมากขึ้นเช่นกัน ใน ฝรั่งเศสที่ 17ศตวรรษบัลเล่ต์สวมหน้ากากเริ่มปรากฏขึ้นและจากนั้นบัลเล่ต์ที่ไพเราะโอ่อ่าในแผนการที่กล้าหาญและมหัศจรรย์ซึ่งตอนเต้นรำสลับกับเพลงร้องและการอ่านบทกวี - "The Ballet of Alcina" (1610), "The Triumph of Minerva" (1615 ), “การปลดปล่อยของรินัลโด” (1617) บัลเล่ต์ดังกล่าวประกอบด้วยตัวเลขที่แตกต่างกัน ซึ่งในปัจจุบันมีลักษณะคล้ายกับความหลากหลาย และต่อมาจะกลายเป็นหนึ่งในรูปแบบโครงสร้างที่สำคัญของบัลเล่ต์ในอนาคต

ต่อมาพระเจ้าหลุยส์ที่ 13 แห่งฝรั่งเศส ทรงชื่นชอบการเต้นรำและได้รับความอัศจรรย์ การศึกษาด้านดนตรีเป็นผู้ประพันธ์การแสดงบัลเล่ต์ “Merleson Ballet” (15 มีนาคม 1635) โครงเรื่องเป็นเรื่องเกี่ยวกับการผจญภัยขณะล่านกชนิดหนึ่งซึ่งเป็นหนึ่งในงานอดิเรกที่กษัตริย์โปรดปราน บัลเล่ต์ประกอบด้วย 16 องก์ พระบาทสมเด็จพระเจ้าอยู่หัวไม่เพียงทรงแต่งบทเพลง ดนตรี การออกแบบท่าเต้น สเก็ตช์ภาพทิวทัศน์ และการออกแบบเครื่องแต่งกายเท่านั้น แต่ยังทรงมีบทบาท 2 ประการ คือ พ่อค้าเหยื่อและชาวนา

ก้าวแรกของศิลปะรุ่นเยาว์ ปิแอร์ โบชอมป์ ผู้ยิ่งใหญ่

การแสดงบัลเล่ต์ในราชสำนักมีความงดงามเป็นพิเศษในสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 เพราะเมื่อถึงเวลานั้นการเต้นรำจึงเริ่มดำเนินการตามกฎบางอย่าง คิดค้นขึ้นครั้งแรกโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส ปิแอร์ โบชอมป์ (ค.ศ. 1637–1705)

ฉายาอันโด่งดังของเขา "ราชาแห่งดวงอาทิตย์" พระเจ้าหลุยส์ที่ 14ได้รับหลังจากแสดงบทบาทของดวงอาทิตย์ใน “Ballet of the Night” เขาชอบเต้นและเล่นละคร ในปี 1661 เขาได้เปิด Royal Academy of Music and Dance โดยมีผู้เชี่ยวชาญด้านการเต้นรำชั้นนำ 13 คนได้รับเชิญ ความรับผิดชอบของพวกเขาคือการรักษาประเพณีการเต้นรำ

ปิแอร์ โบชอมป์ ผู้อำนวยการสถาบันได้เขียนกฎเกณฑ์ของการเต้นรำสไตล์อันสูงส่ง ซึ่งมีพื้นฐานมาจากการขยับขา (en dehors) ตำแหน่งนี้ทำให้ร่างกายมนุษย์มีโอกาสเคลื่อนไหวได้อย่างอิสระ ด้านที่แตกต่างกัน- เขาแบ่งการเคลื่อนไหวทั้งหมดออกเป็นกลุ่ม: squats (plie), การกระโดด (สไลด์, entrechat, cabriole, jeté, ความสามารถในการกระโดดในการกระโดด - ระดับความสูง), การหมุน (pirouettes, fouettés), ตำแหน่งของร่างกาย (ทัศนคติ, อารบิก) การดำเนินการของการเคลื่อนไหวเหล่านี้ดำเนินการบนพื้นฐานของห้าตำแหน่งของขาและสามตำแหน่งของแขน (port de bras) ทุกขั้นตอนของการเต้นรำคลาสสิกได้มาจากตำแหน่งขาและแขนเหล่านี้

การจัดประเภทของเขายังคงมีอยู่จนถึงทุกวันนี้ และคำศัพท์ภาษาฝรั่งเศสกลายเป็นเรื่องปกติสำหรับศิลปินทั่วโลก เช่นเดียวกับภาษาละตินที่ใช้กับแพทย์

Beauchamp มีส่วนสนับสนุนอันล้ำค่าให้กับบัลเล่ต์คลาสสิกโดยแบ่งการเต้นรำออกเป็นสามประเภทหลัก: จริงจัง กึ่งตัวละคร และตลก การเต้นรำอย่างจริงจัง (ต้นแบบของคลาสสิกสมัยใหม่) ต้องใช้ความเข้มงวดในการแสดงทางวิชาการ ความงามภายนอก, ความสง่างาม - แม้จะใกล้จะเสน่หาแล้วก็ตาม เป็นการเต้นรำแบบ "สูงส่ง" ที่ใช้ในการแสดงบทบาทกษัตริย์พระเจ้า ฮีโร่ในตำนาน- กึ่งลักษณะ - การผสมผสานระหว่างการอภิบาล ภูมิทัศน์ และการเต้นรำอันน่าอัศจรรย์ ซึ่งใช้เพื่อพรรณนาถึงพลังแห่งธรรมชาติหรือความหลงใหลของมนุษย์ที่เป็นตัวเป็นตน การเต้นรำของความโกรธ นางไม้ และเทพารักษ์ก็เป็นไปตามกฎของเขาเช่นกัน ในที่สุด การเต้นรำแบบการ์ตูนก็โดดเด่นด้วยความสามารถพิเศษ และอนุญาตให้มีการเคลื่อนไหวและการแสดงด้นสดที่เกินจริง มันจำเป็นสำหรับการเต้นรำที่แปลกประหลาดและแปลกใหม่ที่พบในละครตลกของโรงละครคลาสสิก

จึงได้เริ่มก่อตั้งบัลเล่ต์ขึ้นซึ่ง ศตวรรษที่สิบแปดจากการแสดงสลับฉากและความหลากหลายที่พัฒนาเป็นงานศิลปะอิสระ

โรงละครแห่งแรก คณะแรก

บัลเล่ต์เริ่มคับแคบในห้องโถงของพระราชวัง ได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อยๆ ภายใต้การนำของ Beauchamp Paris Opera ถูกสร้างขึ้นซึ่งเขาเป็นนักออกแบบท่าเต้น แต่การแสดงแทบไม่แตกต่างจากการแสดงครั้งก่อน พวกเขาเข้าร่วมโดยข้าราชบริพารกลุ่มเดียวกับที่ทำการแสดงไมนูเอต แกวอตต์ และปาวาเนช้าๆ ชุดเดรสที่มีน้ำหนักมาก รองเท้าส้นสูง และหน้ากากทำให้ผู้หญิงไม่สามารถเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนได้ จากนั้นปิแอร์ โบชอมป์ก็ก่อตั้งคณะบัลเล่ต์ที่มีนักเต้นชายเท่านั้น การเต้นรำของพวกเขาโดดเด่นด้วยความสง่างามและความสง่างามที่มากขึ้น ผู้หญิงปรากฏตัวบนเวที Paris Opera ในปี 1681 เท่านั้น นักเต้นกลุ่มใหญ่เริ่มแสดงการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนในการซิงโครไนซ์และร่วมกับศิลปินเดี่ยว การเต้นเดี่ยวสื่อถึงความประณีตของตัวละครและความแข็งแกร่งของอารมณ์อย่างมีความหมาย คู่รักเต้นกลายเป็นปาสเดอเดอซ์ การเต้นรำขึ้นอยู่กับดนตรีและแสวงหาสิทธิที่เท่าเทียมกันในทางปฏิบัติและทางทฤษฎี โดยมุ่งสู่ความมีคุณธรรมสูง

การออกแบบท่าเต้นของฝรั่งเศสได้รับการเสริมคุณค่าอย่างมากจากนักเขียนบทละคร Molière และนักแต่งเพลง J. B. Lully ซึ่งร่วมงานกับ Molière เป็นครั้งแรกในฐานะนักออกแบบท่าเต้นและนักเต้นในภาพยนตร์ตลกและบัลเล่ต์เรื่อง A Reluctant Marriage (1664), George Dandin (1668), "The Bourgeois" ในขุนนาง” (1670 ) เมื่อมาเป็นนักแต่งเพลง Lully ได้สร้างแนวโศกนาฏกรรมทางดนตรีซึ่งได้รับอิทธิพลจากสุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิก: ภาพที่ยิ่งใหญ่, ตรรกะที่ชัดเจนของการพัฒนา, ความรุนแรงของรสนิยม, รูปแบบที่แม่นยำ การกระทำ โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆได้รับการสนับสนุนจากขบวนพลาสติกและการตกแต่ง การแสดงละครใบ้ และการเต้นรำ

การปฏิรูปโรงละครบัลเล่ต์ทำให้ทักษะการแสดงเพิ่มขึ้น - นักเต้น L. Pecourt และ J. Ballon ปรากฏตัว มาดมัวแซล ลาฟงแตน กลายเป็นนักเต้นมืออาชีพคนแรกที่ได้แสดงในโอเปร่าบัลเล่ต์ของ Lully เรื่อง The Triumph of Love ต่อมาเธอได้รับการขนานนามว่าเป็น "ราชินีแห่งการเต้นรำ"

มีการแสดงการเต้นรำอย่างจริงจังในชุดกระโปรงกว้างซึ่งมีห่วงกก นิ้วเท้ารองเท้าของเธอมองเห็นได้จากด้านล่าง ผู้ชายสวมเสื้อเกราะและกระโปรงสั้นบนโครงกกที่เรียกว่า "ถัง" รองเท้าของทุกคนเป็นรองเท้าส้นสูง นอกจากนี้ พวกเขายังคลุมใบหน้าด้วยหน้ากากทรงกลมที่มีสีต่างกัน ขึ้นอยู่กับตัวละครของตัวละคร

ในบัลเล่ต์กึ่งลักษณะเครื่องแต่งกายมีน้ำหนักเบา แต่มีการเพิ่มคุณลักษณะที่เป็นลักษณะการเต้นรำเข้าไปด้วย - เคียว, ตะกร้า, ไม้พาย, หนังเสือดาวและอื่น ๆ เครื่องแต่งกายสำหรับการเต้นรำการ์ตูนไม่ได้รับการควบคุมอย่างเข้มงวด - ผู้กำกับเชื่อในจินตนาการของศิลปิน

ในเวลาเดียวกัน ระบบสัญลักษณ์ทั้งหมดก็ถือกำเนิดขึ้น ตัวอย่างเช่น หากศิลปินเอาขอบฝ่ามือพาดหน้าผาก ก็หมายความว่าสวมมงกุฎ นั่นคือ กษัตริย์; พับแขนขวางบนหน้าอก - "ตาย"; ชี้ไปที่นิ้วนางของมือ - "ฉันอยากแต่งงาน" หรือ "แต่งงานแล้ว"; การแสดงการเคลื่อนไหวคล้ายคลื่นด้วยมือ - "แล่นบนเรือ"

บัลเล่ต์ทำให้ยุโรปหลงใหล

พร้อมกับการพัฒนาบัลเล่ต์ เมืองใหญ่ทุกเมืองเริ่มมีโรงละคร นักออกแบบท่าเต้น และนักแสดงเป็นของตัวเอง ดังนั้นบัลเล่ต์จึงกลับไปยังบ้านเกิด - อิตาลีซึ่งในศตวรรษที่ 18 ได้พัฒนารูปแบบการแสดงของตัวเองซึ่งแตกต่างจากกิริยาท่าทางแบบฝรั่งเศสในด้านความสามารถทางเทคนิคและความเป็นธรรมชาติที่มากขึ้น ฝรั่งเศสและ โรงเรียนภาษาอิตาลีในบัลเล่ต์คลาสสิกจะดำเนินต่อไปอีกนานหลายศตวรรษ

ในศตวรรษที่ 17 บัลเล่ต์ปรากฏตัวในประเทศเนเธอร์แลนด์ ในอังกฤษเนื่องจากการปฏิวัติชนชั้นกลางและการห้ามสวมแว่นตา โรงละครบัลเล่ต์พัฒนาขึ้นเล็กน้อยในภายหลัง - เฉพาะในช่วงการฟื้นฟูสถาบันกษัตริย์เท่านั้น ในปี ค.ศ. 1722 โรงละครในศาลแห่งแรกในเดนมาร์กได้ถูกสร้างขึ้น โดยมีนักเต้นมืออาชีพเข้าร่วมในการแสดงตลกและบัลเล่ต์ของ Moliere และเท่านั้นที่จะ ปลายศตวรรษที่ 18ศตวรรษ บัลเล่ต์เดนมาร์กได้รับเอกราช ในศตวรรษที่ 18 บัลเล่ต์ยังมีอยู่ในเยอรมนี สวีเดน และฮอลแลนด์ รูปแบบของการแสดงที่ยืมมาจากชาวอิตาลีและฝรั่งเศสนั้นเต็มไปด้วยรสชาติประจำชาติ

บัลเลต์มาถึงรัสเซียช้ากว่าประเทศอื่นๆ ในยุโรป แต่ที่นี่เป็นจุดที่รัสเซียรุ่งเรือง และนี่คือเรื่องราวของศตวรรษอื่นๆ ที่สมควรได้รับบทที่แยกจากกัน

ซึ่งมีพื้นฐานมาจากการเต้นรำ การแสดงบัลเล่ต์มีพื้นฐานมาจากโครงเรื่องที่เรียกว่าบทเพลง โขนมีบทบาทสำคัญในบัลเล่ต์ ด้วยความช่วยเหลือนักเต้นสามารถถ่ายทอดความรู้สึกและแก่นแท้ของสิ่งที่เกิดขึ้น

ประเภทของบัลเล่ต์

ในตอนแรก มีเพียงการเต้นรำคลาสสิกเท่านั้นที่ถูกเรียกว่าบัลเล่ต์ แต่แนวคิดนี้ค่อยๆ ขยายไปสู่การเต้นรำพื้นบ้าน สมัยใหม่ ตัวละคร และกายกรรม

นอกจากนี้ยังมีการแสดงบัลเลต์พร้อมการตกแต่งและเครื่องแต่งกายหลากสีสัน นอกเหนือจากนี้มาก มุมมองยอดนิยมศิลปะคือบัลเล่ต์น้ำแข็งซึ่งแทนที่จะสวมรองเท้าบัลเล่ต์เรียกว่ารองเท้าปวงต์กลับสวมรองเท้าสเก็ตและศิลปินเองก็เป็นนักสเก็ตลีลามืออาชีพ บัลเล่ต์เป็นรูปแบบศิลปะที่ยอดเยี่ยม แต่ต้องใช้ความอดทนพอสมควร สุขภาพดีความอดทน ความมุ่งมั่น และการทำงานหนัก เพื่อแสดงให้เห็นการเคลื่อนไหวอันดุเดือดบนเวที คุณต้องฝึกซ้อมในห้องบัลเล่ต์ทุกวัน

ต้นกำเนิดของบัลเล่ต์

คำว่า "บัลเล่ต์" มาจากคำภาษาละติน ballo ซึ่งแปลว่า "การเต้นรำ" อิตาลีถือเป็นแหล่งกำเนิดของศิลปะรูปแบบนี้ ฉากเต้นรำครั้งแรกปรากฏในศตวรรษที่สิบหก หลังจากนั้นไม่นาน บัลเล่ต์ในศาลก็ได้รับความนิยมในฝรั่งเศส ผลงานชิ้นเอกเช่นบัลเล่ต์ Swan Lake ยังอยู่ห่างไกลมากและการเต้นรำที่แสดงในพระราชวังมีความคล้ายคลึงเล็กน้อยกับงานศิลปะที่ปัจจุบันสามารถเห็นได้บนเวที

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 ชุดบัลเล่ต์สั้นลงและโปร่งขึ้นและมีรองเท้าปวงต์คู่แรกปรากฏขึ้น - รองเท้ามืออาชีพสำหรับนักบัลเล่ต์

ความนิยมของศิลปะการออกแบบท่าเต้นเริ่มต้นขึ้น คู่รักของมันปรากฏตัวขึ้นและเข้าร่วมการแสดงเป็นประจำ ในสมัยนั้นไม่มีสถาบันแยกต่างหากที่เรียกว่าโรงละครบัลเล่ต์ แต่เริ่มให้ความสนใจอย่างมากกับศิลปะการเต้นรำ นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ Ludwig van Beethoven, Leo Delibes, Minkus และคนอื่นๆ เริ่มสร้างสรรค์ผลงาน เพลงโรแมนติกสำหรับบัลเล่ต์ ตัวแรกเต็มตัว การแสดงบัลเล่ต์.

บัลเล่ต์ในรัสเซีย

ในรัสเซียผู้ชมได้เรียนรู้ว่าบัลเล่ต์คืออะไรในปี 1673 จากนั้นภายใต้ซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชการแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกก็เกิดขึ้น นักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Charles-Louis Didelot มีอิทธิพลอย่างมากต่อบัลเล่ต์รัสเซีย เขาเชื่อมโยงการเต้นรำและละครใบ้ ให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับคณะบัลเล่ต์ และเน้นที่ท่อนหญิงเดี่ยว

นักออกแบบท่าเต้น Marius Petipa ทำให้โรงเรียนบัลเล่ต์ของรัสเซียแข็งแกร่งขึ้น ชื่อของเขายังคงเป็นที่รู้จักของแฟน ๆ ศิลปะการออกแบบท่าเต้น ปลายศตวรรษที่ 19 ในแวดวงบัลเล่ต์เรียกว่า "ยุคของ Petipa"

จากนั้นชื่อใหม่ก็ดังสนั่นในรัสเซียซึ่งส่งผลกระทบ ผลกระทบใหญ่หลวงสู่โลกแห่งบัลเล่ต์ นี่คือมิคาอิล โฟคิน เขากลายเป็นนักปฏิรูปตัวจริงและทำการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในการแสดง เขาเปลี่ยนโครงสร้างดั้งเดิมของรูปแบบบัลเล่ต์และการเต้นรำ Fokine ฟื้นคืนบัลเล่ต์โรแมนติกเช่น Chopiniana รำพึงของเขาคือนักบัลเล่ต์ Anna Pavlova ที่ไม่มีใครเทียบได้ "หงส์ที่กำลังจะตาย" ของเธอเป็นสัญลักษณ์ของบัลเล่ต์รัสเซียในช่วงต้นศตวรรษที่ยี่สิบ

การแสดงอมตะ “ทะเลสาบหงส์”

Pyotr Ilyich Tchaikovsky สร้างความฮือฮาให้กับโลกบัลเล่ต์อย่างแท้จริง เขาเขียนเพลงสำหรับการแสดงบัลเล่ต์หลายครั้ง รวมถึงบัลเล่ต์ Swan Lake ที่มีชื่อเสียงระดับโลก ทุกคนสามารถได้ยินงานศิลปะชิ้นนี้แม้กระทั่งผู้ที่อยู่ห่างไกลจากการออกแบบท่าเต้นโดยสิ้นเชิง

บัลเล่ต์ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในโลกถูกสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2419 ไม่น่าเชื่อว่าสองผลงานแรกไม่ได้รับความนิยมและไม่สร้างความประทับใจให้กับผู้ชม นักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมในช่วงชีวิตของเขาเขาไม่ประสบกับความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ในการสร้างสรรค์ของเขา เฉพาะในปี พ.ศ. 2438 เท่านั้นที่บัลเล่ต์ที่ได้รับการฟื้นฟูซึ่งจัดแสดงโดยนักออกแบบท่าเต้น Lev Ivanov และ Marius Petipa ได้แสดงบนเวทีของโรงละคร Mariinsky เลฟอิวานอฟเป็นผู้ฟื้นบทละครขึ้นมาโดยแสดงฉากที่สองเป็นครั้งแรกซึ่งรวมถึงด้วย การเต้นรำในตำนานหงส์ตัวน้อย มาริอุส เปติปาชอบนิมิตของเขาเกี่ยวกับโครงเรื่องนี้ และพวกเขาก็เริ่มทำงานร่วมกันในการผลิตเรื่องนี้

รุ่นใหม่บัลเล่ต์ "Swan Lake" ประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม การออกแบบท่าเต้นของนักออกแบบท่าเต้นผู้ยิ่งใหญ่สองคนนั้นคลาสสิก โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ใด ๆ ในโลกจำเป็นต้องมอบหมายให้การแสดงนี้มีบทบาทที่สำคัญที่สุดในละคร

บัลเล่ต์ร่วมสมัย

เมื่อพูดถึงบัลเล่ต์คืออะไร จะต้องไม่พลาดที่จะพูดถึงการแสดงละครสมัยใหม่ ซึ่งแตกต่างจากบัลเล่ต์คลาสสิกในชุดที่กล้าหาญและการเคลื่อนไหวที่ผ่อนคลาย หากความคลาสสิกมีการเคลื่อนไหวที่เข้มงวดและแม่นยำ ความทันสมัยจึงแสดงถึงการตีความการเต้นรำที่เป็นอิสระมากขึ้น ในบัลเล่ต์ยุคใหม่มีการเคลื่อนไหวใหม่ๆ ที่มีความยืดหยุ่นและกายกรรมมากขึ้น ผู้ชื่นชอบบัลเล่ต์มีปฏิกิริยาต่อนวัตกรรมในการออกแบบท่าเต้นที่แตกต่างกันออกไป บางคนยังรับรู้แต่ความคลาสสิกและเชื่อว่าการแสดงบัลเล่ต์ที่แท้จริงควรจัดแสดงในสถานที่เช่น Opera และ Ballet Theatre เท่านั้น ในขณะที่บางคนเชื่อว่าบัลเล่ต์เช่น โลกสมัยใหม่ต้องพัฒนาและไม่ยืนอยู่ที่เดียว

นี่เป็นเรื่องธรรมชาติและเป็นธรรมชาติ คุณสามารถยอมรับข้อเท็จจริงข้อนี้หรือไม่ก็ได้ แต่ก็ไม่สามารถหลีกเลี่ยงได้ บัลเลต์สมัยใหม่มีหลายแง่มุมและหลายระดับ และนักเต้นชื่อดังหลายคนมีความสุขที่ได้มีส่วนร่วมในผลงานใหม่ที่พวกเขาฝึกฝนทักษะ

อนาคตของบัลเล่ต์

บัลเล่ต์คืออะไร? คนที่มีความคิดสร้างสรรค์หลายคนชอบและเข้าใจการเคลื่อนไหวนี้ นักบัลเล่ต์ตัวจริงไม่สามารถจินตนาการถึงชีวิตโดยปราศจากการเต้นรำได้ บางคนเชื่อว่าการแสดงบัลเล่ต์นั้นสร้างขึ้นสำหรับมือสมัครเล่นเท่านั้น และไม่เข้าใจว่าประเด็นคืออะไร ของศิลปะนี้- อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่ประเทศใดในโลกที่จินตนาการได้ ชีวิตทางวัฒนธรรมไม่มีบัลเล่ต์ นี่คือมุมมอง ศิลปะการแสดงใครจะมีชีวิตอยู่ตลอดไป มันจะเปลี่ยนไป ผลงานใหม่ๆ จะปรากฏขึ้น นักออกแบบท่าเต้นและนักเต้นที่มีความสามารถหน้าใหม่ ผู้เชี่ยวชาญหน้าใหม่และเป็นเพียงผู้ชม แต่ความนิยมของมันจะไม่มีวันหายไป เพราะการเต้นรำเป็นอมตะ