ศิลปินแห่งฝรั่งเศส (ศิลปินชาวฝรั่งเศส) สุดยอดศิลปินชาวฝรั่งเศส นักร้องแห่งยุคผู้กล้าหาญ

สิ่งเหล่านี้เป็นมากกว่าภาพสวย ๆ แต่เป็นภาพสะท้อนของความเป็นจริง ในผลงานของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ คุณจะเห็นว่าโลกและจิตสำนึกของผู้คนเปลี่ยนแปลงไปอย่างไร

ศิลปะยังเป็นความพยายามที่จะสร้างความเป็นจริงทางเลือกที่คุณสามารถซ่อนตัวจากความน่าสะพรึงกลัวในช่วงเวลาของคุณหรือความปรารถนาที่จะเปลี่ยนแปลงโลก ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ครอบครองสถานที่พิเศษในประวัติศาสตร์อย่างถูกต้อง ผู้คนที่อาศัยและทำงานในช่วงเวลาดังกล่าวต้องเผชิญกับการเปลี่ยนแปลงทางสังคม สงคราม และการพัฒนาทางวิทยาศาสตร์อย่างที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน และทั้งหมดนี้ก็พบรอยของมันบนผืนผ้าใบ ศิลปินในศตวรรษที่ 20 มีส่วนร่วมในการสร้างวิสัยทัศน์สมัยใหม่ของโลก

บางชื่อยังคงออกเสียงด้วยความทะเยอทะยาน ในขณะที่บางชื่อก็ถูกลืมอย่างไม่ยุติธรรม มีคนมีเส้นทางสร้างสรรค์ที่เป็นข้อขัดแย้งซึ่งเรายังไม่สามารถให้การประเมินที่ชัดเจนแก่เขาได้ บทวิจารณ์นี้จัดทำขึ้นเพื่อศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุด 20 คนแห่งศตวรรษที่ 20 คามิลล์ ปิซาร์โร- จิตรกรชาวฝรั่งเศส ตัวแทนที่โดดเด่นของอิมเพรสชันนิสม์ ผลงานของศิลปินได้รับอิทธิพลจาก John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet
เกิดเมื่อวันที่ 10 กรกฎาคม พ.ศ. 2373 ในเมืองเซนต์โธมัส เสียชีวิตเมื่อวันที่ 13 พฤศจิกายน พ.ศ. 2446 ในปารีส

อาศรมที่ Pontoise, 1868

ทางเดินโอเปร่าในปารีส พ.ศ. 2441

พระอาทิตย์ตกที่ Varengeville พ.ศ. 2442

เอ็ดการ์ เดอกาส์-ศิลปินชาวฝรั่งเศส หนึ่งในอิมเพรสชั่นนิสต์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด งานของ Degas ได้รับอิทธิพลจากกราฟิกของญี่ปุ่น เกิดเมื่อวันที่ 19 กรกฎาคม พ.ศ. 2377 ในปารีส เขาเสียชีวิตเมื่อวันที่ 27 กันยายน พ.ศ. 2460 ในปารีส

แอบซินท์, 1876

สตาร์ พ.ศ. 2420

ผู้หญิงกำลังหวีผม 2428

ปอล เซซาน—ศิลปินชาวฝรั่งเศส หนึ่งในตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ ในงานของเขาเขาพยายามที่จะเผยให้เห็นถึงความกลมกลืนและความสมดุลของธรรมชาติ งานของเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อโลกทัศน์ของศิลปินในศตวรรษที่ 20
เกิดเมื่อวันที่ 19 มกราคม พ.ศ. 2382 ในเมืองเอ็กซองโพรวองซ์ ประเทศฝรั่งเศส เสียชีวิตเมื่อวันที่ 22 ตุลาคม พ.ศ. 2449 ในเมืองเอ็กซองโพรวองซ์

นักพนัน พ.ศ. 2436

โมเดิร์นโอลิมเปีย 2416

หุ่นนิ่งกับกระโหลก 2443

คล็อด โมเน่ต์- จิตรกรชาวฝรั่งเศสผู้โดดเด่น หนึ่งในผู้ก่อตั้งลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ ในงานของเขา Monet พยายามสื่อถึงความร่ำรวยและความร่ำรวยของโลกโดยรอบ ยุคปลายของมันเป็นลักษณะการตกแต่งและ
ช่วงปลายของงานของ Monet มีลักษณะเฉพาะคือการตกแต่ง ซึ่งเป็นการสลายรูปแบบวัตถุที่เพิ่มขึ้นด้วยการผสมผสานจุดสีที่ซับซ้อน
เกิดเมื่อวันที่ 14 พฤศจิกายน พ.ศ. 2383 ที่ปารีส เสียชีวิตเมื่อวันที่ 5 ธันวาคม พ.ศ. 2469 ที่เมือง Jverny

เวลค์ร็อคที่ Pourville, 1882

หลังอาหารกลางวัน พ.ศ. 2416-2419

เอเตรตาต์ พระอาทิตย์ตก พ.ศ. 2426

อาร์คิป คูอินด์ซี—ศิลปินชาวรัสเซียชื่อดังปรมาจารย์ จิตรกรรมภูมิทัศน์- เสียพ่อแม่ไปตั้งแต่เนิ่นๆ กับ ช่วงปีแรก ๆความรักในการวาดภาพเริ่มปรากฏชัดขึ้น มีผลงานของ Arkhip Kuindzhi มาแล้ว ผลกระทบใหญ่หลวงเกี่ยวกับนิโคลัส โรริช
เกิดเมื่อวันที่ 15 มกราคม พ.ศ. 2384 ที่เมือง Mariupol เสียชีวิตเมื่อวันที่ 11 กรกฎาคม พ.ศ. 2453 ที่เมืองเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

"โวลก้า" พ.ศ. 2433-2438

"เหนือ" พ.ศ. 2422

"มุมมองของเครมลินจาก Zamoskvorechye", 2425

ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์--ศิลปินชาวฝรั่งเศส ศิลปินกราฟิก ประติมากร หนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นของอิมเพรสชันนิสม์ เขายังเป็นที่รู้จักในฐานะปรมาจารย์ด้านการวาดภาพบุคคลทางโลก Auguste Rodin เป็นอิมเพรสชั่นนิสต์คนแรกที่ได้รับความนิยมในหมู่ชาวปารีสผู้มั่งคั่ง
เกิดเมื่อวันที่ 25 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2384 ในเมืองลิโมจส์ ประเทศฝรั่งเศส เสียชีวิตเมื่อวันที่ 2 ธันวาคม พ.ศ. 2462 ที่กรุงปารีส

ปงเดส์อาร์ตส์ในปารีส พ.ศ. 2410

บอลที่ Moulin de la Galette, 1876

จีนน์ ซามารี, 1877

พอล โกแกง- ศิลปินชาวฝรั่งเศส ประติมากร นักเซรามิก ศิลปินกราฟิก ร่วมกับ Paul Cezanne และ Vincent van Gogh เขาเป็นหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ ศิลปินอาศัยอยู่อย่างยากจนเพราะภาพวาดของเขาไม่เป็นที่ต้องการ
เกิดเมื่อวันที่ 7 มิถุนายน พ.ศ. 2391 ในปารีส เสียชีวิตเมื่อวันที่ 8 พฤษภาคม พ.ศ. 2446 บนเกาะ Hiva Oa เฟรนช์โปลินีเซีย

ภูมิทัศน์ของเบรอตง พ.ศ. 2437

หมู่บ้านเบรอตงท่ามกลางหิมะ ปี 1888

คุณอิจฉาหรอ? พ.ศ. 2435

วันนักบุญ พ.ศ. 2437

วาซิลี คันดินสกี้ -ศิลปิน กวี นักทฤษฎีศิลปะชาวรัสเซียและเยอรมัน ถือว่าเป็นหนึ่งในผู้นำแนวหน้าแห่งครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 เขาเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรม
เกิดเมื่อวันที่ 22 พฤศจิกายน พ.ศ. 2409 ในกรุงมอสโก เสียชีวิตเมื่อวันที่ 13 ธันวาคม พ.ศ. 2487 ในเมือง Neuilly-sur-Seine ประเทศฝรั่งเศส

คู่รักขี่ม้า 2461

ชีวิตที่มีสีสัน พ.ศ. 2450

มอสโก 1 พ.ศ. 2459

สีเทา 2462

อองรี มาติส –หนึ่งในจิตรกรและประติมากรชาวฝรั่งเศสที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่ง หนึ่งในผู้ก่อตั้งขบวนการโฟวิสต์ ในงานของเขา เขามุ่งมั่นที่จะถ่ายทอดอารมณ์ผ่านสีสัน ในงานของเขาเขาได้รับอิทธิพลจากวัฒนธรรมอิสลามของชาวมาเกร็บตะวันตก เกิดเมื่อวันที่ 31 ธันวาคม พ.ศ. 2412 ในเมือง Le Cateau เขาเสียชีวิตเมื่อวันที่ 3 พฤศจิกายน พ.ศ. 2497 ในเมือง Cimiez

จัตุรัสในแซ็ง-ทรอเป ปี 1904

โครงร่างของมหาวิหารน็อทร์-ดามยามค่ำคืน พ.ศ. 2445

ผู้หญิงกับหมวก 2448

เต้นรำ 2452

ภาษาอิตาลี, 1919

ภาพเหมือนของ Delectorskaya, 2477

นิโคลัส โรริช- ศิลปิน นักเขียน นักวิทยาศาสตร์ ผู้ลึกลับชาวรัสเซีย ในช่วงชีวิตของเขาเขาวาดภาพมากกว่า 7,000 ภาพ หนึ่งในบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมแห่งศตวรรษที่ 20 ผู้ก่อตั้งขบวนการ “สันติภาพผ่านวัฒนธรรม”
เกิดเมื่อวันที่ 27 ตุลาคม พ.ศ. 2417 ในเมืองเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เสียชีวิตเมื่อวันที่ 13 ธันวาคม พ.ศ. 2490 ในเมืองคุลลู รัฐหิมาจัลประเทศ ประเทศอินเดีย

แขกต่างประเทศ พ.ศ. 2444

วิญญาณอันยิ่งใหญ่แห่งเทือกเขาหิมาลัย 2466

ข้อความจากชัมบาลา พ.ศ. 2476

คุซมา เปตรอฟ-วอดกิน -ศิลปินชาวรัสเซีย ศิลปินกราฟิก นักทฤษฎี นักเขียน ครู เขาเป็นหนึ่งในนักอุดมการณ์ในการปฏิรูปการศึกษาศิลปะในสหภาพโซเวียต
เกิดเมื่อวันที่ 5 พฤศจิกายน พ.ศ. 2421 ในเมือง Khvalynsk จังหวัด Saratov เสียชีวิตเมื่อวันที่ 15 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2482 ในเมืองเลนินกราด

“พ.ศ. 2461 ในเปโตรกราด”, พ.ศ. 2463

"เด็กชายเล่น", 2454

อาบน้ำม้าแดง 2455

ภาพเหมือนของ Anna Akhmatova

คาซิเมียร์ มาเลวิช- ศิลปินชาวรัสเซีย ผู้ก่อตั้ง Suprematism - การเคลื่อนไหวทางศิลปะนามธรรม ครู นักทฤษฎีศิลปะ และนักปรัชญา
เกิดเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2422 ในเมืองเคียฟ เสียชีวิตเมื่อวันที่ 15 พฤษภาคม พ.ศ. 2478 ที่กรุงมอสโก

พักผ่อน (สังคมในหมวกทรงสูง), 2451

"หญิงชาวนากับถัง" พ.ศ. 2455-2456

จัตุรัสแบล็คซูพรีมาติสต์ 2458

ภาพวาดลัทธิซูพรีมาติสต์ พ.ศ. 2459

บนถนน 2446

ปาโบล ปิกัสโซ- ศิลปินชาวสเปน ประติมากร ประติมากร นักออกแบบเซรามิก หนึ่งในผู้ก่อตั้งลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ผลงานของปาโบล ปิกัสโซมีอิทธิพลสำคัญต่อพัฒนาการของการวาดภาพในศตวรรษที่ 20 จากการสำรวจผู้อ่านนิตยสารไทม์
เกิดเมื่อวันที่ 25 ตุลาคม พ.ศ. 2424 ในเมืองมาลากา ประเทศสเปน เสียชีวิตเมื่อวันที่ 8 เมษายน พ.ศ. 2516 ในเมืองมูแกงส์ ประเทศฝรั่งเศส

หญิงสาวบนลูกบอล 2448

ภาพเหมือนของ Ambroise Vallors, 1910

สามพระคุณ

ภาพเหมือนของ Olga

เต้นรำ พ.ศ. 2462

ผู้หญิงกับดอกไม้ 2473

อมาเดโอ โมดิเกลียนี่- ศิลปิน, ประติมากรชาวอิตาลี หนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของการแสดงออก ในช่วงชีวิตของเขาเขามีนิทรรศการเพียงครั้งเดียวในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2460 ที่ปารีส เกิดเมื่อวันที่ 12 กรกฎาคม พ.ศ. 2427 ในเมืองลิวอร์โน ประเทศอิตาลี เสียชีวิตเมื่อวันที่ 24 มกราคม พ.ศ. 2463 ด้วยโรควัณโรค การยอมรับระดับโลกได้รับการยอมรับจากทั่วโลกมรณกรรม

นักเล่นเชลโล 2452

ทั้งคู่ 2460

โจน เฮบูแตร์น, 1918

ภูมิทัศน์เมดิเตอร์เรเนียน พ.ศ. 2461

ดิเอโก ริเวร่า- จิตรกรชาวเม็กซิกัน นักจิตรกรรมฝาผนัง นักการเมือง เขาเป็นสามีของฟรีดา คาห์โล Leon Trotsky พบที่พักพิงในบ้านของพวกเขาในช่วงเวลาสั้นๆ
เกิดเมื่อวันที่ 8 ธันวาคม พ.ศ. 2429 ในเมืองกวานาวาโต เสียชีวิตเมื่อวันที่ 21 ธันวาคม พ.ศ. 2500 ในเม็กซิโกซิตี้

มหาวิหารน็อทร์-ดามแห่งปารีสท่ามกลางสายฝน ปี 1909

ผู้หญิงที่บ่อน้ำ 2456

สหภาพชาวนาและคนงาน พ.ศ. 2467

อุตสาหกรรมดีทรอยต์ 2475

มาร์ค ชากัล- จิตรกรรัสเซียและฝรั่งเศส ศิลปินกราฟิก นักวาดภาพประกอบ ศิลปินละคร หนึ่งในตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเปรี้ยวจี๊ด
เกิดเมื่อวันที่ 24 มิถุนายน พ.ศ. 2430 ในเมือง Liozno จังหวัด Mogilev เสียชีวิตเมื่อวันที่ 28 มีนาคม พ.ศ. 2528 ในเมือง Saint-Paul-de-Provence

อันยุตะ (ภาพเหมือนของน้องสาว), พ.ศ. 2453

เจ้าสาวกับพัด พ.ศ. 2454

ฉันกับหมู่บ้าน 2454

อาดัมและเอวา 2455

มาร์ค รอธโก(ปัจจุบัน Mark Rothkovich) - ศิลปินชาวอเมริกันหนึ่งในผู้ก่อตั้งแนวคิดการแสดงออกเชิงนามธรรมและเป็นผู้ก่อตั้งการวาดภาพสี
ผลงานชิ้นแรกของศิลปินถูกสร้างขึ้นด้วยจิตวิญญาณที่สมจริง อย่างไรก็ตามในช่วงกลางทศวรรษที่ 40 Mark Rothko หันมาสู่ลัทธิเหนือจริง ในปี 1947 จุดเปลี่ยนสำคัญเกิดขึ้นในงานของ Mark Rothko เขาสร้างสไตล์ของตัวเอง - การแสดงออกเชิงนามธรรมซึ่งเขาย้ายออกจากองค์ประกอบที่เป็นวัตถุประสงค์
เกิดเมื่อวันที่ 25 กันยายน พ.ศ. 2446 ในเมือง Dvinsk (ปัจจุบันคือ Daugavpils) เสียชีวิตเมื่อวันที่ 25 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2513 ในนิวยอร์ก

ไม่มีชื่อ

หมายเลข 7 หรือ 11

สีส้มและสีเหลือง

ซัลวาดอร์ ดาลี- จิตรกร ศิลปินกราฟิก ประติมากร นักเขียน นักออกแบบ ผู้กำกับ บางทีมากที่สุด ตัวแทนที่มีชื่อเสียงสถิตยศาสตร์และหนึ่งในนั้น ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดศตวรรษที่ XX
ออกแบบโดย จูปา จุ๊ปส์
เกิดเมื่อวันที่ 11 พฤษภาคม พ.ศ. 2447 ในเมืองฟิเกเรส ประเทศสเปน เสียชีวิตเมื่อวันที่ 23 มกราคม พ.ศ. 2532 ในสเปน

สิ่งล่อใจของนักบุญอันโทนี 2489

พระกระยาหารมื้อสุดท้าย ปี 1955

ผู้หญิงที่มีหัวดอกกุหลาบ 2478

กาลา ภรรยาของผม เปลือยเปล่า มองดูร่างกายของเธอ เมื่อปี 1945

ฟรีดา คาห์โล-ศิลปินชาวเม็กซิกันและศิลปินกราฟิกซึ่งเป็นหนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของสถิตยศาสตร์
Frida Kahlo เริ่มวาดภาพหลังจากประสบอุบัติเหตุทางรถยนต์ ทำให้เธอต้องล้มป่วยเป็นเวลาหนึ่งปี
เธอแต่งงานกับดิเอโก ริเวรา ศิลปินคอมมิวนิสต์ชื่อดังชาวเม็กซิกัน Leon Trotsky พบที่หลบภัยในบ้านของพวกเขาในช่วงเวลาสั้นๆ
เกิดเมื่อวันที่ 6 กรกฎาคม พ.ศ. 2450 ในเมืองโคโยอากัง ประเทศเม็กซิโก เสียชีวิตเมื่อวันที่ 13 กรกฎาคม พ.ศ. 2497 ในเมืองโคโยอากัง

อ้อมกอดแห่งความรักสากล Earth, Me, Diego และ Coatl, 1949

โมเสส (แกนกลางแห่งการสร้างสรรค์) 1945

ฟริดาสองคน 2482

แอนดี้ วอร์โฮล(ปัจจุบัน Andrei Varhola) - ศิลปินชาวอเมริกัน นักออกแบบ ผู้กำกับ ผู้ผลิต ผู้จัดพิมพ์ นักเขียน นักสะสม ผู้ก่อตั้งป๊อปอาร์ตเป็นหนึ่งในบุคคลที่มีความขัดแย้งมากที่สุดในประวัติศาสตร์วัฒนธรรม มีภาพยนตร์หลายเรื่องที่สร้างจากชีวิตของศิลปิน
เกิดเมื่อวันที่ 6 สิงหาคม พ.ศ. 2471 ในเมืองพิตต์สเบิร์ก รัฐเพนซิลวาเนีย เสียชีวิตในปี พ.ศ. 2506 ที่นิวยอร์ก

ศิลปะและการออกแบบ

7199

24.09.15 01:41

“ตัวเล็กมาก เธอดูถูกเกินจริง!” ตะโกนใส่นักท่องเที่ยวที่มาที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์เพื่อชมโมนาลิซ่าโดยเฉพาะ... พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ก็คือพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ แต่อย่าลืมว่ามีคนจำนวนไม่น้อยที่เกิดในฝรั่งเศส จิตรกรชื่อดัง- มาเที่ยวในอดีตของประเทศนี้สั้น ๆ และรำลึกถึงศิลปินชาวฝรั่งเศสที่เก่งที่สุด

ศิลปินชาวฝรั่งเศสที่ดีที่สุด

นักคลาสสิกผู้ยิ่งใหญ่

Nicolas Poussin เกิดเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 และนำเทคนิคของปรมาจารย์แห่งยุคเรอเนซองส์ขั้นสูงมาใช้อย่างกระตือรือร้น รวมถึงผู้แต่ง La Gioconda da Vinci และ Raphael ภาพวาดของเขามักมีตัวละครในพระคัมภีร์ เรื่องราวในตำนาน(แม้แต่วงจรของทิวทัศน์ที่อุทิศให้กับฤดูกาลก็ยังได้รับแรงบันดาลใจจากพระคัมภีร์) Norman Poussin ยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของลัทธิคลาสสิก; การมีส่วนร่วมของเขาในงานศิลปะฝรั่งเศสไม่สามารถประเมินได้สูงเกินไป ภาพวาดของเขา "พักผ่อนบนเที่ยวบินสู่อียิปต์" ถูกเก็บไว้ในอาศรมของเรา

นักร้องแห่งยุคผู้กล้าหาญ

Antoine Watteau ซึ่งเกิดเกือบสองทศวรรษหลังจากการตายของ Poussin ครองราชย์อย่างมั่นคงใน "Olympus" ของศิลปินชาวฝรั่งเศส ในสมัยของเขาไม่มีจิตรกรสักคนเดียวในยุโรปที่สามารถแข่งขันทักษะกับเขาได้ เขามีอายุเพียง 36 ปี แต่สามารถทิ้งผลงานชิ้นเอกไว้มากมาย ฉาก ทิวทัศน์ และภาพบุคคลในชีวิตประจำวันของ Watteau มีเสน่ห์และสง่างาม เขาได้รับการขนานนามว่าเป็นผู้บุกเบิกสไตล์โรโกโก เพื่อเข้าสู่ Academy of Arts ชายหนุ่มได้วาดภาพ "แสวงบุญสู่เกาะ Cythera" สองเวอร์ชัน (อันหนึ่งถูกเก็บไว้ในเบอร์ลินและอีกอันในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในปารีส) อาศรมได้รับผลงานหลายชิ้นจากศิลปินชาวฝรั่งเศส รวมถึงภาพวาด "นักแสดงตลกชาวฝรั่งเศส"

จิตรกรภูมิทัศน์ที่มีพรสวรรค์

Claude Joseph Vernet จิตรกรทางทะเลและภูมิทัศน์ชั้นหนึ่งทำงานในอิตาลีมาเป็นเวลานาน ชายฝั่งเนเปิลส์และแม่น้ำไทเบอร์ผู้ยิ่งใหญ่ได้ทิ้งร่องรอยไว้ในงานของเขา คอลเลคชันพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ประกอบด้วย "ทิวทัศน์ของสะพานและปราสาท Sant'Angelo" และ "ทิวทัศน์ของเนเปิลส์พร้อมวิสุเวียส" และการจัดแสดง "หินริมชายฝั่งทะเล" ของเฮอร์มิเทจ "ยามเช้าในกัสเตลลามาเร" และผลงานชิ้นเอกอื่น ๆ ของปรมาจารย์

เพื่อนร่วมงานที่โรแมนติก

Eugene Delacroix เป็นตัวแทนของขบวนการโรแมนติกในงานศิลปะ เกิดในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 และได้รับการศึกษาที่ดี เขาชอบที่จะคัดลอกผลงานชิ้นเอกของปรมาจารย์เก่า - และฝึกฝนงานศิลปะของเขา Eugene เป็นเพื่อนกับ Alexandre Dumas และชื่นชมผลงานของGéricault ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดบางส่วนของ Delacroix (เขามักจะเลือก) วิชาประวัติศาสตร์) – “อิสรภาพบนเครื่องกีดขวาง” และ “ความตายของซาร์ดานาปาลัส”

Theodore Gericault ผู้โรแมนติกอีกคน มีอายุมากกว่า Delacroix เพียงไม่กี่ปี แต่ก็เป็นผู้มีอำนาจที่ยิ่งใหญ่สำหรับเพื่อนร่วมงานของเขา อนิจจาโชคชะตาทำให้เขามีชีวิตที่สั้นมาก - เมื่ออายุ 32 ปีจิตรกรก็ตกจากหลังม้าและถูกฆ่าตาย ธีโอดอร์ชอบฉากการต่อสู้ขนาดใหญ่ โดยเลียนแบบรูเบนส์ โดยเป็นผู้ชื่นชมเฟลมมิ่งอย่างหลงใหล แม้ว่าคุณจะไม่เคยได้ยินชื่อศิลปินชาวฝรั่งเศสคนนี้มาก่อน แต่คุณคงเคยเห็นผลงานชิ้นเอกของ Géricault เรื่อง “The Raft of the Medusa” (ผลงานชิ้นนี้เป็นความภาคภูมิใจของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์)

ผู้พเนจรชั่วนิรันดร์

Eugene Henri Paul Gauguin เป็นที่รู้จักกันดีในหมู่พวกเรา โพสต์อิมเพรสชันนิสต์เห็นการโจมตีของศตวรรษที่ 20 แต่เสียชีวิตค่อนข้างเร็ว: เขาเสียชีวิตเมื่ออายุ 54 ปีในปี พ.ศ. 2446 ในเฟรนช์โปลินีเซีย พวกเขาบอกว่าอัจฉริยะถูกทำลายด้วยความเจ็บป่วย (ที่เลวร้ายที่สุดคือโรคเรื้อนที่รักษาไม่หาย) ในวัยเด็กเขาเดินทางบ่อยมาก: พอลทำหน้าที่เป็นกะลาสีเรือธรรมดา ๆ บนเรือรบและเป็นพนักงานดับเพลิงบนเรือของกองเรือค้าขาย แน่นอนว่าความประทับใจเหล่านั้นสะท้อนให้เห็นในผลงานของจิตรกรคนนั้น เขาเกือบอุทิศชีวิตให้กับการเป็นนายหน้าซื้อขายหลักทรัพย์ แต่หยุดทันเวลาและอุทิศตนให้กับความคิดสร้างสรรค์ แม้แต่คนที่ไม่ได้ฝึกหัดก็ยังคุ้นเคยกับภาพที่สดใสของ Gauguin เช่น "ผู้หญิงถือผลไม้"

เงาที่บินได้

ท่านใดเคยได้ยินสำนวน “Degas Ballerinas” บ้าง? ศิลปินชาวฝรั่งเศสคนนี้ได้รับแรงบันดาลใจจากโรงเรียนบัลเล่ต์และการฝึกซ้อมจริงๆ ลายเส้นสีพาสเทลสีอ่อนของเขาสามารถจับแสงที่เอียงอย่างสง่างามของศีรษะ การหมุนโค้ง การโค้งคำนับ การกระโดด - เราเห็นสิ่งนี้ในภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสต์ "บทเรียนการเต้นรำ" หรือ "นักเต้นสีน้ำเงิน" ฉากในชีวิตประจำวันของเขายังเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง: "Absinthe", "Ironers"

บิดาแห่งอิมเพรสชันนิสม์

ภาพวาดคลาสสิกของยุโรปอีกภาพหนึ่ง Edouard Manet (หนึ่งใน "บิดา" ของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์) เช่น Degas ชอบวาดภาพชีวิตของชาวเมือง: การเดินเล่นในสวนหรือปิกนิกท่ามกลางธรรมชาติ ภาพเหมือนของเขาโดดเด่นด้วยความเรียบง่ายและไร้ศิลปะ และเมื่อบั้นปลายชีวิตเขาก็เริ่มสนใจภาพหุ่นนิ่งทันที “โอลิมเปีย”, “รถไฟ”, “อาหารเช้าบนพื้นหญ้า” ถือเป็นผลงานชิ้นเอกระดับโลก

อารมณ์อ่อนไหวและเป็นประกายมุก

แนวเพลงโปรดของปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์คือการวาดภาพบุคคล พรีเซ็นเตอร์ชาวสังคม หญิงสาวผู้บริสุทธิ์ คู่รักที่มีความรักกลับมามีชีวิตอีกครั้งภายใต้ฝีแปรงอันมั่นใจของปรมาจารย์ หลังจากเริ่มต้นจากการเป็นอิมเพรสชั่นนิสต์ ปิแอร์ก็ค่อยๆ เริ่มไม่แยแสกับเขาและเข้าร่วมกับนักคลาสสิก งานศิลปะของเขาซาบซึ้งและมีประกายมุก ดูที่ "Girls at the Piano" หรือ "Spring Bouquet" ผืนผ้าใบดูเหมือนจะเปล่งประกายจากภายใน

ไม่ว่าจะเป็นชาวนาหรือนักคิด...

Paul Cézanne ซึ่งมีภาพเงาของเขาในภาพวาดบุคคลที่ดูเหมือนแกะสลักจากหินและมีทิวทัศน์ที่ "เปื้อน" เล็กน้อย เป็นตัวแทนที่โดดเด่นของลัทธิหลังอิมเพรสชันนิสม์ ทั้งในการทำงานและในชีวิตเขาตระหนี่กับอารมณ์พูดน้อยและไม่ค่อยมีอารมณ์ - มีบางอย่างในตัวเขาจากชาวนาบางอย่างจากนักคิดนักวิทยาศาสตร์ ที่น่าสนใจคือผลงานชิ้นเอกของเขา "Card Players" เป็นหนึ่งในภาพวาดที่แพงที่สุดในโลก (ในปี 2012 มีการซื้อเพื่อสะสมของ Emir of Qatar ในราคา 250 ล้านเหรียญสหรัฐ)

ชะตากรรมอันชั่วร้ายของขุนนาง

สุดท้ายในรายชื่อศิลปินชาวฝรั่งเศสที่เก่งที่สุดของเราคือเพื่อนผู้น่าสงสาร Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec ทำไมเป็นคนยากจน? ใช่ เขาอยู่ในตระกูลเคานต์โบราณ แต่เมื่ออายุ 13 และ 14 ปี ชายหนุ่มสามารถหักโคนขาข้างหนึ่งก่อน จากนั้นอีกข้างหนึ่งด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงหยุดเติบโต อองรียังคงเป็นคนแคระกึ่งพิการ ความเป็นไปไม่ได้ที่จะประกอบอาชีพทหารทำให้ทั้งครอบครัวตกใจและอองรีเองก็ถูกผลักดันให้รับงานวาดภาพ เขาศึกษากับอาจารย์ (เขาชอบงานของ Degas และ Cezanne มาก) และเมื่อเขามาถึงปารีสเขาก็กลายเป็นขาประจำที่คาบาเร่ต์และผับกลายเป็นคนติดเหล้าติดเชื้อซิฟิลิสและเสียชีวิตเมื่ออายุได้ 37. ผลงานกราฟิกและภาพวาดของเขาได้รับการยอมรับหลังจากการเสียชีวิตของเขา ภาพเหมือนของศิลปินและโสเภณีมูแลงรูจที่ตูลูส เลาเทรกถูกบังคับให้ใช้บริการ ปัจจุบันถือเป็นผลงานชิ้นเอก

M. Prokofieva, Yu

ในช่วงทศวรรษที่ 1880 ในวงการวิจิตรศิลป์ของฝรั่งเศส โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการวาดภาพ เริ่มมีการละทิ้งอิมเพรสชันนิสม์ ดังที่ได้กล่าวไว้ก่อนหน้านี้ (ดูเล่มที่ 5) ในงานของอิมเพรสชั่นนิสต์จำนวนหนึ่งมีแนวโน้มในการละทิ้งบรรยากาศที่สมจริงของทศวรรษ 1870 และรูปแบบการประหารชีวิตที่มีการตกแต่งมากขึ้นก็ปรากฏขึ้น กระบวนการนี้ทำให้ตัวเองรู้สึกถึงพลังพิเศษในช่วงทศวรรษที่ 1890 ในผลงานของปรมาจารย์ด้านอิมเพรสชั่นนิสต์ทั่วไปเช่น C. Monet

อย่างไรก็ตาม สิ่งที่สำคัญกว่านั้นไม่ใช่การเปลี่ยนแปลงในผลงานช่วงปลายของพวกอิมเพรสชันนิสต์เอง แต่เป็นการส่งเสริมชื่อใหม่ให้อยู่ในระดับแนวหน้าของชีวิตศิลปะของกลุ่ม ปรมาจารย์แห่งศิลปะยุคใหม่นี้ไม่ได้รวมกันเป็นหนึ่งเดียว พวกเขายอมรับงานทางศิลปะในรูปแบบที่ต่างกันและแก้ไขด้วยวิธีที่ต่างกัน ในบางกรณี ศิลปินพยายามที่จะปรับเปลี่ยนอิมเพรสชันนิสม์เพิ่มเติม ในบางกรณี พยายามเอาชนะด้านที่จำกัดของอิมเพรสชั่นนิสต์หรือสิ่งที่ดูเหมือนมีด้านจำกัดสำหรับพวกเขา พวกเขาเปรียบเทียบมันกับความเข้าใจในธรรมชาติของการวาดภาพและบทบาทของศิลปะ

ดังนั้นงานของผู้ก่อตั้งการแบ่งแยก Seurat และ Signac ภาพวาดตกแต่งและสัญลักษณ์ของ Gauguin งานสร้างสรรค์ที่เข้มข้นของ Cezanne ซึ่งเป็นงานร่วมสมัยของอิมเพรสชั่นนิสต์เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดอย่างไรก็ตามกับปัญหาใหม่ของปี 1880-1890 ภารกิจอันน่าหลงใหลของ Van Gogh ซึ่งเป็นศิลปะที่เฉียบแหลมของตูลูส - Lautrec สามารถรวมเป็นหนึ่งเดียวตามเงื่อนไขโดยแนวคิดของ "โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์" ที่หยั่งรากในวรรณคดี (จากภาษาละตินโพสต์ - หลัง)

แน่นอนว่าการพัฒนาความเป็นจริงทางสังคมของฝรั่งเศสทำให้เกิดงานด้านศิลปะหลายอย่าง แต่ศิลปินเหล่านี้ได้รับการยอมรับและแก้ไขด้วยวิธีที่ต่างกัน โดยพื้นฐานแล้ว ศิลปะฝรั่งเศสในช่วงหลายปีที่ผ่านมาต้องเผชิญกับภารกิจอันยิ่งใหญ่ในการค้นหารูปแบบใหม่ของความสมจริงที่สามารถเชี่ยวชาญด้านสุนทรียภาพและการแสดงออกตามความเป็นจริงทางศิลปะตามความเป็นจริงทางศิลปะในการแสดงออกถึงแง่มุมใหม่ ๆ ของชีวิตในสังคมทุนนิยม การเปลี่ยนแปลงในจิตสำนึกทางสังคมเหล่านั้น ในการจัดตำแหน่งของกองกำลังทางชนชั้นที่เกี่ยวข้องกับ จุดเริ่มต้นของการเปลี่ยนแปลงไปสู่ขั้นการพัฒนาจักรวรรดินิยมใหม่เชิงคุณภาพ

ในด้านหนึ่ง ความต้องการที่จะไตร่ตรองถึงความไม่ลงรอยกันอย่างเฉียบพลันของชีวิตกลายเป็นเรื่องเร่งด่วนมากขึ้น เมืองใหญ่การลดทอนความเป็นมนุษย์ที่เพิ่มขึ้นของสภาพสังคมและชีวิตส่วนตัวของมนุษย์และในทางกลับกันการฟื้นฟูภายหลังความพ่ายแพ้ของประชาคมปารีส กิจกรรมทางการเมืองชนชั้นแรงงานของฝรั่งเศส

ในเวลาเดียวกัน การเสริมสร้างธรรมชาติปฏิกิริยาของอุดมการณ์กระฎุมพีที่มีอำนาจเหนือกว่า และการยุบรวมกิจกรรมทางสังคมทุกรูปแบบทั้งที่เป็นทางการและเป็นมืออาชีพ รวมทั้งลักษณะเฉพาะของสังคมกระฎุมพี รวมทั้ง ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะไม่สามารถมีอิทธิพลอย่างจำกัดต่อการแสวงหาของศิลปินในช่วงทศวรรษที่ 1880-1890 จากที่นี่ทำให้เกิดความไม่สอดคล้องกันที่ซับซ้อนและความเป็นคู่ของผลลัพธ์ของภารกิจสร้างสรรค์ที่เข้มข้น ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะฝรั่งเศสตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19

ความสนใจที่เพิ่มขึ้นในการแสดงผลทางแสงล้วนๆ และแนวโน้มไปสู่โซลูชันการตกแต่งซึ่งแยกแยะช่วงเวลาปลายของความคิดสร้างสรรค์ของตัวแทนอิมเพรสชั่นนิสต์ที่สอดคล้องกันมากที่สุด - Claude Monet - ยังคงพัฒนาและหมดแรงอย่างต่อเนื่องในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษ 1880 ในงานศิลปะของ Georges Seurat (1859-1891) และ Paul Signac (1863-1935) ศิลปะของปรมาจารย์เหล่านี้ใกล้เคียงกับอิมเพรสชั่นนิสม์ในหลาย ๆ ด้าน: พวกเขายังโดดเด่นด้วยความหลงใหลในแนวภูมิทัศน์และฉากของชีวิตสมัยใหม่และมีแนวโน้มที่จะพัฒนาปัญหาภาพของตนเอง อย่างไรก็ตาม อย่างหลังนั้นตรงกันข้ามกับความสดใหม่ของการรับรู้ทางสายตาในทันที ผลงานที่ดีที่สุดอ่า อิมเพรสชั่นนิสต์ มีสติและมีพื้นฐานอยู่บนการประยุกต์ใช้อย่างเป็นทางการและมีเหตุผลกับศิลปะสมัยใหม่ การค้นพบทางวิทยาศาสตร์ในสาขาทัศนศาสตร์ (ผลงานของ E. Chevreuil, G. Helmholtz, D. Maxuel, O. N. Rud)

ตามความเห็นของ Seurat ศิลปินจะต้องได้รับคำแนะนำจากกฎการวิเคราะห์สเปกตรัมด้วยความช่วยเหลือซึ่งเป็นไปได้ที่จะสลายสีและส่วนประกอบต่างๆ และสร้างขอบเขตที่แม่นยำสำหรับการโต้ตอบของโทนสี ดังนั้นหนึ่งในชื่อของเทรนด์นี้คือการแบ่งแยก (จากแผนกฝรั่งเศส - แผนก) การผสมสีบนจานสีซึ่งได้รับอนุญาตในทางปฏิบัติโดยอิมเพรสชั่นนิสต์นั้นได้รับการยกเว้นอย่างเด็ดขาดโดยให้ผลทางแสงของสีบริสุทธิ์บนเรตินาของดวงตาเท่านั้น เอฟเฟกต์ที่ต้องการสามารถทำได้โดยเป็นผลมาจากลายเส้นของจิตรกรที่มีรูปร่างบางอย่างเท่านั้น ลักษณะเครื่องแบบ ((จุด) นี้ทำให้ชื่อโรงเรียนใหม่ - pointelism (จากจุดฝรั่งเศส - จุด)

กฎระเบียบที่เข้มงวดเช่นนี้ย่อมต้องต่อต้านความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินจำนวนไม่น้อยที่จัดกลุ่มตาม Seurat และ Signac (Albert Dubois-Pillet, Theo van Ryselberghe, Henri ~)monde Cross ฯลฯ) อย่างไรก็ตามกลุ่มที่ใหญ่ที่สุดเช่น Seurat, Signac, Camille Pissarro (ซึ่งเข้าร่วมเทรนด์นี้ชั่วคราว) - มีลักษณะเฉพาะและโดดเด่นเพียงพอสำหรับลักษณะที่สร้างสรรค์และความสามารถของพวกเขาในการปฏิบัติตามหลักคำสอนของตนเองอย่างแท้จริง

ผลงานทั่วไปชิ้นหนึ่งของ Seurat คือ “Sunday Walk on the Island of La Grande Jatte” (1884-1886; Chicago, Institute of Arts) วาดภาพกลุ่มคนโดยมีฉากหลังเป็นริมฝั่งแม่น้ำสีเขียว ซึ่งเป็นผลงานชิ้นเอกอันดับแรก พยายามแก้ไขปัญหาปฏิสัมพันธ์ของร่างมนุษย์ในสภาพแวดล้อมที่มีแสงน้อย ภาพวาดแบ่งออกเป็นสองโซนที่ชัดเจน: สว่างซึ่งศิลปินตามทฤษฎีของเขาทำงานด้วยสีที่อบอุ่นบริสุทธิ์และแรเงาซึ่งใช้โทนสีเย็นและบริสุทธิ์เป็นหลัก แม้จะมีความละเอียดอ่อนของการผสมผสานสีสันสดใสและการส่งผ่านแสงแดดได้สำเร็จ แต่ลายเส้นที่ชวนให้นึกถึงลูกปัดโมเสกที่กระจัดกระจายไปทั่วผืนผ้าใบ ทำให้เกิดความรู้สึกแห้งกร้านและไม่เป็นธรรมชาติ ความชื่นชอบในการตกแต่งแบบท้องถิ่นอย่างชัดเจนนั้นชัดเจนยิ่งขึ้นในผลงานของ Seurat ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1880 และต้นทศวรรษที่ 1890 เช่น Parade (New York, Clark Collection), Models, ((Sunday in Port-en- Bessen" (Otterlo, Kroller-Müllsr พิพิธภัณฑ์), "ละครสัตว์" (ลูฟร์) ในขณะเดียวกันในงานเหล่านี้โดยเฉพาะใน "ละครสัตว์" Seurat พยายามรื้อฟื้นหลักการขององค์ประกอบการตกแต่งและอนุสรณ์สถานที่สมบูรณ์โดยพยายามเอาชนะการแตกกระจายบางส่วนราวกับเกิดขึ้นทันที การสุ่มองค์ประกอบของอิมเพรสชันนิสต์ แนวโน้มนี้ไม่เพียงแต่เป็นลักษณะเฉพาะของ Seurat เท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปินรุ่นต่อๆ ไปจำนวนหนึ่งที่ติดตามอิมเพรสชั่นนิสต์ด้วย อย่างไรก็ตาม โดยพื้นฐานแล้วลักษณะที่เป็นทางการและการตกแต่งของภารกิจของ Seurat ไม่ได้มีส่วนช่วย เพื่อแก้ไขปัญหาที่สำคัญนี้ได้อย่างมีประสิทธิผลอย่างแท้จริง

ศิลปะของ Paul Signac ค่อนข้างแตกต่างจากปัญญาชนที่เยือกเย็นของ Seurat ซึ่งผลงานภูมิทัศน์ของเขาประสบความสำเร็จในด้านอารมณ์ความรู้สึกที่ค่อนข้างยอดเยี่ยมในการถ่ายทอดการผสมผสานที่มีสีสัน (เช่น "Sandy Seashore", 1890; มอสโก, พิพิธภัณฑ์พุชกิน), "ปราสาทของสมเด็จพระสันตะปาปาในอาวิญง (1900; ปารีส, พิพิธภัณฑ์ ศิลปะร่วมสมัย- ความสนใจที่เพิ่มขึ้นในความหมายของเสียงสีของภาพวาดทำให้ Signac สร้างทิวทัศน์ท้องทะเลจำนวนหนึ่งในช่วงทศวรรษที่ 1880 ชื่อของเทมโพสดนตรี - "Larghetto", "Adagio", "Scherzo" ฯลฯ

ปัญหาในการฟื้นฟูความเป็นพลาสติกของการทาสีโดยกลับคืนสู่โครงสร้างการจัดองค์ประกอบที่มั่นคงของภาพบนพื้นฐานใหม่ถูกวางโดยตัวแทนหลักของภาพวาดฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ปอล เซซาน (1839 - 1906) Cézanne อายุเท่ากันกับ Monet, Renoir และ Sisley โดยทำงานตามลำดับเวลาควบคู่ไปกับปรมาจารย์เหล่านี้ แต่งานศิลปะของเขาซึ่งมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวนั้นเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1880 และเป็นของลัทธิหลังอิมเพรสชันนิสม์อยู่แล้ว

ผลงานในยุคแรกๆ ของ Cézanne ซึ่งเขียนขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1860 ในปารีส โดดเด่นด้วยอิทธิพลของ Daumier และ Courbet (“Portrait of a Monk”, 1865-1867, New York, Frick Collection; “Pastoral”, 1870, Paris, Pellerin Collection; “Murder”, 1867-1870, New York , วิลเดนสไตน์ แกลเลอรี่ )

จาก Daumier Cezanne ในยุคแรกได้ใช้ช่วงเวลาโรแมนติกเหล่านั้น ซึ่งชี้ให้เห็นถึงความแสดงออกของรูปแบบและไดนามิก การก่อสร้างแบบผสมผสานซึ่งมีความแตกต่างบ้างในภาพวาดบางภาพของเขาในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ในเวลาเดียวกัน Cezanne พยายามอย่างหนักเพื่อให้ได้สาระสำคัญสูงสุดในการพรรณนาวัตถุต่างๆ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เขามักจะชอบไม้พายแทนแปรงเช่นเดียวกับ Courbet แต่ต่างจาก Courbet ตรงที่ Cézanne สามารถสร้างความหนาแน่นที่จับต้องได้ของการวาดภาพไม่มากนักผ่านการสร้างแบบจำลองแสงและเงาพอๆ กับคอนทราสต์ของสี แนวโน้มที่จะถ่ายทอดสาระสำคัญของโลกด้วยวิธีการทางภาพล้วนๆ จะกลายเป็นกระแสหลักในผลงานของศิลปินในไม่ช้า

คำแนะนำของปิสซาร์โร ซึ่งเซซานพบที่ Suisse Academy ช่วยให้ศิลปินเอาชนะพฤติกรรมที่หนักหน่วงโดยเจตนา กล่าวคือ ลายเส้นจะเบาลงและโปร่งใสมากขึ้น จานสีสว่างขึ้น (เช่น "House of the Hanged Man, Auvers-sur-Oise", 1873; Louvre)

อย่างไรก็ตามความคุ้นเคยอย่างใกล้ชิดกับวิธีอิมเพรสชั่นนิสต์ในไม่ช้าจะกระตุ้นให้เกิดการประท้วงอย่างสร้างสรรค์จากปรมาจารย์ Cézanne ปฏิเสธความปรารถนาที่จะบันทึกโลกด้วยความแปรปรวนอันไม่มีที่สิ้นสุดโดยไม่ปฏิเสธความสำเร็จด้านสีสันของโรงเรียนของ C. Monet ในทางตรงกันข้าม เขาหยิบยกแนวคิดทั่วไปบางอย่างที่ไม่เปลี่ยนแปลงเกี่ยวกับความเป็นจริง ซึ่งตามที่ศิลปินระบุ มีพื้นฐานอยู่บนการระบุโครงสร้างทางเรขาคณิตภายในของรูปแบบธรรมชาติ

ศิลปะของ Cezanne มีลักษณะเฉพาะคือการไตร่ตรอง สิ่งนี้ก่อให้เกิดความรู้สึกสงบสุขอันยิ่งใหญ่ สมาธิภายใน การสะท้อนทางสติปัญญาต่อจักรวาล ซึ่งเป็นลักษณะผลงานของศิลปินในยุคที่เป็นผู้ใหญ่ของเขา ด้วยเหตุนี้ความไม่พอใจอย่างต่อเนื่องกับสิ่งที่สร้างขึ้น ความปรารถนาที่จะทำซ้ำภาพที่วาดซ้ำๆ และความดื้อรั้นที่ไม่ธรรมดาของศิลปิน ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ Ambroise Vollard เพื่อนและผู้เขียนชีวประวัติของ Cézanne เรียกกระบวนการทำงานของเขาว่า "การทำสมาธิด้วยพู่กันในมือ" จิตรกรใฝ่ฝันที่จะ "กลับคืนสู่ความคลาสสิกผ่านธรรมชาติ" Cezanne ศึกษาธรรมชาติอย่างรอบคอบและถี่ถ้วน “การเขียนไม่ได้หมายถึงการคัดลอกวัตถุอย่างฟุ่มเฟือย” ศิลปินกล่าว “มันหมายถึงการจับภาพความกลมกลืนระหว่างความสัมพันธ์มากมาย แต่หมายถึงการแปลความสัมพันธ์เหล่านั้นให้อยู่ในช่วงของคุณเอง...”

ในการถ่ายทอดโลกแห่งวัตถุประสงค์ ซึ่งคุณสมบัติที่มีค่าที่สุดสำหรับเซซานคือความเป็นพลาสติกและโครงสร้าง เขาใช้วิธีการที่ยึดถือแนวทางการถ่ายภาพเพียงอย่างเดียว เขาสร้างการสร้างแบบจำลองเชิงปริมาตรและพื้นที่ของการวาดภาพขาตั้งโดยไม่ได้อาศัยความช่วยเหลือของไคอาโรสคูโรและกราฟิกเชิงเส้น แต่ใช้สี แต่ไม่เหมือนกับอิมเพรสชั่นนิสต์ สีของ Cezanne ไม่ใช่องค์ประกอบที่ขึ้นอยู่กับแสง จิตรกรใช้ความสัมพันธ์ของสีเพื่อแกะสลักปริมาตรโดย "การปรับ) ของสีโดยการละลายค่าในพวกมันและโดยไม่ต้องใช้การสร้างแบบจำลอง “ไม่มีเส้น ไม่มีความ chiaroscuro มีเพียงสีที่ตัดกันเท่านั้น การสร้างแบบจำลองของวัตถุเป็นไปตามความสมดุลของโทนสีที่ถูกต้อง” ศิลปินกล่าว

หลักการดังกล่าวสามารถนำไปใช้ให้เกิดผลสูงสุดได้เมื่อมีวัตถุที่ไม่มีชีวิตและไม่มีการเคลื่อนไหวครอบงำ ดังนั้น Cezanne จึงชอบทำงานประเภทภูมิทัศน์และหุ่นนิ่งเป็นหลัก ซึ่งทำให้เขามุ่งความสนใจไปที่การถ่ายโอนรูปแบบที่มองเห็นได้แบบพลาสติกเป็นอย่างมาก ในทางกลับกัน วิธีการไตร่ตรองอย่างเป็นทางการในสาระสำคัญที่แท้จริงนั้นจำกัดความเป็นไปได้ในการสร้างสรรค์ของเขาในทันที โศกนาฏกรรมที่แปลกประหลาดในงานของ Cezanne อยู่ที่ความจริงที่ว่าการต่อสู้เพื่อการฟื้นฟูมุมมองที่บูรณาการและสังเคราะห์ของโลกซึ่งสูญเสียไปโดยอิมเพรสชั่นนิสต์เขาได้แยกความไม่สอดคล้องกันที่แท้จริงของความเป็นจริงทั้งหมดออกจากการมองเห็นความมั่งคั่งของการกระทำของมนุษย์อารมณ์ และประสบการณ์ที่ประกอบเป็นเนื้อหาที่แท้จริงของชีวิต

และแม้กระทั่งรูปแบบชีวิตอันหลากหลายอันไม่มีที่สิ้นสุดก็มักจะถูกคิดใหม่โดยอาจารย์ในแง่ของการลดพวกมันลงไปสู่แผนการสร้างสรรค์ที่จัดระเบียบไว้อย่างชัดเจน แน่นอนว่านี่ไม่ได้หมายความว่าศิลปินพยายามลดรูปแบบธรรมชาติทั้งหมดให้เป็นองค์ประกอบสามมิติง่ายๆ จำนวนหนึ่ง แต่แนวโน้มดังกล่าวบางครั้งทำให้จินตนาการเชิงสร้างสรรค์ของศิลปินติดขัดและที่สำคัญที่สุดคือผลที่ตามมาคือลักษณะตัวละครคงที่ของงานศิลปะของ Cezanne ก็ปรากฏขึ้นซึ่งสามารถเห็นได้ในการพรรณนาถึงลวดลายเกือบทุกรูปแบบ สิ่งนี้น่าทึ่งเป็นพิเศษเมื่อจิตรกรหันไปหาภาพลักษณ์ของบุคคล อย่างไรก็ตาม ในภาพเขียนที่ดีที่สุดที่อุทิศให้กับภาพลักษณ์ของมนุษย์ โดยที่ Cézanne ไม่มุ่งมั่นที่จะนำหลักคำสอนทางศิลปะของเขาไปใช้อย่างชัดเจนจนเกินไป เขาก็สามารถโน้มน้าวใจทางศิลปะได้อย่างยอดเยี่ยม ภาพภรรยาของศิลปินจากคอลเลกชั่น Kressler ในนิวยอร์ก (1372-1877) เป็นภาพบทกวีและเหมือนจริงมาก ใน “The Smoker” (ระหว่างปี 1895 ถึง 1900; Hermitage) เขาสื่อถึงความรู้สึกสงบ ความรอบคอบ และสมาธิภายใน อย่างไรก็ตาม Cezanne ยังสร้างผลงานที่เย็นกว่าอีกจำนวนหนึ่งซึ่งเริ่มรู้สึกถึงแนวทาง "ชีวิตหุ่นนิ่ง" ของมนุษย์ที่แปลกประหลาดซึ่งครุ่นคิดแปลก ๆ

ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ความสำเร็จของ Cezanne ในด้านภูมิทัศน์และโดยเฉพาะอย่างยิ่งหุ่นนิ่งนั้น แม้จะไม่ใช่สิ่งที่สำคัญที่สุดก็ตาม ก็ถือว่าไม่มีเงื่อนไขมากที่สุด “ภูมิทัศน์ของสวนสาธารณะ” (1888-1890; มิวนิก, คอลเลคชัน Ribs) สามารถใช้เป็นตัวอย่างลักษณะเฉพาะของภูมิทัศน์โดย Cézanne ในวัยผู้ใหญ่ของเขา แนวนอนที่ชัดเจนของสะพานซึ่งล้อมรอบด้วยกลุ่มต้นไม้แนวตั้งที่โค้งงอเหนือน้ำ และความคล้ายคลึงกันอย่างรอบคอบของแผนผังนั้นใกล้เคียงกับความสมดุลขององค์ประกอบหลังเวทีแบบคลาสสิก พื้นผิวแม่น้ำที่ไม่เคลื่อนไหวสะท้อนโครงร่างของใบไม้หนาทึบ บ้านบนชายฝั่ง และท้องฟ้าที่มีเมฆแสงแดดที่หายาก ตรงกันข้ามกับสีและการสั่นสะเทือนของบรรยากาศของภูมิทัศน์อิมเพรสชั่นนิสต์ Cézanne ทำให้สีหนาขึ้น โดยพยายามถ่ายทอดสาระสำคัญของผืนดินและน้ำ ใช้ลายเส้นหนาบนผืนผ้าใบด้วยสีฟ้า มรกต และเหลือง ซึ่งถือว่าซับซ้อนมากในการเปลี่ยนและการไล่ระดับ แต่มวลสีลดลงเหลือเพียงโทนสีเดียว กิ่งก้านที่หนักและผิวน้ำถูกตีความในลักษณะสามมิติและทั่วไป

ภูมิทัศน์โดย Cezanne จากปลายทศวรรษ 1870 ถึง 1890 ยิ่งใหญ่เสมอ: แต่ละคนตื้นตันใจกับความยิ่งใหญ่ที่ยิ่งใหญ่, ความรู้สึกมั่นคง, ความเป็นระเบียบเรียบร้อย, ความเป็นนิรันดร์ของธรรมชาติ (“ Banks of the Marne”, 1888, พิพิธภัณฑ์ Pushkin; “ Turn of the Road”, 1879-1882, Boston, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์; “ Little Bridge”, 2422, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์; "ทิวทัศน์ของอ่าว Marseilles จาก Estac", พ.ศ. 2426-2428, นิวยอร์ก, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน)

Cézanne สื่อถึงความหมายของความเป็นพลาสติกของวัตถุต่างๆ ในหุ่นนิ่งจำนวนมากของเขาในช่วงเวลาที่โตเต็มที่ (“Still Life with a Basket of Fruit”, 1888-1890, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์; “ แจกันสีฟ้า", พ.ศ. 2428-2430, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์; "กระถางเจอเรเนียมและผลไม้", พ.ศ. 2433-2437, นิวยอร์ก, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน) ที่นี่เขามุ่งมั่นในการเปรียบเทียบรูปร่างและการผสมสีที่ตัดกัน ซึ่งโดยรวมแล้วสร้างความประทับใจถึงความกลมกลืนขององค์ประกอบที่รอบคอบ

ในภาพวาด "Peaches and Pears" (พ.ศ. 2431-2433; พิพิธภัณฑ์พุชกิน) มีการพิจารณาเลือกวัตถุอย่างเคร่งครัด: แนวนอนของโต๊ะเน้นที่ผ้าปูโต๊ะยู่ยี่ซึ่งวางผลไม้สีสดใสไว้และถัดจากนั้นมี เหยือกมีลวดลายเหลี่ยมเพชรพลอยและชามใส่น้ำตาลทรงกลม ลูกพีชสีแดงเข้ม ลูกแพร์สีชมพูทองเขียวตัดกับสีเย็นซึ่งผ้าปูโต๊ะเป็นสีขาวและมีการเปลี่ยนสีน้ำเงินน้ำเงิน ขอบสีแดงที่หักออกเป็นรอยพับของวัสดุและล้อมรอบด้วยปฏิกิริยาตอบสนองที่เย็น สะท้อนถึงสีที่เงียบเสียงสะท้อนของโทนสีอบอุ่นที่เข้มข้น

เพื่อเน้นปริมาณของวัตถุ ศิลปินจึงลดความซับซ้อนของโครงสร้างและเปิดเผยแง่มุมหลักๆ ดังนั้นรูปแบบในชีวิตประจำวันจึงกลายเป็นสิ่งที่ยิ่งใหญ่: ลูกพีชทรงกลมวางซ้อนกันอย่างแน่นหนาบนจาน รอยพับของผ้าที่เป็นแป้งกลายเป็นงานประติมากรรม ปริมาณลูกแพร์ดูเหมือนอัดแน่น ศิลปินต้องการถ่ายทอดน้ำหนักและความเป็นพลาสติกของมันให้มากกว่าลักษณะเฉพาะและคุณสมบัติเฉพาะตัวของวัตถุที่กำหนด ด้วยการทำให้ธรรมชาติเป็นอนุสรณ์อย่างมีสติ แนวโน้มที่จะทำให้รูปแบบง่ายขึ้นซึ่งมีอยู่ในงานศิลปะของ Cezanne จะได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมโดยผู้ติดตามของเขาที่เรียกว่า Cézannenists ซึ่งใช้มันอย่างจงใจด้านเดียวและเปลี่ยนให้เป็นรูปแบบพิธีการแบบพอเพียงโดยแยกออกจากคุณสมบัติที่หลากหลายของ ชีวิตที่เป็นรูปธรรม

ผลงานภาพเหมือนของศิลปินผสมผสานกันด้วยอารมณ์ทั่วไปของความรอบคอบและสมาธิภายใน: ตามกฎแล้วพวกเขาไม่ได้โดดเด่นด้วยความรุนแรงทางจิตวิทยาที่เน้นย้ำของรัฐ ความสงบสุขอันยิ่งใหญ่ที่ดึงดูด Cezanne ในธรรมชาติยังแสดงถึงภาพลักษณ์ของมนุษย์ซึ่งเต็มไปด้วยศักดิ์ศรีอันสง่างามอยู่เสมอบนผืนผ้าใบของเขา ในภาพบุคคลเช่น "Portrait of Choquet" (1876-1877; Cambridge, W. Rothschild collection), "Mme Cezanne บนเก้าอี้สีเหลือง" (1890-1894; Saint-Germain-sur-Oise, คอลเลกชันส่วนตัว), "Boy in เสื้อกั๊กสีแดง" (พ.ศ. 2433-2438 หลากหลายคอลเลกชัน) จิตรกรไม่เพียงประสบความสำเร็จในความสมบูรณ์และความสมบูรณ์ของภาพวาดของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงลักษณะทางจิตวิทยาของภาพที่มีความละเอียดอ่อนมากขึ้นเมื่อเปรียบเทียบกับผลงานอื่น ๆ ของเขา

นอกจากนี้ บุคคลที่มีรูปทรงหลายร่างยังได้รับการกล่าวถึงในเรื่องความชัดเจนของรูปทรงทางประติมากรรมและการแสดงออกของพลาสติกอีกด้วย องค์ประกอบเรื่องราวศิลปิน. ใน The Card Players หลายเวอร์ชัน Cézanne รวบรวมกลุ่มอักขระสอง สี่ หรือห้าตัว งานที่แสดงออกมากที่สุดตั้งอยู่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ (พ.ศ. 2433-2435) ซึ่งความปั่นป่วนของสภาวะหุนหันพลันแล่นของคนที่นั่งอยู่ที่โต๊ะเน้นย้ำถึงการสะท้อนอย่างสบายใจของคู่หูที่มีระเบียบวิธีของเขา

ภาพวาด "Pierrot and Harlequin" (พ.ศ. 2431 พิพิธภัณฑ์พุชกินชื่อที่สองของภาพวาดคือ "Mardi-grass เช่น "วันสุดท้ายของเทศกาลคาร์นิวัล") สามารถใช้เป็นตัวอย่างทักษะการวาดภาพของศิลปินได้

Pierrot ผู้โค้งงอสวมชุดคลุมที่ดูงุ่มง่าม เคลื่อนไหวเป็นถุงด้วยการเดินช้าๆ เข้ากับองค์ประกอบเสี้ยมแบบปิดได้อย่างชัดเจน มวลเฉื่อยที่เกือบจะแข็งตัวนี้ถูกมองว่ามีความแตกต่างกันมากยิ่งขึ้นเมื่อเปรียบเทียบกับความเพรียวบางของ Harlequin ที่เดินได้ น้ำหนักที่มองเห็นได้ชัดเจนของปริมาตรและความสัมพันธ์ที่เป็นจังหวะระหว่างกันนั้นเน้นไปที่รูปแบบและรูปร่างของผ้าม่าน ผ้าม่านทางด้านขวามีความหนักคล้ายกับร่างของ Pierrot ซึ่งเป็นท่าทางที่มือขวาทำซ้ำเป็นจังหวะในเส้นโค้งของผ้า เรื่องที่พับใหญ่ทางด้านซ้ายดูเหมือนจะสะท้อนการเคลื่อนไหวของ Harlequin เส้นลาดเอียงของพื้นขนานกับโครงร่างของผ้าม่านที่มุมขวาบนเน้นย้ำความช้าของขั้นตอนของตัวละครที่ปรากฎ โทนสีทั่วไปของรูปภาพยังขึ้นอยู่กับการสลับชุดค่าผสมที่ตัดกัน ชุดรัดรูปสีดำและสีแดงรัดรูปของ Harlequin ก็ถูกตัดด้วยไม้เท้าสีขาว ซึ่งทำหน้าที่เสมือนการเปลี่ยนผ่านอย่างเป็นธรรมชาติจากเสื้อผ้าที่ตกลงมาอย่างอิสระของ Pierrot โดยทาสีขาวพร้อมเงาสีน้ำเงินตะกั่ว ความหม่นหมองของเสียงสีโดยรวมของภาพเกิดขึ้นเนื่องจากความหมองคล้ำของพื้นหลังสีน้ำเงินและม่านสีเขียวเหลือง

ในงานนี้ Cezanne ได้ภาพที่สมบูรณ์แบบอย่างน่าทึ่ง แต่ความสมบูรณ์ของการรับรู้ถึงตัวละครมนุษย์ที่มีชีวิตและความสัมพันธ์ของพวกเขาถูกแทนที่ด้วยความเชี่ยวชาญในการสร้างภาพ การจ้องมองที่คงที่ของ Harlequin และดวงตาที่มองไม่เห็นของ Pierrot แทบจะทำให้ใบหน้าของคนเหล่านี้กลายเป็นหน้ากากที่เยือกแข็ง

ในบรรดาผลงานชิ้นสุดท้ายของ Cézanne สิ่งที่น่าสนใจคือทิวทัศน์จำนวนหนึ่งที่แสดงถึงภูเขาเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก วิกตอเรียซึ่งเขาทำงานในช่วงนั้น เป็นเวลานานหลายปี(ตัวเลือกในพิพิธภัณฑ์ Pushkin, Hermitage และคอลเล็กชันอื่น ๆ )

ในช่วงเวลาเดียวกัน ศิลปินได้หันไปใช้ธีม "Bathers" และ "Bathers" อีกครั้งซึ่งเขาพัฒนาขึ้นในช่วงเริ่มต้นของ เส้นทางที่สร้างสรรค์- ความสมดุลของรูปแบบในอวกาศ ความกลมกลืน และจังหวะของทั้งองค์ประกอบและโครงสร้างสีสันที่สวยงามมากของ "Great Bathers" (1898-1905; Philadelphia, พิพิธภัณฑ์ศิลปะ) บ่งบอกถึงการค้นหาที่น่าสนใจของ Cezanne ในสาขาการวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ อย่างไรก็ตาม ความสนใจในการวาดภาพอนุสาวรีย์ของ Cezanne ไม่สามารถนำไปใช้ได้ภายใต้เงื่อนไขของเวลานั้น

Paul Gauguin (1848-1903) ประสบกับอิทธิพลที่รู้จักกันดีของอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งในไม่ช้าก็มีจุดยืนเชิงลบต่อพวกเขาอย่างรุนแรง ศิลปินกบฏต่อความจงรักภักดีแบบพาสซีฟต่อการแสดงภาพลวงตาซึ่งเป็นลักษณะของอิมเพรสชันนิสม์ ในทางกลับกัน เขาได้เสนอข้อเรียกร้องให้ปฏิบัติตาม "ความคิดอันลึกลับ" โดยจัดตัวเองให้สอดคล้องกับแผนงานของนักเขียน Symbolist อย่างไรก็ตาม ไม่เหมือนกับเยอรมนีและอังกฤษ การเคลื่อนไหวของสัญลักษณ์ไม่ได้รับตำแหน่งที่โดดเด่นในบ้านเกิดของ Gauguin และเนื้อหาของงานของ Gauguin ไม่สามารถลดลงเหลือเพียงสัญลักษณ์หรือความทันสมัยได้

ชายผู้มีพายุและ ชีวประวัติที่ซับซ้อนอดีตกะลาสีเรือและนายหน้าค้าหุ้น Gauguin กลายเป็นศิลปินในวัยผู้ใหญ่ เมื่ออายุสามสิบแปดปี เขาไปที่บริตตานี หมู่บ้าน Pont-Aven อันงดงาม ซึ่งเป็นที่ชื่นชอบของศิลปินภูมิทัศน์หลายคน ศิลปินเหล่านี้บางส่วนเดินตามเส้นทางของลัทธิหลังอิมเพรสชันนิสม์ รวมถึง Gauguin ที่รวมตัวกันในโรงเรียน Pont-Aven คู่ต่อสู้ที่แข็งขันของ "ค่ายทหารอารยธรรมยุโรป" เขาใฝ่ฝันที่จะค้นหาแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจในอนุสรณ์สถานแห่งยุคกลางของประเทศ

หัวข้อของภาพวาด “Yellow Christ” Pont-Aven-Le Pouldu" (1889; Buffalo, Albright Gallery) ได้รับแรงบันดาลใจจากรูปปั้นไม้โบราณที่ศิลปินเห็นในโบสถ์ท้องถิ่นแห่งหนึ่ง ไม้กางเขนแบบโรมาเนสก์ขนาดใหญ่และผู้หญิงชาวนาที่นั่งอยู่ข้างๆ ในท่าที่เคร่งครัดในศาสนาสร้างบรรยากาศของความเชื่อทางไสยศาสตร์ที่ยอมจำนนของชาวเบรอตงซึ่งทำให้อาจารย์ในเวลานั้นหลงใหลมาก

ภูมิทัศน์ที่ทำหน้าที่เป็นพื้นหลังได้รับการออกแบบโดยศิลปินในลักษณะการตกแต่งที่เน้น: ต้นไม้ที่เปล่งประกายด้วยสีแดงเข้มกระจัดกระจายไปทั่วทุ่งสีเหลืองทอง และด้านหลังเนินเขามีแถบสีน้ำเงินของป่าที่อยู่ห่างไกล เอฟเฟกต์การตกแต่งเสริมด้วยผ้าพันคอแป้งสีขาว ชุดเดรสสีน้ำเงินเข้มและสีดำของผู้หญิงที่อยู่เบื้องหน้า และผ้ากันเปื้อนสีส้มสดใสของหนึ่งในนั้น ความเข้มของสีถูกเน้นด้วยโครงร่างสีเข้มที่ล้อมกรอบจุดสีสันสดใส สิ่งนี้ชวนให้นึกถึงเทคนิคการเคลือบ Cloisonne เฉพาะบทบาทของพาร์ติชันโลหะที่นี่เท่านั้นที่เล่นตามเส้นของการออกแบบระหว่างที่มีการกระจายจุดสีบริสุทธิ์ คำว่า "clousonism" (จากภาษาฝรั่งเศส cloison - ฉากกั้น) มักใช้เพื่ออธิบายลักษณะงานของ Gauguin ในช่วงเวลานี้ การค้นหาความหมายเชิงเส้นก็ตรงบริเวณเช่นกัน สถานที่สำคัญในงานของศิลปิน และตามกฎแล้วสิ่งนี้นำเขาไปสู่ความเรียบของภาพโดยเจตนา ความประดิษฐ์ของเนื้อหาของภาพวาด "Yellow Christ" ซึ่งเป็นพยานถึงความรู้สึกทางศาสนาและความลึกลับของ Gauguin ผสมผสานกับแนวทางศิลปะที่ค่อนข้างทันสมัย

การค้นหาการแสดงออกเชิงเส้นการลดความซับซ้อนของรูปแบบและการออกแบบอย่างมีสติความแตกต่างของจุดสียังเป็นลักษณะของภาพวาด "Jacob Wrestling with the Angel" (1888; เอดินบะระ, หอศิลป์แห่งชาติ), "Beautiful Angela" (1889; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์), "การตรึงกางเขนของเบรอตัน ” (พ.ศ. 2432; บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์) ฯลฯ

ในช่วงเวลานี้ความปรารถนาของ Gauguin ที่จะเอาชนะเรื่องเล็ก ๆ น้อย ๆ ของการวาดภาพในร้านเสริมสวยซึ่งเป็นส่วนผสมที่แปลกประหลาดของธรรมชาตินิยมแบบแบนและความงามที่หยาบคายได้ดำเนินการโดยเขาไปตามเส้นทางของการทำให้มีสติสำนึกและรูปแบบรูปแบบทั่วไป สิ่งนี้กำหนดทั้งจุดแข็งของทักษะการตกแต่งแบบดั้งเดิมและข้อจำกัดที่แปลกประหลาดของความคิดสร้างสรรค์ของเขา การจากไปของ Gauguin จากธรรมชาติที่น่าเบื่อของวิถีชีวิตที่โดดเด่นในชนชั้นกลางที่ "เจริญรุ่งเรือง" ในฝรั่งเศสไม่ได้นำเขาไปสู่ความปรารถนาที่จะเปิดเผยแง่มุมและปัญหาของชีวิตร่วมสมัยในสังคมที่น่าทึ่งและมีความสำคัญทางสุนทรียภาพอย่างแท้จริง นั่นคือเหตุผลว่าทำไมความคิดสร้างสรรค์ที่เต็มไปด้วยสีสันและการไตร่ตรองเชิงนามธรรมของเขาจึงห่างไกลจากการสะท้อนโดยตรง ชีวิตทางสังคมและจากความซับซ้อนและร่ำรวย โลกฝ่ายวิญญาณผู้คนในสมัยของเขาหลังจากความเฉื่อยของการต่อต้านจากรสนิยมที่เป็นที่ยอมรับของสังคมมันก็ได้รับการยอมรับและพูดได้ว่าได้รับการควบคุมทางสุนทรีย์โดยชนชั้นสูงที่เรียกว่า "ผู้รู้แจ้ง" ของสังคมชนชั้นกลางเดียวกันซึ่งการปฏิเสธทางสุนทรียภาพซึ่งทำหน้าที่เป็น หนึ่งในแรงกระตุ้นเบื้องต้นที่กำหนดทิศทางของภารกิจสร้างสรรค์ของ Gauguin ไว้ล่วงหน้า

ในปีพ. ศ. 2434 Gauguin ตัดสินใจแยกทางกับสังคมชนชั้นกลางที่น่าเบื่อหน่ายและหลอกลวงอย่างหน้าซื่อใจคดซึ่งตามที่ Gauguin เชื่อมั่นอย่างลึกซึ้งว่าเป็นศัตรูกับธรรมชาติของความคิดสร้างสรรค์ที่แท้จริง ศิลปินออกเดินทางสู่เกาะตาฮิติ ห่างไกลจากบ้านเกิดของเขา เขาหวังว่าจะได้พบกับความสงบสุขและการดำรงอยู่อันเงียบสงบที่มีอยู่ใน "ยุคทอง" ในวัยเด็กของมนุษยชาติ ซึ่งเขาคิดว่าได้รับการอนุรักษ์ไว้ในหมู่ชาวพื้นเมืองของเกาะห่างไกล โกแกงมาก่อน วันสุดท้ายในชีวิตของเขาเขาเก็บภาพลวงตาที่ไร้เดียงสาของความฝันนี้ไว้ในงานศิลปะแม้ว่าความเป็นจริงของอาณานิคมที่แท้จริงจะขัดแย้งกันอย่างไม่มีการลดก็ตาม

ในปี พ.ศ. 2436 โกแกงได้วาดภาพ "ผู้หญิงถือผลไม้" (อาศรม) รูปทรงของมนุษย์ดูสง่างามและนิ่ง เหมือนกับภูมิประเทศเขตร้อนที่เกียจคร้านและไม่เคลื่อนไหวตามที่แสดงให้เห็น ศิลปินรับรู้ถึงผู้คนที่มีความเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับโลกรอบตัวพวกเขา สำหรับเขาแล้ว มนุษย์คือการสร้างสรรค์ธรรมชาติที่สมบูรณ์แบบ เช่น ดอกไม้ ผลไม้ หรือต้นไม้ เมื่อทำงานวาดภาพบนขาตั้ง Gauguin พยายามที่จะแก้ปัญหาในการตกแต่งเสมอ: รูปทรงที่เรียบ, ลวดลายผ้า, และลวดลายที่ซับซ้อนของกิ่งก้านและต้นไม้สร้างความรู้สึกของการตกแต่งที่เคร่งขรึม ธรรมชาติที่แท้จริงของตาฮิติถูกแปรสภาพเป็นลวดลายสีสันสดใส

Gauguin เข้าใจสีด้วยวิธีการตกแต่งโดยทั่วไป: เมื่อเห็นเงาอันอบอุ่นบนดินทรายเขาจึงทาสีชมพู เพิ่มความเข้มของปฏิกิริยาตอบสนอง เปลี่ยนให้เป็นเงาในท้องถิ่น เขาไม่ได้ใช้การสร้างแบบจำลองแสงและเงา แต่การใช้สีในระนาบที่สว่างแม้จะตัดกันซึ่งจะเป็นการเพิ่มความแข็งแกร่งของเสียงสีของภาพ (“ ช่อดอกไม้ดอกไม้แห่งฝรั่งเศส”, พ.ศ. 2434; “ คุณอิจฉาหรือเปล่า? ", พ.ศ. 2435, ป่วย 17; การซีดจางด้านของสีของผลงานของ Gauguin บางส่วนนั้นอธิบายได้จากข้อบกพร่องของไพรเมอร์ซึ่งต่อมาก็ส่งผลเสียต่อสีเหล่านั้น

ผู้คนที่อาศัยอยู่ในภูมิภาคที่น่าตื่นตาตื่นใจนี้ดูเหมือน Gauguin จะเป็นคนแปลกใหม่พอๆ กับธรรมชาติของตาฮิติ ชีวิตของพวกเขาซึ่งปกคลุมไปด้วยความทรงจำของตำนานและประเพณีโบราณ ดูเหมือนว่าเขาจะเต็มไปด้วยความหมายที่สำคัญเป็นพิเศษสำหรับเขา ความหลงใหลในภาพลักษณ์ของคติชน ความลึกลับลึกลับของเทพเจ้าโบราณ พบว่ามีการหักเหอย่างแปลกประหลาดในผลงานชิ้นหลังของอาจารย์หลายชิ้น (“เธอชื่อ Vairaumati”, 1892; พิพิธภัณฑ์ Pushkin; “ The King's Wife”, 1896, พิพิธภัณฑ์ Pushkin , ป่วย 16; “ เรามาจากไหน เราเป็นใคร เราจะไปที่ไหน”, 1897, บอสตัน, พิพิธภัณฑ์, ฯลฯ )” ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ของวัฒนธรรมพื้นเมืองพยายามปกป้องประชากรในท้องถิ่นจากการกดขี่ของฝ่ายบริหารของฝรั่งเศสเขาเสียชีวิตในบ้านของเขาซึ่งครั้งหนึ่งเคยเรียกมันว่า "บ้านแห่งความสุข"

ภารกิจสร้างสรรค์ของ Vincent Van Gogh (1853-1890) พัฒนาขึ้นในทิศทางที่แตกต่างอย่างมีนัยสำคัญจาก Cezanne และ Gauguin หากเซซานพยายามเปิดเผยมากที่สุด รูปแบบทั่วไปโลกวัตถุหาก Gauguin มีลักษณะเฉพาะโดยไม่คำนึงถึงอารมณ์ส่วนตัวของเขาโดยนามธรรมจากความขัดแย้งเฉพาะของชีวิตในฝรั่งเศสร่วมสมัยงานศิลปะของ Van Gogh ก็โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะรวบรวมความไม่สอดคล้องที่ซับซ้อนและความสับสนของโลกวิญญาณของมนุษย์ เวลาของเขา

งานศิลปะของแวนโก๊ะเป็นผลงานเชิงจิตวิทยาที่เฉียบแหลมและลึกซึ้ง บางครั้งก็ดราม่าอย่างบ้าคลั่ง เขาคิดที่จะเอาชนะข้อจำกัดของอิมเพรสชั่นนิสม์โดยเป็นการคืนศิลปะให้กับปัญหาร้ายแรงของชีวิตคุณธรรมและจิตวิญญาณของมนุษย์ ในงานศิลปะของแวนโก๊ะ วิกฤตมนุษยนิยมในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 การค้นหาเส้นทางที่แท้จริงอย่างเจ็บปวดและสิ้นหวังโดยตัวแทนที่ซื่อสัตย์ที่สุด ได้พบการแสดงออกอย่างเปิดเผยครั้งแรก สิ่งนี้กำหนดความเป็นมนุษย์อย่างลึกซึ้งและความจริงใจในงานของ Van Gogh และในขณะเดียวกันก็รวมถึงลักษณะของความกังวลใจอันเจ็บปวดและการแสดงออกตามอัตวิสัยที่มักปรากฏในงานศิลปะของเขา

หากการตีความด้านเดียวและโดยพื้นฐานแล้วเป็นการบิดเบือนมรดกของ Cezanne กลายเป็นพื้นฐานสำหรับการสร้างการเคลื่อนไหวที่มีเหตุมีผลอย่างเย็นชา เป็นนามธรรม และเป็นทางการในศิลปะชนชั้นกลางแห่งศตวรรษที่ 20 เท่ากับเป็นการตีความที่บิดเบือนด้านเดียวของแนวโน้มบางอย่างในผลงานของ Van Gogh งานเป็นลักษณะของขบวนการการแสดงออกและทัศนคติเชิงอัตวิสัยโดยทั่วไปและในแง่ร้ายซึ่งเป็นศิลปะชนชั้นกลางของยุโรปตะวันตกแห่งศตวรรษที่ 20 สำหรับเรา สิ่งที่ชี้ขาดไม่ใช่คุณลักษณะในงานของ Van Gogh ที่ถูกจับโดยลัทธิระเบียบนิยม แต่เป็นงานศิลปะทั้งหมดของเขา - ศิลปะของศิลปินที่ซื่อสัตย์และจริงใจที่รวบรวมโศกนาฏกรรมของมนุษยนิยมในยุคของวิกฤตที่กำลังอุบัติใหม่ของวัฒนธรรมชนชั้นกลาง

แวนโก๊ะเกิดที่ฮอลแลนด์ในครอบครัวที่ยากจนของศิษยาภิบาลประจำจังหวัด ในช่วงแรกๆ มีช่องว่างเกิดขึ้นระหว่างหนุ่มวินเซนต์ ที่กำลังค้นหาความหมายของชีวิตอย่างเจ็บปวด กับบรรยากาศครอบครัวที่พอใจในตัวเองของชนชั้นกลางตัวน้อย

Van Gogh เดินทางไปเบลเยียมโดยมองหาวิธีแก้ไขปัญหาที่เกี่ยวข้องกับเขาผ่านงานเผยแผ่ศาสนา ในปี พ.ศ. 2421-2422 เขาเทศน์ข่าวประเสริฐในเหมืองถ่านหินของ Borinage อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้า เจ้าหน้าที่ของคริสตจักรก็ปฏิเสธบริการของชายคนหนึ่งที่ขาดคุณสมบัติในการพูดที่จำเป็น และยิ่งไปกว่านั้น เขากังวลอย่างมากเกี่ยวกับความทุกข์ยาก "ทางโลก" ของฝูงแกะที่ยากจนของเขา

ด้วยความผิดหวังจากความล้มเหลว Van Gogh เป็นครั้งแรกเมื่ออายุยี่สิบเจ็ดหันไปหาภาษาแห่งศิลปะโดยเชื่อในพลังอันทรงประสิทธิภาพอันยิ่งใหญ่ของมัน เขาจึงหวังที่จะเป็น คนที่มีประโยชน์- ตั้งแต่ฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2423 ถึงฤดูใบไม้ผลิ พ.ศ. 2424 จิตรกรในอนาคตได้ไปเยี่ยมชมสถาบันศิลปะบรัสเซลส์ ในไม่ช้าเขาก็ขัดขวางการศึกษาศิลปะและกลับบ้านเกิด ต่อจากนั้น แวนโก๊ะรีบวิ่งไปมาระหว่างบ้านพ่อเลี้ยงของเขา กรุงเฮก และเมืองอื่นๆ ในฮอลแลนด์และเบลเยียม เขาคว้าจับสิ่งต่างๆ มากมาย แต่ไม่ประสบความสำเร็จพอๆ กัน ขณะเดียวกันก็ทำงานหนักในฐานะศิลปินไปพร้อมๆ กัน

ห้าปีแรก กิจกรรมสร้างสรรค์โดยปกติแล้ว Van Gogh (พ.ศ. 2423-2428) มักถูกระบุว่าเป็นยุคดัตช์ แม้ว่าจะเรียกว่าดัตช์-เบลเยียมจะแม่นยำกว่าก็ตาม ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เขาพยายามในงานศิลปะของเขาเพื่อสะท้อนถึงชีวิตที่ยากลำบากของ "ความอับอายและการดูถูก" ด้วยความรู้สึกลึกๆ เขาได้ถ่ายทอดความยากจนและการทำงานหนักให้กับคนงานเหมือง ช่างฝีมือ และชาวนา เป็นที่น่าสังเกตอย่างยิ่งที่ศิลปินผู้มุ่งมั่นหันไปหาตัวอย่างของ Millet โดยคัดลอก "Angelus" ของเขาและในปี 1881 ไปที่ "The Sower" ของเขา (Van Gogh จะกลับมาที่ภาพนี้ในอนาคต)

ไม่ใช่เรื่องธรรมดาเลยที่ Van Gogh ซึ่งอาศัยอยู่ในประเทศเหมืองมานานกว่าหนึ่งปีพร้อมด้วยประชาธิปไตยที่จริงใจอย่างลึกซึ้งกลายเป็นคนต่างด้าวกับประสบการณ์สร้างสรรค์ของ Meunier ศิลปินที่ไม่แสดงความเห็นอกเห็นใจต่อ ยากจนในขณะที่เขายืนยันถึงความงามและความยิ่งใหญ่ของคนงานอุตสาหกรรม “ ผู้กินมันฝรั่ง” ที่มีชื่อเสียง (พ.ศ. 2428; คอลเลกชัน Laren, Van Gogh) ถูกวาดด้วยสีเข้มที่มืดมนและตื้นตันใจด้วยจิตวิญญาณแห่งความหดหู่ที่มืดมนเกือบเป็นสัตว์ที่ยอมจำนนต่อชะตากรรม ในขณะเดียวกันในผลงานของยุคแรก ๆ ความสามารถของศิลปินในการถ่ายทอดความรุนแรงและการโน้มน้าวใจโดยเฉพาะทั้งความรุนแรงทางอารมณ์ของโลกทัศน์และความสับสนของเขาก็ค่อยๆเผยออกมา โลกภายในผู้คนที่เขาพรรณนา

Van Gogh เริ่มเอาชนะข้อบกพร่องทางวิชาชีพ (การประมาณค่าของมุมและสัดส่วน การแสดงกายวิภาคศาสตร์ที่ไม่ดี ฯลฯ) ซึ่งปรากฏในภาพวาดเช่น "The Street Sweeper" (1880-1881; Otterlo, พิพิธภัณฑ์ Kroller-Müller) เขาเชี่ยวชาญทักษะในการถ่ายทอดลักษณะและการแสดงออกมากขึ้น ด้วยเหตุนี้ ในภาพพิมพ์หิน “ความสิ้นหวัง” (พ.ศ. 2425) เขาได้สื่อถึงความอัปลักษณ์ของร่างกายหญิงสาวที่เหี่ยวเฉาด้วยความจริงใจอย่างไร้ความปราณี และในขณะเดียวกัน ด้วยความเห็นอกเห็นใจอย่างสุดซึ้ง ก็เผยให้เห็นความสิ้นหวังอันขมขื่นที่ลึกล้ำที่กลืนกินความทุกข์ทรมานที่น่าเกลียด สมเพช และทรมานนี้ บุคคล.

แวนโก๊ะยังถ่ายทอดอารมณ์อันน่าทึ่ง ความรู้สึกเจ็บปวดและเกือบจะเจ็บปวดต่อความทุกข์ทรมานในงานที่อุทิศให้กับโลกธรรมชาติและวัตถุที่ไม่มีชีวิต (ภาพวาด "ต้นไม้", 1882, Otterlo, พิพิธภัณฑ์ Kroller-Muller และ "Winter Garden", 1884, Laren, ของสะสมของแวนโก๊ะ) ในนั้น Van Gogh สามารถเติมเต็มความปรารถนาของเขาที่จะ "ใส่ความรู้สึกแบบเดียวกับในร่างมนุษย์เข้าไปในภูมิประเทศ... นี่คือความสามารถพิเศษของพืชที่จะเกาะติดกับพื้นอย่างกระตุกและหลงใหล แต่ปรากฎว่าถูกพายุฉีกออกจากเธอ” (จากจดหมายถึงน้องชายของเขา) “ความเป็นมนุษย์” ซึ่งเป็นการแสดงละครที่เฉียบคมของโลกแห่งสรรพสิ่งและธรรมชาติ เป็นหนึ่งในลักษณะเด่นที่สุดของงานของแวนโก๊ะ

ภายในปี 1886 ทิศทางทั่วไปของภารกิจสร้างสรรค์ของ Van Gogh ได้รับการเปิดเผยอย่างสมบูรณ์ การที่ศิลปินย้ายไปฝรั่งเศสในท้ายที่สุดจะเป็นตัวกำหนดพัฒนาการทางศิลปะของเขา ความคุ้นเคยกับอิมเพรสชั่นนิสต์แสงอันเจิดจ้าของทางใต้ที่มีแสงแดดสดใส (แวนโก๊ะย้ายจากปารีสไปยังอาร์ลส์ในปี พ.ศ. 2431) ช่วยให้เขาหลุดพ้นจากเศษความมืดมิดของสีและเผยให้เห็นว่า ความรู้สึกเฉียบพลันความแตกต่างของสี การแสดงออกทางอารมณ์ที่ยืดหยุ่นของฝีแปรง ซึ่งได้เป็นรูปเป็นร่างแล้วในลักษณะที่สร้างสรรค์ของแวนโก๊ะ

ในช่วงสี่ปีสุดท้ายของชีวิต Van Gogh ที่ทำงานอย่างหมกมุ่นได้สร้างภาพวาดชุดใหญ่ที่กำหนดตำแหน่งของเขาในประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรปสมัยใหม่ จริง​อยู่ การ​ป่วย​ทางจิต​และ​บาง​ครั้ง​ความ​เร่ง​รีบ​ใน​งาน​ของ​เขา​สะท้อน​ให้​เห็น​ใน​ความ​แตกต่าง​ของ​งาน​ของ​เขา. แต่สิ่งที่สำคัญที่สุดพร้อมกับภาพวาดของ Cezanne มีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาภาพวาดของยุโรปตะวันตกเพิ่มเติมทั้งหมด

ยุคฝรั่งเศสในผลงานของศิลปินนั้นโดดเด่นด้วยการใช้ประสบการณ์ของอิมเพรสชั่นนิสต์อย่างไม่มีเงื่อนไขซึ่งเป็นความเข้าใจที่แตกต่างกันโดยพื้นฐานเกี่ยวกับงานศิลปะเมื่อเปรียบเทียบกับพวกเขา ดังนั้นในภาพวาดของเขา "Road in Auvers after the Rain" (1890; พิพิธภัณฑ์พุชกิน) เราไม่เพียงประทับใจกับการแสดงธรรมชาติที่ละเอียดอ่อนและแม่นยำซึ่งถูกล้างด้วยความสดชื่น ส่องสว่างจากดวงอาทิตย์ และยังคงเปล่งประกายด้วยความชื้นจากฝนที่ เพิ่งผ่านไป แต่ยังสัมผัสได้ถึงชีวิตที่เป็นจังหวะ: แนวสันเขาในสวน ต้นไม้ที่ม้วนงอ เมฆควันที่ม้วนตัวจากรถไฟที่วิ่งอยู่ ดวงอาทิตย์ที่ส่องแสงและเล่นบนหญ้าเปียก - ทั้งหมดนี้ผสานเข้ากับชีวิตแบบองค์รวม - เต็มไปด้วยภาพของโลกฤดูร้อนที่สนุกสนาน

การค้นหาการแสดงออกที่สมจริงแบบใหม่ปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนใน “Boats in Sainte-Marie” (1888; ของสะสมส่วนตัว) ความเข้มของสีที่ดังกึกก้องเน้นย้ำและสรุปลักษณะของธรรมชาติและแสงสว่างของทะเลเมดิเตอร์เรเนียนตอนใต้อย่างมีสุนทรีย์ จังหวะอันเฉียบคมของเสากระโดงและหลาที่พาดผ่านกัน เงาเรือที่โค้งอย่างรวดเร็วที่ถูกดึงขึ้นฝั่งดูเหมือนจะยังคงความรู้สึกของการวิ่งบนคลื่นเบา ๆ

ในเวลาเดียวกัน แวนโก๊ะยังสร้างผลงานที่จุดเริ่มต้นของการแสดงออกเชิงอัตนัยซึ่งเป็นหลักการแสดงออกถึงสภาวะของตนเองได้รับความเป็นอันดับหนึ่งเหนือภารกิจในการสะท้อนและประเมินโลก การจากไปดังกล่าวรู้สึกได้ในระดับหนึ่งใน "ไร่องุ่นแดงในอาร์ลส์" ของเขา (พ.ศ. 2431; พิพิธภัณฑ์พุชกิน) ภาพวาดที่มีโทนสีสวยงามอย่างเห็นได้ชัด มีความขัดแย้งระหว่างลวดลายอันงดงาม (พระอาทิตย์ตกในท้องฟ้าที่ไม่มีเมฆ การเก็บเกี่ยวอย่างสบายๆ และเงียบสงบในสวนองุ่นที่เหี่ยวเฉาไปแล้ว) และอารมณ์อันน่าทึ่งของภาพ ดังนั้นการแปรงพู่กันอย่างกระสับกระส่ายเปลี่ยนไร่องุ่นให้กลายเป็นเปลวไฟที่ลุกโชนกิ่งก้านสีน้ำเงินของต้นไม้เต็มไปด้วยแรงกระตุ้นที่กระสับกระส่ายคอร์ดของโทนสีส้มที่ดูป่วยของท้องฟ้าและดิสก์สีขาวอมฟ้าที่หนักหน่วงของดวงอาทิตย์สร้าง ความรู้สึกวิตกกังวลและสับสนคลุมเครือ

ตัวละครที่มีวิสัยทัศน์ก็มีอยู่ในทิวทัศน์เช่น “Starry Night” Saint-Rémy" (1889; นิวยอร์ก, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่) เปลวไฟสีน้ำเงินดำบนยอดต้นไซเปรสที่อยู่เบื้องหน้าตัดกับยอดแหลมของหอระฆังที่อยู่ห่างไกล ซึ่งซ่อนอยู่ในความมืดสีน้ำเงินของหมู่บ้าน เกลียวแสงสีทองและสีเงินกะพริบหมุนวนไปทั่วท้องฟ้า ทั้งหมดนี้ทำให้ภาพกลายเป็นภาพที่เงียบสงบ คืนฤดูร้อนไปสู่นิมิตที่เกือบจะล่มสลาย

แน่นอนว่าความรู้สึกของความเป็นปรปักษ์ที่น่าเกรงขามของโลกที่เหินห่างจากมนุษย์ความงามที่มืดมนและอันตรายของมันแสดงออกมาทางสุนทรีย์ถึงสถานการณ์ที่ "ชายร่างเล็ก" ที่โดดเดี่ยวและทนทุกข์ทรมานตั้งอยู่ไม่เกี่ยวข้องกับชนชั้นที่ได้เรียนรู้กฎแห่งการพัฒนา ของประวัติศาสตร์ ดังนั้นผลงานของ Van Gogh จึงมีความจริงใจอย่างลึกซึ้งและรูปลักษณ์ของพวกเขาจึงหลีกเลี่ยงไม่ได้ในอดีต แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็ปรากฏตัวขึ้น การแสดงออกทางศิลปะโลกแห่งจิตวิญญาณของชนชั้นทางสังคมที่ทุกข์ทรมานจากความบิดเบือนของความเป็นจริงร่วมสมัย ไม่เห็นหนทางที่แท้จริงในการเอาชนะความผิดปกติเหล่านี้ และได้แก้ไขสภาวะทางอัตวิสัยของตนให้สมบูรณ์ ความรู้สึกสิ้นหวังอันน่าเศร้า งานด้านนี้ของแวนโก๊ะจะถูกหยิบยกขึ้นมาโดยการแสดงออกและการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่คล้ายคลึงกันในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20

อย่างไรก็ตาม คงเป็นเรื่องผิดที่จะเห็นเฉพาะด้านนี้ในผลงานของ Van Gogh ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่และซื่อสัตย์ “Road in Auvers after the Rain”, “The Artist's Bedroom in Arles” (1888; Laren, Van Gogh Collection), “Chair and Pipe” (1888-1889; London, Tate Gallery) และผลงานอื่นๆ อีกมากมายที่โดดเด่นใน ภาพแนวจิตวิทยา ความจริง ตื่นเต้นด้วยพลังความสมจริงของภาพ ความสมจริงของความรู้สึก ในงานบางชิ้นประเภทนี้ เรารู้สึกประทับใจไม่เพียงแต่กับความจริงของภาษาศิลปะที่แสดงออกทางอารมณ์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงความรู้สึกร่าเริงที่ค่อนข้างตื่นเต้น ซึ่งเป็นการรับรู้ที่สำคัญเกี่ยวกับชีวิตของธรรมชาติ ซึ่งแสดงให้เห็นว่า Van Gogh รู้สึกไวต่อ ความงดงามและความกลมกลืนของชีวิต ละครเรื่องนี้ซึ่งเป็นอาการทางประสาทซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานหลายชิ้นของแวนโก๊ะ ไม่ได้เป็นผลมาจากความปรารถนาอันเจ็บปวดของเขาต่อสิ่งที่น่าเกลียดและน่าขยะแขยงสำหรับความเพลิดเพลินในทางที่ผิด (ดังที่เป็นลักษณะของปรมาจารย์ด้านวัฒนธรรมที่เสื่อมทรามในสมัยนั้น) แต่ ผลจากความไวที่เพิ่มขึ้นของเขาต่อความอัปลักษณ์และความไม่ลงรอยกันที่ความเป็นจริงทางสังคมมีอยู่ (Prisoners' Walk, 1890; Pushkin Museum)

ความอ่อนไหวต่อหลักการที่ไม่เป็นมิตรต่อมนุษย์ซึ่งแฝงอยู่ในชีวิตของสังคมที่แวนโก๊ะอาศัยอยู่และซ่อนอยู่ใต้เปลือกของชีวิตประจำวันพบการแสดงออกใน "Night Cafe in Arles" ของเขา (1888; New York, Clark Collection) . ความเศร้าโศกและความสิ้นหวังของความเหงา เอาชนะด้วยความสิ้นหวังอันเจ็บปวด จิตวิญญาณของมนุษย์ถ่ายทอดผ่านแสงไฟสลัวๆ ราวกับความตายของร้านกาแฟที่ว่างเปล่าเพียงครึ่งเดียว พวกเขาถูกถ่ายทอดในรูปแบบที่น่าเศร้าของผู้มาเยือนที่หายากราวกับตกตะลึงด้วยไวน์และความแปลกแยกจากโลก สภาพจิตใจนี้แสดงออกมาด้วยสีที่ไม่ลงรอยกันอย่างคมชัด - ผ้าสีเขียวของโต๊ะบิลเลียด พื้นสีชมพูและสีเหลือง ผนังสีแดง วงกลมสีเหลืองของแสงรอบๆ ตะเกียงที่กำลังลุกไหม้ - และโดยเฉพาะในความเหงาเศร้าอย่างช่วยไม่ได้ บริกรที่มีรูปร่างเหมือนภาพหลอนยืนตัวแข็งโดยเอาแขนลง

"ฉันเหนื่อย.. . ในบรรยากาศของเตาหลอมที่ชั่วร้ายและกำมะถันที่ลุกไหม้สีซีด รวบรวมพลังแห่งความมืดและบรรยากาศแห่งสงครามทั้งหมด แต่ฉันอยากจะเปิดเผยทั้งหมดนี้ภายใต้รูปลักษณ์ที่สดใสของญี่ปุ่นและความพึงพอใจของทาร์ทาริน” (จากจดหมายถึงน้องชายของเขา)

ความตึงเครียดภายในอันมหาศาลของประสบการณ์เดียวกันนี้ถูกเปิดเผยในภาพบุคคลและภาพเหมือนตนเองของเขา ดังนั้น “ภาพเหมือนตนเองที่อุทิศให้กับ Paul Gauguin” ของเขา (1888; พิพิธภัณฑ์ศิลปะมหาวิทยาลัยเคมบริดจ์, มหาวิทยาลัยฮาร์วาร์ด) จึงมีลักษณะพิเศษคือความรู้สึกเคร่งเครียดและโศกเศร้าเล็กน้อย สมาธิและความหลงใหลที่ซ่อนอยู่ ซึ่งเปิดโอกาสให้เราจดจำในภาพเหมือนของศิลปิน Van โก๊ะมีวิสัยทัศน์ทางศิลปะอันเป็นเอกลักษณ์ของเขา นั่นคือ “ภาพเหมือนตนเองพร้อมผ้าพันหู” ของเขา (1889; Chicago, Block Collection) ซึ่งเต็มไปด้วยพลังประสาทและความตึงเครียดที่ตื่นตัว

ในภาพวาด "Woman in the Tambourine Café" (1887; Laren, Van Gogh collection) ในใบหน้าที่โศกเศร้าและเหนื่อยล้าของผู้หญิงคนหนึ่งนั่งอยู่ที่โต๊ะในร้านกาแฟที่ว่างเปล่า ในท่าทางที่วิตกกังวลและกระสับกระส่ายของจังหวะ ธีม ของความเศร้าโศกและความเหงาที่พังทลายซึ่งเป็นครั้งแรกที่ฟังดูสดใสและชัดเจนใน Absinthe ของ Degas แต่ที่นี่แรงจูงใจนี้แสดงออกมาด้วยความยับยั้งชั่งใจน้อยกว่าใน Degas ด้วยความขมขื่นที่เร่าร้อนมากกว่า

ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา Van Gogh มีอาการป่วยทางจิตอย่างรุนแรง นักวิจัยบางคนถูกล่อลวงให้ถือว่าลักษณะเฉพาะของงานศิลปะของ Van Gogh มาจากอาการป่วยทางจิตของเขา แต่นั่นไม่เป็นความจริง หากงานศิลปะของแวนโก๊ะเป็นอาการของโรคแล้ว โรคร้ายแรงสังคมเอง - จุดเริ่มต้นของวิกฤตที่รักษาไม่หายของลัทธิมนุษยนิยมชนชั้นกลาง

ศิลปินร่วมสมัยของ Cezanne, Van Gogh และ Gauguin คือ Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) งานของเขายังจัดอยู่ในประเภทโพสต์อิมเพรสชันนิสม์

ผลงานของ Toulouse-Lautrec โดยรวมมีลักษณะเฉพาะคือการพัฒนาและการดัดแปลงประเพณีทางศิลปะที่แปลกประหลาดโดย Degas และ E. Manet บางส่วนไปสู่การเน้นที่เพิ่มมากขึ้นในช่วงเวลาของการแสดงออกของภาพจนเกือบจะถึงความพิสดารของประสาท ไดนามิกของแบบฟอร์ม ในผลงานของศิลปิน midinette ที่ไม่รู้จักและนักร้องชื่อดังของร้านกาแฟยามค่ำคืนผ่านไปอย่างรวดเร็วต่อหน้าผู้ชมอย่างต่อเนื่อง ตัวแทนที่ยอดเยี่ยมของโบฮีเมียทางศิลปะและวรรณกรรมของปารีสและพลเมืองโสเภณีที่เสื่อมทราม ผ่านไปบ้างก็ถูกครอบงำด้วยความสุขอันเร่าร้อน หรือถูกครอบงำด้วยความเศร้าโศกของความเหงา

เหตุการณ์ที่ผิดปกติและน่าเศร้าในชีวประวัติของเขาบางครั้งความคิดริเริ่มของสภาพแวดล้อมที่ชีวิตของศิลปินผ่านไปมีบทบาทบางอย่างในการก่อตัวของความโน้มเอียงที่สร้างสรรค์ของ Toulouse-Lautrec เขาเป็นหนึ่งในศิลปินชาวฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ซึ่งผลงานของเขามีการแสดงออกโดยตรงในหัวข้อเกี่ยวกับความผิดปกติทางสังคมและทางจิต แม้ว่าจะอยู่ในกรอบเฉพาะเรื่องแบบดั้งเดิมและแคบก็ตาม

Toulouse-Lautrec มาจากตระกูลไวเคานต์ทางตอนใต้ของฝรั่งเศสที่สืบเชื้อสายมาจากบรรพบุรุษ เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาหักขาทั้งสองข้างและพิการตลอดไป ความผิดปกติทางกายภาพของเขาทำให้เขาเป็นคนนอกรีตในสายตาของขุนนางผู้น่านับถือ

โมเดลสำหรับครั้งแรก ภาพวาดศิลปินมักให้บริการโดยคนใกล้ชิดและญาติของเขา ภาพวาด "Countess Toulouse-Lautrec ที่อาหารเช้าใน Malrome" (1883), "Countess Adele de Toulouse-Lautrec" (1887; ทั้ง Albi, Toulouse-Lautrec Museum) ถูกทำเครื่องหมายด้วยอิทธิพลของเทคนิคอิมเพรสชั่นนิสม์ แต่ความปรารถนาที่จะสร้างความเป็นปัจเจกสูงสุด ของลักษณะเฉพาะคือความพิเศษของการสังเกตอย่างไร้ความปราณีและบางครั้งก็เศร้าอย่างใกล้ชิดพูดถึงความเข้าใจที่แตกต่างกันโดยพื้นฐานเกี่ยวกับภาพลักษณ์ของบุคคล ผลงานเหล่านี้ ได้แก่ “หญิงสาวนั่งอยู่ที่โต๊ะ” (1889; Laren, Van Gogh Collection), “The Laundress” (1889; Paris, Dortu Collection) และผลงานอื่นๆ

วิวัฒนาการเพิ่มเติมของงานศิลปะของ Toulouse-Lautrec โดดเด่นด้วยความต่อเนื่องของการค้นหาการแสดงออกทางจิตวิทยา การพัฒนาควบคู่ไปกับความสนใจในการถ่ายทอดรูปลักษณ์ที่เป็นรูปธรรมและเป็นเอกลักษณ์ของตัวละครที่ปรากฎ ผืนผ้าใบ "In the Cafe" (พ.ศ. 2434; บอสตัน, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์) มีเนื้อหาใกล้เคียงกับผลงานอันโด่งดังของ Degas ที่ได้กล่าวไปแล้วข้างต้น "Absinthe" แต่ในการตีความของ Toulouse-Lautrec ภาพของขี้เมาสองคนที่ถูกแช่แข็งอย่างโง่เขลาอยู่บนโต๊ะสกปรกนั้นกลับกลายเป็นสีที่น่าทึ่งยิ่งกว่าเดิม

ตำแหน่งของ Toulouse-Lautrec คือตำแหน่งที่น่าขันของนักเสียดสีที่ใช้วิธีการพูดเกินจริงที่แปลกประหลาดอยู่ตลอดเวลา ลักษณะที่คล้ายกันนี้ปรากฏชัดเจนในภาพวาดเช่น "La Goulue Entering the Moulin Rouge" (1892; Paris, Bernheim de Viller collection), "Dance at the Moulin Rouge" (1890; Philadelphia, collection ส่วนตัว) ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดการเคลื่อนไหวท่าทางและท่าทางที่สร้างสรรค์ที่สดใสนั้นมองเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในภาพของการเต้นรำสองชั้นในส่วนลึกของห้องโถง ภาพเงาพิสดารของชายคนหนึ่งแสดงการเคลื่อนไหวที่ผิดปกติด้วยขาที่ยืดหยุ่นของเขาและการเคลื่อนไหวที่เฉียบแหลมของคู่ผมสีแดงในถุงน่องสีแดงสร้างภาพที่คมชัดและพูดน้อยซึ่งมีคุณสมบัติที่ทำให้มันใกล้ชิดกับการแสดงออกของโปสเตอร์มากขึ้น

บทบาทของการวาดภาพในงานศิลปะของปรมาจารย์นั้นยอดเยี่ยมมาก ความเฉียบคม การแสดงออก ความมีชีวิตชีวา และความหลากหลายของสไตล์กราฟิกของ Toulouse-Lautrec ทำให้เขาเป็นช่างเขียนแบบที่โดดเด่นแห่งศตวรรษที่ 19 กราฟิกเป็นส่วนสำคัญของมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของเขา (ภาพพิมพ์ สีพาสเทล ภาพพิมพ์หิน ภาพวาดจำนวนมาก) โปสเตอร์ที่มีชื่อเสียงครอบครองสถานที่พิเศษ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาความเฉพาะเจาะจงของโปสเตอร์ซึ่งเป็นงานศิลปะรูปแบบพิเศษได้พัฒนาขึ้น โปสเตอร์ในความหมายสมัยใหม่ของคำนี้มีต้นกำเนิดมาจากงานศิลปะของ Toulouse-Lautrec และ Steinlen บางส่วน

ภาพพิมพ์หินสีของเขา “Divan japonais” (1892) ซึ่งโฆษณาคอนเสิร์ตร้านกาแฟเล็กๆ ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นหนึ่งในโปสเตอร์ที่ดีที่สุดในประวัติศาสตร์ ภาพเงาที่เฉียบคมอย่างไม่คาดคิดของหญิงสาวในชุดรัดรูปทันสมัยและหมวกแฟนซีถูกนำมาไว้ด้านหน้า และเส้นที่ดูเคร่งครัดประหม่าที่สรุปโครงร่างของชายที่นั่งด้านหลัง ก่อให้เกิดแกนหลักของแผ่นงาน ร่างของตัวละครหลักที่ร้องเพลงบนเวทีถูกกำหนดให้กลับมาโดยเจตนาในลักษณะที่มองเห็นได้เพียงชุดและมือของเธอที่สวมถุงมือยาวสีเข้มเท่านั้น และศีรษะของเธอถูกตัดออกด้วยกรอบของผ้าปู เป็นผลให้คนที่ดูโปสเตอร์ดูเหมือนจะจมอยู่ในบรรยากาศ หอประชุมบนเวทีที่นักร้อง Yvette Gilbert แสดง

Guilbert Lautrec หันไปหาภาพลักษณ์ของ Yvette หลายครั้ง ในปีพ.ศ. 2437 เขาได้สร้างอัลบั้มภาพพิมพ์หินทั้งอัลบั้ม โดยเขาได้บันทึกการเคลื่อนไหวที่เป็นลักษณะเฉพาะและเฉดสีอารมณ์อันละเอียดอ่อน การแสดงออกทางสีหน้าของดารามงต์มาตร์ หนึ่งในภาพเหมือนของ Yvette Guilbert รุ่นเตรียมการซึ่งสร้างขึ้นในปีเดียวกันด้วยสาระสำคัญของน้ำมันหลากสีถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์พุชกิน

ในภาพบุคคลบางภาพในช่วงทศวรรษที่ 1890 นอกเหนือจากความชอบในการแสดงภาพลักษณ์ของบุคคลอย่างพิลึกพิลั่นและเป็นภาพล้อเลียนแล้ว ยังสามารถติดตามแนวโน้มอื่นๆ ได้อีกด้วย ในภาพเหมือนของ Dr. Gabriel Tapier de Saleirand (1894; Albi, Toulouse-Lautrec Museum) ร่างของชายผู้สง่างามที่เดินช้าๆ ข้างหลังซึ่งมีคนแปลกหน้าที่มีใบหน้าชวนให้นึกถึงหน้ากากฝันร้ายรุมเร้า กลายเป็นสัญลักษณ์ของความสิ้นหวังที่สิ้นหวังและ ความเหงา ธีมเดียวกันนี้สามารถเห็นได้ในภาพวาด "Jeanne Avril ออกจากมูแลงรูจ" (1892; Hertford, Wadsworth Athenaeum) ข้อความเนื้อเพลงเศร้าดังขึ้นในร่างที่เหนื่อยล้าของผู้หญิงที่เหนื่อยล้าและโดดเดี่ยวในใบหน้าเศร้าโศกที่สูญสลายของเธอ

ผลงานของ Toulouse-Lautrec มีบทบาทสำคัญในการพัฒนากราฟิกภาษาฝรั่งเศสเมื่อปลายศตวรรษที่ผ่านมา Felix Vallotton (1865-1925) ยังคงค้นหาความหมายของเทคโนโลยีกราฟิกต่อไป โดยเข้าใจในรูปแบบที่ค่อนข้างเป็นทางการแบบพึ่งพาตนเองได้ ชาวสวิสโดยกำเนิด Vallotton ใช้เวลาส่วนใหญ่ในชีวิตของเขาในปารีส และโดยทั่วไปได้รับการยกย่องว่าเป็นตัวแทนของโรงเรียนภาษาฝรั่งเศส Vallotton ยังทำงานเป็นจิตรกรเป็นจำนวนมาก ความสนใจของเขาในเชิงนามธรรมที่เย็นชาในการตีความร่างมนุษย์ทำให้เขาเป็นหนึ่งในตัวแทนคนแรกของจิตรกรรมสมัยใหม่ในเวอร์ชันนีโอคลาสสิก อย่างไรก็ตาม ผลงานที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะคืองานกราฟิกของ Vallotton ศิลปินคนนี้เป็นผู้ที่มีความสำคัญเป็นอันดับแรกในการพัฒนาความเป็นไปได้ใหม่ๆ สำหรับการพิมพ์ภาพพิมพ์แกะไม้ซึ่งไม่ค่อยมีใครรู้จักในขณะนั้น

Vallotton วาดภาพ The Book of Masks (1895) โดย Remy de Gourmont โดยสร้างภาพบุคคลของนักเขียนชื่อดังในยุคนั้นจำนวนหนึ่ง โดยไม่ละทิ้งการกำหนดลักษณะเฉพาะของภาพบุคคล เขาบรรลุลักษณะทั่วไปที่สำคัญในลักษณะของแบบจำลองของเขา สิ่งที่น่าสนใจอย่างยิ่งคือภาพเหมือนของ F. M. Dostoevsky (การแกะสลักไม้) ซึ่งเป็นความซับซ้อนอันน่าเศร้าที่ผู้เขียนคาดเดาธรรมชาติได้ จุดขาวใบหน้าด้วยสายตาที่เอาใจใส่และเคร่งครัดอยากรู้อยากเห็นโดดเด่นอย่างชัดเจนเมื่อเทียบกับพื้นหลังสีดำเรียบ เส้นที่มีรอยขีดข่วนอย่างรุนแรงบ่งบอกถึงรูปร่างของจมูก คิ้ว โครงร่างเส้นผม และริ้วรอยอย่างง่ายๆ

ภาพพิมพ์แกะไม้ “Demonstration” (1893) มีความน่าสนใจในเรื่องพลวัตของมัน วัลล็อตตันแสดงภาพการสลายการชุมนุมในมุมมองจากบนลงล่างที่คมชัด ราวกับมองเห็นจากหน้าต่างชั้นบน อาจารย์จะรับรู้การกะพริบของร่างสีดำอย่างไม่หยุดยั้งราวกับว่ามาจากตำแหน่งของผู้สังเกตการณ์ภายนอกที่มีความแม่นยำทางศิลปะ

สถานที่พิเศษในการพัฒนากราฟิกฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ครอบครองผลงานของ Theophile Steinlen (1859-1923) Steinlen ยังคงดำเนินต่อไปภายใต้เงื่อนไขใหม่ของกราฟิกนิตยสารการต่อสู้เพื่อประชาธิปไตยในฝรั่งเศส ศิลปินไม่ใช่คนแปลกหน้าสำหรับการค้นพบปรมาจารย์ในยุค 1860-1870 เช่น E. Manet, E. Degas ผู้สร้างภาษาที่เต็มไปด้วยพลวัตการแสดงออก ถ่ายทอดช่วงเวลาอันเป็นเอกลักษณ์ในชีวิตที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลาของเมืองใหญ่อย่างเฉียบแหลมและแม่นยำ . อย่างไรก็ตาม Steinlen มีความโดดเด่นไม่มากนักจากความฉลาดของศิลปะในการแก้ปัญหานี้หรือแรงจูงใจนั้น แต่โดยการมุ่งเน้นทางสังคมและจริยธรรมของการแก้ปัญหาเชิงเป็นรูปเป็นร่าง

ในฐานะผู้สังเกตการณ์ชีวิตทางสังคมในปารีสที่แม่นยำและกระตือรือร้น เขายืนหยัดใกล้กับประเพณีของเดอกาส์มากกว่าอี. มาแนต์หรือซี. โมเนต์ อย่างไรก็ตาม โดยไม่บรรลุถึงความโดดเด่นทางศิลปะและความแม่นยำที่พูดน้อยของศิลปินร่วมสมัยรุ่นพี่ของเขา ด้านที่แข็งแกร่งในงานของ Steinlen คือความปรารถนาในประสิทธิผลทางสังคมของศิลปะ ประชาธิปไตยทางตรง การเชื่อมโยงกับชีวิตที่ไม่ได้อยู่ทั่วไปบน "ถนนแห่งปารีส" และด้วยโลกแห่งความรู้สึก ความคิด แรงบันดาลใจของคนทำงานในเมืองใหญ่ ในแง่นี้ เขาค่อนข้างเป็นทายาทของ Charlet และ Daumier ซึ่งเป็นตัวแทนของแนวประชาธิปไตยที่มุ่งเน้นสังคมในวัฒนธรรมที่สมจริงของฝรั่งเศส

ไม่เพียงแต่เป็นการพรรณนาถึงคนงาน ชนชั้นแรงงานเท่านั้น แต่ยังพยายามแสดงความรู้สึกและอุดมคติของตน Steinlen อยู่ใกล้กับการเปลี่ยนแปลงจากความสมจริงแบบชนชั้นกลางประชาธิปไตยไปสู่ความสมจริงที่เกี่ยวข้องกับอุดมคติของประชาธิปไตยแบบสังคมนิยม จริงอยู่ อุดมคติเหล่านี้สำหรับ Steinlen ยังคงปรากฏในรูปแบบที่ไม่แน่นอนอย่างคลุมเครือ และในแง่นี้ศิลปินได้แบ่งปันจุดแข็งและจุดอ่อนของการวางแนวสังคมนิยมอย่างเป็นธรรมชาติในมุมมองและความรู้สึกของมวลชนทำงานในฝรั่งเศสในช่วงหลายปีที่ผ่านมา

มากมายโดยเฉพาะ งานยุคแรก Steinlen (1880-1890) เป็นภาพประกอบสำหรับเพลงยอดนิยมของชานเมืองปารีส ซึ่งตีพิมพ์ในคอลเลกชันแยกต่างหากหรือบนหน้านิตยสารประชาธิปไตย เหล่านี้เป็นการเคลื่อนไหวเต็มรูปแบบ บางครั้งก็มีเล่ห์เหลี่ยม บางครั้งก็เศร้า บางครั้งก็อ่อนไหวในจิตวิญญาณของ "ความโรแมนติกที่โหดร้าย" ราวกับถูกสอดแนมในฉากท้องถนน: "ฤดูหนาว" (ทศวรรษ 1890 วาดภาพบทกวีของ ร. ปอนชล สำหรับ ภาพประกอบนิตยสาร "Gilles Bdaz" "หญิงสาววัยทำงาน" - นกกระเต็นกระปรี้กระเปร่าออกเดทหลังเลิกงาน “ The Old Tramp” เป็นองค์ประกอบที่ค่อนข้างซาบซึ้งที่แสดงภาพชายชราผู้โดดเดี่ยวแบ่งปันอาหารอันน้อยนิดกับเพื่อนคนเดียวของเขา - สุนัขตัวผอมเพรียว

สถานที่พิเศษในงานของอาจารย์ถูกครอบครองโดยภาพประกอบของเขาสำหรับ "Crenkebil" โดย A. France เต็มไปด้วยมนุษยนิยมและอารมณ์ขันที่น่าเศร้าซึ่งสร้างขึ้นในปี 1901 ซึ่งได้รับการชื่นชมอย่างสูงจากผู้เขียนเรื่องราวเอง

การวางแนวทางสังคมและการต่อต้านจักรวรรดินิยมชัดเจนเป็นพิเศษในภาพประกอบของเพลงของ Steinlen ซึ่งบอกเล่าถึงชะตากรรมของทหารที่ถูกส่งไปรับราชการในกองทหารอาณานิคม การต่อต้านการทหารและการต่อต้านลัทธิล่าอาณานิคมเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานของนักข่าว Steinlen ซึ่งเป็นผู้มีส่วนร่วมถาวรในหนังสือพิมพ์ฝ่ายซ้ายเช่น "Assiet au Beur", "Chambar Sosialist" เป็นต้น ตัวอย่างเช่นภาพวาดดังกล่าว ตำหนิกิจกรรม "อารยะธรรม" ของอาณานิคมฝรั่งเศสและเบลเยียมในคองโก

สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งคือภาพพิมพ์หินของ Steinlen ที่อุทิศให้กับการต่อสู้ของชนชั้นแรงงานในฝรั่งเศส "การโจมตี" ของเขา (พ.ศ. 2441) โดยไม่มีสิ่งที่น่าสมเพชจากภายนอกสื่อถึงความสงบที่น่าเกรงขามของกองหน้าที่รวมตัวกันที่ประตูโรงงานซึ่งมีทหารคุ้มกันอย่างชัดเจน แกลเลอรีตัวละครของคนงานเหล่านี้ซึ่งเป็นชาวสูงทางตอนเหนือของฝรั่งเศสที่มีใบหน้าเต็มไปด้วยความฉลาดอันเข้มงวดและพลังพื้นบ้านที่ดื้อรั้นได้รับการสรุปไว้อย่างชัดเจนและจำกัด สิ่งที่แตกต่างอย่างชัดเจนกับพวกเขาคือรูปลักษณ์โดยทั่วไปของเด็กชายชาวนา "มืดมน" นั่งยองๆ แต่งกายด้วยเครื่องแบบทหาร ขับมาจากชนบททางตอนใต้ของฝรั่งเศสที่นี่ ไปยังต่างประเทศที่มีเหมืองและโรงงานซึ่งมีผู้คนไม่คุ้นเคยและเข้าใจยาก

ภาพพิมพ์หินสีของเขา "Crime in Pas-de-Calais" (1893) สื่อถึงโปสเตอร์การปฏิวัติในอนาคตของศตวรรษที่ 20 ด้วยพลังทางสังคมและดราม่าที่พูดน้อย ความน่าสมเพชของ "Crimes in Pas-de-Calais" คือความน่าสมเพชของความขมขื่นและความโกรธ โปสเตอร์ภาพประกอบนิตยสารเล่มนี้จัดทำขึ้นเพื่อ ความจริงที่แท้จริง: คนงานเหมืองที่โจมตีแปดร้อยครอบครัวถูกเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยไล่ออกจากกระท่อมของบริษัท ภาพของคนงานเหมืองผู้มีอำนาจที่โศกเศร้าและโกรธเคืองโดยมีเด็กอยู่บนไหล่ของเขา เดินเป็นหัวหน้าครอบครัวที่เต็มไปด้วยความโศกเศร้าและจับมืออย่างน่ากลัวจับมือของคนงานเหมืองที่หยิบขึ้นมา กลายเป็นสัญลักษณ์ของเจตจำนงที่ไม่ย่อท้อ ความโกรธปฏิวัติที่ไม่อาจประนีประนอมได้ของ ชนชั้นแรงงานของฝรั่งเศส

งานศิลปะของ Steinlen พัฒนาขึ้นในช่วงครึ่งหลังของคริสต์ทศวรรษ 1880 และเข้าสู่คริสต์ทศวรรษ 1890 และมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการตื่นตัวของชนชั้นแรงงานและโดยทั่วไปแล้วพลังประชาธิปไตยของฝรั่งเศสหลังจากช่วงเวลาแห่งการครอบงำของปฏิกิริยาที่ตามมาด้วยการปราบปรามคอมมูนแห่งปารีสในปี พ.ศ. 2414 สไตน์เลนยังคงทำงานในลักษณะของเขาเองตามปกติ หัวข้อต่างๆ ในศตวรรษที่ 20 และถึงแม้ว่าเขาจะตอบสนองต่อเหตุการณ์สงครามโลกครั้งที่หนึ่งก็ตาม ซีรีย์ที่น่าสนใจ“ผู้ลี้ภัย” (1916) ซึ่งต่อต้านการโฆษณาชวนเชื่อแบบชาตินิยมในช่วงหลายปีที่ผ่านมาด้วยมนุษยนิยม แต่ยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์ วัฒนธรรมฝรั่งเศสในฐานะผู้เชี่ยวชาญที่เกี่ยวข้องกับกระแสประชาธิปไตยและสังคมนิยมในศิลปะฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษที่ 1880 - ต้นปี 1900

โดยทั่วไปในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในฝรั่งเศสในการทำงานของปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดปัญหาของการเปลี่ยนไปสู่รูปแบบใหม่ของความสมจริงไปสู่การเอาชนะรูปแบบที่กระจัดกระจายและการรับรู้อิมเพรสชั่นนิสต์ที่เข้าใจยากในทันที อย่างไรก็ตามในบริบทของสัญญาณแรกที่เพิ่มมากขึ้นของวิกฤตทั่วไปของวัฒนธรรมของระบบทุนนิยมซึ่งได้เข้าสู่ขั้นตอนสุดท้ายของการพัฒนามีความจำเป็นต้องแก้ไขปัญหาการเปลี่ยนผ่านของศิลปะไปสู่อีกทางหนึ่ง ระดับสูงเป็นไปไม่ได้ที่จะคงอยู่ในโลกทัศน์และแนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของสังคมเก่า ด้วยเหตุนี้ความเป็นคู่และความไม่สอดคล้องกันของภารกิจของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่เช่น Cezanne และ Van Gogh ความไม่สอดคล้องกันนี้ทำให้เกิดการตีความมรดกทางวัฒนธรรมของตนโดยศิลปะแบบแผนนิยมแห่งศตวรรษที่ 20 ด้านเดียว

“โลกใหม่ถือกำเนิดขึ้นเมื่ออิมเพรสชั่นนิสต์วาดภาพ”

อองรี คาห์นไวเลอร์

ศตวรรษที่สิบเก้า ฝรั่งเศส. มีบางอย่างที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนเกิดขึ้นในการวาดภาพ ศิลปินรุ่นเยาว์กลุ่มหนึ่งตัดสินใจเขย่าประเพณีที่มีอายุ 500 ปี แทนที่จะวาดภาพที่ชัดเจน พวกเขากลับใช้จังหวะที่กว้างและ "ประมาท"

และพวกเขาก็ละทิ้งภาพปกติไปโดยสิ้นเชิงโดยแสดงภาพทุกคนในแถว และสุภาพสตรีผู้มีคุณธรรมอันเรียบง่าย และสุภาพบุรุษผู้มีชื่อเสียงที่น่าสงสัย

ประชาชนไม่พร้อมสำหรับการวาดภาพอิมเพรสชั่นนิสต์ พวกเขาถูกเยาะเย้ยและดุด่า และที่สำคัญพวกเขาไม่ได้ซื้ออะไรจากพวกเขาเลย

แต่ความต้านทานก็ถูกทำลาย และอิมเพรสชั่นนิสต์บางคนมีชีวิตอยู่เพื่อดูชัยชนะของพวกเขา จริงอยู่ที่พวกเขาอายุเกิน 40 แล้ว เช่นเดียวกับ Claude Monet หรือ Auguste Renoir คนอื่นๆ รอการยอมรับเมื่อบั้นปลายชีวิตเท่านั้น เช่น Camille Pissarro บางคนไม่ได้มีชีวิตอยู่เพื่อดูเขา เช่นเดียวกับอัลเฟรด ซิสลีย์

พวกเขาแต่ละคนประสบความสำเร็จในการปฏิวัติอะไร? เหตุใดประชาชนจึงใช้เวลานานมากในการยอมรับพวกเขา? นี่คืออิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงที่สุด 7 คนที่รู้จักไปทั่วโลก

1. เอดูอาร์ด มาเน็ต (1832-1883)

เอดูอาร์ด มาเน็ต. ภาพเหมือนตนเองด้วยจานสี พ.ศ. 2421 ของสะสมส่วนตัว

มาเนต์มีอายุมากกว่าอิมเพรสชั่นนิสต์ส่วนใหญ่ เขาเป็นแรงบันดาลใจหลักของพวกเขา

มาเนต์เองก็ไม่ได้อ้างว่าเป็นผู้นำคณะปฏิวัติ เขาเป็น สังคม- ฉันฝันถึงรางวัลอย่างเป็นทางการ

แต่เขารอเป็นเวลานานมากในการรับรู้ สาธารณชนต้องการเห็นเทพีกรีกหรือหุ่นขี้ผึ้งอย่างแย่ที่สุด เพื่อจะได้ดูสวยงามในห้องอาหาร มาเนตรอยากวาดภาพชีวิตสมัยใหม่ ตัวอย่างเช่น โสเภณี.

ผลลัพธ์ที่ได้คือ “อาหารเช้าบนพื้นหญ้า” สาวสำรวยสองคนกำลังพักผ่อนอยู่ร่วมกับสตรีผู้มีคุณธรรมอันเรียบง่าย หนึ่งในนั้นนั่งข้างชายที่แต่งตัวเหมือนไม่มีอะไรเกิดขึ้น

เอดูอาร์ด มาเน็ต. อาหารเช้าบนพื้นหญ้า พ.ศ. 2406 ปารีส

เปรียบเทียบ Luncheon on the Grass ของเขากับ Romans ของ Tom Couture ใน Decline ภาพวาดของกูตูร์สร้างความรู้สึก ศิลปินมีชื่อเสียงขึ้นมาทันที

“อาหารเช้าบนพื้นหญ้า” ถูกกล่าวหาว่าหยาบคาย ไม่แนะนำให้สตรีมีครรภ์มองเธอโดยเด็ดขาด

โทมัส กูตูร์. ชาวโรมันกำลังเสื่อมถอย 2390 พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส artchive.ru

ในภาพวาดของกูตูร์ เราเห็นคุณลักษณะทั้งหมดของความเป็นวิชาการ ( ภาพวาดแบบดั้งเดิมศตวรรษที่ XVI-XIX) คอลัมน์และรูปปั้น บุคคลที่มีรูปร่างหน้าตาแบบ Apollonian สีปิดเสียงแบบดั้งเดิม กิริยาท่าทางและท่าทางต่างๆ เรื่องราวจากชีวิตอันห่างไกลของคนที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

“Breakfast on the Grass” ของมาเนตรมีรูปแบบที่แตกต่างออกไป ก่อนหน้าเขาไม่มีใครวาดภาพโสเภณีได้ง่ายขนาดนี้ ใกล้กับพลเมืองที่น่านับถือ แม้ว่าผู้ชายหลายคนในสมัยนั้นจะใช้เวลาว่างในลักษณะนี้ก็ตาม มันเป็น ชีวิตจริงคนจริง.

เมื่อฉันวาดภาพผู้หญิงที่น่านับถือ น่าเกลียด. เขาไม่สามารถประจบเธอด้วยแปรงได้ คุณหญิงรู้สึกผิดหวัง เธอทิ้งเขาไว้ทั้งน้ำตา

เอดูอาร์ด มาเน็ต. แองเจลิน่า. พ.ศ. 2403 (ค.ศ. 1860) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส วิกิมีเดีย.คอมมอนส์.org

เขาจึงทำการทดลองต่อไป เช่น มีสี. เขาไม่ได้พยายามที่จะพรรณนาสิ่งที่เรียกว่าสีธรรมชาติ ถ้าเขาเห็นน้ำสีน้ำตาลเทาเป็นสีฟ้าสดใส เขาก็จะพรรณนาว่าเป็นสีฟ้าสดใส

แน่นอนว่าสิ่งนี้ทำให้ประชาชนหงุดหงิด “แม้แต่ทะเลเมดิเตอร์เรเนียนก็ไม่สามารถอวดอ้างได้ว่าเป็นสีฟ้าเหมือนกับน้ำของ Manet” พวกเขาเหน็บ

เอดูอาร์ด มาเน็ต. อาร์เจนเตย. พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ พ.ศ. 2417 เมืองตูร์เน ประเทศเบลเยียม วิกิพีเดีย.org

แต่ความจริงยังคงเป็นข้อเท็จจริง มาเนต์เปลี่ยนวัตถุประสงค์ของการวาดภาพอย่างสิ้นเชิง ภาพวาดกลายเป็นศูนย์รวมของความเป็นเอกเทศของศิลปินที่วาดภาพตามที่เขาต้องการ ลืมรูปแบบและประเพณี

นวัตกรรมไม่ได้รับการอภัยมาเป็นเวลานาน เขาได้รับการยอมรับเมื่อสิ้นสุดชีวิตเท่านั้น แต่เขาไม่ต้องการมันอีกต่อไป เขากำลังจะตายอย่างเจ็บปวดจาก โรคที่รักษาไม่หาย.

2. โกลด โมเนต์ (1840-1926)

คล็อด โมเน่ต์. ภาพเหมือนตนเองในหมวกเบเร่ต์ พ.ศ. 2429 ของสะสมส่วนตัว

Claude Monet สามารถเรียกได้ว่าเป็นตำราอิมเพรสชั่นนิสต์ เนื่องจากพระองค์ทรงสัตย์ซื่อต่อทิศนี้ตลอดพระชนม์ชีพอันยืนยาว

เขาไม่ได้วาดภาพวัตถุและผู้คน แต่เป็นการสร้างไฮไลท์และจุดด้วยสีเดียว แยกจังหวะ. อาการสั่นของอากาศ

คล็อด โมเน่ต์. สระว่ายน้ํา. พ.ศ. 2412 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก metmuseum.org

โมเน่ต์ไม่เพียงแต่วาดภาพธรรมชาติเท่านั้น เขาเก่งเรื่องทิวทัศน์ของเมืองด้วย หนึ่งในที่มีชื่อเสียงที่สุด - .

มีรูปถ่ายมากมายในภาพนี้ ตัวอย่างเช่น การเคลื่อนไหวถูกส่งผ่านภาพเบลอ

โปรดทราบ: ต้นไม้และรูปปั้นที่อยู่ห่างไกลดูเหมือนจะอยู่ในหมอกควัน

คล็อด โมเน่ต์. Boulevard des Capucines ในปารีส พ.ศ. 2416 (หอศิลป์ยุโรปและอเมริกาแห่งศตวรรษที่ 19-20) กรุงมอสโก

เบื้องหน้าเราคือช่วงเวลาที่เยือกแข็งในชีวิตที่จอแจของปารีส ไม่มีการแสดงละคร ไม่มีใครวางตัว ผู้คนถูกพรรณนาว่าเป็นชุดของฝีแปรง การขาดโครงเรื่องและเอฟเฟกต์ "หยุดภาพ" ดังกล่าวเป็นคุณสมบัติหลักของอิมเพรสชันนิสม์

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 80 ศิลปินเริ่มไม่แยแสกับอิมเพรสชันนิสม์ แน่นอนว่าสุนทรียภาพเป็นสิ่งที่ดี แต่การขาดโครงเรื่องทำให้หลายคนหดหู่

มีเพียงโมเนต์เท่านั้นที่ยังคงยืนหยัดต่อไป จึงพัฒนามาเป็นชุดภาพวาด

เขาวาดภาพทิวทัศน์เดียวกันหลายสิบครั้ง ในช่วงเวลาที่แตกต่างกันของวัน ใน เวลาที่ต่างกันของปี. เพื่อแสดงให้เห็นว่าอุณหภูมิและแสงสามารถเปลี่ยนแปลงสิ่งมีชีวิตชนิดเดียวกันจนจำไม่ได้ได้อย่างไร

นี่คือลักษณะที่กองหญ้าจำนวนนับไม่ถ้วนปรากฏขึ้น

ภาพวาดโดย Claude Monet ที่พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ในบอสตัน ซ้าย: กองหญ้ายามพระอาทิตย์ตกดินใน Giverny พ.ศ. 2434 ขวา: กองหญ้า (เอฟเฟกต์หิมะ) พ.ศ. 2434

โปรดทราบว่าเงาในภาพวาดเหล่านี้เป็นสี และไม่ใช่สีเทาหรือสีดำตามธรรมเนียมก่อนอิมเพรสชั่นนิสต์ นี่เป็นอีกหนึ่งสิ่งประดิษฐ์ของพวกเขา

โมเน่ต์ประสบความสำเร็จและ ความเป็นอยู่ที่ดีของวัสดุ- หลังจากอายุ 40 เขาก็ลืมเรื่องความยากจนไปแล้ว มีบ้านและสวนสวย และเขาทำงานเพื่อความสุขของตัวเองเป็นเวลาหลายปี

อ่านเกี่ยวกับภาพวาดที่โดดเด่นที่สุดของปรมาจารย์ในบทความ

3. ออกุสต์ เรอนัวร์ (1841-1919)

ปิแอร์-โอกุสต์ เรอนัวร์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2418 (ค.ศ. 1875) สถาบันศิลปะสเตอร์ลิงและฟรานซีน คลาร์ก แมสซาชูเซตส์ สหรัฐอเมริกา Pinterest.ru

อิมเพรสชั่นนิสม์เป็นภาพวาดเชิงบวกที่สุด และสิ่งที่เป็นบวกมากที่สุดในบรรดาอิมเพรสชั่นนิสต์ก็คือเรอนัวร์

คุณจะไม่พบละครในภาพวาดของเขา เขาไม่ได้ใช้สีดำด้วยซ้ำ ความสุขของการเป็นเท่านั้น แม้แต่สิ่งที่ซ้ำซากที่สุดในเรอนัวร์ก็ยังดูสวยงาม

เรอนัวร์วาดภาพผู้คนบ่อยกว่าโมเนต์ ทิวทัศน์มีความสำคัญน้อยกว่าสำหรับเขา ในภาพเขียนเพื่อนและคนรู้จักของเขากำลังพักผ่อนและสนุกสนานกับชีวิต

ปิแอร์-โอกุสต์ เรอนัวร์. อาหารเช้าของนักพายเรือ. พ.ศ. 2423-2424 ฟิลลิปส์คอลเลกชั่น, วอชิงตัน, สหรัฐอเมริกา วิกิมีเดีย.คอมมอนส์.org

คุณจะไม่พบความลึกซึ้งใด ๆ ในเรอนัวร์ เขาดีใจมากที่ได้เข้าร่วมกับอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งละทิ้งวิชาไปโดยสิ้นเชิง

อย่างที่เขาพูดเอง ในที่สุดเขาก็มีโอกาสวาดดอกไม้และเรียกมันว่า "ดอกไม้" และอย่าสร้างเรื่องราวใดๆ เกี่ยวกับพวกเขา

ปิแอร์-โอกุสต์ เรอนัวร์. ผู้หญิงที่มีร่มอยู่ในสวน พ.ศ. 2418 (ค.ศ. 1875) พิพิธภัณฑ์ Thyssen-Bormenis กรุงมาดริด arteuam.com

เรอนัวร์รู้สึกดีที่สุดเมื่ออยู่ร่วมกับผู้หญิง เขาขอให้สาวใช้ร้องเพลงและเล่นตลก ยิ่งเพลงโง่เขลาและไร้เดียงสามากเท่าไหร่ก็ยิ่งดีสำหรับเขาเท่านั้น และการพูดคุยของผู้ชายทำให้เขาเหนื่อย ไม่น่าแปลกใจเลยที่ Renoir มีชื่อเสียงจากภาพเขียนเปลือยของเขา

แบบจำลองในภาพวาด “เปลือยในแสงแดด” ปรากฏโดยมีพื้นหลังแบบนามธรรมสีสันสดใส เพราะสำหรับ Renoir ไม่มีอะไรเป็นรอง ดวงตาของนางแบบหรือส่วนของพื้นหลังมีความเท่าเทียมกัน

ปิแอร์-โอกุสต์ เรอนัวร์. เปลือยกลางแสงแดด พ.ศ. 2419 (ค.ศ. 1876) พิพิธภัณฑ์ออร์แซย์ ปารีส วิกิมีเดีย.commons.org

เรอนัวร์มีชีวิตที่ยืนยาว และฉันไม่เคยวางแปรงและจานสีลงเลย แม้ว่ามือของเขาจะถูกพันธนาการด้วยโรคไขข้อ แต่เขามัดแปรงไว้กับมือด้วยเชือก และเขาก็วาด

เช่นเดียวกับ Monet เขารอการได้รับการยอมรับหลังจากผ่านไป 40 ปี และฉันเห็นภาพวาดของฉันในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ข้างๆ ผลงานของฉัน อาจารย์ที่มีชื่อเสียง.

อ่านเกี่ยวกับหนึ่งในภาพวาดบุคคลที่มีเสน่ห์ที่สุดของ Renoir ในบทความ

4. เอ็ดการ์ เดอกาส์ (1834-1917)

เอ็ดการ์ เดอกาส์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2406 (ค.ศ. 1863) พิพิธภัณฑ์ Calouste Gulbenkian ลิสบอน ประเทศโปรตุเกส วัฒนธรรม.com

เดอกาส์ไม่ใช่อิมเพรสชั่นนิสต์คลาสสิก เขาไม่ชอบทำงานกลางแจ้ง (กลางแจ้ง) คุณจะไม่พบจานสีที่สว่างขึ้นโดยเจตนากับเขา

ตรงกันข้ามเขาชอบเส้นที่ชัดเจน เขามีสีดำมากมาย และเขาทำงานเฉพาะในสตูดิโอเท่านั้น

แต่ถึงกระนั้นเขาก็มักจะถูกนำไปรวมกับอิมเพรสชั่นนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่คนอื่น ๆ อยู่เสมอ เพราะเขาเป็นอิมเพรสชั่นนิสต์แห่งท่าทาง

มุมที่ไม่คาดคิด ความไม่สมดุลในการจัดเรียงวัตถุ ตัวละครประหลาดใจ นี่คือคุณลักษณะหลักของภาพวาดของเขา

เขาหยุดช่วงเวลาของชีวิตโดยไม่ยอมให้ตัวละครได้สัมผัส เพียงแค่ดูที่ "Opera Orchestra" ของเขา

เอ็ดการ์ เดอกาส์. วงโอเปร่า. พ.ศ. 2413 (ค.ศ. 1870) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส commons.wikimedia.org

เบื้องหน้าคือพนักเก้าอี้ นักดนตรีกลับมาหาเราแล้ว และในเบื้องหลังนักบัลเล่ต์บนเวทีไม่พอดีกับ "เฟรม" หัวของพวกเขาถูก "ตัด" อย่างไร้ความปราณีที่ขอบของภาพ

ดังนั้นนักเต้นคนโปรดของเขาจึงไม่ได้แสดงท่าทางที่สวยงามเสมอไป บางครั้งพวกเขาก็ยืดกล้ามเนื้อ

แต่การแสดงด้นสดดังกล่าวเป็นเพียงจินตนาการ แน่นอนว่าเดกาส์คิดอย่างรอบคอบผ่านองค์ประกอบเพลง นี่เป็นเพียงเอฟเฟกต์เฟรมหยุดนิ่ง ไม่ใช่เฟรมหยุดจริง

เอ็ดการ์ เดอกาส์. นักเต้นบัลเลต์สองคน พ.ศ. 2422 พิพิธภัณฑ์เชลเบิร์น เวอร์มุธ สหรัฐอเมริกา

เอ็ดการ์ เดอกาส์ชอบวาดภาพผู้หญิง แต่ความเจ็บป่วยหรือลักษณะเฉพาะของร่างกายไม่อนุญาตให้เขาสัมผัสทางกายกับสิ่งเหล่านั้น เขาไม่เคยแต่งงาน ไม่มีใครเคยเห็นเขากับผู้หญิง

การไม่มีตัวตนจริงในชีวิตส่วนตัวของเขาได้เพิ่มความเร้าอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนและเข้มข้นให้กับภาพของเขา

เอ็ดการ์ เดอกาส์. ดาราบัลเลต์. พ.ศ. 2419-2421 Musee d'Orsay ปารีส วิกิมีเดีย.comons.org

โปรดทราบว่าในภาพวาด "Ballet Star" มีเพียงภาพนักบัลเล่ต์เท่านั้น เพื่อนร่วมงานของเธอเบื้องหลังแทบมองไม่เห็น เพียงไม่กี่ขาเท่านั้น

นี่ไม่ได้หมายความว่าเดกาส์วาดภาพไม่เสร็จ นี่คือแผนกต้อนรับ เก็บเฉพาะสิ่งที่สำคัญที่สุดไว้ในโฟกัส ทำให้ส่วนที่เหลือหายไปอ่านไม่ออก

อ่านเกี่ยวกับภาพวาดอื่น ๆ ของอาจารย์ในบทความ

5. เบอร์ธ มอริซอต (1841-1895)

เอดูอาร์ด มาเน็ต. ภาพเหมือนของ Berthe Morisot พ.ศ. 2416 พิพิธภัณฑ์มาร์มอตตอง-โมเนต์ ปารีส

Berthe Morisot ไม่ค่อยถูกจัดให้อยู่ในอันดับแรกของนักอิมเพรสชั่นนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่ ฉันแน่ใจว่ามันไม่สมควร ในงานของเธอคุณจะได้พบกับคุณสมบัติหลักและเทคนิคทั้งหมดของอิมเพรสชั่นนิสม์ และถ้าคุณชอบสไตล์นี้คุณจะต้องรักงานของเธออย่างสุดใจ

Morisot ทำงานอย่างรวดเร็วและเร่งรีบโดยถ่ายทอดความประทับใจของเธอไปยังผืนผ้าใบ ร่างเหล่านั้นดูเหมือนจะสลายไปในอวกาศ

เบิร์ธ มอริซอต. ฤดูร้อน. 2423 พิพิธภัณฑ์ Fabray, มงต์เปลลิเยร์, ฝรั่งเศส

เช่นเดียวกับเดกาส์ เธอมักจะทิ้งรายละเอียดบางอย่างไว้ไม่เสร็จ และแม้กระทั่งส่วนต่างๆ ของร่างกายนางแบบ เราไม่สามารถแยกแยะมือของหญิงสาวในภาพวาด "ฤดูร้อน" ได้

เส้นทางสู่การแสดงออกของ Morisot นั้นยากลำบาก เธอไม่เพียงแต่มีส่วนร่วมในการวาดภาพที่ "ประมาท" เท่านั้น เธอยังคงเป็นผู้หญิง ในสมัยนั้นผู้หญิงควรจะฝันถึงการแต่งงาน หลังจากนั้นงานอดิเรกก็ถูกลืมไป

ดังนั้นเบอร์ธาจึงปฏิเสธการแต่งงานเป็นเวลานาน จนกระทั่งเธอได้พบกับผู้ชายที่เคารพในอาชีพของเธอ Eugene Manet เป็นน้องชายของศิลปิน Edouard Manet เขาถือขาตั้งและวาดภาพข้างหลังภรรยาของเขาตามหน้าที่

เบิร์ธ มอริซอต. Eugene Manet กับลูกสาวของเขาในบูจิวาล พ.ศ. 2424 พิพิธภัณฑ์มาร์มอตตอง-โมเนต์ ปารีส

แต่ถึงกระนั้นนี่ก็เป็นในศตวรรษที่ 19 ไม่ ฉันไม่ได้สวมกางเกงโมริซอต แต่เธอไม่สามารถมีอิสระในการเคลื่อนไหวได้อย่างสมบูรณ์

เธอไม่สามารถไปทำงานคนเดียวในสวนสาธารณะได้หากไม่มีคนใกล้ตัวไปด้วย ฉันไม่สามารถนั่งคนเดียวในร้านกาแฟได้ ดังนั้นภาพวาดของเธอจึงเป็นภาพวาดของคนในแวดวงครอบครัว สามี ลูกสาว ญาติ พี่เลี้ยงเด็ก

เบิร์ธ มอริซอต. ผู้หญิงกับลูกในสวนในบูจิวาล พ.ศ. 2424 พิพิธภัณฑ์แห่งชาติเวลส์ คาร์ดิฟฟ์

โมริซอตไม่ได้รอการรับรู้ เธอเสียชีวิตเมื่ออายุได้ 54 ปีด้วยโรคปอดบวม โดยไม่ได้ขายผลงานใดๆ เลยตลอดช่วงชีวิตของเธอ ในใบมรณะบัตรของเธอ มีขีดกลางอยู่ในคอลัมน์ "อาชีพ" เป็นไปไม่ได้เลยที่ผู้หญิงจะถูกเรียกว่าศิลปิน แม้ว่าเธอจะเป็นอย่างนั้นจริงๆ

อ่านเกี่ยวกับภาพวาดของอาจารย์ในบทความ

6. คามิลล์ ปิสซาร์โร (1830 – 1903)

คามิลล์ ปิสซาโร. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2416 (ค.ศ. 1873) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส วิกิพีเดีย.org

คามิลล์ ปิสซาโร. ไม่ขัดแย้ง มีเหตุผล หลายคนมองว่าเขาเป็นครู แม้แต่เพื่อนร่วมงานที่เจ้าอารมณ์ที่สุดก็ไม่ได้พูดจาไม่ดีกับปิซาโร

เขาเป็นผู้ติดตามอิมเพรสชันนิสม์อย่างซื่อสัตย์ ด้วยความต้องการอย่างมาก โดยมีภรรยาและลูกห้าคน เขายังคงทำงานหนักในสไตล์ที่เขาชื่นชอบ และเขาไม่เคยเปลี่ยนมาวาดภาพร้านเสริมสวยเพื่อให้ได้รับความนิยมมากขึ้น ไม่มีใครรู้ว่าเขามีพลังที่จะเชื่อมั่นในตัวเองอย่างเต็มที่จากที่ไหน

เพื่อไม่ให้ตายจากความหิวโหยเลย Pissarro วาดภาพแฟนๆ ซึ่งซื้อมาอย่างกระตือรือร้น แต่การยอมรับอย่างแท้จริงมาถึงเขาหลังจาก 60 ปี! ในที่สุดเขาก็สามารถลืมความต้องการของเขาได้

คามิลล์ ปิสซาโร. Stagecoach ในลูฟวร์เซียนส์ พ.ศ. 2412 (ค.ศ. 1869) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส

อากาศในภาพวาดของปิสซาโรมีความหนาและหนาแน่น การผสมผสานระหว่างสีและปริมาตรที่ไม่ธรรมดา

ศิลปินไม่กลัวที่จะวาดภาพปรากฏการณ์ทางธรรมชาติที่เปลี่ยนแปลงได้มากที่สุดซึ่งปรากฏขึ้นครู่หนึ่งและหายไป หิมะแรก, ดวงอาทิตย์หนาวจัด,เงายาว.

คามิลล์ ปิสซาโร. น้ำแข็ง. พ.ศ. 2416 (ค.ศ. 1873) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส

ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือทิวทัศน์ของปารีส ด้วยถนนกว้างใหญ่และฝูงชนที่พลุกพล่าน ในเวลากลางคืนในระหว่างวันในสภาพอากาศที่แตกต่างกัน ในบางแง่สิ่งเหล่านี้สะท้อนถึงชุดภาพวาดของโกลด โมเนต์

โรงเรียนศิลปะฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 17 และ 18 สามารถเรียกได้ว่าเป็นโรงเรียนชั้นนำของยุโรป ในเวลานั้นในฝรั่งเศสมีรูปแบบศิลปะเช่น Rococo, Romanticism, Classicism, Realism, Impressionism และ Post-Impressionism

โรโคโค (โรโคโคฝรั่งเศสจาก rocaille - ลวดลายตกแต่งในรูปทรงเปลือกหอย) - สไตล์ในศิลปะยุโรปในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 โรโกโกมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยลัทธิสุขนิยม การหลบหนีเข้าสู่โลกแห่งการแสดงละครอันงดงาม และความชื่นชอบในวิชาอภิบาลและกามราคะ ลักษณะของการตกแต่งแบบโรโคโคได้รับรูปแบบที่หรูหราและซับซ้อนอย่างเด่นชัด

François Boucher, Antoine Watteau และ Jean Honoré Fragonard ทำงานในสไตล์โรโกโก

ลัทธิคลาสสิก - สไตล์ในศิลปะยุโรปในช่วงศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 19 ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะที่ดึงดูดรูปแบบของศิลปะโบราณในฐานะมาตรฐานความงามและจริยธรรมในอุดมคติ

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres และ Jacques-Louis David ทำงานในรูปแบบคลาสสิก

ยวนใจ - รูปแบบของศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 18-19 ลักษณะเฉพาะซึ่งเป็นการยืนยันถึงคุณค่าที่แท้จริงของชีวิตฝ่ายวิญญาณและความคิดสร้างสรรค์ของแต่ละบุคคลการพรรณนาถึงความหลงใหลและตัวละครที่แข็งแกร่งและมักจะกบฏ

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault และ William Blake ทำงานในรูปแบบของแนวโรแมนติก

เอดูอาร์ด มาเน็ต. อาหารเช้าในเวิร์คช็อป พ.ศ. 2411

ความสมจริง - รูปแบบศิลปะที่มีหน้าที่จับภาพความเป็นจริงอย่างถูกต้องและเป็นกลางที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ตามสไตล์แล้ว ความสมจริงมีหลายรูปแบบและมีตัวเลือกมากมาย แง่มุมต่างๆ ของความสมจริงในการวาดภาพ ได้แก่ ภาพลวงตาสไตล์บาโรกของคาราวัจโจและเวลาซเกซ อิมเพรสชันนิสม์ของมาเนต์และเดกาส์ และผลงานของไนเน็นของแวนโก๊ะ

การกำเนิดของความสมจริงในการวาดภาพมักเกี่ยวข้องกับผลงานของศิลปินชาวฝรั่งเศส Gustave Courbet ซึ่งเปิดนิทรรศการส่วนตัวของเขา "Pavilion of Realism" ในปารีสในปี 1855 แม้ว่าก่อนหน้าเขาด้วยซ้ำ ศิลปินของโรงเรียน Barbizon Theodore Rousseau, Jean- François Millet และ Jules Breton ทำงานในลักษณะที่สมจริง ในช่วงทศวรรษที่ 1870 ความสมจริงแบ่งออกเป็นสองทิศทางหลัก - ลัทธิธรรมชาติและลัทธิอิมเพรสชันนิสม์

การวาดภาพเหมือนจริงแพร่หลายไปทั่วโลก The Itinerants ทำงานในรูปแบบของความสมจริงโดยมีแนวทางทางสังคมที่เข้มแข็งในรัสเซียในศตวรรษที่ 19

อิมเพรสชันนิสม์ (จากความประทับใจแบบฝรั่งเศส - ความประทับใจ) - สไตล์ในงานศิลปะในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 คุณลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะคือความปรารถนาที่จะจับภาพอย่างเป็นธรรมชาติมากที่สุด โลกแห่งความจริงในความคล่องตัวและความแปรปรวน เพื่อถ่ายทอดความประทับใจที่เกิดขึ้นชั่วขณะของคุณ อิมเพรสชันนิสม์ไม่ได้ก่อให้เกิดประเด็นทางปรัชญา แต่มุ่งเน้นไปที่ความลื่นไหลของช่วงเวลา อารมณ์ และแสง เรื่องของอิมเพรสชั่นนิสต์คือชีวิตของตัวเอง เช่น วันหยุดเล็กๆ งานปาร์ตี้ การปิกนิกอันน่ารื่นรมย์ท่ามกลางธรรมชาติในสภาพแวดล้อมที่เป็นมิตร อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่วาดภาพกลางอากาศโดยไม่ได้ทำงานในสตูดิโอจนเสร็จ

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley และคนอื่นๆ ทำงานในรูปแบบของอิมเพรสชันนิสม์

โพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์ เป็นศิลปะรูปแบบหนึ่งที่เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์พยายามที่จะถ่ายทอดสาระสำคัญของโลกอย่างอิสระและโดยทั่วไปโดยหันไปใช้สไตล์การตกแต่ง

โพสต์อิมเพรสชันนิสม์ก่อให้เกิดการเคลื่อนไหวทางศิลปะ เช่น การแสดงออก สัญลักษณ์นิยม และสมัยใหม่

Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne และ Toulouse-Lautrec ทำงานในรูปแบบโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์

มาดูอิมเพรสชั่นนิสต์และโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์อย่างใกล้ชิดโดยใช้ตัวอย่างผลงานของปรมาจารย์แต่ละคนของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19

เอ็ดการ์ เดอกาส์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2397-2398

เอ็ดการ์ เดอกาส์ (ชีวิต พ.ศ. 2377-2460) - จิตรกรชาวฝรั่งเศส ศิลปินกราฟิก และประติมากร

เริ่มต้นด้วยภาพวาดและภาพบุคคลทางประวัติศาสตร์ที่มีการจัดองค์ประกอบอย่างเข้มงวด ในช่วงทศวรรษ 1870 เดอกาส์ได้ใกล้ชิดกับตัวแทนของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ และหันมาวาดภาพชีวิตในเมืองสมัยใหม่ เช่น ถนน ร้านกาแฟ การแสดงละคร

ในภาพเขียนของเดกาส์ องค์ประกอบแบบไดนามิกที่มักจะไม่สมมาตร การวาดภาพที่ยืดหยุ่นได้อย่างแม่นยำ มุมที่ไม่คาดคิด และปฏิสัมพันธ์ที่กระตือรือร้นระหว่างรูปและพื้นที่นั้นได้รับการพิจารณาและตรวจสอบอย่างรอบคอบ

อี. เดอกาส์. ห้องน้ำ. พ.ศ. 2428

ในงานหลายชิ้น เอ็ดการ์ เดอกาส์แสดงพฤติกรรมและรูปลักษณ์ภายนอกของผู้คนซึ่งเกิดจากลักษณะเฉพาะของชีวิต เผยให้เห็นกลไกของท่าทางมืออาชีพ ท่าทาง การเคลื่อนไหวของมนุษย์ และความงามแบบพลาสติกของเขา ศิลปะของเดอกาส์มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการผสมผสานระหว่างความสวยงามและความน่าเบื่อ ศิลปินในฐานะผู้สังเกตการณ์ที่สุขุมและละเอียดอ่อน สามารถบันทึกงานประจำวันอันน่าเบื่อหน่ายที่ซ่อนอยู่เบื้องหลังการแสดงอันสง่างามไปพร้อมๆ กัน

เทคนิคสีพาสเทลยอดนิยมทำให้เอ็ดการ์ เดอกาส์สามารถแสดงความสามารถของเขาในฐานะช่างเขียนแบบได้อย่างเต็มที่ โทนสีที่หลากหลายและลายเส้นสีพาสเทล "แวววาว" ช่วยให้ศิลปินสร้างบรรยากาศที่เต็มไปด้วยสีสันที่พิเศษ ความโปร่งสบายของสีรุ้งที่ทำให้ผลงานทั้งหมดของเขาแตกต่างอย่างมาก

ในช่วงวัยผู้ใหญ่ของเขา เดอกาส์มักหันไปสนใจเรื่องบัลเล่ต์ ร่างนักบัลเล่ต์ที่เปราะบางและไร้น้ำหนักปรากฏต่อหน้าผู้ชมไม่ว่าจะในชั้นเรียนเต้นรำยามพลบค่ำหรือในสปอตไลท์บนเวทีหรือในช่วงเวลาสั้น ๆ ของการพักผ่อน การสุ่มองค์ประกอบที่ชัดเจนและตำแหน่งที่เป็นกลางของผู้เขียนสร้างความประทับใจในการสอดแนมชีวิตของผู้อื่น ศิลปินแสดงให้เราเห็นโลกแห่งความสง่างามและความงามโดยไม่ตกอยู่ในความรู้สึกอ่อนไหวมากเกินไป

เอ็ดการ์ เดอกาส์สามารถเรียกได้ว่าเป็นนักระบายสีที่ละเอียดอ่อน สีพาสเทลของเขามีความกลมกลืนกันอย่างน่าประหลาดใจ บางครั้งก็อ่อนโยนและสว่าง บางครั้งสร้างขึ้นจากคอนทราสต์ของสีที่คมชัด สไตล์ของเดอกาส์โดดเด่นในเรื่องความอิสระอันน่าทึ่ง เขาใช้สีพาสเทลด้วยเส้นหนาและขาดๆ หายๆ บางครั้งก็ทิ้งโทนสีของกระดาษที่แสดงผ่านสีพาสเทลหรือเติมเส้นสีน้ำมันหรือสีน้ำ สีในภาพวาดของเดอกาส์เกิดขึ้นจากแสงสีรุ้งจากสายรุ้งที่ไหลออกมาซึ่งก่อให้เกิดรูปแบบ

ผลงานในช่วงหลังของเดอกาส์โดดเด่นด้วยความเข้มและความสมบูรณ์ของสี ซึ่งเสริมด้วยเอฟเฟกต์ของแสงประดิษฐ์ รูปแบบที่ขยายใหญ่ขึ้นจนเกือบจะแบน และพื้นที่ที่คับแคบ ทำให้พวกเขามีลักษณะที่น่าทึ่งอย่างมาก ในนั้น

สมัยเดกาส์เขียนผลงานที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา - "The Blue Dancers" ศิลปินทำงานที่นี่โดยใช้สีจำนวนมาก โดยให้ความสำคัญกับการจัดวางพื้นผิวของภาพวาดเป็นอันดับแรก ในแง่ของความงามของความกลมกลืนของสีและการออกแบบองค์ประกอบภาพวาด "นักเต้นสีน้ำเงิน" ถือได้ว่าเป็นศูนย์รวมที่ดีที่สุดของธีมบัลเล่ต์โดยเดกาส์ผู้ซึ่งประสบความสำเร็จในการวาดภาพนี้ด้วยการผสมผสานพื้นผิวและสีอย่างสูงสุด

พี.โอ. เรอนัวร์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2418

ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์ (ชีวิต พ.ศ. 2384-2462) - จิตรกรชาวฝรั่งเศส ศิลปินกราฟิก และประติมากร ซึ่งเป็นหนึ่งในตัวแทนหลักของอิมเพรสชันนิสม์ เรอนัวร์เป็นที่รู้จักโดยหลักแล้วว่าเป็นปรมาจารย์ด้านการวาดภาพบุคคลทางโลก ไม่ใช่ไร้ซึ่งความรู้สึกนึกคิด ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1880 เลิกกับอิมเพรสชั่นนิสม์อย่างแท้จริงโดยกลับไปสู่ความเป็นเส้นตรงของลัทธิคลาสสิกในช่วงยุคสร้างสรรค์ของ Ingres เรอนัวร์เป็นนักวาดภาพสีที่โดดเด่น มักจะสร้างความประทับใจให้กับการวาดภาพขาวดำด้วยความช่วยเหลือของการผสมผสานค่านิยมที่ละเอียดอ่อน โทนสีที่คล้ายคลึงกัน

พี.โอ. เรอนัวร์. สระว่ายน้ํา. พ.ศ. 2412

เช่นเดียวกับอิมเพรสชั่นนิสต์ส่วนใหญ่ Renoir เลือกช่วงชีวิตที่หายวับไปเป็นหัวข้อในภาพวาดของเขา โดยให้ความสำคัญกับฉากในเมืองที่มีเทศกาล เช่น ลูกบอล การเต้นรำ การเดิน (“สะพานใหม่”, “Splash Pool”, “Moulin da la Galette” และอื่น ๆ ) บนผืนผ้าใบเหล่านี้เราจะไม่เห็นสีดำหรือสีน้ำตาลเข้ม เพียงช่วงที่ชัดเจนและ สีสว่างผสานเข้าด้วยกันเมื่อมองดูภาพวาดจากระยะไกล ร่างมนุษย์ในภาพวาดเหล่านี้ถูกวาดด้วยเทคนิคอิมเพรสชั่นนิสม์แบบเดียวกับทิวทัศน์รอบๆ ซึ่งพวกมันมักจะผสานเข้าด้วยกัน

พี.โอ. เรอนัวร์. ภาพเหมือนของนักแสดง Zhanna Samary พ.ศ. 2420

สถานที่พิเศษในงานของ Renoir ถูกครอบครองโดยภาพลักษณ์ของผู้หญิงที่มีเสน่ห์และบทกวี: มีความแตกต่างภายใน แต่ภายนอกคล้ายกันเล็กน้อยซึ่งดูเหมือนจะถูกทำเครื่องหมายด้วยตราประทับทั่วไปของยุคนั้น เรอนัวร์วาดภาพบุคคลสามภาพที่แตกต่างกันของนักแสดงหญิงจีนน์ ซามารี หนึ่งในนั้นคือนักแสดงในชุดเดรสสีเขียวน้ำเงินตัดกับพื้นหลังสีชมพู ในภาพบุคคลนี้ เรอนัวร์สามารถเน้นย้ำคุณลักษณะที่ดีที่สุดของแบบจำลองของเขาได้: ความงาม จิตใจที่มีชีวิตชีวา การจ้องมองที่เปิดกว้าง และรอยยิ้มที่สดใส สไตล์การทำงานของศิลปินนั้นเป็นอิสระมาก ในสถานที่ถึงขั้นประมาท แต่สิ่งนี้สร้างบรรยากาศของความสดชื่นที่ไม่ธรรมดา ความชัดเจนทางจิตวิญญาณ และความสงบสุข ในการวาดภาพเปลือย เรอนัวร์ประสบความสำเร็จในความซับซ้อนที่หาได้ยากของดอกคาร์เนชั่น (การวาดภาพด้วยสีของ ผิวหนังมนุษย์) สร้างขึ้นจากการผสมผสานระหว่างโทนสีเนื้ออบอุ่นพร้อมการเลื่อนสะท้อนสีเขียวอ่อนและสีเทา - น้ำเงิน ทำให้พื้นผิวผืนผ้าใบมีความเรียบเนียนและด้าน ในภาพวาด "เปลือยในแสงแดด" เรอนัวร์ใช้สีหลักและสีรองเป็นหลัก ไม่รวมสีดำโดยสิ้นเชิง จุดสีที่ได้รับโดยใช้ลายเส้นสีเล็กๆ จะให้เอฟเฟกต์การผสานที่มีลักษณะเฉพาะเมื่อผู้ชมเคลื่อนตัวออกห่างจากภาพ

ควรสังเกตว่าการใช้โทนสีเขียว, เหลือง, ดินเหลืองใช้ทำสี, ชมพูและแดงเพื่อพรรณนาถึงผิวหนังทำให้สาธารณชนในยุคนั้นตกตะลึงโดยไม่ได้เตรียมพร้อมที่จะรับรู้ว่าควรมีสีเงาและเต็มไปด้วยแสง

ในช่วงทศวรรษที่ 1880 สิ่งที่เรียกว่า "ยุคอิงเกรส" เริ่มต้นขึ้นในงานของเรอนัวร์ ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนี้คือ “The Great Bathers” ในการสร้างองค์ประกอบ Renoir เริ่มใช้ภาพร่างและภาพร่างเป็นครั้งแรก เส้นของภาพวาดชัดเจนและชัดเจน สีต่างๆ สูญเสียความสว่างและความอิ่มตัวของสีในอดีต ภาพวาดโดยรวมเริ่มดูควบคุมและเย็นลงมากขึ้น

ในช่วงต้นทศวรรษ 1890 การเปลี่ยนแปลงใหม่ๆ เกิดขึ้นในงานศิลปะของเรอนัวร์ ในลักษณะจิตรกร สีรุ้งจะปรากฏขึ้น ซึ่งเป็นสาเหตุที่บางครั้งเรียกว่า "ไข่มุก" จากนั้นช่วงนี้ก็ให้ทาง "สีแดง" ตั้งชื่อเช่นนี้เนื่องจากความชอบในเฉดสีแดงและสีชมพู

ยูจีน อองรี พอล โกแกง (ชีวิต พ.ศ. 2391-2446) - จิตรกร ประติมากร และศิลปินกราฟิกชาวฝรั่งเศส ร่วมกับ Cezanne และ Van Gogh เขาเป็นตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ เขาเริ่มวาดภาพเมื่อโตเต็มวัย ช่วงเวลาแรกของความคิดสร้างสรรค์เกี่ยวข้องกับอิมเพรสชันนิสม์ ผลงานที่ดีที่สุดของ Gauguin เขียนขึ้นบนเกาะตาฮิติและ Hiva Oa ในโอเชียเนียซึ่ง Gauguin ทิ้ง "อารยธรรมที่ชั่วร้าย" คุณสมบัติที่เป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์ของ Gauguin ได้แก่ การสร้างบนผืนผ้าใบแบนขนาดใหญ่ที่มีองค์ประกอบสีคงที่และตัดกันอารมณ์ที่ลึกซึ้งและในเวลาเดียวกันก็ตกแต่ง

ในภาพวาด "Yellow Christ" Gauguin บรรยายภาพการตรึงกางเขนกับพื้นหลังของภูมิทัศน์ชนบทของฝรั่งเศส ความทุกข์ทรมานของพระเยซูถูกรายล้อมไปด้วยหญิงชาวนาชาวเบรอตงสามคน ความสงบสุขในอากาศ ท่าทีสงบของผู้หญิงที่เปี่ยมไปด้วยแสงแดด สีเหลืองภูมิทัศน์ที่มีต้นไม้ในใบไม้สีแดงในฤดูใบไม้ร่วง ชาวนายุ่งอยู่กับเรื่องของเขา อดไม่ได้ที่จะขัดแย้งกับสิ่งที่เกิดขึ้นบนไม้กางเขน สภาพแวดล้อมนั้นแตกต่างอย่างสิ้นเชิงกับพระเยซู ซึ่งพระพักตร์ของพระองค์แสดงถึงขั้นแห่งความทุกข์ทรมานซึ่งล้อมรอบไปด้วยความไม่แยแส ไม่สนใจทุกสิ่งรอบตัวพระองค์ ความขัดแย้งระหว่างการทรมานอันไร้ขอบเขตที่พระคริสต์ทรงยอมรับกับธรรมชาติของการเสียสละที่ "ไม่มีใครสังเกตเห็น" ของผู้คนเป็นประเด็นหลักของงานนี้โดย Gauguin

พี. โกแกง. คุณอิจฉาหรอ? พ.ศ. 2435

วาดภาพ “โอ้ อิจฉาเหรอ?” เป็นผลงานของศิลปินในยุคโพลีนีเซียน ภาพวาดนี้มีพื้นฐานมาจากฉากชีวิตที่ศิลปินสังเกตเห็น:

บนชายฝั่งพี่สาวสองคน - พวกเขาเพิ่งว่ายน้ำและตอนนี้ร่างกายของพวกเขาเหยียดยาวบนผืนทรายในท่ายั่วยวนแบบสบาย ๆ - เมื่อพูดถึงความรักความทรงจำหนึ่งทำให้เกิดความขัดแย้ง:“ อย่างไร? คุณอิจฉาหรอ!".

ในการวาดภาพความงามอันเขียวชอุ่มของธรรมชาติเขตร้อนผู้คนตามธรรมชาติที่ยังไม่ถูกทำลายโดยอารยธรรม Gauguin บรรยายถึงความฝันในอุดมคติของสวรรค์บนดินของชีวิตมนุษย์ที่สอดคล้องกับธรรมชาติ ภาพวาดโปลินีเซียนของ Gauguin มีลักษณะคล้ายกับแผงในสีตกแต่ง ความเรียบและความยิ่งใหญ่ขององค์ประกอบ และลักษณะทั่วไปของการออกแบบที่มีสไตล์

พี. โกแกง. เรามาจากไหน? พวกเราคือใคร? เราจะไปที่ไหน? พ.ศ. 2440-2441

ภาพวาด “เรามาจากไหน? พวกเราคือใคร? เราจะไปที่ไหน?" Gauguin คิดว่ามันเป็นจุดสุดยอดอันประเสริฐของการไตร่ตรองของเขา ตามแผนของศิลปิน ควรอ่านภาพวาดจากขวาไปซ้าย: กลุ่มภาพหลักสามกลุ่มแสดงคำถามที่อยู่ในชื่อ กลุ่มสตรีที่มีบุตรทางด้านขวาของภาพ หมายถึง จุดเริ่มต้นของชีวิต กลุ่มกลางเป็นสัญลักษณ์ของการดำรงอยู่ของวุฒิภาวะในแต่ละวัน ในกลุ่มซ้ายสุด Gauguin พรรณนาถึงวัยชราของมนุษย์ที่ใกล้จะตาย ไอดอลสีน้ำเงินที่อยู่ด้านหลังเป็นสัญลักษณ์ของอีกโลกหนึ่ง ภาพวาดนี้ถือเป็นจุดสุดยอดของสไตล์โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของโกแกง สไตล์ของเขาผสมผสานการใช้สีที่ชัดเจน สีและองค์ประกอบการตกแต่ง ความเรียบและความยิ่งใหญ่ของภาพเข้ากับการแสดงออกทางอารมณ์

ผลงานของโกแกงคาดการณ์ถึงคุณลักษณะหลายประการของสไตล์อาร์ตนูโวที่เกิดขึ้นในช่วงเวลานี้ และมีอิทธิพลต่อการพัฒนาของปรมาจารย์ของกลุ่ม "นาบี" และจิตรกรคนอื่นๆ ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20

วี. แวนโก๊ะ. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2432

Vincent van Gogh (ชีวิต พ.ศ. 2396-2433) - ศิลปินโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสและดัตช์เริ่มวาดภาพเหมือน Paul Gauguin ซึ่งเป็นผู้ใหญ่แล้วในช่วงทศวรรษที่ 1880 จนถึงขณะนี้ Van Gogh ประสบความสำเร็จในการทำงานเป็นพ่อค้า จากนั้นเป็นครูในโรงเรียนประจำ และต่อมาได้ศึกษาที่โรงเรียนมิชชันนารีโปรเตสแตนต์ และทำงานเป็นมิชชันนารีเป็นเวลาหกเดือนในย่านเหมืองแร่ที่ยากจนในเบลเยียม ในช่วงต้นทศวรรษ 1880 Van Gogh หันมาสนใจงานศิลปะ โดยเข้าเรียนที่ Academy of Arts ในกรุงบรัสเซลส์ (พ.ศ. 2423-2424) และเมืองแอนต์เวิร์ป (พ.ศ. 2428-2429) ในช่วงแรกของการทำงาน แวนโก๊ะเขียนภาพร่างและภาพวาดด้วยจานสีสีเข้ม โดยเลือกฉากจากชีวิตของคนงานเหมือง ชาวนา และช่างฝีมือมาเป็นหัวข้อ ผลงานของ Van Gogh ในช่วงเวลานี้ ("The Potato Eaters", "The Old Church Tower in Nynen", "Shoes") แสดงถึงการรับรู้ถึงความทุกข์ทรมานของมนุษย์และความรู้สึกซึมเศร้าอย่างเฉียบพลันซึ่งเป็นบรรยากาศที่กดดันของความตึงเครียดทางจิตใจ ในจดหมายถึงธีโอน้องชายของเขา ศิลปินเขียนเกี่ยวกับหนึ่งในภาพวาดในยุคนี้ "The Potato Eaters": "ในนั้น ฉันพยายามเน้นย้ำว่าคนเหล่านี้กำลังกินมันฝรั่งด้วยแสงตะเกียง กำลังขุดดินด้วยมือเดียวกับที่ยื่นไปที่จาน ดังนั้นภาพวาดจึงพูดถึงการทำงานหนักและความจริงที่ว่าตัวละครได้รับอาหารอย่างซื่อสัตย์" ในปี พ.ศ. 2429-2431 Van Gogh อาศัยอยู่ในปารีส เยี่ยมชมสตูดิโอศิลปะส่วนตัวอันทรงเกียรติของอาจารย์ P. Cormon ผู้โด่งดังทั่วยุโรป ศึกษาการวาดภาพอิมเพรสชั่นนิสต์ งานแกะสลักของญี่ปุ่น และงานสังเคราะห์ของ Paul Gauguin ในช่วงเวลานี้ จานสีของ Van Gogh สว่างขึ้น สีเอิร์ธโทนหายไป สีน้ำเงินบริสุทธิ์ สีเหลืองทอง โทนสีแดงปรากฏขึ้น ลักษณะเฉพาะของเขาที่ไหลลื่นด้วยแปรง (“Agostina Segatori ใน Tambourine Cafe,” “สะพานข้ามแม่น้ำแซน, "Père Tanguy", "ทิวทัศน์ปารีสจากอพาร์ตเมนต์ของ Theo บนถนน Lepic")

ในปี 1888 Van Gogh ย้ายไปที่ Arles ซึ่งในที่สุดก็ได้กำหนดความคิดริเริ่มของสไตล์สร้างสรรค์ของเขา อารมณ์ทางศิลปะที่เร่าร้อน แรงกระตุ้นอันเจ็บปวดต่อความสามัคคี ความงามและความสุข และในขณะเดียวกัน ความกลัวต่อกองกำลังที่ไม่เป็นมิตรต่อมนุษย์ รวมอยู่ในภูมิประเทศที่ส่องประกายด้วยสีสันที่สดใสของทางใต้ (“ The Yellow House”, “ The Harvest La Croe Valley") หรือภาพที่สื่อถึงลางร้าย ชวนให้นึกถึงฝันร้าย (“Cafe Terrace at Night”); พลวัตของสีและจังหวะ

วี. แวนโก๊ะ. ระเบียงไนท์คาเฟ่ พ.ศ. 2431

เต็มไปด้วยชีวิตและการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณ ไม่เพียงแต่ธรรมชาติและผู้คนที่อาศัยอยู่ (“ไร่องุ่นแดงในอาร์ลส์”) เท่านั้น แต่ยังรวมถึงวัตถุที่ไม่มีชีวิตด้วย (“ห้องนอนของแวนโก๊ะในอาร์ลส์”)

งานอันเข้มข้นของแวนโก๊ะในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมามาพร้อมกับอาการป่วยทางจิต ซึ่งทำให้เขาต้องไปโรงพยาบาลจิตเวชในอาร์ลส์ จากนั้นไปที่แซ็ง-เรมี (พ.ศ. 2432-2433) และไปที่โอแวร์-ซูร์-วอยส์ (พ.ศ. 2433) ซึ่งเขาฆ่าตัวตาย . ผลงานในช่วงสองปีสุดท้ายของชีวิตของศิลปินโดดเด่นด้วยความหลงใหลในความสุขการแสดงออกของการผสมสีที่เพิ่มมากขึ้นอารมณ์ที่เปลี่ยนแปลงอย่างกะทันหัน - จากความสิ้นหวังที่บ้าคลั่งและวิสัยทัศน์ที่มืดมน ("ถนนที่มีไซเปรสและดวงดาว") ไปจนถึงความรู้สึกที่สั่นสะเทือนของการตรัสรู้ และความสงบ (“ทิวทัศน์ใน Auvers หลังฝนตก”)

วี. แวนโก๊ะ. ไอริส พ.ศ. 2432

ในระหว่างการรักษาที่คลินิก Saint-Rémy Van Gogh วาดภาพวงจรของภาพวาด "Irises" ภาพวาดดอกไม้ของเขาไม่มีความตึงเครียดสูงและแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของภาพพิมพ์อุกิโยะของญี่ปุ่น ความคล้ายคลึงกันนี้แสดงออกมาในการเน้นรูปทรงของวัตถุ มุมที่ผิดปกติ การมีอยู่ของพื้นที่ที่มีรายละเอียด และพื้นที่ที่เต็มไปด้วยสีทึบที่ไม่สอดคล้องกับความเป็นจริง

วี. แวนโก๊ะ. ทุ่งข้าวสาลีกับกา พ.ศ. 2433

“ทุ่งข้าวสาลีกับอีกา” เป็นภาพวาดของแวนโก๊ะ ซึ่งวาดโดยศิลปินในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2433 และถือเป็นผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา ภาพวาดนี้คาดว่าจะแล้วเสร็จในวันที่ 10 กรกฎาคม พ.ศ. 2433 19 วันก่อนที่เขาจะเสียชีวิตใน Auvers-sur-Oise มีเวอร์ชั่นหนึ่งที่แวนโก๊ะฆ่าตัวตายในขั้นตอนการวาดภาพนี้ (ออกไปในที่โล่งด้วยวัสดุในการวาดภาพเขายิงตัวเองเข้าที่บริเวณหัวใจด้วยปืนพกที่ซื้อมาเพื่อไล่ฝูงนกให้กลัวแล้วจึงไปถึงที่ โรงพยาบาลที่ท่านเสียชีวิตจากการเสียเลือด)