Obras de arte famosas dedicadas a los niños. Grandes obras de arte destruidas por un estúpido accidente (7 fotos)

Los volcanes son considerados uno de los más impresionantes y aterradores. fenomenos naturales. Las erupciones de algunos de ellos, los más significativos, inspiraron a muchos artistas a crear grandes obras.

Cuadro en lienzo "El último día de Pompeya"

La obra de arte más famosa sobre volcanes fue el cuadro "El último día de Pompeya". Su autor es Karl Bryullov. Fue escrito en la primera mitad del siglo XIX. Aquí el artista capturó la erupción de uno de los volcanes italianos más poderosos: el Vesubio. Sucedió en el verano del 79 d.C. Su consecuencia fue la destrucción total de tres ciudades cercanas, que quedaron sepultadas sobre una gruesa capa de ceniza volcánica y lava.

Estas ciudades fueron:

• Pompeya.
• Herculano.
• Estabias.

El mayor de ellos es Pompeya. Era una ciudad próspera donde vivían principalmente romanos ricos. Allí se ubicaban las fincas de verano de la nobleza y los ricos.

La erupción del Vesubio ha sido descrita por muchos historiadores romanos. Atestiguan que debido al polvo que se levantó durante la erupción y al desprendimiento de rocas ardientes, los barcos no pudieron acercarse a Pompeya. Por lo tanto, los residentes de la ciudad simplemente no pudieron escapar y la mayoría murió.

En el siglo XVIII, Pompeya fue descubierta inesperadamente y comenzaron las excavaciones arqueológicas. Hoy hay un museo debajo Aire libre, teniendo un significado único. Muchos objetos y casas aquí fueron enterrados sin cambios bajo una capa de ceniza y dan una idea clara de la vida de los romanos en esa época.

Otras obras de arte dedicadas a los volcanes

Además de las pinturas de Bryullov, están dedicadas a las erupciones volcánicas. las siguientes obras letras:

• El poema "El Vesubio abrió la boca", autor - A.S. Pushkin.
• Poema "Volcanes", autor - B. Akhmadulina.
• La novela "El último día de Pompeya" de Edward Bulwer-Lytton.
• Novela "Arria de Marcelo", autor - Théophile Gautier.

Todos ellos también describen la erupción del Vesubio y la destrucción de la ciudad de Pompeya. Otros incidentes similares en el arte prácticamente no se mencionan, quizás porque no tuvieron una escala y un número de víctimas tan amplios.

A veces sucede que obras de arte de valor incalculable son destruidas debido a la estupidez humana. Por eso en los museos y otros lugares donde se encuentran estas reliquias tenemos prohibido tocarlas. A continuación, recordemos 7 grandes obras de arte que fueron destruidas por el hombre.

Jarrones de la dinastía Qing

La regla número uno para visitar cualquier lugar con obras de arte de valor incalculable es atarse siempre los cordones de los zapatos. En febrero de 2006, Nick Flynn estaba subiendo las escaleras dentro del Museo Fitzwilliam en Cambridge, Inglaterra, cuando de repente pisó el cordón desatado de su zapato y perdió el equilibrio. Agitando involuntariamente los brazos y tratando de agarrarse a algo (y no había barandillas en las escaleras), atrapó tres jarrones de la dinastía Qing de 1600-1700. Flynn escapó ileso, pero los jarrones, valorados en unas 500.000 libras esterlinas, fueron hechos añicos. Flynn, a quien se le ha prohibido la entrada al museo de por vida, calificó el incidente como un simple accidente. Gracias a ello, en agosto de 2006 se pudieron pegar los jarrones a partir de las 113 partes en las que se habían roto.

Estatua de Hércules

Es posible que Hércules tuviera el poder de los dioses, pero, lamentablemente, esta propiedad no se transfirió a las esculturas que se erigieron en su honor. Hace un año, dos turistas que visitaban el palacio Loggia dei Militi en Cremona, Italia, dañaron la Statua dei due Ercole (estatua de los dos Hércules), de 300 años de antigüedad, cuando se subieron a ella para tomarse una selfie. Los turistas lograron arrancar un trozo de la corona de una de las dos figuras de mármol, tras lo cual fueron acusados ​​de vandalismo.

Estatua del rey Sebastián

Un visitante de 24 años de la capital portuguesa, Lisboa, subió a la estatua de 125 años de antigüedad en la fachada de la estación Rossio el 3 de mayo para tomarse una selfie. La estatua, que representaba al "niño rey" Sebastián, que gobernó Portugal en el siglo XVI, cayó al suelo y se rompió. El turista, que intentó escapar, fue capturado por la policía y finalmente será juzgado. Por el momento se desconocen los planes para restaurar la estatua.

Este hombre

Quizás el intento más famoso y divertido de “restaurar” un objeto de arte en la historia fue el intento de la feligrés Cecilia Jiménez, de 80 años, de restaurar un fresco de principios del siglo XX sobre un tema evangélico “ Ecce Homo” (“He aquí el Hombre”), que estaba ubicado en el Templo de la Misericordia en la ciudad española de Borja. Como resultado, su trabajo fue reconocido como la peor restauración de la historia y se hizo famoso en Internet con el nombre de “Furry Jesus”.
Esto no es sorprendente, ya que la imagen del fresco comenzó a parecerse no al original, sino a una especie de mono esponjoso. Aunque inicialmente la iglesia planeó contratar conservadores de arte profesionales para arreglar el mural, en 2014 cambiaron de opinión. La obra de Jiménez se ha convertido en una importante atracción turística, lo que ha provocado que 150.000 visitantes de todo el mundo vengan a Borja por 1,25 dólares para ver el inusual mural.

Estatua de la Virgen María

En 2013, un turista estadounidense de Missouri visitó el Museo de la Ópera del Duomo en Florencia, Italia. Allí se acercó a una estatua de la Virgen María de 600 años de antigüedad de Giovanni d'Ambrogio y por alguna razón intentó comparar su dedo meñique con el suyo. Como resultado, el dedo de la escultura se rompió, pero afortunadamente resultó ser yeso.

sátiro borracho

La buena noticia es que esta estatua en Milán, que perdió su pierna izquierda a causa de desconocidos entusiastas de las selfies en 2014, era solo una réplica de otra estatua que data del 220 a.C. La mala noticia es que la réplica era muy valiosa y bastante antigua (obra del siglo XIX). Cámaras CCTV en esta sección de la Academia de Milán Bellas Artes Brera no ha sido identificada, pero los testigos vieron a un estudiante turista subirse a la estatua y sentarse sobre sus rodillas para tomar una foto. El estudiante aparentemente no se dio cuenta de que la réplica de la estatua estaba hecha de terracota y yeso y estaba ensamblada en pedazos, por lo que la pierna se cayó y se rompió.

Cuadro "Actor" de Picasso

Es bastante difícil pasar por alto el cuadro “El actor” de Picasso, de casi dos metros de altura. Pero un visitante del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en enero de 2010 tomó esta afirmación demasiado literalmente. Perdió el equilibrio durante la excursión y cayó sobre el cuadro, creando un agujero de 15 centímetros en la obra de arte de 1904. El proceso de restauración duró tres meses.

A la gente le encanta clasificar todo, creando "desfiles de éxitos" únicos en las categorías más inesperadas. Incluso una materia tan sutil como el arte no escapa a este destino, aunque la comparación obras de arte muy duro. El canal de noticias BBC evaluó varios pinturas, identificando los diez más destacados. Por supuesto, esta calificación es muy controvertida y el lector puede preguntarse dónde están, de hecho, Surikov, Levitan, Repin o Chagall, por ejemplo. Por desgracia, a los británicos no les gusta recordar los logros rusos, incluso en el campo. Artes visuales. Sin embargo, tal sesgo no nos impedirá admirar estos maravillosas pinturas. Entonces:

Leonardo da Vinci, La Última Cena, (finales de la década de 1490)

La trama recrea el momento más dramático de la Semana Santa, cuando Jesús, cenando con sus discípulos, les informa que pronto uno de ellos lo traicionará y el otro renunciará a sus creencias. Judas, sentado en el cuarto lugar desde la izquierda a la mesa, muestra vergüenza con toda su postura, el resto de los apóstoles expresa sorpresa e indignación. El cuadro fue pintado en la pared del refectorio del monasterio y, lamentablemente, sufrió graves daños, por lo que se perdió. mayoría carta del autor original.

Giovanni Bellini, "Fiesta de los dioses" (1514)

El banquete es un tema común. pintura italiana Siglo XVI, muchas obras están dedicadas a él. Renacimiento. Por ejemplo, el artista Andrea del Sarto incluso representó una iglesia hecha con salchichas y queso parmesano. El cuadro fue pintado principalmente por Bellini, pero contó con la ayuda del joven Tiziano, que era su alumno en ese momento. Esta obra maestra está realizada en el género mitológico. Los personajes eran el dios de la fertilidad Príapo, ninfas, Júpiter y otras deidades bebedoras de vino. Una innovación tecnológica fue la porcelana china azul y blanca, recientemente importada a Europa.

Paolo Veronese, "Las bodas de Caná" (1563)

Esta escena brillante y colorida fiesta masiva cuelga en el ala italiana del Louvre, justo enfrente de la Mona Lisa, contribuyendo lamentablemente a su reputación como una de las obras maestras más pasadas por alto de todo el arte occidental. Las bodas en las que Cristo acababa de convertir el agua en vino fueron trasladadas de Caná a autor contemporáneo Venecia. Los invitados elegantemente vestidos parecen estar ocupados comiendo postre, pero si miras de cerca, notarás que ninguno de ellos está comiendo. Esto se explica por el hecho de que la imagen representa a representantes de la clase alta que, a diferencia de los plebeyos, no consideraban muy decente interesarse por las golosinas.

Diego Velázquez, El triunfo de Baco (1628)

De piel blanca y coronado de hojas de hiedra, el dios del vino se sienta en compañía divertida. Como corresponde a su estatus, está borracho. A su lado hay trabajadores bronceados con abrigos marrones españoles, que parecen mucho más sobrios. El artista representó una escena mitológica, bastante poco común en su obra. Velázquez se alejó de la imagen tradicional de juerga bacanal, en la que solían participar ninfas, y giró hacia un estilo más naturalista propio de las escenas de género (bodegones).

Peter Paul Rubens, "La fiesta de Herodes" (1635-38)

Se levanta la tapa del plato y debajo está la cabeza de Juan Bautista. El magnífico y oscuro cuadro de Rubens muestra el momento en que Salomé, después de haber bailado para su padrastro Herodes, es recompensada con la muerte del santo. La cabeza humana se alimenta mesa festiva junto con langosta y caza. Herodías, la madre de Salomé, pincha la lengua de Juan con un tenedor mientras su marido queda abrumado por el horror.

Jan Steen, "La casa disoluta" (1663-64)

si en la era Alto Renacimiento los artistas representaban dioses o aristócratas, entonces pintores holandeses El siglo XVII recurrió a escenas cotidianas, a veces ricas en significado moral y satírico. Está claro que estos juerguistas pecan habitual y rutinariamente. Un hombre vestido de negro intenta seducir a una criada y la mujer en primer plano está tan ocupada bebiendo que no nota la Biblia bajo sus pies. El gran jamón, que aparentemente se convirtió en el centro de esta festividad, está olvidado en el suelo y el gato ya lo mira con interés.

Juan Martín, La fiesta de Belsasar, (1821)

John Martin fue uno de los más extraños. artistas ingleses Siglo XIX. Su estilo se caracteriza por visiones apocalípticas, pero el patetismo excesivo a veces se convierte en absolutamente kitsch. En este cuadro representa una escena del Libro de Daniel en la que el rey de Babilonia recibe un mal augurio. Grandiosas columnatas hasta el infinito, terribles relámpagos en el cielo y todo eso...

Edouard Manet, Almuerzo sobre la hierba (1862)

Las pinturas pasaron a la historia del arte occidental por haber sido rechazadas por el Salón de París y en él se violaron todas las reglas de la perspectiva y la iconografía; Tampoco está claro por qué los hombres van vestidos con trajes modernos, las mujeres están desnudas y, sin embargo, la gente no se mira. Sin embargo, quizá Manet no estuviera pintando un picnic en absoluto, a pesar de las frutas y bollos que rodaban de la cesta sobre la hierba. Lo más probable es que no haya ningún indicio de filosofía, moralidad o mitología significativa; el artista simplemente describió algún hecho de la vida moderna.

James Ensor, "El banquete del hambre" (1915)

Cuando las tropas alemanas ocuparon Bélgica al comienzo de la Primera Guerra Mundial, Ensor escribió esta amarga parodia de " Última cena" Sobre la mesa hay un miserable almuerzo que consiste en dos zanahorias y una cebolla, con insectos arrastrándose por todas partes. Las paredes están decoradas con pinturas terribles y la gente se amotina. Los horrores de la guerra se manifiestan no sólo en los campos de batalla, sino también en la vida cotidiana, que es de lo que habla esta pintura.

Judy Chicago, "La cena" (1974-79)

Tenías que ser un gran admirador del arte feminista estadounidense para poner esta pintura en la lista de los diez primeros. mejores trabajos de todos los tiempos y pueblos. Representa una mesa puesta para tres docenas de grandes mujeres, cuyos nombres no significan nada para nuestros compatriotas (con la posible excepción de Virginia Woolf). El centro de la composición no es la comida, sino las tapas. Chicago completó este trabajo con la ayuda de 400 voluntarios.

Pero no todas las teorías sobre el significado de las obras son tan descabelladas. Algunos logran ser muy convincentes y completamente alucinantes.

1. El sátiro que está de luto por una ninfa en realidad muestra un asesinato brutal

La pintura fue pintada por Piero di Cosimo en 1495 y pretende representar una escena de las Metamorfosis de Ovidio. En esta historia, Procris fue asesinada accidentalmente en el bosque por su marido, el cazador Céfalo, quien por error confundió a su esposa con un animal salvaje y la atravesó con una lanza.

Esta es una elección de escena típica de un artista del Renacimiento, Pero hay un problema. Un estudio cuidadoso muestra que el Procris representado en la pintura de Cosme no pudo haber muerto por accidente.

Según el profesor británico Michael Baum, todos los indicios apuntan a que el cuadro representa un asesinato brutal. Procris tiene laceraciones profundas en el brazo, como si estuviera tratando de defenderse de los ataques con cuchillo. Finalmente, también hay una herida en el cuello.

En lugar de representar una escena de una novela, el cuadro de Cosimo nos muestra las consecuencias de un violento ataque con cuchillo. Probablemente esto no se hizo intencionalmente. El profesor Baum sospecha que Cosimo pidió a la morgue local que le prestara un cadáver para poder dibujar a una víctima de asesinato.

2. Diego Rivera testificó que J.D. Rockefeller Jr. tenía sífilis

La obra de Diego Rivera “El hombre que controla el universo” es una de las creaciones notables del arte de la pintura mexicana. El mural fue encargado originalmente para el Rockefeller Center, pero luego fue reconstruido en la Ciudad de México después de que Nelson Rockefeller destruyera el mural.

No le gustó el hecho de que en él apareciera Lenin. Restaurar la imagen fue también un monumental acto de venganza. El mural afirma que el padre de Nelson Rockefeller tenía sífilis.

Uno de los elementos clave de la pintura fueron los episodios del último descubrimientos cientificos. Galaxias, estrellas en explosión, muchas bacterias flotando sobre las cabezas de hombres y mujeres...

Después de la destrucción de Nelson Rockefeller Versión original, Rivera pintó a su padre, J.D. Rockefeller Jr., rodeado de la bacteria que causa la sífilis.

Eso no es todo. A pesar de que J.D. Rockefeller Jr. fue abstemio durante toda su vida, Rivera lo pintó con un martini en la mano y mujeres que parecían prostitutas. Para realzar el efecto, colocó a Lenin en primer plano.

3. En el cuadro “Isabella”, el hombre esconde su erección.

Una de las luminarias del movimiento prerrafaelita, John Everett Millais, es probablemente más conocido hoy en día por su cuadro Ofelia. Al menos así fue hasta 2012, cuando los investigadores descubrieron algo inesperado en su cuadro Isabella. Representa una escena del Decamerón de Boccaccio y la sombra de un pene erecto es claramente visible sobre la mesa del banquete.

"El Decamerón" es uno de los más libros eróticos, jamás pintado, y el cuadro está lleno de referencias a la sexualidad. La pierna extendida del personaje representa un símbolo fálico, y el montón de sal derramada cerca de la sombra del pene probablemente simboliza el semen. Parece obsceno, pero al mismo tiempo no se parece en nada a la pornografía ordinaria.

4. La Primavera expresa el amor por la jardinería

Este es uno de los más trabajos famosos Botticelli en la Galería de los Uffizi de Florencia. La Primavera es también una de las más pinturas misteriosas Botticelli. Debido a que representa a un grupo de mujeres caminando por el cielo como si estuvieran en un prado, los expertos aún sostienen que la pintura tiene un significado alegórico.

Pero hay una teoría que se destaca de todas las demás por su evidencia y extrañeza: que afirma que la imagen trata sobre jardinería.

Esta versión parece plausible debido a la impresionante meticulosidad con la que el autor escribe cada planta. Según estimaciones oficiales, la pintura representa al menos 500 plantas diferentes cuidadosamente representadas de casi 200 especies diferentes.

Algunos creen que todas estas eran plantas que crecían en la Florencia del siglo XV y florecían de marzo a mayo. Otros afirman que el propio Botticelli inventó estas plantas, especialmente para este cuadro.

5. “Music Lesson” está llena de sexualidad.

Creada por Johannes Vermeer en la década de 1660, La lección de música se considera una de mejores pinturas, que representa la vida holandesa en el siglo XVII. Un apuesto tutor le enseña a una joven a tocar el clavecín.

Esta es una representación fotorrealista de un día típico. alta sociedad durante la época de Vermeer. Al menos esa es la explicación estándar. Algunos creen que la imagen está impregnada de sexo y pasión oculta.

Según esta teoría, la imagen está llena de pequeñas pistas para comprender la tensión sexual entre la niña y su mentor. No es de extrañar que la imagen de la niña se asocie con la virginidad, pero el espejo sobre el clavicémbalo muestra que la niña en realidad está mirando a la maestra mientras toca.

La jarra de vino es un afrodisíaco, mientras que el instrumento en el suelo se interpreta como un enorme símbolo fálico. Si miramos la imagen desde este punto de vista, podemos incluso suponer que el espectador es un voyeur.

Y este no es sólo el caso de esta imagen. Algunos historiadores del arte sostienen que la presencia de música en las pinturas de Vermeer siempre simboliza la sexualidad, lo que hace que su obra sea muy extraña.

6. "Café Terraza de Noche" recuerda a "La Última Cena"

Pintada en 1888, "Cafe Terrace at Night" es una de las más obras importantes Van Gogh, revelando plenamente el estilo especial del artista. Ella también es una de sus favoritas. Pero algunos sostienen que tiene un significado mucho más profundo. Una teoría reciente es que "Cafe Terrace at Night" hace referencia a La última cena.

CON temprana edad Van Gogh era extremadamente religioso. Su padre era un ministro protestante y críticos de arte influyentes sostienen que las pinturas del artista están llenas de imágenes cristianas.

En el caso de "Café Terrace at Night", esta imagen aparece en la forma de Jesús viniendo a comer con sus discípulos. Si miras de cerca a los comensales, puedes ver que son doce y están sentados alrededor de una figura central con el pelo largo.

Es revelador que incluso haya varias cruces escondidas en la imagen, incluida una directamente encima de la figura de Cristo. Hay otra evidencia que apoya esta teoría.

Cuando Van Gogh le escribió a su hermano sobre la pintura, argumentó que el mundo tenía una “gran necesidad” de religión. También estaba profundamente fascinado por Rembrandt y expresó su deseo de revitalizar su estilo de bellas artes. simbolismo cristiano. "Cafe Terrace at Night" bien puede ser una prueba de que finalmente lo consiguió.

7. “Alegoría con Venus y Cupido” advierte sobre la sífilis

Una imagen que muestra a Venus y Cupido a punto de tener sexo delante de un hombre calvo siempre despierta la imaginación. Incluso para los estándares de su época, la Alegoría con Venus y Cupido de Agnolo Bronzino es un poco oscura.

A pesar de las críticas favorables Al hablar de la obra como una pintura erótica de “especial belleza”, hay muchas evidencias de que se trata realmente de una advertencia sobre la sífilis. Esto se evidencia en la figura que grita en el lado izquierdo de la imagen.

Aunque en descripción clásica Se dice que la pintura es una metáfora de los celos o la desesperación; un estudio cuidadoso muestra que en realidad ella es muy mala. Los dedos de la figura están hinchados, como los de los pacientes con sífilis, le faltan uñas y el cabello muestra signos de alopecia sifilítica. Las encías desdentadas sugieren envenenamiento por mercurio, que se usaba para tratar la sífilis en la Italia del Renacimiento.

Uno de los personajes tiene una espina de rosa incrustada en su pierna, pero no se da cuenta. Esta falta de sensación será un resultado directo de la mielopatía sifilítica. En otras palabras, la imagen representa el sufrimiento que aguarda en el futuro a quienes siguen el ejemplo de sus pasiones.

8. El Autobus habla de terrible accidente

Cuadro artista mexicano El Autobus de Frida Kahlo, pintado en 1929, describe la vida de una comunidad mexicana. Un ama de casa, un trabajador, una madre india y un rico empresario gringo, a pesar de las diferencias sociales, esperan el autobús junto a una chica que probablemente se refiere a la propia Frida. Todos los personajes de esta imagen no saben que les espera un terrible accidente.

En 1925, Kahlo viajaba en un autobús que chocó contra un tranvía. La colisión fue tan fuerte que el cuerpo de Kahlo quedó atravesado por una barandilla de metal.

Es más trabajos tardíos A menudo se hace referencia a este accidente, lo que implica que es un milagro que ella haya sobrevivido al accidente. El Autobus tampoco es una excepción. Se supone que el trabajador de la imagen es exactamente el hombre que salvó la vida de Kahlo arrancando la barandilla rota de su cuerpo.

9. Pinturas de la escuela de pintura holandesa: pinturas en pinturas.

La Edad de Oro holandesa de la pintura ocupa quizás el segundo lugar. Renacimiento italiano. Al igual que otras épocas, esta época también tuvo sus propias modas pasajeras en la moda y la pintura, una de las cuales fue que los artistas pintaran “cuadros dentro de pinturas”.

Estos “cuadros dentro de pinturas” no fueron solo pintados por Vermeer y sus camaradas con un pincel. Algunos creen que estas pinturas contienen un código simbólico especial. Un ejemplo de este estilo es el cuadro “Zapatillas” de Samuel van Hoogstraten.

A primera vista, el cuadro muestra una sala vacía con dos pares de zapatillas en el centro. En la pared de la sala cuelga un cuadro de Kaspar Netscher “Un padre regaña a su hija”.

A primera vista, nada inusual. Pero para los conocedores modernos. arte holandés Se sabe que el cuadro de Netscher fue pintado en un burdel. Al parecer estas zapatillas pertenecen a un hombre y una mujer, pero como la habitación está vacía, tal vez se fueron a tener relaciones sexuales.

En otros casos el código era más sutil. En las pinturas “Hombre escribiendo una carta” y “Mujer leyendo una carta” (en la foto) se representa a Gabriel Metsu. hombre joven, escribiendo una carta su amada y su lectura.

En el segundo cuadro, la imagen de un barco en un mar tormentoso simboliza la naturaleza tormentosa de su relación posterior. En la imagen " Carta de amor"El barco de Vermeer bajo nubes siniestras sugiere la posibilidad de malas noticias.

Puedes encontrar cientos de ejemplos como este. pinturas holandesas“dentro de la imagen”, que cambian sutilmente el significado de la imagen principal.

10. Las obras de L. S. Lowry están llenas de sufrimiento oculto.

Este artista de mediados del siglo XX es conocido por sus pinturas del noroeste de Inglaterra. L. Lowry a menudo pintaba escenas de grandes ciudades con multitudes de "estafadores". Aunque era popular, el mundo del arte durante mucho tiempo no reconoció sus pinturas, considerándolas triviales. De hecho, las pinturas de Lowry están llenas de sufrimiento humano oculto.

Sobre el lienzo de 1926 “Accidente” Se dibuja una multitud de personas que se han reunido cerca del lago y lo miran. De hecho, el artista se inspiró en la escena del suicidio en este lugar, y la multitud se reunió para contemplar el cadáver del ahogado.

Otras pinturas de Lowry representan personajes que observan peleas a puñetazos, personas desafortunadas que son desalojadas de sus hogares o simplemente personas que miran por las ventanas deprimidas.

En ninguna imagen se enfatiza jamás la tragedia. Todas las demás personas continúan viviendo su la vida cotidiana, ajenos al sufrimiento de sus vecinos. En este mundo estamos completamente solos y nuestro dolor no significa nada para los demás. Y este es probablemente el mensaje oculto más terrible.

Daria Zolotykh 11.10.2015

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CUENTOS DE CATALINA II

A Catalina II difícilmente se la puede llamar una buena madre: ella relaciones dificiles con su único hijo Pavel (futuro Pavel I) - famoso hecho histórico. El niño creció lejos de su madre y rara vez la veía. Catalina II destituyó arbitrariamente a su hijo del poder cuando su padre murió durante un golpe de estado. Pedro III. Pavel toda su vida sospechó que su madre estaba implicada en la muerte de su padre y no pudo perdonarla por ello. Pero Catalina II era una abuela cariñosa y sensible.

Esperaba entregar directamente las riendas del gobierno a su nieto Alejandro, por lo que ella misma participó en su crianza y educación. Para edificación de su nieto, la emperatriz escribió "El cuento del príncipe Cloro" (la historia de un joven que superó todo tipo de obstáculos en busca de rosa magica sin espinas) y “El cuento del príncipe Tebas”, dedicado a las reglas de comportamiento del heredero al trono.

Los literatos consideran que las obras de Catalina II son las primeras cuentos de hadas literarios en la historia de la cultura nacional.

“El príncipe respondió:

Buscamos una rosa sin espinas, que no pinche.

“Escuché”, dijo el joven, “de nuestro maestro acerca de una rosa sin espinas que no pincha”. Esta flor no es otra cosa que la virtud. Otros piensan llegar hasta allí por caminos tortuosos, pero sólo un camino recto conduce hasta allí. He aquí la montaña que tienes en mente, en la que crece una rosa sin espinas, que no pincha; pero el camino es empinado y pedregoso”.

Catalina II, "El cuento del príncipe Cloro"

RETRATOS DE ILYA REPIN

La vida familiar de Ilya Repin con su primera esposa Vera fue muy difícil. Pero los problemas en la relación con su esposa no afectaron de ninguna manera los sentimientos del artista hacia sus hijos: Repin los amaba mucho. Su hija mayor, Vera, a menudo se convirtió en la heroína de sus pinturas, por ejemplo, las obras "Retrato de Vera Repina" (1878), "Libélula" (1884), "Ramo de otoño" (1892). Repin también pintó a su segunda hija, Nadya, con no menos frecuencia; también se la representa en las pinturas "Retrato de Nadya Repina" (1881), "In the Sun" (1900). El único hijo de Repin, Yuri, que más tarde se convirtió en artista, posó para su padre para su retrato infantil en 1882.

RETRATOS DE KONSTANTIN MAKOVSKY

Konstantin Makovsky estuvo casado tres veces. Su primer matrimonio duró poco: Makovsky enviudó poco después de la boda. Pero vivió con su segunda esposa, Yulia Letkova, durante más de 20 felices años. En este matrimonio tuvieron tres hijos, quienes se convirtieron en los modelos favoritos del artista. En el "Retrato de familia" representó a su esposa con su hijo Sergei y su hija Elena. El joven Sergei se convirtió en el héroe de otras pinturas, por ejemplo, "El pequeño ladrón" (1881), "El pequeño anticuario" y "Retrato de un hijo con traje de marinero".

Ya a una edad avanzada, Makovsky conoció a su tercera esposa, por quien dejó a su familia anterior. Makovsky pintó a los cuatro hijos de este matrimonio (Konstantin, Olga, Marina y Nikolai) con tanta frecuencia como a los mayores.

RETRATOS DE VALENTÍN SEROV

Valentin Serov era el padre gran familia- Su esposa Olga Trubnikova le dio al artista seis hijos, a quienes Serov pintaba a menudo. Entre los famosos retratos infantiles del artista se encuentran el retrato marino "Los niños (Sasha y Yura Serov)", el retrato de "Misha Serov", el boceto en acuarela "Sasha Serov" y el cuadro "Los hijos de la artista Olga y Antosha Serov". La vida de los hijos de Valentin Serov se desarrolló de manera diferente: la hija mayor, Olga, se convirtió en artista, su hijo, Yuri, en actor de cine y Alexander Serov, constructor naval y piloto militar, emigró al Líbano, donde se dedicó a la construcción de carreteras.

RETRATOS DE ZINAIDA SEREBRYAKOVA

Antes de la revolución, Zinaida Serebryakova vivía feliz con su marido Boris Serebryakov y sus cuatro hijos: Evgeny, Alexander, Tatyana y Ekaterina. Los niños posaron felices para los retratos del artista. Serebryakova representó a tres niños en la pintura "En el almuerzo", por separado: un hijo dormido, Zhenya, en un boceto de 1908, y sus hijas en el retrato "Tata y Katya". En 1919, la vida de la familia cambió: el marido de Serebryakova falleció. Luego, la artista comenzó a pintar a sus hijos aún más a menudo, buscando consuelo en ellos. El período posrevolucionario de la obra de Serebryakova incluye las pinturas "House of Cards", "On the Terrace in Kharkov", así como numerosos retratos de sus hijas. En 1924, Zinaida Serebryakova se vio obligada a partir hacia Francia y dejar a sus hijos en la URSS. Unos años más tarde, Alexander y Ekaterina pudieron visitarla, pero Serebryakova pudo ver a Tatyana solo después de 36 años.

POEMAS DE MARINA TSVETAEVA

Tsvetáeva escribió a menudo en detalle sobre sus hijos, Ariadna, Irina y Georgiy, en sus diarios y les dedicó numerosos poemas. Su musa principal fue Ariadna. Le escribió, por ejemplo, "Poemas a su hija" y "Ale". A Tsvetáeva le costó mucho vivir la separación forzada de hija mayor, cuando tuvo que enviar a Ariadna a un orfanato, lo que quedó reflejado en su poema “Pequeña casa espíritu, mi casa genio”. Tsvetáeva dedicó un poema igualmente trágico, “Bajo el rugido de las tormentas civiles”, a Irina, quien murió a la edad de tres años.

Bajo el rugido de las tormentas civiles,
En un momento difícil,
Te doy un nombre: paz,
El legado es azul.

¡Aléjate, aléjate, enemigo!
Dios te bendiga, Trino,
Heredera de las bendiciones eternas
¡Bebé Irina!

Marina Tsvetáeva

POEMAS DE BORIS PASTERNAK

En las décadas de 1920 y 1930, para muchos poetas, los poemas infantiles eran la única forma publicar sin temor a persecución. Fue en este momento publicaciones separadas Se publicaron dos poemas "infantiles" de Pasternak, escritos, sin embargo, no tanto para ganar dinero como para leerlos. hijo pequeño Evgeniy. Estos fueron los libros "Menagerie" con ilustraciones de Nikolai Kupreyanov y "Carrusel" con dibujos de Nikolai Tyrsa. Desde entonces, estos poemas se han vuelto a publicar solo una vez, en 2016. El propio Pasternak, cuando era niño, inspiró a su padre, el artista Leonid Pasternak, a crear varios retratos infantiles ("Retrato de Boris Pasternak con el telón de fondo del Mar Báltico", gráfico "Boris Pasternak al piano", "Colegio dormido") .

...El gruñido lejano de los pumas
Fusionándose con un ruido discordante.
El gruñido rueda por el parque,
Y el cielo se está calentando
Pero no hay una nube a la vista
En el jardín zoológico.
Como vecinos bondadosos,
Los osos hablan con los niños.
Y las ruidosas estufas amortiguan
Talones desnudos de cachorros de oso.
Corriendo por la pasarela de azulejos
Bajan en ropa interior
Tres osos polares
En un estanque familiar.
Boris Pasternak, "La casa de fieras"

CUENTOS DE BULAT OKUDZHAVA

Cuando Bulat Okudzhava vivía en Yalta a finales de los años 1960, escribía cartas a su hijo con cuentos de hadas y les hizo dibujos divertidos. Ni siquiera pensó en publicarlo hasta que Bella Akhmadulina vio esta correspondencia. Siguiendo su consejo, Okudzhava combinó cuentos de hadas dispersos en una sola historia. Así apareció el libro "Lovely Adventures", la historia de las criaturas exóticas Craig the Kootenay Ram, Good Snake y Sea Gridig. Fue publicado en la URSS en 1971 y venía con ilustraciones del autor. Pronto el libro fue traducido a varios idiomas extranjeros.

“Y esto es lo que dijo Craig, el carnero Kootenay.

Un día estaba caminando por las montañas Kootenay. De repente veo: el lobo solitario y astuto se me acerca sigilosamente. Decidí burlarme de él. Después de todo, yo también soy muy astuto. No quería pelear con él, pero recordaría mi chiste durante mucho tiempo.

Grité y corrí como el viento. El lobo corrió tras de mí.

¡Sí! - él gritó. - ¡No me dejarás! ¡Ahora te comeré!

Casi me había alcanzado cuando me dirigí hacia el profundo abismo.

¡Sí! - gritó el Lobo.

Y luego salté. Volé sobre el abismo con mucha facilidad: después de todo, soy muy diestro y el Lobo Solitario y Astuto se cayó.

Corrió por el fondo del abismo, pero no pudo salir. Luego gritó:

¡Sálvame! Nunca lo volveré a hacer. Sólo comeré hierba.

Le bajé la cuerda. Rápidamente subió y cuando salió, se rió y dijo:

Y tú lo creíste, tonto... ¿De verdad decidiste que comería pasto? ¡Realmente necesito tu estúpida hierba! ¡Me gusta la carne! ¡Y te comeré ahora!

Estuvo a punto de atacarme de nuevo, pero soy muy inteligente. Salté y me encontré al otro lado del abismo”.

Bulat Okudzhava, “Encantadoras aventuras”