Tesoros del arte ruso. palej

Palekh fue famoso por sus pintores de iconos desde tiempos prepetrinos. La pintura de iconos de Palekh alcanzó su punto máximo en el siglo XVIII y principios del XIX. El estilo local se formó bajo la influencia de las escuelas de Moscú, Novgorod, Stroganov y Yaroslavl.

La miniatura de Palekh, que surgió como resultado de los cambios sociales y culturales que tuvieron lugar en Rusia después de 1917, logró preservar las antiguas tradiciones de la pintura de iconos y trasladarlas a nuevas formas. De la pintura de iconos, los palestinos tomaron los materiales y el método de pintar con pinturas de emulsión al temple, las técnicas compositivas, el estilo de estilización de las figuras humanas, la arquitectura y el paisaje, las habilidades del dibujo lineal con pinturas creadas por el oro, pero al mismo tiempo los incorporó en nuevas formas y con nuevos temas seculares sobre los temas de la vida rural moderna, la historia, las epopeyas, los cuentos de hadas, la literatura rusa clásica.

En 1918, los antiguos pintores de iconos crearon el Artel Decorativo de Arte Palekh, que se dedicaba a pintar sobre madera. El fundador del estilo Palekh es I. I. Golikov, quien en 1922, al familiarizarse con los productos de los maestros Fedoskino, creó la primera obra en el llamado estilo Palekh.

Paleshians comenzó a dominar un nuevo material - papel maché, que fue la base de la miniatura de laca de Fedoskin. Los maestros de Palekh transfirieron la tecnología de la pintura al temple, tradicional para el antiguo icono ruso, y el estilo condicional de la imagen al papel maché. Un producto semiacabado caro, los espacios en blanco de papel maché, se compró inicialmente en Fedoskino artel, pero pronto establecieron su propia producción.

Por primera vez, las miniaturas de Palekh en papel maché, encargadas por el Museo de Artesanía, se presentaron en la Exposición Agrícola, Artesanal e Industrial de toda Rusia en 1923. A finales de 1924, los artistas de Palekh se unieron en el Artel de la Pintura Antigua, y ya en 1925, las miniaturas de Palekh se exhibieron en la Exposición Mundial de París, donde causaron sensación y disfrutaron de un gran éxito. En 1935, el artel se transformó en la Asociación de Artistas Palekh, en 1954 se formaron los Talleres de Arte y Producción Palekh del Fondo de Arte de la URSS.

Desde los primeros años de existencia del Artel de la Pintura Antigua, surgió la cuestión de la formación de especialistas. En 1928, se abrió una escuela vocacional de pintura antigua en Palekh. En 1935, se transformó en el Art College, que más tarde se conoció como Palekh Art School, que lleva el nombre de A.M. Gorki.

La gama y las formas de los artículos pintados por los maestros de Palekh eran bastante amplias: broches, cuentas, cofres, ataúdes, pitilleras y cajas de rapé, estuches para anteojos y cajas de polvo y mucho más. La miniatura de Palekh del período anterior a la guerra tiene un comienzo ornamental pronunciado, mientras que carece de imágenes vívidas y una historia en desarrollo. Las composiciones más exitosas y populares de ese período fueron las batallas, las pastoras, la caza y las fiestas populares.

En las primeras décadas de la posguerra, muchos maestros de las miniaturas de Palekh representaron en sus obras varias escenas de batalla tanto del final de la Segunda Guerra Mundial como de otras grandes batallas que glorificaron al ejército ruso.

En la década de 1950, la miniatura de laca en Palekh experimentó una clara crisis, que se debió a la tendencia de muchos artistas al exceso de realismo, patetismo y monumentalidad, lo que obligó a salir de los productos el romanticismo y la sublime sofisticación característicos de las obras de años anteriores. En la década de 1960, la poesía y el alegorismo regresaron a las obras de los artistas de Palekh. Durante este período, los artistas paleshianos, en busca de temas para su trabajo, recurren a las fuentes del folclore y las obras de la literatura clásica, así como a las canciones modernas. Al mismo tiempo, eventos socialmente significativos, como, por ejemplo, el vuelo de un hombre al espacio, también encuentran su reflejo en los productos de los maestros.

Habiendo sobrevivido a la difícil década de 1990, los palestinos no abandonaron su oficio tradicional. La Escuela de Arte de Palekh gradúa anualmente a jóvenes maestros que preservan cuidadosamente las tradiciones y características que hacen que la miniatura de Palekh sea tan interesante. Hoy en día, hay varios artels y empresas familiares que fabrican productos de laca tradicionales en Palekh.

La pintura palekh, como cualquier otro arte popular que se haya desarrollado en un área en particular, tiene sus propias características y tradiciones distintivas. El estilo Palekh se diferencia de otras escuelas populares de pintura de laca en las siguientes características: escritura con pinturas al temple de huevo; uso de fondos oscuros; pintura dorada; variedad de transiciones de color; tono suave general de la letra; escritura palatina estampada; una variedad de luces de arcoíris; carta multimarca en miniatura (pequeña); variedad de elementos de composición y su pintoresquismo; pintura en miniatura; patrón y riqueza ornamental del patrón; cuidadoso detalle de cada elemento; alargamiento y fragilidad de las figuras humanas; la sutileza de dibujar partes del cuerpo de las personas.

Palekh se caracteriza por la pintura al temple de varias capas según el patrón delineado en blanco. Primero, se aplican manchas de color, luego se pintan miniaturas y detalles, luego se introduce el oro y el llamado espacio, cuando se aplica pintura a las partes claras en varias etapas, aumentando la cantidad de blanco en el tono principal. Los paleshianos, por regla general, recurren a una técnica de pintura compleja: vidriado o pintura con "flotadores", que consiste en una escritura de varias capas con trazos transparentes, cuando las capas inferiores de pintura brillan a través de las superiores.

El trabajo en el producto comienza con la creación de una pieza de trabajo. Las placas de cartón se untan con pasta de harina hecha de trigo o harina picada (una mezcla de centeno y trigo) y se pegan una encima de la otra sobre una mesa o tablero colocado horizontalmente. El número de capas depende del grosor requerido del producto y varía de 3 a 30. Los costados de ataúdes, cajas, estuches y otros artículos se fabrican envolviendo tiras de cartón en espacios en blanco redondos o rectangulares (hasta 12 capas).

Luego, las piezas de trabajo se comprimen con una prensa. Los productos semiacabados prensados ​​se secan en una habitación seca y oscura durante 3-15 días. Después del secado, la pieza de trabajo se impregna con aceite de linaza caliente, en una cuba con la que se mantiene durante aproximadamente un día. Después de eso, los espacios en blanco se secan durante dos o tres días en un gabinete sellado a una temperatura de +100 grados.

Un producto semiacabado hecho de esta manera se vuelve duradero, como las maderas más fuertes, y se presta bien para la carpintería y el torneado: se puede serrar y cepillar, se pueden mecanizar varias formas en un torno, se pueden construir bisagras y cerraduras. en ello.

Cada pieza en blanco se fabrica inmediatamente para cuatro productos. Luego se aserran. Luego, los espacios en blanco se seleccionan cuidadosamente y se transfieren a los carpinteros, quienes procesan el espacio en blanco con un archivo, y los productos redondos se terminan en un torno. La parte inferior de los productos se hace por separado, se pega en su lugar y se ajusta con una cepilladora. Luego, la pieza de trabajo se gira en una rueda de lijado y se termina con un cepillo de esmeril.

Después de la carpintería, los productos pasan al taller de preparación para la pintura, donde se nivelan con papel de lija y se imprima. El suelo consiste en arcilla limosa de río mezclada con hollín y molida con aceite hervido (aceite de linaza) sobre una losa de piedra con un canto de piedra liso. La imprimación se aplica tres veces con un cepillo de cerdas y se nivela con una tabla plana, una espátula. Después de aplicar cada capa de tierra, los productos se secan bien en el horno, se limpian con barras de esmeril con agua y se secan nuevamente. Luego se pintan todos los lados exteriores con hollín disuelto en barniz de aceite, y los interiores se pintan con cinabrio mezclado con carmín disuelto en el mismo barniz. Después de eso, las superficies negras se cubren tres o cuatro veces con barniz negro. Al final de la preparación, el producto se cubre con un barniz ligero: superficies negras una vez y las internas rojas, tres veces. Después de cada operación con barniz, los productos se secan bien en el horno y la última vez durante al menos 12 horas. Este largo proceso de elaboración de productos para pintar crea un tono fuerte y uniforme en todos sus planos. De esta forma, van al artista, quien los decora con su pintura.

Cuando los productos semielaborados están listos, se entregan a los artistas. Las pinturas en Palekh se crían tradicionalmente, en una emulsión de huevo. En los viejos tiempos, y más tarde en las miniaturas de laca, los artistas mismos preparaban las pinturas. Se hicieron con yema de huevo, se diluyeron con vinagre de mesa o kvas de pan (con menos frecuencia, cerveza o agua de lluvia), y se llamaron "huevo" o "yema". Para hacer esto, la yema se separó cuidadosamente de la proteína, ya que incluso una cantidad insignificante interferiría con el trabajo del artista (la proteína se colgaría del pincel y no permitiría dibujar líneas finas). El huevo de gallina se rompió con cuidado desde el extremo romo, se niveló el orificio perforado y se liberó la proteína a través de él. Luego, la yema se enrolló en la palma de la mano, la cáscara se lavó bien y, después de romper la película sobre la yema, se vertió nuevamente en la cáscara ya limpia, en la que se vertió vinagre. Todo junto bien batido con una espátula redonda. El líquido así preparado es el disolvente de las pinturas secas. La yema de huevo sirve como aglutinante, y el vinagre convierte el polvo de pintura en una masa líquida y consume el exceso de grasa de la yema.

La pintura del producto se realiza en varias etapas. Primero, se le transfiere un dibujo. Para hacer esto, el reverso de la imagen se frota con tiza seca o polvo blanco, con un dedo; luego, el dibujo se superpone a la superficie del objeto y se traduce cuidadosamente con un lápiz finamente afilado. Para que el dibujo no se mueva ni se deforme durante la traducción, sus esquinas superiores se pueden pegar temporalmente a la superficie del objeto con algún tipo de pegamento ligero. Cuando se elimina el dibujo, queda una huella clara en la superficie del objeto. Los restos de polvo blanco se cepillan con una pluma de ganso para que los contornos del patrón permanezcan limpios.

La siguiente etapa es la preparación del blanqueamiento, que se realiza para que el color de las pinturas sobre el barniz se mantenga más fuerte. El artista, trabajando en la composición, piensa dónde y qué tonos poner, de acuerdo con esto, se realiza la preparación de blanqueo. Los lugares más claros se preparan con blanco espeso, los tonos de brillo medio son menos densos y los más oscuros se preparan con blanco líquido; quedan lugares muy oscuros sin preparación blanqueadora. Se lleva a cabo fundiendo de forma limpia y suave, sin asperezas, en estricta conformidad con el patrón. Con la correcta preparación del blanqueamiento, el trabajo parece casi terminado, realizado según el principio de una silueta ligera. La preparación seria con cal ayuda a acelerar el trabajo del artista en sus etapas posteriores.

A continuación, el artista procede a pintar con pinturas: la imposición de manchas de colores. Para pintar, así como para preparar la lechada de cal, utilice un pincel de nitidez media. A partir de las pinturas preparadas, se recopilan tonos de diferentes densidades en una paleta. Uno de los métodos de pintura es cuando todos los elementos de la pintura se revelan como una fusión, cada uno con su propio tono principal. Esta técnica revela ropas humanas, figuras de animales y algunos otros elementos de la pintura. Con tal recubrimiento se observa uniformidad y transparencia de la fusión, mientras que los elementos expuestos no parecen pintados con pintura pura, y cada fusión juega con un tono vivo. Cuando se cubre con una masa fundida, crea la impresión de un elemento tridimensional. Dado que las pinturas tienden a asentarse (sus partes claras se asientan y las oscuras suben a la parte superior de la masa fundida), cuanto más grande es la capa de pintura, más partículas oscuras de pintura sobresalen a la superficie, y si el artista cubre la masa fundida desigualmente, entonces la pintura cae en puntos oscuros. Un artista versado sabe cómo usar esta propiedad de las pinturas. La apertura de las cabezas y partes desnudas del cuerpo humano - el sankir - se realiza según el tipo elegido por el artista: puede ser de color amarillo claro, para un rostro bronceado - marrón, para un rostro pálido - amarillo verdoso, etc. La apertura y sankir se hacen al mismo tiempo.

La siguiente etapa es pintar: dibujar todos los contornos y detalles pintando en un tono oscuro: los contornos de los troncos y ramas de los árboles, las formas generales de las hojas, los salientes de las montañas, el patrón de las olas, los contornos y los pliegues de la ropa humana. , los contornos de los animales, las estructuras y sus detalles, así como todas las demás composiciones de elementos. Para pintar, se compila un tono oscuro, en la mayoría de los casos de ámbar quemado, que se diluye con diluyente de huevo y luego se pinta con un pincel de ardilla afilado. El artista realiza la pintura no con lo mismo, sino con líneas suaves, suaves, oscuras y vivas de diferentes grosores y diferentes fuerzas, revelando así los volúmenes de las imágenes. Es importante que las líneas de la pintura no se vean separadas de la pintura, sino que se fusionen con ella en un tono general.

Después de pintar, las partes de sombra y luz de todos los elementos de la composición se fusionan con un pincel de punta media para enfatizar aún más el volumen. Las partes de sombra se fusionan con tonos algo más oscuros que la estela, y en las partes claras con tonos un poco más claros que ésta, de manera que el tono de cada elemento se ve más sonoro y más pintoresco. Como resultado, se obtienen desbordamientos de varios tonos diferentes y el tono general se vuelve más sonoro.

La decoración final posterior con pinturas de ropa, figuras humanas y todos los objetos del paisaje tiene como objetivo fortalecer aún más el volumen condicional de todos los elementos y darles integridad. En algunas prendas, figuras humanas, se hacen huecos, la mayoría son dorados, los más pequeños están pintados. Un espacio con pinturas se superpone a la ropa, los lugares más altos del cuerpo humano (en los hombros, el pecho, el estómago, las rodillas) o el torso de un animal, lo que enfatiza su forma. La brecha se hace a menudo en tres tonos, en consonancia con el techo, la pintura y la superficie de sombra. El espacio tiene un punto principal, que se llama trampa, de donde salen trazos que enfatizan la forma de las partes del cuerpo. El primer tono del espacio es más ancho y ligeramente más claro que la apertura, el segundo es algo más claro y estrecho que el primero, y el tercer tono, más claro, se hace en una sola línea, lo que enfatiza el segundo tono y se llama animación de el espacio. Para un mejor sonido, los espacios se colocan en tonos cálidos con tonos fríos, en tonos fríos, cálidos. Toda la decoración con pinturas se realiza con suavidad, no se rompe con los tonos de la superposición y la superficie, se conecta orgánicamente con todos los tonos circundantes y le da integridad a toda la pintura.

A esto le sigue la fundición (registro con pinturas líquidas) de la cabeza. La fusión se realiza en varias etapas con un pincel de nitidez media. En la primera fusión (okhre), los lugares convexos de la cara, el cuello, las orejas, los brazos y las piernas se funden en un tono de carne de tal manera que se ve a través de las fusiones posteriores. Después del secado, sigue el segundo derretimiento: la imposición de un rubor compuesto de cinabrio en las mejillas, las cejas, la punta de la nariz, los labios, los lóbulos de las orejas, en los pliegues de los dedos de las manos y los pies, en los codos, las palmas de las manos y las rodillas. El tercero se derrite: cuando las pupilas de los ojos, las cejas, los bigotes y el cabello oscuro se derriten con el ámbar quemado. El cuarto fundido, relleno, está hecho de ocre y cinabrio y está diseñado para combinar todos los fundidos anteriores con sankire para que las partes claras de la cara y la figura queden envueltas en un semitono claro. El tono de la quinta fusión, la aleación, se compila de acuerdo con el tono de la persona representada elegida por el artista. Debe superponerse para que a través de él se vean los fundidos anteriores. Finalmente, el sexto, último derretimiento: la imposición de reflejos. Luego viene el acabado final de las cabezas y las partes desnudas del cuerpo con la restauración del dibujo, un inventario. Para ello, se toma un pincel afilado, se hace un tono marrón oscuro (a partir de sombra tostada) y se dibujan todos los rasgos faciales con líneas finas y vivas. Con estas líneas, el artista revela cierta imagen de una persona, su estado psicológico y su carácter. Al mismo tiempo, el cabello de la cabeza, la barba y el bigote se peinan en un tono ligeramente más claro que los reflejos superpuestos. Las pupilas de los ojos y los cilios se prescriben con hollín.

Solo queda pintar todo el trabajo con oro y plata, pero primero debe arreglar todo el trabajo realizado con barniz. Es imposible escribir con oro sobre pintura suelta: las pinturas absorben el oro. Un objeto pintado con pinturas se cubre dos veces con barniz de copal. Después de cada capa, se seca bien. Antes de pintar con oro, la superficie de laca se frota con piedra pómez hasta obtener un acabado opaco, ya que el oro no se adhiere a la laca. El polvo de piedra pómez de la superficie limpiada se cepilla con una pluma de ganso.

La hoja de oro se tritura cuidadosamente y se frota con los dedos. La goma arábiga (resina de acacia transparente) se utiliza como aglutinante. La pintura dorada también se hace con el pincel más fino. A veces se utiliza polvo de plata o aluminio. Los espacios en oro y aluminio se superponen a la ropa en aquellos lugares donde no hay espacios en color: en tonos oscuros, dorado, en tonos claros, plateado. También hacen todas las decoraciones ornamentales. La pintura con oro y plata en la miniatura se usa de tres formas: "en una cerda", con un monje y pintura con un adorno.

Para que el oro aplicado al producto adquiera brillo, es necesario pulirlo. Para ello se utilizó un diente de lobo porque tiene una superficie especialmente lisa.

Después de que el artista haya puesto su firma en el producto, se barniza y se seca, y luego se pule en una rueda mecánica cubierta con felpa o terciopelo. El acabado final durante el pulido se realiza solo a mano. La superficie se cubre con grasa y se trata durante una hora con una palma humedecida con agua. Por fricción, la superficie de la laca se calienta, finalmente se nivela y adquiere un brillo de espejo.

Pintura Palekh, brillando con gemas, como salpicaduras en la superficie negra de cajas, ataúdes, ataúdes, formando un patrón colorido cubierto con los mejores trazos dorados y adornos en ropa, árboles, edificios. En las composiciones, la realidad se combina extrañamente con la fantasía. Personas, casas, árboles, asomados en la naturaleza, pero representados con una nitidez plástica especial, coexisten con fantásticas "colinas", "cámaras", "árboles". Las composiciones narrativas en las superficies superior y lateral de los objetos están decoradas con un fino adorno dorado de los más diversos patrones que nunca se repiten.

Una caja o ataúd generalmente se llama caja pequeña o caja, que en la mayoría de los casos tiene la forma de un paralelepípedo rectangular. Es conveniente guardar joyas, dinero, papeles y otros pequeños objetos de valor en ellos. Se cree que los ataúdes aparecieron hace mucho tiempo y provienen de cofres en los que se guardaba la ropa. En la Rusia zarista, a mediados del siglo XVIII, la artesanía popular, como la miniatura de laca, se hizo especialmente popular.

Los ataúdes hechos con esta técnica por artesanos del pueblo de Palekh en Ivanovo son un excelente ejemplo de la habilidad y originalidad del pueblo ruso.

referencia histórica

La historia de la miniatura de Palekh como artesanía popular está estrechamente relacionada con la pintura de iconos. En el siglo XVIII, los maestros que pintaban íconos hábilmente vivían en el pueblo de Palekh, que en ese momento pertenecía al distrito de Vyaznikovsky de la provincia de Vladimir. Junto con la pintura de iconos, los artesanos locales participaron en la pintura y restauración de la Cámara Facetada del Kremlin y las iglesias ubicadas en Trinity-Sergius Lavra y en el territorio del Convento Novodevichy.

Después de la revolución de 1917, se hizo imposible continuar participando en la pintura de íconos, por lo que un año después se creó Palekh Art Decorative Artel. Los artistas que ingresaban comenzaron a pintar sobre madera. Se considera que los fundadores de la miniatura Palekh son Ivan Golikov y Alexander Glazunov. Los maestros dominaron un nuevo material: el papel maché, que se basa en una masa obtenida de la mezcla de papel y cartón con yeso, almidón y otras sustancias. En 1923, las miniaturas de Palekh se enviaron a la Exposición Agrícola y Artesanal de toda Rusia, donde recibieron un diploma de grado II.

En diciembre de 1924, siete maestros de Palekh fundaron el Artel de Pintura Antigua. Las obras de esta asociación en 1925 fueron enviadas a la Exposición Universal de París. En 1932, se formó la Unión de Artistas de Palekh, y en 1935 el artel se transformó en la Asociación de Artistas de Palekh. En 1954 surgieron los talleres de arte y producción Palekh del Fondo de Arte de la URSS. Actualmente, puedes aprender el arte de esta miniatura en 4 años en la Escuela de Arte Palekh que lleva el nombre de A. M. Gorky.

Tecnología de fabricación

Como se señaló anteriormente, los ataúdes, siguiendo la tradición de las miniaturas lacadas, tenían una base de papel maché. La pieza de cartón se prensa y luego se seca durante varios días. Luego debe empaparse con aceite de linaza durante un día y secarse en un horno caliente durante 2 días. Luego, el producto semiacabado se procesa con un cepillo de esmeril, se pule y se le colocan los accesorios necesarios. Al final de esta etapa, la caja se imprima con una composición especial, se cubre con barniz negro en varias capas y 7 capas de barniz claro, y cada capa se seca completamente en el horno.

La pintura tiene una estricta secuencia en la aplicación del temple. Las pinturas al temple se han utilizado desde la antigüedad, los artistas las fabricaban a partir de pigmentos en polvo seco, en los que las emulsiones servían como aglutinante: natural (yema de pollo) y artificial (aceites en una solución acuosa de pegamento). La habilidad de trabajar con témpera debe entrenarse durante varios años, solo entonces se puede lograr la suavidad ideal de las líneas, la precisión y la claridad de las siluetas en miniatura.

En la etapa inicial de la pintura, los maestros pintan la composición con cal, enfatizando los lugares oscuros y claros. Luego se aplican las pinturas necesarias para pintar la caja. Los artesanos trazan minuciosamente los contornos de todos los elementos con huesos de ardilla hechos a mano, enfatizando cada detalle con color y, a menudo, usando una lupa. Al final de la pintura se aplica oro (se tritura una lámina de oro y se mezcla con cola), le da calidez y brillo al dibujo, crea la sensación de que la imagen brilla por dentro.

Los maestros de Palekh tomaron prestada la decoración con oro de la pintura de iconos, donde el oro es un símbolo de la luz divina.

En la última etapa de fabricación, la caja se cubre con barniz de aceite y se pule. El pulido se produce aplicando varias capas de barniz, que se secan bien a una temperatura determinada durante un tiempo determinado. Luego, la superficie se nivela con vidrio y piedra pómez, y luego se pule en una rueda móvil especial, que se cubre con terciopelo.

originalidad de estilo

El fondo de los dibujos de los ataúdes de Palekh es negro, es un símbolo de la oscuridad, de donde nacen la vida y los colores, le da profundidad a toda la composición. El interior del producto es siempre rojo. La pintura Palekh también se caracteriza por colores brillantes al temple y pintura dorada. Las figuras alargadas trazadas con gracia son un eco de las tradiciones de la pintura de iconos. Los héroes son los personajes de cuentos de hadas y epopeyas, así como obras y canciones clásicas. Los ataúdes tienen sus propios nombres, por ejemplo, "Troika", "Campaña de Yermak", "Flor de piedra", "Ruslan y Lyudmila", "Vasilisa the Beautiful".

¿Cómo distinguir el original de una falsificación?

Las cajas pintadas de Palekh son una maravillosa decoración interior y un regalo único. Pero para no comprar una falsificación, al comprar, debe prestar atención a los siguientes detalles.

• Las cajas Palekh originales suelen ser negras por fuera (a veces pueden teñirse de verde o azul) y siempre pintadas de rojo por dentro.
• La pintura se caracteriza por la coloración de sombras en varios tonos, imágenes de personajes ligeramente alargadas, dibujo preciso de todos los elementos y detalles.
• Los productos de Palekh se distinguen por un pulido perfecto por fuera y por dentro. Los arañazos, las manchas y la hinchazón son un signo de una caja no original.
• La tapa de la caja siempre está bien ajustada a la base, la llamada caja.
• El artículo original debe tener una inscripción dorada "Palekh", que siempre se encuentra en la esquina inferior izquierda, y en la esquina inferior derecha puede leer el nombre del maestro.
• Una caja Palekh real se empaqueta en una caja de hojalata, que tiene una capa de algodón pegado en el interior, que puede proteger el barniz y la pintura de daños.
• Un precio bajo para un producto de este tipo siempre es un indicador de que tiene una falsificación frente a usted. La miniatura palekh es una artesanía popular que requiere mucha mano de obra, por lo que estas cosas son muy valoradas y no pueden ser baratas.

Los ataúdes pintados de Palekh son obras de arte únicas en las que el maestro pone su alma y todos sus muchos años de experiencia. Los ataúdes hechos con la técnica de Palekh son conocidos en todo el mundo y son una parte integral de la cultura rusa original.

Todo sobre los ataúdes de Palekh, vea el video.

palej- un pequeño pueblo en la región de Ivanovo, cuya primera mención se remonta a principios del siglo XVII. Y hoy es el centro de iconografía y pintura de laca más famoso del mundo, que no tiene análogos en ningún rincón de nuestro planeta. Las obras de los maestros Palekh no dejan indiferente a nadie,
que una vez los vio.

A principios del siglo XVI y XVII, aparecieron maestros de Palekh que pintaron imágenes sagradas, pintaron templos y catedrales y restauraron frescos antiguos. A principios del siglo XIX, floreció la pintura de íconos Palekh, que tiene una gran demanda no solo en Rusia, sino también en el extranjero.El peculiar y elegante arte de la miniatura de laca Palekh combina los principios de la pintura rusa antigua y el arte popular.

Si en algunas ciudades la creación de íconos tuvo una distribución casi industrial, en Palekh durante muchos años se conservó la escritura original de imágenes sagradas, que fueron pintadas por miembros de familias campesinas en su tiempo libre del trabajo agrícola.

Cabe destacar que en las familias campesinas de pintores de iconos había una división del trabajo: el "firmante" aplicaba el dibujo a la base, el "dolicnik" pintaba la ropa y las cámaras, y el "dolicnik" pintaba las caras. “personalista”. Los íconos de Palekh se crearon durante mucho tiempo y escrupulosamente, se mantuvieron de acuerdo con los cánones de muestras antiguas, por lo que su valor era alto.

Pero a fines del siglo XIX en Rusia, la cantidad de pintores de íconos aumentó considerablemente, lo que provocó una disminución en el costo y el deterioro de la calidad de la pintura de íconos, y la demanda de íconos de Palekh se redujo drásticamente debido al alto costo.

Y la revolución de 1917 que tuvo lugar en Rusia cambió no solo toda la forma de vida en Rusia, sino también la actitud hacia la iglesia. La producción de íconos quedó sin reclamar y los pintores de íconos se quedaron sin trabajo.

Pero la pintura en miniatura de laca de Palekh es una dirección relativamente joven, que surgió hace solo unos dos siglos. El requisito previo para el surgimiento fue que a fines del siglo XVIII, el comerciante de Moscú Korobov fundó la producción de viseras barnizadas para gorras militares. Y cuando el rapé se puso de moda, también empezó a producir cajas de rapé lacadas.

Con el tiempo, estos ataúdes adquirieron un aspecto lujoso y rico, comenzaron a servir para decorar los locales. Utilizando colores coloridos y temas populares rusos, los maestros de Palekh utilizaron varias tramas de cuentos de hadas, epopeyas y leyendas en su trabajo.

Al final de la guerra civil, los artesanos de Palekh reanudaron su oficio, ahora haciendo ataúdes, broches, cajas de polvo y otros artículos de papel maché. Representaron tramas de cuentos populares rusos, escenas de la vida del pueblo y también utilizaron el trabajo de escritores y poetas rusos.

La Segunda Guerra Mundial también trajo sus propias tramas a la pintura de Palekh: coloridas escenas militares. Durante la era soviética, Palekh se caracterizó por el patetismo, la ideología y el monumentalismo. Y solo años después, los artistas lograron restaurar el romance y la sublimidad, la poesía y la alegórica.

Hasta el día de hoy, las miniaturas de laca se distinguen por colores brillantes sobre un fondo negro, figuras alargadas y líneas finas. La decoración de los paisajes y la arquitectura, el elegante adorno dorado que enmarca la composición: todo esto hace que la pintura de Palekh sea única.

Cada uno de los maestros miniaturistas tiene su propio estilo profesional. Este minucioso trabajo requiere de ellos no solo inspiración, sino también una gran precisión y exactitud, ya que toda la pintura se realiza a mano, y muchas veces esto requiere una lupa. La mayoría de las miniaturas son únicas o se producen en cantidades muy pequeñas.

Tesoros del arte ruso.

Palej. Miniatura lacada palekh.

La historia de Palekh se remonta a la antigüedad, en el siglo XV, el pueblo de Palekh era parte de las tierras de Vladimir-Suzdal. Según el Testamento espiritual de Iván el Terrible en 1572, el pueblo de Palekh estaba en posesión local de su hijo John. En 1616, Palekh figuraba como propiedad de Vasily Ivanovich Ostrogubov y la viuda de Yuri Ivanovich Ostrogubov. Pronto se concedió la posesión patrimonial a Ivan Buturlin "por el sitio de asedio del rey en Moscú", es decir, por su participación en la guerra contra la intervención polaco-lituana. Según los libros de escribas de 1628-1630 del distrito de Vladimir del campo de Bogolyubsky, Palekh es patrimonio de Ivan Buturlin y sus hijos.

En 1693, se construyó e iluminó una iglesia de madera en Palekh en nombre de la Exaltación de la Cruz, en 1696 se consagró una capilla en honor al ícono de la Madre de Dios de Kazán, y en 1742 en nombre de San Nicolás. el taumaturgo. En 1774, a expensas de los feligreses, Yegor Dubov construyó la actual iglesia de piedra de la Exaltación de la Cruz.A fines del siglo XIX, Palekh era un pequeño pueblo. La población se dedicaba principalmente a la pintura de iconos y la artesanía: tallado en madera, tejido de lino, bordado, confección de piel de oveja. En las fiestas ortodoxas, aquí se celebraban ricas ferias.

Bakanov I. M. "Pueblo Palej"
1934, caja

Palekh es un nombre de origen ugrofinés. Los resultados de las excavaciones arqueológicas de un cementerio sin túmulos del siglo VIII confirman que una de las muchas tribus ugrofinesas vivió en la región durante mucho tiempo. La cultura solo se puede rastrear en nombres geográficos: Purekh, Palekh, Landekh, Sezuh, Lukh, Lyulekh.

se ha conservado una creencia contada por un residente local Felitsata Grigoryevna Palikina sobre el origen del nombre Palekh:
"... Los bosques sordos se levantaron, no había población... hubo un gran incendio en el bosque... de" relámpagos ". El fuego quemó todos los árboles en la montaña. Y pronto apareció gente aquí, y de los que buscaban una vida libre, o bien de la incursión tártara, bien huían del yugo de los boyardos.
También hay una leyenda: "Palekh surgió en esos años violentos de la antigüedad, cuando innumerables hordas tártaras marcharon hacia Vladimir-Suzdal Rusia. La población devastada huyó a los densos bosques y pantanos y se llevó iconos con ellos. Los tártaros quemaron los bosques. "Hubo un gran Palikha" - de ahí el nombre de Palekh.

la mascarada

El mundo de cuento de hadas de la ficción, la poesía: el arte de la miniatura del nuevo Palekh. Su historia como arte decorativo comienza después de la Revolución de Octubre, cuando se cerraron los talleres de pintura de iconos y los maestros se dispersaron por diferentes partes del país en busca de un sustento. Algunos se convirtieron en pintores, otros, decoradores de escenas de clubes, muchos se dedicaron a la agricultura y la artesanía en pequeña escala: pintaron utensilios de madera, juguetes. La mayoría de las veces, la pintura era una copia aproximada de la impresión popular, las ruecas campesinas o las muestras tomadas del álbum "Ornamento de todos los países y pueblos".

En 1923, por iniciativa de A. V. Bakushinsky, se realizaron varios experimentos en Palekh para pintar productos de madera utilizando las tradiciones de pintura de iconos. Ataúdes y platos sobre los temas de las canciones rusas de los artistas I.V. Markichev, I.M. Bakanov y "El pastor" de A.V. Kotukhin. En los mismos años en Moscú, en el antiguo taller de pintura de iconos de Paleshanin A.A. Glazunov, se llevaron a cabo búsquedas similares. Pero el maestro que trabajó allí, en el futuro el famoso artista I.I. Golikov, optó por utilizar la técnica de pintura de iconos de papel maché.

Experimentos I.I. Golikov fue apoyado por el Museo de Artesanía de Moscú; las primeras obras firmadas por A.A. Glazunov se mostraron en 1923 en la exposición de la Academia Estatal de Ciencias Artísticas, donde recibieron un diploma de primer grado. Pronto, además de Golikov, otros pintores de iconos de Palekh comenzaron a trabajar para Glazunov: I.P. Vakurov y AV Kotukhin. Luego, Kotukhin fue a Palekh, donde, desde el verano de 1923, los mejores maestros antiguos, I. M. Bakanov e I. V. Markichev, ya habían estado trabajando en papel maché.

Para su exhibición en la Exposición Agrícola e Industrial de toda Rusia en 1923, los maestros de Palekh I.M. Bakanov, I.I..Markichev completaron las órdenes del Museo de Artesanía del Consejo de la Economía Nacional de toda la Unión del trabajo, por lo que también recibieron un diploma. del 1er grado. En 1924, los artistas de Palekh disfrutaron de un gran éxito en una exposición en Venecia. El éxito ha llegado. Pronto, los paleshanos de Italia recibieron una invitación para enviar cuatro maestros para organizar una escuela. Los artistas se negaron a abandonar su tierra natal.

El 5 de diciembre de 1924, se organizó el Artel de Pintura Antigua en Palekh. Inicialmente, incluía siete personas: I.I. Golikov, I. M. Bakanov, A. I. Zubkov, I. I. Zubkov, A. V. Kotukhin, V. V. Kotukhin, I.V. markichev. Pronto se les unieron D.N. Butorin, A.I. Vatagin y otros. Y ya en 1925, las obras de Paleshans recibieron reconocimiento en la Exposición Internacional de París.

Marzo de 1935 - "Artel" se transformó en el presidente de la "Asociación de Artistas de Palekh" hasta 1938 - A.I. Zubkov.

1940 - Se cierra la "Asociación".

1943 - restaurado.

1954 - "Asociación" se transforma en Talleres de Arte y Producción (PHPM). Director - AGBakanov.

1954 - creación de la rama Palekh de la Unión de Artistas de la RSFSR. Presidente de la Junta - G.M.Melnikov.

En 1989 se cerraron los talleres de arte y producción de Palekh.

La pareja

"Rapunzel"

"Agosto"

"En el río Volga"

"Doce meses"

"El Nocturno de Otoño"

"La dama del cabello dorado"

"Cenicienta"

"Cenicienta"

"Ruslán y Ludmila"

Verano cálido

"Boldino Otoño (A.Puskin)"

"Infancia feliz"

"Otoño. La fiesta de la última gavilla"

"La flor escarlata"

AEn 1935, el Artel de Pintura Antigua se transformó en la Asociación de Artistas de Palekh, cuyo presidente hasta 1938 fue A. I. Zubkov.

En 1940 "Tovarischestvo" fue cerrado y restaurado en 1943.

En 1954, la Asociación de Artistas de Palekh se transformó en Talleres de Arte y Producción dirigidos por A.G. Bakanov.

En 1954, se creó la rama Palekh de la Unión de Artistas de la RSFSR. Presidente de la Junta - G.M.Melnikov.

En 1989, los talleres de arte y producción de Palekh dejaron de existir.

Actualmente, las organizaciones creativas están trabajando en Palekh:

• JSC "Asociación Palekh",
  Presidente de la Junta S.I. Kamanin,
• Cooperativa "Asociación de Artistas Palekh",
  Presidente de la Junta A.V.Dudorov,
• Pequeña empresa "Maestros de Palekh",
  director M. R. Belousov,
• MP "Tradiciones de Palekh",
• CJSC "Palej"
  director AM Zubkov,
• taller creativo de B.N. Kukuliev "Paleshane"

"Cuento de hadas sobre el zar Gvidon"

"La flor escarlata"

"Los milagros llegan a aquellos con almas puras"

"Sadko\& El Zar del Mar"

"La Primavera de Invierno"

"El Snow Quenn"

"La primavera y la doncella de nieve"

"Bajo el manzano"

"Zar del mar"

"Horario de invierno"

"La princesa rana"

"Morozko"

"Ruslán y Ludmila"

"Caza rusa"

"Cuentos griegos"

"Encuentro de dos mundos. Aelita (después de Belov)"

"Esquiar en el bosque de invierno"

"Después del trabajo"

"El tiempo de la guerra"

"Ivan Tsarevitch y el pájaro de fuego"

"Troika de invierno"

"Batalla con los caballeros suecos"

"Bella (por Lermontov)"

"Alenushka"

"Morozko"

"Cerca de la orilla del río"

"La doncella de nieve"

"El cuento de hadas del sombrero rojo"

La miniatura de Palekh es conocida en todo el mundo y existe desde hace casi cien años. Pero, de hecho, esta tradición artística tiene varios siglos de antigüedad. Palekh se convirtió en el centro en el siglo XVII; el ícono de Palekh antes de la revolución no era menos famoso que el ataúd de Palekh en la actualidad, y estos dos tipos de arte están directamente relacionados. En 1924, siete años después de la revolución, los pintores de iconos hereditarios de Palekh descubrieron cómo aplicar sus habilidades y preservar la antigua tradición artística rusa en una nueva cultura atea. Los maestros Ivan Bakanov, Ivan Vakurov, Ivan Golikov, Alexander Kotukhin, Ivan Markichev y los críticos de arte Anatoly Bakushinsky y Alexander Glazunov crearon el Palekh Artel de la pintura antigua y transfirieron estilos de pintura de iconos a miniaturas lacadas. Los maestros de Kholuy y Mstyora actuaron de manera similar, pero aunque estos tres centros de miniaturas de laca a menudo se colocan en una fila, cada uno de ellos es original. Palekh es el fundador del estilo artístico y las obras de autor únicas en miniatura, arte monumental, gráficos de libros, escenografía y decoración de porcelana. Kholuy y Mstyo-ra se dedican exclusivamente a las miniaturas de laca. Kholui en sus composiciones es más conciso y se centra en la copia masiva de muestras; allí se creó el género del paisaje en miniatura. Mstera ama la pintura realista, llena completamente el fondo negro y prefiere un tono de color dorado cálido o gris azulado.. Por supuesto, las autoridades soviéticas no llamaron a los artistas de Palekh herederos de una tradición centenaria, para ella el arte de Palekh se convirtió en una artesanía popular y los artistas se convirtieron en campesinos. La “nacionalidad” impuesta por la ideología dictaba las tramas y su percepción: en cualquier caso, ya fuera un vuelo al espacio o una cosecha, se veía un maravilloso cuento de hadas. En la mitología postsoviética, el arte diverso de Palekh es "agitlak", la producción en masa de productos con símbolos y temas soviéticos. Pero, de hecho, las miniaturas del Palekh Artel de pintura antigua fueron escritas sobre temas eternos como "Cosecha"o"Beso"Y enviado para exportación. Occidente, que vio por primera vez el arte de Palekh en una exposición en Venecia en 1924, desde entonces ordenó cajas regularmente y esperó no a agitlak, sino a tramas apolíticas. El tema revolucionario de las obras fue principalmente situacional: las cajas se crearon para exhibiciones de todos los sindicatos o como obsequios exclusivos para la dirección del partido. Por ejemplo, una de las composiciones más interesantes con un tema soviético es el plato. lámina- Decoración interior de papel maché. Pavel Bazhenov "En guardia de las fronteras de la URSS" 1935.

Cómo la miniatura de Palekh hereda la iconografía

Icono de cuatro partes con santos en los campos. Letras palekh. Segunda mitad del siglo XVIIICasa-Museo de P. D. Korin, Moscú / palekh.narod.ru

Pavel Bazhenov. Churilo Plenkovich. Ataúd. 1934Museo-apartamento de A. M. Gorky, Moscú / Wikimedia Commons

Cada maestro del Artel de Palekh usó su miniatura favorita en laca, de ahí la variedad del nuevo arte. En las obras de Ivan Vakurov, hay claras tradiciones del estilo Novgorod del siglo XV. En las composiciones de Ivan Golikov, Alexander Kotukhin y Dmitry Butorin, la escuela Stroganov del siglo XVII. En las obras de Ivan Markichev, Ivan Bakanov, se pueden encontrar las tradiciones de los frescos del Salvador en Nereditsa, Andrei Rublev, los maestros de Kostroma y Rostov del siglo XVII. Aristarkh Dydykin proviene de las tradiciones de la escuela de Simon Ushakov y el estilo Palekh del siglo XVIII; Ivan Zubkov: de la carta de Fryazhsky de finales del siglo XIX. Las características estilísticas de los diferentes estilos de pintura de iconos se ven mejor en las imágenes de colinas, árboles y arquitectura. Pero las imágenes de personas y caballos sufrieron una transformación mayor, porque los autores siguieron las tramas y tareas compositivas del siglo XX.

Mikhail Zinoviev, Vasili Markichev. Icono del Menaion con la Resurrección y la Pasión del Señor. Siglo 19Museo Estatal de Arte de Palekh

Iván Golikov. Cuenta con pintura "Batalla". 1926

El tamaño de la cuenta es de solo 4 por 5 cm.

El Palekh prerrevolucionario era famoso por sus íconos en miniatura o, como se los llamaba, pequeños trabajos. Estos eran pequeños iconos de oración basados ​​en las escenas de menaia. mención(del griego "mes duradero") - un libro con textos para la adoración anual en la iglesia o en el hogar., duodécimas fiestas, pequeños iconos hagiográficos, composiciones que representan iconostasios. La peculiaridad de este tipo de íconos fue la preservación de la pureza y el rigor del canon, la minuciosidad de la joyería de la escritura, la técnica virtuosa de la pintura de íconos, pero lo más importante, muchas composiciones o imágenes finamente escritas se colocaron en la pequeña superficie del tablero de iconos. Esta habilidad es una de las bases del estilo Palekh. Los maestros pintaron pequeñas cuentas y broches, encajando historias épicas con muchos héroes en ellos.

Akathist a San Nicolás. Sello "Salvando el ahogamiento". Letras palekh. mediados del siglo XVIII

El estigma es una trama y una parte compositivamente independiente del icono.

Iván Zubkov. Pitillera con pintura "Por la isla en la vara...". 1927Museo Estatal de Arte de Palekh

La iconografía de los akathists de Palekh dio muchas opciones de soluciones visuales para una variedad de espacios y temas: el mar, las montañas, los edificios por dentro y por fuera, la gente en una plaza de la ciudad, un viajero solitario en un bosque o desierto. Los artistas tomaron prestadas estas soluciones iconográficas y las desarrollaron colorista y plásticamente para resolver nuevos problemas.

Icono "Gran Mártir Bárbara". Letras palekh. Segunda mitad del siglo XVIIIMuseo Estatal de Arte de Palekh

Dmitri Butorin. “A la orilla del mar, el roble es verde…”Museo Estatal de Arte de Palekh

Los iconos pequeños de Palekh se distinguen por una estructura compositiva muy compleja con muchas minitramas en un icono y un centro claro de la composición. Por ejemplo, este principio es utilizado por el artista Dmitry Butorin en la miniatura "Roble verde cerca de la orilla del mar ...". Construye la composición de acuerdo con el canon: en el centro está Pushkin, escribiendo los cuentos del gato, y todos los demás grupos de personajes desde el punto de vista de la composición están subordinados a este centro.

Icono "Alegría de todos los que sufren". Letras palekh. Primera mitad del siglo XVIIIMuseo Estatal de Arte de Palekh

Iván Bakanov. Ataúd con pintura "Palekh". 1934Museo Estatal de Arte de Palekh

La base del arte de la laca Palekh fue la compleja técnica de pintura de flotación, también preservada de la pintura de iconos. En esta técnica, se aplican pinturas transparentes de diferentes tonos en varias capas, cada fundido es responsable de su propia sección del dibujo. Las caras se pintaron en iconos usando este método. Como resultado, las transiciones de oscuro a claro son imperceptibles, y los motores blancos nítidos que completan el trabajo en la imagen le dan dinamismo.

Icono "Protección de la Madre de Dios". Letras palekh. mediados del siglo XIXMuseo Estatal de Arte de Palekh

Alejandro Kotukhin. Ataúd con pintura "El cuento del zar Saltan". 1946Museo Estatal de Arte de Palekh

En el ícono de Palekh, la pintura se combinó orgánicamente con fondos dorados. Brechas de ropa pintadas en volumen dorado Espacio- la técnica de la pintura de iconos y la pintura de Palekh, con la ayuda de la cual se logra una sensación de volumen de las figuras; trazos escritos en blanco, oro o pintura en varias capas., patrones de celosías, cortinas, ris. La pintura dorada también se usa en miniaturas lacadas, resolviendo una variedad de tareas decorativas (esta es otra diferencia significativa entre Palekh y otros centros de miniaturas lacadas: Kholuy, Mstyora y Fedoskino).

Akathist al Salvador. Icono de la escritura de Palekh. Finales del siglo XVIII