España tiene todo derecho ser llamado patria personas mas grandes pasado y presente. Este país le ha dado al mundo muchas cosas sorprendentes y Gente talentosa, incluidos arquitectos, artistas, actores, directores, deportistas y cantantes.

Entre los artistas este es - Diego Velázquez, que identifica la cima del español cuadro XVIII siglos, Pablo Ruíz Picasso- fundador del cubismo, artista famoso, artista gráfico, escultor y ceramista, Francisco José de Goya - pintor famoso y grabador, Salvador Dalí- mundial Artista famoso, artista gráfico, pintor, escultor, escritor y director.

Entre los artistas catalanes, a excepción de Salvador Dalí, el mundialmente famoso Joan Miró Y Antonio Tapies.

Salvador Dalí(1904-1989, nombre completo- Salvador Domenech Felip Jacinth Dali y Domenech, Marqués de Dali de Pubol) es uno de los representantes más famosos del surrealismo.

Salvador Dalí con su ocelote favorito llamado Babou en 1965.

Salvador Dalí nació en España el 11 de mayo de 1904 en la ciudad de Figueres (provincia de Girona, norte de Cataluña) en la familia de un rico notario. Era catalán por nacionalidad, se percibía como tal e insistía en esta peculiaridad suya. Dalí era una persona inusualmente impactante.

Salvador era el tercer hijo de la familia (también tenía un hermano y una hermana). Su hermano mayor murió de meningitis antes de que él cumpliera 2 años, y sus padres llamaron al bebé, nacido 9 meses después de su muerte, Salvador - "Salvador". Su madre le dijo a Dalí, de cinco años, que él era la reencarnación de su hermano.

El futuro artista creció muy caprichoso y arrogante, le encantaba manipular a las personas con la ayuda de escenas publicas e histérico.

Su talento para las bellas artes se manifestó ya en la infancia. A la edad de 6 años escribió fotos interesantes, con 14 años tuvo lugar su primera exposición en Figueres. Dalí tuvo la oportunidad de mejorar sus habilidades en la escuela municipal de arte.

En 1914-1918 Salvador estudió en Figueres en la Academia de la Orden Marista. La educación en la escuela monástica no transcurrió sin problemas y, a la edad de 15 años, el excéntrico estudiante fue expulsado por comportamiento obsceno.

En 1916 tuvo lugar un hecho significativo para Dalí: un viaje a Cadaqués con la familia de Ramon Pichot. Fue allí donde nos conocimos. pintura moderna. EN ciudad natal El genio estudió con Joan Núñez.

A la edad de 17 años - en 1921 - futuro artista Se graduó en la universidad (así se llamaba el bachillerato en Cataluña).

Posteriormente, en 1921, Salvador se trasladó a Madrid e ingresó allí en la Academia. Bellas Artes. No le gustaba estudiar. Creía que él mismo podría enseñar a sus profesores el arte del dibujo. Se quedó en Madrid sólo porque estaba interesado en comunicarse con sus compañeros.

En la escuela Bellas Artes En la Academia se acercó al círculo literario y artístico de Madrid. en particular con luis buñuel Y Federico García Lorcoy. Aunque Dalí no permaneció mucho tiempo en la Academia (fue expulsado en 1924 por algunas ideas demasiado audaces y mala conducta), esto no impidió que el artista organizara la primera pequeña exposición de sus obras y rápidamente alcanzara fama en España.

Dalí regresó a la Academia un año después, pero fue expulsado nuevamente en 1926 (Salvador tenía 22 años) y sin derecho a reintegro. El incidente que llevó a esta situación fue simplemente sorprendente: durante uno de los exámenes, un profesor de la Academia pidió nombrar a los 3 mejores artistas del mundo. Dalí respondió que no respondería preguntas de este tipo, porque ni un solo profesor de la Academia tenía derecho a ser su juez.

Dalí proclamó la total libertad de cualquier compulsión estética o moral y llegó al límite en cualquier experimento creativo. No dudó en hacer realidad las ideas más provocativas y escribió de todo: desde el amor y la revolución sexual, pasando por la historia y la tecnología hasta la sociedad y la religión.

Una de las pinturas famosas de Dalí "La persistencia de la memoria".

Cuadro "Sueño".

Cuadro "El Gran Masturbador".

Cuadro "El Fantasma de la Atracción Sexual".

Cuadro "Galatea con Esferas".

En 1929, Dalí encontró su musa. Ella se convirtió en Gala Eluard. Es ella quien está representada en muchas pinturas de Salvador Dalí. A la edad de 30 años, en 1934, Dalí contrajo matrimonio extraoficialmente con Gala, que era mayor que el artista durante 10 años (el verdadero nombre de la mujer es Elena Diakonova, nacido en Kazán. Debido a su pasión por Dalí, dejó a su marido, un poeta francés. Campos de Eluard y su hija Cecile, de 16 años). Sin embargo, la ceremonia religiosa del matrimonio de Dalí con Gala tuvo lugar sólo 24 años después, en 1958.

Salvador y Gala vivían en un pequeño pueblo. Cadaqués(provincia de Girona) en el puerto de Ligat: se encontraba la única casa propia de Dalí, que él, ya casado, después de regresar de París, compró para él y su esposa Gala. En aquella época se trataba de una pequeña cabaña donde los pescadores locales guardaban sus aparejos, con una superficie total de 22 metros cuadrados. metros.

Con el tiempo, la casa de Dalí en Cadaqués, durante los 40 años que la familia del impresionista vivió allí, se hizo más grande y hermosa: el artista adquirió chozas vecinas, las restauró y las combinó en un solo edificio. Fue así como apareció un taller en la bahía, donde el gran impresionista creó la mayoría de sus obras maestras.

Casa-Museo de Salvador Dalí en el pueblo de Cadaqués.

España puede presumir artistas brillantes. Pero si no estuvieran ahí, nadie se sorprendería.

Después de todo, este país casi siempre ha sido conservador. Y donde hay una excesiva inercia moral, y más aún la Inquisición, los innovadores no sobreviven o simplemente no nacen.

¡Por eso siempre me sorprendió cómo estos artistas lograron presentar sus innovaciones al mundo!

Cómo El Greco se adelantó 300 años a su tiempo, trabajando al estilo del expresionismo. ¡Y Velázquez empezó a crear 200 años antes!

Propongo echar un vistazo más de cerca a estos talentosos y brillantes españoles.

1. El Greco (1541-1614)

El Greco. Retrato de un anciano (presumiblemente un autorretrato). 1600 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

El griego español o el griego español Dominicos Theotokopoulos lograron casi sin ayuda renacimiento español. Si los italianos tuvieran toda una galaxia de maestros. Entonces los españoles pueden respirar: ellos también tuvieron un renacimiento. Gracias a El Greco.

Al crear pinturas en su mayoría religiosas, destruyó audazmente los cánones propuestos.

Basta con mirar el cuadro “El quitarle las vestiduras a Cristo”.

El Greco. El Quitamiento de las Ropas de Cristo (Espolio). 1579 Catedral de Toledo en España

En lugar de varias figuras, hay toda una multitud. En lugar de perspectiva, hay un muro impenetrable de personajes.

En lugar de emociones fácilmente legibles. sentimientos complicados. Basta mirar la mirada incomprensible de Santa María. Ella no parecía darse cuenta de lo que estaba a punto de suceder. Los psicólogos llamarían a esto una reacción defensiva ante un estrés extremo.

Pero esto no es suficiente para El Greco. Unos años más tarde creó una obra aún más sorprendente. No una imagen, sino el universo. Desde las más pequeñas historias de bordados en vestimentas de santos. Hasta que haya una clara división del mundo en dos mitades: la mundana y la celestial.

Me refiero, por supuesto, a “El entierro del conde Orgaz”.

El Greco. Entierro del Conde Orgaz. 1588 Iglesia de Santo Tomé en Toledo

E inmediatamente notamos cuerpos alargados. Más bien, El Greco observó tal distorsión de las formas por parte de los manieristas. Al menos del mismo Parmigianino. Quizás la experiencia de crear íconos bizantinos también se superpuso (después de todo, era originario de la Creta griega).

Con el tiempo, exageró aún más esta característica. Esto se nota claramente en su trabajo atrasado"Laocoonte".

El Greco. Laocoonte. 1614 Galería Nacional Washington

El artista entendió intuitivamente que a través de cambios de forma sus personajes podían contarnos sus sentimientos y vivencias. Después de todo, carecen de movimiento.

¿Has notado que el paisaje urbano del fondo también es muy inusual? Está más cerca de Van Gogh y Cézanne que de la estética del Renacimiento.

Antes de El Greco, nadie en la pintura occidental distorsionaba tanto las formas. Y después de él, los artistas se esforzaron por alcanzar proporciones realistas. Por eso fue considerado un excéntrico e incompetente durante 300 años.

Fue olvidado y no recordado. Y sólo a finales del siglo XIX todos se dieron cuenta de lo adelantado que estaba a su tiempo. Ahora el recién descubierto El Greco pasará a la historia del arte para siempre.

2. Diego Velázquez (1599-1660)

Diego Velázquez. Meninas (fragmento con autorretrato). 1656

Las innovaciones de Velázquez son sorprendentes hasta la médula. ¡No sólo vivió en una sociedad muy conservadora, sino que también fue un artista de la corte!

Esto significa que tenía clientes exigentes a quienes no les importaba la innovación. Si tan solo fuera "hermoso y similar". En tales condiciones, cualquier innovación languidece fácilmente.

Pero no Velásquez. Por algún milagro, los clientes le perdonaron todo, aparentemente entendiendo intuitivamente que gracias a este artista serían recordados dentro de 500 años. Y tenían razón.

Sin embargo, ni siquiera Velázquez, la cruel Inquisición iba a hacer concesiones en todo. Pintar desnudos se consideraba un delito grave.

Sin embargo, Velázquez logró crear una obra maestra con un hermoso cuerpo desnudo incluso en tales condiciones.

Diego Velázquez. Venus frente al espejo. 1647-1651 Galería Nacional de Londres

Es cierto que escribió su hermosa “Venus” mientras estaba en Italia. Luego lo trajo en secreto a España y se lo entregó a un ministro influyente para que lo guardara. Y la Inquisición no irrumpió en su casa simplemente en busca de desnudez.

Incluso desde esta “Venus” queda claro por qué Velázquez se destacó tanto. Con tu vitalidad. No hay duda de que se trata de una mujer real. Hermoso, pero real. Su pose es muy relajada y natural.

Presumiblemente, se trata de la amante italiana del artista. Él la protegió prudentemente dándonos la espalda. Y reflejó su rostro en un espejo nublado.

Allí, en Italia, Velázquez pintó el legendario retrato del Papa Inocencio X.

Diego Velázquez. Retrato del Papa Inocencio X. 1650 Galería Doria Pamphilj, Roma

Velázquez logró transmitir con mucha precisión el carácter duro y traicionero del Papa.

Parecería que el pontífice de 75 años se nos aparece en la forma más majestuosa. Pero la mirada punzante y decidida, los labios comprimidos y el color rojo venenoso de la túnica hablan de valores verdaderos este hombre.

¿Cómo logró Velázquez recuperar vitalidad incluso en un retrato ceremonial?

El caso es que Velázquez tuvo la suerte de encontrarse con el Papa paseando por una de las galerías del Vaticano. Caminaba solo y no tenía la habitual “máscara” en el rostro. Fue entonces cuando Velázquez comprendió su carácter y trasladó su impresión al lienzo.

Al regresar de Italia, Velázquez continuó desempeñando sus funciones de cortesano.

Pero no crean que Velázquez estaba descontento. Él mismo aspiraba a convertirse en el artista del rey, ya que era vanidoso. Por eso, pintó con resignación innumerables retratos de aristócratas, y ni siquiera desdeñó sacar el orinal para Su Alteza.

Pero entre estas obras similares hay un retrato sumamente inusual de la familia real: “Las Meninas”.

Diego Velázquez. Meninas. 1656

Esta imagen contiene una idea muy inusual.

Velázquez decidió mostrarnos cómo luce su mundo al otro lado del lienzo. Vemos lo que sucede a través de los ojos de quienes... posan para el artista.

Vemos al artista trabajando en un retrato del Rey y su esposa. Y ellos están en nuestro lugar (o nosotros en su lugar) y miran al artista. Y entonces la princesa, su hija, entró en el taller con su séquito para visitar a sus padres.

Algo así como “disparos aleatorios”. Cuando un artista prefirió pintar a sus héroes no en el escenario, sino detrás de escena.

Notamos otra característica en “Las Meninas”. Son golpes rápidos y vibrantes. Al mismo tiempo, el artista no distingue entre fondo y personajes. Todo está tejido como de un solo tejido. Así escribirán exactamente los impresionistas 200 años después, lo mismo.

Sí, la habilidad no conoce límites... sin miedo a la Inquisición ni a la moral estancada. ¡Imagínese lo que Velázquez podría haber creado si hubiera vivido en una era más libre! En, por ejemplo.

3. José de Ribera (1591-1652)

Giuseppe McPherson. Retrato de José de Ribera. 1633-1656 Colección Real, Londres

“El Españolito” (como también lo llamaban) José de Ribera se mudó a Italia a los 14 años. Pero su pintura siempre fue española, no muy parecida al academicismo italiano.

Aquí en Italia quedó asombrado por la pintura. Y, por supuesto, no pude resistirme a trabajar la técnica del tenebroso. es cuando protagonista Está en la oscuridad y sólo puede ser arrebatado por una luz tenue.

Esta técnica de Caravaggio era muy adecuada estilo general Ribera. Simplemente le encantaban las historias bíblicas y mitológicas llenas de acción. Y es el tenebroso el que lleva esta trama llena de acción a su clímax.

Sus personajes principales son aquellos que aceptan el sufrimiento por el bien de meta alta. Como, por ejemplo, Prometeo.

José de Ribera. Prometeo. 1830 Colección privada

El naturalismo de Ribera deja sin aliento. Y no se trata sólo de una representación muy precisa del cuerpo real. Y también en cómo se ven las heridas y cómo reacciona emocionalmente el héroe ante su sufrimiento.

El caso es que Ribera visitó cárceles y observó con sus propios ojos las torturas a los presos. Éste es del siglo XVII. Sólo Degas iba al teatro a espiar a las bailarinas. Y este español fue a los lugares de detención y buscó verosimilitud para sus mártires.

Después de un tiempo, el maestro comienza a alejarse del caravaggismo. Sin embargo, los luchadores por altos ideales siguen siendo sus principales héroes. Y una de estas obras maestras es "El martirio de San Felipe".

José de Ribera. Martirio de San Felipe. 1639 Museo del Prado, Madrid

Vemos al santo unos segundos antes de ser colgado en el potro. Lo peor en términos físicos aún no ha llegado. Pero existe la oportunidad de empatizar con el inminente final inevitable y admirar la humildad del santo.

Ribera realza el dramatismo al representar al mártir estrictamente en diagonal. Su figura, esbelta y alargada, apenas encaja en la imagen. Es como si Gulliver (espiritualmente) hubiera sido capturado para ser despedazado por gente pequeña y patética.

Ribera también se hizo famosa por pintar personas con anomalías. Piernas cojas, enanos y mujeres con barba son también héroes frecuentes de sus cuadros.

Pero no penséis que éste era su doloroso deseo. Así eran las costumbres en la corte. A la aristocracia le encantaba tener a esas personas como bufones y esencialmente esclavos. Y los artistas los pintaron, nuevamente para diversión de los invitados.

Una de las obras más famosas del maestro es “Magdalena con su marido y su hijo”.

José de Ribera. Magdalena Ventura con su esposo e hijo (Mujer Barbuda). 1631 Hospital de Tabera en Toledo, España

Una mujer de 37 años experimentó un desequilibrio hormonal y como resultado comenzó a dejarse barba. El cliente exigió dibujarla con un bebé en brazos. Aunque en ese momento ya tenía más de 50 años. Sus hijos habían crecido hacía mucho tiempo y sus senos claramente no eran tan exuberantes. Pero el bebé y el pecho hicieron más elocuente este error de la naturaleza.

Pero a diferencia de los clientes, Ribera sólo simpatizaba con esas personas. Y los ojos de la infeliz expresan la verdadera actitud del artista hacia ella.

4.Francisco Goya (1746-1828)

Vicente López Portaña. Retrato de Francisco Goya. 1819 Museo del Prado, Madrid.

La madre de Goya le dijo a su hijo: “Naciste no como una rosa, sino como una cebolla. Morirás con un arco”. Se trata del carácter obstinado y belicoso de su hijo. Sí, Francisco Goya era una persona muy temperamental.

Las historias sobre cómo dejó su firma en... la cúpula de la Catedral de San Pedro en Roma, y ​​también cómo secuestró y sedujo a una monja del monasterio lo dicen todo.

Recibió una educación superficial y escribió con errores toda su vida. Pero esto no le impidió convertirse en el mejor artista. Pudo lograr lo casi imposible.

Pintó a una mujer desnuda, pero no cayó en las garras de la Inquisición. Sin embargo, Velásquez hizo este truco primero.

Logró seguir siendo un artista de la corte casi toda su vida. Pero al mismo tiempo expresó activamente su posición cívica en sus obras. Y los monarcas parecieron no notar nada.

Sedujo a una bella aristócrata tras otra, a pesar de su mala salud y su sordera.

Se trata de uno de los artistas más atrevidos, cuyo pincel es como una espada, y cuyos colores son palabras atrevidas. Sin embargo, Goya también participó más de una vez en duelos reales y escaramuzas verbales.

Echemos un vistazo a sus obras más destacadas.

Pensando en Goya, por supuesto, inmediatamente recordamos su “Desnudo Maja”.

Francisco Goya. Maha desnuda. 1795-1800 Museo del Prado, Madrid.

Por primera vez, la desnudez no apareció como la de Velásquez, furtiva y disimuladamente, sino en todo su descarado esplendor. Sin pretensiones, sólo sensualidad y erotismo absoluto.

Goya trabajó en la corte durante mucho tiempo, sin embargo, no toleró las congraciaciones ni las mentiras. Basta con mirar su lienzo.

Francisco Goya. Retrato de la familia de Carlos IV. 1800 Museo del Prado, Madrid.

¡Cuánta ironía hay en relación a la realeza! En el centro, el autor representa a la reina María, insinuando claramente que ella, y no Carlos, gobierna el país.

Es sorprendente cómo al artista se le permitió crear tal contraste: ¡entre la ropa de la pareja real y sus rostros! El lujo y el brillo del oro no pueden ocultar la mediocridad de los héroes y la absoluta “sencillez” del rey.

Y por supuesto, no se puede ignorar su obra “Ejecución el 3 de mayo”. Esta es una imagen sobre el heroísmo de los españoles comunes y corrientes durante la ocupación de las tropas napoleónicas.

Francisco Goya. 3 de mayo de 1808 en Madrid. 1814 Prado, Madrid

En el momento previo a la salva, cada uno de los rebeldes condenados luce diferente: alguien espera humildemente, alguien ora, alguien llora.

Pero un español con camisa blanca está dispuesto a afrontar la muerte sin miedo. El artista lo puso de rodillas. Y si imaginas que se levanta, resulta ser sólo un gigante. Y las armas de los soldados franceses parecían apuntar sólo a él.

Así demostró Goya por primera vez proeza y valentía hombre común. Antes de él, no eran los plebeyos los que eran retratados como héroes. Esto es absolutamente Un nuevo look para pintura histórica.

Sin duda, Goya todavía hoy sorprende por su valentía, excentricidad y humanismo. Era un maestro con una actitud especial.

Para nosotros es un artista de especial poder, como líder espiritual. Que no halague a los que están en el poder, que no ignore el heroísmo del hombre común y que no se aparte de la belleza, incluso si se considera pecaminosa y vil.

5.Pablo Picasso (1881 – 1973)

Pablo Picasso. Auto retrato. 1907 Galería Nacional de Praga

Picasso es considerado el más Artista famoso en el mundo. Es cierto que la mayoría de la gente lo conoce como cubista. Aunque no trabajó mucho tiempo en el estilo del cubismo puro. Era a la vez expresionista y surrealista. Era un artista camaleónico.

Realmente no importa en qué estilo trabajó. Su característica principal son los numerosos experimentos con la forma. Arrugó la forma, la sacó, la apretó, la aplastó y la mostró por todos lados.

Comenzó con cuidadosos experimentos, imitando a El Greco. Fue en él que vio formas deformes. Y al igual que El Greco, estiró sus figuras durante la suya.

Pablo Picasso. Dos Hermanas. Ermita de 1902

Cezanne buscó oportunidades para expresar la esencia de una cosa en color, forma y perspectiva. Picasso, con la ayuda del cubismo, llevó a cabo esta idea.

Utilizando diferentes ángulos de visión y elementos del tema, intentó desencadenar una serie asociativa en el espectador: mostrar la esencia de una cosa, y no su imagen.

Pablo Picasso. Composición con pera cortada. Ermita de 1914

En el cuadro “Pera” NO vemos la imagen de una pera. Pero vemos trozos de lienzo moteados: tenemos el recuerdo de una textura similar de pulpa de pera. El beige delicado y el marrón también se asocian con la pera. Sin mencionar el arco del personaje.

Todos estos fragmentos de la imagen de una pera evocan en nosotros no sólo un recuerdo visual de la pera, sino también de su sabor y de cómo se siente al tacto.

Es este concepto de expresar la esencia, y no la imagen, lo que predomina en la pintura de Picasso. Incluso cuando se aleja de los típicos “cubos” y escribe en un estilo cercano al surrealismo.

Estos incluyen retratos de Marie-Thérèse Walter.

Pablo Picasso. Sueño. 1932 Colección privada

Durante su agotador y desmoronado matrimonio con Khokhlova, Picasso conoció accidentalmente a la joven Marie-Thérèse.

Siempre lo representó colorido y ondulado, con elementos cubistas. Después de todo, su rostro se muestra simultáneamente desde dos puntos de vista: tanto de perfil como de frente.

Así, pone del revés toda su sensualidad y ternura, su extrema feminidad. Y esto a pesar de que había algo masculino en su figura. Pero las formas están destinadas a enfatizar la esencia y no a representar la capa exterior del modelo.

Picasso es un gran experimentador. Su principal tema de prueba es la forma. Ella estuvo sujeta a cambios en un numero enorme obras del artista. Después de todo, también fue uno de los artistas más prolíficos del mundo. Como él mismo dijo de sí mismo: “Dadme un museo y lo llenaré con mis cuadros”.

Cinco grandes pintores, cinco españoles están entre los creadores arte contemporáneo. A pesar de que la mayoría de ellos vivieron hace 200-300 años.

Se inspiran en su trabajo. artistas contemporáneos. Dan un impulso que aún alimenta cultura mundial.

Sólo nos queda agradecer, valorar su legado y, por supuesto, admirarlos.

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Imagen - Un sueño provocado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada, un segundo antes de despertar.
Año de creación - 1944,
Óleo sobre lienzo 51× 40,5 cm
Museo Thysenna-Barnemisza, Madrid

Si crees en las historias de Dalí, estaba dormitando junto a un caballete, sosteniendo una llave, un pincel o una cuchara en la mano. Cuando un objeto cayó y golpeó un plato que había sido colocado previamente en el suelo, el rugido despertó al artista. E inmediatamente se puso a trabajar, hasta que desapareció el estado entre el sueño y la realidad.

Dalí dijo sobre la pintura: "El objetivo era representar por primera vez el tipo de sueño largo y conectado descubierto por Freud, causado por un impacto instantáneo, del cual se produce el despertar".
Freud lo describió como un sueño, cuya trama es provocada por algún irritante del exterior: el subconsciente del durmiente identifica este irritante y lo convierte en imágenes que tienen cierto parecido con la fuente de irritación. Si el irritante representa una amenaza en realidad, en un sueño adquirirá una apariencia amenazante, lo que provocará un despertar.

En la parte inferior de la imagen hay una mujer dormida desnuda, como flotando sobre una losa de piedra bañada por el mar. El mar en la obra de Dalí significa eternidad. Freud comparó la psique humana con un iceberg, nueve décimas partes sumergidas en el mar del inconsciente.
La mujer de la imagen es Gala, a quien el artista consideró su inspiración y su segundo yo. Ella ve el sueño representado en la imagen y se encuentra en el límite de dos mundos: el real y el ilusorio, estando presente simultáneamente en ambos.
Una mujer oye en su sueño una abeja zumbando sobre una granada. La imagen de una granada en antigüedades y simbolismo cristiano significa renacimiento y fertilidad.
“Toda biología vivificante surge del estallido de una granada”, comentó el propio artista sobre el cuadro.
El subconsciente indica que el insecto puede ser peligroso y el cerebro reacciona evocando imágenes de tigres rugiendo. Un animal salta de la boca de otro y luego, a su vez, emerge de la boca abierta de un pez que emerge de una enorme granada que cuelga sobre el que duerme. Las garras y los dientes afilados son un símbolo del miedo a la picadura del insecto, al igual que una pistola con bayoneta que está a punto de hundirse en la mano de la mujer.

“El elefante de Bernini al fondo lleva un obelisco y atributos del Papa”, el artista insinuaba un sueño sobre el funeral del Papa, que Freud tuvo debido al repique de campanas y que un psiquiatra citó como ejemplo de extraña conexión entre la trama y un estímulo externo.
El elefante de Piazza Minerva en Roma, creado por el maestro barroco Giovanni Lorenzo Bernini como pedestal para un antiguo obelisco egipcio, fue posteriormente representado más de una vez por Dalí en pinturas y esculturas. Las piernas delgadas y articuladas son un símbolo de la fragilidad y la irrealidad inherentes al sueño.

Pablo Picasso, Guernica

Pintura - Guernica
Año de creación: 1937.
Lienzo, óleo. 349x776cm
Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

El cuadro fue pintado en mayo de 1937 por encargo del gobierno de la República Española para el pabellón español en la Exposición Universal de París.
El expresivo lienzo de Picasso se convirtió en una protesta pública contra el bombardeo nazi de la ciudad vasca de Guernica, cuando se lanzaron varios miles de bombas sobre la ciudad en tres horas; Como resultado, la población de seis mil habitantes de Guernica fue destruida y unos dos mil habitantes quedaron atrapados bajo los escombros.

La pintura de Picasso está llena de sentimientos personales de sufrimiento y violencia.
En el lado derecho de la imagen, figuras huyen de un edificio en llamas, desde cuya ventana cae una mujer; a la izquierda, una madre sollozando sostiene a su hijo en brazos y un toro triunfante pisotea guerrero caído.
La espada rota, la flor y la paloma aplastadas, la calavera (escondida dentro del cuerpo del caballo) y la pose de crucifixión del guerrero caído son símbolos generalizados de guerra y muerte.
En las manos del soldado muerto se ven estigmas (heridas dolorosas y sangrantes que se abren en el cuerpo de algunas personas profundamente religiosas, aquellos que "sufrieron como Jesús". El toro simboliza el mal y la crueldad, y el caballo simboliza el sufrimiento de los inocentes.
Algunos españoles interpretan el toro, símbolo de la tauromaquia tradicional española, como la propia España, que dio la espalda a lo que estaba sucediendo en Guernica (una referencia a que Franco permitió el bombardeo de su ciudad).
Juntas, estas figuras frenéticas forman una especie de collage, recortadas sobre un fondo oscuro, brillantemente iluminadas por una mujer con una lámpara y un ojo con una bombilla en lugar de pupila. La pintura monocromática, que recuerda a las ilustraciones de los periódicos, y el marcado contraste de luz y oscuridad realzan el poderoso impacto emocional.

Francisco de Goya, Maha desnuda

Pintura - Maha desnuda
Año de creación - 1795-1800.
Lienzo, óleo. 98x191cm
Museo del Prado, Madrid

En la imagen de Macha, una ciudadana española de los siglos XVIII y XIX, la artista, contrariamente a los estrictos cánones académicos, encarnaba un tipo de belleza natural atractiva. Maha es una mujer cuyo significado en la vida es el amor. Los cambios seductores y temperamentales personificaban la comprensión española del atractivo.
Goya creó la imagen de la nueva Venus de su sociedad contemporánea, mostrando magistralmente la juventud, el encanto vivaz y la misteriosa sensualidad de la seductora modelo.
La joven está representada sobre un fondo oscuro, por lo que toda la atención del espectador se centra en la provocativa desnudez de su piel sedosa, que se convierte, de hecho, en el tema principal y único de la imagen.

Por expresión escritor francés y el historiador de arte André Malraux, esta obra “no es tanto voluptuosa como erótica y, por tanto, no puede dejar indiferente a ninguna persona más o menos sensual”.

El cuadro fue un encargo de Manuel Godoy, Primer Ministro de España, favorito de la reina María Luisa, esposa de Carlos IV. Durante mucho tiempo lo escondió en su oficina. También se pintó un segundo cuadro para acompañarla: la Maha vestida, que Godoy colgó encima del Desnudo.
Al parecer, uno de los sorprendidos invitados denunció al sensualista, y en 1813 la Inquisición confiscó ambos cuadros a Godoy, acusando simultáneamente a Goya de inmoralidad y exigiendo que el artista revelara inmediatamente el nombre de la modelo que posaba para él. Goya, a pesar de las amenazas, se negó rotundamente a nombrar a esta mujer.
De la mano ligera del escritor León Feuchtwanger, autor de la novela “Goya, o el duro camino del conocimiento”, comenzó a circular por el mundo la leyenda de que la maja desnuda es María Cayetana de Silva, decimotercera duquesa de Alba, con con quien el artista supuestamente tuvo una relación amorosa.
En 1945, para desmentir esta versión, la familia Alba abrió la tumba para medir los huesos de la duquesa y comprobar que sus proporciones no coinciden con las de Macha, pero como la tumba ya había sido abierta y el cuerpo de la duquesa fue arrojado por Napoleón soldados, en su estado actual no se pudieron tomar medidas.
Actualmente, la mayoría de los historiadores del arte se inclinan a creer que las pinturas representan a Pepita Tudó, la amante de Godoy.

Diego Velázquez, Meninas

Pintura - Las Meninas
Año de creación: 1656.
Lienzo, óleo. 318x276cm
Museo del Prado, Madrid

Probablemente Las Meninas sea el cuadro más famoso y reconocible del artista, que casi todo el mundo conoce. Este gran lienzo es uno de mejores trabajos artista. La imagen es impresionante por su escala y versatilidad.

Para ampliar el espacio se utilizaron varios talleres a la vez. técnicas artísticas. El artista colocó a los personajes en una habitación espaciosa, al fondo de la cual se ve una puerta con un caballero vestido de negro de pie en los escalones iluminados. Esto indica inmediatamente la presencia de otro espacio fuera de la habitación, expandiendo visualmente su tamaño, privándola de su bidimensionalidad.

Toda la imagen está ligeramente desplazada hacia un lado debido a que el lienzo está frente a nosotros con su reverso. El artista se encuentra frente al lienzo: este es el propio Velázquez. Pinta un cuadro, pero no el que vemos frente a nosotros, ya que los personajes principales están frente a nosotros. Estos ya son tres planes diferentes. Pero ni siquiera esto le pareció suficiente al maestro y añadió un espejo en el que se refleja la pareja real: el rey Felipe IV de España y su esposa Mariana. Miran con amor a su única hija en ese momento: la infanta Margarita.

Aunque el cuadro se llama “Las Meninas”, es decir, damas de honor de la corte real española, el centro de la imagen es la princesita, la esperanza de toda la familia de los Austrias españoles en aquella época. Margarita, de cinco años, es tranquila, segura de sí misma e incluso arrogante para su edad. Ella mira a quienes la rodean sin el más mínimo entusiasmo o cambio en la expresión facial, y su pequeño cuerpo infantil está literalmente encerrado en la dura cáscara de un magnífico vestido de corte. No se avergüenza de las damas nobles, sus meninas, que se agachan ante ella en una profunda reverencia según la severa etiqueta aceptada en la corte española. Ni siquiera le interesan el enano de palacio ni el bufón, que puso su pie sobre el gran perro que yacía en primer plano. Esta pequeña se porta con toda la grandeza posible, representando la centenaria monarquía española.

El fondo de la habitación parece disolverse en una ligera neblina grisácea, pero todos los detalles del complejo atuendo de la pequeña Margarita están dibujados hasta el más mínimo detalle. El artista no se olvidó de sí mismo. Ante nosotros aparece un imponente hombre de mediana edad, con exuberantes rizos, vestido con ropas de seda negra y con la cruz de Sant'Iago en el pecho. A causa de este símbolo de distinción, que sólo podía obtener un español de pura raza sin una gota de sangre judía o mora, surgió una pequeña leyenda. Dado que el artista recibió la cruz sólo tres años después de pintar el lienzo, se cree que el propio Rey de España completó el cuadro.

El Greco, Entierro del Conde Orgaz

Pintura - Entierro del Conde Orgaz
Año de creación - 1586-1588.
Lienzo, óleo. 480x360cm.
Iglesia de Santo Tomé, Toledo

lo mas foto famosa El gran y misterioso El Greco pertenece al apogeo de su obra. En ese momento, el artista ya había desarrollado su propio estilo de pintura, que no puede confundirse con los estilos de otros pintores.
En 1586, el maestro comenzó a decorar la Iglesia de Santo Tomé de Toledo. La trama central era la leyenda del santo toledano don Gonzalo Ruiz, también conocido como Conde de Orgaz, que vivió en los siglos XIII-XIV. Cristiano piadoso y devoto, se hizo famoso por sus actividades caritativas, y cuando murió en 1312, el propio San Esteban y el Beato Agustín descendieron del cielo para dar a la tierra un difunto digno.
La imagen se divide visualmente en dos partes: "terrenal" y "celestial". El ritmo estricto del “piso” inferior contrasta con el “piso” barroco. Y allí, en diferentes niveles celestiales, el alma del conde se encuentra con Juan Bautista, la Virgen María, ángeles y querubines. Cristo está sentado en el centro. El ángel volador está resaltado en blanco: es él quien eleva el alma del conde al cielo.
Cristo, ángel con alma fallecida y el noble de abajo forman un eje vertical. Las líneas geométricas en la construcción de la composición fueron muy características de El Greco.
El clímax expositivo se traslada al final de la obra, donde Stefan y Augustine, inclinándose, bajan a Orgas al suelo. Los santos van vestidos con trajes dorados, que hacen eco de la figura del ángel y de la ropa de Pedro en la zona superior. Así, el artista utilizó el oro para conectar a los héroes de la obra, que pertenecen al mundo celestial y al otro.

La pintura fue un gran éxito en España durante la época del artista. Posteriormente, El Greco fue olvidado y redescubierto por los impresionistas. El trabajo emocional expresivo tiene un gran impacto en el espectador. Según testigos presenciales, Salvador Dalí incluso perdió el conocimiento cerca del lienzo. Quizás esta descripción sea exhaustiva.

España. Un país sol brillante, mar cálido y buen vino. Este es un país que nos ha dado muchos nombres famosos en varios campos– en deportes, cine, literatura. Pero España también puede estar legítimamente orgullosa de sus artistas. El Greco, Velázquez, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Francisco Goya: todos ellos hicieron una contribución invaluable al desarrollo de la pintura mundial.

Para los verdaderos conocedores de las obras de los maestros españoles, ofrecemos un recorrido de 3 días por los principales museos dedicados a estos grandes personajes.

1 día. Empecemos por la capital y ciudad principal del país: Madrid. ¿Por qué es interesante? Por ejemplo, porque aquí podrás encontrar obras únicas de Francisco Goya. Podrás visitar la iglesia más conocida como el Panteón de Goya. Es significativo que en sus paredes se hayan conservado los frescos del maestro. En primer lugar, vale la pena prestar atención a la cúpula de la iglesia, donde Goya representó una trama religiosa inusual: la resurrección de entre los muertos. Además, el artista decoró las bóvedas de la capilla con sorprendentes composiciones decorativas, en las que los ángeles ocupan un lugar central. También aquí se encuentran los restos del gran pintor, trasladados desde Francia.

La siguiente parada en Madrid es San Francisco El Grande, el templo finales del XVIII v. Aquí verás el cuadro “El Sermón de San Bernardino de Siena”, ubicado en la Capilla de San Bernardino. Vale la pena echar un vistazo más de cerca a esta obra: verás una imagen de Goya, capturada por él en el mismo último momento antes de enviar el trabajo.

El tiempo restante lo podrás dedicar a pasear por las acogedoras calles de Madrid o a conocer cocina nacional en uno de los muchos restaurantes de la ciudad.

Dia 2. Vuelo a Barcelona. Otra ciudad y otro artista no menos famoso: Pablo Picasso. Es aquí donde se encuentra el Museo Picasso, la mayor colección de obras del maestro, donde podrás disfrutar de su obra, y principalmente período temprano(de 1895 a 1904).

Es interesante señalar que esta colección fue creada originalmente por el amigo del artista, Jaime Sabartes, tras cuya muerte Picasso donó personalmente más de 2,5 mil de sus obras (grabados, dibujos, cerámicas) para continuar su trabajo.

Día 3. Desde Barcelona irás a la maravillosa ciudad de Figueres (español: Figueres), donde se encuentra el Teatro-Museo del famoso surrealista Salvador Dalí. El viaje se realizará en tren, lo que le permitirá disfrutar de las pintorescas vistas de Cataluña. El museo en sí es un complejo único, construido según el diseño del propio artista sobre las ruinas del antiguo teatro municipal.

Según el plan de Dalí, se suponía que sería una especie de laberinto surrealista en el que los visitantes pudieran comprender mejor las intenciones del artista, así como romper con su realidad habitual. De hecho, el diseño interior del museo combina varios Estilos arquitectonicos y diversos trucos que engañan a la visión humana utilizando ilusiones ópticas. Además, contiene la mayor colección de obras del gran genio español, no sólo en pintura, sino también en escultura, e incluso en joyería.

es mas que hermosas fotos, esto es un reflejo de la realidad. En las obras de grandes artistas se puede ver cómo cambió el mundo y la conciencia de las personas.

El arte es también un intento de crear una realidad alternativa donde puedas esconderte de los horrores de tu tiempo o del deseo de cambiar el mundo. El arte del siglo XX ocupa con razón un lugar especial en la historia. Las personas que vivieron y trabajaron en aquellos tiempos experimentaron agitaciones sociales, guerras y avances científicos sin precedentes; y todo esto encontró su huella en sus lienzos. Los artistas del siglo XX participaron en la creación de la visión moderna del mundo.

Algunos nombres todavía se pronuncian con aspiración, mientras que otros se olvidan injustamente. Alguien fue tan contradictorio camino creativo, que todavía no podemos darle una valoración inequívoca. Esta reseña está dedicada a los 20 más grandes artistas del siglo XX. Camille Pizarro- pintor francés. Un destacado representante del impresionismo. El trabajo del artista fue influenciado por John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet.
Nacido el 10 de julio de 1830 en St. Thomas, fallecido el 13 de noviembre de 1903 en París.

Ermita de Pontoise, 1868

Pasaje de la ópera de París, 1898

Atardecer en Varengeville, 1899

Edgar Degas - Artista francés, uno de los más grandes impresionistas. La obra de Degas estuvo influenciada por la gráfica japonesa: nació el 19 de julio de 1834 en París y murió el 27 de septiembre de 1917 en París.

Absenta, 1876

Estrella, 1877

Mujer peinándose, 1885

Paul Cezanne - artista francés, uno de mayores representantes post impresionismo. En su obra se esforzó por revelar la armonía y el equilibrio de la naturaleza. Su obra tuvo una tremenda influencia en la cosmovisión de los artistas del siglo XX.
Nacido el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence, Francia, fallecido el 22 de octubre de 1906 en Aix-en-Provence.

Jugadores, 1893

Olimpia moderna, 1873

Naturaleza muerta con calaveras, 1900

Claude Monet- un destacado pintor francés. Uno de los fundadores del impresionismo. En sus obras, Monet buscó transmitir la riqueza y la riqueza del mundo circundante. Su última época se caracteriza por el decoracionismo y
El último período de la obra de Monet se caracterizó por el decorativismo, una creciente disolución de las formas de los objetos en sofisticadas combinaciones de manchas de color.
Nacido el 14 de noviembre de 1840 en París, fallecido el 5 de diciembre de 1926 en Jverny.

Acantilado de Welk en Pourville, 1882

Después del almuerzo, 1873-1876

Etretat, puesta de sol, 1883

Arkhip Kuindzhi - famoso artista ruso, maestro de la pintura de paisajes. Perdió a sus padres temprano. CON primeros años El amor por la pintura comenzó a manifestarse. La obra de Arkhip Kuindzhi ha tenido un gran impacto sobre Nicolás Roerich.
Nacido el 15 de enero de 1841 en Mariupol, fallecido el 11 de julio de 1910 en San Petersburgo.

"Volga", 1890-1895

"Norte", 1879

"Vista del Kremlin desde Zamoskvorechye", 1882

Pierre-Auguste Renoir Artista francés, artista gráfico, escultor, uno de los destacados representantes del impresionismo. También fue conocido como un maestro del retrato secular. Auguste Rodin fue el primer impresionista que se hizo popular entre los parisinos ricos.
Nacido el 25 de febrero de 1841 en Limoges, Francia, fallecido el 2 de diciembre de 1919 en París.

Puente de las Artes en París, 1867

Baile en el Moulin de la Galette, 1876

Juana Samari, 1877

Paul Gauguin- Artista, escultor, ceramista y artista gráfico francés. Junto con Paul Cezanne y Vincent van Gogh, es uno de los representantes más destacados del postimpresionismo. El artista vivía en la pobreza porque sus cuadros no tenían demanda.
Nacido el 7 de junio de 1848 en París, fallecido el 8 de mayo de 1903 en la isla de Hiva Oa, Polinesia Francesa.

Paisaje bretón, 1894

Pueblo bretón en la nieve, 1888

¿Estás celoso? 1892

Día de los Santos, 1894

Wassily Kandinsky- ruso y artista alemán, poeta, teórico del arte. Considerado uno de los líderes de las vanguardias de la 1ª mitad del siglo XX. Es uno de los fundadores del arte abstracto.
Nacido el 22 de noviembre de 1866 en Moscú, fallecido el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine, Francia.

Pareja montando a caballo, 1918

Una vida colorida, 1907

1 de Moscú, 1916

En gris, 1919

Henri Matisse- uno de los mejores artistas franceses y escultores. Uno de los fundadores del movimiento fauvista. En su obra se esforzó por transmitir emociones a través del color. En su obra estuvo influenciado por la cultura islámica del Magreb Occidental. Nacido el 31 de diciembre de 1869 en la ciudad de Le Cateau, falleció el 3 de noviembre de 1954 en la localidad de Cimiez.

Plaza de Saint-Tropez, 1904

Esquema de Notre Dame de noche, 1902

Mujer con sombrero, 1905

Danza, 1909

italiano, 1919

Retrato de Delectorskaya, 1934

nicolas roerich- Artista, escritor, científico y místico ruso. Durante su vida pintó más de 7.000 cuadros. Una de las figuras culturales más destacadas del siglo XX, fundador del movimiento “Paz a través de la cultura”.
Nacido el 27 de octubre de 1874 en San Petersburgo, fallecido el 13 de diciembre de 1947 en la ciudad de Kullu, Himachal Pradesh, India.

Invitados extranjeros, 1901

El gran espíritu del Himalaya, 1923

Mensaje de Shambhala, 1933

Kuzma Petrov-Vodkin - Artista, artista gráfico, teórico, escritor y profesor ruso. Fue uno de los ideólogos de la reorganización. Educación artística en la URSS.
Nacido el 5 de noviembre de 1878 en la ciudad de Khvalynsk, provincia de Saratov, fallecido el 15 de febrero de 1939 en Leningrado.

“1918 en Petrogrado”, 1920

"Niños jugando", 1911

Bañando al caballo rojo, 1912

Retrato de Anna Ajmátova

Kazimir Malevich- Artista ruso, fundador del suprematismo - tendencias en arte abstracto, educador, teórico del arte y filósofo
Nacido el 23 de febrero de 1879 en Kiev, fallecido el 15 de mayo de 1935 en Moscú.

Descanso (Sociedad con sombrero de copa), 1908

"Mujeres campesinas con baldes", 1912-1913

Plaza Suprematista Negra, 1915

Pintura suprematista, 1916

En el bulevar, 1903.

Pablo Picasso- Artista, escultor, escultor, diseñador cerámico español. Uno de los fundadores del cubismo. La obra de Pablo Picasso tuvo una influencia significativa en el desarrollo de la pintura en el siglo XX. Según una encuesta realizada a lectores de la revista Time
Nacido el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, fallecido el 8 de abril de 1973 en Mougins, Francia.

Chica en una pelota, 1905

Retrato de Ambroise Vallors, 1910

tres gracias

retrato de olga

Danza, 1919

Mujer con flor, 1930

Amadeo Modigliani - artista italiano, escultor. Uno de los representantes más brillantes del expresionismo. Durante su vida sólo realizó una exposición en diciembre de 1917 en París. Nacido el 12 de julio de 1884 en Livorno, Italia, fallecido el 24 de enero de 1920 a causa de tuberculosis. Reconocimiento mundial recibido póstumamente; recibió reconocimiento mundial póstumamente.

Violonchelista, 1909

La pareja, 1917

Joan Hébuterne, 1918

Paisaje mediterráneo, 1918

Diego Rivera- Pintor, muralista, político mexicano. Era el marido de Frida Kahlo. León Trotsky encontró refugio en su casa por un corto tiempo.
Nacido el 8 de diciembre de 1886 en Guanajuato, fallecido el 21 de diciembre de 1957 en la Ciudad de México.

Notre Dame de París bajo la lluvia, 1909

Mujer en el pozo, 1913

Unión de Campesinos y Trabajadores, 1924

Industria de Detroit, 1932

Marc Chagall- Pintor, artista gráfico, ilustrador ruso y francés, artista de teatro. Uno de los mayores representantes de la vanguardia.
Nacido el 24 de junio de 1887 en la ciudad de Liozno, provincia de Mogilev, fallecido el 28 de marzo de 1985 en Saint-Paul-de-Provence.

Anyuta (Retrato de una hermana), 1910

Novia con abanico, 1911

Yo y el pueblo, 1911

Adán y Eva, 1912

Marcos Rothko(presente Mark Rotkovich) - artista americano, uno de los fundadores del expresionismo abstracto y fundador de la pintura de campos de color.
Las primeras obras del artista fueron creadas con un espíritu realista, pero a mediados de los años 40, Mark Rothko recurrió al surrealismo. En 1947 se produjo un importante punto de inflexión en la obra de Mark Rothko: creó estilo propio- expresionismo abstracto, que se aleja de elementos objetivos.
Nacido el 25 de septiembre de 1903 en la ciudad de Dvinsk (actualmente Daugavpils), fallecido el 25 de febrero de 1970 en Nueva York.

Intitulado

Número 7 u 11

naranja y amarillo

Salvador Dalí- pintor, artista gráfico, escultor, escritor, diseñador, director. Quizás lo más representante famoso surrealismo y uno de los más grandes artistas del siglo XX.
Diseñado por Chupa Chups.
Nacido el 11 de mayo de 1904 en Figueres, España, fallecido el 23 de enero de 1989 en España.

Tentación de San Antonio, 1946

última cena, 1955

Mujer con cabeza de rosas, 1935

Mi esposa Gala, desnuda, mirando su cuerpo, 1945

Frida Kahlo - Artista y artista gráfico mexicano, uno de los más brillantes representantes del surrealismo.
Frida Kahlo comenzó a pintar después de un accidente automovilístico que la dejó postrada en cama durante un año.
Estaba casada con el famoso artista comunista mexicano Diego Rivera. León Trotsky encontró refugio en su casa por un corto tiempo.
Nacido el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, México, fallecido el 13 de julio de 1954 en Coyoacán.

Abrazo del Amor Universal, Tierra, Yo, Diego y Coatl, 1949

Moisés (Núcleo de la Creación), 1945

Dos Fridas, 1939

Andy Warhol(actual Andrei Varhola) - artista, diseñador, director, productor, editor, escritor y coleccionista estadounidense. El fundador del arte pop, es una de las personalidades más controvertidas de la historia de la cultura. Se han realizado varias películas basadas en la vida del artista.
Nacido el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, Pensilvania, fallecido en 1963 en Nueva York.