El primer artista abstracto. Pintura abstracta

Arte abstracto (lat. abstracción– remoción, distracción) o arte no figurativo- una dirección de arte que abandonó la representación de formas cercanas a la realidad en la pintura y la escultura. Uno de los objetivos del arte abstracto es lograr la “armonización” mediante la representación de ciertos combinaciones de colores y formas geométricas, evocando en el espectador una sensación de plenitud y plenitud de la composición. Figuras destacadas: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova y Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Historia

abstraccionismo(arte bajo el signo de "formas cero", arte no objetivo): una dirección artística que se formó en el arte de la primera mitad del siglo XX, abandonando por completo la reproducción de las formas de lo real. mundo visible. Se considera que los fundadores del arte abstracto son V. Kandinsky. , P. Mondrian Y K. Malevich.

V. Kandinsky creó su propio tipo de pintura abstracta, liberando las manchas impresionistas y "salvajes" de cualquier signo de objetividad. Piet Mondrian llegó a su no objetividad a través de la estilización geométrica de la naturaleza iniciada por Cézanne y los cubistas. Movimientos modernistas El siglo XX, centrado en el abstraccionismo, se apartó por completo de los principios tradicionales, negando el realismo, pero al mismo tiempo permaneciendo dentro del marco del arte. La historia del arte experimentó una revolución con la llegada del arte abstracto. Pero esta revolución no surgió por casualidad, sino de forma bastante natural, ¡y fue predicha por Platón! En su última obra Filebo, escribió sobre la belleza de las líneas, las superficies y las formas espaciales en sí mismas, independientemente de cualquier imitación de objetos visibles, de cualquier mimesis. Este tipo de belleza geométrica, a diferencia de la belleza de las formas naturales "irregulares", según Platón, no es relativa, sino incondicional, absoluta.

Siglo XX y época moderna.

Después de la Primera Guerra Mundial, 1914-18, las tendencias del arte abstracto a menudo se manifestaron en obras individuales representantes del dadaísmo y el surrealismo; Al mismo tiempo, existía el deseo de encontrar aplicaciones para las formas no figurativas en la arquitectura, las artes decorativas y el diseño (experimentos del grupo Style y la Bauhaus). A principios de los años 30 surgieron varios grupos de arte abstracto (“Arte Concreto”, 1930; “Círculo y Cuadrado”, 1930; “Abstracción y Creatividad”, 1931), que unían a artistas de diversas nacionalidades y movimientos, principalmente en Francia. Sin embargo, el arte abstracto no se generalizó en ese momento, ni a mediados de los años 30. Los grupos se separaron. Durante la Segunda Guerra Mundial, de 1939 a 1945, surgió en los Estados Unidos una escuela del llamado expresionismo abstracto (pintores J. Pollock, M. Tobey etc.), que se desarrolló después de la guerra en muchos países (bajo el nombre de tachismo o “arte informe”) y proclamó como método el “automatismo mental puro” y la impulsividad subjetiva subconsciente de la creatividad, el culto a las combinaciones inesperadas de colores y texturas.

En la segunda mitad de los años 50 surgieron en Estados Unidos las instalaciones y el arte pop, que un poco más tarde glorificaron a Andy Warhol con su interminable circulación de retratos de Marilyn Monroe y latas de comida para perros: el abstraccionismo collage. En las bellas artes de los años 60 se popularizó la forma de abstracción estática y menos agresiva: el minimalismo. Al mismo tiempo Barnett Newman, fundador del arte abstracto geométrico estadounidense junto con A. Liberman, A. Held Y K.Noland participó con éxito en un mayor desarrollo de las ideas del neoplasticismo holandés y el suprematismo ruso.

Otro movimiento de la pintura estadounidense se llama abstraccionismo “cromático” o “pospictórico”. Sus representantes se inspiraron hasta cierto punto en el fauvismo y el postimpresionismo. Estilo rígido, contornos enfáticamente nítidos de la obra. E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella Poco a poco fue dando paso a pinturas de carácter contemplativo y melancólico. En los años 70 - 80 pintura americana volvió a la figuratividad. Además, se ha generalizado una manifestación tan extrema como el fotorrealismo. La mayoría de los historiadores del arte coinciden en que los años 70 son el momento de la verdad para arte americano, ya que durante este período finalmente fue liberado de influencia europea y se volvió puramente estadounidense. Sin embargo, a pesar del retorno de las formas y géneros tradicionales, desde el retrato hasta pintura historica, el abstraccionismo tampoco ha desaparecido.

Las pinturas y obras de arte "no representativo" se crearon como antes, ya que el regreso al realismo en los Estados Unidos fue superado no por el abstraccionismo como tal, sino por su canonización, la prohibición del arte figurativo, que se identificaba principalmente con nuestro realismo socialista. , y por lo tanto no podía evitar ser considerado odioso en una sociedad "democrática libre", la prohibición de géneros "bajos", de funciones sociales arte. Al mismo tiempo, el estilo de la pintura abstracta adquirió cierta suavidad de la que antes carecía: volúmenes estilizados, contornos borrosos, riqueza de medios tonos, sutiles combinaciones de colores ( E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L. Chese, A. Bialobrod).

Todas estas tendencias sentaron las bases para el desarrollo del abstraccionismo moderno. En la creatividad no puede haber nada congelado ni definitivo, ya que eso sería para ella la muerte. Pero no importa qué camino tome el abstraccionismo, no importa qué transformaciones sufra, su esencia siempre permanece sin cambios. Es que el abstraccionismo en las bellas artes es la forma más accesible y noble de capturar la existencia personal, y en la forma más adecuada, como una impresión facsímil. Al mismo tiempo, el abstraccionismo es una realización directa de la libertad.

Direcciones

En el abstraccionismo se pueden distinguir dos direcciones claras: la abstracción geométrica, basada principalmente en configuraciones claramente definidas (Malevich, Mondrian), y la abstracción lírica, en la que la composición se organiza a partir de formas que fluyen libremente (Kandinsky). También hay otros grandes movimientos independientes en el arte abstracto.

Cubismo

Un movimiento de vanguardia en las bellas artes que se originó a principios del siglo XX y se caracteriza por el uso de formas geométricas enfáticamente convencionales, el deseo de "dividir" objetos reales en primitivos estereométricos.

Regionalismo (Rayismo)

dirección a arte abstracto Década de 1910, basado en el cambio de los espectros de luz y la transmisión de la luz. La idea del surgimiento de formas a partir de la “intersección de rayos reflejados de varios objetos” es característica, ya que lo que una persona realmente percibe no es el objeto en sí, sino “la suma de los rayos provenientes de una fuente de luz y reflejados desde el objeto."

Neoplasticismo

Designación del movimiento de arte abstracto que existió en 1917-1928. en Holanda y artistas unidos agrupados en torno a la revista “De Stijl” (“Estilo”). Son características las formas rectangulares claras en la arquitectura y la pintura abstracta en la disposición de grandes planos rectangulares, pintados en los colores primarios del espectro.

Orfismo

dirección a pintura francesa Década de 1910. Los artistas orfistas buscaron expresar la dinámica del movimiento y la musicalidad de los ritmos con la ayuda de "regularidades" de la interpenetración de los colores primarios del espectro y la intersección mutua de superficies curvas.

suprematismo

Un movimiento de arte de vanguardia fundado en la década de 1910. Malevich. Se expresó en combinaciones de planos multicolores de las formas geométricas más simples. La combinación de formas geométricas multicolores forma composiciones suprematistas asimétricas equilibradas impregnadas de movimiento interno.

tachismo

Movimiento del arte abstracto de Europa occidental de las décadas de 1950 y 1960, que se difundió más en los Estados Unidos. Se trata de pintar con manchas que no recrean imágenes de la realidad, sino que expresan la actividad inconsciente del artista. Trazos, líneas y manchas de tachismo se aplican al lienzo con rápidos movimientos de la mano sin un plan premeditado.

Expresionismo abstracto

El movimiento de los artistas que pintan rápidamente y sobre lienzos grandes, utilizando trazos no geométricos, pinceles grandes y, a veces, goteando pintura sobre el lienzo para revelar plenamente las emociones. El método de pintura expresivo aquí es a menudo tan importante como la pintura misma.

Abstraccionismo en el interior.

EN Últimamente El abstraccionismo comenzó a pasar de las pinturas de los artistas al acogedor interior de la casa, actualizándolo ventajosamente. Un estilo minimalista que utiliza formas claras, a veces bastante inusuales, hace que la habitación sea inusual e interesante. Pero es muy fácil exagerar con el color. Considere la combinación color naranja en este estilo interior.

El blanco diluye mejor la rica naranja y, por así decirlo, la enfría. El color naranja hace que la habitación se sienta más cálida, un poco; no prevenir. Se debe hacer hincapié en los muebles o en su diseño, por ejemplo, una colcha naranja. En este caso, las paredes blancas ahogarán el brillo del color, pero dejarán la habitación colorida. En este caso, las pinturas de la misma escala servirán como una excelente adición; lo principal es no exagerar, de lo contrario habrá problemas para dormir.

La combinación de colores naranja y azul es perjudicial para cualquier habitación, a menos que se trate de una habitación infantil. Si elige tonos que no sean brillantes, armonizarán bien entre sí, agregarán humor y no tendrán un efecto perjudicial incluso en los niños hiperactivos.

El naranja combina bien con el verde, creando el efecto de un árbol de mandarina y un tinte chocolate. El marrón es un color que va del cálido al frío, por lo que idealmente normaliza la temperatura general de la habitación. Además, esta combinación de colores es adecuada para la cocina y el salón, donde es necesario crear una atmósfera sin sobrecargar el interior. Habiendo decorado las paredes en colores blanco y chocolate, puedes colocar con seguridad una silla naranja o colgarla. una imagen brillante con rico color mandarina. Mientras esté en una habitación así, estará de muy buen humor y querrá hacer tantas cosas como sea posible.

Pinturas de artistas abstractos famosos.

Kandinsky fue uno de los pioneros del arte abstracto. Comenzó su búsqueda en el impresionismo y sólo entonces llegó al estilo del abstraccionismo. En su trabajo, explotó la relación entre color y forma para crear una experiencia estética que abarcaba tanto la visión como las emociones del espectador. Creía que la abstracción completa proporciona un espacio para una expresión profunda y trascendente, y copiar la realidad sólo interfiere con este proceso.

La pintura era profundamente espiritual para Kandinsky. Buscó transmitir la profundidad de las emociones humanas a través de un lenguaje visual universal de formas y colores abstractos que trascenderían las fronteras físicas y culturales. El vió abstraccionismo como un modo visual ideal que puede expresar la "necesidad interior" del artista y transmitir ideas y emociones humanas. Se consideraba un profeta cuya misión era compartir estos ideales con el mundo en beneficio de la sociedad.

Escondidos en colores brillantes y líneas negras claras se representan varios cosacos con lanzas, así como barcos, figuras y un castillo en la cima de una colina. Como muchas pinturas de esta época, imagina una batalla apocalíptica que conducirá a la paz eterna.

Para facilitar el desarrollo de un estilo de pintura no objetivo, como se describe en su obra Sobre lo espiritual en el arte (1912), Kandinsky reduce los objetos a símbolos pictográficos. Al eliminar la mayoría de las referencias al mundo exterior, Kandinsky expresó su visión de una manera más universal, traduciendo la esencia espiritual del tema a través de todas estas formas a un lenguaje visual. Muchas de estas figuras simbólicas se repitieron y refinaron en sus obras posteriores, volviéndose aún más abstractas.

Kazimir Malevich

Las ideas de Malevich sobre la forma y el significado en el arte de alguna manera conducen a una concentración en la teoría del estilo del arte abstracto. Malevich trabajó con diferentes estilos en pintura, pero se centró más en el estudio de las formas geométricas puras (cuadrados, triángulos, círculos) y su relación entre sí en el espacio pictórico. Gracias a sus contactos en Occidente, Malevich pudo transmitir sus ideas sobre la pintura a amigos artistas en Europa y Estados Unidos y, así, influir profundamente en la evolución del arte moderno.

"Cuadrado Negro" (1915)

Malevich mostró por primera vez el cuadro icónico "Cuadrado negro" en una exposición en Petrogrado en 1915. Esta obra recoge los principios teóricos del suprematismo desarrollados por Malevich en su ensayo “Del cubismo y el futurismo al suprematismo: nuevo realismo en pintura."

En el lienzo, frente al espectador, hay una forma abstracta en forma de un cuadrado negro dibujado sobre un fondo blanco: es el único elemento de la composición. Aunque la pintura parece simple, hay elementos como huellas dactilares y pinceladas visibles a través de las capas negras de pintura.

Para Malevich, el cuadrado significa sentimientos y el blanco significa vacío, la nada. Vio el cuadrado negro como una presencia divina, un icono, como si pudiera convertirse en una nueva imagen sagrada para el arte no figurativo. Incluso en la exposición, esta pintura se colocó en el lugar donde normalmente se coloca un icono en una casa rusa.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, uno de los fundadores del movimiento holandés De Stijl, es reconocido por la pureza de sus abstracciones y su práctica metódica. Simplificó radicalmente los elementos de sus pinturas para representar lo que veía no directamente, sino figurativamente, y crear un lenguaje estético claro y universal en sus lienzos. En su máxima expresión Pinturas famosas Desde la década de 1920, Mondrian ha reducido las formas a líneas y rectángulos, y la paleta a lo más simple. El uso del equilibrio asimétrico se volvió fundamental en el desarrollo del arte moderno, y sus icónicas obras abstractas siguen siendo influyentes en el diseño y son familiares en la cultura popular actual.

"El árbol gris" es un ejemplo de la transición temprana de Mondrian al estilo abstraccionismo. La madera tridimensional se reduce a las líneas y planos más simples, utilizando únicamente grises y negros.

Esta pintura forma parte de una serie de obras de Mondrian que fueron creadas con un enfoque más realista, donde, por ejemplo, los árboles están representados de forma naturalista. Si bien las obras posteriores se volvieron cada vez más abstractas, por ejemplo, las líneas de un árbol se reducen hasta que la forma del árbol es apenas perceptible y secundaria a composición general verticales y lineas horizontales. Aquí todavía se puede ver el interés de Mondrian por abandonar la organización estructurada de líneas. Este paso fue significativo para el desarrollo de la abstracción pura por parte de Mondrian.

Robert De Launay

Delaunay fue uno de los más primeros artistas estilo abstraccionismo. Su obra influyó en el desarrollo de esta dirección, basada en la tensión compositiva que provocaba la oposición de colores. Rápidamente cayó bajo la influencia colorista neoimpresionista y siguió muy de cerca la combinación de colores de las obras de estilo abstracto. Consideró que el color y la luz son las principales herramientas con las que se puede influir en la realidad del mundo.

En 1910, Delaunay hizo su propia contribución al cubismo con dos series de pinturas que representaban catedrales y la Torre Eiffel, que combinaban formas cúbicas, la dinámica del movimiento y colores brillantes. Este nueva manera el uso de la armonía del color ayudó a separar este estilo del cubismo ortodoxo, recibiendo el nombre de orfismo, e inmediatamente influyó artistas europeos. La esposa de Delaunay, la artista Sonia Turk-Delone, continuó pintando con el mismo estilo.

La obra principal de Delaunay está dedicada a la Torre Eiffel. símbolo famoso Francia. Esta es una de las más impresionantes de una serie de once pinturas dedicadas a la Torre Eiffel entre 1909 y 1911. Está pintada de rojo brillante, lo que la distingue inmediatamente del gris de la ciudad circundante. El impresionante tamaño del lienzo realza aún más la grandeza de este edificio. Como un fantasma, la torre se eleva sobre las casas circundantes, en figuradamente sacudiendo los cimientos mismos del viejo orden. La pintura de Delaunay transmite este sentimiento de optimismo ilimitado, inocencia y frescura de una época que aún no ha sido testigo de dos guerras mundiales.

Frantisek Kupka

Frantisek Kupka es un artista checoslovaco que pinta al estilo abstraccionismo, se graduó en la Academia de las Artes de Praga. Como estudiante, pintó principalmente sobre temas patrióticos y escribió composiciones históricas. Su obras tempranas Eran más académicos, sin embargo, su estilo evolucionó a lo largo de los años y finalmente pasó al arte abstracto. Escrito en muy manera realista, incluso sus primeras obras contenían temas y símbolos místicos surrealistas, que se conservaron al escribir abstracciones. Kupka creía que el artista y su obra participan en una actividad creativa continua, cuya naturaleza no es limitada, como absoluta.

“Amorfo. Fuga en dos colores" (1907-1908)

A partir de 1907-1908, Kupka comenzó a pintar una serie de retratos de una niña que sostenía una pelota en la mano, como si estuviera a punto de jugar o bailar con ella. Luego desarrolló cada vez más imágenes esquemáticas y finalmente recibió la serie completa. dibujos abstractos. Fueron hechos en una paleta limitada de rojo, azul, negro y Flores blancas. En 1912, en el Salón de Otoño, una de estas obras abstractas se exhibió públicamente por primera vez en París.

Artistas abstractos modernos

Desde principios del siglo XX, artistas como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Kazemir Malevich y Wassily Kandinsky han experimentado con las formas de los objetos y su percepción, y también han cuestionado los cánones existentes en el arte. Hemos preparado una selección de los artistas abstractos contemporáneos más famosos que decidieron traspasar los límites del conocimiento y crear su propia realidad.

artista alemán David Schnell(David Schnell) le encanta pasear por lugares donde una vez reinó la naturaleza, pero ahora están llenos de edificios humanos - desde parques infantiles a plantas y fábricas. Los recuerdos de estos paseos dan origen a sus brillantes paisajes abstractos. Al dar rienda suelta a su imaginación y a su memoria, más que a fotografías y vídeos, David Schnell crea pinturas que se parecen a las de un ordenador. realidad virtual o ilustraciones para libros de ciencia ficción.

Al crear sus pinturas abstractas a gran escala, artista americano cristina panadero(Kristin Baker) se inspira en la historia del arte y las carreras de Nascar y Fórmula 1. Primero le da dimensión a su trabajo aplicando varias capas de pintura acrílica y cubriendo las siluetas con cinta adhesiva. Luego, Christine lo retira con cuidado, revelando las capas subyacentes de pintura y haciendo que la superficie de sus pinturas parezca un collage multicolor de varias capas. De hecho última etapa En su trabajo, elimina todas las irregularidades, haciendo que sus pinturas parezcan una radiografía.

En sus obras la artista origen griego de Brooklyn, Nueva York Eleanna Anagnos(Eleanna Anagnos) explora aspectos La vida cotidiana que muchas veces escapan a la atención de la gente. Durante su “diálogo con el lienzo”, los conceptos ordinarios adquieren nuevos significados y facetas: el espacio negativo se vuelve positivo y las formas pequeñas aumentan de tamaño. Al tratar de dar “vida a sus pinturas” de esta manera, Eleanna intenta despertar la mente humana, que ha dejado de hacer preguntas y de estar abierta a algo nuevo.

Dando origen a brillantes salpicaduras y manchas de pintura en el lienzo, el artista estadounidense Sara Spitler(Sarah Spitler) se esfuerza por reflejar el caos, el desastre, el desequilibrio y el desorden en su trabajo. Se siente atraída por estos conceptos porque están más allá del control humano. Por lo tanto, su poder destructivo hace que las obras abstractas de Sarah Spitler sean poderosas, enérgicas y emocionantes. Además. la imagen de tinta resultante sobre lienzo, pinturas acrílicas, lápices de grafito y el esmalte enfatiza lo efímero y la relatividad de lo que sucede a su alrededor.

Inspirándose en la arquitectura, el artista de Vancouver, Canadá, Jeff Dapner(Jeff Depner) crea pinturas abstractas de varias capas que consisten en formas geométricas. En el “caos” artístico que crea, Jeff busca la armonía en el color, la forma y la composición. Cada uno de los elementos de sus pinturas está conectado entre sí y conduce al siguiente: “Mis obras exploran estructura compositiva[pinturas] a través de las relaciones de colores en la paleta elegida...". Según el artista, sus pinturas son “signos abstractos” que deberían llevar al espectador a un nuevo nivel inconsciente.

La belleza del mundo circundante, las experiencias y eventos significativos en la vida desde la antigüedad animó a una persona a transmitir Imágenes visuales usando pinturas. La pintura ha recorrido un largo camino desde pinturas rupestres y frescos antiguos hasta obras de arte únicas que sorprenden con realismo.

Hacia finales del siglo XIX, algunos artistas comenzaron a buscar nuevas formas de expresión, tratando de aportar una visión poco convencional y una nueva filosofía a sus obras. A partir de ese momento, dominar la técnica a la perfección ya no fue suficiente.

Así, a principios de siglo apareció un movimiento llamado “modernismo” con su inherente revisión del arte clásico, un desafío a los cánones estéticos establecidos. En su marco, se desarrolló un movimiento completamente especial: el abstraccionismo.

Definición del concepto

La palabra latina abstractio se traduce al ruso como "distracción". Se utilizó para definir un nuevo estilo de pintura que surgió a principios del siglo XX. No fue utilizado por casualidad, ya que los artistas abstractos, sin dar de gran importancia Se puso en primer plano el nivel de interpretación, la visión especial del autor y los nuevos medios de expresión.

En otras palabras, el abstraccionismo es un tipo específico de bellas artes que se niega a transmitir formas y objetos reales. Por lo tanto, a menudo se lo caracteriza como arte no figurativo o no objetivo.

en lugar de transferencia Imágenes visuales Los abstraccionistas se centran en mostrar patrones internos e intuitivos de comprensión del mundo que están ocultos detrás de los objetos visibles.

Por esta razón, es imposible encontrar en sus obras asociaciones con cosas familiares. Rol principal Aquí juega la relación entre colores, manchas, formas geométricas y líneas. Además de los artistas, algunos escultores, arquitectos, diseñadores, músicos, fotógrafos e incluso poetas se interesaron por el arte de la abstracción.

Hitos históricos

Wassily Kandinsky es considerado el fundador del arte abstracto. En 1910 pintó su primer cuadro en Alemania utilizando una técnica nueva en aquel momento. Además, en 1911 se publicó en Munich el libro de Kandinsky "Sobre el arte espiritual".

En él esbozó su filosofía estética, que se formó bajo la influencia de las obras de R. Steiner y E. Blavatsky. El libro fue un gran éxito y un nuevo movimiento en la pintura se llamó "abstraccionismo". Este se convirtió en el punto de partida: ahora el enfoque no objetivo de la creatividad ha ganado popularidad en varios tipos de bellas artes.

A pesar de que los orígenes del arte abstracto fueron artistas rusos como V. Kandinsky y K. Malevich, en la Unión Soviética de los años 30 la nueva dirección fue condenada al ostracismo. Durante la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos se convirtió en el centro del arte abstracto, donde muchos de sus representantes emigraron desde Europa. Aquí, allá por 1937, se inauguró el Museo de Pintura No Objetiva.

El arte abstracto de la posguerra pasó por varias etapas de desarrollo, incluido el resurgimiento del arte no figurativo en Rusia con el comienzo de la perestroika. Los artistas finalmente tienen la oportunidad de crear. pinturas V direcciones diferentes. Transfirieron sus experiencias subjetivas personales a los lienzos con la ayuda del color, especialmente el blanco, que se convirtió en uno de los componentes principales del arte no figurativo moderno.

Direcciones del abstraccionismo

Desde los primeros años del surgimiento de un nuevo tipo de creatividad visual, en su marco comenzaron a desarrollarse dos direcciones principales: geométrica y lírica. El primero se reflejó en las obras de Kazimir Malevich, Peter Mondrian, Robert Delaunay y otros. La dirección lírica fue desarrollada por Wassily Kandinsky, Jackson Pollock, Hans Hartung, etc.

El abstraccionismo geométrico utiliza figuras, planos y líneas ordenadas, mientras que el abstraccionismo lírico, por el contrario, opera con manchas de color caóticamente dispersas. A su vez, a partir de estas dos direcciones se formaron otros movimientos, asociados al abstraccionismo por un solo concepto estético: sistematismo, constructivismo, suprematismo, orfismo, tachismo, neoplasticismo, rayonismo.

Rayonismo y letras

Los descubrimientos en el campo de la física a principios del siglo XX sirvieron de impulso para el surgimiento de un movimiento dentro de la dirección geométrica como el rayonismo. Sus orígenes fueron los artistas rusos M. Larionov y N. Goncharova. Según su idea, cualquier objeto es una suma de rayos que se transmiten sobre el lienzo mediante líneas oblicuas de colores. La tarea del artista es crear a partir de ellos una forma de acuerdo con su propia visión estética.

Y en los años 50 del siglo pasado, la abstracción geométrica, incluido el rayonismo, dio paso temporalmente a la dirección lírica. Se caracteriza por la improvisación, así como por una apelación al estado emocional del artista. En otras palabras, el abstraccionismo lírico es una especie de instantánea de las experiencias emocionales de una persona, realizada sin representar objetos ni formas.

El lirismo geométrico de Kandinsky

Como ya se señaló, el estilo del arte abstracto debe su aparición a V. Kandinsky. Mientras se preparaba para su carrera como abogado, posteriormente se interesó por la pintura y, tras pasar por etapas de fascinación por diversas tendencias del modernismo, creó su propio y único tipo de pintura abstracta.

Habiendo proclamado un alejamiento de la naturaleza hacia la esencia de los fenómenos, Kandinsky abordó los problemas de unir color y música. Además, en su obra es claramente visible la influencia del simbolismo en relación a la interpretación del color.

EN diferentes periodos A lo largo de su vida, al artista le gustó la dirección geométrica o lírica. Como resultado, el abstraccionismo en la pintura de Kandinsky, especialmente en el período tardío, combina los principios de ambos movimientos.

Neoplasticismo de Peter Mondrian

El holandés P. Mondrian, junto con V. Kandinsky, es considerado uno de los fundadores del arte abstracto. Junto con sus seguidores, el artista fundó en 1917 la sociedad “Style”, que publicó una revista del mismo nombre.

Las opiniones estéticas de Mondrian formaron la base de una nueva dirección: el neoplasticismo. Su característica- el uso de grandes planos rectangulares, pintados con los colores primarios del espectro. Sin duda, esto se puede clasificar como arte abstracto geométrico.

Las pinturas de Mondrian P., obsesionado con el equilibrio entre horizontales y verticales, son lienzos formados por rectángulos de diferentes tamaños y color diferente, separados por gruesas líneas negras.

El neoplasticismo había influencia notable sobre arquitectura, diseño de muebles, diseño de interiores, así como arte tipográfico.

El suprematismo de Malevich

El abstraccionismo en el arte de Kazimir Malevich se caracteriza por una determinada técnica de superposición de dos capas de pintura para obtener un tipo especial de mancha de color. El nombre del artista está asociado con el surgimiento del suprematismo, un movimiento que combina las formas geométricas más simples de diferentes colores.

Malevich creó su sistema único de resumen. Artes visuales. Su famoso “Cuadrado Negro”, pintado sobre un fondo blanco, sigue siendo una de las pinturas más comentadas de artistas abstractos.

Al final de su vida, Malevich volvió de la pintura no figurativa a la pintura figurativa. Es cierto que en algunas pinturas el artista todavía intentó combinar las técnicas del realismo y el suprematismo, como se puede ver en el cuadro "La niña con un palo".

Contribución innegable

Las actitudes hacia la pintura no objetiva varían ampliamente: desde el rechazo categórico hasta la admiración sincera. Sin embargo, no se puede negar la influencia que tuvo en arte Moderno abstraccionismo de género. Los artistas crearon nuevas direcciones, de las cuales arquitectos, escultores y diseñadores extrajeron nuevas ideas.

Y esta tendencia continúa. Por ejemplo, en la pintura moderna no objetiva se desarrolla una dirección argumental, que se caracteriza por la construcción de una imagen que evoca ciertas asociaciones.

A veces ni siquiera nos damos cuenta de la cantidad de objetos realizados con esta técnica que nos rodean: muebles y sus tapizados, Joyas, fondos de escritorio, etc. En Photoshop y gráficos de computadora Las técnicas abstractas también se utilizan ampliamente.

Así, el abstraccionismo es un fenómeno artístico en el arte que, independientemente de nuestra actitud hacia él, ocupa lugar importante en la sociedad moderna.

Una de las principales tendencias del arte de vanguardia. Principio fundamental arte abstracto: negativa a imitar la realidad visible y operar con sus elementos en el proceso de creación de una obra. En lugar de las realidades del mundo circundante, el objeto de arte se convierte en un conjunto de herramientas. creatividad artística– color, línea, forma. La trama es sustituida por una idea plástica. El papel del principio asociativo en proceso artístico, y también es posible expresar los sentimientos y estados de ánimo del creador en imágenes abstractas, limpias de la capa exterior, que son capaces de concentrar el principio espiritual de los fenómenos y ser sus portadores (obras teóricas de V.V. Kandinsky).

Se pueden identificar elementos aleatorios de abstracción en el arte mundial a lo largo de todo su desarrollo, comenzando por las pinturas rupestres. Pero el origen de este estilo hay que buscarlo en la pintura de los impresionistas, que intentaron descomponer el color en elementos individuales. El fauvismo desarrolló conscientemente esta tendencia, “revelando” el color, enfatizando su independencia y convirtiéndolo en objeto de la imagen. De los fauvistas, Franz Marc y Henri Matisse fueron los que más se acercaron a la abstracción (sus palabras son sintomáticas: “todo arte es abstracto”), y los cubistas franceses (especialmente Albert Gleizes y Jean Metzinger) y los futuristas italianos (Giacomo Balla y Gino Severini) también avanzó por este camino. Pero ninguno de ellos pudo o quiso superar la frontera figurativa. “Admitimos, sin embargo, que algún recordatorio de las formas existentes no debería ser completamente desterrado, al menos en la actualidad” (A. Glaize, J. Metzinger. About Cubism. San Petersburgo, 1913. p. 14).

Las primeras obras abstractas aparecieron a finales del siglo XX y principios de la década de 1910 en la obra de Kandinsky mientras trabajaba en el texto "Sobre lo espiritual en el arte", y las primeras pintura abstracta Consideró su “Pintura con un círculo” (1911. NMG). Su razonamiento se remonta a esta época: “<...>sólo esa forma es correcta que<...>materializa el contenido en consecuencia. Todo tipo de consideraciones secundarias, y entre ellas la correspondencia de la forma con la llamada "naturaleza", es decir. de naturaleza externa, son insignificantes y dañinos, ya que distraen de la única tarea de la forma: la encarnación del contenido. La forma es la expresión material del contenido abstracto” (Contenido y forma. 1910 // Kandinsky 2001. T. 1. P.84).

En Etapa temprana El arte abstracto en la persona de Kandinsky absolutizó el color. En el estudio del color, práctico y teórico, Kandinsky desarrolló la teoría del color de Johann Wolfgang Goethe y sentó las bases para la teoría del color en la pintura (entre los artistas rusos, M.V. Matyushin, G.G. Klutsis, I.V. Klyun y otros estudiaron la teoría del color) .

En Rusia, en 1912-1915, se crearon los sistemas de pintura abstracta del rayonismo (M.F. Larionov, 1912) y el suprematismo (K.S. Malevich, 1915), que determinaron en gran medida la evolución posterior del arte abstracto. Un acercamiento al arte abstracto se puede encontrar en el cubofuturismo y el alogismo. Un gran avance hacia la abstracción fue la pintura de N.S. Goncharova "El vacío" (1914. Galería Tretyakov), pero este tema no se encontró. mayor desarrollo en la obra del artista. Otro aspecto no realizado de la abstracción rusa es la pintura en color de O.V. Rozanova (ver: Arte no objetivo).

Durante los mismos años, el checo Frantisek Kupka, los franceses Robert Delaunay y Jacques Villon, el holandés Piet Mondrian y los estadounidenses Stanton MacDonald-Wright y Morgan Russell siguieron sus propios caminos hacia la abstracción pictórica en estos mismos años. Las primeras estructuras espaciales abstractas fueron los contrarrelieves de V.E. Tatlin (1914).

El rechazo del isomorfismo y la apelación al principio espiritual dieron motivos para asociar el arte abstracto con la teosofía, la antroposofía e incluso el ocultismo. Pero los propios artistas no expresaron tales ideas en las primeras etapas del desarrollo del arte abstracto.

Después de la Primera Guerra Mundial, la pintura abstracta fue ganando gradualmente una posición dominante en Europa y se convirtió en una ideología artística universal. Se trata de un poderoso movimiento artístico que, en sus aspiraciones, va mucho más allá de las tareas pictóricas y plásticas y demuestra la capacidad de crear sistemas estéticos y filosóficos y resolver problemas sociales (por ejemplo, la "Ciudad suprematista" de Malevich basada en los principios de la vida). -edificio). En la década de 1920, basándose en su ideología, surgieron institutos de investigación como la Bauhaus o Gienkhuk. El constructivismo también surgió de la abstracción.

La versión rusa de la abstracción se llama arte no objetivo.

Muchos principios y técnicas del arte abstracto, que se convirtieron en clásicos en el siglo XX, se utilizan ampliamente en el diseño, las artes teatrales y decorativas, el cine, la televisión y la infografía.

El concepto de arte abstracto ha ido cambiando con el tiempo. Hasta la década de 1910, este término se utilizó en relación con la pintura, donde las formas se representaban de manera generalizada y simplificada, es decir. "abstracto" frente a una descripción más detallada o naturalista. En este sentido, el término se aplicó principalmente a las artes decorativas o a composiciones de formas aplanadas.

Pero desde la década de 1910, se ha utilizado “abstracto” para describir obras en las que una forma o composición se representa desde un ángulo tal que el tema original cambia casi hasta quedar irreconocible. Muy a menudo, este término denota un estilo de arte que se basa únicamente en la disposición de elementos visuales: forma, color, estructura, mientras que no es en absoluto necesario que tengan una imagen iniciadora en el mundo material.

El concepto de significado en el arte abstracto (en ambos significados, temprano y posterior) - problema complejo, que se discute constantemente. Las formas abstractas también pueden referirse a fenómenos no visuales como el amor, la velocidad o las leyes de la física, asociándose con una entidad derivada (“esencialismo”), con lo imaginario u otra forma de separarse de lo detallado, detallado y no esencial, aleatorio. A pesar de la ausencia de un tema representativo, una obra abstracta puede acumular una enorme expresión, y elementos semánticamente ricos como el ritmo, la repetición y el simbolismo del color indican una participación en ideas o eventos específicos fuera de la imagen misma.

Literatura:

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• R.Capón. Presentamos la pintura abstracta. Londres, 1973;
• C.Blok. Geschichte der abstrakten Kunst. 1900-1960. Colonia, 1975;
• Señor Schapiro. Naturaleza del arte abstracto (1937) // M. Schapiro. Arte Moderno. Artículos seleccionados. Nueva York, 1978;
• Hacia un arte nuevo: ensayos sobre los antecedentes de la pintura abstracta 1910-1920. Ed. Señor Compton. Londres, 1980;
• Lo espiritual en el arte. Pintura abstracta 1890–1985. Museo de Artes del Condado de Los Ángeles. 1986/1987;
• Texto de M. Tuchman; B. Altshuler. La Vanguardia en Exposición. Arte nuevo en el siglo XX. Nueva York, 1994;
• Abstracción en Rusia. Siglo XX. T. 1–2. Museo Estatal Ruso [Catálogo] San Petersburgo, 2001;
• Inutilidad y abstracción. Se sentó. artículos. Reps. ed. G.F. Kovalenko. M., 2011;

El surgimiento del arte abstracto:

El abstraccionismo como movimiento surgió a principios del siglo XX. simultáneamente en varios países europeos. Los fundadores e inspiradores reconocidos de este movimiento son los artistas Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Frantisek Kupka y Robert Delaunay, quienes esbozaron los principios fundamentales del arte abstracto en sus trabajos teóricos y declaraciones políticas. Diferentes en metas y objetivos, sus enseñanzas estaban unidas en una cosa: el abstraccionismo como nivel más alto El desarrollo de la creatividad visual crea formas que son exclusivas del arte. “Liberado” de copiar la realidad, se convierte en un medio de transmisión de diversos Imágenes figurativas incomprensible origen espiritual del universo, eternas “esencias espirituales”, “fuerzas cósmicas”.

Como fenómeno artístico, el Arte Abstracto ha tenido impacto un gran impacto sobre la formación y desarrollo de la modernidad estilo arquitectónico, diseño, artes industriales, aplicadas y decorativas.

Características del arte abstracto:

El abstraccionismo (del latín abstractus - abstracto) es uno de los principales direcciones artísticas en el arte del siglo XX, en el que la estructura de la obra se basa exclusivamente en elementos formales: línea, mancha de color, configuración abstracta. Las obras de arte abstracto están separadas de las formas de vida misma: las composiciones no objetivas encarnan las impresiones y fantasías subjetivas del artista, la corriente de su conciencia, dan lugar a asociaciones libres, movimiento de pensamiento y empatía emocional;

Desde la aparición del Arte Abstracto, en él han surgido dos líneas principales:

• Primero – geométrico, o abstracción lógica, creando espacio combinando formas geométricas, planos de colores, líneas rectas y quebradas. Está encarnado en el suprematismo de K. Malevich, el neoplasticismo de P. Mondrian, el orfismo de R. Delaunay, en la obra de los maestros de la abstracción pospictórica y el op art;
• El segundo es la abstracción lírico-emocional., en el que las composiciones se organizan a partir de formas y ritmos que fluyen libremente, está representada por la obra de V. Kandinsky, las obras de maestros del expresionismo abstracto, el tachismo y el arte informal.

Maestros del Arte Abstracto:

Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka, Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Mikhail Larionov, Lyubov Popova, Jackson Pollock, Josef Albers y otros.

Pinturas de artistas: