ฉากที่ทันสมัย Scenography สิ่งที่ทำให้โปรแกรมมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว

ฉากคือทิวทัศน์ เครื่องแต่งกาย การแต่งหน้า การจัดแสง ทุกอย่างที่ผู้ออกแบบงานสร้างกำหนดไว้ ซึ่งก็คือ คำจำกัดความเชิงพื้นที่ของสภาพแวดล้อม การจัดฉากก็เป็นไปได้เช่นกัน หล่อโดยที่องค์ประกอบเชิงพื้นที่นั้นเป็นไปไม่ได้ งานละคร(นักแสดงคือส่วนหนึ่งของพื้นที่นี้ เขาเป็นคนกำหนดและกำหนดมัน แม้ว่านักแสดงจะไม่ได้อยู่บนเวทีในขณะนี้ แต่ผู้ชมก็ยังรู้ว่าเขาควรจะเป็นอย่างไรในสภาพแวดล้อมนี้) นอกจากนี้ การจัดฉากยังแสดงถึงสิ่งที่ผู้กำกับสร้างขึ้นในการวาดภาพแบบฉาก สิ่งเหล่านี้คือความสามารถทางเทคนิคของเวทีและการออกแบบทางสถาปัตยกรรมของพื้นที่ ในโรงละคร เช่นเดียวกับงานศิลปะรูปแบบอื่น เทคโนโลยีและความสามารถทางเทคนิคของละครเวทีมีบทบาทสำคัญ ซึ่งจะต้องสอดคล้องกับพลวัตของร่างกายมนุษย์ บทบาทของความแน่นอนทางสถาปัตยกรรมของอาคารโรงละครก็มีความสำคัญเช่นกัน โดยเฉพาะภูมิประเทศของเวที ข้อมูลภายในและภายนอก ผู้อำนวยการมีบทบาทสำคัญในการสร้างโซลูชันเชิงพื้นที่ของการแสดง กำหนดวัตถุประสงค์หลักของงานบนเวทีและตั้งค่าพารามิเตอร์ของความแน่นอนเชิงพื้นที่ และหากศิลปินละครมักกังวลกับประเด็นการเปิดเผยเนื้อหาของงานผ่านการออกแบบทางศิลปะเป็นหลักอยู่เสมอ ผู้กำกับก็จะเกี่ยวข้องกับฉากของการแสดงโดยครอบคลุมโซลูชั่นเชิงพื้นที่ทั้งหมดอย่างเต็มรูปแบบ และนี่เป็นสิ่งที่เข้าใจได้ เนื่องจากภาระหลักของความสำคัญทางการมองเห็นของภาพละครนั้นตกเป็นภาระของนักแสดงผ่านการสร้างสรรค์การวาดภาพแบบฉากของการแสดง การแสดงฉากที่เป็นงานมืออาชีพหลักของผู้กำกับ แต่ควรสังเกตว่าบางครั้งวิธีแก้ปัญหาเชิงพื้นที่ของการแสดงที่ศิลปินเสนอหรือเทคนิคทางเทคนิคบางอย่างจะกำหนดวิธีแก้ปัญหาทั้งหมดของงานบนเวที และสิ่งสำคัญคือช่วงเวลาที่กำหนดไว้อย่างมืออาชีพเหล่านี้ (เช่น ฉากกั้น การแก้ปัญหาเชิงศิลปะของพื้นที่ และความแน่นอนทางเทคนิค) มีความเกี่ยวพันกันอย่างใกล้ชิดจนบทบาทของแต่ละช่วงเวลานั้นยากที่จะกำหนด ฉากรวมถึงการประสานกัน ศิลปะการแสดงละครด้วยเหตุนี้จึงสามารถสังเคราะห์ความคิดสร้างสรรค์เชิงพื้นที่ได้ พัฒนาผ่านการใช้วัสดุทั้งหมด มุมมองเชิงพื้นที่ศิลปะตามกฎแห่งการรับรู้สุนทรียภาพทางสายตา ในเวลาเดียวกัน ภาพทิวทัศน์จะถูกสร้างขึ้นและขึ้นอยู่กับความสำเร็จและระดับการพัฒนาของศิลปะเชิงพื้นที่ส่วนบุคคลเป็นส่วนใหญ่ การพัฒนารูปแบบศิลปะ "เรียบง่าย" ซึ่งมีวัสดุประเภทเชิงพื้นที่บางประเภทเป็น "การทดลองในห้องปฏิบัติการ" สำหรับการถ่ายภาพทิวทัศน์ซึ่งเป็นผลมาจากการทดสอบด้านใดด้านหนึ่ง ดังนั้นศิลปินและผู้กำกับละครในการค้นหาจึงมักใช้เทคนิคจากรูปแบบศิลปะเชิงพื้นที่ เช่น จิตรกรรม กราฟิก สถาปัตยกรรม ฯลฯ

เมื่อสร้างฉากให้กับละครเรื่อง “All Boys Are Fools!” หรือแล้ววันหนึ่ง!” คำนึงถึงธีมและแนวคิดของสื่อการผลิตด้วย เมื่อเห็นการออกแบบฉากแล้ว ก็อ่านฉากการแสดงได้ทันที หลังเวทีตกแต่งด้วยลูกบอลหลากสีรูปทรงเหมือนตัวการ์ตูน มีการวางหน้าจอสองจอไว้บน procenium ด้วยความช่วยเหลือจากกลุ่มเทคนิคในการเปลี่ยนฉากแอ็คชั่น โดยขว้างเทมเพลตที่เตรียมไว้ล่วงหน้า ด้านหลังมีผืนผ้าใบในรูปแบบของรั้วดินสอพร้อมข้อความว่า "เด็กน้อยทุกคนโง่เขลา!

การแสดงละคร ศิลปะการตกแต่ง(มักเรียกอีกอย่างว่าฉาก) เป็นความคิดสร้างสรรค์ทางภาพประเภทหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับการออกแบบทางศิลปะของการแสดงละคร กล่าวคือ การสร้าง เวทีละครสภาพแวดล้อมในการดำรงชีวิตที่ฮีโร่ในละครหรือละครเพลงรวมถึงการปรากฏตัวของฮีโร่เหล่านี้เอง องค์ประกอบหลักของศิลปะการแสดงละครและการตกแต่ง ได้แก่ ทิวทัศน์ แสง อุปกรณ์ประกอบฉาก เครื่องแต่งกายและการแต่งหน้าของนักแสดง ถือเป็นศิลปะหนึ่งเดียวที่แสดงออกถึงความหมายและลักษณะนิสัย การกระทำบนเวทีอยู่ภายใต้แนวคิดของการปฏิบัติงาน ศิลปะการแสดงละครและมัณฑนศิลป์มีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับพัฒนาการของโรงละคร การแสดงบนเวทีที่ไม่มีองค์ประกอบของการออกแบบทางศิลปะถือเป็นข้อยกเว้น

พื้นฐานของการออกแบบทางศิลปะในการแสดงคือทิวทัศน์ที่แสดงถึงสถานที่และเวลาของการแสดง รูปแบบเฉพาะของทิวทัศน์ (องค์ประกอบ โทนสี ฯลฯ) ไม่เพียงแต่ถูกกำหนดโดยเนื้อหาของแอกชันเท่านั้น แต่ยังขึ้นอยู่กับสภาพภายนอกด้วย (การเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วมากหรือน้อยในฉากแอ็กชัน ลักษณะเฉพาะของการรับรู้ทิวทัศน์ จาก หอประชุมรวมกับแสงบางอย่าง ฯลฯ)

ภาพที่รวบรวมอยู่บนเวทีนั้นถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินในรูปแบบร่างหรือแบบจำลอง เส้นทางตั้งแต่ภาพร่างไปจนถึงเลย์เอาต์และการออกแบบเวทีเกี่ยวข้องกับการแสวงหาความหมายที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของทิวทัศน์และความสมบูรณ์ทางศิลปะ ในผลงานของศิลปินละครเวทีที่เก่งที่สุด ภาพร่างมีความสำคัญไม่เพียงแต่เป็นแผนการทำงานสำหรับการออกแบบเวทีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานศิลปะอิสระด้วย

A. M. Vasnetsov จัดทำภาพร่างการออกแบบโอเปร่าของ N. A. Rimsky-Korsakov เรื่อง “The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia” 2449.

ทิวทัศน์ของโรงละครรวมถึงการวางกรอบเวที ม่านพิเศษ (หรือผ้าม่าน) การออกแบบพื้นที่เวทีของเวที ปีก พื้นหลัง ฯลฯ วิธีการนำเสนอสภาพแวดล้อมที่อยู่อาศัยบนเวทีมีความหลากหลาย ตามประเพณีของศิลปะสมจริงของรัสเซีย การแก้ปัญหาด้วยภาพมีอิทธิพลเหนือกว่า ในกรณีนี้ องค์ประกอบระนาบที่เป็นลายลักษณ์อักษรมักจะรวมกับองค์ประกอบที่สร้างขึ้น (ปริมาตรหรือกึ่งปริมาตร) ให้เป็นภาพองค์รวม ทำให้เกิดภาพลวงตาของสภาพแวดล้อมการกระทำเชิงพื้นที่เพียงจุดเดียว แต่พื้นฐานของการตกแต่งอาจเป็นโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างและแสดงออก, การฉายภาพ, ผ้าม่าน, หน้าจอ ฯลฯ รวมถึงการผสมผสานระหว่างวิธีการนำเสนอต่างๆ อย่างไรก็ตาม การพัฒนาเทคโนโลยีบนเวทีและการขยายวิธีการพรรณนาไม่ได้ทำให้ความสำคัญของการวาดภาพที่เป็นพื้นฐานของศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งโดยทั่วไปลดลง การเลือกวิธีการแสดงภาพในแต่ละกรณีจะพิจารณาจากเนื้อหา ประเภท และสไตล์เฉพาะของงานที่รวบรวมไว้บนเวที

เครื่องแต่งกายของตัวละคร, สร้างโดยศิลปินสอดคล้องกับทัศนียภาพ กำหนดลักษณะทางสังคม ชาติ และปัจเจกบุคคลของตัวละครในละคร พวกมันสอดคล้องกับสีสันของทิวทัศน์ (“พอดี” กับภาพรวม) และในการแสดงบัลเล่ต์ พวกมันยังมีลักษณะเฉพาะของ “การเต้น” พิเศษอีกด้วย (พวกมันจะต้องสบายและเบา และเน้นการเคลื่อนไหวการเต้น)

ด้วยความช่วยเหลือของการจัดแสง ไม่เพียงแต่ทำให้มองเห็นทิวทัศน์ได้ชัดเจน (การมองเห็น “ความสามารถในการอ่านได้”) เท่านั้น แต่ยังแสดงให้เห็นอีกด้วย เวลาที่ต่างกันปีและวันภาพลวงตา ปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ(หิมะ ฝน ฯลฯ) เอฟเฟกต์แสงสีสามารถสร้างบรรยากาศทางอารมณ์ของการแสดงบนเวทีได้

ตุ๊กตาโดย S. V. Obraztsov จากเขา ตัวเลขหลากหลาย: “Tyapaya (“Lullaby” โดย M.P. Mussorgsky) และหัวตุ๊กตาบนนิ้ว (“เรานั่งกับคุณ…”)

ศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งเปลี่ยนแปลงไปพร้อมกับการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะโดยรวม ขึ้นอยู่กับรูปแบบศิลปะที่โดดเด่น ประเภทของละคร ความทันสมัยของศิลปะ ตลอดจนการจัดสถานที่และเวทีของโรงละคร เทคนิคการจัดแสง และเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ที่เฉพาะเจาะจงอื่นๆ อีกมากมาย

ระดับสูงศิลปะการแสดงละครและมัณฑนศิลป์มีการพัฒนาในรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 เมื่อศิลปินที่โดดเด่นมาที่โรงละคร พวกเขานำวัฒนธรรมการถ่ายภาพที่ยอดเยี่ยมมาสู่การออกแบบการแสดง แสวงหาความสมบูรณ์ทางศิลปะของการแสดงบนเวที การมีส่วนร่วมตามธรรมชาติของวิจิตรศิลป์ในการแสดง ความสามัคคีของทิวทัศน์ แสงและเครื่องแต่งกายพร้อมละครและดนตรี เหล่านี้เป็นศิลปินที่ทำงานครั้งแรกที่ Mamontov Opera (V. M. Vasnetsov, V. D. Polenov, M. A. Vrubel ฯลฯ ) จากนั้นที่ Moscow Art Theatre (V. A. Simov ฯลฯ ) ที่โรงละครดนตรีของจักรวรรดิ (K. A. Korovin, A. Ya . Golovin) "ฤดูกาลรัสเซีย" ของ Diaghilev (A. N. Benois, L. S. Bakst, N. K. Roerich ฯลฯ ) การกระตุ้นอันทรงพลังสำหรับการพัฒนาศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งนั้นมาจากการแสวงหาความคิดสร้างสรรค์ของการกำกับขั้นสูง (K. S. Stanislavsky, V. I. Nemirovich-Danchenko, V. E. Meyerhold, นักออกแบบท่าเต้น M. M. Fokin และ A. A. Gorsky)

อี. ซมอยโร. แบบจำลองทัศนียภาพการแสดงของภาคกลาง โรงละครเด็ก“ Skates” อิงจากบทละครของ S. V. Mikhalkov 1976.

ในศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งของสหภาพโซเวียต ประเพณีของการแสดงละครและการตกแต่งคลาสสิกของรัสเซียยังคงดำเนินต่อไปและพัฒนา นวัตกรรมของเขาเกิดจากแนวคิด ธีม รูปภาพใหม่ๆ ที่เกี่ยวข้องกับพัฒนาการของละครและโรงละครแห่งสัจนิยมสังคมนิยม ปรมาจารย์ที่โดดเด่นของศิลปะนี้คือศิลปิน F. Fedorovsky, V. Dmitriev, P. Williams, N. Akimov, N. Shifrin, B. Volkov, Yu. Pimenov, V. Ryndin, S. Virsaladze, A. Vasiliev และคนอื่น ๆ อีกมากมาย . เมื่อรวมกับความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะประเภทอื่น ๆ ศิลปะการแสดงละครและการตกแต่ง (ผ่านการเชื่อมต่อกับละครและการแสดงบนเวที) สะท้อนให้เห็นถึงความหลากหลายของชีวิตในประเทศของเราประวัติศาสตร์ของสังคมของเรา

ศิลปินยังมีส่วนร่วมในการสร้างภาพยนตร์ ละครโทรทัศน์ การแสดงวาไรตี้ และละครสัตว์อีกด้วย ศิลปะอันน่าตื่นตาตื่นใจเป็นที่รับรู้ของผู้ชมหลายล้านคน ดังนั้นบทบาทของศิลปินที่นี่จึงมีความสำคัญมาก

สิ้นสุดการทำงาน -

หัวข้อนี้เป็นของส่วน:

พลาสติกเชิงพื้นที่ = ภาพ – กราฟิก จิตรกรรม ประติมากรรม

และประเภทของศิลปะมีรูปแบบที่เป็นที่ยอมรับทางประวัติศาสตร์ กิจกรรมสร้างสรรค์มีความสามารถในการตระหนักถึงชีวิต.. ศิลปะประเภทต่างๆ.. พลาสติกเชิงพื้นที่ กราฟิกที่ดีจิตรกรรมประติมากรรม..

ถ้าคุณต้องการ วัสดุเพิ่มเติมในหัวข้อนี้หรือคุณไม่พบสิ่งที่คุณกำลังมองหาเราขอแนะนำให้ใช้การค้นหาในฐานข้อมูลผลงานของเรา:

เราจะทำอย่างไรกับเนื้อหาที่ได้รับ:

หากเนื้อหานี้มีประโยชน์สำหรับคุณ คุณสามารถบันทึกลงในเพจของคุณบนโซเชียลเน็ตเวิร์ก:

หัวข้อทั้งหมดในส่วนนี้:

กำหนดแนวความคิด: คณะนักร้องประสานเสียง, วงดนตรีร้อง, ทรีโอ, ร้องคู่, เดี่ยว
-คณะนักร้องประสานเสียง (กรีกโบราณ χορός - ฝูงชน) - กลุ่มนักร้องประสานเสียง, กลุ่มร้องเพลง, วงดนตรีประกอบด้วยนักร้อง (นักร้องประสานเสียง ศิลปินนักร้องประสานเสียง); เสียงร่วม

เป็น. Bach - เส้นทางชีวิตและการสร้างสรรค์ (ประเภท พหูพจน์ หลักการทางโลกและทางศาสนา)
ในทุกเพลง - Bach ในดนตรีของ Bach มีบางสิ่งที่เป็นสากล เป็นสากล และครอบคลุมทุกอย่าง ดังที่กวี Joseph Brodsky เขียนไว้ว่า “ในทุกดนตรีมี Bach อยู่ในเราแต่ละคนมีพระเจ้า” บาค - เปิดเผย

ประวัติความเป็นมาขององค์ประกอบ
ส่วนแรกแต่งขึ้นระหว่างที่บาคอยู่ที่โคเธน และส่วนที่สองตอนที่บาครับใช้ในเมืองไลพ์ซิก ทั้งสองส่วนมีการเผยแพร่อย่างกว้างขวางในรูปแบบที่เขียนด้วยลายมือ แต่คอลเลกชันนี้มีรูปแบบการพิมพ์

ความหมายของงาน
ชื่อผลงานบ่งบอกถึงการใช้งาน เครื่องดนตรีคีย์บอร์ด(ปัจจุบันงานเหล่านี้มักเล่นบนเปียโนหรือฮาร์ปซิคอร์ด) ซึ่งการปรับแต่งทำให้ดนตรีมีเสียงที่เหมือนกัน

เรื่องราว
การก่อสร้างเริ่มขึ้นในปี ค.ศ. 1163 ในสมัยพระเจ้าหลุยส์ที่ 7 แห่งฝรั่งเศส นักประวัติศาสตร์ไม่เห็นด้วยว่าใครเป็นผู้วางศิลาก้อนแรกบนรากฐานของอาสนวิหาร - บิชอปมอริซเดอซัลลีหรือสมเด็จพระสันตะปาปาอเล็กซานเดอร์ที่ 3

สุนทรียภาพแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงในงานศิลปะอิตาลี (Leonardo da Vinci, Raphael Santi, Michelangelo Buonarotti)
ราฟาเอล สันติ, มิเกลันเจโล บูโอนารอตติ) ศิลปะแห่งยุคนี้ซึ่งมีรูปแบบเฉพาะที่หลากหลาย มีลักษณะร่วมกันที่สำคัญที่สุด นั่นคือ ความปรารถนาที่จะสะท้อนความเป็นจริงตามความเป็นจริง

เลโอนาร์โด ดา วินชี
เลโอนาร์โด ดาวินชี อาจมากกว่าบุคคลอื่นๆ ในยุคเรอเนซองส์ ซึ่งเหมาะสมกับแนวคิดเรื่อง Homo universale ชายผู้ไม่ธรรมดาคนนี้รู้ทุกอย่างและสามารถทำทุกอย่างได้ - ทุกอย่างที่เขารู้และสามารถทำได้

ราฟาเอล สันติ
ในบรรดาสมบัติทางศิลปะของหอศิลป์ Uffizi ในเมืองฟลอเรนซ์นั้น มีภาพวาดของชายหนุ่มรูปหล่อที่ไม่ธรรมดาสวมหมวกเบเร่ต์สีดำ นี่เป็นภาพเหมือนตนเองอย่างชัดเจน โดยตัดสินจากวิธีการจ้องมอง - นี่คือลักษณะที่พวกเขามองเมื่อใด

มิเกลันเจโล บูโอนารอตติ
และยอดเขาที่สามของยุคเรอเนซองส์คือ Michelangelo Buonarotti ชีวิตที่ยืนยาวของเขาคือชีวิตของเฮอร์คิวลิสซึ่งเป็นความสำเร็จที่เขาแสดงไว้ทุกข์และทนทุกข์ราวกับไม่ใช่เจตจำนงเสรีของเขาเอง แต่ถูกบังคับ

ภาพวาดของโบสถ์ซิสทีน
น่าแปลกที่ผลงานที่เสร็จสมบูรณ์มากที่สุดของเขาไม่ใช่งานประติมากรรม แต่เป็นภาพ - การวาดภาพเพดานของโบสถ์น้อยซิสทีน แม้ว่า Michelangelo จะยอมรับค่าคอมมิชชั่นนี้อย่างไม่เต็มใจ แต่เขาก็ไม่คิดว่าตัวเองกำลังวาดภาพ

วีเอ/. โมสาร์ท - เส้นทางชีวิตและการสร้างสรรค์
วัยเด็ก. ซาลซ์บูร์ก. Wolfgang Amadeus Mozart เกิดเมื่อวันที่ 27 มกราคม พ.ศ. 2299 ในเมืองซาลซ์บูร์ก ซาลซ์บูร์กซึ่งตั้งอยู่ในเทือกเขาแอลป์ในขณะนั้นเป็นเมืองหลวงของ

อุดมคติในประติมากรรมของกรีกโบราณ Myron "นักขว้างดิสโก้", Phidias "Athena the Virgin ในวิหารพาร์เธนอน", Alexander "Aphrodite of Milo", "Nike of Samo-Francia"
ประติมากรรมกรีกโบราณเป็นการสร้างสรรค์วัฒนธรรมโบราณที่สมบูรณ์แบบในหลาย ๆ ด้านที่ยังคงรักษาความหมายของบรรทัดฐานและตัวอย่างไว้ แนวคิดสมัยใหม่เกี่ยวกับ ประติมากรรมกรีกไม่สมบูรณ์มากมาย

ศิลปะสังเคราะห์และภาพลักษณ์ ประเภทของศิลปะสังเคราะห์
ศิลปะสังเคราะห์คือความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะประเภทต่างๆ ที่แสดงถึงการผสมผสานแบบออร์แกนิกหรือการผสมผสานศิลปะประเภทต่างๆ ที่ก่อตัวขึ้นอย่างอิสระ

ภายในฮาเจียโซเฟีย เคียฟ พระราชวังแวร์ซายส์. แกลเลอรี่กระจก
การสังเคราะห์ศิลปะที่เกิดขึ้นในวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 19-20 เกิดจากการที่เทคนิคการมองเห็นเริ่มถูกนำมาใช้ไม่เพียง แต่ในการวาดภาพและประติมากรรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวรรณกรรมและดนตรีด้วย ทุกวันนี้ก็มีแพร่หลาย

โรงละครและจอเป็นสองแง่มุมของจินตภาพ โรงละครแห่งสาธารณรัฐตาตาร์สถาน
โรงละคร (กรีก - ความหมายหลัก - สถานที่สำหรับแว่นตา จากนั้น - ปรากฏการณ์ ฉันมอง ฉันเห็น) - รูปแบบศิลปะที่งดงาม ซึ่งเป็นการสังเคราะห์ศิลปะต่างๆ - วรรณกรรม ดนตรี การออกแบบท่าเต้น

ประวัติความเป็นมาของภาพยนตร์
Cinematography - (จากขบวนการกรีก เขียน วาด นั่นคือ "การบันทึกการเคลื่อนไหว") ซึ่งเป็นสาขาหนึ่งของกิจกรรมของมนุษย์ที่ประกอบด้วยการสร้างภาพเคลื่อนไหว ประวัติศาสตร์ภาพยนตร์เริ่มต้นขึ้น

โรงละครแห่งสาธารณรัฐตาตาร์สถาน
โรงละคร Almetyevsk Tatar State ที่อยู่: Republic of Tatarstan, Almetyevsk, Lenin St., 37 ผู้อำนวยการ: Ismagilova Farida Bagisovna หัวหน้าผู้อำนวยการ

วิจิตรศิลป์ของการแสดง
นี่คือศิลปะแห่งการสร้างสรรค์โดยนักแสดงด้วยความช่วยเหลือจากเครื่องมือทางจิตฟิสิกส์ของเขาเอง ซึ่งเป็นภาพที่มีชีวิตที่มีอยู่ในกาลเวลาและอวกาศ กำเนิดจากการแสดงพิธีกรรม ศิลปะการแสดง

จากโอเปร่าสู่โอเปร่า
โอเปร่า (โอเปร่าของอิตาลี - ธุรกิจ, งาน, งาน; lat. โอเปร่า - งาน, ผลิตภัณฑ์, ผลงาน, พหูพจน์จากบทประพันธ์) - ประเภทของศิลปะดนตรีและนาฏศิลป์ที่เนื้อหาถูกรวบรวมโดยวิธีการทางดนตรี

จาโคโป เปรี
ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 16 ความพยายามที่จะแนะนำการร้องเพลงแบบโมโนโฟนิก (monody) ในงานดังกล่าวได้นำโอเปร่ามาสู่เส้นทางที่การพัฒนาก้าวไปอย่างรวดเร็ว ผู้เขียนความพยายามเหล่านี้เรียกว่าละครเพลงของพวกเขา

โอเปร่าบัลลาด
กึ่งโอเปร่า, กึ่งโอเปร่า, โอเปร่า "ครึ่ง" (กึ่ง - ครึ่งละติน) - รูปแบบของโอเปร่าบาโรกอังกฤษที่ผสมผสานละครปากเปล่า (ประเภท) ละครเสียงร้อง

วิวัฒนาการของวิจิตรศิลป์และวิธีการแสดงออก ปริมาตร - เชิงพื้นที่, หน้าผาก, ลึก - องค์ประกอบเชิงพื้นที่
กิจกรรมสร้างสรรค์ของมนุษย์พัฒนาไปในสองทิศทางที่แตกต่างกัน ในด้านหนึ่งแสดงถึงความปรารถนาที่จะสะท้อนในการวาดภาพ ประติมากรรม หรือระบายสีวัตถุและปรากฏการณ์บางอย่างของโลกโดยรอบ

องค์ประกอบหน้าผาก
องค์ประกอบหน้าผากประเภทที่ง่ายที่สุดคือองค์ประกอบภาพถ่าย คุณลักษณะเฉพาะขององค์ประกอบระนาบคือการกระจายองค์ประกอบแบบฟอร์มในสองทิศทางในระนาบเดียว

องค์ประกอบเชิงปริมาตร
เป็นรูปแบบที่มีพื้นผิวค่อนข้างปิดและมองเห็นได้จากทุกด้าน องค์ประกอบเชิงปริมาตร8 มีปฏิกิริยากับสิ่งแวดล้อมเสมอ วันพุธ พฤษภาคม

องค์ประกอบเชิงลึกเชิงพื้นที่
ประกอบด้วยองค์ประกอบของวัสดุ ปริมาตร พื้นผิว และพื้นที่ ตลอดจนระยะห่างระหว่างองค์ประกอบเหล่านั้น ประเภทนี้องค์ประกอบในสถาปัตยกรรมถูกนำมาใช้ทุกที่ตั้งแต่โซลูชัน

ศิลปินและเทคโนโลยีทางศิลปะ: จากดินสอสู่คอมพิวเตอร์ ถ่ายทอดศิลปะ ภาพยนตร์ โทรทัศน์ วิดีโอ คอมพิวเตอร์ แอนิเมชั่น
การปฏิวัติในโลกการ์ตูนนั้นเกิดขึ้นในปี 1995 เมื่อ Toy Story ของ Pixar ปรากฏตัวขึ้น ซึ่งเป็นการ์ตูนเรื่องยาวเรื่องแรกที่สร้างขึ้นโดยใช้คอมพิวเตอร์ทั้งหมด เทคโนโลยีใหม่

บทส่งท้าย อนาคตของแอนิเมชั่น
ในทศวรรษหน้า เราจะได้เห็นการควบรวมกิจการและแผนกใหม่ของสองศิลปะ - ภาพยนตร์และแอนิเมชั่น 3 มิติ กระบวนการนี้กำลังดำเนินอยู่: ภาพยนตร์บล็อกบัสเตอร์ที่มีฮีโร่, เรื่องราวง่ายๆและพิเศษอีกมากมาย

การถ่ายภาพคือการขยายความเป็นไปได้ทางการมองเห็นของงานศิลปะ กล้อง รูปถ่าย รูปภาพ การเลือกสถานที่ วัตถุ และมุมการถ่ายภาพ
ศิลปะแต่ละประเภทมีภาษาของตัวเองและนำข้อมูลทางศิลปะผ่านระบบป้ายของตัวเอง ในการถ่ายภาพ สัญญาณภาพดังกล่าว ได้แก่ แสง เงา และโทนสี แสงและเงา. วิวจาก

องค์ประกอบที่ถูกต้อง
ดังนั้นบุคคลที่ไม่มีประสบการณ์จึงถือกล้องวิดีโอไว้ในมือและถ่ายทุกอย่างโดยรีบจากวัตถุหนึ่งไปอีกวัตถุหนึ่งขึ้นลงซ้ายและขวา ผลลัพธ์คืออะไร? คุณอาจต้องทำอย่างน้อยหนึ่งครั้ง

การเลือกพื้นหลังมุมมอง
ภาพถ่ายที่คุณสัมผัสได้ถึงความลึกของอวกาศจะดึงดูดความสนใจได้ทันที รูปภาพดังกล่าวดูดีขึ้นและน่าสนใจยิ่งขึ้นในการดู การสลับแผน - เบื้องหน้า กลาง และระยะทาง

ศิลปินละครหุ่นกระบอก

ศิลปินละครหุ่นกระบอก
เราเชื่อมโยงโรงละครหุ่นกระบอกเข้ากับการแสดงที่สดใส เต็มไปด้วยจินตนาการและการเปลี่ยนแปลงที่น่าอัศจรรย์ มันจะเป็นอย่างอื่นได้ไหม? ท้ายที่สุดแล้วตุ๊กตาเริ่มต้นด้วยปาฏิหาริย์ - วัตถุที่ไม่มีชีวิตนั้น "เคลื่อนไหว" อยู่ในนั้น ความแรงของสิ่งนี้

การสังเคราะห์ศิลปะ การผสมผสานสไตล์ ประเภท ประเภทของงานศิลปะ การทดลองเกี่ยวกับรูปแบบ สี องค์ประกอบ กำลังกลายเป็นเรื่องปกติมากขึ้น
3) แนวโน้มของสไตล์ปรากฏขึ้น - สัญลักษณ์, สมัยใหม่, การเคลื่อนไหวสไตล์เปรี้ยวจี๊ด - fauvism, expressionism, ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม, ลัทธิอนาคต, นามธรรมนิยม, สถิตยศาสตร์และอื่น ๆ 4) ส

ลักษณะเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือ
***ธรรมชาติของวัฒนธรรมทางโลกและความสนใจในมนุษย์และกิจกรรมของเขา ***ความสนใจในวัฒนธรรมโบราณปรากฏขึ้นราวกับว่า "การฟื้นฟู" กำลังเกิดขึ้น

เขาสร้างภาพเชิงเปรียบเทียบที่น่าหลงใหลในความประณีตและทำให้โลกมีความงามในอุดมคติของผู้หญิง
ชื่อเล่น "บอตติเชลโล" - "บาร์เรล" - สืบทอดมาจากจิโอวานนี่พี่ชายของเขา การกำเนิดของดาวศุกร์ ค.ศ. 1482 ฤดูใบไม้ผลิ ค.ศ. 1477-1478 หอศิลป์อุฟฟิซิ เมืองโฟล

ด้วยผลงานของเขา เขามีส่วนในการเปลี่ยนแปลงจากโกธิคไปสู่งานศิลปะใหม่ โดยเชิดชูความยิ่งใหญ่ของมนุษย์และโลกของเขา
พลังการสร้างแบบจำลองสีดำและสีขาวพลาสติกทางกายภาพสามมิติของตัวเลขอนุสาวรีย์และ

สถาปัตยกรรมยุคกลางตอนต้น
แทนที่จะเป็นพื้นที่แบบโกธิกที่ได้รับแรงบันดาลใจ - เป็นพื้นที่ที่มีเหตุมีผลและมีขอบเขตที่ชัดเจน แทนที่จะเป็นความตึงเครียดแบบกอธิค เส้นขาด- เข้มงวด โดยส่วนใหญ่จะเป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า

องค์ประกอบ. กฎพื้นฐานขององค์ประกอบ
กฎพื้นฐานของการจัดองค์ประกอบถูกกำหนดโดย E.A. Kibrik ศิลปินกราฟิกชื่อดังชาวโซเวียต ในบทความเรื่อง “กฎวัตถุประสงค์ขององค์ประกอบทางวิจิตรศิลป์” (วารสาร "คำถามปรัชญา", 196

ศิลปินภูมิทัศน์ชาวรัสเซีย
1) มนุษย์เชื่อมโยงกับธรรมชาติอย่างแยกไม่ออก เขาเป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติ และความเพลิดเพลินในธรรมชาติ ความปรารถนาที่จะค้นหาความสอดคล้องกับความรู้สึก อุดมคติของตนเอง เป็นแหล่งความคิดสร้างสรรค์ของนักเขียนมาโดยตลอด

แนวคิดของแนวดนตรี
แนวดนตรีเป็นแนวคิดที่มีคุณค่าหลากหลายซึ่งแบ่งลักษณะประเภทและประเภทต่างๆ ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีเกี่ยวกับต้นกำเนิด ตลอดจนลักษณะและเงื่อนไขในการดำเนินการและการรับรู้ แนวคิด

แนวดนตรีระดับประถมศึกษาและมัธยมศึกษา
O.V. Sokolov เสนอหลักการจำแนกประเภทโดยผสมผสานการแบ่งประเภทออกเป็นศิลปะและประยุกต์และการแบ่งประเภทเป็นดนตรี (เครื่องดนตรี) และ

วิวัฒนาการของแนวเพลง
ทหารม้าเดินทัพ (เร็ว ปกติเป็น g) ตอบโต้ เคร่งขรึม และเดินขบวนไว้ทุกข์ "แตกกิ่งก้าน" ออกจากการเดินทัพของทหาร อีกวิธีหนึ่งในการพัฒนาแนวเพลงคือการโต้ตอบการสังเคราะห์เลเยอร์ที่มีอยู่แล้ว

แนวเพลงหลักของดนตรีอาชีพยุโรป
มีความยาวเกินความยาวของโทคคาต้าโหมโรงอย่างเห็นได้ชัด ในเจ้าพระยา - ศตวรรษที่สิบแปด("ทอกกาตาโบราณ") มีลักษณะเป็นองค์ประกอบอิสระที่มีการสลับระหว่างเนื้อเรื่อง - อัจฉริยะและเวลาที่ไพเราะ - การประกาศ

ศิลปะแห่งการจัดฉาก

ความสนใจเชิงปฏิบัติในการพัฒนางานศิลปะได้หยิบยกการจัดฉากมาเป็นพื้นฐานในการวางแผนและพัฒนาการแสดงทางศิลปะ โปรแกรมแอนิเมชั่น กิจกรรมนิทรรศการ ฯลฯ โดยธรรมชาติแล้ว ความคลุมเครือโดยรวมเป็นเพียงการยืนยันถึงความจำเป็นในการพัฒนากิจกรรมด้านฉากเพิ่มเติมเท่านั้น

ดังนั้นความสำคัญของการจัดฉากในการทำความเข้าใจและการรับรู้แนวคิดทางศิลปะและการดำเนินการแก้ไขปัญหาเชิงพื้นที่ตามที่ผู้เขียนคิดไว้จึงชัดเจน

ฉากควรรวมการออกแบบเวทีเป็นองค์ประกอบที่จำเป็นของความสมบูรณ์ทางศิลปะของการผลิตใด ๆ ควรกำหนดหลักการของกิจกรรมของนักแสดงและผู้เข้าร่วมในการแสดงและการแสดงระหว่างการแสดง การออกแบบเชิงพื้นที่ของแต่ละเหตุการณ์จะต้องสอดคล้องกับหัวข้อที่เลือกและการกระทำของผู้เข้าร่วมในโครงสร้างของการแสดงโดยรวม

ในความหมายทั่วไปที่สุด ทิวทัศน์- เป็นกิจกรรมทางศิลปะประเภทหนึ่งซึ่งขึ้นอยู่กับการออกแบบการแสดง การแสดง การสร้างสรรค์ ภาพที่เป็นรูปเป็นร่างซึ่งรับรู้โดยผู้ชมและผู้เข้าร่วมโดยรวม มีอยู่ในรูปแบบเวที เวลา และพื้นที่

การจัดฉากเป็นศาสตร์แห่งศิลปะและเทคนิคในการสร้างและจัดฉากการแสดง วิธีการทางศิลปะ การตกแต่ง และเทคนิคทั้งหมดที่ใช้ในการดำเนินโครงการบนเวทีหรือกิจกรรมต่างๆ ได้รับการพิจารณาโดยการจัดฉากว่าเป็นองค์ประกอบที่สร้างรูปแบบการแสดงทางศิลปะ

ในทางปฏิบัติ การจัดฉากคือการสร้างสรรค์ ภาพที่เห็นการแสดงโดยการออกแบบสถานที่ด้วยฉาก แสง อุปกรณ์จัดฉาก พร้อมทั้งสร้างสรรค์เครื่องแต่งกายให้กับนักแสดงตามจิตวิญญาณของบท ในความเป็นจริง การแสดงละครและการสร้างการรับรู้ที่ถูกต้องระหว่างผู้ชมและผู้เข้าร่วมขึ้นอยู่กับวิธีการเลือกองค์ประกอบของการแสดงในกระบวนการจัดฉาก

การออกแบบฉากหมายถึงการสร้างภาพที่มองเห็นผ่านฉาก เครื่องแต่งกาย แสง และเทคนิคการผลิต ความบันเทิงพิเศษและเอฟเฟกต์ที่ซับซ้อนต้องใช้กลไกของเวที ซึ่งสามารถเปลี่ยนทิวทัศน์หลังม่านหรือต่อหน้าสาธารณชนได้

การจัดฉากปรากฏในสมัยกรีกโบราณ ซึ่งอาจมาจากคำว่า "การจัดฉาก" ซึ่งครั้งหนึ่งเข้าใจว่าเป็น "การวาดภาพฉาก" นั่นคือการใช้ "มุมมองที่งดงาม" ในการออกแบบเวที

เมื่อมองแวบแรก โครงสร้างของคำว่า ทิวทัศน์ บ่งบอกถึงความเฉพาะเจาะจงของกิจกรรมการออกแบบของศิลปิน แต่ถ้าเราเข้าใจการจัดฉากในฐานะที่เป็นการออกแบบทางศิลปะเท่านั้น คำถามก็เกิดขึ้น: การจัดฉากขึ้นอยู่กับฉากและเครื่องแต่งกายของนักแสดงเท่านั้นหรือไม่

อย่างไรก็ตาม ความสำคัญของฉากในโครงสร้างของการแสดงและการแสดงนั้นกว้างกว่า เนื่องจากสิ่งที่ปรากฎบนทิวทัศน์ประการแรกคือการพัฒนาการกระทำของนักแสดงในบางด้าน สภาพแวดล้อมเชิงพื้นที่ภายในขอบเขตของการนำเสนอ ที่จริงแล้ว ทิวทัศน์เป็นคำที่มีเนื้อหากว้างกว่าความหมายโดยตรงของคำนั้นมาก เนื้อหาของฉากในโครงสร้างของการแสดงไม่เพียงแต่หมายถึงภาพในฉากและเครื่องแต่งกายเท่านั้น แต่ยังรวมถึงกิจกรรมการแสดงละครของนักแสดงด้วย นอกจากนี้ ทั้งหมดนี้ดำเนินการภายใต้กรอบที่กำหนดตามหัวข้อการนำเสนอ

นอกจากนี้ หากฉากถูกสร้างขึ้นโดยการศึกษาข้อมูลจากศิลปิน นักวาดภาพประกอบ ฯลฯ เป็นหลัก การออกแบบฉากโดยรวมควรมุ่งเน้นไปที่การตีความเชิงพื้นที่ทั้งหมดของการแสดง ในทุกสิ่งที่ก่อให้เกิดความสำคัญทางภาพของฉาก ภาพ. ตัวอย่างที่ง่ายที่สุดของการเป็นตัวแทนคือ ต้นคริสต์มาส- เช่น การปรากฏตัวอย่างกะทันหัน โทรศัพท์มือถือซานตาคลอสจะทำลายภาพที่สร้างขึ้นในช่วงวันหยุดปีใหม่ อย่างไรก็ตามหากคุณตีกรอบเรื่องนี้เป็นเรื่องตลกและปรับโปรแกรมให้เข้ากับ คุณสมบัติที่ทันสมัยสิ่งนี้จะถูกรับรู้โดยผู้ชมอย่างเพียงพอและจะไม่สร้างความประทับใจอันไม่พึงประสงค์

ประเภทของฉาก

ฉากสามารถมีได้สามประเภท:

1. ฉากที่มีรายละเอียด,
2. ฉากพูดน้อย;
3. ฉากน้อยที่สุด

ประเภทของฉาก

ฉากโดยละเอียดรวมถึง การลงทะเบียนเต็มสถานที่สำหรับการแสดงตามโปรแกรม ผู้เข้าร่วมแต่งกาย สคริปต์โดยละเอียด การประสานงานของนักแสดงทุกคนในแต่ละขั้นตอน และไม่มีอิทธิพลภายนอกโดยสิ้นเชิงระหว่างการแสดง วิธีการที่คล้ายกันนี้ใช้เพื่อจัดการแสดงเฉพาะเรื่องอย่างจริงจังโดยสอดคล้องกับสภาพแวดล้อมโดยรอบ

ทิวทัศน์พูดน้อยวิธี การออกแบบทั่วไปสถานที่แสดงที่ไม่ใส่ใจในรายละเอียด เครื่องแต่งกายของนักแสดงที่มีรายละเอียดไม่ดี บททั่วไปที่มีบทหลักของนักแสดง การแสดงและการแสดงในระดับนี้ส่วนใหญ่จะจัดขึ้นในงานองค์กรและงานสังคม

ฉากน้อยที่สุดหมายถึง การแสดงของนักแสดงที่ไม่แต่งกาย และไม่มีการตกแต่งสถานที่แสดง ในความเป็นจริง ฉากแบบมินิมอลคือการแสดงบนเวทีที่เตรียมไว้พร้อมกับดนตรีประกอบ วิธีการนี้ใช้ในการแสดงและการแสดงที่ง่ายที่สุด เช่น โปรแกรมแอนิเมชั่นที่ดำเนินการตามรูปแบบของผู้นำเสนอ - นักแสดง - ผู้ชม - การแข่งขัน - รางวัล

โดยทั่วไป ในด้านการบริการทางสังคมวัฒนธรรมและการท่องเที่ยว คำว่า ทิวทัศน์ แพร่หลายมากขึ้น บ่อยครั้งที่คำนี้หมายถึงประเด็นสำคัญประการหนึ่งของโปรแกรมแอนิเมชั่น - วิธีแก้ปัญหาเชิงพื้นที่ของเหตุการณ์

ฉากที่ทันสมัย

ส่วนหนึ่ง คำนี้มีเนื้อหาจำกัดเนื่องจากไม่มีพื้นฐานทางทฤษฎีที่เป็นหนึ่งเดียวกัน ทิศทางนี้- แม้ว่าองค์ประกอบนี้ของศิลปะการแสดงละครจะมีอยู่ตั้งแต่เริ่มแรกของการแสดงละครและการแสดง แต่การจัดฉากก็ไม่สามารถอวดแนวคิดทางทฤษฎีที่มีรายละเอียดใดๆ ได้ ในทางตรงกันข้าม แง่มุมต่างๆ ที่นำไปใช้ในการจัดฉากจะได้รับรายละเอียดอย่างละเอียด

ฉากสมัยใหม่มีระบบองค์ประกอบที่รับประกันประสิทธิผลของการแสดงและการแสดง

อย่างไรก็ตาม หลายๆ คนหมายถึงการจัดฉากโดยเฉพาะศิลปะการตกแต่ง นี่เป็นความผิดขั้นพื้นฐาน คำว่า "มัณฑนศิลป์" หมายถึง "การตกแต่ง ตกแต่งบางสิ่งบางอย่าง" อย่างแท้จริง และหมายถึงเทคนิคการตกแต่งการแสดงละครเป็นหลัก จริงๆ แล้ว เทคนิคการจัดฉากละครได้วางรากฐานสำหรับการจัดฉากในด้านอื่นๆ ทั้งหมดที่เกี่ยวข้องกับการแสดง ตัวอย่างเช่น บริการด้านความบันเทิงยืมวิธีการแสดงละครและแนวทางในการออกแบบกิจกรรม อย่างไรก็ตาม มัณฑนศิลป์เป็นเพียงส่วนหนึ่งของฉากละครเท่านั้น ไม่ใช่เนื้อหาทั้งหมด

ดังนั้น การจัดฉากจึงไม่ใช่เพียงการตกแต่งสถานที่สำหรับการแสดง การแสดง การแสดง หรืองานอื่นๆ เท่านั้น เนื่องจากในความเป็นจริงแล้ว สิ่งนี้ไม่สอดคล้องกับสาระสำคัญ แต่เป็นเพียงการแสดงลักษณะเฉพาะของวิธีการบางอย่างในการเตรียมสถานที่เท่านั้น ฉากประกอบด้วย ตำแหน่งที่สวยงามหัวข้อเฉพาะภายในที่มีการแสดงหรือการแสดง ด้วยเหตุนี้ การใช้ฉากที่เป็นสากลจึงมีเงื่อนไขอย่างมาก เนื่องจากสิ่งที่ฉากควรรวมไว้นั้นขึ้นอยู่กับแนวคิดของการแสดง

แผนของผู้กำกับบังคับให้นักแสดงและผู้ชมคำนึงถึงความแน่นอนเชิงพื้นที่และใจความของการแสดง ดังนั้นการรับรู้แบบคลาสสิกเกี่ยวกับสภาพแวดล้อมจึงเปลี่ยนไป ทำให้ผู้ชมและผู้เข้าร่วมรู้สึกมีส่วนร่วมในการแสดงได้ นี่คือกุญแจสู่ความสำเร็จของการแสดงและการแสดงใดๆ ซึ่งมั่นใจได้ด้วยการจัดฉาก

การอนุมัติความท้าทายและโอกาสใหม่ ๆ ที่เผชิญอยู่ โรงละครสมัยใหม่และทักษะการแสดง บางทีอาจขยายขอบเขตความเป็นไปได้ของฉาก จำเป็นต้องพัฒนาความสำคัญทางภาพของภาพศิลปะ ความสมบูรณ์ของการนำเสนอและการแสดงละคร ตลอดจนการโต้ตอบของการสื่อสารระหว่างนักแสดงและผู้เข้าร่วมกับผู้ชม

หากมีพื้นที่ที่สร้างขึ้นผ่านการจัดฉากซึ่งเป็นการผลิตเชิงศิลปะ พื้นที่นั้นก็มีอิทธิพลต่อภาพลักษณ์และการรับรู้ของผู้ชมและผู้เข้าร่วมอยู่แล้ว เพราะว่า กิจกรรมทางศิลปะมีลักษณะเฉพาะมากและแตกต่างจากการแสดงของนักแสดงในภาพยนตร์ ดังนั้น ฉากควรช่วยให้นักแสดงตระหนักถึงทักษะการแสดงของตน

ดังนั้นการจัดฉากจึงขึ้นอยู่กับบริบททางศิลปะของการผลิตอย่างเด่นชัดเนื่องจากลักษณะเฉพาะของการแสดงที่จัดขึ้น เป็นผลให้การพัฒนาฉากเกิดขึ้นเนื่องจากการผลิตฉากใหม่ทางศิลปะแต่ละครั้งมีการกำหนดงานใหม่และแต่ละครั้งที่ซับซ้อนและครอบคลุมมากขึ้น

ในทางปฏิบัติ ตำแหน่งที่แยกต่างหากของผู้ออกแบบฉากในกิจกรรมของโรงละคร ละครสัตว์ และกลุ่มศิลปะอื่น ๆ ได้รับการจัดสรรเฉพาะในสถาบันวัฒนธรรมขนาดใหญ่และบริการทางสังคมวัฒนธรรมเท่านั้น ตำแหน่งนักออกแบบเวทียังมีอยู่ในองค์กรขนาดใหญ่ที่เกี่ยวข้องกับการจัดวันหยุดและกิจกรรมต่างๆ รวมถึงโรงแรมขนาดใหญ่ สถานพยาบาล ฯลฯ ในกรณีนี้ ผู้ออกแบบฉากคือนักเทคโนโลยีการผลิต สถาปนิก ผู้ออกแบบ และวิศวกรด้านการแสดงและกิจกรรมต่างๆ

ในขนาดเล็ก ทีมสร้างสรรค์หน้าที่ของผู้ออกแบบฉากนั้นดำเนินการโดยสมาชิกและนักแสดงเอง งานของพวกเขารวมถึงการออกแบบพื้นที่ที่จัดสรรไว้สำหรับการแสดงและการสร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะแบบองค์รวมของการผลิตที่ได้รับการออกแบบ

ส่วนมากจะทำข้างนอก กลุ่มศิลปะนี่คือการผลิตทิวทัศน์ ในเวลาเดียวกันศิลปินมืออาชีพคนใดก็ตามสามารถออกแบบทิวทัศน์เชิงศิลปะได้หากกำหนดเป้าหมายและวัตถุประสงค์ของการออกแบบไว้อย่างชัดเจนต่อหน้าเขา อย่างไรก็ตาม ศิลปินจะไม่สามารถถ่ายทอดจิตวิญญาณของทิวทัศน์โดยเพียงแค่รวบรวมแนวคิดในรูปแบบของการตกแต่งทางศิลปะได้ ดังนั้นการถ่ายภาพทิวทัศน์จึงไม่ได้มีเพียงการออกแบบตกแต่งพื้นที่เท่านั้น อย่างไรก็ตาม ความต้องการใหม่ๆ ได้ถูกหยิบยกขึ้นมาสำหรับการจัดฉากอย่างต่อเนื่อง โดยแต่ละครั้งจะประเมินบทบาทของศิลปินในการสร้างความสมบูรณ์ทางศิลปะของผลงานใหม่ๆ ที่แตกต่างกันออกไป ซึ่งจะทำให้ศิลปินต้องมีความเชี่ยวชาญเฉพาะด้านและมุ่งเน้นไปที่กิจกรรมประเภทนี้

องค์ประกอบหลักประการหนึ่งของการแสดงและการแสดงทางศิลปะหลังการผลิตคือการจัดฉากและการเตรียมฉาก บทบาทของการจัดฉากในการสร้างภาพทางศิลปะของการผลิตนั้นยอดเยี่ยมมาก เนื่องจากด้วยเทคโนโลยีการจัดฉาก ทำให้มีการสร้างโซลูชันเชิงพื้นที่สำหรับการแสดงและการแสดงแต่ละครั้ง เพื่อสร้างการรับรู้ที่ถูกต้องของภาพศิลปะในกลุ่มผู้ชม

ฉากประกอบด้วยการใช้ศิลปะและเทคนิคในการผลิต การแสดง การแสดง การแสดงและกิจกรรมอื่นๆ จากมุมมองของการนำไปปฏิบัติจริง การจัดฉากคือการสร้างภาพที่สดใสซึ่งผู้ชมและผู้เข้าร่วมจะรับรู้ได้

เพื่อจุดประสงค์นี้ มีการใช้การออกแบบเชิงศิลปะของฉาก แสง และอุปกรณ์จัดฉากของตำแหน่งของโปรแกรมแอนิเมชั่น นอกจากนี้การจัดฉากยังรวมถึงการสร้างเครื่องแต่งกายสำหรับนักแสดงซึ่งจะต้องสอดคล้องกับแนวคิดทางศิลปะของการผลิต

การออกแบบฉากนั้นยึดหลักการปฏิบัติตามแนวคิดการผลิต ในขณะเดียวกัน วิธีการและเครื่องมือในการถ่ายภาพฉากก็ได้รับการปรับใช้เพื่อสร้างองค์ประกอบส่วนบุคคลที่ประกอบกันเป็นแนวคิดสร้างสรรค์ที่ซับซ้อนโดยรวม และความสมบูรณ์ทางศิลปะเป็นแก่นแท้และเป้าหมายหลักของการถ่ายภาพทิวทัศน์

เนื้อหาของบทความ

ฉากความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะประเภทหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับการออกแบบการแสดงและการสร้างภาพและภาพลักษณ์พลาสติกที่มีอยู่ในเวลาและพื้นที่บนเวที ในการแสดง ศิลปะการจัดฉากประกอบด้วยทุกสิ่งที่อยู่รอบตัวนักแสดง (ทิวทัศน์) ทุกอย่างที่เขาเกี่ยวข้อง - บทละคร การแสดง (คุณลักษณะทางวัตถุ) และทุกสิ่งที่อยู่บนร่างของเขา (เครื่องแต่งกาย การแต่งหน้า หน้ากาก องค์ประกอบอื่น ๆ ของการเปลี่ยนแปลงรูปลักษณ์ของเขา ). ขณะเดียวกัน. หมายถึงการแสดงออกฉากสามารถใช้: ประการแรกสิ่งที่ถูกสร้างขึ้นโดยธรรมชาติ ประการที่สอง วัตถุและพื้นผิวในชีวิตประจำวันหรือการผลิต และประการที่สาม สิ่งที่เกิดอันเป็นผลมาจากกิจกรรมสร้างสรรค์ของศิลปิน (ตั้งแต่หน้ากาก เครื่องแต่งกาย อุปกรณ์ประกอบฉาก วัสดุไปจนถึงการวาดภาพ , กราฟิก พื้นที่เวที แสง ไดนามิก ฯลฯ)

ยุคก่อนประวัติศาสตร์ – ยุคก่อนประวัติศาสตร์.

ต้นกำเนิดของฉากอยู่ใน ก่อนฉากการกระทำของพิธีกรรมและพิธีกรรมก่อนการแสดง (ทั้งโบราณ ยุคก่อนประวัติศาสตร์ และคติชน ที่อนุรักษ์ไว้ในรูปแบบที่หลงเหลือมาจนถึงทุกวันนี้) "รหัสพันธุกรรม" ปรากฏขึ้นแล้วในช่วงก่อนการถ่ายภาพ การนำไปใช้ในภายหลังซึ่งกำหนดขั้นตอนหลักของการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ของศิลปะการถ่ายภาพตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบัน ในนั้น" รหัสพันธุกรรม"ประกอบด้วยหน้าที่หลักทั้งสามประการที่ฉากสามารถทำได้ในการแสดง ได้แก่ ตัวละคร บทละคร และการกำหนดสถานที่เกิดเหตุ ตัวละคร - เกี่ยวข้องกับการรวมฉากในฉากแอ็คชั่นในฐานะวัสดุ วัสดุ พลาสติก ภาพหรือตัวละครอื่น ๆ (โดยผ่านรูปลักษณ์) ที่มีนัยสำคัญอย่างอิสระ - เป็นหุ้นส่วนที่เท่าเทียมกันของนักแสดง และมักจะเป็นตัวละครหลัก ฟังก์ชั่นการแสดงแสดงออกผ่านการมีส่วนร่วมโดยตรงของฉากและองค์ประกอบแต่ละอย่าง (เครื่องแต่งกาย การแต่งหน้า หน้ากาก อุปกรณ์ตกแต่ง) ในการเปลี่ยนแปลงรูปลักษณ์ของนักแสดงและการแสดงของเขา หน้าที่ในการกำหนดฉากคือการจัดสภาพแวดล้อมที่เกิดเหตุการณ์ในละคร

ฟังก์ชั่นตัวละครมีความโดดเด่นในขั้นตอนก่อนฉาก ศูนย์กลางของพิธีกรรมคือวัตถุที่รวบรวมรูปเทพหรือพลังที่สูงกว่า: ตัวเลขที่แตกต่างกัน(รวมทั้ง ประติมากรรมโบราณ), ไอดอล, โทเท็ม, ตุ๊กตาสัตว์ทุกชนิด (Maslenitsa, Carnival ฯลฯ ) ประเภทต่างๆรูปภาพ (รวมถึงภาพวาดฝาผนังแบบเดียวกันในถ้ำโบราณ) ต้นไม้และพืชอื่น ๆ (จนถึงต้นไม้ปีใหม่สมัยใหม่) กองไฟและไฟประเภทอื่น ๆ เพื่อเป็นศูนย์รวมของภาพดวงอาทิตย์

ในเวลาเดียวกัน การเตรียมฉากยังทำหน้าที่อื่นอีกสองอย่าง: การจัดฉากและการเล่นเกม สถานที่ประกอบพิธีกรรมและการแสดงมี 3 ประเภท ประเภทแรก (ฉากแอ็คชั่นทั่วไป) เป็นฉากที่เก่าแก่ที่สุด เกิดจากจิตสำนึกในตำนานและมีความหมายทางความหมายของจักรวาล (สี่เหลี่ยมเป็นสัญลักษณ์ของโลก วงกลมคือดวงอาทิตย์ ตัวเลือกที่แตกต่างกัน โมเดลแนวตั้งพื้นที่: ต้นไม้โลก ภูเขา เสา บันได; เรือพิธีกรรม เรือ เรือ; สุดท้ายวัดเป็นภาพสถาปัตยกรรมแห่งจักรวาล) ประเภทที่สอง (สถานที่ดำเนินการเฉพาะ) คือสภาพแวดล้อมที่อยู่รอบชีวิตของบุคคล: ธรรมชาติ อุตสาหกรรม ทุกวัน: ป่าไม้ พื้นที่โล่ง เนินเขา ภูเขา ถนน ลานชาวนา ตัวบ้านและการตกแต่งภายใน - ห้องสว่าง และประเภทที่สาม (ก่อนแสดงบนเวที) คือการสะกดจิตของอีกสองประเภท พื้นที่ใดๆ ที่แยกออกจากผู้ชมและกลายเป็นสถานที่สำหรับเล่น อาจกลายเป็นเวทีได้

ฉากของเกม – สมัยโบราณ ยุคกลาง

นับจากนี้เป็นต้นไป โรงละครก็เริ่มต้นขึ้นเช่นกัน สายพันธุ์อิสระความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะและเริ่มต้นขึ้น ฉากเกม ซึ่งเป็นระบบการออกแบบระบบแรกในประวัติศาสตร์สำหรับการแสดงของเขา ในเวลาเดียวกัน ในรูปแบบการแสดงละครที่เก่าแก่ที่สุด โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสมัยโบราณและตะวันออก (ซึ่งยังคงใกล้เคียงที่สุดกับการแสดงละครก่อนพิธีกรรม) ตัวละครฉากยังคงครองตำแหน่งที่สำคัญในด้านหนึ่งและในด้าน ฉากแอ็คชั่นทั่วไปอื่นๆ ที่เป็นภาพของจักรวาล (เช่น วงออเคสตราและฉากในโศกนาฏกรรมของกรีกโบราณ) ส่วนแบ่งของฉากเกมเพิ่มขึ้นตาม การเคลื่อนไหวทางประวัติศาสตร์ละครจากเทพนิยายถึงฆราวาส จุดสูงสุดของการเคลื่อนไหวนี้คือละครตลกอิตาลี dell'arte และโรงละครเช็คสเปียร์ที่เกิดจากยุคเรอเนซองส์ ที่นี่คือระบบการออกแบบการแสดงซึ่งมีพื้นฐานมาจากการเล่น แอ็คชั่น ของนักแสดงที่มีองค์ประกอบของฉาก จนถึงจุดสุดยอด หลังจากนั้นเป็นเวลาหลายศตวรรษ (จนถึงศตวรรษที่ 20 รวมอยู่ด้วย) ก็ถูกแทนที่ด้วยระบบการออกแบบอื่น - ศิลปะการตกแต่งหน้าที่หลักคือการสร้างภาพสถานที่ท่องเที่ยว

มัณฑนศิลป์ – ยุคเรอเนซองส์และสมัยใหม่

ศิลปะการตกแต่ง(ซึ่งมีองค์ประกอบอยู่ก่อนหน้านี้เช่นในโรงละครโบราณและในยุคกลางของยุโรป - พร้อมกัน (แสดงสถานที่ดำเนินการต่าง ๆ พร้อมกัน: จากสวรรค์สู่นรกซึ่งตั้งอยู่บนเวทีเป็นเส้นตรงด้านหน้า) การตกแต่งความลึกลับของจัตุรัส) เช่น ระบบพิเศษสำหรับการออกแบบการแสดงถือกำเนิดขึ้นในโรงละครศาลของอิตาลีในช่วงปลายศตวรรษที่ 15-16 ในรูปแบบของสิ่งที่เรียกว่า มุมมองการตกแต่งที่บรรยาย (คล้ายกับภาพวาดของจิตรกรยุคเรอเนซองส์) โลกรอบตัวบุคคล: จัตุรัสและเมือง เมืองในอุดมคติหรือสมบูรณ์แบบ ภูมิทัศน์ชนบท- ผู้เขียนหนึ่งในมุมมองการตกแต่งแรกๆ คือ D. Bramante สถาปนิกผู้ยิ่งใหญ่ ศิลปินที่สร้างสิ่งเหล่านี้คือปรมาจารย์สากล (สถาปนิก จิตรกร และประติมากรในเวลาเดียวกัน) - B. Peruzzi, Bastiano de Sangallo, B. Lanci และสุดท้าย S. Serlio ซึ่งอยู่ในตำรา เกี่ยวกับเวทีกำหนดทิวทัศน์เปอร์สเปคทีฟที่เป็นที่ยอมรับสามประเภท (สำหรับโศกนาฏกรรม ตลก และอภิบาล) และหลักการสำคัญของการจัดเรียงที่เกี่ยวข้องกับนักแสดง: นักแสดงในเบื้องหน้า วาดภาพทิวทัศน์ในพื้นหลัง เป็นพื้นหลังภาพ ศูนย์รวมที่สมบูรณ์แบบของระบบการตกแต่งแบบอิตาลีนี้คือผลงานชิ้นเอกทางสถาปัตยกรรมของ A. Palladio - โรงละคร Olimpico ใน Vincenzo (1580–1585)

ศตวรรษต่อ ๆ มาของวิวัฒนาการของศิลปะการตกแต่งมีความสัมพันธ์กันอย่างใกล้ชิดในด้านหนึ่งกับการพัฒนารูปแบบศิลปะหลักของวัฒนธรรมโลกและอีกด้านหนึ่งกับกระบวนการพัฒนาและอุปกรณ์ทางเทคนิคภายในโรงละครของพื้นที่เวที .

ดังนั้นสไตล์บาโรกจึงกลายเป็นส่วนสำคัญในศิลปะการตกแต่งของศตวรรษที่ 17 ตอนนี้มันกลายเป็นสภาพแวดล้อมที่ล้อมรอบพวกเขาทุกด้าน และถูกสร้างขึ้นในพื้นที่กล่องเวทีทั้งหมด ในขณะเดียวกัน ประเภทของสถานที่ตั้งก็มีการขยายตัวอย่างมาก แอ็คชั่นเคลื่อนตัวไปยังอาณาจักรใต้น้ำและ ทรงกลมท้องฟ้า- ภาพวาดตกแต่งแสดงถึงความคิดแบบบาโรกเกี่ยวกับความไม่มีที่สิ้นสุดและความไร้ขอบเขตของโลกซึ่งมนุษย์ไม่สามารถวัดทุกสิ่งได้อีกต่อไป (เช่นเดียวกับในยุคเรอเนซองส์) แต่เป็นเพียงอนุภาคเล็ก ๆ ของโลกนี้ คุณลักษณะอีกประการหนึ่งของทิวทัศน์สมัยศตวรรษที่ 17 – พลวัตและความแปรปรวน: บนเวที (และบน “โลก” และใต้น้ำ “น้ำ” และใน “สวรรค์”) การเปลี่ยนแปลง เหตุการณ์ และการเปลี่ยนแปลงในตำนานที่น่าอัศจรรย์ที่สุดมากมายเกิดขึ้น ในทางเทคนิคแล้ว การเปลี่ยนแปลงทันทีจากภาพหนึ่งไปยังอีกภาพหนึ่งนั้นเกิดขึ้นครั้งแรกด้วยความช่วยเหลือของเทลาริอิ (ปริซึมหมุนแบบสามเหลี่ยม) จากนั้นจึงคิดค้นกลไกหลังเวทีและระบบทั้งหมดของเครื่องจักรในการแสดงละคร ปรมาจารย์ด้านการตกแต่งสไตล์บาโรกชั้นนำของศตวรรษที่ 17 – B. Buontalenti, G. และ A. Parigi, L. Furtenbach, I. Jones, L. Burnacini, G. Mauro, F. Santurini, C. Lotti และสุดท้าย G. Torelli ผู้ซึ่งนำระบบการออกแบบประสิทธิภาพของอิตาลีนี้ไปใช้ ในปารีสซึ่งในขณะเดียวกันก็มีรูปแบบการตกแต่งอีกอย่างหนึ่งเกิดขึ้นนั่นคือความคลาสสิก

หลักคำสอนของเขาใกล้เคียงกับหลักการของมุมมองของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: ทิวทัศน์กลายเป็นพื้นหลังสำหรับนักแสดงอีกครั้ง ตามกฎแล้วเธอเป็นหนึ่งเดียวกันและไม่สามารถถูกแทนที่ได้ แทนที่จะเป็นการตกแต่งสไตล์บาโรกแนวตั้งที่มุ่งสู่ท้องฟ้า - เป็นแนวนอนอีกครั้ง ความคิดเรื่องอนันต์ของโลกถูกต่อต้านโดยแนวคิดของโลกปิดซึ่งจัดระเบียบอย่างมีเหตุผลตามกฎแห่งเหตุผลมีความกลมกลืนกันอย่างกลมกลืนสมมาตรอย่างเคร่งครัดสมส่วนกับมนุษย์ ดังนั้นจำนวนสถานที่ดำเนินการจึงลดลง (เทียบกับบาร็อค) อีกครั้ง (เช่น Serlio) มีเนื้อเรื่องหลักสามเรื่องซึ่งตอนนี้ได้รับตัวละครที่แตกต่างออกไปเล็กน้อย - มีการตกแต่งภายในมากขึ้นเรื่อย ๆ

เนื่องจากผู้เขียนทิวทัศน์แบบคลาสสิกมักเป็นผู้เชี่ยวชาญคนเดียวกัน (Torelli, J. Buffequin, C. Vigarani, G. Beren) ซึ่งในขณะเดียวกันในการแสดงอื่น ๆ ก็เป็นผู้เขียนทิวทัศน์แบบบาโรกจึงมีการแทรกซึมตามธรรมชาติ ของทั้งสองสไตล์นี้ทำให้เกิดรูปแบบใหม่: บาโรกคลาสสิกซึ่งต่อมาในต้นศตวรรษที่ 18 ย้ายเข้าสู่ยุคบาโรกคลาสสิก

บนพื้นฐานนี้ ศิลปะการตกแต่งสไตล์บาโรกแห่งศตวรรษที่ 18 ได้รับการพัฒนาขึ้น ซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดตลอดทั้งศตวรรษโดยปรมาจารย์ชาวอิตาลีที่โดดเด่นจากตระกูล Galli Bibbiena เฟอร์ดินันโด หัวหน้าครอบครัว ได้สร้างภาพบนเวทีของ "สถาปัตยกรรมทางจิตวิญญาณ" (การแสดงออกของ A. Benois) ซึ่งเป็นผลงานประพันธ์สไตล์บาโรกอันน่าอัศจรรย์ที่เขานำไปใช้ (ไม่เหมือนกับศิลปินละครบาโรกในศตวรรษก่อน) บนเครื่องบิน ของฉากหลัง ปีก หรือม่านที่ทาสีแล้ว ฟรานเชสโก น้องชายของเฟอร์ดินันโด ลูกชายของเขา อเลสซานโดร อันโตนิโอ และโดยเฉพาะอย่างยิ่งจูเซปเป้ (ผู้บรรลุถึงจุดสูงสุดที่แท้จริงของความมีคุณธรรมและอำนาจในการประพันธ์เพลง "บาโรกที่มีชัยชนะ") และในที่สุด คาร์โล หลานชายของเขาก็ทำงานในจิตวิญญาณเดียวกัน ตัวแทนคนอื่น ๆ ของทิศทางศิลปะการตกแต่งนี้คือ F. Juvarra, P. Righini และ G. Valeriani ซึ่งนำสไตล์ "บาโรกแห่งชัยชนะ" มาสู่ฉากศาลรัสเซียซึ่งเป็นเวลาสองทศวรรษ (ยุค 40 และ 50 ของศตวรรษที่ 18) ผลงานการตกแต่งละครโอเปร่าของอิตาลี

ขนานไปกับการตกแต่งสไตล์บาโรกในศิลปะการแสดงบนเวทีแห่งศตวรรษที่ 18 มีแนวโน้มโวหารอื่น ๆ ในด้านหนึ่งมาจากสไตล์โรโคโคในอีกด้านหนึ่งเป็นแบบคลาสสิก อย่างหลังมีความเกี่ยวข้องกับสุนทรียศาสตร์ของการตรัสรู้และตัวแทนของพวกเขา G. Servandoni, G. Dumont, P. Brunetti และที่สำคัญที่สุดคือ P. di G. Gonzaga ซึ่งเป็นมัณฑนากรที่โดดเด่นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และผู้เขียนบทความทางทฤษฎีหลายบทความที่เขียนขึ้นในช่วงหลายปีที่เขาทำงานในรัสเซีย ตามประสบการณ์ของ Bibbien ในหลาย ๆ ด้าน ศิลปินเหล่านี้ได้แนะนำ การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญประการแรกในลักษณะของภาพตกแต่ง: พวกเขาวาดภาพแม้ว่าจะเป็นแบบอุดมคติ (ในจิตวิญญาณของลัทธิคลาสสิก) แต่ถึงกระนั้นพวกเขาก็พยายาม (ในจิตวิญญาณของสุนทรียศาสตร์แห่งการตรัสรู้) ราวกับว่ามีแรงจูงใจที่แท้จริงเพื่อความสมจริงและความเป็นธรรมชาติ การวางแนวของศิลปินที่คาดหวังนี้ - โดยเฉพาะในผลงานของกอนซาโก - หลักการตกแต่งโรงละครโรแมนติกในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19

ตำแหน่งผู้นำด้านมัณฑนศิลป์ไม่ได้ถูกครอบครองอีกต่อไป ศิลปินชาวอิตาลีและชาวเยอรมันซึ่งมีผู้นำคือ K.F. Schinkel (หนึ่งในศิลปินหลักคนสุดท้ายในประเภทสากล: สถาปนิกที่โดดเด่น จิตรกรผู้มีทักษะ ประติมากร มัณฑนากร); ในประเทศอื่น ๆ ตัวแทนที่โดดเด่นของทิศทางนี้คือ: ในโปแลนด์ - J. Smuglevich ในสาธารณรัฐเช็กจากนั้นในเวียนนา - J. Plaizer ในอังกฤษ - F. de Lauterburg, D.I. Richards, ครอบครัว Grieve, D. Roberto, K. Stanfield; ในฝรั่งเศส - ช. ในรัสเซีย A. Roller นักเรียนและผู้ติดตามของเขาได้สัมผัสประสบการณ์ทิวทัศน์โรแมนติกของเยอรมัน หนึ่งในผู้ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ K. Waltz ผู้ซึ่งถูกเรียกว่า "นักมายากลและพ่อมดแห่งเวที"

ลักษณะเฉพาะประการแรกของการตกแต่งที่โรแมนติกคือความมีชีวิตชีวา (ในเรื่องนี้มันเป็นความต่อเนื่องของการตกแต่งสไตล์บาโรกของศตวรรษที่ 17 ในระยะใหม่) วัตถุประสงค์หลักประการหนึ่งของการดำเนินการบนเวทีคือสภาวะของธรรมชาติ ซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นหายนะ และเมื่อองค์ประกอบที่น่ากลัวเหล่านี้แสดง "บทบาท" บนเวทีของพวกเขา ทิวทัศน์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ ก็เปิดออกต่อหน้าผู้ชม ส่วนใหญ่มักจะเป็นตอนกลางคืน โดยมีดวงจันทร์โผล่ออกมาจากด้านหลังเมฆที่กระจัดกระจายจนน่าตกใจ หรือเป็นภูเขาหิน หรือแม่น้ำ ทะเลสาบ ทะเล ในเวลาเดียวกัน ธรรมชาติในการสำแดงทั้งหมดถูกรวบรวมโดยศิลปิน ไม่ใช่โดยการวาดภาพบนระนาบของฉากหลังของละคร แต่ด้วยความช่วยเหลือของเครื่องจักรบนเวที แสง การเคลื่อนไหว และเทคนิคอื่น ๆ มากมายเพื่อ "ฟื้นฟู" ทั้งสาม ปริมาตรมิติของพื้นที่เวทีและการเปลี่ยนแปลง นักตกแต่งสุดโรแมนติกได้เปลี่ยนเวทีให้กลายเป็นโลกที่เปิดกว้าง ไร้ข้อจำกัดใดๆ และสามารถรองรับความหลากหลายของสถานที่ที่เป็นไปได้ทั้งหมด ในเรื่องนี้เช็คสเปียร์เป็นแบบอย่างสำหรับพวกเขา พวกเขาพึ่งพาเขาในการต่อสู้กับหลักการคลาสสิกของความสามัคคีของสถานที่และเวลา

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ทิวทัศน์โรแมนติกมีวิวัฒนาการมาจากการจำลองฉากประวัติศาสตร์จริง ๆ ขึ้นมาใหม่ มีเพียงสีสันที่โรแมนติกและบทกวีทั่วไปเท่านั้น จากนั้น - ไปสู่สิ่งที่เรียกว่า "ธรรมชาตินิยมทางโบราณคดี" (ซึ่งรวบรวมเป็นครั้งแรกในการผลิตภาษาอังกฤษของยุค 50 โดย Charles Kean) จากนั้นในโรงละครรัสเซีย (ผลงานโดย M. Shishkov, M. Bocharov ส่วนหนึ่งโดย P. Isakov ภายใต้ การอุปถัมภ์ที่เชื่อถือได้ของ V. Stasov) และในที่สุดก็ถึงการสร้างองค์ประกอบภาพตกแต่งที่มีรายละเอียดบนเวที หัวข้อทางประวัติศาสตร์(ผลงานของโรงละคร Meiningen และการแสดงของ G. Ewing)

ขั้นตอนต่อไปในการพัฒนาศิลปะการตกแต่ง (ต่อจากขั้นตอนก่อนหน้าโดยตรง แต่ขึ้นอยู่กับหลักการด้านสุนทรียศาสตร์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง) คือลัทธิธรรมชาติ ต่างจากโรแมนติกที่ตามกฎแล้วหันไปสร้างภาพอดีตอันไกลโพ้นบนเวทีในการแสดงของโรงละครแนวธรรมชาติ (A. Antoine - ในฝรั่งเศส, O. Brahm - ในเยอรมนี, D. Grain - ในอังกฤษ และในที่สุด K. Stanislavsky และศิลปิน V.Simov - ในโปรดักชั่นแรกของ Moscow Art Theatre) ฉากก็เป็นความจริงสมัยใหม่ "การตัดออกจากชีวิต" เหมือนเดิมได้ถูกสร้างขึ้นใหม่บนเวทีเพื่อเป็นฉากที่แท้จริงสำหรับการดำรงอยู่ของฮีโร่ในละคร

ขั้นตอนต่อไปในทิศทางนี้เกิดขึ้นในการผลิตของ Moscow Art Theatre โดยเฉพาะอย่างยิ่งใน Chekhov's ซึ่ง Stanislavsky พยายาม "ฟื้นฟู" "การตัดชีวิต" แบบคงที่ทางจิตวิทยาให้คุณภาพของความแปรปรวนเมื่อเวลาผ่านไปขึ้นอยู่กับรัฐ ของธรรมชาติในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน และในเวลาเดียวกันกับประสบการณ์ของตัวละครภายใน โรงละครเริ่มมองหาวิธี (โดยหลักๆ ด้วยความช่วยเหลือของคะแนนแสง) เพื่อสร้าง "บรรยากาศ" ของเวทีและ "อารมณ์" ของเวที คุณสมบัติใหม่ในการออกแบบการแสดงที่สามารถอธิบายได้ว่าเป็นอิมเพรสชันนิสม์ อิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสต์ได้รับการแปลในรูปแบบที่แตกต่างออกไปในละครเพลง - ในฉากและเครื่องแต่งกายของ K. Korovin ซึ่งตามเขาพยายามสร้างบนเวที โรงละครบอลชอย“ดนตรีเพื่อดวงตา” ที่งดงาม ทำให้ผู้ชมดื่มด่ำกับองค์ประกอบแบบไดนามิกของสี ถ่ายทอดแสงแดด อากาศ “การหายใจด้วยสี” ของโลกโดยรอบ

ปลายศตวรรษที่ 19 – ต้นศตวรรษที่ 20 ช่วงเวลาในการพัฒนาศิลปะการตกแต่งของโรงละครโลกเมื่อปรมาจารย์ชาวรัสเซียเข้ามาเป็นผู้นำในนั้น มาถึงเวทีจากวิจิตรศิลป์พวกเขา - ครั้งแรกในมอสโกที่ Mamontov Opera (V. Vasnetsov, V. Polenov, M. Vrubel, ผู้เริ่มต้น Korovin และ A. Golovin) จากนั้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งโลกแห่ง สังคมศิลปะถูกสร้างขึ้น ( A. Benois, M. Dobuzhinsky, N. Roerich, L. Bakst ฯลฯ ) – ทำให้โรงละครเต็มไปด้วยความบันเทิงทางภาพสูงสุดและในทิศทางของพวกเขาพวกเขาเป็นนีโอโรแมนติกซึ่งสำหรับใคร ค่าหลักเป็นมรดกทางศิลปะของศตวรรษที่ผ่านมา ในเวลาเดียวกันปรมาจารย์ของแวดวง "โลกแห่งศิลปะ" เริ่มภารกิจอันงดงามที่เกี่ยวข้องกับการฟื้นฟู - บนพื้นฐานของพลาสติกสมัยใหม่และวัฒนธรรมการแสดงละคร (โดยเฉพาะรูปแบบสัญลักษณ์และอาร์ตนูโว) - วิธีการออกแบบการแสดงก่อนการตกแต่ง: ในด้านหนึ่ง การเล่นเกม ( ชุดบัลเล่ต์ L. Bakst “เต้นรำ” กับนักแสดง และในการทดลองอันน่าทึ่งของ Vs. Meyerhold – อุปกรณ์เสริมสำหรับเกมนี้ได้รับการตกแต่งโดย N. Sapunov, S. Sudeikin, K. Evseev, Y. Bondi ในทางกลับกัน ตัวละคร - พื้นฐาน (แผงที่งดงามโดย N. Sapunov และผ้าม่านโดย A. Golovin ในการผลิตของ Vs. Meyerhold เดียวกันซึ่งแสดงธีมของการแสดง)

ประสบการณ์ของ Malevich นี้กลายเป็นโครงการที่เผชิญกับอนาคต แนวคิดบนเวทีที่ประกาศในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ก็มีลักษณะการออกแบบเช่นกัน ชาวสวิส A. Appiah และชาวอังกฤษ G. Craig เพราะแม้ว่าทั้งคู่จะสามารถตระหนักถึงแนวคิดเหล่านี้ได้บางส่วนบนเวที แต่พวกเขาก็ได้รับการพัฒนาที่แท้จริงและหลากหลายแง่มุมในภารกิจการแสดงละครที่ตามมาของศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20 แก่นแท้ของการค้นพบของปรมาจารย์ผู้โดดเด่นเหล่านี้คือพวกเขาเปลี่ยนศิลปะการตกแต่งไปสู่การสร้างภาพของสภาพแวดล้อมเวทีทั่วไปในพื้นที่เวที สำหรับอัปเปียห์ นี่คือโลกที่อยู่ในระยะเทพนิยายที่เก่าแก่ที่สุดของการดำรงอยู่ เมื่อมันเพิ่งเริ่มโผล่ออกมาจากความสับสนวุ่นวายและได้รับรูปแบบทางสถาปัตยกรรมโค้งสากลที่กลมกลืนกัน ซึ่งสร้างขึ้นเพื่อเป็นแพลตฟอร์มที่ยิ่งใหญ่และแท่นสำหรับการเคลื่อนไหวเป็นจังหวะตามพวกเขา - ใน พื้นที่ส่องสว่างเปิด - ของตัวละครในละครเพลง R. Wagner ในทางตรงกันข้ามใน Craig สิ่งเหล่านี้เป็นก้อนก้อนใหญ่และขนานกันกำแพงทรงพลังหอคอยเสาเสาเสาที่ล้อมรอบร่างเล็ก ๆ ของชายคนหนึ่งต่อต้านและคุกคามเขาเพิ่มขึ้นจนเต็มความสูงของพื้นที่เวทีและสูงกว่านั้น นอกเหนือการมองเห็นของผู้ชม และถ้าอัปเปียห์สร้างสภาพแวดล้อมบนเวทีที่เปิดกว้างและเป็นยุคดึกดำบรรพ์ ในทางกลับกัน เครกก็สร้างสภาพแวดล้อมที่ปิดสนิทและสิ้นหวัง โดยที่เรื่องราวอันนองเลือดของโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์จะต้องถูกแสดงออกมา

ฉากที่มีประสิทธิภาพคือยุคปัจจุบัน

ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ทิวทัศน์ของโลกได้รับการพัฒนาภายใต้อิทธิพลอันแข็งแกร่งของขบวนการศิลปะแนวหน้าสมัยใหม่ (การแสดงออก, ลัทธิคิวโบฟิวเจอร์ริสม์, คอนสตรัคติวิสต์ ฯลฯ ) ซึ่งกระตุ้นการพัฒนารูปแบบล่าสุดในการสร้างสถานที่ปฏิบัติการเฉพาะและการฟื้นฟู (ตามหลัง Appia และ Craig) ของโบราณที่สุด ทั่วไป และในทางกลับกัน การเปิดใช้งานและแม้กระทั่งมาข้างหน้าของฟังก์ชันอื่น ๆ ของฉาก: การเล่นเกมและตัวละคร

ย้อนกลับไปในช่วงกลางทศวรรษ 1900 ศิลปิน N. Sapunov และ E. Munch แต่งบทละครโดย G. Ibsen สำหรับผลงานของ Vs. Meyerhold และ M. Reinhardt ( เฮ็ดด้า กาเบลอร์และ ผี) ทิวทัศน์แรก ซึ่งในขณะที่ยังคงเหลือภาพฉากแอ็คชั่นภายในไว้ ขณะเดียวกันก็กลายมาเป็นศูนย์รวม โลกทางอารมณ์ตัวละครหลักของละครเหล่านี้ จากนั้นการทดลองในทิศทางนี้ยังคงดำเนินต่อไปโดย N. Ulyanov และ V. Egorov ในการแสดงสัญลักษณ์ของ K. Stanislavsky ( ดราม่าแห่งชีวิตและ ชีวิตมนุษย์- จุดสุดยอดของการค้นหานี้คือการตกแต่งละครเวทีของ M. Dobuzhinsky นิโคไล สตาโวรจินที่โรงละครศิลปะมอสโกซึ่งถือเป็นลางสังหรณ์ของการตกแต่งทางจิตวิทยาซึ่งในทางกลับกันดูดซับประสบการณ์ศิลปะการตกแต่งของโรงละครศิลปะการแสดงออกในระดับสูง สาระสำคัญของทิศทางนี้คือห้อง ถนน เมือง ทิวทัศน์ที่ปรากฎบนเวทีปรากฏเป็นการผ่อนชำระอย่างชัดแจ้ง มักจะลดลงเป็นสัญลักษณ์เชิงสัญลักษณ์ โดยอยู่ภายใต้การบิดเบือนรูปลักษณ์ที่แท้จริงทุกรูปแบบ และการบิดเบือนเหล่านี้ถ่ายทอดสภาพจิตใจของฮีโร่ ส่วนใหญ่มักจะเป็นละครมากเกินไปจนเกือบจะเป็นเรื่องพิลึกพิลั่นที่น่าเศร้า คนแรกที่สร้างการตกแต่งดังกล่าวคือศิลปินชาวเยอรมัน (L. Siewert, Z. Klein, F. Scheffler, E. Barlach) จากนั้นพวกเขาก็ตามมาด้วยนักออกแบบฉากจากสาธารณรัฐเช็ก (W. Hoffmann), โปแลนด์ (V. Drabik) , สแกนดิเนเวีย และโดยเฉพาะรัสเซีย ที่นี่มีการทดลองประเภทนี้จำนวนหนึ่งเกิดขึ้นในปี 1910 โดย Yu. Annenkov และในปี ค.ศ. 1920 โดยศิลปินของโรงละครชาวยิว (M. Chagall, N. Altman, I. Rabinovich, R. Falk) และใน Petrograd-Leningrad - M. Levin และ V. Dmitriev ซึ่งในช่วงทศวรรษที่ 1930-1940 ได้กลายเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการตกแต่งทางจิตวิทยาชั้นนำ ( แอนนา คาร์เอนินา, พี่สาวสามคน, เหยื่อรายสุดท้ายที่โรงละครศิลปะมอสโก)

ในเวลาเดียวกัน มัณฑนศิลป์ยังเชี่ยวชาญประเภทของสถานที่เฉพาะอีกด้วย ประการแรกคือ “สภาพแวดล้อม” (พื้นที่ส่วนกลางสำหรับทั้งนักแสดงและผู้ชม ไม่ถูกแยกจากกันด้วยทางลาดใดๆ บางครั้งก็เป็นพื้นที่จริงโดยสิ้นเชิง เช่น พื้นโรงงานใน หน้ากากป้องกันแก๊สพิษที่ S. Eisenstein หรือจัดโดยงานศิลปะของศิลปิน A. Roller - สำหรับผลงานของ M. Reinhardt ในละครสัตว์เบอร์ลิน, London Olympic Hall, ในโบสถ์ Salzburg ฯลฯ และโดย J. Stoffer และ B. Knoblock - สำหรับ การแสดงโดย N. Okhlopkova ที่ Moscow Reality Theatre); ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 การออกแบบพื้นที่แสดงละครในฐานะ "สิ่งแวดล้อม" กลายเป็นหลักการสำคัญของการทำงานของสถาปนิก E. Guravsky ใน "โรงละครที่ไม่ดี" ของ E. Grotovsky จากนั้นในตัวเลือกที่หลากหลาย (รวมถึงธรรมชาติ, ธรรมชาติ, ถนน, โรงงานอุตสาหกรรม - โรงงาน สถานีรถไฟ และอื่นๆ) มีการใช้อย่างแพร่หลายในทุกประเทศ ประการที่สอง มีการจัดวางเพียงชิ้นเดียวที่สร้างขึ้นบนเวที โดยพรรณนาถึง "บ้านที่อยู่อาศัย" ของฮีโร่ในละครพร้อมห้องต่างๆ ซึ่งจัดแสดงพร้อมกัน (ซึ่งชวนให้นึกถึงการตกแต่งพร้อมกันของความลึกลับในจัตุรัสยุคกลาง) ประการที่สาม ในทางกลับกันภาพวาดตกแต่งจะแทนที่กันแบบไดนามิกด้วยความช่วยเหลือของการหมุนของวงกลมเวทีหรือการเคลื่อนไหวของแพลตฟอร์มรถบรรทุก ในที่สุดตลอดเกือบตลอดศตวรรษที่ 20 โลกแห่งประเพณีศิลปะที่มีสไตล์และการมองย้อนกลับไปยังคงใช้งานได้และมีผลอย่างมาก - การพักผ่อนหย่อนใจบนเวทีของสภาพแวดล้อมทางวัฒนธรรมของยุคประวัติศาสตร์ที่ผ่านมาและ วัฒนธรรมทางศิลปะ- เป็นที่อยู่อาศัยเฉพาะและแท้จริงของฮีโร่ในละครโดยเฉพาะ (ศิลปินอาวุโสของโลกยังคงทำงานด้วยจิตวิญญาณนี้ - นอกรัสเซียแล้วและในมอสโกวและเลนินกราด - ปรมาจารย์ที่แตกต่างกันเช่น F. Fedorovsky, P. Williams, V. Khodasevich ฯลฯ ในบรรดาศิลปินต่างประเทศ English H. Stevenson ติดตามสิ่งนี้ ทิศทาง , R. Whistler, J. Boyce, S. Messel, Motley, J. Piper; Poles V. Dashevsky, T. Roszkowska, J. Kosinsky, O. Akser, K. Frych;

ในกระบวนการฟื้นฟูสถานที่ปฏิบัติงานทั่วไปที่เก่าแก่ที่สุดตามโครงการของ Appia การสนับสนุนที่สำคัญที่สุดเกิดขึ้นโดยศิลปินแห่งมอสโก โรงละครแชมเบอร์: A. Exter, A. Vesnin, G. Yakulov, พี่น้อง V. และ G. Stenberg, V. Ryndin พวกเขารวบรวมแนวคิดของ A. Tairov ไว้ องค์ประกอบหลักการออกแบบ - ความเป็นพลาสติกของพื้นที่เวทีซึ่งตามที่ผู้กำกับกล่าวไว้คือ "คีย์บอร์ดที่ยืดหยุ่นและเชื่อฟังด้วยความช่วยเหลือซึ่งเขา (นักแสดง - V.B. ) สามารถเปิดเผยเจตจำนงที่สร้างสรรค์ของเขาได้อย่างเต็มที่ที่สุด" การแสดงของโรงละครแห่งนี้นำเสนอภาพทั่วไปที่รวบรวมแก่นสารของ ยุคประวัติศาสตร์และรูปแบบทางศิลปะของเธอ: สมัยโบราณ ( ฟามิรา คิฟาเรดและ เฟดรา) และแคว้นยูเดียโบราณ ( ซาโลเม), ยุคกลางกอธิค ( การประกาศและ ศักดิ์สิทธิ์ฉันเปียโน) และพิสดารอิตาลี ( เจ้าหญิงบรามบิลลา) รัสเซียในศตวรรษที่ 19 - พายุ) และวิถีชีวิตสมัยใหม่ ( มนุษย์, ซึ่งเป็นวันพฤหัสบดี- ศิลปินคนอื่น ๆ ของโรงละครรัสเซียเดินตามทิศทางเดียวกันนี้ในช่วงปี ค.ศ. 1920 (K. Malevich, A. Lavinsky และ V. Khrakovsky, N. Altman - เมื่อพวกเขาสร้าง "ทั้งจักรวาล" บนเวที ทั้งโลกเป็นฉากแอ็คชั่น Mystery-Buffหรือ I. Rabinovich เมื่อเขาแต่งเพลง "all of Hellas" ในการผลิต ลีซิสตราตา) ตลอดจนศิลปินในประเทศอื่นๆ ในยุโรป ( นักแสดงออกชาวเยอรมัน E. Pirhan ในการแสดงที่กำกับโดย L. Jessner หรือ H. Hecroth ในชุดผลงานโอเปร่าของ G. Handel ในปี 1920) และในอเมริกา (โครงการที่มีชื่อเสียงของสถาปนิก N. Bel-Geddes สำหรับเวอร์ชันละครเวที ดีไวน์คอมเมดี้).

ความคิดริเริ่มในกระบวนการเปิดใช้งานการเล่นและฟังก์ชั่นตัวละครยังเป็นของศิลปินของโรงละครรัสเซีย (ในปี ค.ศ. 1920 เช่นเดียวกับในปี 1910 พวกเขายังคงครองตำแหน่งผู้นำในด้านฉากโลก) การแสดงทั้งชุดถูกสร้างขึ้นโดยใช้หลักการคิดใหม่ของการออกแบบเกมตลก dell'arte และวัฒนธรรมงานรื่นเริงของอิตาลี (I. Nivinsky ใน เจ้าหญิงทูรานดอท, ก. ยาคูลอฟ ถึงเจ้าหญิงบรามบิลลา, วี. มิทรีเยฟ ปุลซิเนลลา) การแสดงพื้นบ้านของชาวยิว ปุริมสปีล(I. Rabinovich ใน แม่มด), ภาพพิมพ์ยอดนิยมของรัสเซีย (B. Kustodiev in ถนัดซ้าย, วี. มิทรีเยฟ นิทานเกี่ยวกับสุนัขจิ้งจอก ไก่ แมว และแกะผู้) ในที่สุดการแสดงละครสัตว์ซึ่งเป็นประเพณีการแสดงละครที่เก่าแก่และมั่นคงที่สุด (Yu. Annenkov ใน เครื่องกลั่นเครื่องแรก, V. Khodasevich ในละครสัตว์ตลกที่จัดแสดงโดย S. Radlov, G. Kozintsev ใน การแต่งงานเอส. ไอเซนสไตน์เข้า ปราชญ์- ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ซีรีส์นี้ยังคงดำเนินต่อไปโดยผลงานของ A. Tyshler ที่โรงละครยิปซี "Romen" และในทางกลับกันโปรดักชั่นโดย N. Okhlopkov ออกแบบโดย B. G. Knoblok, V. Gitsevich, V. Koretsky และเหนือสิ่งอื่นใด , พวกขุนนาง. ภาพที่เห็นการแสดงทั้งหมดนี้สร้างขึ้นจากการแสดงที่หลากหลายของนักแสดงด้วยเครื่องแต่งกาย อุปกรณ์ตกแต่ง และพื้นที่เวที ซึ่งออกแบบโดยศิลปินหลากหลายสไตล์ ตั้งแต่ศิลปะระดับโลกไปจนถึงคิวโบฟิวเจอร์ส คอนสตรัคติวิสต์ทางละครก็ปรากฏว่าเป็นหนึ่งในรูปแบบหนึ่งของฉากประเภทนี้ในงานแรกและงานหลักของเขา - การผลิต สามีซึ่งภรรยามีชู้ใจกว้างเทียบกับ Meyerhold และ L. Popova ซึ่งการติดตั้งคอนสตรัคติวิสต์เดี่ยวกลายเป็น "เครื่องมือสำหรับการเล่น" ในเวลาเดียวกัน ในการแสดงนี้ (เช่นเดียวกับผลงานอื่นๆ ของเมเยอร์โฮลด์) ก็มีฉากการเล่นที่ได้รับ คุณภาพทันสมัยฉากการทำงาน แต่ละองค์ประกอบจะถูกกำหนดโดยความจำเป็นอันสมควรสำหรับการแสดงบนเวที ได้รับการพัฒนาและคิดใหม่ในโรงละครการเมืองเยอรมันของ E. Piscator แล้วใน โรงละครมหากาพย์ในที่สุด B. Brecht ใน Czech Theatregraph - โรงละครแสงของ E. Burian - M. Kourzhil หลักการของการจัดฉากเชิงหน้าที่กลายเป็นหนึ่งในหลักการสำคัญของผลงานของศิลปินในโรงละครในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเริ่มเป็นที่เข้าใจในวงกว้างและในแง่หนึ่งในระดับสากล: การออกแบบการแสดงบนเวทีอย่างเท่าเทียมกันในทั้งสามวิธีที่มีอยู่ใน "รหัสพันธุกรรม" - การเล่นเกม ตัวละคร และการจัดระเบียบของสภาพแวดล้อมบนเวที มีระบบใหม่เกิดขึ้นแล้ว - ฉากที่มีประสิทธิภาพซึ่งรับหน้าที่ของระบบทั้งในอดีตที่ผ่านมา (เกมและการตกแต่ง)

ท่ามกลางการทดลองที่หลากหลายในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 (นักวิจัยชาวฝรั่งเศส D. Bablé บรรยายกระบวนการนี้ว่าเป็นภาพลานตา) ซึ่งจัดขึ้นในโรงภาพยนตร์ในประเทศต่างๆ ที่ใช้และ การค้นพบใหม่ล่าสุดคลื่นหลังสงครามของพลาสติกแนวหน้า และความก้าวหน้าทางวิศวกรรมและเทคโนโลยีทุกประเภท (โดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านแสงบนเวทีและจลนศาสตร์) สามารถระบุแนวโน้มที่สำคัญที่สุดสองประการได้ ประการแรกโดดเด่นด้วยความเชี่ยวชาญของระดับที่มีความหมายใหม่ด้วยฉากเมื่อภาพที่ศิลปินสร้างขึ้นเริ่มรวบรวมธีมหลักและแรงจูงใจของการเล่นไว้ในการแสดงอย่างเห็นได้ชัด: สถานการณ์พื้นฐาน ความขัดแย้งอันน่าทึ่ง, กองกำลังที่ต่อต้านฮีโร่, โลกแห่งจิตวิญญาณภายในของเขา ฯลฯ ด้วยความสามารถใหม่นี้ การจัดฉากกลายเป็นสิ่งที่สำคัญที่สุดและบางครั้งก็เป็นตัวกำหนดลักษณะการแสดง นี่เป็นกรณีของการแสดงหลายครั้งโดย D. Borovsky, D. Leader, E. Kochergin, S. Barkhin, I. Blumbergs, A. Freibergs, G. Guniya และศิลปินคนอื่น ๆ ของโรงละครโซเวียตในช่วงปลายทศวรรษ 1960 - ครึ่งแรกของปี 1970 ซึ่งเป็นช่วงที่เทรนด์นี้มาถึงจุดสูงสุด จากนั้นกระแสที่มีลักษณะตรงกันข้ามก็มาถึงเบื้องหน้าซึ่งแสดงออกมาในผลงานของปรมาจารย์ซึ่งส่วนใหญ่เป็นโรงละครตะวันตกและเป็นผู้นำในโรงละครในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 และต้นศตวรรษที่ 21 ทิศทางที่เกิดจากเทรนด์นี้ (ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดคือ J. Svoboda, V. Minks, A. Mantei, E. Vonder, J. Bari, R. Koltai) สามารถกำหนดได้ด้วยวลี การออกแบบเวทีโดยคำนึงว่าวลีเดียวกันในวรรณคดีภาษาอังกฤษโดยทั่วไปจะกำหนดการออกแบบการแสดงทุกประเภท - การตกแต่ง เกม และตัวละคร) ภารกิจหลักของศิลปินที่นี่คือการออกแบบพื้นที่สำหรับการแสดงบนเวที และจัดหาวัสดุ วัสดุ และแสงสำหรับทุกช่วงเวลาของการแสดงนี้ ในเวลาเดียวกัน ในสถานะเริ่มแรก พื้นที่มักจะดูเป็นกลางโดยสมบูรณ์เมื่อเทียบกับบทละครและสไตล์ของผู้แต่ง และไม่มีสัญญาณที่แท้จริงของเวลาและสถานที่ของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในนั้น ความเป็นจริงทั้งหมดของการแสดงบนเวที สถานที่และเวลา ปรากฏต่อหน้าผู้ชมเฉพาะในระหว่างการแสดงเท่านั้น เมื่อภาพทางศิลปะเกิดขึ้น ราวกับมาจาก "ความว่างเปล่า"

หากเราพยายามนำเสนอภาพทิวทัศน์ของโลกสมัยใหม่อย่างครบถ้วน มันไม่เพียงประกอบด้วยสองเทรนด์นี้เท่านั้น แต่ยังประกอบด้วยโซลูชันทางศิลปะส่วนบุคคลที่มีความหลากหลายที่ไม่อาจเข้าใจได้หลากหลายที่สุด ปรมาจารย์แต่ละคนทำงานในแบบของตัวเองและสร้างการออกแบบการแสดงบนเวทีที่แตกต่างกันมาก - ขึ้นอยู่กับลักษณะของละครหรือ ชิ้นส่วนของเพลงและจากการอ่านของผู้กำกับก็คือ พื้นฐานระเบียบวิธีระบบฉากที่มีประสิทธิภาพ

วิคเตอร์ เบเรซคิน

วรรณกรรม:

พอล. Die Theater decoration des Klassizismus- เบอร์ลิน 2468
พอล. Die TheatreDecoration des Barock- เบอร์ลิน 2468
มาเรียนี่ วาเลริโอ. สตอเรีย เดลลา ซีโนกราเฟีย อิตาเลียนาฟิเรนเซ, 1930
ริชชี่ คอร์ราโด้. ลาเซโนกราเฟีย อิตาเลียนา- มิลาโน, 1939
จานอส. การออกแบบเวทีสไตล์บาโรกและโรแมนติก- นิวยอร์ก ปี 1950
เอฟ.ยา.ซีร์คินา. ศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งของรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19- ม., 1956
เดนิส. ร้านอาหารทั่วไป du decou de theatre de 1870 ถึง 1914- ปารีส 1963
ซีโนเบียส Kierunki scenografii สโปเลเซซเนจ- วอร์ซอ, 1970
ม. Zaklady teoreticke scenografie.1.dil.Uvodni uvahy- พราฮา, 1970
เอ็ม.เอ็น. โปชาร์สกายา ศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งของรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ถึงต้นศตวรรษที่ 20- ม., 1970
ส. ประวัติโดยย่อของการออกแบบฉากในบริเตนใหญ่- อ็อกซ์ฟอร์ด, 1973
เอ็ม.วี. ดาวิโดวา. บทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ศิลปะการแสดงละครและมัณฑนศิลป์ของรัสเซียในช่วงศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 20- ม., 1974
เดนิส. Les Revolutions Scenques du XX siècle- ปารีส, 1975
เอฟ.ยา.ซีร์คินา, อี.เอ็ม.โคสตินา ศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งของรัสเซีย- ม., 1978
ปตั๊กโควา เวร่า. Ceska scenografie XX stoleti- พราฮา, 1982
สเตรเซเลคกี ซีโนเบียส Wspolczesna ฉากโนกราฟีโปลสกาวอร์ซอ, 1983
อาร์.ไอ.วลาโซวา ศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งของรัสเซียในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 มรดกของปรมาจารย์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กล., 1984
Die Maler und das Theatre ใน 20. Jahrhundert- แฟรงก์เฟิร์ต, 1986
เบเรซคิน วี.ไอ. ศิลปะการจัดฉากของโรงละครโลก ตั้งแต่ต้นกำเนิดจนถึงกลางศตวรรษที่ยี่สิบ- ม., 1997
เบเรซคิน วี.ไอ. ศิลปะการจัดฉากของโรงละครโลก ครึ่งหลังของศตวรรษที่ยี่สิบ- ม., 2544
เบเรซคิน วี.ไอ. ศิลปะการจัดฉากของโรงละครโลก ปริญญาโท- ม., 2545

เนื้อหาของบทความ

ฉากความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะประเภทหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับการออกแบบการแสดงและการสร้างภาพและภาพลักษณ์พลาสติกที่มีอยู่ในเวลาและพื้นที่บนเวที ในการแสดง ศิลปะการจัดฉากประกอบด้วยทุกสิ่งที่อยู่รอบตัวนักแสดง (ทิวทัศน์) ทุกอย่างที่เขาเกี่ยวข้อง - บทละคร การแสดง (คุณลักษณะทางวัตถุ) และทุกสิ่งที่อยู่บนร่างของเขา (เครื่องแต่งกาย การแต่งหน้า หน้ากาก องค์ประกอบอื่น ๆ ของการเปลี่ยนแปลงรูปลักษณ์ของเขา ). ในขณะเดียวกัน สามารถใช้เป็นวิธีแสดงออกได้ ประการแรก สิ่งที่ถูกสร้างขึ้นโดยธรรมชาติ ประการที่สอง วัตถุและพื้นผิวในชีวิตประจำวันหรือการผลิต และประการที่สาม สิ่งที่ถือกำเนิดขึ้นจากกิจกรรมสร้างสรรค์ของศิลปิน (จาก หน้ากาก เครื่องแต่งกาย อุปกรณ์ประกอบฉากในการวาดภาพ กราฟิก พื้นที่เวที แสง ไดนามิก ฯลฯ)

ยุคก่อนประวัติศาสตร์ – ยุคก่อนประวัติศาสตร์.

ต้นกำเนิดของฉากอยู่ใน ก่อนฉากการกระทำของพิธีกรรมและพิธีกรรมก่อนการแสดง (ทั้งโบราณ ยุคก่อนประวัติศาสตร์ และคติชน ที่อนุรักษ์ไว้ในรูปแบบที่หลงเหลือมาจนถึงทุกวันนี้) "รหัสพันธุกรรม" ปรากฏขึ้นแล้วในช่วงก่อนการถ่ายภาพ การนำไปใช้ในภายหลังซึ่งกำหนดขั้นตอนหลักของการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ของศิลปะการถ่ายภาพตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบัน “รหัสพันธุกรรม” นี้ประกอบด้วยฟังก์ชันหลักทั้งสามประการที่ฉากสามารถทำได้ในการแสดง ได้แก่ ตัวละคร บทละคร และการกำหนดตำแหน่งของแอ็คชั่น ตัวละคร - เกี่ยวข้องกับการรวมฉากในฉากแอ็คชั่นในฐานะวัสดุ วัสดุ พลาสติก ภาพหรือตัวละครอื่น ๆ (โดยผ่านรูปลักษณ์) ที่มีนัยสำคัญอย่างอิสระ - เป็นหุ้นส่วนที่เท่าเทียมกันของนักแสดง และมักจะเป็นตัวละครหลัก ฟังก์ชั่นการแสดงแสดงออกผ่านการมีส่วนร่วมโดยตรงของฉากและองค์ประกอบแต่ละอย่าง (เครื่องแต่งกาย การแต่งหน้า หน้ากาก อุปกรณ์ตกแต่ง) ในการเปลี่ยนแปลงรูปลักษณ์ของนักแสดงและการแสดงของเขา หน้าที่ในการกำหนดฉากคือการจัดสภาพแวดล้อมที่เกิดเหตุการณ์ในละคร

ฟังก์ชั่นตัวละครมีความโดดเด่นในขั้นตอนก่อนฉาก ที่ศูนย์กลางของพิธีกรรมพิธีกรรมมีวัตถุที่รวบรวมรูปเทพหรือพลังที่สูงกว่า: ร่างต่าง ๆ (รวมถึงประติมากรรมโบราณ) ไอดอลทุกประเภทโทเท็มสัตว์ยัดไส้ (Maslenitsa, Carnival ฯลฯ ) ต่างๆ ประเภทของภาพ (รวมถึงภาพวาดฝาผนังแบบเดียวกันในถ้ำโบราณ) ต้นไม้และพืชอื่น ๆ (จนถึงต้นไม้ปีใหม่สมัยใหม่) กองไฟและไฟประเภทอื่น ๆ ที่เป็นศูนย์รวมของภาพดวงอาทิตย์

ในเวลาเดียวกัน การเตรียมฉากยังทำหน้าที่อื่นอีกสองอย่าง: การจัดฉากและการเล่นเกม สถานที่ประกอบพิธีกรรมและการแสดงมี 3 ประเภท ประเภทแรก (ฉากแอ็คชั่นทั่วไป) เป็นฉากที่เก่าแก่ที่สุด เกิดจากจิตสำนึกในตำนานและมีความหมายเชิงความหมายของจักรวาล (สี่เหลี่ยมจัตุรัส - สัญลักษณ์ของโลก วงกลม - ดวงอาทิตย์ ตัวเลือกต่าง ๆ สำหรับแบบจำลองแนวตั้งของจักรวาล: ต้นไม้โลก ภูเขา เสา บันได เรือพิธีกรรม เรือ ในที่สุดวิหารก็เป็นภาพสถาปัตยกรรมของจักรวาล) ประเภทที่สอง (สถานที่ดำเนินการเฉพาะ) คือสภาพแวดล้อมที่อยู่รอบชีวิตของบุคคล: ธรรมชาติ อุตสาหกรรม ทุกวัน: ป่าไม้ พื้นที่โล่ง เนินเขา ภูเขา ถนน ลานชาวนา ตัวบ้านและการตกแต่งภายใน - ห้องสว่าง และประเภทที่สาม (ก่อนแสดงบนเวที) คือการสะกดจิตของอีกสองประเภท พื้นที่ใดๆ ที่แยกออกจากผู้ชมและกลายเป็นสถานที่สำหรับเล่น อาจกลายเป็นเวทีได้

ฉากของเกม – สมัยโบราณ ยุคกลาง

นับจากนี้เป็นต้นไป โรงละครเองก็เริ่มต้นขึ้นในฐานะความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะประเภทอิสระและเริ่มต้นขึ้น ฉากเกมซึ่งเป็นระบบการออกแบบระบบแรกในประวัติศาสตร์สำหรับการแสดงของเขา ในเวลาเดียวกัน ในรูปแบบการแสดงละครที่เก่าแก่ที่สุด โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสมัยโบราณและตะวันออก (ซึ่งยังคงใกล้เคียงที่สุดกับการแสดงละครก่อนพิธีกรรม) ตัวละครฉากยังคงครองตำแหน่งที่สำคัญในด้านหนึ่งและในด้าน ฉากแอ็คชั่นทั่วไปอื่นๆ ที่เป็นภาพของจักรวาล (เช่น วงออเคสตราและฉากในโศกนาฏกรรมของกรีกโบราณ) ส่วนแบ่งการแสดงฉากละครที่เพิ่มขึ้นเกิดขึ้นจากการเคลื่อนไหวทางประวัติศาสตร์ของละครตั้งแต่เทพนิยายไปจนถึงฆราวาส จุดสูงสุดของการเคลื่อนไหวนี้คือละครตลกอิตาลี dell'arte และโรงละครเช็คสเปียร์ที่เกิดจากยุคเรอเนซองส์ ที่นี่คือระบบการออกแบบการแสดงซึ่งมีพื้นฐานมาจากการเล่น แอ็คชั่น ของนักแสดงที่มีองค์ประกอบของฉาก จนถึงจุดสุดยอด หลังจากนั้นเป็นเวลาหลายศตวรรษ (จนถึงศตวรรษที่ 20 รวมอยู่ด้วย) ก็ถูกแทนที่ด้วยระบบการออกแบบอื่น - ศิลปะการตกแต่งหน้าที่หลักคือการสร้างภาพสถานที่ท่องเที่ยว

มัณฑนศิลป์ – ยุคเรอเนซองส์และสมัยใหม่

ศิลปะการตกแต่ง(ซึ่งมีองค์ประกอบอยู่ก่อนหน้านี้เช่นในโรงละครโบราณและในยุคกลางของยุโรป - พร้อมกัน (แสดงสถานที่ดำเนินการต่าง ๆ พร้อมกัน: จากสวรรค์สู่นรกซึ่งตั้งอยู่บนเวทีเป็นเส้นตรงด้านหน้า) การตกแต่งความลึกลับของจัตุรัส) เช่น ระบบพิเศษสำหรับการออกแบบการแสดงถือกำเนิดขึ้นในโรงละครศาลของอิตาลีในช่วงปลายศตวรรษที่ 15-16 ในรูปแบบของสิ่งที่เรียกว่า มุมมองการตกแต่งที่บรรยาย (คล้ายกับภาพวาดของจิตรกรยุคเรอเนซองส์) โลกรอบตัวบุคคล: จัตุรัสและเมืองของเมืองในอุดมคติหรือภูมิทัศน์ชนบทในอุดมคติ ผู้เขียนหนึ่งในมุมมองการตกแต่งแรกๆ คือ D. Bramante สถาปนิกผู้ยิ่งใหญ่ ศิลปินที่สร้างสิ่งเหล่านี้คือปรมาจารย์สากล (สถาปนิก จิตรกร และประติมากรในเวลาเดียวกัน) - B. Peruzzi, Bastiano de Sangallo, B. Lanci และสุดท้าย S. Serlio ซึ่งอยู่ในตำรา เกี่ยวกับเวทีกำหนดทิวทัศน์เปอร์สเปคทีฟที่เป็นที่ยอมรับสามประเภท (สำหรับโศกนาฏกรรม ตลก และอภิบาล) และหลักการสำคัญของการจัดเรียงที่เกี่ยวข้องกับนักแสดง: นักแสดงในเบื้องหน้า วาดภาพทิวทัศน์ในพื้นหลัง เป็นพื้นหลังภาพ ศูนย์รวมที่สมบูรณ์แบบของระบบการตกแต่งแบบอิตาลีนี้คือผลงานชิ้นเอกทางสถาปัตยกรรมของ A. Palladio - โรงละคร Olimpico ใน Vincenzo (1580–1585)

ศตวรรษต่อ ๆ มาของวิวัฒนาการของศิลปะการตกแต่งมีความสัมพันธ์กันอย่างใกล้ชิดในด้านหนึ่งกับการพัฒนารูปแบบศิลปะหลักของวัฒนธรรมโลกและอีกด้านหนึ่งกับกระบวนการพัฒนาและอุปกรณ์ทางเทคนิคภายในโรงละครของพื้นที่เวที .

ดังนั้นสไตล์บาโรกจึงกลายเป็นส่วนสำคัญในศิลปะการตกแต่งของศตวรรษที่ 17 ตอนนี้มันกลายเป็นสภาพแวดล้อมที่ล้อมรอบพวกเขาทุกด้าน และถูกสร้างขึ้นในพื้นที่กล่องเวทีทั้งหมด ในขณะเดียวกัน ประเภทของสถานที่ตั้งก็มีการขยายตัวอย่างมาก การกระทำถูกถ่ายโอนไปยังอาณาจักรใต้น้ำและทรงกลมบนท้องฟ้า ภาพวาดตกแต่งแสดงถึงความคิดแบบบาโรกเกี่ยวกับความไม่มีที่สิ้นสุดและความไร้ขอบเขตของโลกซึ่งมนุษย์ไม่สามารถวัดทุกสิ่งได้อีกต่อไป (เช่นเดียวกับในยุคเรอเนซองส์) แต่เป็นเพียงอนุภาคเล็ก ๆ ของโลกนี้ คุณลักษณะอีกประการหนึ่งของทิวทัศน์สมัยศตวรรษที่ 17 – พลวัตและความแปรปรวน: บนเวที (และบน “โลก” และใต้น้ำ “น้ำ” และใน “สวรรค์”) การเปลี่ยนแปลง เหตุการณ์ และการเปลี่ยนแปลงในตำนานที่น่าอัศจรรย์ที่สุดมากมายเกิดขึ้น ในทางเทคนิคแล้ว การเปลี่ยนแปลงทันทีจากภาพหนึ่งไปยังอีกภาพหนึ่งนั้นเกิดขึ้นครั้งแรกด้วยความช่วยเหลือของเทลาริอิ (ปริซึมหมุนแบบสามเหลี่ยม) จากนั้นจึงคิดค้นกลไกหลังเวทีและระบบทั้งหมดของเครื่องจักรในการแสดงละคร ปรมาจารย์ด้านการตกแต่งสไตล์บาโรกชั้นนำของศตวรรษที่ 17 – B. Buontalenti, G. และ A. Parigi, L. Furtenbach, I. Jones, L. Burnacini, G. Mauro, F. Santurini, C. Lotti และสุดท้าย G. Torelli ผู้ซึ่งนำระบบการออกแบบประสิทธิภาพของอิตาลีนี้ไปใช้ ในปารีสซึ่งในขณะเดียวกันก็มีรูปแบบการตกแต่งอีกอย่างหนึ่งเกิดขึ้นนั่นคือความคลาสสิก

หลักคำสอนของเขาใกล้เคียงกับหลักการของมุมมองของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: ทิวทัศน์กลายเป็นพื้นหลังสำหรับนักแสดงอีกครั้ง ตามกฎแล้วเธอเป็นหนึ่งเดียวกันและไม่สามารถถูกแทนที่ได้ แทนที่จะเป็นการตกแต่งสไตล์บาโรกแนวตั้งที่มุ่งสู่ท้องฟ้า - เป็นแนวนอนอีกครั้ง ความคิดเรื่องอนันต์ของโลกถูกต่อต้านโดยแนวคิดของโลกปิดซึ่งจัดระเบียบอย่างมีเหตุผลตามกฎแห่งเหตุผลมีความกลมกลืนกันอย่างกลมกลืนสมมาตรอย่างเคร่งครัดสมส่วนกับมนุษย์ ดังนั้นจำนวนสถานที่ดำเนินการจึงลดลง (เทียบกับบาร็อค) อีกครั้ง (เช่น Serlio) มีเนื้อเรื่องหลักสามเรื่องซึ่งตอนนี้ได้รับตัวละครที่แตกต่างออกไปเล็กน้อย - มีการตกแต่งภายในมากขึ้นเรื่อย ๆ

เนื่องจากผู้เขียนทิวทัศน์แบบคลาสสิกมักเป็นผู้เชี่ยวชาญคนเดียวกัน (Torelli, J. Buffequin, C. Vigarani, G. Beren) ซึ่งในขณะเดียวกันในการแสดงอื่น ๆ ก็เป็นผู้เขียนทิวทัศน์แบบบาโรกจึงมีการแทรกซึมตามธรรมชาติ ของทั้งสองสไตล์นี้ทำให้เกิดรูปแบบใหม่: บาโรกคลาสสิกซึ่งต่อมาในต้นศตวรรษที่ 18 ย้ายเข้าสู่ยุคบาโรกคลาสสิก

บนพื้นฐานนี้ ศิลปะการตกแต่งสไตล์บาโรกแห่งศตวรรษที่ 18 ได้รับการพัฒนาขึ้น ซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดตลอดทั้งศตวรรษโดยปรมาจารย์ชาวอิตาลีที่โดดเด่นจากตระกูล Galli Bibbiena เฟอร์ดินันโด หัวหน้าครอบครัว ได้สร้างภาพบนเวทีของ "สถาปัตยกรรมทางจิตวิญญาณ" (การแสดงออกของ A. Benois) ซึ่งเป็นผลงานประพันธ์สไตล์บาโรกอันน่าอัศจรรย์ที่เขานำไปใช้ (ไม่เหมือนกับศิลปินละครบาโรกในศตวรรษก่อน) บนเครื่องบิน ของฉากหลัง ปีก หรือม่านที่ทาสีแล้ว ฟรานเชสโก น้องชายของเฟอร์ดินันโด ลูกชายของเขา อเลสซานโดร อันโตนิโอ และโดยเฉพาะอย่างยิ่งจูเซปเป้ (ผู้บรรลุถึงจุดสูงสุดที่แท้จริงของความมีคุณธรรมและอำนาจในการประพันธ์เพลง "บาโรกที่มีชัยชนะ") และในที่สุด คาร์โล หลานชายของเขาก็ทำงานในจิตวิญญาณเดียวกัน ตัวแทนคนอื่น ๆ ของทิศทางศิลปะการตกแต่งนี้คือ F. Juvarra, P. Righini และ G. Valeriani ซึ่งนำสไตล์ "บาโรกแห่งชัยชนะ" มาสู่ฉากศาลรัสเซียซึ่งเป็นเวลาสองทศวรรษ (ยุค 40 และ 50 ของศตวรรษที่ 18) ผลงานการตกแต่งละครโอเปร่าของอิตาลี

ขนานไปกับการตกแต่งสไตล์บาโรกในศิลปะการแสดงบนเวทีแห่งศตวรรษที่ 18 มีแนวโน้มโวหารอื่น ๆ ในด้านหนึ่งมาจากสไตล์โรโคโคในอีกด้านหนึ่งเป็นแบบคลาสสิก อย่างหลังมีความเกี่ยวข้องกับสุนทรียศาสตร์ของการตรัสรู้และตัวแทนของพวกเขา G. Servandoni, G. Dumont, P. Brunetti และที่สำคัญที่สุดคือ P. di G. Gonzaga ซึ่งเป็นมัณฑนากรที่โดดเด่นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และผู้เขียนบทความทางทฤษฎีหลายบทความที่เขียนขึ้นในช่วงหลายปีที่เขาทำงานในรัสเซีย ตามประสบการณ์ของ Bibbien ในหลาย ๆ ด้านศิลปินเหล่านี้ได้ทำการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญประการแรกในลักษณะของภาพตกแต่ง: พวกเขาวาดภาพแม้ว่าจะอยู่ในอุดมคติ (ในจิตวิญญาณของลัทธิคลาสสิก) แต่ถึงกระนั้นพวกเขาก็พยายามดิ้นรนราวกับว่ามีแรงจูงใจที่แท้จริง ( ในจิตวิญญาณแห่งสุนทรียศาสตร์แห่งการตรัสรู้) เพื่อความแท้จริงและความเป็นธรรมชาติ การวางแนวของศิลปินที่คาดหวังนี้ - โดยเฉพาะในผลงานของกอนซาโก - หลักการตกแต่งโรงละครโรแมนติกในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19

ตำแหน่งผู้นำด้านมัณฑนศิลป์ไม่ได้ถูกครอบครองโดยศิลปินชาวอิตาลีอีกต่อไป แต่โดยชาวเยอรมันซึ่งมีผู้นำคือ K.F. Schinkel (หนึ่งในศิลปินหลักคนสุดท้ายของประเภทสากล: สถาปนิกที่โดดเด่น, จิตรกรที่มีทักษะ, ประติมากร, มัณฑนากร); ในประเทศอื่น ๆ ตัวแทนที่โดดเด่นของเทรนด์นี้คือ: ในโปแลนด์ - J. Smuglevich ในสาธารณรัฐเช็กจากนั้นในเวียนนา - J. Plaiser ในอังกฤษ - F. de Lauterburg, D.I. Richards, ตระกูล Grieve, D. Roberto เค. สแตนฟิลด์; ในฝรั่งเศส - ช. ในรัสเซีย A. Roller นักเรียนและผู้ติดตามของเขาได้สัมผัสประสบการณ์ทิวทัศน์โรแมนติกของเยอรมัน หนึ่งในผู้ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ K. Waltz ผู้ซึ่งถูกเรียกว่า "นักมายากลและพ่อมดแห่งเวที"

ลักษณะเฉพาะประการแรกของการตกแต่งที่โรแมนติกคือความมีชีวิตชีวา (ในเรื่องนี้มันเป็นความต่อเนื่องของการตกแต่งสไตล์บาโรกของศตวรรษที่ 17 ในระยะใหม่) วัตถุประสงค์หลักประการหนึ่งของการดำเนินการบนเวทีคือสภาวะของธรรมชาติ ซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นหายนะ และเมื่อองค์ประกอบที่น่ากลัวเหล่านี้แสดง "บทบาท" บนเวทีของพวกเขา ทิวทัศน์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ ก็เปิดออกต่อหน้าผู้ชม ส่วนใหญ่มักจะเป็นตอนกลางคืน โดยมีดวงจันทร์โผล่ออกมาจากด้านหลังเมฆที่กระจัดกระจายจนน่าตกใจ หรือเป็นภูเขาหิน หรือแม่น้ำ ทะเลสาบ ทะเล ในเวลาเดียวกัน ธรรมชาติในการสำแดงทั้งหมดถูกรวบรวมโดยศิลปิน ไม่ใช่โดยการวาดภาพบนระนาบของฉากหลังของละคร แต่ด้วยความช่วยเหลือของเครื่องจักรบนเวที แสง การเคลื่อนไหว และเทคนิคอื่น ๆ มากมายเพื่อ "ฟื้นฟู" ทั้งสาม ปริมาตรมิติของพื้นที่เวทีและการเปลี่ยนแปลง นักตกแต่งสุดโรแมนติกได้เปลี่ยนเวทีให้กลายเป็นโลกที่เปิดกว้าง ไร้ข้อจำกัดใดๆ และสามารถรองรับความหลากหลายของสถานที่ที่เป็นไปได้ทั้งหมด ในเรื่องนี้เช็คสเปียร์เป็นแบบอย่างสำหรับพวกเขา พวกเขาพึ่งพาเขาในการต่อสู้กับหลักการคลาสสิกของความสามัคคีของสถานที่และเวลา

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ทิวทัศน์โรแมนติกมีวิวัฒนาการมาจากการจำลองฉากประวัติศาสตร์จริง ๆ ขึ้นมาใหม่ มีเพียงสีสันที่โรแมนติกและบทกวีทั่วไปเท่านั้น จากนั้น - ไปสู่สิ่งที่เรียกว่า "ธรรมชาตินิยมทางโบราณคดี" (ซึ่งรวบรวมเป็นครั้งแรกในการผลิตภาษาอังกฤษของยุค 50 โดย Charles Kean) จากนั้นในโรงละครรัสเซีย (ผลงานโดย M. Shishkov, M. Bocharov ส่วนหนึ่งโดย P. Isakov ภายใต้ การอุปถัมภ์ที่เชื่อถือได้ของ V. Stasov) และในที่สุดก็เป็นการสร้างองค์ประกอบภาพวาดตกแต่งที่กว้างขวางบนเวที (ผลงานของโรงละคร Meiningen และการแสดงของ G. Iwing)

ขั้นตอนต่อไปในการพัฒนาศิลปะการตกแต่ง (ต่อจากขั้นตอนก่อนหน้าโดยตรง แต่ขึ้นอยู่กับหลักการด้านสุนทรียศาสตร์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง) คือลัทธิธรรมชาติ ต่างจากโรแมนติกที่ตามกฎแล้วหันไปสร้างภาพอดีตอันไกลโพ้นบนเวทีในการแสดงของโรงละครแนวธรรมชาติ (A. Antoine - ในฝรั่งเศส, O. Brahm - ในเยอรมนี, D. Grain - ในอังกฤษ และในที่สุด K. Stanislavsky และศิลปิน V.Simov - ในโปรดักชั่นแรกของ Moscow Art Theatre) ฉากก็เป็นความจริงสมัยใหม่ "การตัดออกจากชีวิต" เหมือนเดิมได้ถูกสร้างขึ้นใหม่บนเวทีเพื่อเป็นฉากที่แท้จริงสำหรับการดำรงอยู่ของฮีโร่ในละคร

ขั้นตอนต่อไปในทิศทางนี้เกิดขึ้นในการผลิตของ Moscow Art Theatre โดยเฉพาะอย่างยิ่งใน Chekhov's ซึ่ง Stanislavsky พยายาม "ฟื้นฟู" "การตัดชีวิต" แบบคงที่ทางจิตวิทยาให้คุณภาพของความแปรปรวนเมื่อเวลาผ่านไปขึ้นอยู่กับรัฐ ของธรรมชาติในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน และในเวลาเดียวกันกับประสบการณ์ของตัวละครภายใน โรงละครเริ่มมองหาวิธี (โดยหลักๆ ด้วยความช่วยเหลือของคะแนนแสง) เพื่อสร้าง "บรรยากาศ" ของเวทีและ "อารมณ์" ของเวที คุณสมบัติใหม่ในการออกแบบการแสดงที่สามารถอธิบายได้ว่าเป็นอิมเพรสชันนิสม์ อิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสม์ได้รับการแปลในรูปแบบที่แตกต่างออกไปในละครเพลง - ในฉากและเครื่องแต่งกายของ K. Korovin ผู้ซึ่งตามคำพูดของเขาพยายามที่จะสร้าง "ดนตรีเพื่อดวงตา" ที่งดงามบนเวทีของโรงละครบอลชอย ผู้ชมในองค์ประกอบไดนามิกของสี สื่อถึงดวงอาทิตย์ อากาศ “การหายใจด้วยสี” โลกโดยรอบ

ปลายศตวรรษที่ 19 – ต้นศตวรรษที่ 20 ช่วงเวลาในการพัฒนาศิลปะการตกแต่งของโรงละครโลกเมื่อปรมาจารย์ชาวรัสเซียเข้ามาเป็นผู้นำในนั้น มาถึงเวทีจากวิจิตรศิลป์พวกเขา - ครั้งแรกในมอสโกที่ Mamontov Opera (V. Vasnetsov, V. Polenov, M. Vrubel, ผู้เริ่มต้น Korovin และ A. Golovin) จากนั้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งโลกแห่ง สังคมศิลปะถูกสร้างขึ้น ( A. Benois, M. Dobuzhinsky, N. Roerich, L. Bakst ฯลฯ ) – ทำให้โรงละครเต็มไปด้วยความบันเทิงทางภาพสูงสุดและในทิศทางของพวกเขาพวกเขาเป็นนีโอโรแมนติกซึ่งคุณค่าหลักคือ มรดกทางศิลปะของศตวรรษที่ผ่านมา ในเวลาเดียวกันปรมาจารย์ของแวดวง "โลกแห่งศิลปะ" ได้เริ่มภารกิจอันงดงามที่เกี่ยวข้องกับการฟื้นฟู - บนพื้นฐานของพลาสติกสมัยใหม่และวัฒนธรรมการแสดงละคร (โดยเฉพาะรูปแบบสัญลักษณ์และอาร์ตนูโว) - ของวิธีการออกแบบการแสดงก่อนการตกแต่ง : ในอีกด้านหนึ่งการเล่นเกม (ชุดบัลเล่ต์ของ L. Bakst, “ การเต้นรำ” ร่วมกับนักแสดงและในการทดลองที่น่าทึ่งของ Vs. Meyerhold - อุปกรณ์เสริมสำหรับเกมได้รับการตกแต่งโดย N. Sapunov, S. Sudeikin, K. ในทางกลับกัน Evseev, Y. Bondi) เป็นตัวละคร (แผงที่งดงามโดย N. Sapunov และผ้าม่านโดย A. Golovin ในการผลิตของ Vs. Meyerhold คนเดียวกันซึ่งแสดงธีมของการแสดง)

ประสบการณ์ของ Malevich นี้กลายเป็นโครงการที่เผชิญกับอนาคต แนวคิดบนเวทีที่ประกาศในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ก็มีลักษณะการออกแบบเช่นกัน ชาวสวิส A. Appiah และชาวอังกฤษ G. Craig เพราะแม้ว่าทั้งคู่จะสามารถตระหนักถึงแนวคิดเหล่านี้ได้บางส่วนบนเวที แต่พวกเขาก็ได้รับการพัฒนาที่แท้จริงและหลากหลายแง่มุมในภารกิจการแสดงละครที่ตามมาของศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20 แก่นแท้ของการค้นพบของปรมาจารย์ผู้โดดเด่นเหล่านี้คือพวกเขาเปลี่ยนศิลปะการตกแต่งไปสู่การสร้างภาพของสภาพแวดล้อมเวทีทั่วไปในพื้นที่เวที สำหรับอัปเปียห์ นี่คือโลกที่อยู่ในระยะเทพนิยายที่เก่าแก่ที่สุดของการดำรงอยู่ เมื่อมันเพิ่งเริ่มโผล่ออกมาจากความสับสนวุ่นวายและได้รับรูปแบบทางสถาปัตยกรรมโค้งสากลที่กลมกลืนกัน ซึ่งสร้างขึ้นเพื่อเป็นแพลตฟอร์มที่ยิ่งใหญ่และแท่นสำหรับการเคลื่อนไหวเป็นจังหวะตามพวกเขา - ใน พื้นที่ส่องสว่างเปิด - ของตัวละครในละครเพลง R. Wagner ในทางตรงกันข้ามใน Craig สิ่งเหล่านี้เป็นก้อนก้อนใหญ่และขนานกันกำแพงทรงพลังหอคอยเสาเสาเสาที่ล้อมรอบร่างเล็ก ๆ ของชายคนหนึ่งต่อต้านและคุกคามเขาเพิ่มขึ้นจนเต็มความสูงของพื้นที่เวทีและสูงกว่านั้น นอกเหนือการมองเห็นของผู้ชม และถ้าอัปเปียห์สร้างสภาพแวดล้อมบนเวทีที่เปิดกว้างและเป็นยุคดึกดำบรรพ์ ในทางกลับกัน เครกก็สร้างสภาพแวดล้อมที่ปิดสนิทและสิ้นหวัง โดยที่เรื่องราวอันนองเลือดของโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์จะต้องถูกแสดงออกมา

ฉากที่มีประสิทธิภาพคือยุคปัจจุบัน

ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ทิวทัศน์ของโลกได้รับการพัฒนาภายใต้อิทธิพลอันแข็งแกร่งของขบวนการศิลปะแนวหน้าสมัยใหม่ (การแสดงออก, ลัทธิคิวโบฟิวเจอร์ริสม์, คอนสตรัคติวิสต์ ฯลฯ ) ซึ่งกระตุ้นการพัฒนารูปแบบล่าสุดในการสร้างสถานที่ปฏิบัติการเฉพาะและการฟื้นฟู (ตามหลัง Appia และ Craig) ของโบราณที่สุด ทั่วไป และในทางกลับกัน การเปิดใช้งานและแม้กระทั่งมาข้างหน้าของฟังก์ชันอื่น ๆ ของฉาก: การเล่นเกมและตัวละคร

ย้อนกลับไปในช่วงกลางทศวรรษ 1900 ศิลปิน N. Sapunov และ E. Munch แต่งบทละครโดย G. Ibsen สำหรับผลงานของ Vs. Meyerhold และ M. Reinhardt ( เฮ็ดด้า กาเบลอร์และ ผี) ฉากแรกซึ่งแม้จะเหลือภาพฉากแอ็คชั่นภายในไว้ แต่ในขณะเดียวกันก็กลายเป็นศูนย์รวมของโลกแห่งอารมณ์ของตัวละครหลักของละครเหล่านี้ จากนั้นการทดลองในทิศทางนี้ยังคงดำเนินต่อไปโดย N. Ulyanov และ V. Egorov ในการแสดงสัญลักษณ์ของ K. Stanislavsky ( ดราม่าแห่งชีวิตและ ชีวิตมนุษย์- จุดสุดยอดของการค้นหานี้คือการตกแต่งละครเวทีของ M. Dobuzhinsky นิโคไล สตาโวรจินที่โรงละครศิลปะมอสโกซึ่งถือเป็นลางสังหรณ์ของการตกแต่งทางจิตวิทยาซึ่งในทางกลับกันดูดซับประสบการณ์ศิลปะการตกแต่งของโรงละครศิลปะการแสดงออกในระดับสูง สาระสำคัญของทิศทางนี้คือห้อง ถนน เมือง ทิวทัศน์ที่ปรากฎบนเวทีปรากฏเป็นการผ่อนชำระอย่างชัดแจ้ง มักจะลดลงเป็นสัญลักษณ์เชิงสัญลักษณ์ โดยอยู่ภายใต้การบิดเบือนรูปลักษณ์ที่แท้จริงทุกรูปแบบ และการบิดเบือนเหล่านี้ถ่ายทอดสภาพจิตใจของฮีโร่ ส่วนใหญ่มักจะเป็นละครมากเกินไปจนเกือบจะเป็นเรื่องพิลึกพิลั่นที่น่าเศร้า คนแรกที่สร้างการตกแต่งดังกล่าวคือศิลปินชาวเยอรมัน (L. Siewert, Z. Klein, F. Scheffler, E. Barlach) จากนั้นพวกเขาก็ตามมาด้วยนักออกแบบฉากจากสาธารณรัฐเช็ก (W. Hoffmann), โปแลนด์ (V. Drabik) , สแกนดิเนเวีย และโดยเฉพาะรัสเซีย ที่นี่มีการทดลองประเภทนี้จำนวนหนึ่งเกิดขึ้นในปี 1910 โดย Yu. Annenkov และในปี ค.ศ. 1920 โดยศิลปินของโรงละครชาวยิว (M. Chagall, N. Altman, I. Rabinovich, R. Falk) และใน Petrograd-Leningrad - M. Levin และ V. Dmitriev ซึ่งในช่วงทศวรรษที่ 1930-1940 ได้กลายเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการตกแต่งทางจิตวิทยาชั้นนำ ( แอนนา คาร์เอนินา, พี่สาวสามคน, เหยื่อรายสุดท้ายที่โรงละครศิลปะมอสโก)

ในเวลาเดียวกัน มัณฑนศิลป์ยังเชี่ยวชาญประเภทของสถานที่เฉพาะอีกด้วย ประการแรกคือ “สภาพแวดล้อม” (พื้นที่ส่วนกลางสำหรับทั้งนักแสดงและผู้ชม ไม่ถูกแยกจากกันด้วยทางลาดใดๆ บางครั้งก็เป็นพื้นที่จริงโดยสิ้นเชิง เช่น พื้นโรงงานใน หน้ากากป้องกันแก๊สพิษที่ S. Eisenstein หรือจัดโดยงานศิลปะของศิลปิน A. Roller - สำหรับผลงานของ M. Reinhardt ในละครสัตว์เบอร์ลิน, London Olympic Hall, ในโบสถ์ Salzburg ฯลฯ และโดย J. Stoffer และ B. Knoblock - สำหรับ การแสดงโดย N. Okhlopkova ที่ Moscow Reality Theatre); ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 การออกแบบพื้นที่แสดงละครในฐานะ "สิ่งแวดล้อม" กลายเป็นหลักการสำคัญของการทำงานของสถาปนิก E. Guravsky ใน "โรงละครที่ไม่ดี" ของ E. Grotovsky จากนั้นในตัวเลือกที่หลากหลาย (รวมถึงธรรมชาติ, ธรรมชาติ, ถนน, โรงงานอุตสาหกรรม - โรงงาน สถานีรถไฟ และอื่นๆ) มีการใช้อย่างแพร่หลายในทุกประเทศ ประการที่สอง มีการจัดวางเพียงชิ้นเดียวที่สร้างขึ้นบนเวที โดยพรรณนาถึง "บ้านที่อยู่อาศัย" ของฮีโร่ในละครพร้อมห้องต่างๆ ซึ่งจัดแสดงพร้อมกัน (ซึ่งชวนให้นึกถึงการตกแต่งพร้อมกันของความลึกลับในจัตุรัสยุคกลาง) ประการที่สาม ในทางกลับกันภาพวาดตกแต่งจะแทนที่กันแบบไดนามิกด้วยความช่วยเหลือของการหมุนของวงกลมเวทีหรือการเคลื่อนไหวของแพลตฟอร์มรถบรรทุก ในที่สุดตลอดเกือบตลอดศตวรรษที่ 20 ประเพณีของโลกแห่งศิลปะที่มีสไตล์และลัทธิหวนกลับยังคงใช้งานได้และมีผลอย่างมาก - การพักผ่อนหย่อนใจบนเวทีของสภาพแวดล้อมทางวัฒนธรรมของยุคประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมทางศิลปะในอดีต - ในฐานะแหล่งที่อยู่อาศัยที่เฉพาะเจาะจงและแท้จริงของวีรบุรุษในละครโดยเฉพาะ (ศิลปินอาวุโสของโลกยังคงทำงานด้วยจิตวิญญาณนี้ - นอกรัสเซียแล้วและในมอสโกวและเลนินกราด - ปรมาจารย์ที่แตกต่างกันเช่น F. Fedorovsky, P. Williams, V. Khodasevich ฯลฯ ในบรรดาศิลปินต่างประเทศ English H. Stevenson ติดตามสิ่งนี้ ทิศทาง , R. Whistler, J. Boyce, S. Messel, Motley, J. Piper; Poles V. Dashevsky, T. Roszkowska, J. Kosinsky, O. Akser, K. Frych;

ในกระบวนการฟื้นฟูฉากแอ็คชั่นโบราณทั่วไปตามโครงการของ Appia ผลงานที่สำคัญที่สุดเกิดขึ้นโดยศิลปินของ Moscow Chamber Theatre: A. Exter, A. Vesnin, G. Yakulov, พี่น้อง V. และ G. Stenberg วี. รินดิน. พวกเขารวบรวมแนวคิดของ A. Tairov ที่ว่าองค์ประกอบหลักของการออกแบบคือความเป็นพลาสติกของแท่นเวทีซึ่งตามที่ผู้กำกับระบุไว้คือ "แป้นพิมพ์ที่ยืดหยุ่นและเชื่อฟังด้วยความช่วยเหลือที่เขา (นักแสดง - V.B. ) สามารถเปิดเผยได้อย่างเต็มที่ที่สุด ความคิดสร้างสรรค์ของคุณ” การแสดงของโรงละครแห่งนี้นำเสนอภาพทั่วไปที่รวบรวมแก่นสารของยุคประวัติศาสตร์และรูปแบบทางศิลปะ: สมัยโบราณ ( ฟามิรา คิฟาเรดและ เฟดรา) และแคว้นยูเดียโบราณ ( ซาโลเม), ยุคกลางกอธิค ( การประกาศและ ศักดิ์สิทธิ์ฉันเปียโน) และพิสดารอิตาลี ( เจ้าหญิงบรามบิลลา) รัสเซียในศตวรรษที่ 19 - พายุ) และวิถีชีวิตสมัยใหม่ ( มนุษย์, ซึ่งเป็นวันพฤหัสบดี- ศิลปินคนอื่น ๆ ของโรงละครรัสเซียเดินตามทิศทางเดียวกันนี้ในช่วงปี ค.ศ. 1920 (K. Malevich, A. Lavinsky และ V. Khrakovsky, N. Altman - เมื่อพวกเขาสร้าง "ทั้งจักรวาล" บนเวที ทั้งโลกเป็นฉากแอ็คชั่น Mystery-Buffหรือ I. Rabinovich เมื่อเขาแต่งเพลง "all of Hellas" ในการผลิต ลีซิสตราตา) เช่นเดียวกับศิลปินในประเทศยุโรปอื่น ๆ (นักแสดงออกชาวเยอรมัน E. Pirkhan ในการแสดงที่กำกับโดย L. Jessner หรือ H. Heckroth ในชุดผลงานโอเปร่าของ G. Handel ในปี ค.ศ. 1920) และในอเมริกา (โครงการที่มีชื่อเสียงของ สถาปนิก N. Bel-Geddes สำหรับเวอร์ชันละครเวที ดีไวน์คอมเมดี้).

ความคิดริเริ่มในกระบวนการเปิดใช้งานการเล่นและฟังก์ชั่นตัวละครยังเป็นของศิลปินของโรงละครรัสเซีย (ในปี ค.ศ. 1920 เช่นเดียวกับในปี 1910 พวกเขายังคงครองตำแหน่งผู้นำในด้านฉากโลก) การแสดงทั้งชุดถูกสร้างขึ้นโดยใช้หลักการคิดใหม่ของการออกแบบเกมตลก dell'arte และวัฒนธรรมงานรื่นเริงของอิตาลี (I. Nivinsky ใน เจ้าหญิงทูรานดอท, ก. ยาคูลอฟ ถึงเจ้าหญิงบรามบิลลา, วี. มิทรีเยฟ ปุลซิเนลลา) การแสดงพื้นบ้านของชาวยิว ปุริมสปีล(I. Rabinovich ใน แม่มด), ภาพพิมพ์ยอดนิยมของรัสเซีย (B. Kustodiev in ถนัดซ้าย, วี. มิทรีเยฟ นิทานเกี่ยวกับสุนัขจิ้งจอก ไก่ แมว และแกะผู้) ในที่สุดการแสดงละครสัตว์ซึ่งเป็นประเพณีการแสดงละครที่เก่าแก่และมั่นคงที่สุด (Yu. Annenkov ใน เครื่องกลั่นเครื่องแรก, V. Khodasevich ในละครสัตว์ตลกที่จัดแสดงโดย S. Radlov, G. Kozintsev ใน การแต่งงานเอส. ไอเซนสไตน์เข้า ปราชญ์- ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ซีรีส์นี้ยังคงดำเนินต่อไปโดยผลงานของ A. Tyshler ที่โรงละครยิปซี "Romen" และในทางกลับกันโปรดักชั่นโดย N. Okhlopkov ออกแบบโดย B. G. Knoblok, V. Gitsevich, V. Koretsky และเหนือสิ่งอื่นใด , พวกขุนนาง- ภาพลักษณ์ของการแสดงทั้งหมดนี้สร้างขึ้นจากการแสดงที่หลากหลายของนักแสดงด้วยเครื่องแต่งกาย อุปกรณ์ตกแต่ง และพื้นที่เวที ซึ่งออกแบบโดยศิลปินในหลากหลายสไตล์ ตั้งแต่ศิลปะระดับโลกไปจนถึงคิวโบล้ำอนาคต คอนสตรัคติวิสต์ทางละครก็ปรากฏว่าเป็นหนึ่งในรูปแบบหนึ่งของฉากประเภทนี้ในงานแรกและงานหลักของเขา - การผลิต สามีซึ่งภรรยามีชู้ใจกว้างเทียบกับ Meyerhold และ L. Popova ซึ่งการติดตั้งคอนสตรัคติวิสต์เดี่ยวกลายเป็น "เครื่องมือสำหรับการเล่น" ในเวลาเดียวกันในการแสดงนี้ (เช่นเดียวกับผลงานอื่น ๆ ของ Meyerhold) ฉากละครได้รับคุณภาพที่ทันสมัยของฉากการทำงานซึ่งแต่ละองค์ประกอบจะถูกกำหนดโดยความจำเป็นเร่งด่วนสำหรับการแสดงบนเวที ได้รับการพัฒนาและคิดใหม่ในโรงละครการเมืองเยอรมันของ E. Piscator และจากนั้นในโรงละครมหากาพย์ของ B. Brecht ในที่สุดใน Czech Theatregraph - โรงละครแสงของ E. Burian - M. Kourzhil หลักการของฉากการทำงาน กลายเป็นหนึ่งในหลักการสำคัญของผลงานของศิลปินในโรงละครครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเริ่มเป็นที่เข้าใจกันอย่างกว้างขวางและในแง่หนึ่งในระดับสากล: เป็นการออกแบบการแสดงบนเวทีอย่างเท่าเทียมกันในทั้งสามวิธีที่มีอยู่ในตัว “รหัสพันธุกรรม” - การเล่นเกม ตัวละคร และการจัดระเบียบของสภาพแวดล้อมบนเวที มีระบบใหม่เกิดขึ้นแล้ว - ฉากที่มีประสิทธิภาพซึ่งรับหน้าที่ของระบบทั้งในอดีตที่ผ่านมา (เกมและการตกแต่ง)

ท่ามกลางการทดลองที่หลากหลายในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 (นักวิจัยชาวฝรั่งเศส D. Bablé อธิบายว่ากระบวนการนี้เป็นภาพลานตา) ดำเนินการในโรงละครของประเทศต่างๆ โดยใช้การค้นพบล่าสุดของคลื่นหลังสงครามของพลาสติกแนวหน้า และความสำเร็จด้านเทคโนโลยีทุกประเภท (โดยเฉพาะในสาขานี้ ของแสงบนเวทีและจลนศาสตร์) สามารถระบุแนวโน้มที่สำคัญที่สุดสองประการได้ ประการแรกโดดเด่นด้วยการพัฒนาระดับความหมายใหม่โดยฉากเมื่อภาพที่ศิลปินสร้างขึ้นเริ่มรวบรวมธีมหลักและแรงจูงใจของการเล่นอย่างเห็นได้ชัดในการแสดง: สถานการณ์รากเหง้าของความขัดแย้งอันน่าทึ่ง กองกำลังที่ต่อต้าน ฮีโร่, โลกแห่งจิตวิญญาณภายในของเขา ฯลฯ ด้วยความสามารถใหม่นี้ การจัดฉากกลายเป็นสิ่งที่สำคัญที่สุดและบางครั้งก็เป็นตัวกำหนดลักษณะการแสดง นี่เป็นกรณีของการแสดงหลายครั้งโดย D. Borovsky, D. Leader, E. Kochergin, S. Barkhin, I. Blumbergs, A. Freibergs, G. Guniya และศิลปินคนอื่น ๆ ของโรงละครโซเวียตในช่วงปลายทศวรรษ 1960 - ครึ่งแรกของปี 1970 ซึ่งเป็นช่วงที่เทรนด์นี้มาถึงจุดสูงสุด จากนั้นกระแสที่มีลักษณะตรงกันข้ามก็มาถึงเบื้องหน้าซึ่งแสดงออกมาในผลงานของปรมาจารย์ซึ่งส่วนใหญ่เป็นโรงละครตะวันตกและเป็นผู้นำในโรงละครในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 และต้นศตวรรษที่ 21 ทิศทางที่เกิดจากเทรนด์นี้ (ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดคือ J. Svoboda, V. Minks, A. Mantei, E. Vonder, J. Bari, R. Koltai) สามารถกำหนดได้ด้วยวลี การออกแบบเวทีโดยคำนึงว่าวลีเดียวกันในวรรณคดีภาษาอังกฤษโดยทั่วไปจะกำหนดการออกแบบการแสดงทุกประเภท - การตกแต่ง เกม และตัวละคร) ภารกิจหลักของศิลปินที่นี่คือการออกแบบพื้นที่สำหรับการแสดงบนเวที และจัดหาวัสดุ วัสดุ และแสงสำหรับทุกช่วงเวลาของการแสดงนี้ ในเวลาเดียวกัน ในสถานะเริ่มแรก พื้นที่มักจะดูเป็นกลางโดยสมบูรณ์เมื่อเทียบกับบทละครและสไตล์ของผู้แต่ง และไม่มีสัญญาณที่แท้จริงของเวลาและสถานที่ของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในนั้น ความเป็นจริงทั้งหมดของการแสดงบนเวที สถานที่และเวลา ปรากฏต่อหน้าผู้ชมเฉพาะในระหว่างการแสดงเท่านั้น เมื่อภาพทางศิลปะเกิดขึ้น ราวกับมาจาก "ความว่างเปล่า"

หากเราพยายามนำเสนอภาพทิวทัศน์ของโลกสมัยใหม่อย่างครบถ้วน มันไม่เพียงประกอบด้วยสองเทรนด์นี้เท่านั้น แต่ยังประกอบด้วยโซลูชันทางศิลปะส่วนบุคคลที่มีความหลากหลายที่ไม่อาจเข้าใจได้หลากหลายที่สุด ปรมาจารย์แต่ละคนทำงานในแบบของตัวเองและสร้างการออกแบบการแสดงบนเวทีที่แตกต่างกันมาก - ขึ้นอยู่กับลักษณะของงานละครหรือดนตรีและการอ่านของผู้กำกับซึ่งเป็นพื้นฐานระเบียบวิธีของระบบการจัดฉากที่มีประสิทธิภาพ

วิคเตอร์ เบเรซคิน

วรรณกรรม:

พอล. Die Theater decoration des Klassizismus- เบอร์ลิน 2468
พอล. Die TheatreDecoration des Barock- เบอร์ลิน 2468
มาเรียนี่ วาเลริโอ. สตอเรีย เดลลา ซีโนกราเฟีย อิตาเลียนาฟิเรนเซ, 1930
ริชชี่ คอร์ราโด้. ลาเซโนกราเฟีย อิตาเลียนา- มิลาโน, 1939
จานอส. การออกแบบเวทีสไตล์บาโรกและโรแมนติก- นิวยอร์ก ปี 1950
เอฟ.ยา.ซีร์คินา. ศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งของรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19- ม., 1956
เดนิส. ร้านอาหารทั่วไป du decou de theatre de 1870 ถึง 1914- ปารีส 1963
ซีโนเบียส Kierunki scenografii สโปเลเซซเนจ- วอร์ซอ, 1970
ม. Zaklady teoreticke scenografie.1.dil.Uvodni uvahy- พราฮา, 1970
เอ็ม.เอ็น. โปชาร์สกายา ศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งของรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ถึงต้นศตวรรษที่ 20- ม., 1970
ส. ประวัติโดยย่อของการออกแบบฉากในบริเตนใหญ่- อ็อกซ์ฟอร์ด, 1973
เอ็ม.วี. ดาวิโดวา. บทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ศิลปะการแสดงละครและมัณฑนศิลป์ของรัสเซียในช่วงศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 20- ม., 1974
เดนิส. Les Revolutions Scenques du XX siècle- ปารีส, 1975
เอฟ.ยา.ซีร์คินา, อี.เอ็ม.โคสตินา ศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งของรัสเซีย- ม., 1978
ปตั๊กโควา เวร่า. Ceska scenografie XX stoleti- พราฮา, 1982
สเตรเซเลคกี ซีโนเบียส Wspolczesna ฉากโนกราฟีโปลสกาวอร์ซอ, 1983
อาร์.ไอ.วลาโซวา ศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งของรัสเซียในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 มรดกของปรมาจารย์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กล., 1984
Die Maler und das Theatre ใน 20. Jahrhundert- แฟรงก์เฟิร์ต, 1986
เบเรซคิน วี.ไอ. ศิลปะการจัดฉากของโรงละครโลก ตั้งแต่ต้นกำเนิดจนถึงกลางศตวรรษที่ยี่สิบ- ม., 1997
เบเรซคิน วี.ไอ. ศิลปะการจัดฉากของโรงละครโลก ครึ่งหลังของศตวรรษที่ยี่สิบ- ม., 2544
เบเรซคิน วี.ไอ. ศิลปะการจัดฉากของโรงละครโลก ปริญญาโท- ม., 2545