วรรณคดีดนตรี. บรรยายในสาขาวิชา "วิเคราะห์งานดนตรี" โมดูล พื้นฐานสุนทรียศาสตร์และระเบียบวิธีวิเคราะห์งานดนตรี หมวด ดนตรีศิลปะเป็นรูปแบบหนึ่งของจิตสำนึกสาธารณะ ที่ผลงานเป็นอันหนึ่งอันเดียวกัน

นักประพันธ์เพลงคลาสสิกเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ชื่อของอัจฉริยะทางดนตรีแต่ละชื่อมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในประวัติศาสตร์วัฒนธรรม

ดนตรีคลาสสิกคืออะไร

ดนตรีคลาสสิก - ท่วงทำนองอันน่าหลงใหลที่สร้างขึ้นโดยนักเขียนที่มีพรสวรรค์ซึ่งถูกเรียกว่านักประพันธ์เพลงคลาสสิกอย่างถูกต้อง ผลงานของพวกเขามีเอกลักษณ์และเป็นที่ต้องการของนักแสดงและผู้ฟังเสมอ ด้านหนึ่งคลาสสิกมักเรียกดนตรีที่เข้มงวดและลึกซึ้งซึ่งไม่เกี่ยวข้องกับทิศทาง: ร็อค, แจ๊ส, โฟล์ค, ป๊อป, ชานสัน ฯลฯ ในทางกลับกันในการพัฒนาประวัติศาสตร์ของดนตรีมี ช่วงเวลาของปลาย XIII - ต้นศตวรรษที่ XX เรียกว่าคลาสสิก

ธีมคลาสสิกโดดเด่นด้วยน้ำเสียงที่ไพเราะ ความซับซ้อน เฉดสีที่หลากหลาย และความกลมกลืน พวกเขามีผลดีต่อโลกทัศน์ทางอารมณ์ของผู้ใหญ่และเด็ก

ขั้นตอนของการพัฒนาดนตรีคลาสสิก คำอธิบายสั้น ๆ และตัวแทนหลัก

ในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาดนตรีคลาสสิกสามารถแยกแยะได้:

• Renaissance หรือ Renaissance - ต้น 14 - ไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 16 ในสเปนและอังกฤษ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดำเนินไปจนถึงต้นศตวรรษที่ 17
• บาร็อค - มาแทนที่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและกินเวลาจนถึงต้นศตวรรษที่ 18 สเปนเป็นศูนย์กลางของสไตล์
• ความคลาสสิคเป็นช่วงเวลาของการพัฒนาวัฒนธรรมยุโรปตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 18 ถึงต้นศตวรรษที่ 19
• แนวโรแมนติกเป็นทิศทางที่ตรงกันข้ามกับความคลาสสิค มันกินเวลาจนถึงกลางศตวรรษที่ 19
• คลาสสิกของศตวรรษที่ 20 - ยุคสมัยใหม่

คำอธิบายสั้น ๆ และตัวแทนหลักของยุควัฒนธรรม

1. ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - การพัฒนาทุกด้านของวัฒนธรรมเป็นเวลานาน - Thomas Tullis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria แต่งและทิ้งการสร้างสรรค์อมตะให้ลูกหลาน

2. บาร็อค - ในยุคนี้รูปแบบดนตรีใหม่ปรากฏขึ้น: โพลีโฟนีโอเปร่า ในช่วงเวลานี้เองที่ Bach, Handel, Vivaldi ได้สร้างผลงานที่มีชื่อเสียงของพวกเขา ความทรงจำของ Bach ถูกสร้างขึ้นตามข้อกำหนดของความคลาสสิค: การปฏิบัติตามศีลบังคับ

3. ความคลาสสิค นักประพันธ์เพลงคลาสสิกชาวเวียนนาที่สร้างสรรค์ผลงานอมตะในยุคคลาสสิก: Haydn, Mozart, Beethoven แบบฟอร์ม Sonata ปรากฏขึ้นองค์ประกอบของวงออเคสตราเพิ่มขึ้น และ Haydn แตกต่างจากงานหนักหน่วงของ Bach ด้วยโครงสร้างที่ไม่ซับซ้อนและความสง่างามของท่วงทำนองของพวกเขา มันยังคงเป็นคลาสสิก มุ่งมั่นเพื่อความสมบูรณ์แบบ การประพันธ์เพลงของเบโธเฟนเป็นการผสมผสานระหว่างสไตล์โรแมนติกและคลาสสิก ในดนตรีของแอล. ฟาน เบโธเฟน มีความเย้ายวนและความเร่าร้อนมากกว่าการยอมรับที่มีเหตุผล ประเภทที่สำคัญเช่นซิมโฟนี, โซนาตา, สวีท, โอเปร่าโดดเด่น เบโธเฟนก่อให้เกิดยุคโรแมนติก

4. ยวนใจ. งานดนตรีมีลักษณะเป็นสีและละคร มีแนวเพลงที่หลากหลาย เช่น เพลงบัลลาด การประพันธ์เปียโนโดย Liszt และ Chopin ได้รับการยอมรับ ประเพณีโรแมนติกได้รับการสืบทอดโดย Tchaikovsky, Wagner, Schubert

5. คลาสสิกของศตวรรษที่ 20 - โดดเด่นด้วยความปรารถนาของผู้เขียนในการสร้างสรรค์ท่วงทำนอง, คำว่า aleatoric, atonalism เกิดขึ้น ผลงานของ Stravinsky, Rachmaninov, Glass ถูกอ้างถึงในรูปแบบคลาสสิก

นักประพันธ์เพลงคลาสสิคชาวรัสเซีย

ไชคอฟสกี PI - นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย, นักวิจารณ์ดนตรี, บุคคลสาธารณะ, ครู, ผู้ควบคุมวง การเรียบเรียงของเขามีการแสดงมากที่สุด พวกเขามีความจริงใจและเข้าใจได้ง่ายสะท้อนถึงความคิดริเริ่มในบทกวีของจิตวิญญาณรัสเซียซึ่งเป็นภาพที่งดงามของธรรมชาติรัสเซีย นักแต่งเพลงสร้างบัลเลต์ 6 ตัว, โอเปร่า 10 ตัว, โรแมนติกมากกว่าร้อยเรื่อง, 6 ซิมโฟนี บัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงระดับโลก "Swan Lake", โอเปร่า "Eugene Onegin", "อัลบั้มสำหรับเด็ก"

Rachmaninov S.V. - ผลงานของผู้ประพันธ์ที่โดดเด่นมีอารมณ์และร่าเริง และบางงานก็มีเนื้อหาที่น่าทึ่ง แนวเพลงของพวกเขามีความหลากหลาย: ตั้งแต่ละครเล็กไปจนถึงคอนเสิร์ตและโอเปร่า ผลงานที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปของผู้แต่ง: โอเปร่า "The Miserly Knight", "Aleko" ตามบทกวี "Gypsies" ของ Pushkin, "Francesca da Rimini" ตามพล็อตที่ยืมมาจาก "Divine Comedy" ของ Dante บทกวี "The Bells" ; ชุด "การเต้นรำไพเราะ"; คอนแชร์โตเปียโน; เปล่งเสียงด้วยเปียโนคลอ

บรอดดิน เอ.พี. เป็นนักแต่งเพลง ครู นักเคมี แพทย์ การสร้างที่สำคัญที่สุดคือโอเปร่า "Prince Igor" ตามงานประวัติศาสตร์ "The Tale of Igor's Campaign" ซึ่งเขียนโดยผู้เขียนมาเกือบ 18 ปี ในช่วงชีวิตของเขา Borodin ไม่มีเวลาทำเสร็จ หลังจากการตายของเขา A. Glazunov และ N. Rimsky-Korsakov เสร็จสิ้นการแสดงโอเปร่า นักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่คือผู้ก่อตั้งวงควอเตตและซิมโฟนีคลาสสิกในรัสเซีย ซิมโฟนี "Bogatyr" ถือเป็นความสำเร็จสูงสุดของโลกและซิมโฟนีวีรบุรุษแห่งชาติของรัสเซีย ควอเทตแชมเบอร์ควอเทต ควอเทตที่หนึ่งและสองได้รับการยอมรับว่าโดดเด่น หนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่แนะนำวีรบุรุษจากวรรณคดีรัสเซียโบราณในเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ

นักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่

M. P. Mussorgsky ผู้ซึ่งกล่าวได้ว่าเป็นนักประพันธ์เพลงแนว realist ผู้ยิ่งใหญ่ นักสร้างสรรค์นวัตกรรมที่กล้าหาญ รับมือกับปัญหาสังคมที่เฉียบขาด นักเปียโนที่ยอดเยี่ยม และนักร้องที่ยอดเยี่ยม ผลงานดนตรีที่สำคัญที่สุดคือโอเปร่า "Boris Godunov" จากผลงานละครของ A.S. Pushkin และ "Khovanshchina" - ละครเพลงพื้นบ้านตัวละครหลักของโอเปร่าเหล่านี้คือกลุ่มกบฏจากชั้นทางสังคมที่แตกต่างกัน วงจรสร้างสรรค์ "Pictures at an Exhibition" ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของ Hartmann

Glinka M.I. - นักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้โด่งดังผู้ก่อตั้งทิศทางคลาสสิกในวัฒนธรรมดนตรีรัสเซีย เขาเสร็จสิ้นกระบวนการสร้างโรงเรียนของนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียโดยยึดตามคุณค่าของดนตรีพื้นบ้านและดนตรีอาชีพ ผลงานของอาจารย์เต็มไปด้วยความรักที่มีต่อปิตุภูมิซึ่งสะท้อนถึงการวางแนวทางอุดมการณ์ของผู้คนในยุคประวัติศาสตร์นั้น ละครพื้นบ้านที่มีชื่อเสียงระดับโลก "Ivan Susanin" และโอเปร่าในเทพนิยาย "Ruslan and Lyudmila" ได้กลายเป็นเทรนด์ใหม่ในโอเปร่ารัสเซีย งานไพเราะ "Kamarinskaya" และ "Spanish Overture" โดย Glinka เป็นรากฐานของซิมโฟนีรัสเซีย

Rimsky-Korsakov N.A. เป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียนายทหารเรือครูนักประชาสัมพันธ์ สามารถติดตามกระแสน้ำสองกระแสในงานของเขา: ประวัติศาสตร์ (“The Tsar's Bride”, “Pskovite”) และนิยาย (“Sadko”, “Snow Maiden”, Suite “Scheherazade”) ลักษณะเด่นของผลงานของผู้แต่ง: ความคิดริเริ่มที่อิงตามค่านิยมแบบคลาสสิก, เสียงพ้องเสียงในการสร้างฮาร์โมนิกของการประพันธ์เพลงในยุคแรกๆ การเรียบเรียงของเขามีสไตล์ของผู้เขียน: ดนตรีประกอบดั้งเดิมพร้อมเสียงร้องที่สร้างมาอย่างผิดปกติ ซึ่งเป็นเพลงหลัก

นักประพันธ์เพลงคลาสสิกชาวรัสเซียพยายามสะท้อนความคิดทางปัญญาและลักษณะเฉพาะของชาติในผลงานของพวกเขา

วัฒนธรรมยุโรป

นักแต่งเพลงคลาสสิกชื่อดัง Mozart, Haydn, Beethoven อาศัยอยู่ในเมืองหลวงของวัฒนธรรมดนตรีในเวลานั้น - เวียนนา Genius ผสมผสานการแสดงที่เก่งกาจ การประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยม การใช้สไตล์ดนตรีที่แตกต่างกัน: ตั้งแต่ท่วงทำนองพื้นบ้านไปจนถึงการพัฒนาแบบโพลีโฟนิกของธีมดนตรี คลาสสิกที่ยอดเยี่ยมนั้นโดดเด่นด้วยกิจกรรมทางจิตที่สร้างสรรค์ที่ครอบคลุมความสามารถความชัดเจนในการสร้างรูปแบบดนตรี ในงานของพวกเขา สติปัญญาและอารมณ์ องค์ประกอบที่น่าเศร้าและตลก ความสบายและความรอบคอบถูกเชื่อมโยงเข้าด้วยกันอย่างเป็นธรรมชาติ

Beethoven และ Haydn หลงใหลในการแต่งเพลงประกอบ Mozart จัดการทั้งการประพันธ์โอเปร่าและออร์เคสตราอย่างเชี่ยวชาญ เบโธเฟนเป็นผู้สร้างผลงานที่กล้าหาญที่ไม่มีใครเทียบได้ Haydn ชื่นชมและประสบความสำเร็จในการใช้อารมณ์ขันประเภทพื้นบ้านในงานของเขา Mozart เป็นนักแต่งเพลงสากล

Mozart เป็นผู้สร้างรูปแบบเครื่องดนตรีโซนาต้า เบโธเฟนทำให้มันสมบูรณ์แบบ นำมันไปสู่ความสูงที่ไม่มีใครเทียบได้ ช่วงเวลาดังกล่าวกลายเป็นช่วงเวลาแห่งความเจริญรุ่งเรืองสี่ประการ Haydn ตามด้วย Beethoven และ Mozart มีส่วนสำคัญในการพัฒนาแนวเพลงประเภทนี้

ปรมาจารย์ชาวอิตาลี

Giuseppe Verdi - นักดนตรีที่โดดเด่นของศตวรรษที่ 19 พัฒนาโอเปร่าอิตาลีแบบดั้งเดิม เขามีฝีมือที่ไร้ที่ติ ผลงานโอเปร่า Il trovatore, La Traviata, Othello, Aida กลายเป็นจุดสุดยอดของกิจกรรมนักแต่งเพลงของเขา

Niccolo Paganini - เกิดในเมืองนีซ หนึ่งในบุคคลที่มีพรสวรรค์ทางดนตรีมากที่สุดคนหนึ่งของศตวรรษที่ 18 และ 19 เขาเป็นอัจฉริยะด้านไวโอลิน เขาแต่งเพลง caprices, sonatas, quartets for violin, Guitar, viola and cello เขาเขียนคอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา

Gioacchino Rossini - ทำงานในศตวรรษที่ 19 ประพันธ์เพลงศักดิ์สิทธิ์และแชมเบอร์ ประพันธ์ 39 โอเปร่า ผลงานที่โดดเด่น - "The Barber of Seville", "Othello", "Cinderella", "The Thieving Magpie", "Semiramide"

Antonio Vivaldi เป็นหนึ่งในตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของศิลปะไวโอลินแห่งศตวรรษที่ 18 เขาได้รับชื่อเสียงจากผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา - 4 คอนแชร์โตไวโอลิน "The Seasons" เขาใช้ชีวิตอย่างสร้างสรรค์ที่มีผลอย่างน่าอัศจรรย์ ประกอบด้วยละคร 90 เรื่อง

นักประพันธ์เพลงคลาสสิกชาวอิตาลีที่มีชื่อเสียงได้ทิ้งมรดกทางดนตรีไว้ชั่วนิรันดร์ cantatas, sonatas, serenades, symphonies, operas ของพวกเขาจะให้ความสุขแก่คนหลายรุ่น

ลักษณะเฉพาะของการรับรู้ดนตรีของเด็ก

การฟังเพลงที่ดีมีผลดีต่อพัฒนาการทางจิตและอารมณ์ของเด็กตามที่นักจิตวิทยาเด็กกล่าว ดนตรีที่ดีทำให้คนรู้จักศิลปะและสร้างรสนิยมทางสุนทรียะตามที่ครูเชื่อ

การสร้างสรรค์ที่มีชื่อเสียงมากมายถูกสร้างขึ้นโดยนักประพันธ์เพลงคลาสสิกสำหรับเด็ก โดยคำนึงถึงจิตวิทยา การรับรู้ และความเฉพาะเจาะจงของอายุ เช่น สำหรับการฟัง ในขณะที่งานอื่นๆ ได้แต่งเพลงต่างๆ สำหรับนักแสดงตัวน้อยที่ได้ยินได้ง่ายด้วยหูและเข้าถึงได้ในทางเทคนิค

"อัลบั้มสำหรับเด็ก" โดย Tchaikovsky P.I. สำหรับนักเปียโนตัวน้อย อัลบั้มนี้อุทิศให้กับหลานชายที่รักเสียงเพลงและเป็นเด็กที่มีพรสวรรค์มาก คอลเลคชันนี้มีมากกว่า 20 ชิ้น โดยบางชิ้นมีพื้นฐานมาจากนิทานพื้นบ้าน: ลวดลายเนเปิลส์ การเต้นรำของรัสเซีย ท่วงทำนอง Tyrolean และภาษาฝรั่งเศส คอลเลกชัน "เพลงสำหรับเด็ก" โดย Tchaikovsky P.I. ออกแบบมาสำหรับการรับรู้การได้ยินของผู้ชมเด็ก เพลงที่มองโลกในแง่ดีเกี่ยวกับฤดูใบไม้ผลิ นก สวนที่ผลิบาน (“สวนของฉัน”) เกี่ยวกับความเห็นอกเห็นใจต่อพระคริสต์และพระเจ้า (“พระคริสต์ผู้ทรงทารกมีสวน”)

คลาสสิกสำหรับเด็ก

นักประพันธ์เพลงคลาสสิกหลายคนทำงานให้กับเด็ก ๆ รายชื่อผลงานที่หลากหลายมาก

Prokofiev S.S. "ปีเตอร์กับหมาป่า" เป็นนิทานไพเราะสำหรับเด็ก นิทานเรื่องนี้ทำให้เด็กๆ ได้คุ้นเคยกับเครื่องดนตรีของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา เนื้อหาของเรื่องเขียนโดย Prokofiev เอง

Schumann R. "ฉากเด็ก" เป็นเรื่องราวดนตรีสั้น ๆ ที่มีโครงเรื่องง่าย ๆ เขียนขึ้นสำหรับนักแสดงผู้ใหญ่ความทรงจำในวัยเด็ก

วัฏจักรเปียโนของ Debussy "มุมเด็ก"

Ravel M. "Mother Goose" ตามนิทานของ Ch. Perrault

Bartok B. "ก้าวแรกที่เปียโน"

วัฏจักรสำหรับเด็ก Gavrilova S. "สำหรับคนที่เล็กที่สุด"; "วีรบุรุษแห่งเทพนิยาย"; "เด็กเกี่ยวกับสัตว์"

Shostakovich D. "อัลบั้มชิ้นส่วนเปียโนสำหรับเด็ก"

บัค ไอ.เอส. สมุดบันทึกสำหรับ Anna Magdalena Bach การสอนดนตรีให้กับลูกๆ ของเขา เขาได้สร้างผลงานและแบบฝึกหัดพิเศษให้พวกเขาเพื่อพัฒนาทักษะทางเทคนิค

Haydn J. - บรรพบุรุษของซิมโฟนีคลาสสิค สร้างซิมโฟนีพิเศษที่เรียกว่า "เด็ก" เครื่องมือที่ใช้: ไนติงเกลดิน, สั่น, นกกาเหว่า - ให้เสียงที่ผิดปกติ, หน่อมแน้มและเร้าใจ

Saint-Saens K. เกิดจินตนาการสำหรับวงออเคสตราและเปียโน 2 ตัวที่เรียกว่า "Carnival of the Animals" ซึ่งเขาถ่ายทอดเสียงไก่ชนเสียงคำรามของสิงโตความอิ่มเอมใจของช้างและลักษณะการเคลื่อนไหวของมันอย่างเชี่ยวชาญ หงส์ที่สง่างามน่าสัมผัสด้วยวิธีการทางดนตรี

นักแต่งเพลงคลาสสิกผู้ยิ่งใหญ่ที่แต่งเพลงสำหรับเด็กและเยาวชนได้ดูแลเรื่องราวที่น่าสนใจของงาน ความพร้อมใช้งานของเนื้อหาที่เสนอ โดยคำนึงถึงอายุของนักแสดงหรือผู้ฟัง

รูปแบบโซนาตาที่มีตอนใช้ในประเภทต่างๆ: แต่ละชิ้น, รอบชิงชนะเลิศของรูปแบบวัฏจักร, ส่วนที่ช้า

ตอนหนึ่งอาจมีแบบฟอร์มที่สมบูรณ์อย่างใดอย่างหนึ่ง

ในบางกรณี พวงปรากฏขึ้นจากตอนเพื่อบรรเลง

นอกจากนี้ยังมีเสียงกลางในรูปแบบโซนาต้าที่ใช้การพัฒนากับตอนหรือในทางกลับกัน

ละครในรูปแบบโซนาต้า สาระสำคัญของการแสดงละครโซนาตา (โซนาต้า) ไม่ได้อยู่ในโครงสร้างของรูปแบบโซนาตา แต่อยู่ในกระบวนการพัฒนา กระบวนการนี้แสดงออกในความสัมพันธ์และหน้าที่พิเศษของเนื้อหาเฉพาะเรื่อง ตรงกันข้ามกับการตีข่าวหรือผ่านการพัฒนาตามแบบฉบับของรูปแบบสามส่วนที่ซับซ้อนหรือรอนโด รูปแบบโซนาตามีความโดดเด่นจากการรวมกันแบบไดนามิก ซึ่งแสดงออกในการจัดเตรียมธีมหรือส่วนต่อไปนี้อย่างเข้มข้น

สิ่งที่สำคัญยิ่งกว่าสำหรับการแสดงละครโซนาตาคือบทบาทและปฏิสัมพันธ์ของหน้าที่ของวัสดุในนิทรรศการซึ่งมีสามประการ:

1. เนื้อหาหลักที่มีบทบาทสำคัญในการทำงานและเน้นความสนใจของผู้ฟัง (หัวข้อหลัก)

2. เอกสารเตรียมการที่ทำให้เกิดความคาดหวังในตอนต่อไป (บทนำ ลิงก์ การคาดคะเน)

3. วัสดุขั้นสุดท้ายที่มีลักษณะยืนยัน (หัวข้อสุดท้าย รหัส)

ในอัตราส่วนของฝ่ายใหญ่และฝ่ายข้าง สิ่งนี้อำนวยความสะดวกด้วยขนาดที่ใหญ่ของหลัง และโดยเฉพาะอย่างยิ่งการตรึงโทนสีโดยใช้วัสดุที่มีลักษณะยืนยันและจังหวะ

รูปแบบโซนาตาถูกใช้ในวงจรโซนาตา-ซิมโฟนี (การเคลื่อนไหวครั้งแรก ตอนจบ การเคลื่อนไหวช้า) ผลงานส่วนบุคคลที่มีลักษณะเป็นอิสระ การทาบทาม ดนตรีร้องและฉากโอเปร่า 41. การเชื่อมต่อส่วนต่าง ๆ ของงานวัฏจักรเครื่องมือ

รูปแบบวัฏจักรในดนตรีเป็นรูปแบบดนตรีของงาน ซึ่งบ่งบอกถึงการมีอยู่ของส่วนต่าง ๆ ที่เป็นอิสระในโครงสร้าง แต่เชื่อมโยงกันด้วยความสามัคคีของเจตนา ในประวัติศาสตร์ของดนตรีวิชาการ วงรอบ "โหมโรง-fugue", วงรอบสวีท, วัฏจักรโซนาตา-ซิมโฟนิกเป็นที่รู้จักกัน วงรอบสามารถเรียกได้ว่าเป็นชุดของงานที่เชื่อมต่อถึงกัน (ซึ่งแต่ละงานอาจมีหรือไม่มีรูปแบบเป็นวัฏจักร) หรือรายการคอนเสิร์ต ในดนตรีที่ไม่ใช่วิชาการ (แจ๊ส ร็อค) อัลบั้มแนวความคิดและงานหลักที่แยกจากกันอาจมุ่งไปสู่รูปแบบวัฏจักร

วัฏจักรสองส่วน "โหมโรง-fugue" เป็นที่รู้จักกันมาตั้งแต่ยุคบาโรก มันแสดงให้เห็นการทำงานของบทนำเป็นบทนำแบบด้นสดสำหรับความทรงจำ

วัฏจักร "โหมโรง-ความทรงจำ" สามารถรวมกันเป็นวัฏจักรที่ใหญ่ขึ้นได้บนพื้นฐานของหลักการที่เป็นทางการหรือเฉพาะเรื่อง ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Well-Tempered Clavier โดย J.S. Bach ซึ่งสร้างขึ้นบนหลักการของการสลับกันของการติดต่อแบบโมดอล ตัวอย่างจากเพลงของศตวรรษที่ 20 คือ "24 Preludes and Fugues" โดย D. D. Shostakovich

ห้องสวีทที่รู้จักกันตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 มีลักษณะดังนี้:

การเชื่อมต่อของแต่ละส่วนของงานกับประเภทประยุกต์ (เพลง, การเต้นรำ) แบบดั้งเดิม, ความเรียบง่ายของโครงสร้างของชิ้นส่วน;

การเทียบเคียงความคมชัดของชิ้นส่วน

แนวโน้มสู่ความสามัคคีหรือความสัมพันธ์ที่ใกล้เคียงที่สุดของกุญแจของส่วนต่างๆ

จุดสูงสุดของแนวเพลงบาร็อคคือห้องชุดของ J. S. Bach และ G. F. Handel ในยุคคลาสสิก - W. A. ​​​​Mozart และ J. Haydn ในศตวรรษที่ 19 นักประพันธ์เพลงหลักหันไปใช้แนวเพลงของห้องสวีทเป็นหลักเพื่อจุดประสงค์ในการแต่งสไตล์ (E. Grieg, M. Ravel และอื่นๆ)

ในศตวรรษที่ 20 ประเภทของห้องชุดได้รับการคิดใหม่อย่างมีนัยสำคัญโดยใช้เทคนิคใหม่ ๆ (เช่นชุดดนตรีออร์เคสตรา dodecaphonic โดย A. Schoenberg และ A. Berg) เนื้อหาใหม่ได้รับการกล่าวถึง (เช่นใน P. Hindemith's ชุด "1922" การเต้นรำที่ทันสมัยของเวลาที่เกี่ยวข้อง: shimmy, boston, ragtime)

ผลงานบางเพลงที่ไม่ใช่วิชาการ (ส่วนใหญ่เป็นโปรเกรสซีฟร็อค) ก็ดึงดูดเข้าหารูปแบบห้องชุดเช่นกัน ตัวอย่าง ได้แก่ "Lizard" จากอัลบั้มชื่อตัวเองของ King Crimson และ "Atom Heart Mother" จากอัลบั้มชื่อตัวเองของ Pink Floyd อย่างไรก็ตาม "ห้องชุดร็อค" มักถูกเรียกว่าการแต่งเพลงที่ดึงดูดใจมากกว่าในรูปแบบอิสระและแบบผสม (ในคำศัพท์ทางดนตรีและทฤษฎีแบบดั้งเดิม)

วัฏจักรโซนาตา-ซิมโฟนิกประกอบด้วยแนวดนตรีเชิงวิชาการที่เป็นนามธรรมมากที่สุด เช่น ซิมโฟนี โซนาตา ควอเตต คอนแชร์โต มีลักษณะดังนี้:

สิ่งที่เป็นนามธรรมจากลักษณะที่ประยุกต์ใช้ของดนตรี (แม้ว่าจะใช้วัสดุที่ใช้เป็นวัสดุของส่วนใดส่วนหนึ่งก็ตาม)

ความเป็นไปได้ของความแตกต่างที่เป็นรูปเป็นร่างและความหมายระหว่างส่วนที่แยกจากกัน (ขึ้นอยู่กับความขัดแย้งโดยตรง);

การพัฒนาโทนเสียงที่ซับซ้อน

ฟังก์ชั่นและรูปแบบที่กำหนดไว้ของแต่ละส่วน (ลักษณะของแต่ละประเภทของเพลงโซนาต้า - ซิมโฟนิก)

โซนาตาคลาสสิกก่อตัวขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 18 จนถึงจุดสูงสุดในคลาสสิกแบบเวียนนาและยังคงหลงเหลืออยู่ โดยมีการสงวนไว้บางส่วน เป็นประเภทที่มีชีวิต ซิมโฟนีเป็นแนวเพลงที่ก่อตัวขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 และยังมาถึงจุดสูงสุดในคลาสสิกแบบเวียนนาและยังคงเป็นแนวดนตรีเชิงวิชาการที่มีชีวิต (รูปแบบไพเราะไม่ควรสับสนกับการแสดงไพเราะซึ่งอาจเป็นลักษณะเฉพาะของงานที่ไม่อยู่ในรูปแบบนี้) วงควอเตได้รับรูปแบบของวงจรโซนาตาในผลงานของเจ. ไฮเดน และพัฒนาต่อไปในผลงานคลาสสิกของเวียนนา ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 แนวเพลงและหลักการ monothematic ได้กลายเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานหลายประเภทในประเภทนี้ คอนแชร์โต้เป็นงานวัฏจักรโซนาตา - ซิมโฟนิกซึ่งมีลักษณะตรงกันข้ามกับเสียงของวงดนตรีทั้งหมดและแต่ละกลุ่มหรือศิลปินเดี่ยวได้ก่อตัวขึ้นในรูปแบบที่รู้จักกันในปัจจุบันเมื่อสิ้นสุดศตวรรษที่ 18

งานดนตรีอาจประกอบด้วยส่วนที่รวมกันเป็นหนึ่งตามหลักการที่แตกต่างจากงานในประเภทที่ระบุไว้ และยังมีลักษณะเป็นวัฏจักรในระดับหนึ่งหรืออย่างอื่น มีหลายประเภทของดนตรีศักดิ์สิทธิ์ประยุกต์ (มวลชน, คอนเสิร์ตศักดิ์สิทธิ์, การเฝ้า), cantatas, เสียงร้องและวงประสานเสียง (การบรรยายและโคลงสั้น ๆ)

งานทั้งหมดสามารถรวมกันเป็นวัฏจักรได้ (ซึ่งแต่ละงานอาจมีลักษณะเป็นวัฏจักรหรือไม่ก็ได้) เหล่านี้เป็นวัฏจักรของโหมโรงและความคิดที่กล่าวถึงข้างต้น Der Ring des Nibelungen เตตร้าโลจีของ R. Wagner อัลบั้มแนวความคิดในดนตรีที่ไม่ใช่เชิงวิชาการ ตลอดจนผลงานสำคัญๆ ของดนตรีแจ๊สและร็อค 42. ภาษาดนตรี.

ภาษาดนตรีก็เหมือนกับระบบภาษาอื่น ๆ ซึ่งเป็นองค์กรในลักษณะนี้ การเป็นตัวแทนของระบบแบบลำดับชั้นมีอำนาจในการอธิบายมากกว่าคำอธิบายการจัดหมวดหมู่ทั่วไป เป็นผลให้เป็นที่ยอมรับว่าตำราดนตรีที่เราสังเกตเป็น "สุนทรพจน์ทางดนตรี" ซึ่งเป็นการตระหนักรู้ซึ่งเป็นผลิตภัณฑ์ของระบบในอุดมคติ (ไม่สามารถสังเกตได้โดยตรง) - "ภาษา" ทางดนตรี ... ประการแรก แนวคิดของ "ภาษาดนตรี" (และดังนั้น "สุนทรพจน์ทางดนตรี") จึงต้องมีการชี้แจง ประการแรกเข้าใจว่าเป็นระบบที่ไม่เคยเกิดขึ้นจริงในตำราวรรณกรรมเท่านั้น ซึ่งลดรูปแบบการก่อสร้างบางส่วนลง การพูด ตัวอย่างเช่น "ภาษาของผลงานของเบโธเฟน" เราหมายถึงระบบที่ไม่เพียงสร้างงานเหล่านี้เท่านั้น แต่ยังรวมถึงข้อความทุกประเภทที่รักษารูปแบบที่เป็นลักษณะเฉพาะของงานของเบโธเฟน . . . คำพูดทางดนตรีที่มีความเข้าใจนี้เปิดกว้างนั่นคือประกอบด้วยข้อความจำนวนอนันต์ .

ต่อไป แนวคิดเรื่องสไตล์เป็นสิ่งสำคัญสำหรับเรา แนวคิดนี้สามารถกำหนดเป็นชุดของข้อความที่มีการสันนิษฐานเพื่อแสดงถึงการนำระบบหนึ่งไปปฏิบัติ ในทางกลับกัน. ในแง่ของรูปแบบที่แตกต่างกัน สันนิษฐานว่าพวกเขาใช้ระบบที่แตกต่างกัน .

โครงสร้างของระบบดนตรีแสดงเป็นลำดับชั้นของระดับ ดังนั้น เห็นได้ชัดว่า มันเป็นไปได้ที่จะแยกแยะระดับของเสียงแต่ละเสียง ระดับของการผสมเสียง ระดับฮาร์มอนิก (ระดับของคอร์ด) ระดับ (หรือจำนวนระดับ) ของข้อต่อที่เป็นทางการ ภายในระดับหนึ่งมีหน่วยของคำสั่งเดียวกัน - เสียง, การรวมกันของเสียง, คอร์ด, ส่วนต่าง ๆ ของแบบฟอร์ม เห็นได้ชัดว่าแบบจำลองของแต่ละระดับควรสร้างข้อความที่ถูกต้องจากมุมมองของระดับนี้ "43. โครงสร้างคำศัพท์ทางดนตรี

นอกจากคำศัพท์เฉพาะทางแล้ว พจนานุกรมยังประกอบด้วยชั้นคำศัพท์วรรณกรรมทั่วไปที่ครอบคลุมซึ่งใช้ในวรรณกรรมดนตรีเพื่อประเมินและอธิบายผลงานดนตรี ตลอดจนอธิบายผลกระทบที่มีต่อโลกภายในของบุคคล ต่อการรับรู้ทางสุนทรียะของผู้ฟัง . ในการเตรียมพจนานุกรมจะใช้พจนานุกรมอธิบายภาษาอังกฤษและอเมริกันเกี่ยวกับดนตรี สารานุกรมดนตรี รวมถึงข้อความต้นฉบับจากหนังสือเพลง ไม่สามารถจินตนาการถึงชีวิตมนุษย์ได้หากปราศจากภาพศิลป์ที่มีเสียงซึ่งเกิดขึ้นในจิตขณะรับรู้ดนตรี เอกสารนี้ตรวจสอบโครงสร้างเนื้อหาของชิ้นส่วน "ดนตรี" ของภาพโลกซึ่งแสดงโดยใช้ภาษาอังกฤษสมัยใหม่ โครงสร้างความรู้ความเข้าใจที่เป็นรากฐานของการรับรู้คำศัพท์ดนตรีโดยทั้งมืออาชีพและมือสมัครเล่นได้รับการวิเคราะห์ แบบจำลองเชิงเปรียบเทียบถูกนำเสนอเป็นพื้นฐานทางปัญญาสำหรับการสร้างคำศัพท์ทางดนตรีและคำศัพท์ทางดนตรีที่ใช้กันทั่วไปในภาษาอังกฤษ พิจารณาการทำงานของภาษาของดนตรีในข้อความที่มีอัตราส่วนของส่วนทางวาจาและภาพต่างกัน หนังสือเล่มนี้เป็นอีกก้าวหนึ่งของการศึกษาความสัมพันธ์ระหว่างสองโลก - ภาษาและดนตรี หนังสือเล่มนี้มีไว้สำหรับทุกคนที่มีความสนใจในประเด็นของการจัดโครงสร้างทางจิตของการรับรู้ทางภาษาของความเป็นจริงโดยรอบ 44. ความหมายทางดนตรีที่เรียบง่ายและความหมาย

งานประกอบด้วยวลีดนตรีที่แยกจากกัน - ชิ้นส่วนดนตรีขนาดเล็ก วลีดนตรีรวมกันเป็นช่วงเวลา ช่วงเวลาที่ฟังดูคล้ายคลึงกันจะรวมกันเป็นส่วนๆ เศษส่วน (วลี ช่วงเวลา ส่วนต่างๆ) ของงานดนตรีระบุด้วยตัวอักษรละติน: A, B, C เป็นต้น ชิ้นส่วนต่างๆ รวมกันเป็นรูปทรงดนตรีต่างๆ ดังนั้นรูปแบบทั่วไปในดนตรีคลาสสิก - ABA (รูปแบบเพลง) หมายความว่าส่วนเดิม A จะหายไปเมื่อถูกแทนที่ด้วยส่วน B และทำซ้ำเมื่อสิ้นสุดการทำงาน

นอกจากนี้ยังมีโครงสร้างที่ซับซ้อนมากขึ้น: แรงจูงใจ (องค์ประกอบที่เล็กที่สุดของรูปแบบดนตรี 1-2 แท่ง) วลี (ความคิดทางดนตรีที่สมบูรณ์ 2-4 แท่ง) ประโยค (ส่วนที่เล็กที่สุดของเมโลดี้ที่เติมเต็มโดยบางประเภท จังหวะ; 4-8 บาร์), คาบ (องค์ประกอบของรูปแบบดนตรี; 8-16 บาร์; 2 ประโยค)

วิธีต่างๆ ในการพัฒนาและเปรียบเทียบองค์ประกอบของทำนองนำไปสู่การก่อตัวของรูปแบบดนตรีประเภทต่างๆ:

แบบชิ้นเดียว (A)

เรียกอีกอย่างว่ารูปแบบเพลงบัลลาดหรืออากาศ รูปแบบดั้งเดิมที่สุด ท่วงทำนองสามารถทำซ้ำได้โดยมีการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อย (แบบ AA1A2...) ตัวอย่าง: ditties

แบบฟอร์มสองส่วน (AB)

ประกอบด้วยชิ้นส่วนที่ตัดกันสองส่วน - การโต้แย้งและการโต้แย้ง (ตัวอย่างเช่น บทละคร "The Organ Grinder Sings" จาก "Children's Album" ของ PI Tchaikovsky) อย่างไรก็ตาม หากชิ้นส่วนไม่ตัดกัน นั่นคือชิ้นส่วนที่สองถูกสร้างขึ้นจากวัสดุของชิ้นส่วนแรก จากนั้นรูปแบบสองส่วนจะเปลี่ยนเป็นรูปแบบของรูปแบบส่วนเดียว อย่างไรก็ตาม งานดังกล่าว (เช่น ละครเรื่อง "Remembrance" จาก "Album for Youth" ของ R. Schumann) บางครั้งเรียกว่าเป็นสองส่วน

แบบฟอร์มสามส่วน (ABA)

เรียกอีกอย่างว่าเพลงหรือไตรภาค รูปแบบสามส่วนมี 2 ประเภท - เรียบง่ายและซับซ้อน พูดง่ายๆ คือ แต่ละส่วนคือช่วงเวลา ส่วนตรงกลางอาจเป็นช่วงเปลี่ยนผ่านสั้นๆ ซับซ้อน - ตามกฎแล้วแต่ละส่วนจะเป็นรูปแบบสองส่วนหรือสามส่วนอย่างง่าย

รูปทรงศูนย์กลาง

รูปแบบศูนย์กลางประกอบด้วยสามส่วนขึ้นไป โดยทำซ้ำหลังจากส่วนตรงกลางในลำดับที่กลับกัน เช่น A B C B A 45 ความหมายของรูปแบบการประพันธ์ดนตรี

ระบบการประพันธ์ดนตรีมีชุดแนวคิดที่มีรายละเอียดมาก ซึ่งช่วยให้ "เห็น" ผลงานดนตรีในรายละเอียดที่เล็กที่สุดได้ ไม่มีศาสตร์แห่งดนตรีอื่นใดที่มีความคมชัดและความแม่นยำของ "การมองเห็น" เช่นนี้ - ประวัติของดนตรี ทฤษฎีการแสดง ชาติพันธุ์วรรณนาทางดนตรี สุนทรียศาสตร์ทางดนตรี ฯลฯ ในเวลาเดียวกัน แนวความคิดทางดนตรีและการเรียบเรียงมีแนวโน้มที่จะ "ได้รับ" ความหมายซึ่งเกิดขึ้นจากประสบการณ์อันยาวนานของนักดนตรีในการสื่อสารกับระบบแนวคิดที่อธิบายดนตรี การแต่งเพลงเองก็มีความหมายเช่นกัน - ประเภทความหลากหลายแต่ละกรณี รูปแบบดนตรีจับธรรมชาติของการคิดทางดนตรี นอกจากนี้ การคิดหลายชั้น สะท้อนความคิดของยุคสมัย โรงเรียนศิลปะแห่งชาติ รูปแบบของนักแต่งเพลง เป็นต้น ดังนั้นทั้งวัตถุประสงค์ของการพิจารณา - รูปแบบการประพันธ์ดนตรี - และวิธีการวิเคราะห์ควรเชื่อมโยงกับทรงกลมที่แสดงออกและความหมายของดนตรี

ดนตรีวิทยาเชิงทฤษฎีเกี่ยวข้องกับภาษาสองประเภท ได้แก่ ภาษาศิลปะของดนตรีและภาษาวิทยาศาสตร์ของแนวคิดทางทฤษฎีเกี่ยวกับดนตรี มีความแตกต่างทางหมวดหมู่ระหว่างภาษาเหล่านี้ แต่ก็มีความคล้ายคลึงกัน - การมีอยู่ของความหมายทางความหมายที่จัดตั้งขึ้น ในภาษาดนตรี ความหมายมีลักษณะเชื่อมโยง-แสดงออก โดยมีการผสมผสานระหว่างแนวคิดเชิงเชื่อมโยง ทางวิทยาศาสตร์ - ตรงกันข้าม แนวคิดเชิงเชื่อมโยง กับการผสมผสานระหว่างการแสดงออกทางอารมณ์ ในดนตรี หน่วยของภาษาคือน้ำเสียง ในทางทฤษฎีดนตรี คำศัพท์ ในแง่ของวิธีการวิเคราะห์ดนตรี มันเป็นสิ่งสำคัญที่การเชื่อมต่อจะเกิดขึ้นอย่างต่อเนื่องระหว่างเสียงสูงต่ำของดนตรีและแนวคิดทางดนตรี (คำ) ที่อิ่มตัวภาษาของดนตรีที่มีนัยสำคัญที่เพิ่มขึ้น แนวความคิดและภาพ ความหมาย - ภาษาของศาสตร์แห่งดนตรี ยกตัวอย่าง "การพัฒนาโซนาต้า" ในอีกด้านหนึ่ง ในแง่ของดนตรีและศิลปะ นักแสดงจำเป็นต้องเล่นส่วนนี้ของรูปแบบโซนาตาที่ไม่เสถียรเหมือนในจินตนาการ ซึ่งสัญลักษณ์ทางความคิดควรจะทะยาน "ในอากาศ" ของคอนเสิร์ตฮอลล์: "นี่คือ การพัฒนา". ในทางกลับกัน ในแง่ของวิทยาศาสตร์เชิงทฤษฎี เครื่องหมาย แนวคิดของ "การพัฒนาโซนาตา" ควรทำให้เกิดความคิดเกี่ยวกับความไม่มั่นคงทางดนตรี จินตนาการ และล้อมรอบด้วยเสียงสูงต่ำในจินตนาการของการพัฒนาโซนาตา ในการทำงานของ "กลไก" ของการเชื่อมต่อดังกล่าวระหว่างองค์ประกอบของภาษาดนตรีศิลปะและดนตรี - ทฤษฎีเป็นการรับประกันว่าการดำเนินการวิเคราะห์ดนตรี (ด้วยทักษะที่เหมาะสมศิลปะ) สามารถให้บริการเพื่อเปิดเผยความหมายและความหมาย ตรรกะของงานดนตรี

"หลักคำสอนของรูปแบบดนตรี" (musikalische Formenlehre) เกิดขึ้นในประเทศเยอรมนีเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 และมีเป้าหมายเพื่อกำหนดบรรทัดฐานของโครงสร้างการประพันธ์สำหรับงานประเภทต่าง ๆ - motet, opera aria, sonata เป็นต้น งานพื้นฐานเกี่ยวกับรูปแบบดนตรี “หลักคำสอนเรื่องการประพันธ์ดนตรี” โดย A.B. มาร์กซ์ (ค.ศ. 1837-1847) ถือเป็น "รูปแบบ" ในความเป็นเอกภาพอย่างเป็นระบบกับแนวเพลงและทุกแง่มุมขององค์ประกอบทางดนตรี - ช่วงเวลา, ความกลมกลืน, โพลีโฟนี, เครื่องมือวัด ฯลฯ ไม่ใช่คำว่า "รูปแบบ" ที่อยู่ในชื่อ แต่เป็นคำว่า "องค์ประกอบ" คำว่า "รูปแบบ" มีประเพณีทางปรัชญามายาวนานและเหนือสิ่งอื่นใด สอดคล้องกับหมวดหมู่ของความงาม - เริ่มจาก Plotinus "อภิปรัชญาแห่งความงาม" (ศตวรรษที่ 3) ของเขาได้รับการฟื้นฟูในศตวรรษที่ 18-19 ชาฟต์สบรีและวิงเคิลแมน และกลินกากล่าวว่า "รูปหมายถึงอัตราส่วนของส่วนและส่วนทั้งหมด รูปหมายถึงความงาม"

ในขณะเดียวกัน แนวคิดของ "รูปแบบดนตรี" ก็ไม่เหมือนกับแนวคิดของ "รูปแบบ" ในปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ "รูปแบบดนตรี" เป็นหมวดหมู่เดียว ไม่ได้เชื่อมโยงเป็น dyad หรือ triad กับหมวดหมู่อื่นใด มันไม่ได้ตรงกันข้ามกับ "เนื้อหา" แต่มีเนื้อหา นั่นคือสาระสำคัญที่แสดงออกถึงความหมายและเป็นภาษาชาติของงานดนตรี ในประเพณีทางปรัชญา "รูปแบบ" ไม่ได้เป็นอิสระและเข้าใจได้เฉพาะในการเชื่อมต่อกับหมวดหมู่เสริม: สสารและ "ไอดอส" (นั่นคือ "รูปแบบ" - ในเพลโต) สสาร รูปแบบ เนื้อหา (ในเฮเกล) แบบฟอร์มและ เนื้อหา (ในชิลเลอร์) , ในปรัชญามาร์กซิสต์-เลนินนิสต์และสุนทรียศาสตร์) ในแง่ของการไม่ระบุตัวตนของ "รูปแบบ" ทางปรัชญาและดนตรี และในความเห็นของผู้เขียน ความล้าสมัยของ "รูปแบบเนื้อหา" ทางปรัชญา ขอแนะนำให้ใช้การต่อต้านที่ใหม่กว่าและเกี่ยวกับสัญศาสตร์ในดนตรีวิทยา: " ระนาบของเนื้อหา - ระนาบของการแสดงออก".

I. รูปแบบดนตรีเป็นปรากฏการณ์

ครั้งที่สอง รูปแบบดนตรีเป็นองค์ประกอบที่พิมพ์ประวัติศาสตร์

สาม. รูปแบบดนตรีเป็นองค์ประกอบเฉพาะของงาน

เนื้อหาของรูปแบบดนตรีเป็นปรากฏการณ์ (I) สอดคล้องกับแนวคิดเนื้อหาของดนตรีและศิลปะโดยทั่วไป ในงานศิลปะโดยรวม เลเยอร์ถูกหลอมรวมเข้าด้วยกัน ซึ่งสามารถเรียกได้ว่า "พิเศษ" และ "ไม่พิเศษ" เลเยอร์ "ไม่พิเศษ" สะท้อนถึงโลกแห่งความเป็นจริง รวมถึงแง่ลบของมันด้วย “พิเศษ” คือโลกแห่งความงามในอุดมคติซึ่งนำความคิดทางจริยธรรมของความดีมาสู่มนุษย์ แนวคิดด้านสุนทรียะของความกลมกลืนของจักรวาล และทางจิตวิทยา - อารมณ์แห่งความสุข รูปแบบดนตรีเกี่ยวข้องกับเนื้อหา "พิเศษ" ของศิลปะเป็นหลัก และทั้งระบบของทฤษฎีดนตรีและการประพันธ์สอนให้บรรลุถึงความปรองดอง ไม่ใช่เสียงขรม ความสอดคล้องของเสียง ไม่ใช่การแยกจากกัน การจัดจังหวะ ไม่สับสน ในท้ายที่สุด - การก่อตัวของรูปแบบ การสร้างรูปแบบ ไม่ใช่ความไร้รูปแบบ . และเธอมุ่งมั่นที่จะพัฒนากฎสากลขององค์ประกอบที่ไม่เปลี่ยนแปลงขึ้นอยู่กับแนวคิดเฉพาะของงานเฉพาะ ดังนั้น ศาสตร์แห่งรูปแบบดนตรีจึงเป็นศาสตร์แห่งความงามทางดนตรี ซึ่งเป็นชั้นในอุดมคติ "พิเศษ" ของเนื้อหาของดนตรี

เนื้อหา ความหมายของรูปแบบดนตรีในฐานะองค์ประกอบที่จำแนกตามประวัติศาสตร์ (II) เกิดขึ้นจากกลไกทางภาษาศาสตร์เดียวกันกับความหมายของประเภทดนตรี รูปแบบประเภทคือมวลเกรกอเรียน, rondo ฟื้นฟูยุคกลาง, virele, ballata, le และอื่น ๆ การระบายสีประเภทคือ "รูปแบบเพลง" สองและสามส่วนคลาสสิก "รูปแบบ adagio" และอื่น ๆ ความหมายของรูปแบบดนตรีส่วนใหญ่ได้รับผลกระทบจากความคิดทางศิลปะและสุนทรียภาพในยุคนั้น ซึ่งมีอิทธิพลต่อการเกิดขึ้นหรือนำไปสู่การเฟื่องฟูของรูปแบบเฉพาะ ตัวอย่างเช่นรูปแบบผสมของศตวรรษที่ 19 ซึ่งปรากฏในยุคของอิทธิพลที่เป็นรูปเป็นร่างและสร้างสรรค์ในดนตรีประเภทบทกวีของเพลงบัลลาดบทกวีมีความหมายของการบรรยายเกี่ยวกับเหตุการณ์ที่ผิดปกติด้วยการเปลี่ยนแปลงที่น่าอัศจรรย์ (การเปลี่ยนแปลง) ด้วย พายุสิ้นสุดจุดสุดยอด การสร้างความหมายของรูปแบบดนตรีตามแบบฉบับที่คัดเลือกมาในอดีตเป็นคุณลักษณะเชิงระเบียบวิธีของหนังสือเรียนเล่มนี้

รูปแบบดนตรีเป็นองค์ประกอบเฉพาะของงาน (III) ปรากฏในรูปแบบของสองกรณีหลัก: 1) การทำให้เป็นรูปเป็นร่างของรูปแบบที่พิมพ์ในอดีต 2) ส่วนบุคคล รูปแบบที่ไม่ได้พิมพ์ ในทั้งสองกรณี ความหมายที่มีความหมายของแบบฟอร์มถูกกำหนดโดยแนวคิดดั้งเดิมที่ชัดเจนขององค์ประกอบ ดังนั้น Nocturne ของโชแปงใน c-moll ซึ่งเขียนในรูปแบบสามส่วนที่ซับซ้อนซึ่งมีลักษณะซับซ้อนจึงมีลักษณะที่หายาก - การบรรเลงซ้ำซึ่งสะท้อนให้เห็นในแนวความคิดบทกวีโรแมนติกของศตวรรษที่ 19 และรูปแบบที่ไม่ได้พิมพ์เช่นของ Third Quartet โดย Gubaidulina มาจากแนวคิดที่เป็นเอกลักษณ์ของการโต้ตอบของประเภทของการแสดงออกทางเสียงเมื่อเล่น pizzicato และ bow

จากระดับเนื้อหาสามระดับของรูปแบบดนตรี ระดับแรกคือระดับเมตาเป็นสากลและมีอยู่ในผลงานดนตรีทั้งหมด ประการที่สองใกล้กับหมวดหมู่ของประเภทในแง่สัญศาสตร์ซึ่งมีความหมายที่ชัดเจนที่สุดคือประวัติศาสตร์ในท้องถิ่น ระดับที่สามเป็นสิ่งที่ขาดไม่ได้ แต่การไล่ระดับของมันมีตั้งแต่ส่วนเบี่ยงเบนน้อยที่สุดจากมาตรฐานของรูปแบบมาตรฐานไปจนถึงองค์ประกอบทางดนตรีที่ไม่เหมือนใครและเลียนแบบไม่ได้ 46. ​​​​พื้นผิวเป็นองค์ประกอบของภาษาดนตรี

Faktura (lat. factura - device, structure) เป็นวิธีทั่วไปในการออกแบบองค์ประกอบทางดนตรีแบบโพลีโฟนิกในโกดังดนตรี (polyphonic) แห่งใดแห่งหนึ่ง ในดนตรีวิทยาของรัสเซีย คำว่า "ผ้าดนตรี" (เชิงเปรียบเทียบ) มักใช้เป็นคำพ้องความหมายสำหรับพื้นผิว ตัวอย่างเช่น วลี "เนื้อร้องประสานเสียง" อธิบายการเพิ่มทั่วไปของผ้าดนตรีในการเรียบเรียงแบบโมโนริธมิกของเพลงในโบสถ์ ("นักร้องประสานเสียง") โดย I.S. Bach และนักประพันธ์เพลงบาโรกอื่น ๆ "พื้นผิวอาร์เพจจิเท็กซ์" - ในกลาเวียร์โซนาตาของ D. Scarlatti, pointillism - texture ซึ่งประกอบด้วยโทนเสียง "แยก" ที่กระจายระหว่างเสียงแต่ละเสียงหรือเครื่องดนตรีในเพลงของ A. Webern เป็นต้น

แนวคิดของเท็กซ์เจอร์มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับแนวคิดของโกดังดนตรี ซึ่งแสดงเป็นวลีทั่วไป เช่น “พื้นผิวโฮโมโฟนิกแบบเก่า” “พื้นผิวโพลีโฟนิก” “เท็กซ์เจอร์ของเฮเทอโรโฟน” เป็นต้น 47. เมโลดี้เป็นองค์ประกอบของภาษาดนตรี

เพื่อให้เข้าใจดนตรี จำเป็นต้องมีสามสิ่ง สองสิ่งชัดเจน สามไม่ใช่

สิ่งที่จำเป็นอย่างแรกคือความสามารถในการแยกแยะตามองค์ประกอบของหูของภาษาดนตรี - ไดนามิก, เสียงต่ำ, จังหวะ, ไพเราะ, ฮาร์มอนิก, โพลีโฟนิก, โครงสร้าง คุณไม่ควรกลัวคำพิเศษเหล่านี้ - ทุกอย่างไม่ยาก

องค์ประกอบแบบไดนามิกนั้นชัดเจนที่สุด เสียงเพลงจะเบาหรือดัง และเสียงจะค่อยๆ เข้าหรือออก

องค์ประกอบของ Timbre เช่น เสียงของเครื่องดนตรีต่างๆ ต่างกันออกไป เราสามารถแยกแยะเสียงของไวโอลินจากเสียงเปียโนได้อย่างชัดเจนโดยมีประสบการณ์ทางดนตรีเพียงเล็กน้อย เรามาตกลงกันก่อนว่าเสียงต่ำนั้นทำให้เราจำแหล่งกำเนิดเสียงต่างๆ ได้ - เสียงของขลุ่ยและเสียงพิณ เสียงของแม่และเสียงของพ่อ

องค์ประกอบจังหวะในการนำเสนอที่ง่ายที่สุดคืออัตราส่วนของระยะเวลาของเสียง ดนตรีดำรงอยู่ได้ทันเวลา และบางเสียงก็ยาวนานกว่าเสียงอื่นๆ อันที่จริงแล้ว ทุกอย่างซับซ้อนกว่านั้นมาก แต่สำหรับการเริ่มต้น เราจะจำกัดตัวเองให้อยู่ในคำจำกัดความดังกล่าว

องค์ประกอบไพเราะคืออัตราส่วนของเสียงในความสูง ในกรณีนี้ไม่ควรเล่นเสียงพร้อมกัน แต่ในทางกลับกัน อันที่จริงแล้วทุกอย่างซับซ้อนกว่านั้น แต่สำหรับตอนนี้คำจำกัดความนี้ก็เพียงพอแล้ว หากยังไม่ชัดเจนสำหรับคุณว่า "ระดับเสียง" คืออะไร นี่คือคำจำกัดความที่เข้าถึงได้: เพื่อให้เสียงเกิดขึ้น จะต้องมีตัวที่ส่งเสียง - ระฆัง เชือก เสาอากาศในท่อ ( ขลุ่ย ไปป์ออร์แกน ฯลฯ ) ตัวที่ส่งเสียงจะสั่นที่ความเร็วหนึ่งหรืออีกระดับหนึ่ง (เช่น การสั่นสะเทือน 100 หรือ 500 ครั้งต่อวินาที) ยิ่งมีการสั่นต่อวินาทีมากเท่าใด เสียงก็จะยิ่งสูงขึ้นตามที่พวกเขาพูด แม้แต่คนที่เรียกว่า "ไม่ใช่นักดนตรี" (แม้ว่าจะไม่มีคนแบบนั้นในธรรมชาติ แต่พวกเขาพูดอย่างนั้น) แยกแยะระหว่างเสียง "หนา" และ "ผอม", "มืด" และ "เบา" - นี่คือพื้นฐาน ความแตกต่างระหว่างเสียงในระดับเสียง

องค์ประกอบฮาร์มอนิกยังเป็นอัตราส่วนของเสียงในความสูง แต่ตอนนี้ไม่ควรเล่นเสียงสลับกัน แต่พร้อมกัน ในกรณีนี้ ตามกฎแล้วมีเสียงที่ทำซ้ำพร้อมกันมากกว่าสองเสียง และอีกครั้งที่จริงแล้วทุกอย่างซับซ้อนกว่า แต่สำหรับตอนนี้อย่างน้อยก็เพียงพอที่จะเข้าใจคำว่า "ความสามัคคี" อย่างใด

องค์ประกอบโพลีโฟนิกยังเป็นการสร้างซ้ำพร้อมกัน แต่ไม่ใช่ของเสียงเดี่ยว แต่เป็นท่วงทำนองที่แตกต่างกันสองเพลงขึ้นไป

องค์ประกอบโครงสร้างเป็นสิ่งที่ดนตรีมีลักษณะคล้ายกับภาษาและวรรณกรรมโดยเฉพาะ ในเพลงหนึ่ง คุณสามารถได้ยิน "คำ", "วลี", "ย่อหน้า", "บท" ของดนตรีแต่ละรายการ แต่นี่ไม่ได้หมายความว่า "คำ" ทางดนตรีได้รับการแปลเป็นภาษาปกติในลักษณะเดียวกับที่เราแปล พูด จากภาษาสเปนเป็นภาษารัสเซีย และถึงกระนั้น กระแสดนตรีก็ไม่ต่อเนื่อง แต่แบ่งออกเป็นส่วนๆ - ทั้งเล็กและใหญ่ - และส่วนนี้สามารถรับรู้ได้ด้วยหู

ตอนนี้ เมื่อฉันเริ่มพูดถึงไดนามิก เสียงต่ำ จังหวะ ท่วงทำนอง ฮาร์โมนี่ โพลีโฟนี และโครงสร้าง เราจะรู้แล้วว่าเรากำลังพูดถึงอะไร

จำไว้ว่าดังที่กล่าวไว้ข้างต้น จำเป็นต้องมีสามสิ่งที่จะเข้าใจดนตรี และจนถึงตอนนี้เราได้พูดถึงเพียงสิ่งแรกเท่านั้น - ความสามารถในการแยกแยะองค์ประกอบของภาษาดนตรีด้วยหู

ดนตรีวิทยาสมัยใหม่ใช้หลักการพื้นฐานของวิธีการทางสัญศาสตร์กับดนตรีและภาษาของมัน ภาษาของดนตรีถือได้ว่าเป็นชุดของวิธีการทางดนตรี (องค์ประกอบ) ที่พัฒนาขึ้นในกระบวนการพัฒนาทางประวัติศาสตร์และมีโครงสร้างที่ซับซ้อนซึ่งถือเป็นมรดกทางวัฒนธรรมร่วมกัน องค์ประกอบทั้งหมดเชื่อมโยงถึงกัน

โลกรอบตัวเต็มไปด้วยเสียงต่างๆ นานา: นี่คือเสียงที่ออกเสียงโดยตัวเขาเองและด้วยความช่วยเหลือของเครื่องดนตรีเพื่อแสดงความคิด ประสบการณ์ และเสียงที่มีอยู่ในธรรมชาติโดยตรง วัตถุใดๆ สามารถสร้างเสียง (ทั้งที่เคลื่อนไหวและไม่มีชีวิต) ของคุณสมบัติต่างๆ ได้ยินเสียงจากทุกที่ สามารถได้ยินได้ทุกที่ ทั้งที่บ้าน ที่ทำงาน บนชายฝั่ง ในป่า ฯลฯ บางครั้งผู้แต่งก็ถ่ายทอดเสียงธรรมดาๆ ไปเป็นเพลงชิ้นหนึ่ง จากนั้นจึงได้รับสถานะของเสียงดนตรีซึ่งนำไปสู่ความคิดที่ว่าเสียงกรีดร้อง เสียงของเอฟเฟกต์สามารถเรียกได้ว่าเป็นดนตรี หากรวมไว้ในกระแสข้อความดนตรี และพวกเขาได้รับความหมายทางดนตรี

ตามเนื้อผ้า องค์ประกอบของภาษาของดนตรีที่เป็นระบบสัญญาณพิเศษนั้นรวมถึงเสียงที่มีระดับเสียง ความดัง ระยะเวลา และเสียงต่ำ ซึ่งประกอบเป็นท่วงทำนอง ความกลมกลืน (พยัญชนะเดี่ยว คอร์ด) เสียงดนตรีซึ่งมีปฏิสัมพันธ์ซึ่งกันและกัน ทำให้เกิดรูปแบบจังหวะเมโทร-ริทมิก กลายเป็นงานที่มีภาพลักษณ์ทางดนตรีบางอย่าง

คุณลักษณะเฉพาะของภาษาของดนตรีคือการมีระดับสัญญาณต่างกันซึ่งมีปฏิสัมพันธ์ซึ่งกันและกัน การแสดงออกทางดนตรีมีระดับต่อไปนี้ (ภาษาดนตรี) ซึ่งสร้างระบบของระดับ: ระดับเสียง (โหมด ความกลมกลืน เสียงทุ้ม รีจิสเตอร์ โทนเสียง ท่วงทำนอง); จังหวะ (รูปแบบจังหวะ); ด้านองค์ประกอบ (กระบวนการดนตรีโดยรวม): ทั้งหมดหมายถึงการสร้างองค์ประกอบ; การตีความการแสดง (agogics, articulation, strokes และ performance intonation) ภาษาของดนตรีเป็นระบบที่แตกต่างกันซึ่งมีองค์ประกอบทั้งที่มีการจัดระเบียบสูง (ด้านฮาร์มอนิก) และมีการจัดระเบียบน้อยกว่า (ไดนามิก)

ดังนั้น ภาษาของดนตรีจึงเป็นระบบแบบหลายระดับที่มีลำดับชั้นที่ซับซ้อน ซึ่งมีลักษณะเฉพาะโดยมีแนวโน้มในการพัฒนา ความสม่ำเสมอ และความเป็นไปได้ในการอัปเดตส่วนที่ประกอบขึ้นเป็นเพลง 48. ความสามัคคีเป็นองค์ประกอบของภาษาดนตรี

ความสามัคคี (กรีกโบราณἁρμονία - การเชื่อมต่อ, ระเบียบ; ระบบ, ความกลมกลืน; ความเชื่อมโยงกัน, ความได้สัดส่วน, ความกลมกลืน) - ความซับซ้อนของแนวคิดของทฤษฎีดนตรี ความกลมกลืนเรียกว่า (รวมถึงในการพูดในชีวิตประจำวัน) ความสอดคล้องของเสียงที่น่าฟังและเข้าใจโดยจิตใจ (แนวคิดทางดนตรีและสุนทรียศาสตร์) ในมุมมองทางวิทยาศาสตร์ แนวคิดนี้นำไปสู่แนวคิดเชิงองค์ประกอบและทางเทคนิคของความกลมกลืนเป็นการผสมผสานระหว่างเสียงเข้ากับเสียงพยัญชนะและลำดับปกติ ความสามัคคีเป็นวินัยทางวิทยาศาสตร์และการศึกษาในทางปฏิบัติศึกษาการจัดระดับเสียงของดนตรี

แนวคิดเรื่องความกลมกลืนถูกนำมาใช้เพื่อกำหนดลักษณะของระบบระดับเสียงที่จัดอย่างมีเหตุผล: ประเภทของโหมด (ความกลมกลืนของโทนเสียง, ความกลมกลืนของโทนเสียง), สไตล์ดนตรี (เช่น "ความกลมกลืนแบบบาโรก"), ศูนย์รวมเฉพาะของระดับเสียง ("ความกลมกลืนของ Prokofiev") คอร์ดลักษณะ (ความสามัคคีเป็นคำพ้องความหมายสำหรับคำว่า " คอร์ดพยัญชนะ)

อย่างไรก็ตาม แนวคิดเรื่องความสามัคคีไม่ควรสับสนกับแนวคิดของ "การบรรเลงประกอบ", เสียงพ้องเสียง (เช่น ในสำนวน "ทำนองและความสามัคคี" แทนที่จะเป็น "ทำนองและเสียงประกอบ" หรือแทนที่จะเป็น "ทำนองและคอร์ด"; "พหุเสียง" และความสามัคคี" แทน "พหุเสียงและพ้องเสียง" )